Ramasse-bave

L'Alphabet coréen Hangul pour la première fois exporté

2009-09-09T10:49:00.000-07:00

C'est la première fois que la Corée connaît un rayonnement culturel de ce type. Assez modeste, il est vrai: le gouvernement d'une île indonésienne (Cia-cia) a jugé pratique d'adopter l'écriture coréenne pour transcrire sa propre langue (par ailleurs éloignée grammaticalement du coréen). Discrète vague de fierté dans la presse de la péninsule, ici ou là... Il est vrai que ce n'est pas rien: cet événement, ajouté à d'autres phénomènes, l'annonce que la Corée accueille maintenant suffisamment d'étrangers pour que cela devienne significatif d'un point de vue sociologique, par exemple, laisse à penser que la page "royaume ermite" est cette fois bel et bien tournée dans l'histoire du pays.

Croquis à la galerie de l'évolution

2009-08-25T07:55:00.000-07:00

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Tiens, il fait beau.

Une journée idéale pour s'enfermer avec des squelettes et des bocaux de formol.

Le mur comme théâtre d'ombres

2009-06-17T04:00:00.000-07:00

J'ai entendu parler d'un usage détourné des murs en papier de riz des maisons traditionnelles coréennes (Hanok), qui relève de la décoration spontanée: quand la nuit est claire, les ombres des plantes sont projetées dessus depuis l'extérieur et visibles par transparence. Ce petit rien est apparemment assez apprécié, dans la tradition. Contrepartie du truc: tant que la lumière reste allumée à l'intérieur, les habitants offrent évidemment un spectacle d'ombres gratuit au premier voyeur venu...

Si nous aimons la musique, c'est parce que... Quoi au fait?

2009-05-08T04:19:00.000-07:00

L'actualité scientifique est assez musicale en ce moment. Ici, c'est une expérience réalisée avec le concours d'un peuple africain apparemment préservé de la mondialisation musicale, expérience qui tendrait à soustraire une partie de l'émotion musicale au relativisme culturel (l'article n'y va pas de main morte sur les conclusions, donc prudence (1)). Là, c'est une chercheuse de Harvard, qui, passant ses journées à regarder danser des perroquets (Eh oui, pas de Schtroumfissime pour venir la gonfler, voilà qui va faire rêver nos chercheurs), aurait relié une capacité d'écoute de la musique à la faculté d'articuler des sons. À côté de la thèse de Leibnitz selon laquelle "si nous aimons la musique, c'est parce que nous comptons inconsciemment", il y en aurait donc une autre qui l'associerait plutôt à une forme d'intelligence vocale, si j'ai bien suivi - ce qui ne veut pas dire qu'il n'y ait pas, après, plusieurs manière de l'apprécier.

Si la première expérience tend à relativiser le rapport de l'écoute musicale à telle ou telle langue, la seconde semble devoir la rattacher à une forme "en puissance" de la faculté de parler.

Quant à faire de la musique, c'est encore autre chose...

(1) - j'ai vu plus d'éléments sur la seconde recherche que sur la première.)

Boire un thé aux chrysanthèmes et bouquiner

2009-05-05T12:16:00.000-07:00

Dans la rue Monsieur le Prince, près de l'Odéon se trouve l'espace Han-Seine, un restaurant coréen-salon de thé-librairie-et j'en passe (cours de langue, ateliers divers, conférences...) On y vend des objets d'artisanat et à peu près tous les bouquins qui ont un lien quelconque avec la Corée (littérature, ouvrages documentaires, livres illustrés, mais aussi des bédés et les livres des éditions Chan-Ok dont je parlais là).

Quand on prend un thé aux chrysanthèmes, on vous donne une bouilloire d'eau pour le ranimer et ça dure tout l'après-midi. Bref, un endroit peinard, un peu comme on en trouve dans le quartier Insadong à Séoul.

(Et presque en face dans la même rue il y a une grande librairie chinoise, où pour le coup on trouve à peu près tout ce qui paraît dans le monde concernant l'Asie... J'exagère à peine.)

Quoi de neuf, petit homme?

2009-05-03T02:32:00.000-07:00

Ce roman de Hans Fallada (1897-1947), le second traduit en français, contemple au présent une Allemagne bizarre où les employés de bureau, les vendeurs et autres moyennes gens, aussi déstabilisés par la crise que par les nouvelles méthodes de gestion des ressources humaines, cherchent à remettre un peu de sens dans leur vie en se tournant vers le communisme, le nazisme ou le naturisme...

Ne sachant pas encore où tout cela va mener l'Europe, l'auteur ne privilégie pas forcément les éléments pour nous porteurs de signification historique. Ce quotidien disparu, bien qu'il soit dépeint avec peu d'effets, m'a donc apporté un certain sentiment de nouveauté. C'est également le cas dans son chef d'oeuvre, Seul dans Berlin (par lequel il vaut mieux commencer, sans doute), mais avec un contexte historique beaucoup plus dramatique: 39-45. Cet autre livre montre notamment le comportement habituel des Hitlerjungen jusque dans leurs familles ou les rapports conflictuels de la police judiciaire et des SS, fait assez peu abordé ailleurs. Mais j'ai toujours tendance à présenter les oeuvres réalistes comme de précieuses sources micro-historiques, ce qui les dessert un peu. Franchement à mon avis, les romans de Fallada valent cinquante fois mieux que les pensums chiants comme la pluie de Günther Grass, voilà, je cherchais le compliment approprié.

