Popcorn Not Allowed Inside

Dare Mo Shiranai

2009-11-06T23:09:00.000Z

E se, de repente...

Os adultos fossem crianças. Inseguros, egoístas e irresponsáveis.
E as crianças fossem adultos. Sem infância, genuínos, honrados e responsáveis.
Como seria?
Nobody knows...

E se, por artes mágicas, o optimismo palpável em cada criança se desvanecesse porque a vida a isso os obrigou.
Como seria?
E se fosses tu?
Nobody knows...

E se o teu sonho fosse ver um avião e ter amigos para brincar. Se o teu sonho fosse ver uma planta crescer, num local onde só os sonhos não morrem, como seria?
Nobody knows...

E se Kore-eda não existisse e se não nos tivesse dado esta (e outras) pérola? Se aquela capacidade de transformar o triste em belo não existisse, como seria?
Nodoby knows...

Se o Japão não fosse o país ambíguo que cada vez mais parece ser e se a metrópole fascinante não escondesse o que parece esconder, como seria?
Nobody knows.

Se o Akira, a Kyoko, o Shigeru e a Yuki não fossem só imaginação, como seria?
...

Mas o Akira, a Kyoko, o Shigeru e a Yuki existiram mesmo. Com outros nomes. Noutro tempo. Não tão distante assim.
E o que mudou?

Ninguém sabe.

Amazing Grace: Jeff Buckley

2009-10-29T23:33:00.001Z

Em 2004 Laurie Trombley e Nyla Bialek Adams decidiram fazer algo que a todos nós já nos passou pela cabeça: homenagear Jeff Buckley.

Para atingir tal pretensão resolveram realizar um documentário sobre não tanto a vida de Jeff Buckley mas, mais importante ainda, sobre a sua influência, a sua marca e o que mudou com a sua música.
Num registo curto, 60 min, somos brindados com imagens inéditas de bastidores, de estados de alma, mescladas com depoimentos de companheiros de palco, amigos, familiares e, mais importante, depoimentos nossos: dos admiradores.

Confesso que não tinha conhecimento da existência deste documentário, o que se compreende pois a sua edição em DVD só agora aconteceu.
Chegou-me como uma das três partes que compõe a magnífica edição comemorativa do 15º aniversário de "Grace": Jeff Buckley - Grace Around The World.

Nesta obrigatória obra, temos um DVD composto por actuações inéditas de Buckley, recriando o alinhamento de "Grace", pontuada com entrevistas do próprio nos anos de 94/95; temos também um CD áudio dessas mesmas actuações, e, finalmente, a edição do documentário que aqui me trouxe.

É, obviamente, uma obra que só pode agradar a quem conhece a genialidade de Jeff Buckley.

Porque, como bem nos lembra o músico:
"Grace is what matters. In anything. Especially life.
It sort of keeps you alive..."

Aruitemo Aruitemo

2009-10-17T11:59:00.005+01:00

Hirokazu Kore-eda é alguém que desconhecia.
Não sabia nada sobre a sua obra mas, mal li as primeiras críticas a este Aruitemo Aruitemo (Still Walking, título internacional) fiquei a querer conhecer.
Infelizmente o seu último filme só estreou na capital do país e, assim sendo, nenhum constrangimento moral imperou na hora de o ver a partir de outros meios.
Adiante.

A acção localiza-se no Japão e, no entanto, poderia ser aqui ao lado. Cá dentro.

É a história de uma família, um estudo de personagens diria eu, que se reúne num esporádico encontro familiar.
É a história de um drama que está sempre lá, mesmo quando cantam.
É a história dos encontros à mesa, com conversa que tememos não conseguir absorver na plenitude. É a história dos costumes. Iguais em todo o mundo.

É a história dos medos, dos desafios e dos traumas.
É a história das paisagens japonesas, do seu encanto e da sua cor. E das suas flores.
É a história das pessoas. Nem boas nem más. Pessoas.
É uma história verídica. Pelo menos só vemos ali autenticidade. Andando.

É o mundo que Kore-eda nos quis mostrar.
E é perfeito!

Los Abrazos Rotos

2009-10-15T22:43:00.003+01:00

Poderia continuar a falar de Synecdoche, New York sem me cansar.
Falaria do que a 4ª visualização permitiu conhecer, dos detalhes que a 5ª deixou, e do mundo sensorial que todas as que se seguirem me irão transmitir.
Poderia. Mas depois perdia a piada e tornava-se monótono estar sempre a falar do mesmo filme, ainda que a cada nova visualização um novo filme pareça nascer.

Assim sendo, e para que o mundo sensorial não desapareça da agenda, trago (tardiamente) a minha impressão sobre o novo filme desse ícone sensorial que é Pedro Almodóvar.

Sou parcial quando toca a Almodóvar. E não o nego.
Hable con Ella habita o restrito lote dos filmes de uma vida e toda a sua recente filmografia consegue ser um misto de "mais do mesmo" com uma permanente exclamação de admiração. E essa capacidade de se reinventar sem sair do seu mundo é, convenhamos, fascinante.

Em Los Abrazos Rotos Almodóvar não inventa a roda. Que fique claro.
É, a maioria assim o diz, um Almodóvar menor, a perder fôlego, e alguns, muitos, começam já a interrogar-se se não será o princípio do fim.
Não me parece.
Há em Los Abrazos Rotos muito do que faz de Almodóvar o que é hoje. O seu toque é detectável. Mesmo de olhos fechados.
A cor está toda lá.
A história, umas melhores outras piores, nunca me pareceu ser o essencial de Almodóvar. E mais uma vez se confirma.

O seu maior mérito, julgo, é o de fazer de uma banal história uma experiência cinematográfica invulgar. Seja pelo tom; seja pela cor; seja pelos magníficos diálogos (e temos aqui grandes pérolas); seja pela espantosa capacidade de dirigir actores ou, e é essa a grande marca na maioria dos casos, pela emoção que cada take representa.

