CARTELERA CULTURAL DE ARTE. CRISTINA FALERONI

75 AÑOS DE LA ESCUELA DE BELLAS ARTES

2008-09-06T14:35:00.003-03:00

ARGENTINA.

Mañana, a las 18, en el Museo Fader quedará inaugurada una muestra que une la obra de alumnos actuales y artistas ya consagrados que pasaron por sus aulas. Aquí una breve historia de esta institución educativa, que ha desempeñado un papel clave en la formación de varias generaciones de artistas locales.

Desde el inicio, una vez más. Tratando de buscar algún tipo de explicación con visos de racionalidad, el pensamiento del escritor Antonio Di Benedetto señalaba que la élite gobernante había, indignadamente, encontrado el motivo para clausurar la primera escuela de dibujo y pintura. Señalaba entonces que: "… el modelo vivo y el desnudo ofendían muy grandemente la emplumada opinión de vuelo bajo y pesado".

La manifiesta moralina oligárquica que manejaba a su arbitrio y antojo el poder durante más de dos décadas, sea aduciendo el escaso número de inscripciones, o la precariedad edilicia, o la deleznable concepción de considerar lo destinado al arte como un "injustificado y estéril sacrificio económico", enmascaraba las verdaderas razones que consumaban este despojo a la cultura mendocina.

A tan sólo cinco años de su creación (abril de 1915) la primera escuela de pintura, grabado y escultura de Mendoza cerraba sus puertas y con ello quedaba destrozado el sueño de Vicente Lahir Estrella y Elena Capmani, su director y su asistente académica, más el asombro y desesperanza de sus alumnos.

Cabe destacar que ya en el año 1917, al finalizar el ciclo lectivo, realiza la primera muestra en la que se evalúa el nivel obtenido en los estudios. Contábanse entre los participantes jóvenes que luego se destacarán por su desarrollo y mérito personal, entre los cuales podemos citar a: Faustino Murúa, Raquel Guiñazú, Vicente Nacarato (poeta), Fidel de Lucía, Juan Cardona (Mora) y en caso especial -fuera de concurso, según el catálogo- Antonio Bravo.

Al poco tiempo, menos de un año después, precisamente el 1º agosto de 1918, comienzan a aparecer en los diarios invitando a la inauguración de la muestra del Primer Salón Anual de Bellas Artes de la Provincia de Mendoza, en salón dispuesto en la calle Gutiérrez 305 de ciudad.
Aunque sus organizadores declararan con verdadera humildad que "dicha exposición no pretende ser más que un modesto ensayo y que el público acoja con benevolencia el Salón", la crítica especializada sabe dar la debida importancia al evento, destacando además de la importancia de trabajos, entre los 105 presentados, de profesores y alumnos, la significación que conlleva el carácter pionero del mismo.

Para abril de 1920 este desamparo cobra mayor dimensión si acaso pensamos que ésta era la única institución artística gubernamental y que los verdaderos motivos que llevaron a su cierre quedaban ocultos.

Atenidos a la aguda pluma del mencionado escritor la verdad, cuando observamos que en la escuela "se admitía señoritas en el alumnado; hecho que podía comprometer las buenas costumbres, aunque dichas señoritas usaban melena larga, mostraban que su inteligencia no tenía dimensiones que envidiarle a sus cabellos".

No es necesario indagar más. Es evidente que el eco de las voces mezquinas, la chatura de espíritu y la intolerancia habían sido escuchados. Sólo desde la ironía se puede concebir como paradójico que en ese mismo año y con las mismas autoridades se creara la Universidad Popular. La falta de dinero no fue ningún obstáculo para ello.

Ex nihilo

Desde la nada, ciertamente. Muchos años después, cuando se intentaba salir, tambaleando, de los estragos de la "Década Infame" que había talado la estructura económica y social del país, en los altos del entonces Teatro Municipal -ubicado en el ángulo noroeste del cruce de las calles Avenida España y Gutiérrez- se concentraban artistas, que ya tenían incipientes talleres personales con poetas, pensadores y humanistas.