Rapprochements fortuits? - Ben oui, peut-être finalement...

2009-04-30T09:34:00.000-07:00

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J'ai revu High and Low, mon Kurosawa préféré dans la série des films noirs, dont je parlais ici en soupçonnant une scène importante d'avoir une légère tonalité xénophobe... J'avais trouvé révélateur que le lieu où le méchant vienne acheter de l'héroïne soit précisément un bar coréen, et j'avais vu derrière la représentation des américains quelque chose d'un peu revanchard. (enfin c'est plus nuancé dans le billet d'origine).

J'ai, donc, revu ce film en compagnie de quelqu'un qui était susceptible de réagir là-dessus. Verdict: si la volonté japonaise de se montrer à son avantage face aux américains a bien été perçue, en revanche la personne n'a pas été très convaincue par l'idée que la langue coréenne sortait diabolisée de cette scène. En fait, ces inscriptions en plusieurs langues lui semblaient assez anodines près d'un port (où se déroule l'action).

Bref, que Kurosawa puisse ou non m'attaquer en diffamation cinquante ans après, cela n'a pas beaucoup d'importance, mais par contre tout le petit jeu d'analyses auquel je me livrais à propos de la juxtaposition du texte et de l'image n'apparait pas très fondé. Flagrant délit de "lecture de l'image" dans le mauvais sens du terme.

Traçabilité de l'humaine bidoche

2009-04-21T04:09:00.001-07:00

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Une condamnation du tribunal de grande instance de Paris vient d'interdire l'exposition "Our Body", qui mettait en scène de vrais corps humains préparés à l'aide d'une résine spéciale, méthode autorisant des postures très variées. Il semble que la provenance douteuse des corps soit la principale raison de cette sanction.

Nos amis nécrophiles pourront se reporter sur les écorchés d'Honoré Fragonard (je crois que le même genre de doutes pèse sur certains d'entre eux, mais il y a prescription). Ci-dessous, le Cavalier de l'apocalypse:

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Expo Rivière

2009-04-19T04:37:00.000-07:00

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Une exposition Henri Rivière vient de commencer à la BNF. L'occasion de voir des tirages originaux de la plupart des travaux de ce graveur sur bois qui a rêvé de refaire l'œuvre d'Hokusai à partir de ses propres lieux de prédilection et motifs de saison.

Barthmania

2009-03-07T07:02:00.000-08:00

On dirait que Roland Barthes est mûr pour le Panthéon. On en a parlé ici, là, là, encore là : ce serait céder à la facilité de dire qu’on le mythifie. On dit souvent de Barthes que c’était une plume formidable, mais que cela éclipse sa pensée, et que l’on reconnaît son talent d’écrivain pour mieux dissimuler qu’il nous dérange encore.

Je ne cacherai pas qu’il m’a dérangé quand j’ai lu pour la première fois Mythologies : je croyais aimer la montagne pour elle-même et j’ai appris que c’était par un atavisme bourgeois helvetico-protestant dont je n’ai pas retrouvé la trace dans ma généalogie ; j’ai également su que j’étais en puissance une sorte de pédomanipulateur mental porté à faire de l’enfant un pâle homoncule, copie réduite de l’adulte, car si j’avais un cadeau à faire à un moins de dix ans, j’étais susceptible de choisir une miniature en matériaux synthétiques ; par ailleurs, ne trouvant pas absurde que l’on fasse passer un encéphalogramme à Einstein, je me rendais également coupable d’une sorte de scientisme pentecôtiste (enfin je crois avoir compris ça). Comme le profane qui ouvre un dictionnaire de médecine, je m’apercevais que je présentais toujours l’un ou l’autre symptôme des pathologies décrites. Et pas de guérison possible, il cite St Just à la fin : le grand nettoyage révolutionnaire, etc. Bon, en même temps, quand on prend la pensée invectivante au premier degré on est forcément le dindon de la farce. Et puis nous sommes d’accord sur l’idée qu’il faut faire entrer le catch au répertoire de la Comédie Française, ce n’est pas négligeable.

Bref, je vais participer à la Barthmania, par une citation. C’est un passage de l’autocritique qui clôt Mythologies (« Le mythe aujourd’hui ») :

[…] le mythologue : il risque sans cesse de faire s’évanouir le réel qu’il prétend protéger. Hors de toute parole, la DS 19 est un objet technologiquement défini : elle fait une certaine vitesse, elle affronte le vent d’une certaine façon, etc. Et ce réel là, le mythologue ne peut en parler. Le mécano, l’ingénieur, l’usager même parlent l’objet ; le mythologue, lui, est condamné au métalangage. […] le vin est objectivement bon, et en même temps la bonté du vin est un mythe : voilà l’aporie. Le mythologue sort de là comme il peut : il s’occupera de la bonté du vin, non du vin lui-même, tout comme l’historien s’occupera de l’idéologie de Pascal, non des pensées elles-mêmes.