Para essa marca indelével muito contribuem os actores, que Almodóvar escolhe como poucos, que crescem sob o seu comando.
Se Penélope Cruz é a actriz que todos conhecem em boa medida a Almodóvar o deve. E aqui presenteia-nos com mais uma interpretação de óptimo nível.
Do restante elenco é Lluis Homar quem leva a nota máxima, seguido de muito perto de Carmen Machi (de quem aproveito para aconselhar essa fabulosa curta metragem de nome La Concejala Antropófaga).
E Lanzarote. Como nunca se viu.

Poder-se-á dizer que esta é uma história menor e que Almodóvar ligou o piloto automático. Haverá quem o faça.
No entanto, na memória, o que ficará é mais uma fantástica partitura sensorial saída da mente do genial autor espanhol.

Com os olhos bem abertos...

Synecdoche, New York

2009-10-10T15:32:00.003+01:00

"Eu acho que vi uma obra-prima.
Acho.

Vou confirmar."
09-10-2009

Wow!

Continuo a achar que vi uma obra-prima. O segundo visionamento não alterou essa convicção.
Não me peçam para explicar o que vi. Não sei bem.
Ou melhor dizendo, acho que sei mas só na 5ª ou 6ª vez que vir o filme conseguirei assimilar tudo aquilo que penso ter visto e poderei, então, escrever algo com coerência.
Ou nem aí...

A vida é um palco e todos nós somos actores. Principais.
Uns precisam de um bom director para saber qual o caminho que devem seguir, outros limitam-se a aceitar o destino. Mesmo que isso seja viver numa casa a arder...
Uns arrependem-se do que não fizeram, outros apenas não fizeram.

Charlie Kaufman é assim, desconcertante. Dá-nos uma história, "bigger than life", e deixa ao nosso critério o julgamento que dela fazemos.
Já o tinha feito em "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" ou em "Adaptation" mas sem atingir este brilhantismo.
Talvez decorra do facto de ser ele o realizador, pela primeira vez, ou, mais certo, talvez seja pela presença de Seymour Hoffman, o melhor actor americano do momento (e não se discute).

Muitos irão vê-lo como um filme pretensioso, outros como o enésimo devaneio da mente criativa de Kaufman. Não faz mal.
Eu, pelo menos, irei vê-lo como uma das mais belas formas de analisar a natureza humana. Aquele que nos define como actores deste palco chamado vida.
Onde cometemos erros, montes deles; somos complicados, porque sim; não damos valor às coisas pequenas, porque tudo tem que ser "em grande"; e onde não percebemos que em cada final nasce um princípio e em cada princípio há um final que nos espera.

Synecdoche, New York é a minha vida, a tua, a tua e a tua. À superfície pode não parecer mas, lá no fundo, ainda que alguns tenham que ir mesmo ao fundo, está lá tudo.

Porque, afinal, nós somos todos iguais.
Somos todos actores principais.

"What was once before you - an exciting, mysterious future - is now behind you. Lived; understood; disappointing. You realize you are not special. You have struggled into existence, and are now slipping silently out of it. This is everyones experience. Every single one. The specifics hardly matter. Everyone is everyone. (...) All her meager sadnesses are yours; all her loneliness; the gray, straw-like hair; her red raw hands. Its yours. It is time for you to understand this.
Walk.
As the people who adore you stop adoring you; as they die; as they move on; as you shed them; as you shed your beauty; your youth; as the world forgets you; as you recognize your transience; as you begin to lose your characteristics one by one; as you learn there is no-one watching you, and there never was, you think only about driving - not coming from any place; not arriving any place. Just driving, counting off time. Now you are here. Now you are here. Now you are...

Gone."

Standing ovation, please!

Entre os Dedos

2009-10-06T23:41:00.000+01:00

A vida sem cores. Real.
A fugir. Entre os dedos.

Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
A realidade está aqui, crua, directa.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Temos actores. A representar.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Corajoso e audacioso. Sem rodeios.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Com silêncios. Pretos.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Segue um caminho. Sem atalhos.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Fala da morte. Analisa a vida.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Tem um Paulo e uma Lúcia. Com espelhos.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
Com música minimalista. Porque a vida, às vezes, é assim.
Entre os dedos é um novo patamar no cinema português.
É a vida sem cor. A fugir.

Entre os dedos...

The Insider

2009-10-05T23:58:00.003+01:00

A filmografia de Michael Mann é de todos conhecida.
Goste-se mais ou menos do seu género, a verdade é que ele tem uma marca própria.
Eu, confesso, nutro um sentimento misto por algumas das suas películas. Tanto sou capaz de as considerar perto das obras-primas (Heat acima de todos) como me passam completamente ao lado (Miami Vice e Ali), no entanto, para aquilatar da veracidade deste sentimento um longo caminho ainda me espera: conhecer toda a sua obra.
Assim sendo, um novo passo foi dado com a visualização deste The Insider.

E que belo passo foi este.
Não, não supera Heat (embora esteja lá muito perto), nem era disso que se tratava, presumo eu, quando Mann embarcou na aventura de realizar The Insider.
Sob a capa do comum filme denúncia (baseado em factos reais), The Insider vai muito além dessa meta.
Aqui a componente descritiva assume particular importância. Os personagens são exaustivamente descritos, é típico de Mann esta obsessão pelo conhecimento que o espectador deve ter dos seus protagonistas, e o local da acção, à medida que o filme se desenrola, faz cada vez mais parte do nosso dia-a-dia. A fotografia, outro dos habituais trunfos de Mann, está mais uma vez brilhante, com planos do mais belo que o realizador já nos ofereceu.

