EL SÉPTIMO CIELO

DICKENS INFOGRÁFICO

2009-12-01T08:42:00.002+01:00

Robert Zemeckis entiende el cine como un juguete. Pero un juguete de esos que van indicados para niños de entre 12 y 18 meses que además de suponer un entretenimiento conllevan un esfuerzo para el desarrollo de la lógica infantil. Desde “The Polar Express” (aunque siendo francos, prácticamente desde “¿Quién engaño a Roger Rabbit?), Zemeckis le da vueltas al juguetito con el que, efectivamente, se lo pasa bien y además va aprendiendo y avanzando en su técnica.

La capture motion, que permite filmar a los actores reales para luego pasarlos por un colador informático, es casi exclusivamente el campo al que Zemeckis dedica todo su esfuerzo. Y da la sensación de que el cine y las películas son sólo el banco de pruebas con el que experimentar. “The Polar Express” estaba a años luz del perfeccionamiento técnico (solo destacaba el score de Alan Silvestri), una evolución notable suponía “Beowulf” (más entretenida y épica) y ahora con “Cuento de Navidad”, Zemeckis hace lo más difícil, que el siempre emotivo cuento navideño de Charles Dickens que tantas veces en la gran pantalla nos ha enternecido quede relegado a un segundo plano en pro de los alardes visuales.

Es cierto que el director logra un paso más en el realismo de los personajes y el entorno, siendo capaz de recrear a Jim Carrey (Mr. Scrooge) en diferentes momentos de su vida de una manera convincente, o de mutar a Gary Oldman en varios personajes. Si bien todo el empeño en lucir el juguete, en presumir de sus infográficos fantasmas de las navidades pasadas, presentes y futuras afecta a la bonita historia de redención navideña del relato de Dicken, desaprovechando sus virtudes y prestando escasa atención a personajes secundarios como Colin Firth o Robin Wright Penn.

“Cuento de Navidad” es todo lo que no tenía que ser, una narración sin alma, insípida y aburrida donde el espíritu de la Navidad brilla por su ausencia. Ni siquiera su estreno es atinado, el 13 de Noviembre, mucho antes de que El Corte Inglés y los anuncios de turrones hayan oficializado el comienzo de las Navidades. Para cuando ésta, en realidad llegue, a los hogares de todo el mundo, “Cuento de Navidad” estará prácticamente en el olvido colectivo.

7 VIDEOS DEL 30 DE NOVIEMBRE

2009-11-30T12:41:00.005+01:00

Bonus; Spanish Movie parodia a Versión española

REGALAMOS ENTRADAS PARA "BRAVEHEART"

2009-11-27T14:41:00.006+01:00

Nunca está de más que alguien grite "Libertad" a viva voz para despertar aletargados ánimos. Os aseguro que cuando Mel Gibson proclamaba esa consigna en "Braveheart", a uno se le ponían los pelos como escarpias.

Si residís en Madrid o Barcelona y quereis volver a ver en pantalla grande aquella estupenda película dirigida y protagonizada por el bueno de Mel y ganadora de 5 Oscar, podeis hacerlo por la cara, ya que por cortesía de 20th Century Fox Entertainment España, "El Séptimo Cielo" regala 10 entradas dobles para ver "Braveheart" en alta definición en los pases especiales que la compañía ha preparado para el próximo Martes:

MADRID:

Cines Proyecciones (C/ Fuencarral, 136, Madrid) - Martes 1 de Diciembre de 2009 - 20:00 horas

BARCELONA:

Cines Diagonal (C/ Santa Fé de Nou Mèxic s/n, Barcelona) - Martes 1 de Diciembre de 2009 - 20:00 horas

Tan solo teneis que mandarnos un correo a septimonovaonda@hotmail.com con vuestro nombre y apellidos y la ciudad a la que asistireis al pase. Los 10 primeros obtendrán una entrada doble para esta sesión especial.

Libertaaaadd!

(Concurso finalizado)

MEDIO SIGLO CON LA MUERTE EN LOS TALONES

2009-11-24T08:00:00.007+01:00

Podrán pasar otros 50 años y “Con la muerte en los talones” ("North by Northwest") seguiría joven. La mítica película de Hitchcock cumple estos días sus “bodas de oro”. Mitad de siglo para una obra que vista hoy mantiene intacta su vigencia, resultando tan fresca, original y placentera como en 1959.

Considerada un ligero entretenimiento para el propio Hitchcock, que le ayudaba a descargar la intensidad de su película inmediatamente anterior “Vértigo” y de la que ya preparaba para su año posterior, “Psicosis”, “Con la muerte en los talones” trascendió a esa autodefinición de film “puente“ para convertirse en el primer thriller moderno de la historia del cine, así como en uno de los films más significativos y esenciales de la carrera del director inglés.

Compendio de todo el cine de espionaje que Hitchcock realizó en su etapa inglesa y norteamericana, la práctica totalidad de los temas favoritos de Hitch estabán en “North by Northwest” y todos abordados con un impecable sentido de la elegancia, humor y suspense, gracias principalmente a la labor de guión de Ernest Lehmann, uno de los grandes artífices del éxito de la cinta.
Inocentes señalados culpables, identidades suplantadas, mcguffins que solo sirven para distraer la atención, rubias platino, trenes, distinguidos villanos, maravillosos encuadres, Cary Grant, Bernard Herrmann, Saul Bass y un climax final sobre un famoso monumento de la humanidad, hacían de “Con la muerte en los talones” una suerte de versión “encubierta” en colorida Vistavisión y Cinemascope de cintas previas del inglés como “39 escalones” “Falso Culpable” o “Sabotaje”.

Hemos utilizado su cumpleaños como excusa para revisarla por enésima vez, y otra vez la hemos visto maravillosa y sorprendente. Como de bien nacidos es ser agradecidos, "El Séptimo Cielo" ha querido regalarle un post exclusivo, que vendrá a demostrar que todo en ella luce igual de fantástico en Noviembre de 2009 que en Noviembre de 1959. Aquí va nuestro pequeño estudio:

1. LOS CRÉDITOS DE SAUL BASS

“Con la muerte en los talones” es una cinta de ida y vuelta. De constante dinamismo, no solo de situación sino también en la identidad de sus personajes. Un recorrido de costa a costa donde prima la casualidad y el azar.
Y todo eso, lo resume Saul Bass con unos rapidísimos créditos iniciales, que se ensamblan armoniosamente con el tema principal de Bernard Hermann. Sobre un fondo verde que se superpone al de un edificio de oficinas de arquitectura claramente norteamericana, Bass imprime un carácter enérgico, transversal y cambiante a la apertura de “Con la muerte en los talones” adelantando el vertiginoso ritmo que tendrá esta aventura desde su primer minuto.