Dans ce passage, le Roland Barthes de la première période révèle cartes sur table en quoi sa pensée le dérange lui-même et en quoi il appelle la critique. Le demi-siècle qui nous sépare de lui nous donne un recul qui accentue encore « l’aporie » : on prétend simultanément que le langage peut être son propre référent (métalangage), et qu’une phrase telle que « Hors de toute parole, la DS 19 est un objet technologiquement défini : elle fait une certaine vitesse, elle affronte le vent d’une certaine façon, etc. » nous donne une idée satisfaisante de ce qu’est le réel :« hors de toute parole » seraient des formules de la science, telles que la vitesse, la résistance au vent… Problème.

Dans « Le mythe, aujourd’hui », Barthes s’inquiétait du fait que tout entre ses mains devenait mythe. C’est à se demander s’il n’a pas en fait exposé un seul véritable mythe : celui du langage-matière. L’emploi autonymique des mots (« chat prend un S au pluriel », « rouge est un adjectif de couleur ») serait le grand mythe linguistique, par lequel on se donne l’illusion de pouvoir remonter du signifiant au signifié, de la structure au sens. J’ai été éduqué dans une langue, mon oreille segmente les mots, donc je peux concevoir quelque chose comme une phonématique, une syntaxe, puis je crois que je peux traiter de la même manière la sémantique, comme une combinatoire de traits, et je profite de l’amalgame sémiotique qui étend le mécanisme de la signification à peu près à tout, pour faire du signe un principe néantisant. En prime, la notion de mythe permet d’assimiler n’importe quoi à une sorte de pensée magique (malgré la redéfinition laïque du mythe, cette connotation est abondamment exploitée).

Démythifier le foot ou la voiture est tentant pour le littéraire. Mais jouer une idéologie contre une autre ne constitue pas une discipline. Et le style de Barthes vaut quand même mieux que ses dogmes.

Optimisez votre production artistique en fonction de la demande en valeurs défensives

2009-02-26T04:50:00.000-08:00

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C'est toujours rigolo le destin de l'Art vu par l'Expansion:

Deux inquiétudes majeures pèsent néanmoins sur l'ensemble du marché de l'art : le marché va-t-il être abondamment alimenté en oeuvres en raison d'un fort besoin en liquidité des collectionneurs, ou au contraire va-t-il s'appauvrir en raison de la réticence à vendre des collectionneurs face à la baisse des prix ? Par ailleurs, y a-t-il suffisamment de liquidités sur le marché pour que ces oeuvres trouvent des acquéreurs ?

Le nombre de lots par artiste proposés sur le marché va sans doute se réduire en 2009, notamment sur le secteur de l'art contemporain. La production des artistes sera probablement optimisée en fonction de la demande. Quant au manque de liquidités des acquéreurs, Thierry Ehrmann reste confiant. « En temps de crise des marchés financiers, l'art apparaît comme une valeur défensive. Beaucoup de liquidités des marchés financiers vont donc se reporter dans le marché de l'art », conclut le président d'Artprice.

Rappelons aux artistes que le suicide est une valeur-refuge. La preuve: Van Gogh.

Encore de la promo pour des trucs coréens

2009-02-08T11:34:00.000-08:00

Si vous avez un livre à offrir à un enfant (genre sage, avant la période Grand Theft Auto), et que vous souhaitez lui faire découvrir un ailleurs, vous pouvez taper dans le catalogue des éditions Chan-ok (chez Flammarion), qui regroupe les travaux d'illustrateurs coréens aux styles variés, plus ou moins librement inspirés de la tradition.

Alberto Breccia

2009-01-14T09:48:00.000-08:00

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Il est sorti la semaine dernière au cinema une vie de Che Guevara qui a semble-t-il reçu un avis plutôt mitigé (voir par exemple: article de Libé ou interview du réalisateur par François Forestier).

Je n'ai pas vu le film, et je ne raffole pas des révolutions, ça fait trop de taches sur les murs pour porter au pouvoir des patriarches sadiques qui mettent des lustres à attraper des cancers de la prostate. Mais le débat qui accompagne le film, et qui tourne souvent autour de la question: "est-ce que ça a un sens une bio du Che ici et maintenant?", m'a rappelé que l'entreprise a déjà été tentée en BD, tandis que l'actualité des faits était encore brûlante.

Il s'agit du Che des argentins Alberto et Enrique Breccia (dessin) et Hector Oesterled (scénario), dont on peut voir quelques pages sur le site de Fremok, l'éditeur français. Le livre, qui a été conçu à des fins militantes et ne cache pas ses intentions hagiographiques, est un étrange mélange d'un style comic classique et des expérimentations (collages, taches, motifs psychédéliques, mélange de réalisme et de caricature) caractéristiques de Breccia père (Alberto). C'est semble-t-il cet album, entre autre choses, qui vaudra au scénariste d'être assassiné par la dictature militaire.

Alberto Breccia, maître de Munoz, a produit par la suite un énorme roman BD, Perramus, dont chaque case est une vraie composition picturale. On pourra commencer par là si l'on veut en prendre plein les yeux.

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Le Monde des couleurs

2008-12-14T00:34:00.000-08:00

Un site très complet recense les systèmes de couleurs imaginés au cours de l'histoire par des scientifiques et des artistes: Newton, Lambert, Goethe, etc. Une deuxième partie est consacrée aux classifications et aux symbolismes traditionnels de la couleur dans différentes cultures. Le site reproduit les illustrations historiques des textes et propose aussi ses propres moyens de visualisation des systèmes.

On y trouvera en particulier les détails d'un projet de modélisation en 3D de l'espace chromatique imaginé par le peintre Philipp Otto Runge, correspondant de Goethe (illustration historique ci-dessous).