E, claro, falta referir os actores que dão a todo este prodigioso trabalho um tom mais afectivo. De Al Pacino nada mais há para referir. A excelência é o domínio em que se move (salvo raríssimas excepções). A surpresa, e digo-o pois Crowe não é um daqueles actores que repute de um nível muito alto, é mesmo Russell Crowe com uma composição tão contida e poderosa que só de ver arrepia.
Não existisse American Beauty e Kevin Spacey e o Óscar teria sido de Crowe. Sem favor.
Uma última nota, no capítulo da representação, para o fantástico desempenho de Christopher Plummer, um secundário de grande classe.

Servido por uma banda sonora que fica no ouvido, The Insider é um filme relativamente antigo (desse ano mágico que foi 1999) que, nem que seja agora tardiamente, vale a pena descobrir.

Porque, é caso para o dizer, Michael Mann does it again!

Six Feet Under V.2

2009-10-03T00:35:00.005+01:00

Passei por aqui só para dizer isto:

I miss the Fisher's!

PS- O que vale são os Dvd's...

Okuribito

2009-09-30T00:10:00.001+01:00

É inevitável.
A lembrança de Six Feet Under vem à memória. E que bom é recordar Six Feet Under!

Não, não temos os dramas da família Fisher, nem tão pouco a mestria de Alan Ball na difícil tarefa de nos esmagar com um argumento simplesmente perfeito.
Não temos nada disso.

Mas o que temos, o que sobra, é tão bem feito, que se instala a genuína dúvida se a dupla Takita e Koyama não bebeu do sumo com que Alan Ball nos presenteou no já distante ano de 2001.

Okuribito (cujo título internacional é Departures), vencedor do Óscar de Melhor Filme Estrangeiro relativo a 2008, é uma daquelas pérolas que nos chegam sem aviso (bem, neste caso fui avisado) e que exercem um enorme fascínio logo após os primeiros segundos.
É um filme de uma delicadeza tremenda, com os seus momento de ligeira comédia, e é, sobretudo, um filme que nos faz questionar muita coisa e que nos convoca para a difícil questão de como lidar com a morte.
E fá-lo do modo mais perfeito, falando da vida.

Com um duo de protagonistas para mim desconhecidos, Okuribito é, também, um filme de personagens. Do jovem aprendiz (Masahiro Motoki) e com um passado traumático, ao velho sábio (Tsutomu Yamazaki) que o guia pelos labirintos da vida, temos de tudo um pouco.
E ambos excelentes e poderosos, principalmente Yamazaki que é, quanto a mim, a maior estrela do filme.

E depois, se o argumento não bastasse ou se a deslumbrante fotografia não nos esmagasse, temos a música, as belíssimas canções que compõe o puzzle perfeito, que nos faz acreditar que pouco poderia ser melhorado.

Vencedor de um Óscar, já o disse, não sei se bem ou mal (Entre Les Murs continua a ser a minha preferência), Okuribito é, não se pode negar, um filme diferente, inspirador e que merece, mesmo dos mais avessos a essas coisas, a ilegalidade de o visualizar.

Mais que não seja para que no final lhe digam sem hesitar:
ありがとう !

Touching the Void

2009-09-25T23:53:00.001+01:00

Continuando na linha dos documentários, e seguindo mais uma belíssima sugestão da Anita, é chegado o momento de dar a conhecer Touching the Void a quem visita o estaminé.

Touching the Void, realizado por Kevin Macdonald, é baseado no livro homónimo, escrito por Joe Simpson em 1988, que narra a trágica situação vivida por Simpson e o seu companheiro de aventura Simon Yates, aquando de uma expedição ao Perú para explorar a montanha Siula Grande em 1985.

Simpson e Yates, dois jovens montanhistas na altura dos factos, acalentavam o sonho de atingir o cume da Siula Grande, algo que nunca antes havia sido conseguido com êxito. Para tal, muniram-se do que consideraram o equipamento necessário e, cheios de confiança, começaram a subir.
Ao cume chegaram, com relativa facilidade, no entanto, para a História, não foi a subida que ficou marcada mas sim a descida e tudo o que ela originou.

Esta é uma história extraordinária, que narra o feito inacreditável de um homem (Simpson) da mesma forma que tenta compreender as acções, muito criticadas na época por toda a comunidade montanhista, de Yates.

Sem querer estragar a surpresa de quem ainda não conhece a história (como era o meu caso), digo apenas que existe, nesta situação dramática, um momento crítico em que Yates tenta ser o mais racional possível, sacrificando, quem sabe, toda a sua vida futura em função dos demónios interiores que daí poderiam advir.

Simpson compreendeu-o e nós, assistindo a esta reconstrução no conforto do sofá, somos levados a concordar com ele.
Essa, e outras situações, fazem com que no decurso desta história uma recorrente dúvida nos assalte: "seria eu capaz de fazer o mesmo?".
E não respondemos. Porque temos medo de dizer que não...

E valorizamos ainda mais o que estes dois homens conseguiram.

Para reconstruir esta soberba lição de vida, Macdonald usa dois actores que dão corpo aos protagonistas, mesclando a acção com momentos de reconstrução (filmados de modo exímio e que nos soltam exclamações sucessivas...) e com momentos de entrevista aos dois protagonistas.
E é nesses momentos de entrevista, mais de 15 anos depois dos factos terem ocorrido, que sentimos, na fala, no olhar e na expressão, que tudo aquilo ainda lá está, nos seus pensamentos, e que a vida deles nunca mais foi a mesma.

Mesmo sabendo das desavenças que a realização do filme causou na relação entre a dupla de montanhistas e Macdonald (divergências sérias, segundo consta), somos levados a agradecer a Kevin Macdonald, e a toda a sua equipa de produção, por nos ter dado a possibilidade de assistir a esta magnífica lição de vida.

Arrebatador!

Nuovo Cinema Paradiso

2009-09-24T23:57:00.001+01:00

Há filmes assim, que se definem numa palavra e em que escrever mais é estragar.