Fueron sólo tres los años de estrecha colaboración entre Hitchcock y Saul Bass, rotos por la disputa en la autoría de la secuencia de la ducha de “Psicosis”. Y en tres años Bass entendió y plasmó como nadie el universo hitchcockiano en “Vértigo”, “Con la muerte en los talones” y “Psicosis”. Casi nada. (Ver créditos)

2. NUEVE MINUTOS PARA LA HISTORIA

“Quise reaccionar contra un viejo cliché: el hombre que se ha presentado en un lugar en que probablemente va a ser asesinado. ¿Qué es lo que se hace habitualmente?- Una noche oscura en una pequeña plazuela de la ciudad. La victima espera, de pie en el círculo luminoso de una farola. El pavimento está mojado por una lluvia reciente. Un primer plano de un gato negro que corre de manera furtiva a lo largo de una pared. Un plano de una ventana, el rostro de alguien que, a hurtadillas, aparta los visillos para mirar afuera. La lenta aproximación de un coche negro, etc. Yo me hice la siguiente pregunta, ¿qué seria lo contrario de esta escena? ¡Una llanura desierta, en pleno sol, ni música, ni gato negro, ni rostro misterioso tras las ventanas!

Hitchcock se sacó de la chistera esta inolvidable secuencia, que supone un fuerte contraste en mitad de la trama de la película y que ha pasado a la historia como una de las imágenes más icónicas del séptimo arte. En estos 9 apabullantes minutos Cary Grant se ve inmerso en una encerrona para acabar con su vida. Una avioneta fumigadora le perseguirá y le hará manchar su impoluto traje. Una secuencia con personalidad propia donde la excelente planificación del maestro inglés y el prodigioso montaje de George Tomasini brillan sobremanera. Súbita y transgresora, esta secuencia es la más famosa en la carrera de Hitchcock, con permiso de la ducha de “Psicosis” . (Ver secuencia)

3. CARY , "EL CÓMICO"

Probablemente el confundido Roger Thornhill sea el mejor papel que realizase Grant en toda su carrera. Iniciado en el vodevil, el hábitat natural de Cary Grant era la comedia, si bien su impecable presencia lo encaminó hacía el romance o el drama, siempre en distinguidos papeles de galán.
En “Con la muerte en los talones”, su última colaboración con Hitchcock, encontró un divertimento muy apto para sus condiciones en el mejor momento de su carrera. Sin dejar de conquistar a la chica, Grant podía aprovechar el delirante entramado de confusiones y persecuciones para lucirse en su faceta más humorística. Grant detecta cada momento viable para la mueca, el guiño o la sobreactuación haciendo de Thornhill un personaje casi paródico de los falsos culpable habituales del cine de espionaje del director inglés.

Es sublime ver a Cary Grant borracho, improvisando en la conversación telefónica con su propia madre, o disfrazado de empleado de tren. El Cary Grant más cínico, caradura y embaucador que jamás se vio en pantalla.

4. EL MONTE RUSHMORE Y LAS TRANSPARENCIAS HITCHCOCKIANAS

Repitiendo el esquema de “Sabotaje”, de la que “Con la muerte en los talones” podría considerarse un remake encubierto, Hitchcock planteó su escena final en otro monumento puramente nortearmericano, (en “Sabotaje” fue la Estatua de la Libertad) el Monte Rushmore de Dakota del Sur que muestras las efigies de diferentes presidentes estadounidenses. El Ministerio de Interior de EEUU prohibió el rodaje en este lugar debido a que “podían manchar el que era considerado un templo de la democracia”. Tras un acuerdo, Hitchcock pudo rodar algunos planos del lugar, siempre y cuando los actores no posasen sobre los rostros de los presidentes, o se mostrasen imágenes de violencia..
A este impedimento se unía la imposibilidad de rodar en el edificio de la ONU, donde tiene lugar otro de los momentos clave de la película, lo que provocó que “Con la muerte en los talones” se convirtiese junto a “Marnie la ladrona” en la película paradigma de las amadas (y por otro lado, siempre discutidas) transparencias de Hitchcock.

Hay una gran cantidad de maquetas, decorados y transparencias en “North by Northwest”, las más claras en los emplazamientos vetados, pero también en la secuencia de la avioneta, en los momentos en que Grant conduce borracho o en la casa de Vandamme, réplica de una vivienda diseñada por Frank Lloyd Wright.
Revisando “Con la muerte en los talones” uno puede llegar a añorar el encanto que desprendían aquellos falsos fondos en unos días donde prima el abuso del efecto especial. (Ver secuencia)

5. LA SUBASTA

Si la secuencia de la avioneta ha pasado a la historia por su complejidad y repercusión posterior dentro del cine de acción-suspense, la secuencia de la subasta lo ha hecho por su enorme ingenio. Surgida de la mente de Ernest Lehmann, esa secuencia es tremendamente completa; contiene drama, un momento álgido y fundamental en la relación romántica de los protagonistas, situación de riesgo con la consiguiente intriga, y comedia, además de aportar datos de importancia sobre la trama de espionaje .
A esta puja acudirá Roger Thornhill poco después de salir con vida del maizal y tras descubrir la traición de Eva Marie Saint. Allí sorprenderá a la chica con el villano, James Mason y sus secuaces. Lo que en un principio supone un giro radical en el aspecto romántico-dramático de los personajes acaba siendo una nueva contingencia para Thornhill que salvará a base de astucia y en donde el propio espacio donde se desarrollan los hechos cobra un protagonismo activo y clave en la secuencia.

Estamos ante uno de los momentos más inspirados de la película con una resolución brillante que fue muy aplaudida y que posteriormente el propio Ernest Lehmann copiaría, (sustituyendo la casa de subastas por una convención nudista) para el guión “El Premio”, película de Mark Robson protagonizada por Paul Newman, que intentaba repetir paso por paso el éxito de “Con la muerte en los talones”. (Ver secuencia)

6. EL MCGUFFIN

“Con la muerte en los talones” es la quintaesencia del mcguffin hitchcockiano. ¿Por qué se ve envuelto Roger Thornhill en semejante enredo? ¿Qué busca el gobierno norteamericano? ¿Qué es lo que pretende conseguir Phillip Vandamme y sus secuaces?.

Eso es lo de menos. A Hitchcock no le interesaba el porque y si el cómo. Sabemos que hay un codiciado microfilm insertado en una valiosa figura, pero lo que importa no es hacerse con él, sino las persecuciones, el romance, los asesinatos, el suspense que este desencadena.
Fue en sus films de espionaje donde Hitchcock explotó al máximo el término que él mismo acuño; “Mi mejor Mcguffin, y por mejor quiero decir el más vacío, el más inexistente, el más irrisorio, es el de “Con la muerte en los talones”. Es un film de espionaje y la única pregunta que se hace el guión es ¿Qué buscan estos espías”.

7. ESOS PEQUEÑOS DETALLES

Toda decisión que Hitchcock tomó en “Con la muerte en los talones” estuvo llena de inteligencia, dotando de maestría hasta el más insignificante plano o secuencia. Una de las cosas que maravillan de “North by Northwest” es como Hitchcock abre y cierra cada idea que pone en práctica.