El agradecimiento nos obliga a memorar los nombres de Arturo y Manuel Civil, Vicente Lahir Estrella, Rodolfo Guastavino, Roig, Pablo Vera Sales, Roberto Azzoni, José Alaminos, Rafael Cubillos, entre otros quienes inauguraron el 20 mayo de 1933 la "Academia Provincial de Bellas Artes", que será oficializada un año más tarde como "Academia Provincial de Bellas Artes y Escuela de Artes Decorativas e Industriales de Mendoza".

Una década después se estaban cumpliendo los sueños de aquellos espíritus premonitores. Medianera por medio de lo que luego, algunos, conoceríamos como el "Cine La Bolsa" se encontraba el "Café Jamaica" (calle Necochea, a metros de 9 de Julio), lugar que se había convertido azarosamente cono centro de reunión del escaso número de intelectuales, en cuyas mesas se mezclaban las opiniones fundadas de pensadores y los balbuceos de artistas jóvenes con postergadas inquietudes.

Podemos tener una aproximada visión de la atmósfera que allí flotaba si recordamos los versos improvisados que el poeta Ángel Delgado le dedicara al joven (a quien luego la historia del arte mendocino conocerá cono "El heroico") Antonio Bravo, como presagio del inicio de un inacabado camino: "… /Pone allí añejo color la pinotea/ allí el silencio es casi permanente…. / entras, te sientas, fumas levemente/ A poco andar ya esta la trilogía: Tú, Cardona, De Lucía".

El clima político nacional y provincial estaba muy enrarecido. En Mendoza cuando se convoca a elecciones, en noviembre de 1931, estando el lencinismo proscripto y el radicalismo llamando a la abstención, se vieron facilitadas las maniobras fraudulentas que posibilitaron el triunfo de la fórmula conservadora encabezada por Ricardo Videla.

Aquellos que, como dijimos, habían sido definidos como "de vuelo bajo y pesado", volvían ahora para inaugurar una serie de cuatro gobernadores que, desde dos aspectos importantes, marcaban la diferencia con las anteriores administraciones partidarias: la primera está referida a la modernización de la vitivinicultura y las obras de infraestructura básicas, y a un sostenido trabajo en áreas como vivienda, salud y educación.

Aunque su concepción elitista queda en evidencia por el uso del fraude como instrumento del poder, justo es decir que éstos mostraron un perfil con mayor sensibilidad social en respuestas a los reclamos de los sectores medios y bajos de la población (Pablo Lacoste).

Simplemente tomando como referencia el nombre impuesto a esta institución podemos entrever los fundamentos ideológicos que sostienen lo específico del carácter de esta "Academia"

La influencia francesa en todos los ámbitos del arte y la cultura latinoamericana, en cierto estrato social, había traído un soplo de frescura e independencia, como de laicismo, que casi espontáneamente redefinían al arte como fenómeno social en tanto democratizaba un sector de la cultura hasta entonces reservado a determinada élite.

Desde el enciclopedismo humanista francés se había tratado de terminar con la clásica dicotomía entre artes mayores y menores; en la que se consideraba pertenecientes a las primeras a aquellas en la que no hace falta entrar en contacto físico con el objeto, y dentro de las segundas a aquellas que impresionan los sentidos menores: gusto, olfato y tacto.

Pero, ciertamente, estuvieron muy lejos de superar esta antinomia, puesto que en su reemplazo propusieron, y todos aceptaron, una jerarquía entre los sentidos. Jerarquía en la cual el sentido de la vista ocupaba el primerísimo lugar, y a continuación el sentido de la audición; por lo tanto correspondía ubicar primero como "bellas artes" a aquellas privilegiadas por el sentido de la vista.

Es desde esta perspectiva de valoración sensorial que establecen las estructuras pedagógicas en referencia a la mayoría de los centros de estudio de la época. (No mucho tiempo después una concepción más amplia, de notable influencia alemana, tratará de imponer el concepto de "artes plásticas" para incluir al resto de las disciplinas artísticas).

El mismo criterio se había usado seis años antes, cuando -por decreto del Ministerio de Gobierno- en mayo de 1927 se designa como director y secretario al Dr. Juan Agustín Moyano y al pintor Fidel De Lucía, respectivamente, a fin de organizar los trabajos para la creación del Museo Provincial de Bellas Artes.