Masterpiece!

Joy Division

2009-09-23T23:50:00.003+01:00

Back to basics.
Mais ou menos...

Tendo assistido ao magnífico filme de Anton Corbijn sobre a vida de Ian Curtis, Control, ficou, desde esse momento, uma vontade de conhecer mais e melhor a história, curta, dessa banda que marcou um tempo.
Assim, foi com naturalidade que cheguei a este documentário, da autoria de Grant Gee (realizador com vários trabalhos na cena musical, nomeadamente com os fantásticos Radiohead), sobre a origem e a curta existência dos Joy Division.

Pensava eu que seria apenas um desfilar de canções, de memórias soltas, de histórias vividas. Enganei-me.
Joy Division é um retrato mais profundo, que abarca a ligação, total, entre a música e a cidade de Manchester.

A música tem, regra geral, uma forte ligação ao local de onde surge. É moldada ao "gosto" das suas gentes, é usada como "arma" política em certas ocasiões e é, muitas vezes, um veículo percursor do desenvolvimento de uma região.
Penso eu.
Mas quem quiser aprofundar esta interessante temática pergunte ao Ramon que é um Mestre destas coisas.
Aqui, neste caso, foi tudo e muito mais que isso.

Foi, como disse, com surpresa que constatei que este documentário (que flui optimamente) tem pouco da música dos Joy Division e muito, mas muito mesmo, de análise a quem conviveu com Ian Curtis e que, fruto da imaturidade da época, não o compreendeu.

Curtis é-nos apresentado como alguém um pouco à frente do seu tempo. Um rebelde incompreendido e que escolheu, para muitos, o caminho mais fácil. Infelizmente.

Algures, perto do final, um dos seus companheiros de banda diz, quando confrontado com o que sentiu aquando da notícia da morte de Ian Curtis, mais ou menos isto:
"I hate him. I fucking hate him! How could he be so idiot and do something like that..."

Agora, cerca de 30 anos depois desse dia, e sabendo um pouco mais do que foram os Joy Division só posso concordar e dizer também:

I fucking hate Ian Curtis!

And Now for Something Completely Different

2009-09-21T19:11:00.002+01:00

Os Srs. Python's que me perdoem o abuso do nome mas hoje deu-me para isto.
Porque sim.

Morir per te
é il mio destino,
Roma la bella Dea
per me ha deciso

Giuro per sempre a te
vivere, morire per te
se tu sarai con me
Dea Roma vincerá

E la victoria sará la mia
Dea Roma vincerá
io vinceró

PS - Eu, em Sevilha, levei com as Ketchup e o seu Asereje...

Aquele Querido Mês de Agosto

2009-09-17T23:49:00.002+01:00

Que maravilha!
Finalmente, sem esquecer os Imortais e Alice (ainda que não a este nível), o cinema português fez sentido.
Finalmente.

Não sei como descrever esta obra, a que assisti com um ano de atraso. Documentário ficcional talvez seja a definição mais apropriada. Mas, deixando de lado os considerandos sobre o género, o que fica é a análise perfeita, de uma singularidade espantosa, aos recantos do Portugal profundo. Um retrato sociológico e antropológico que traduz a essência do país real.

Dividido, se assim o podemos dizer, em duas partes distintas, Aquele Querido Mês de Agosto sobrevive, e com nota elevada, às diferentes camadas que o compõem.
Na primeira fase, um início algo estranho mas a que depressa tomamos o pulso, somos confrontados com o Agosto português. O Agosto das festas, dos bailaricos, dos foguetes, das procissões e dos emigrantes.
Somos inseridos nas vivências de gente comum, igual a todos nós, com as suas histórias e os seus gostos. Somos "iniciados" na cultura da música pimba (ou música ligeira no dizer de um ilustre representante) e somos confrontados com a presença da equipa de realização no próprio filme, dando a todo este projecto uma dimensão criativa cada vez mais notória.

Poderia também abordar a segunda fase do filme, a parte mais ficcional, que vive muito bem com os não-actores e que dá corpo a mais um tema recorrente de Agosto: os amores de Verão.
Poderia, mas de certeza que me perderia em mais elogios...

É tudo tão inteligentemente ligado, tão brilhantemente montado que, quando confrontados com a magnífica cena final, sentimos a genuína dúvida se estamos mesmo perante um filme português.

A forma como a câmara invade a privacidade das pessoas que nos contam as suas histórias, a forma discreta como tudo isto parece ocorrer, merece, pelo menos da minha parte, um aplauso sonoro e a certeza que o nome de Miguel Gomes será seguido com atenção.

Aquele Querido Mês de Agosto é um filme a ver sem preconceitos e sem dar muita importância ao "som fantasma" que, aqui e ali, nos entra pelos ouvidos.

Que maravilha!

Public Enemies

2009-09-16T23:20:00.001+01:00

A decisão não era fácil: assistir, numa das últimas oportunidades, a Public Enemies na grande tela, pese embora todas as críticas negativas que tem recebido; assistir ao novo Almodóvar, sendo um assumido fã; ou rever, como se fosse a primeira vez, os espantosos (sim, Revolutionary Road está tremido no 1º lugar do ano...) Basterds de Tarantino. Difícil escolha, não?
Tentei ser sensato e escolher aquele mais rapidamente sairá de cena. Em boa hora o fiz.

Reconheço que não é a obra maior de Michael Mann, nem Johnny Depp tem aqui a sua melhor interpretação. Poderei até conceder e dizer que Christian Bale está pouco mais que regular mas, e disso não tenho dúvidas, Public Enemies é um grande filme que vive de uma faceta que poucos conseguem ter, a coesão.
Nota-se, para mim que sou um leigo, que a narrativa foi estruturada com rédea curta, que a direcção de actores esteve sempre atenta a impor limites, que a fotografia não se desvia do essencial, o negrume sobressai até no mais luminoso plano, e, acima de tudo, nota-se, logo nos primeiros minutos, que Mann está no seu domínio e que o gere com a mestria que poucos atingem.