On perçoit une fois de plus dans ce système la prédilection du romantisme pour la sphère: l'espace chromatique de Runge est un globe à la surface duquel sont réparties les couleurs simples, le blanc et le noir à chacun des pôles, et au centre duquel se trouve le gris absolu. L'épaisseur contiendrait toutes les couleurs intermédiaires.

Reflets, ombres, transparences

2008-12-09T08:55:00.000-08:00

Tant que nous sommes à parler de l’impressionnisme : j’ai regroupé une petite collection de détails picturaux qui voudrait montrer l’évolution du traitement du reflet au dix-neuvième (un thème éculé, mais tellement riche…). Dans les trous entre les tableaux, on a collé des bouts de texte avec Photoshop. C’est un peu immonde, mais le format permet de mieux profiter des œuvres que sur le blog, sans ouvrir tout le temps d’autres onglets.

Cliquez sur la photo ci-dessous pour accéder au diaporama. (Quand la fenêtre s’ouvre, faites rapidement pause et guidez-vous avec les flèches en bas, à moins d’être un mutant de Borges capable de photographier tous les détails d’une image ainsi qu'un texte en trois secondes).

À la fin de la série se trouvent des reproductions de tableaux de Gerhardt Richter. L’ensemble de l’œuvre de ce peintre est visible sur son site personnel.

- Les bourgeois du dix-neuvième, ces incompris.

2008-11-28T02:34:00.000-08:00

J’ai longtemps retourné dans ma tête un texte de Bourdieu sur Manet et Flaubert, extrait d’un entretien avec un historien, qui me semble passer complètement à côté de son objet (Toujours ma manie de réagir à chaud sur des choses hors d’actualité):

« Manet institue l’univers dans lequel plus personne ne peut dire qui est peintre, ce qu’est le peintre comme il faut. Pour employer un grand mot, un monde social intégré, c’est à dire celui que régissait l’Académie est un monde dans lequel il y a un nomos, c’est à dire une loi fondamentale et un principe de division. Le mot grec « nomos » vient du verbe « nemo » qui veut dire diviser, partager. Une des choses que nous acquérons à travers la socialisation, ce sont des principes de division qui sont en même temps des principes de vision : masculin/féminin, humide/sec, chaud/froid, etc. Un monde bien intégré, académique dit qui est peintre et qui ne l’est pas ; l’Etat dit que c’est un peintre parce qu’il est certifié peintre. Du jour où Manet fait son coup, plus personne ne peut dire qui est peintre. Autrement dit, on passe du nomos à l’anomie, c’est à dire à un univers dans lequel tout le monde est légitimé à lutter à propos de la légitimité. Plus personne ne peut dire qu’il est peintre sans trouver quelqu’un qui contestera sa légitimité de peintre. Et le champ scientifique est de ce type, c’est un univers dans lequel il est question de la légitimité mais il y a lutte à propos de la légitimité. Un sociologue peut toujours être contesté dans son identité de sociologue. Plus le champ avance, plus son capital spécifique s’accumule, plus, pour contester la légitimité d’un peintre, il faut avoir du capital spécifique de peintre. Apparemment, les mises en forme de contestation radicale, par exemple les peintres conceptuels d’aujourd’hui qui apparemment mettent en question la peinture doivent avoir une formidable connaissance de la peinture pour mettre en question adéquatement, picturalement la peinture et non pas comme l’iconoclaste primaire. L’iconoclasme spécifique accompli par un artiste suppose une maîtrise virtuose du champ artistique. »

« Sur la plage » - esquisse de Manet âgé (1873)

Bourdieu fait de Manet et Flaubert des sommets de la peinture et de la littérature, et en même temps des iconoclastes. Plus que cela, on dirait qu’ils ont développé leurs moyens artistiques par goût des emmerdes et des procès.

Voilà ce qui provoque souvent ma méfiance dans le regard de certains philosophes sur l’art : le philosophe peut revenir sur des moments historiques de la philosophie, pour leur restituer leur enjeu et imaginer ce qui pourrait être déplacé dans la pensée moderne si l’on empruntait une autre voie à partir d’un de ces moments critiques ; mais bizarrement, dès qu’il s’agit d’art, pas besoin de rétablir les enjeux. Manet et Flaubert sont interprétés d’après le « destin » de l’art à venir, et basta.

Tout de même. Il faut d’abord rappeler que ces gens là étaient relativement éloignés de nos façons actuelles de penser. Ils avaient du temps à revendre, plein de pognon. Ils auraient probablement été jugés moins sévèrement par la plupart de leurs semblables s’ils s’étaient contentés de faire vaguement fructifier leur bien au lieu de créer. Nous, nous, sommes un peuple de tâcherons bornés et aliénés, y compris dans la haute société pour ce que j’en perçois. Certains d’entre nous sont incapables de quitter leur boulot de cons quand ils gagnent au loto, faute de désir. Nous ne sommes pas assurés de comprendre, Manet, Monet, Flaubert, Mallarmé…, de pouvoir les analyser comme objets.