Un buen ejemplo es la famosa secuencia de la persecución del aeroplano, la cual finaliza con la huida de Cary Grant en una camioneta robada. Esta resolución es perfecta, da salida a un personaje aislado y en situación de peligro en medio de la nada, volviendo a ponerlo en una ubicación urbana que permite continuar con la acción donde se había quedado. Pero Hitchcock va más allá, mostrando a dos policías que se preguntan como ha podido llegar una camioneta de la más pura norteamericana rural que carga un frigorífico al pleno centro de Chicago. Un final adicional para la secuencia que aporta un sentido cómico de gran utilidad para aliviar de una tacada toda la tensión creada y que reafirma ese “cierre de paréntesis” que supone la famosa secuencia del aeroplano.

Hay otra decisión en la película que me encanta. Cary Grant se encuentra con Leo. G. Carroll, el agente de la CIA responsable de haber creado a un “agente fantasma” llamado George Kaplan. Carroll libera a Grant de la policía y le invita a desplazarse en avión a Dakota del Sur. En ese momento el personaje de Cary Grant tiene mil preguntas sin responder en su cabeza. Mientras Grant anda completamente desorientado con los hechos que le han ocurrido, el espectador ya conoce todos y cada uno de los acontecimientos y el porqué de ellos, sin embargo se antoja necesario que Grant también los conozca para que la acción pueda avanzar con coherencia.
Ante la tesitura omitir la explicación de los hechos a Grant o no hacerla, (esto último supondría una repetición y/o un subrayado innecesario para el espectador) Hitchcock se libera de este problema jugando sabiamente con el espacio.

Caminando y discutiendo en las pistas de aterrizaje, Grant pregunta a Carroll que es lo que está pasando. Justo en ese momento aterriza un avión, lo que provoca un ruido ensordecedor. Vemos a los personajes hablar pero no oimos su conversación, solo ruido de avión. Apenas unos segundos después desaparece el molesto ruido y con él, el diálogo de ambos personajes. Suponemos que Carroll ha contando todo a Cary Grant. Lo ha hecho en tiempo record. Gracias al avión todos hemos salido ganando; Hitchcock libra el innecesario subrayado a velocidad record, Grant ya sabe de que va todo el embrollo en el que está metido y el espectador supone que Grant está al día de toda la información sin la molestia de que le hayan contado lo que previamente ya ha visto.

No conviene olvidarse de la envolvente música creada por Bernard Herrmann, una de las mejores que el compositor creó para el cine de Hitchcock, de la maravillosa elipsis que envia a Roger Thornhill y Eve Kendall directamente desde el Monte Rushmore a la litera de un tren, de la metáfora visual y sexual que supone la entrada final de este tren en un túnel, de la sobria presencia de James Mason y el momento de su presentacion entre lámparas o de la velada homosexualidad de Martin Balsam, enamorado de su jefe y celoso de la chica.

Innumerables virtudes para una obra maestra absoluta y única en la historia del cine y que vista medio siglo después sigue siendo tan entretenida y admirable como entonces.

RENOVANDO NUESTRO ASPECTO

2009-11-23T18:45:00.011+01:00

Había que hacerlo. Tras cuatro años de actualizaciones casi interrumpidas y cerca de 600 artículos bajo un mismo aspecto, “El Séptimo Cielo” cambia hoy su cara, adaptándose a las posibilidades de las plantillas modernas de la plataforma Blogger.

La velocidad a la que se mueve la blogoesfera, la proliferación de bitácoras cada vez más trabajadas y modernas hacían que la apariencia de nuestro blog hubiese quedado un tanto desfasada con respecto al resto, impidiendo albergar opciones que considerábamos útiles como las clasificaciones por etiquetas o la recopilación de “Seguidores” del blog.

Gracias a la inestimable ayuda de un buen colega llamado Carles Rull (no dejéis de visitar su web “Cinempatía”, un proyecto hecho desde el amor al cine) que ha sido capaz de reducir nuestra ignorancia ante el HTML e impulsarnos hacía el cambio, “El Séptimo Cielo” se muestra ahora renovado, con un mayor tamaño y confiamos en que igual de intuitivo y sencillo en su uso.

Los que visitáis habitualmente este blog podréis comprobar como todas nuestras críticas han desaparecido de la barra lateral para condensarse en una nueva categoría a la que se accede pinchando en su recuadro correspondiente. Igual ocurre con otras secciones frecuentes de “El Séptimo Cielo” como “Hitchcock y…”, “Parecidos Razonables” y la actualización semanal de nuestro programa de Radio, que emitimos todos los Martes en Nova Onda radio Albacete. Del mismo modo encontrareis nuestra selección de Enlaces, así como acceso a otros juguetes cinéfilos de “El Séptimo Cielo”, como Tumblr o el perfil Facebook, justo entre la cabecera de presentación y el cuerpo del blog.

Poniéndonos románticos podríamos decir eso de “la apariencia es lo de menos” o “la belleza está en el interior”. Pero hoy eso no se cumple. La nueva versión de “El Séptimo Cielo” nos encanta por una sencilla razón; nos anima y sirve como aliciente para seguir actualizando con el cariño y entusiasmo con que hasta ahora lo hemos venido haciendo, ayudando a superar esos bajones que una tarea como ésta supone, y que muchas veces conlleva sacrificar otras cosas de la vida cotidiana y el tiempo libre.

Disfrutad del nuevo “El Séptimo Cielo”. Confiamos que os guste.

ESTAMOS TRABAJANDO

2009-11-22T19:34:00.004+01:00

Ésta que ven es la nueva apariencia de "El Séptimo Cielo". Pronto la presentaremos como es debido, mientras tanto estamos trabajando en ponerla a punto. Ya saben, renovar enlaces y demás. Rogamos disculpen las molestias. Todo sea por hacer un "Séptimo Cielo" mejor.

QUE NO NOS PILLEN CON ESTAS PINTAS

2009-11-20T17:09:00.003+01:00

No queremos que el 2010 nos pille con estas pintas. Estamos preparando cambios que afectarán al aspecto de "El Séptimo Cielo". Vamos a ponernos guapos. Permaneced atentos.

ARTE GEOMETRAL

2009-11-18T14:05:00.009+01:00

A veces no se necesita más que un par de lineas bien trazadas, un simple circulo o la mezcla de un dos trapecios para diseñar un buen poster.

Eso es lo que han hecho con en la web exergian (ver al final de página) donde nos enseñan que desde lo más básico surge el talento. Una galería de geométricos carteles de series televisivas que no tiene desperdicio.