É um filme parado acusam alguns, demasiado parado dizem os mais radicais, eu, que gosto de filmes que nos conquistam pelo seu ritmo próprio e não segundo padrões, digo que sim, que é parado. E digo mais, ainda bem.
Filmes com sumo, que se centram mais na análise interior das personagens do que nas suas acções, exigem tempo. Tempo para os conhecermos e para os entendermos.

Se Inglourious Basterds representa a reinvenção do filme de Guerra pela mão de Tarantino, Public Enemies também caminha, embora mais subtilmente, para a reinvenção de outro género: os filmes de gangsters.

Sobre a mestria de Mann, na abordagem a este tipo de filmes (ainda que noutra época) que mesclam a acção com a tensão psicológica, já teci os elogios devidos, faltando-me, no entanto, reforçar a prestação de quem dá corpo ao biografado John Dillinger.
Johnny Depp, e depois de vermos o filme não resta, na nossa cabeça, outra opção, está como sempre. Magistral é o termo correcto.
Enche o ecrã com a subtileza com que o faz num outro qualquer registo, captando o nosso olhar em todas as cenas e pondo a nú toda a versatilidade que lhe reconhecemos.

No lote dos secundários, ainda que não uns secundários vulgares, Bale e Cotillard têm prestações opostas, o que, em certa medida, nasce do carácter completamente diferente que os seus personagens têm.
Se Bale aparece menos fulgurante em relação a trabalhos recentes, fruto, tenho que admitir, de uma direcção de actores rígida, mas ainda assim meritório, Cotillard, por seu turno, surge num patamar tão elevado que, tenho que admitir, não julguei possível quando em cena com Depp.

Mas, lá está, por algum motivo tem um objecto dourado em casa a que Depp ainda não deitou a mão...

Ainda.

Inglourious Basterds

2009-09-11T22:51:00.000+01:00

"Once upon a time, in Knoxville, Tennessee...

A genius was born.
His name is Quentin.
You may have seen his stuff, but nothing like this..."

Pois é.
Podem conhecê-lo, conhecer a obra, os gostos e o traço mas, se pensam que Tarantino é previsível, desenganem-se. Isto é outro campeonato!

Isto é outra coisa. Não é um novo Kill Bill, nem um novo Pulp Fiction. Tem um pouco de ambos, claro, mas no futuro, quando se observar a obra de Tarantino no seu todo, será reconhecido por si. Pelo magnífico filme que é, pela torrente de criatividade que Tarantino tem, pela singularidade do produto (como todos os filmes de Tarantino) e, sejamos justo, pelo magnífico elenco que aqui encontramos.
É tudo tão bem conseguido que me sinto mal em referir o nome daquele que, provavelmente, mais brilha: Christoph Waltz. Todos estão assombrosos, como Tarantino sempre consegue, mas Waltz tem, desde já(com o seu quê de arriscado que isto é), o meu voto para o Óscar de 2009.

Mais do que as palavras a minha recomendação é:
"Ide! Já hoje se possível. Não temam a gripe A nem esperem por vê-lo no ecrã caseiro. Isto exige big screen, e se possível (tentarei) mais do que uma vez".

Mestre na reinvenção dos géneros, Tarantino consegue-o uma vez mais com os seus Inglouriuos Basterds. Um filme que vive da palavra. Aquela a que Tarantino se tem mantido fiel. A sua.

A excelência de Tarantino é de tal ordem que eu não consigo destacar um momento, um capítulo, uma sequência, uma música. Apenas consigo dizer que:

"Once upon a time, in Knoxville, Tennessee...
A genius was born...

He thinks he made his masterpiece.
Well, you know, that's hard to tell....
But he might be correct!"

Two Lovers

2009-08-30T23:47:00.008+01:00

Não, ainda não vi Inglourious Basterds, nem tão pouco venho falar de Public Enemies. O que aqui me traz é um outro filme, que, devo reconhecer, me caiu nas mãos algo a contragosto... Mas, lá está, cinéfilo que se preze vê pelo menos uns minutos até desistir ou, na melhor das hipóteses, fica rendido ao principio da obra e acompanha-a até ao final. Com consequências por vezes nefastas... Não foi o caso, devo assegurar.

Diz quem percebe do assunto, os críticos claro está, que um bom filme deve, acima de tudo, ser equilibrado nos seus vários domínios. Exige-se um argumento sólido, um realizador competente, uma montagem eficaz, uma banda sonora adequada e actores moderados q.b., sem overacting, de modo a não estragar a harmonia do todo construído.
Eu, que de crítico nada tenho, até concordo com grande parte desta "verdade", numa lógica de que o valor do colectivo tem que ser superior à soma das partes (um pouco de futebolês fica sempre bem), mas, e ainda bem, há sempre excepções. Há sempre um filme que vale o bilhete pelo magnífico argumento, outro que apresenta uma realização inovadora e empolgante, outros até que fazem da fotografia o seu trunfo, e alguns, muitos, que vivem apenas dos actores.
Two Lovers poderia ser enquadrado nesta última categoria.

Não que o argumento seja mau (embora o triângulo amoroso seja dos mais batidos clichés do cinema), não que a realização seja má (James Gray não inova mas devo dizer que está aqui melhor do que em We Own The Night), mas são sem dúvida os actores, e em especial esse futuro ex-actor(??) chamado Joaquin Phoenix, quem mais brilha e quem faz com que Two Lovers faça muito sentido.

De Joaquin Phoenix muito tem sido dito nos últimos tempos (aos mais desatentos convido-os a verem esta entrevista) e, asseguram alguns, Two Lovers foi mesmo o seu último trabalho antes de embarcar numa nova identidade e de começar a desbravar outros caminhos. Ou não...
Em Two Lovers ele alcança níveis que só lhe havíamos visto em Walk The Line, num ano em que só um estupendo Seymour Hoffman lhe tirou a estatueta, e conquista-nos desde a primeira cena.