Il me semble par conséquent que la motivation qui pouvait pousser un bourgeois du dix-neuvième à opter pour une activité qui le déclasse (un choix : sinon, pourquoi ne pas faire de l’art comme il faut ? Flaubert aurait-il été incapable d’écrire comme Feydeau ?), cette motivation nous échappe parfois aujourd’hui. Manet, Monet, Flaubert, Cézanne, Mallarmé, auraient peint ou écrit pour s’approprier en paysans parvenus le « champ » esthétique ? Vraiment inconsciemment alors, parce que tout dans ce que nous savons de l’attitude de ces rentiers montrait plutôt qu’ils n’en avaient au mieux pas grand-chose à foutre, et même pour certains d’entre eux, subissaient un public dont ils se seraient bien passés s’ils avaient pu toucher séléctivement un cercle restreint d’amateurs sans passer par la notoriété.

Plus profondément, chez les pré-impressionnistes (Manet jeune), les premiers impressionnistes (Monet) et les para-impressionnistes (Caillebotte), il me semble qu’était cultivé le rêve d’accéder à un monde de la vision fait de taches colorées, symétrique du monde invisible de la science par rapport au monde de la certitude et du sens commun. C’est peut-être un mythe. Mais quand bien même, il est toujours utile de rappeler la mythologie de l’époque dont on parle. Manet est donc à distinguer d’une première version du Marcel Duchamp de la Fontaine, en cela qu’il ne traite pas son medium avec ironie, même quand il provoque. Ce monde de la lumière semble d’autre part une composante essentielle de la sensibilité moderne naissante : c’est sans doute encore lui, le « règne de tournantes clartés » qui obsédait St John Perse.

Autre point qui fait rapprocher les impressionnistes de la démarche contemporaine : ils auraient pioché indifféremment leurs sujets parmi les objets quotidiens pour s’exprimer (selon la logique hégélienne du sujet créateur absolu). C’est faux de Manet, de Monet et de Caillebotte. Leurs œuvres affirment seulement le primat du regard sur le dictionnaire d’idées reçues : si un parquet ou un poisson pourri te semblent un plus grand défi pictural que le cul d’une naïade, alors tu peins ceux-ci plutôt que cela ; si la peau de ton modèle est blafarde, tu en tires ton parti au lieu de dégainer ton tube de rose plus vite que ton ombre. La peinture figurative n’a peut-être plus droit à de telles prétentions à l’époque contemporaine (ça se discute). Mais en tout cas l’art conceptuel, exclusivement logorrhéique, en diffère si complètement qu’on peut si l’on veut juger l’un à partir de l’autre, mais on ne peut comprendre les aspirations de l’un à partir de l’autre.

De même pour Flaubert. J’ai souvent été décontenancé par un courant interprétatif majoritaire qui lisait les descriptions de Flaubert uniquement comme des cacas posé sous le nez du lecteur romantique, affirmation d’un sentiment de supériorité. Certains propos du romancier sur son œuvre passent ainsi couramment à la trappe, par exemple : « Il faut faire s’aimer les arbres et tressaillir les granits. On peut mettre un immense amour dans la description d’un brin d’herbe ». De ce genre de déclaration, il semble difficile de discuter aujourd’hui.

Regarder et ressentir est gnangnan, seule la polémique est adulte. Cela me semble un élément important de la doxa actuelle en matière d’art. On a entièrement le droit de s’en tenir à ça, on peut éclairer bien des faits d’histoire de l’art comme ça, mais alors pourquoi tant d’intérêt pour l’impressionnisme ? Et pour le roman réaliste ? Par ailleurs, rien ne dit que d’autres faits ne nous échappent pas, et que les bons bourgeois du dix-neuvième, là où ils sont, cachent peut-être derrière leurs barbes de lichen des secrets sur le bonheur que l’analyse marxiste a complètement recouverts.

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L'Homme qui marche et la femme qui part

2008-11-24T00:54:00.000-08:00

Reprise de la série des billets sur Giacometti.

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Dans ses entretiens avec le peintre (L'Atelier d'Alberto Giacometti, éd. L'Arbalète), Jean Genet rapporte que les statues de femme lui procurent une sensation d'éloignement proche de la terreur sublime:

"Chaque statue nettement est différente. Je ne connais que les statues de femmes pour lesquelles Annette [NB la femme du sculpteur] a posé, et les bustes de Diego [le frère] - et chaque déesse et ce dieu - ici j'hésite: si devant ces femmes, j'ai le sentiment d'être en face de déesses - de déesses et non de la statue d'une déesse - le buste de Diego n'atteint jamais à cette hauteur, jamais jusqu'à présent, il ne recule - pour en revenir à une vitesse terrible - à cette distance dont je parlais."

Observation qui concorde avec les explications de l'artiste lui-même, puisque Giacometti affirmait percevoir un éloignement de la figure quand il observait les silhouettes de danseuses sur une estrade où quand il admirait une passante dans la rue (donc que la forme humaine s'éloigne concrètement, s'approche ou fasse du sur place).

De manière troublante, une expérience de psychologie de la perception menée par des australiens et commentée par S. Bohler semble accréditer le fondement commun de cette illusion. L'explication avancée est que nous n'aurions pas le même intérêt à rejoindre un homme ou une femme et à être rejoints par eux, et que le traitement perceptif d'une silhouette ne serait pas le même selon le cas.

À prendre avec une extrême précaution, naturellement, mais par le fait même que de telles expériences se multiplient, le caractère irréductiblement subjectif et individuel de la perception tend à être mis en question.