MOTÍN EN ZAMORA

2009-11-15T20:14:00.010+01:00

No ha sido frecuente que el cine español se meta entre rejas y aporte su granito de arena al subgénero carcelario. Al menos en lo que concierne a la vertiente más vibrante de este, puesto que dentro del drama social, el género nacional por excelencia, sí que se pueden enumerar ejemplos recientes de cine encarcelado tales como “Horas de luz” o “El patio de mi cárcel”.
Ahora Daniel Monzón, cocinero antes que fraile, ha encontrado su lugar en nuestra filmografía tras irregulares intentos (“El Corazón del Guerrero”, “La Caja Kovak”) con esta rara avis del cine español, un thriller de reos y barrotes lleno de intensidad y fuerza, donde sobresale la práctica totalidad de su reparto.

Malamadre y el resto de los reclusos de una cárcel de máxima seguridad en Zamora se amotinan justo el día en que Juan, un nuevo funcionario de prisiones comienza a trabajar en ella. Un inesperado accidente provoca que el novato quede atrapado entre los peligrosos presos, viéndose en la obligación de hacerse pasar por uno de ellos.

Partiendo de esta potente premisa argumental, Monzón ha elaborado una película donde todos y cada uno de sus personajes buscan salvar su propio pellejo por encima de quién se ponga por delante. Un universo de traiciones y lealtades, donde cada personaje es tan sucio como el anterior, ya sea preso, policía o empleado del Ministerio.

Aunque “Celda 211” apunte a muchos objetivos solo dispara a uno, centrando en él todo su interés y esfuerzo; los hechos que se suceden dentro de la prisión y en especial la relación entre Malamadre y el infiltrado accidental.
Hay negociaciones y trabajo en la trastienda, mujeres sufridoras en la calle, la infalible irrupción de los medios de comunicación en el embrollo y el factor político, subtramas que harían las delicias del seguidor del thriller norteamericano de los 70, pero sobre las que Monzón y Guerricaechevarria (el guionista habitual de Alex de la Iglesia, y también del director que nos ocupa) no deciden profundizar y sí utilizar como armas para unos giros argumentales enormemente valientes. “Celda 211” podría ser también una buena película sobre la relación ETA-Gobierno narrada desde un contexto totalmente diferente al que estamos acostumbrados, pero tampoco hay interés en convertirse en esto. Tan solo importa la historia de jerarquías, conspiraciones y complicidades de sus encerrados protagonistas,.

Malamadre es, por tanto, quién manda. En la cárcel y en la película de Monzón, principalmente gracias al temperamental trabajo de Luis Tosar que en cada mirada, cada gesto, cada palabra de su rota voz otorga a “Celda 211” una poderosa credibilidad y fuerza. No desmerecen en absoluto sus acompañantes, donde Luis Zahera (tú tambien creiste que era un yonki tartamudo real), o Carlos Bardem se meten de lleno en sus papeles. Lógico que entre tanta bestia parda, el debutante Alberto Ammann, con un extraño acento, salga perdiendo de su enfrentamiento.

“Celda 211” es una obra áspera, decidida y visceral, de la que sólo sus flashbacks románticos entre Juan y su mujer (Marta Etura) permiten al espectador tomar un respiro entre tanta furia desatada. Monzón ha logrado la película carcelaria más pura de nuestro cine gracias a un guión muy sólido, nada efectista y lleno de bravura a la hora de tomar soluciones argumentales, amén de los personajes creados, entre los cuales Malamadre quedará con fuerza en el recuerdo colectivo. Una obra insólita en nuestro cine que conviene no dejar pasar.

7 VIDEOS DEL 11 DE NOVIEMBRE

2009-11-11T10:24:00.010+01:00

NUCAS CON COSAS QUE DECIR

2009-11-09T12:04:00.001+01:00

Sea chico o sea chica, esté más o menos rapado, haya o no tatuaje en el cuello, el caso es que a mi el poster de "Celda 211" me ha recordado al de una película que ya había olvidado, "Salto al vacío" de Daniel Calparsoro.

EL ACTOR QUE TODO ESPAÑOL FUÉ

2009-11-05T20:44:00.010+01:00

Solo vi a Peter Sellers y a Jack Lemmon hacer lo que hacía José Luis López Vázquez; pasar con una aplastante naturalidad de la más hilarante y agitada sobreactuación (entendida ésta positivamente) a la más sobria y contenida interpretación. Que viene a ser lo que todo actor aspira a conseguir; ser el mejor cómico y a la vez el más firme actor dramático.

Hay un lamento común y repetido al recordar estos días su figura; la escasa repercusión internacional de un actor con semejantes condiciones. Esa seguridad de que López Vázquez hubiera sido tan reconocido como, por ejemplo, los dos gigantes de la interpretación citados unas líneas más arriba, a poco que se hubiese prodigado fuera de nuestro cine o a poco que Hollywood (George Cukor aparte) hubiese mirado más allá de su ombligo en aquellos años.

Egoístamente, a mí siempre me gustó que López Vázquez fuese nuestro y solo nuestro, como el jamón, la siesta o la paella. O como las suecas que vienen a España, que no son tan suecas si están en cualquier otro lugar del planeta. Él no era exportable, porque López Vázquez y Fernán Gómez eran nuestras armas para salir triunfantes y orgullosos si alguien osaba debatir sobre el cual era el actor más completo del cine mundial.

Sus apellidos lo delataban como producto puramente nacional. También su aspecto de funcionario de medio pelo, pequeño, alopécico y nada agraciado. Sobre su corriente figura labró unos personajes que reflejaban a la sociedad española de cada década desde los años 50. Y en ese contexto, en un cine de fronteras para adentro, a veces predominantemente popular (“El turismo es un gran invento”, “Objetivo bi-ki-ni”, “En un lugar de La Manga”) otras más intimista (“El Bosque del Lobo”, “Mi querida señorita”), Vázquez destacó como el tipo con el que cada español podía identificarse.

Sólo él podía encarnar a personajes tan autóctonos como Manolo Locúmula Verruguillo, primo de Vicenta en “¡Como está el servicio!”, Quintanilla en la navideña “Plácido”, al típico sufridor español de “El Pisito” a luchadores del sexo y libertad como Serafín Requejo en “Lo verde empieza en los Pirineos”, al hijo del Marqués de Leguineche en la saga Nacional de Berlanga y Azcona, al abnegado padrino de “La gran familia” y “La familia y uno más” o al anónimo y encerrado ciudadano de “La Cabina”.

Fue su enorme talento para componer personajes, su gran inteligencia interpretativa que le llevaba a encajar en cualquier género, sus grandes dotes para la improvisación cómica y su silabeo lo que lo transformaron de actor en icono. Un icono respetado y querido, capaz de propagarse entre generaciones que hoy repiten eso de “las alemanas, las alemanas” o ese “Fernando Galindo un admirador, un esclavo, un amigo, un siervo” que tan bien recitó en la inolvidable “Atraco a las tres”

Con su desaparición se va otro gran pedazo de nuestro cine, cada vez más huérfano de las personalidades que forjaron su historia. Donde quiera que vaya se unirá a Azcona, Fernán Gómez, Isbert, Ciges, Agustín González, Mary Carrillo o a la que fue su mejor partenaire, Gracita Morales, con la que podrá repetir los diálogos más eternos del cine español.