Acompanhado de uma Gwyneth Paltrow como talvez nunca se tenha visto, e de um leque muito bom de secundários, Phoenix carrega Two Lovers nos seus ombros, com uma leveza que chega a assustar.
Aqui tudo parece honesto e sincero, e até a mais inverosímil das reviravoltas faz todo o sentido. E o mérito maior é de Phoenix, que constrói um personagem que nos toca e que aprendemos a compreender.

No futuro, quando alguém falar de Two Lovers, serão várias as cenas que iremos relembrar e, nessa altura, vamos dizer "ainda bem que aquela palhaçada do Phoenix era mesmo só uma grande palhaçada" e nesse momento vamos pedir-lhe, ainda que não da forma poderosa como ele o fez:

Don´t "Go!"

Man On The Moon

2009-08-26T23:27:00.001+01:00

"Hello, my name is Andy and this is my review."

Dizia, nos comentários uns posts abaixo, o homem moderno que o ano de 1999 foi extraordinário no que ao cinema diz respeito. Eu concordei e referi alguns dos filmes mais "valorizados" dessa colheita e referi também um "patinho feio" que também viu a luz em 1999.
Já perceberam que falo de Man On The Moon.

Sobre Man On The Moon faço aqui a minha declaração de interesses: eu não gosto de Jim Carrey, cuja carreira suscita em mim um misto de "o que é isto!?" com "ok, desisto...".
Há, como sempre, algumas excepções na sua filmografia. Procuro não conhecer tudo o que o senhor fez, mas do que conheço só em 2 filmes Carrey me convenceu.
Obviamente que tive a fase em que Dumb & Dumber era um grande filme mas isso agora não conta...E, assim sendo, só em Eternal Sunshine of the Spotless Mind Jim Carrey mereceu o meu respeito depois das vénias que recebeu da minha parte por este magnífico Andy Kaufman em Man On The Moon.

Man On The Moon é o biopic que me vem à memória assim que me perguntam sobre um filme biográfico que eu considere muito bom. Claro que existem muitos outros, Che terá sido o último dessa lista, que mereceram o meu aplauso mas Man On The Moon tem qualquer coisa de especial, de diferente.
Talvez seja da peculiaridade de Andy Kaufman, da mestria de Milos Forman, do argumento escorreito e belíssimo, ou apenas de mim. A verdade é que Man On The Moon é especial e Jim Carrey foi roubado pela Academia.

Este é um daqueles filmes que suscitam uma curiosidade enorme para conhecer o retratado assim que o filme termina, e isso, naturalmente, reflecte a qualidade da obra a que acabamos de assitir.

Falar de Andy Kaufman não é fácil, tal a singularidade do artista. Peculiar e absurdo seriam palavras simpáticas e curtas. O que sim se pode dizer é que esta é a comédia mais triste que conheço ou, por outro lado, é o drama mais luminoso a que assisti.
E depois, para lá de tudo o que foi Andy Kaufman, temos Jim Carrey que se confunde, literalmente, com Kaufman.
É uma composição assombrosa de Carrey, que veste, como poucas vezes vi, uma pele que lhe parece servir na perfeição. Os tiques, o olhar, o timing, o andar, a fala, está tudo lá. E sim, eu consultei essa enciclopédia visual que dá pelo nome de Youtube para comparar o verdadeiro Kaufman com Carrey. E fiquei sem palavras...

Contagiada pela belíssima banda sonora dos REM, Man On The Moon é uma obra fascinante que nos devolve o inesquecível Latka da série Taxi.

Thank You Very Much!

Elephant

2009-08-18T00:45:00.000+01:00

Já tinha referido que uma entrada sobre este magnífico trabalho de Van Sant estava em falta.
Era uma falha grave. Gravíssima mesmo.
E nada melhor que o enquadramento com The Virgin Suicides para seguir num tom mais ou menos próximo.

Elephant é mais um prodigioso trabalho de Gus Van Sant, e é difícil dizer mais do que isto.
De Van Sant já todos sabemos a "cruz" que carrega: ou se ama ou se odeia, e Elephant não "melhora" essa circunstância.

Para alguns trata-se de um exercício "snob" do autor, que ousou tocar numa ferida americana bem latente e que, segundo esses mesmos, não a tratou com o devido respeito.
Para outros, não sei se em maior ou menor número, Van Sant está ali na categoria dos geniais e Elephant é apenas mais uma peça belíssima do puzzle a que chamou de filmografia.

E Van Sant é assim. Capaz de não ter um argumento e fazer um filme, de não ter actores e fazer um filme e capaz, até, de fazer um não-filme.
Convenhamos que só os predestinados o conseguem.

Há tanto de belo em Elephant que seria complicado falar de tudo nestas poucas linhas. É um exercício visual fortíssimo, com silêncios mais belos do que o costume em Van Sant e com a profundidade que o seu cinema sempre tem. Pelo menos aos olhos de alguns.

Sim, é inspirado em Columbine e no que aí ocorreu, mas Van Sant vai, como sempre, mais além e aquilo que aqui vemos é um retrato dos nossos dias, onde todos somos inocentes e, na mesma medida, culpados.

É um filme mosaico em que as respostas não estão explicitas, como convém.
É um filme doloroso, com a beleza que Van Sant sempre imprime aos seus projectos.
É um filme de Beethoven quando se esparia um qualquer heavy-metal.
É Van Sant no seu melhor, sem concessões.

Directo. Certeiro. Mordaz. Belíssimo.

The Virgin Suicides

2009-08-17T20:32:00.003+01:00

A música dos Air dá o mote.
Tudo aqui é poético, dramático, inspirador e belo. Acima de tudo, belo.