Massacre à l'ongle sale

2008-11-21T04:18:00.000-08:00

Il y a quelques temps, j’ai été faire un tour au musée de la marine. Un musée pépère. De temps en temps ça change des expos à scénographie branchouille.

Et puis, outre un tas de reliques maritimes (dont les parties sculptées d’un bateau du XVIIe, assez monumentales), il y a un large échantillon du travail des peintres de la marine des origines à nos jours. C’est un genre à part, on y trouve souvent de très bons techniciens.

Bref, dans l’avant dernière salle, (enfin, j’ai fait le parcours à l’envers) je vois un gamin dans les dix ans en train de gratouiller le vernis d’un grand tableau accroché au mur de droite, et dont je ne peux pas distinguer le contenu d’où je suis, à cause des reflets. La mère finit par embarquer le merdeux, qui a bon goût : le tableau était une marine de Joseph Vernet (1714-1789), paysagiste précurseur en France de l’esthétique du sublime. (1)

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(Enfin, c’était pas ce tableau-là, la victime d’un laxisme éducatif qui nous coûtera cher.)

J’ai été surpris, je ne savais pas que le musée avait une collection aussi riche (à peu près dix tableaux de ce peintre, je crois). On en trouvera un aperçu ici, mais les couleurs sont un peu altérées. J’y retournerais bien pour photographier directement quelques détails (apparemment, on a le droit).

(1) Le premier lien renvoie vers des pages un peu kitsch, mais claires. Un autre lien plus technique sur le même sujet : le texte intégral ou presque du traité du sublime d’E.Burke (XVIIIe siècle)

Expo: L'Esprit Mingei

2008-11-03T05:14:00.000-08:00

Dernièrement, j’ironisais sur la faible empathie de certains sites nippons vis-à-vis de certains pays autrefois envahis par l’empire du soleil levant.

Il y a trois jours j’ai été voir l’expo « l’esprit mingei », au musée des arts premiers, où j’ai entendu parler de Yanagi Soetsu, critique japonais promoteur de l’art populaire qui a voulu contribuer à la reconnaissance de productions coréennes, en pleine période coloniale. Je cite cela ici : ça nuance la vision qu’on peut avoir de cette époque.

Tout cela est d’autant plus compliqué qu’il semble bien que la reconnaissance d’une certaine richesse culturelle ait également servi d’argument à l’entreprise coloniale, qui s’est d’avantage basée sur l’idée d’une parenté entre Corée et Japon que sur celle d’une infériorité de race.

Zoulies images, mais...

2008-10-21T04:52:00.000-07:00

Il y a quelques mois, j’ai mis dans mes liens un site sur l’estampe japonaise d’avant-garde au XXe siècle (Sosaku Hanga). J’avais surtout prêté attention à la partie histoire de l’art (qui donne des précisions sur un phénomène qui m’avait déjà frappé : le monde de l’art dans cette partie du monde était au courant quasiment en temps réel de ce qui se passait en Europe – arts déco et expressionnisme allemand en particulier), et je l’avoue, j’avais quelque peu survolé la partie histoire factuelle, notant quelques petites traces de nippocentrisme (la défaite de 1945 vue comme un grand malheur et non comme le résultat d’un demi-siècle d’agressivité), mais remarquant par ailleurs que le massacre de Nankin était mentionné, ce qui montre une certaine volonté d’acceptation des faits.

Et puis il y a une banque d’images comme je n’en ai pas vu d’équivalent ailleurs :

Auteur: Oda Kazuma (1881-1956)

Auteur: Onchi Kôshirô (1891 - 1955) - Salle de cinéma

Auteur: Onchi Kôshirô

Auteur: Ono Tadashige (1909 - 1990)

Auteur: Hiratsuka Un'ichi (1895 - 1997)

Mais en y retournant hier, j’ai à nouveau trouvé qu’il y avait des passages de moins bon goût que l’ikebana. Par exemple :

1910-1920 :
Japan’s growing power and influence met with a lot of resistance abroad. For Japan it was very difficult to be accepted as a major player in international politics: during the Versailles conference at the end of WWI Japan failed to obtain the Racial Equality Clause in the Covenant of the League of Nations. Japan’s growing influence in Korea and in the Chinese mainland was resented and obstructed wherever and whenever possible. Japan became more modern every year, but its problems grew proportionally as well.

« Influence » c’est quand même un euphémisme pour les événements dont il est question. Et puis se plaindre que les autres vous aient empêché de coloniser tranquille ça révèle une conscience historique encore assez jeune, un peu brute de décoffrage, rock’n’roll sur les bords.

Ou alors :

1950-1960 :
The challenges facing the government were huge. After the establishment if the MITI (the Ministry of International Trade and Industry) in 1949 it was decided to focus recovery on four industries: coal-mining, steel, ship-building and the chemical industry. The Korean war (sometimes referred to as “the gift from the gods”) helped economic recovery. In 1955 The US GNP (Gross National Product) was sixteen times that of Japan. Twenty years later, in 1974, it was only three times that of Japan, and Japan had become the second-largest economic power.

C’est quand même très très ambigu, tout ça. Cette manière, sous la froide objectivité, de tirer en cachette les cheveux du petit voisin… Bon, je le garde dans ms liens, mais je vais mettre une petite note qui renvoie à ce billet juste devant.