LA CABINA (1972)

2009-11-02T17:33:00.004+01:00

Véanlo de nuevo. Se mantiene joven. "La Cabina" de Antonio Mercero. Año 1972 con comentarios de Mercero y López Vázquez. Pinchad aquí.

ADIÓS DON JOSÉ LUIS

2009-11-02T14:39:00.004+01:00

Hoy le homenajearé poniendome esta camiseta. Ha sido grande. Un cómico a la altura de los mejores. Un actor que mereció más reconocimiento internacional. Descanse en paz.

PARECIDOS CON O SIN RAZÓN: EL LOGO DE "MOON"

2009-11-02T08:02:00.000+01:00

Viendo la película "Moon" dirigida por Duncan "hijo de David Bowie" Jones y triunfadora de la última edición del festival de Sitges, reparo en el logotipo de Lunar Industries la compañía para la que trabaja Sam Rockwell, el protagonista de esta odisea espacial, encargada de extraer Helio-3 de la Luna para suministrar energía al planeta Tierra

Esa letra L gigante y los cuadrados anaranjados que la acompañan me recuerdan poderosamente al logo de Localia, cadena televisiva recientemente desaparecida. O ¿quizá el parecido no es tal y se trata de una paranoia mía tan grande como la del astronauta Sam Bell? Parecido razonable o no, dicho queda.

NOCHE DE HALLOWEEN SEGUN GONZÁLEZ SINDE

2009-10-31T11:50:00.005+01:00

Los acontecimientos de la pasada semana nos han hecho descubrir una faceta oculta de nuestra Ministra de Cultura. Hemos conocido que Ángeles González Sinde es fan, pero fan fan del cine de terror y no es de las que se anda con medias tintas. Cuanto más bizarro, gore y grotesco sea este cine, más le gusta.
Seguidora absoluta de la saga “Saw” desde la primera hasta la última; “la primera es la que menos me gusta, las otras van más al grano” , Sinde ha querido aprovechar la celebración de Halloween, una fecha marcada en rojo (sangre) en su agenda Moleskine para recomendarnos unas cuantas cintas para pasar una noche de Halloween “de miedo”.

Esta es la noche cinéfila de Halloween que Angeles González Sinde diseñaría;

MARTYRS: Hubo ambulancias a las puertas de las salas que la proyectaron. Esta historia de dos amigas de las cuales una de ellas sufrió un brutal maltrato años atrás, es capaz de remover estómagos con sus explicitas escenas de tortura. Una de las películas francesas más bárbaras de los últimos años.

Sinde opina: “De las que más me han gustado últimamente. El final es buenísimo. No te esperas que a la amiga sana le vayan a quitar las capas. Y que mala es la jefa de la secta que se dedica a hacer las atrocidades. Y que egoísta”

“FEAST”: Película americana de 2005 donde Los clientes de un bar perdido en una carretera rural tendrán que luchar para salvar sus vidas de unas criaturas voladoras que quieren devorarlos a todos. Humanos contra bestias para decidir quien gana en salvajismo.

Sinde opina: “Que bichos más malos. Es de estas películas de supervivencia del ser humano que están entre mis favoritas. Aunque sus personajes son un poco planos la película contiene muchos desmembramientos y es muy divertida”

A´ L INTERIEUR: Otra de las cintas francesas que más ha dado que hablar en el cine reciente. Una mujer en evidente estado de gestación está sola en casa la noche de Navidad. Otra mujer irrumpe en su casa para sacarle el bebé que lleva dentro.

Sinde opina: “Esta película es de esas que están protagonizadas solo por mujeres. Hay que reivindicar el cine donde la mujer lleva la voz cantante, rechazando de una vez por todas el segundo plano en el que la sociedad ha dejado al género femenino. Esta historia donde una mujer quiere robarle el feto a otra, me tocó la fibra y me llegó como espectadora femenina. Por fin la mujer está ocupando su lugar merecido”

NEKROMANTIK: Cinta alemana de los ochenta que levantó mucha polémica en su momento por sus retorcidas y necrófilas secuencias, así como por el degollamiento de un conejo vivo. Especialmente famosa es su escena en la que el protagonista se apuñala mientras eyacula.

Sinde opina: "La vi hace años y desde entonces no me quito sus imagenes de la cabeza. Lo del conejillo me dió mucha lástima, la verdad. No era necesario. Ahora bien, la secuencia del trio con el cadaver me parecío de gran belleza. Sugerí incluir una secuencia similar en "Mentiras y Gordas" pero Menkes y Albacete no accedieron. Además "Nekromantik" es alemana, por tanto, como cine europeo que es hay que recomendarla y apoyarla"

HOLOCAUSTO CANIBAL: Su estreno estuvo prohibido en Italia o Reino Unido. Un grupo de reporteros viaja a la selva amazónica para hacer un documental sobre las tribus caníbales con los peligros que ello conlleva. La película fue confiscada por el Gobierno italiano y su director arrestado al existir la creencia de que la película se era una "snuff movie" real.

Sinde opina: "Yo es que soy de las que todavía cree que lo que todo lo que pasa en la película ocurrío en realidad. Que yuyu..."

DESTINO FINAL 3D: La cuarta entrega de este carrusel de desafortunadas muertes que ahora aprovecha el tirón del nuevo formato de 3 Dimensiones. Protagonistas jovenes y guapos con un destino nada feliz.

Sinde opina: “De mis sagas favoritas junto a “Saw” y “Hostel”. Fui como una chiquilla a verla en el preestreno con mis gafas 3D. Cuando saltó un tornillo aparté la cabeza porque pensé que me iba a dar. Y no era que me fuese a dar era que las gafas 3D son así de reales. Mi escena favorita es esa en que el desagüe de una piscina succiona las entrañas del alocado protagonista”.

CALVAIRE: Película belga inédita en nuestro país. Con una atmosfera de locura que recorre toda la película, su director Fabrice du Welz desciende a su protagonista a los infiernos tras averiarse su coche en medio de un pueblo de lo más extraño.

Sinde opina: "Esta película me la dejó una amiga. No la conocía. La película me refiero, a la amiga si la conocía, jeje. Es broma. Pobre muchacho el protagonista, la de perrerias que le hacen. Aunque hay una cosa de la película que me descuadró, la escena esa en que los lugareños se ponen a bailar en el bar. Que cosa más rara y fuera de sitio".

HIPATIA DE ALEJANDRO

2009-10-25T13:01:00.003+01:00

No se le puede negar la ambición, Amenabar siempre ha querido dar un paso más en cada movimiento que ha realizado y ese “ir más allá” no le había fallado. Consiguió pronto lo más difícil, que el público vaya al cine solo por tu nombre. Con el espectador y todos los records de taquilla en el bolsillo, la crítica era otra cuenta pendiente, desde “Tesis” ya hay alguno rendido a sus pies aunque con “Los Otros” y con “Mar Adentro” algún otro torció el morro.