E pensar que a primeira vez que vi este filme considerei-o pouco mais que banal, comentei até que tinha sido um filme falhado. Shame on me...
Talvez o problema tenha sido uma "coisa" chamada Lost in Translation (que foi o primeiro filme de Sofia Coppola que vi), que colocou a fasquia muito alta, ou talvez tenha sido um problema meu, que terei assistido ao filme num dia mau. Não sei. Mas o problema existiu, não há dúvidas.
Filmes assim não são banais, muito menos falhados.

As irmãs Lisbon são a face do filme, são elas que vivem num tempo que não é o seu, envoltas em mistério. Giovanni Ribisi narra a sua história, de forma poética, causando no espectador uma envolvência que não é comum acontecer.
Ao longo do seu flashback conhecemos a difícil adolescência das irmãs e não paramos de sentir a melancolia, a tristeza e a esperança daquele grupo de adolescentes.

Aqui tudo faz sentido. A cor, o som, as palavras, os actores, os planos.
É criado um ambiente único, surreal por vezes, que permanece por longo tempo.
E sorrimos, na dor que vemos.

The Virgin Suicides coloca-nos algumas questões. Desde logo a mais óbvia "Porque se suicidam as irmãs?"
Cada um de nós fará a sua leitura, e alguns, como eu, dirão apenas "Não sei".
E assim, nesse oceano de hipóteses, vagueia a verdade e nós, entusiasmados, assistimos ao nascer de uma talentosa realizadora.

Parabéns Sofia!

Irréversible

2009-08-01T23:54:00.001+01:00

Originalmente (sim, porque tudo o que se passa aqui no estaminé obedece a um rigoroso planeamento...) esta entrada estava programada para algo diverso do que agora aqui surge.
Seria de bom tom, já que deixei a "porta entreaberta", que referisse o filme planeado para esta entrada, mas (e há sempre um mas) o meu conselheiro para a área de marketing avisa-me que o segredo é a alma do negócio. Assim sendo, nada como esperarem (ansiosamente!) por algo que estará para vir.

Esclarecido este ponto, avancemos, então, para o assunto que motiva este escrito: Irréversible.

Filme choque de 2002 - assim foi apelidado no insuspeito Festival de Cannes desse ano -, Irréversible é, de facto, um filme chocante e nada aconselhável a mentes mais (falta-me a palavra...), mais..., frágeis (?).

Há quem o acuse de ser apenas uma boa campanha de marketing, de ser também uma cópia (falhada) de um novo Memento, há, também, quem o acuse de ser um exercício de promoção do casal Bellucci/Cassel. Há, em resumo, muita gente que não gosta dele. Gente ilustre, certamente (João Lopes, um dos meus críticos de referência faz parte deste grupo), mas cujo o gosto, neste caso, não corroboro.
Certamente que, no meio da genialidade que constitui este filme de Gaspar Noé, existe um pouco de tudo aquilo de que é acusado. Há o marketing potenciado pela dupla de protagonistas e há, certamente, a inspiração que o autor recebeu de Memento. Mas isso não é necessariamente mau.

Irréversible é um filme chocante, com duas cenas que justificam este e outros (mais fortes) epítetos, é, tal como já perceberam, um filme que segue a curiosa narrativa inversa, e é, acima de tudo, um filme de autor, com um trabalho de câmara e de edição que, uma vez visto, ficará para sempre associado a Gaspar Noé.

Esta é uma história cruel, que nos dá a exacta dimensão do tempo, a exacta dimensão da volatilidade dos momentos.
Por vezes de forma cruel, Irréversible é um daqueles filmes que não nos deixa indiferentes. Pode não ser um filme agradável à vista mas é, certamente, um filme admirável.

Para la da narrativa peculiar e do estilo ousado de Noé, Irréversible vive, e muito, da actuação do casal Bellucci - Cassel. A exposição do casal é máxima e a entrega é total. Monica Bellucci dá a enésima prova da seu inegável talento, e, quando tal não parece possível, surpreende-nos uma vez mais.

A fragilidade é isto...

Man on Wire

2009-07-30T21:05:00.001+01:00

Philippe Petit tinha um sonho.
E, às vezes, ter um sonho é um crime...

Philippe Petit ignorou o Mundo e cumpriu-o. E quis fazer de nós suas testemunhas. E nós, perante o embaraço que a sua audácia nos causa, apenas dizemos Merci!

Contado, em jeito de "era uma vez...", ninguém acreditaria. Visto, da forma brilhante como James Marsh o conseguiu, mais incrédulos ficamos.
Mas foi mesmo verdade. Em 1974 Philippe Petit cumpriu o seu destino, o seu sonho.

Classificado como Documentário, e vencedor do Ócscar na categoria, Man on Wire é muito mais que um mero conjunto de factos históricos.
Aqui temos arte, magia, coragem, algum humor e, acima de tudo, uma dose tremenda de inspiração.

Quem, como eu, não conhecia, em profundidade, a história de Philippe Petit tem aqui uma bela oportunidade de o fazer.
São 90 min mágicos, em que a jornada de Petit é explicada e, por muitos, compreendida.

Philippe Petit tinha um sonho e nunca se deixou vencer por ele. Porquê?
Os sonhos não se explicam...

Heat

2009-07-29T21:26:00.004+01:00

Algumas notas introdutórias:

- Sim, eu sei, já estava em falta aqui com o estaminé...
- Sim, eu sei, esta é uma época "baixa" na indústria cinematográfica, aqui para estes lados da Ibéria;
- Sim, eu sei, isso não é desculpa para mais esta ausência...
- Vou tentar, sim tentar, voltar aos "eixos" e falar sobre 3-4 filmes que tenho em atraso.

Vamos a isso.