- Bouquin

2008-10-17T06:12:00.000-07:00

J'ai déjà pas mal parlé de l'art en Corée ici, mais pas beaucoup de livres. Le premier que je conseillerais de lire c'est:

La nouvelle qui donne son titre au recueil est vraiment excellente. Un retour dans le milieu scolaire, à la fois familier et quelque peu étranger pour nous...

VERT,E : adj. De la couleur du concombre ou du char d’assaut commun, située entre le bleu et le jaune

2008-10-09T04:15:00.000-07:00

Les rédacteurs de mon dico (un vieux Larousse), se sont visiblement partagé les noms et adjectifs de couleurs, et ils ont quelques subtiles différences de style…

- naturaliste :
« VERT, E : adj 1.De la couleur des plantes à chlorophylle, située, dans le spectre solaire, entre le bleu et le jaune et d’une longueur d’onde moyenne de 500 nm. « De l’encre verte », « une herbe verte et drue »… »
« VERT : nm 1. Couleur verte. « un beau vert émeraude »… »

- mallarméen :
« BLEU, E : adj De la couleur du ciel sans nuages, de l’azur. lumière bleue : une des six couleurs principales visibles issues de la décomposition du spectre solaire et dont la longueur d’onde moyenne est de 460nm »
« BLEU : nm couleur bleue. « un ciel d’un bleu très pur » »

- technique :
« POURPRE : n.m 1. Dérivé bromé de l’indigo, d’un rouge foncé, tiré autrefois du murex… »

- style « etc. » :
« JAUNE : 1. Se dit de la couleur du citron, du souffre, etc., placée dans le spectre visible entre le vert et l’orangé. »
« JAUNE : nm couleur jaune »
« ROUGE : 1. de la couleur du sang, du coquelicot, etc. « fruits rouges », « des tissus rouge foncé », lumière rouge :lumière dont la composition spectrale se trouve entre l’orangé et l’infrarouge.[…] rouge : nm, couleur rouge »

- « absente de tout bouquet » :
« ROSE : qui a la couleur pourpre pâle de la rose commune »

On doit s’arracher les cheveux quand on s’occupe de ça :
On essaie de définir chaque couleur de manière absolue comme une propriété physique, ou on s’arrange pour les situer les unes par rapport aux autres en soulignant le découpage arbitraire opéré par les termes ?; on donne des exemples qui explorent la palette des nuances ou un seul qui suggère la dominante ?; on définit le nom par l’adjectif ou l’inverse ? – c’est l’étymologie qui a l’air de fournir l’ordre ; pourquoi donne-t-on la longueur d’onde pour « violet, ette : de la couleur de la violette » et pas pour « orangé,e : de la couleur de l’orange » ?; le lexique spécialisé doit-il subir un traitement différent ?

Combien de lexicographes excédés, martyrs de la grande cause définitoire, attrapent finalement leur coupe-papier pour se faire seppuku sur leur copie, inondant le bureau d’une marée de sang n.m « liquide rouge qui circule dans les artères, les veines et les capillaires sous l’impulsion du cœur… etc. » ?

En fait, pour l’instant il ne semble pas y avoir de méthode parfaite car le statut de la couleur est un point de contact entre sémantique, épistémologie et esthétique qui reste en chantier, comme tend à le prouver ce résumé d’un cours de J. Bouveresse glané ici (2003 – Collège de France), où l’on trouvera répertoriées différentes positions théoriques par rapport à la couleur : éliminativisme, physicalisme, dispositionnalisme et primitivisme.

Dans un autre genre, voilà aussi l’adresse d’un site qui répertorie tout le vocabulaire des teintes.

Les Planches illustrées des ateliers viennois

2008-10-01T01:54:00.000-07:00

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On aura remarqué que ce blog a subi une petite panne récemment. Et ça continue, parce que ceci n’est pas vraiment un article, mais une petite collection d’images. On fera mieux la prochaine fois.

En ce moment, je bouquine un catalogue sur les arts décoratifs viennois : « Wiener Werkstätte, Les ateliers viennois 1903-1932 » de Christian Brandstätter, éditions Hazan. On y trouve reproduites des planches illustrées parmi lesquelles il y a un peu de tout : imagiers, illustrations de contes, proto-bandes dessinées… En voici quelques unes :

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Gustav Kalhammer : endroits de la maison et « Il était une fois un roi ».

Ugo Zovetti : « Oiseaux imaginaires »

Mela Koehler : « Six jeux d’enfants »

Franz Karl Delavilla : « Il était un fils de roi »

Moriz Jung : « Le géant et le cerisier »

Emil Orlik : « Errant dans le vaste monde, le chevalier vagabonde… »

Hans Kalmsteiner : « Théâtre de marionnettes »

Rudolf Kalvach : « Le tailleur chez Saint Pierre »

Moriz Jung : « Le roi et la danseuse »

Urban Janke : « Le bâillement fatal »

Oskar Kokoschka : « Le singe et le perroquet »

Rudolf Kalvach : « L’athlète et la comète ».

Toujours sur Paul Klee et la musique

2008-07-24T05:40:00.000-07:00

... Tant qu'on est dans la Klee-mania:

Dans son livre sur le peintre, Jean-Louis Ferrier lui attribue deux emprunts principaux à la musique : la fugue (thème du billet précédent) et la feuille de partition, qui va l’entraîner vers un autre parallèle, avec l’écriture cette fois.