En ese ascenso fulgurante del más listo de la clase, tan fulgurante que si se proponía lograr un Oscar, lo conseguía, Amenabar ha dado su primer gran traspiés. A “Agora” el director de “Abre los ojos” le pone la pasión del que se entusiasma por una disciplina y aún en el inicio de su formación cree saber tanto como para transmitirla. Similar a cuando el director se metió a músico y componía las bandas sonoras de sus propias películas, que pueden ser eficaces pero no lo completas que un músico profesional puede crear.

“Agora” es filosofía, astronomía, religión, historia de amor e historia de épica. En los tres primeros temas Amenabar es solo un adolescente apasionado con ganas de difundir lo aprendido. En lo segundo está más versado, si bien la amalgama de materias no permite desarrollarlos con la profundidad necesaria como para llegar al espectador.

La historia de Hipatia de Alejandría en el Siglo IV narrada por el impetuoso Alejandro Amenabar acaba convertida en una metáfora de nuestros días donde la oda al feminismo y la defensa del intelecto femenino, la crítica a los fundamentalismos y el examen de la existencia del ser humano en un universo infinito aparecen y desaparecen a lo largo del metraje. Muchos palos que tocar. Amenabar se ve desbordado por toda la teoría estudiada y aprueba en lo que más sabe, la práctica cinematográfica, gracias, principalmente a los más de 50 millones de euros invertidos (haciendo de esta la superproducción más cara del cine español) lo que permiten recrear Alejandría con una factura técnica impecable y al director lucirse en la faceta más plástica de la película, que al fin y al cabo, de poco servirá si el resto no acompaña.

Así “Agora” es una obra tan pomposa como tibia, incapaz de fascinarnos por su universo, incapaz de remover el sentimiento del espectador en momentos diseñados para ello como la destrucción de la Biblioteca o por el triangulo amoroso imaginado. Quiza el casting tampoco ayude, por mucho que la oscarizada Rachel Weisz se esfuerce en lidiar con un personaje que no es precisamente un dechado de simpatía. La Hipatia imaginada por Alejandro jamás hubiese pasado a la historia.

7 VIDEOS DEL 21 DE OCTUBRE

2009-10-21T08:42:00.009+02:00

(Caricatura de Robert Downey Jr./Sherlock Holmes por Neil Davies)

CINE EN ESTADO PURO

2009-10-16T08:07:00.001+02:00

Ésta es la maravillosa historia de Ricardo Morales. Una historia de justicia investigada desde la justicia. Esta es la concienzuda historia de Benjamín Expósito y una vida condicionada por un hecho que jamás presenció. Es la romántica historia de Irene Menéndez, elegante y decidida señora cuyo vacío fue tan grande como su amor. Es la leal historia de Sandoval, el desastroso amigo al que todo el mundo querría ayudar. Es la historia de una Argentina corrupta, convulsa, cercana al golpe militar que estaba por llegar. Existencias golpeadas por un único rostro, tan bello que provocaba obsesivas y reiteradas preguntas del porqué de su trágico final.

El escritor bonaerense Eduardo Sacheri imaginó estas vidas y urdió las intrigas y secretos que les acompañaban. De ahí podría haber salido una adaptación cinematográfica aseada. Un thriller sugerente. Como el de tantas y tantas novelas con sólidos suspenses que son carne de pantalla grande. Pero no ha sido el caso. En manos de Juan José Campanella la adaptación de “La pregunta de sus ojos” deja de ser una mera adaptación al cine para convertirse en una adaptación al séptimo arte y al más óptimo aprovechamiento de los múltiples recursos que este ofrece.

Nunca un crimen marcó tantas vidas como el de "El Secreto de sus ojos". La investigación, por azar, de rebote, del brutal asesinato de una joven por parte del secretario de un Juzgado (encarnado por Ricardo Darín) es al tiempo la narración de los silencios del pasado, de la venganza, traiciones políticas, amistad y amor. Flanqueado estupendamente por Soledad Villamil y Guillermo Francella (que gran personaje el de Sandoval!) que miran a Darín con gran complicidad a través de los montones de papel acumulados en sus mesas de funcionarios del estado, el actor argentino se marca una interpretación de lujo. A la altura del trabajo de su director con el colabora por cuarta vez ("El hijo de la novia", "El mismo amor, la misma lluvia"), y el cual ofrece una labor que bien merecería una nominación al Oscar a Mejor Director. Solo el plano secuencia del campo de fútbol en el partido Huracçan-Racing de Avellaneda, que el mismisimo Brian de Palma querría para si mismo, debería enseñarse en escuelas de cine..

“El Secreto de sus ojos” es puro arte cinematográfico. Una película hecha con la pulcra corrección de una realización académica a la que se le une un enorme talento colectivo y un afán por crear un trabajo imperecedero y perdurable. Con claro matiz literario (no en vano el protagonista recuerda los hechos por medio de la escritura de una novela que los recrea), la cinta de Campanella caminará entre el suspense, la tragedia, el drama, el romance y la comedia con una naturalidad asombrosa, casi insultante logrando provocar diferentes y poderosas reacciones en el espectador.

Un guión sin fisuras lleno de emoción y ternura donde la riqueza de sus personajes y la intachable descripción de sus correspondientes pasados en un contexto agitado como es la Argentina del 75 (en gran parte debido a la asombrosa ambientación que nada tiene que envidiar a cintas como “Zodiac” o “Munich”) hacen de ella la cinta de corte clásico más redonda que podríamos disfrutar en el cine moderno.

"El Secreto de sus ojos" es una grandisima noticia para el séptimo arte. Hacía tiempo que no presenciabamos un film tan completo. No me hagan caso con cualquier otra película, haganmelo con esta. Vayan a su sala más cercana que en esta ocasión lo que van a presenciar puro cine.

SI LA COSA FUNCIONA...

2009-10-13T20:08:00.002+02:00

Afirmaba el escritor y crítico de cine, David Gilmour, en su recomendable novela “Cineclub”; “Hoy día las películas de Woody Allen desprenden una sensación de apresuramiento, como si estuviera intentando acabarlas y quitárselas de encima para hacer otra cosa. Esa otra cosa, por desgracia, era otra película. Aún así, después de haber rodado más de treinta películas, tal vez tenga derecho a trabajar a la velocidad que le apetezca”.

Aún estando de acuerdo solo al 50% con esta definición ("Match Point" o "Scoop" no desprenden esa sensación); “Si la cosa funciona” es el tipo de película de Allen que más puede acercarse a ella. El tipo de película rutinaria y ligera que Allen rueda con el automático, que se sabe y que sabemos de memoria. Una película cuyo guión fue rescatado durante el periodo de huelga de guionistas estadounidenses del cajón que lo guardaba desde los años setenta, evitando así romper con la tradición de película por año.
“Si la cosa funciona” puede considerarse un parche que soluciona un vacío o bien la comedia informal que el director neoyorkino ofrece a sus seguidores cada cierto tiempo. Todo depende del grado de cariño o de fatiga que tengamos hacía la pura comedia de Allen.