Começo por Heat, um daqueles filmes de acção que nos ficam na memória por tudo aquilo que representam com excepção da...acção.
Heat não é um filme recente, eu sei, e só me lembrei dele porque aquelas lojas que começam por F e terminam em C, com um N e um A no meio, têm, desde há poucos dias, uma promoção que consiste em trocar os velhos VHS por vales de desconto em DVD/Blu-Ray, e aqui o je aproveitou e livrou-se de uns 5-6 velhos e poeirentos VHS.
Com alguns vales de desconto na mão, urgia ser criterioso nas compras que se seguiriam, e foi aí (nessa parte do criterioso) que Heat (edição 2 discos) me saltou aos olhos (e depois para as mãos) e serve, agora, de mote, após uma visualização recente, a estas linhas.

Um filme com Al Pacino e Robert De Niro é, à partida, um sucesso. Um filme com Al Pacino e Robert De Niro pode, em mãos erradas, ser uma banhada. Um filme com Al Pacino e Robert De Niro, com direcção de Michael Mann, é, seguramente, um grande filme. E tem cerca de 170 min...

Enquanto Public Enemies não chega, ver Heat faz-nos salivar ainda mais. É certo que Al Pacino e Robert De Niro ajudam mas caramba, até o Val Kilmer parece actor nas mãos de Michael Mann.

Este é mais um daqueles filmes de personagens, carregadas de características, de imperfeições e de semelhanças. É um filme com sumo, como convém, e que nos agarra desde o frenético início.

Heat tem ainda a extraordinária proeza de colocar lado a lado dois monstros do cinema, representando cada um deles o herói e o vilão, logo, representando dois mundos ditos antagónicos mas que por vezes, mais do que se calhar pensamos, se fundem num só, com dúvidas e certezas comuns como tão exemplarmente se constata na conversa de café que ficou na história do cinema.

Se ainda não viram, tentem não o perder assim que um qualquer serão televisivo o proporcione.
É que, mesmo em tempo frio, este Heat cai sempre bem.

Last Days

2009-07-09T23:56:00.001+01:00

Diz o ditado que gostos não se discutem. Eu concordo.

Nem todos podemos gostar de azul, de OCS, de francesinhas em Canelas, de NBA... Há quem goste de vermelho, de Tony Carreira, de figos ou de touradas... Enfim, há gostos para tudo.

Vem isto a propósito de um filme, que o título desta entrada denúncia, que foi recebido com críticas ferozes, palavras amargas e, presumo, até com algumas pedras na mão...
Eu, admirador confesso do seu autor (Van Sant), desconhecia-o até à poucos dias atrás. Não sendo um profundo conhecedor da sua obra, conto com 5 filmes vistos da sua filmografia (a propósito, falta aqui um post sobre o Elephant...), considero-me um conhecedor médio de Van Sant e, sempre que parto para um dos seus filmes, faço-o munido daquelas "lentes especiais" que me inserem no universo Van Santiano.
Há quem não goste dessas "lentes", e quem ache um abuso ter que as "adquirir" para ver um filme.
Não os censuro. Os gostos não se discutem.

Last Days é um daqueles casos de, como direi, incompreensão (?) ou então eu sou um dos poucos (pelo que leio) que tomou por excelente uma autêntica banhada...
Cada um dirá de sua justiça.

Eu, pela minha parte, só o posso elogiar e dizer a Van Sant (sim porque é menino de passar por aqui a dar uma olhadela) que compreendi perfeitamente o que fez, como fez e porque fez. Por mais abstracta que seja a interpretação que cada um faz de um filme.

Desta obra maior retenho dois momentos sublimes, de entre uma mão cheia deles: o início, perfeitamente claustrofóbico, onde um intenso monólogo silencioso dá o tom para tudo o que se segue; e o afamado "Long Dolly Shot" que, mais ou menos a meio do filme, derruba as ultimas resistências que ainda subsistem.

Van Sant é controverso e não é, certamente, consensual mas há uma faceta que ninguém pode negar, para o bem ou para o mal:
É único.

Caos Calmo

2009-07-03T23:49:00.004+01:00

O que é a dor?
O que é o vazio?
Como se manifestam?
Faz sentido que exista um padrão de comportamento/reacção à perda e ao vazio?
Poderá existir um Caos Calmo?

São estas, no meio de alguns devaneios narrativos, as questões que ficam depois de se assistir a Caos Calmo, protagonizado pelo brilhante Nanni Moretti.

Alicerçado num desempenho brilhante do leque de actores, o filme vive também daquela aura que, regra geral, marca os filmes italianos e franceses. Não todos, claro. Apenas aqueles especiais, que têm algo a transmitir, e que não se perdem no meio do caminho.

Nanni Moretti deixou a realização noutros braços (Antonio Luigi Grimaldi) e concentrou-se na sua vertente de actor para nos dar a conhecer um Pietro Paladini que só imaginamos composto por si.
Ao seu lado, sempre a seu lado, brilha a pequena estrela de Blu Di Martino, e brilham também todos os secundários (do brilhante Silvio Orlando, a Valeria Golino, Alessandro Gassman, Isabella Ferrari e uma pequena aparição de Roman Polanski).

Dando seguimento à qualidade sonora que costuma marcar as boas produções europeias, em Caos Calmo encontramos a mestria de um Rufus Wainwright e de uns Radiohead e a surpresa de uns, para mim desconhecidos, Stars. Todos no tom e no momento certos.

Caos Calmo parece viver num paradoxo, na utopia e, por vezes, na negação. Mas vive bem.
Vive seguro, porque nem todos somos iguais.
Vive ao seu ritmo, porque nem todos corremos ou ficamos parados.
Vive na sua busca interior, porque por vezes quanto mais descemos mais nos damos conta que o fundo ainda está longe...
E Vive com esperança, porque a felicidade pode estar ali, num banco de jardim, ao nosso lado.
Ali, num simples abraço.