Avec cette « Feuille extraite du livre de la cité » (1928), la peinture retrouve la proximité avec la chose écrite qu’elle a entretenue au sein de certaines civilisations de la haute antiquité (Egypte, Babylone, Chine). La correspondance peinture-partition-architecture entraîne une répétition de motifs qui provoque une nette division de la toile : celle-ci n’est plus du tout le module minimal.

La réflexion sur le rythme et le module est déjà présente dans un tableau de 1918 qui fait référence de façon encore plus explicite à l’art du bâtiment : « Ecriture architecturale » (les notions en question ont, pour ce que j'en sais, fait leur entrée officielle dans la théorie de l’architecture avec le traité de Vitruve).

Au stade où est parvenue l’histoire de l’art européen à l’époque de Paul Klee, il est difficile de contester radicalement la densité du tableau en tant que signe : le peintre peut composer selon la logique de la notation syntaxique, prévue pour être lue, pour qu’une succession dans le temps soit restituée, mais il sait bien que la première impression pour le spectateur non averti sera une harmonie d’ensemble, la perception simultanée de tous les éléments de la toile (de la même manière que le rythme se donne moins évidemment en architecture qu’en musique - sujette elle-même à la décomposition). La encore, il me semble que l'analogie est possible avec le vitrail medieval, subdivise comme une page pour ce qui est de la narration, mais constituant un tout du point de vue de l'eclairage.

La peinture musicale de Klee: phenomene de synesthesie?

2008-07-24T05:29:00.000-07:00

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Les biographes de Klee passent rarement à côté de sa passion pour la musique (son instrument etait le violon). Ce goût a été l’origine d’une recherche très poussée dans la lignée des démarches « Synesthétiques » du XIXe siècle (du côté français du mouvement : poésie de Baudelaire, de Rimbaud…). On peut juger de l’enthousiasme du peintre pour ce rapprochement entre deux arts, à travers cette citation de sa « Théorie de l’art moderne » :

« Ce qui était déjà accompli pour la musique avant la fin du XVIIIe siècle vient enfin de commencer dans le domaine plastique. Mathématiques et physique en fournissent la clé sous forme de règles à observer ou dont s’écarter. »

Kandinsky avait déjà entrepris d’attribuer des couleurs aux sons de tel ou tel instrument à l’époque du « cavalier bleu ». Au début des années vingt, Klee tente pour sa part la transposition elaboree d’un genre musical en peinture, expérience ainsi résumée par l’un de ses commentateurs en France :

« Il existe en effet dans la peinture de Klee quelques fugues, comme « Fugue en rouge », « Ville de rêve » ou « croissance des plantes nocturnes ». La fugue est l’une des formes les plus accomplies de la musique occidentale ; on la retrouve notamment chez Bach, où elle est à son apogée, chez Mozart, Beethoven, Mendelssohn, et déjà, à partir de la seconde moitié du XVIIe siècle, chez de nombreux autres compositeurs. Caractérisée par une écriture contrapuntique d’une extrême rigueur, elle s’articule en trois parties principales : l’exposition thématique, son développement et son résumé appelé strette. Il est inutile d’entrer ici plus avant dans le détail de son architecture ; pour comprendre le rôle qu’elle a joué dans la peinture de Klee, retenons qu’elle comporte des réponses d’une partie à l’autre, réglées selon une stricte polyphonie. On constate la même particularité dans « Fugue en rouge », où les quatre principaux éléments thématiques, parmi lesquels on reconnaît une cruche, se développent et se répondent, tant sur le plan formel que sur celui des couleurs, qui vont du rose au jaune et au violet. Les analogies avec la fugue sautent aux yeux : son battement, son rythme, tout y semble scandé avec une précision de métronome. »

Jean-Louis Ferrier, Paul Klee, éd. Terrail.

Cette technique inspirée du contrepoint musical a permis à Paul Klee d’aligner les chefs d’œuvre à l’aquarelle au cours de l’année 1921, avec notamment :

Ville de rêve

Jardin sec et frais

Il me semble qu’une des originalités de Paul Klee a été, au lieu d'associer une couleur a tel ou tel instrument ou d’établir une synesthésie par correspondance entre la hauteur des notes de musique et la chaleur des tons, en utilisant toute la gamme colorée, de se reposer plutôt sur les contrastes de clarté et d’intensité, et, au lieu de se perdre dans les motifs complexes suggérés par l’air musical, de traiter le signal simple et dense que constitue telle ou telle surface colorée à l’égal d’un motif complexe en musique, pour le faire résonner comme on le fait dans un canon (je frime, je serais bien incapable de parler de musique en détail). Ainsi a-t-il pu penser résumer l’esprit de la fugue en un tableau simple, concis.

En cela, la source d’inspiration me semble tout aussi visuelle que sonore. Ceux qui ont déjà éprouvé du plaisir à contempler, au saut du lit, la petite image du soleil diffractée par les persiennes et se répercutant sur le mur, démultipliée, possèdent sans doute leur propre clé pour entrer dans cette partie de l’œuvre, que l’on peut apprécier sans être forcément féru de musique ou synesthète.

(A propos de synesthesies, on trouvera par ailleurs ici un article qui tente de faire le bilan de recherches diverses. Mais au fond la demarche de Klee semble assez eloignee de la synesthesie passive.)