Porque en “Si la cosa funciona” el nivel de riesgo es mínimo y el conjunto de sus prestaciones extremadamente familiar; diálogos sobre vida y la muerte, sexo y mujeres, misoginia, neuras, hipocondría, comedia, Nueva York, monólogos a cámara y un largo etcétera de las constantes del cine de Allen. Humor judío en espacios interiores, que no aspira a ser “Annie Hall”, ni ambiciona el carácter renovador de “Match Point”, sino tan solo aportar otra pequeña muestra del universo de Allen para satisfacer al incondicional.

Conociendo al dedillo todo lo que “Si la cosa funciona” puede garantizar, el principal reclamo de la cinta radica en ver a Larry David, creador de la serie “Seinfield” y el alter ego más cercano a Woody que ha podido existir, poniéndose en el rol habitual de Allen, si cabe, todavía más pesimista y gruñón. Extendiendo hasta el paroxismo las palmas de sus manos, esas que se lava mientras tararea el cumpleaños feliz, Boris Yellnikoff (Larry David) entablará relación con una joven de pueblo encarnada por Evan Rachel Wood, haciendo de Pigmalión aunque el no quiera y arreglando las vidas insatisfechas de su alrededor como si de “Que bello es vivir!” se tratase, aunque pretenda justamente lo contrario.

Simpática, liviana y redundante, la película número 44 de Allen es de esas que le salen con la gorra al director de "Zelig" y viene a engrosar su lista de film menores que son mayores que los de otros, mientras (que no le falte tiempo) ya prepara su siguiente proyecto. Y es que si la cosa funciona, ¿por qué no volver a ella?.

7 PELÍCULAS DE SITGES 09

2009-10-09T15:45:00.000+02:00

Aunque estamos lejos, siempre nos gusta seguir de cerca uno de nuestros festivales de cine favoritos; el festival de cine de Sitges. Confiando en que muchas de sus películas proyectadas, lleguen a ser estrenadas en nuestro país (aún esperamos impacientes el estreno de "Eden Lake", presentada el pasado año), tomamos apuntes de muchas de sus propuestas para no dejarlas escapar a corto/medio plazo. Aquí van algunas de las cintas más interesantes del festival dirigido por Ángel Sala;

ACCIDENT HAPPENS: Una de familias disfuncionales. Como "Pequeña Miss Sunshine" pero llegada de las antípodas y con chaval infernal en el hogar. Supone el regreso a las pantallas de Geena Davis, tiene toques de comedia y tuvo una buena acogida en el festival de cine de Toronto.

SPLICE: Vicenzo Natalie es uno de los mejores exponentes del cine fantástico actual. “Cube” o “Cypher” claramente lo demuestran. Ahora es la genética y los experimentos con ADN lo que provoca la creación de una criatura de claras formas femeninas que se clavará en nuestra cabeza. Produce Guillermo del Toro y protagonizan Adrien Brody y Sarah Polley.

MR.NOBODY: Si hay una película mágica en el festival esa es la belga “Mr.Nobody” de Jaco Van Dormael. Con Jared Leto, Sarah Polley y Diane Kruger, “Mr.Nobody” juega en la misma liga que “Amelie”, “Forrest Gump” o “El curioso caso de Benjamin Button”; Un hombre lleva una vida normal junto a su mujer y sus 3 hijos. Un día, da un salto en el tiempo y como por arte de magia se convierte en el hombre más viejo del mundo en el año 2092. En un futuro donde nadie muere, se ha convertido en el único mortal. Ahora sólo quiere averiguar que ha pasado y recuperar su vida cotidiana junto a su mujer y sus hijos. Puro pastel para unos, romanticismo y encanto para otros.

THE COUNTESS: Esta chica es una todoterreno. Julie Delpy no solo actúa, también publica discos, compone bandas sonoras, escribe y dirige películas. “The Countess” es su última cinta en la que Delpy se lo guisa y se lo come contando la historia de Erzsébet Báthory (encarnada, como no, por Delpy), la condesa de Transylvania que, supuestamente, se bañaba en sangra de vírgenes para mantener su juventud y sobre la que mucho se ha escrito.
Radha Mitchell, Ethan Hawke, Vincent Gallo, William Hurt y Daniel Brühl completan el reparto.

LA HORDE: Producida por Xavier Gens ("Frontière(s)"), y dirigida por Yannick Dahan y Benjamin Rocher, “La Horde” es una pieza más dentro de la particular “revolución francesa” que está sufriendo el cine de género galo. En “La Horde” nos encontramos con una cinta de policías que persiguen a un grupo de gangsters en el Norte de París. Algo bastante común si no fuese porque en su camino se cruzan unos zombies con tanta sed de sangre que se comerían hasta a Carla Bruni. Emociones fuertes y mucha hemoglobina.

BRONSON: No es un biopic de la vida de Charles Bronson, sino una película que alguien ha denominado como "La naranja mecánica del siglo XXI". La historia del preso más peligroso de toda Inglaterra capaz de liarla parda en las más de 120 cárceles por las que ha pasado. La dirige un joven danés Nicolas Winding Ref, y la protagoniza en la piel del tal Bronson (el cual todavía sigue en prisión después de 35 años) el actor Tom Ardí. En UK ya ha suscitado polémica.

THIRST: Si los zombies están de moda, los vampiros no lo están menos. Lo nuevo y esperado de Park-Chan-Wook (“Oldboy”, “Soy, un ciborg”) es precisamente una de vampiros, si es que se puede clasificar dentro de un solo subgénero al cine del coreano. Una historia de un sacerdote vampiro con mucho de drama y algo de romance que hará las delicias de los seguidores de uno de los directores orientales más reconocidos internacionalmente

SOLO CUERPO

2009-10-05T06:22:00.002+02:00

Viendo “Jennifer´s body” uno puede sacar dos conclusiones. Las dos sobre sus principales reclamos, que no son otros que sendas mujeres que han llamado poderosamente la atención en el cine norteamericano reciente; Diablo Cody y Megan Fox.

Sobre la actriz de “Transformers” es fácil aventurar que no tendrá un papel protagonista que no sea el de una chica explosiva. Y que probablemente tenga tan solo un par de años para explotar y sacar partido a esta faceta antes de ser relegada al rol de “tia buena” secundaria. Desde luego, en su primer personaje protagonista Megan Fox demuestra ser tan vistosa (cosa que ya sabiamos) como mala actriz (cosa que empezamos a saber), perdiendo una gran oportunidad para reivindicarse como “algo más” que un cuerpo.

La responsable de “Juno” tampoco se lo pone fácil a Fox, con un guión que no cumple con las expectativas creadas para este segundo trabajo de su breve pero exitosa carrera, lo cual nos lleva a pensar que sus afilados diálogos pueden convertirse en un arma de doble filo para su persona. De resultar frescos y divertidos si los personajes que los emiten y el envoltorio general acompaña a grotescos y ridículos en su caso contrario.

Ellen Page tenía todo un bombón de personaje en “Juno” y Jason Bateman le daba una réplica perfecta para componer sencillo, original y entrañable relato sobre la madurez y las responsabilidades. Todo funcionaba.
En esta ocasión no está Ellen Page poniendolo todo de su parte, no existe un personaje bien escrito, ni una pizca de mala leche a la hora de parodiar el género teen y/o terror adolescente, algo que parecía idóneo para la ligera, ácida y moderna pluma de Cody.

Diablo Cody juega a ser como Sam Raimi, al que cita/homenajea en un par de momentos, y al mismo tiempo no se aleja de la más típica cinta de colegialas, animadoras, bichos raros, música pop y bailes de instituto, intentando sacar partido de ese híbrido "fantástico-adolescente". La jugada sale rana, siendo una especie de "Carrie" barata, donde ni siquiera reluce la mala baba o el humor negro que como último recurso, cabía esperar y donde la dirección (de Karyn Kusama, directora de "Aeon Flux") no pasa de ser, simplemente, correcta. Sólo el empeñado buen hacer de esa joven actriz de ojos desorbitados llamada Amanda Seyfried puede salvarse de la quema.

"Jennifer´s body" es como Megan Fox; atractivo por fuera, plano y vacío por dentro.

15 MINUTOS CON BARRY GIFFORD

2009-10-02T05:04:00.003+02:00

La tarde era lluviosa, como se adivinaba tras los ventanales de la bien denominada sala Pepe Isbert del Teatro Circo albaceteño. Barry Gifford se toma un té caliente para combatir la sensación de humedad y nos atiende amablemente minutos antes de comenzar una nueva sesión de su “Masterclass” en el festival Abycine, en la que hablará de una de las películas de su propia selección; "La pistola de mi hermano" junto a Ray Loriga.

Hasta ese momento solo ha compartido dos de sus encuentros cinéfilos con el público de Albacete, suficientes para sacar pequeñas conclusiones: - “Lo que más he apreciado en estos primeros días es el entusiasmo del público y de los organizadores del festival”.

La itinerancia que le ha proporcionado su carrera le ha permitido vivir y compartir experiencias literarias y cinematográficas alrededor de todo el mundo; - “En EEUU se consume mucha más televisión que en Europa e incluso muchos de sus realizadores dirigen sus películas como si un fuesen películas televisivas. El tipo de realizador que me interesa es aquel que quiere cautivar al público con la narración de una historia. Desde luego hay sitio para todo tipo de cine, yo acepto el cine de entretenimiento, pero prefiero las películas pequeñas y literarias, aunque lamentablemente están perdiendo en medio de todo el enjambre de películas que existe en la actualidad”.

Gifford ha trabajado en Norteamérica junto a directores de la talla de David Lynch o en nuestro país junto a Alex de la Iglesia, aunque Gifford nos relata la que es su experiencia más peculiar hasta la fecha, la película rumana “The Phantom Father” de Lucian Georgescu basada en una historia suya y para la que también se guarda un pequeño papel; - “Era apasionante observar como en Rumania rodaban al más puro estilo del cine clásico, de la época de los Estudios, como si se volviese a 1945, la gente técnica es maravillosa. Es como volver al pasado.”-

No podemos resistirnos a preguntarle por la turbadora persona de David Lynch con quien Gifford trabajó en “Corazón Salvaje” y “Carretera Perdida”; ¿Cómo es David Lynch? ¿Es su personalidad tan poco usual como sus películas? – “Ambos trabajamos de un modo muy duro, muy instintivo. Él es un tipo muy claro y directo, hay una gran sincronía. Estamos en la misma onda. Alguien dijo una vez que David coge lo ordinario y hace que parezca extraordinario, y que yo cojo lo extraordinario y hago que parezca ordinario. Al escuchar esta sentencia Lynch dijo “si eso es lo que piensan de nosotros, allá ellos”-

Junto a Gifford, el gran reclamo de este Abycine más allá de sus cortos y películas ha sido el actor Matt Dillon. Juntos llevaron a cabo “La ciudad de los fantasmas”. ¿Qué aportó Matt Dillon a Barry Gifford? - “El dinero”- , bromea el escritor. - “En realidad, trabajamos desde el inicio sin una garantía económica, igual que cuando escribo un libro. Dillon aportó gran pasión y entusiasmo, viene de una familia artística, su tío dibujaba los comics de Flash Gordon y Jungle Jim y Matt tiene esa vena. Sabía perfectamente como quería plasmar las imágenes de la historia”

Con su presencia en Abycine hemos conocido al Barry Gifford más cinéfilo. Pero no podemos dejarle ir sin formularle una última y personal cuestión sobre el séptimo arte. ¿Qué realizadores prefiere? –“Me gusta el director inusual, el director original, el que hace una primera película e intenta innovar” – “Iñarritu me encanta, es un director muy interesante”.

Barry Gifford en imdb

ENSALADA DE PARECIDOS

2009-09-30T00:48:00.005+02:00

PARECIDO 1: "Munich" y "Lejos de la tierra quemada". La luz tras la cortina nos enseña al personaje protagonista. Por lo demás, letras sobrias y oscuridad en la habitación.

PARECIDO 2: El parecido más polémico de la temporada. Poster promocional de la reciente (y decepcionante) "Jennifer´s body" y poster de la primera temporada de "True Blood". No hay más que verlo.

PARECIDO 3: El subliminal también funciona. Como "The men who stare at goats" ofrece un humor tan particular como el de "Quemar después de leer" de los Hermanos Coen, que mejor que copiar su tipografía y esas siluetas de los personajes para que de un solo vistazo asociemos ambas películas.

PARECIDO 4: Otra de fuentes calcadas. Si me apuran hasta juraría que los creativos de "12 rounds" han hecho un perfecto COPY-PASTE donde lo único modificado es el orden de los números. Los posters de "12 trampas" de Renny Harlin y "21 gramos" de Iñarritu son hermanicos de la misma sangre.

PARECIDO 5: Si la cosa va de padres e hijos frente al mundo y la palabra ROAD aparece en el título, lo mejor es que ambos se den la mano y echen a andar ligeramente inclinados, que de copiar la tipografía del título ya se encargarán los diseñadores del cartel. Y por supuesto, para proteger la ley de menores y que no vuelva a ocurrir lo ocurrido con las hijas góticas de Zapatero, lo mejor es ocultar el rostro del niño, no vaya a ser que haya problemas...

(Gracias Manu por la información!)

7 (BASTARDOS) VIDEOS DEL 27 DE SEPTIEMBRE

2009-09-26T11:24:00.004+02:00