Por la misma norma legal se les encomienda a ambos la elaboración de las bases para la fundación de una escuela de Bellas Artes y Artes Aplicadas, labor que realizaron ad honorem.

La iniciativa, anhelada por muchos, fue sostenida firmemente por el escritor Sixto Martelli y da sus frutos cuando el 4 agosto del año siguiente el Museo queda inaugurado, funcionando en el hermoso edificio que ocupaban las oficinas de la Dirección de Parques y Jardines de la Provincia, en el costado izquierdo del acceso principal del Parque General San Martín.

Al presentar su renuncia el Dr. Moyano, en octubre de ese mismo año se hace cargo de la dirección del museo Fidel de Lucía, reteniendo a la vez las funciones de secretario.

Podemos comprender la importancia que había cobrado la creación de esta institución si advertimos que es, hasta esa fecha, la única institución gubernamental destinada a las actividades plásticas y que, según la memoria anual, más de 52.000 personas han desfilado frente a las 50 expuestas.

Figuraban entre otros trabajos de la talla de Luis Tesandori, Alfredo Bigatti, Luis Perlotti y Benito Quinquela Martín. Casi la totalidad de las obras fueron conseguidas por donación; y aunque anecdótico, señalamos que en una visita a nuestra provincia de Quinquela Martín el gobierno le compra una obra, que pasa a ser la primera de este artista en museos del interior del país.

Cuando la Academia queda oficializada por la misma norma legal el Museo Provincial de Bellas Artes, ahora traslado a la calle 9 de Julio frente a la plaza Independencia, pasa a integrarse con ella bajo el Consejo Directivo de Bellas Artes.

Antes del segundo año de vida la "Academia" podía sentirse más que orgullosa, ya que a sus aulas asistían más de 180 alumnos y dado que la matrícula iba en aumento, resulta necesario encontrar un lugar más adecuado.

Para 1936 la "Academia" se traslada al piso más alto del Jockey Club Mendoza, en la calle San Martín 1143, edificio que hoy ocupa la Subsecretaría de Turismo de la Provincia.

Con justicia el diario Los Andes valoraba, entonces, el desarrollo de este centro de estudio en un artículo en que afirmaba: "… es una de las anchas puertas por donde se da entrada en Mendoza a ese aire limpio de la espiritualidad" ¿Se podría recibir mejor elogio?

Escuela Mendocina del paisaje

Eco y repercusiones de este esfuerzo y desarrollo no pasaban inadvertidos en el resto del país. En Buenos Aires, por ejemplo, no se hablaba ya de "Los pintores del paisaje mendocino"; la crítica especializada, al prestar mayor atención a las obras que desde nuestra provincia llegaban, comienza a descubrir "particularidades en la ejecución". Se reconoce, en cambio, que deben referirse a la "Escuela mendocina del paisaje".

Estamos hablando, en rigor, de una importante diferencia conceptual, habida cuenta de que lo que está juego no tiene poca entidad: una cosa es el tema (que para muchos puede ser el mismo) y otra muy distinta es el trato que de él se haga.

Hacía ya muchos años que Fernando Fader se había ido de la provincia y para el año en que muere (1935) en la capital se hacía notar la necesidad de no sólo destacar los valores personales de nuestros artistas, sino también de valorar la visión de conjunto en cuanto a su concepción estética y a su concepción de la pintura.

Cabe destacar que las referencias a las que el público y la crítica porteña podían disponer no sólo se relacionaban con los pintores que ya hemos mencionado, igualmente valía para otros tantos que por ese entonces no habían logrado notoriedad individual y la presencia de sus trabajos no tenía una solución de continuidad en el tiempo.

De la misma manera debe tomarse en cuenta que ninguno de los esfuerzos que los artistas realizaban contaban con padrinazgo alguno.

Los éxitos personales de los artistas ayudaban a solidificar las bases de la recién creada institución más la anexión del museo, hecho al que contribuía además el modo que estaban implementando en ese momento acertadas políticas culturales.

Analizando brevemente los lineamientos generales de la estructura y los planes de estudio, podemos comprender el arco completo de las expectativas que deseaban satisfacer y cuáles eran los resultados que se deseaba obtener.

Al iniciar sus actividades el programa académico de la institución se desarrolla en dos ciclos promocionales.

Dedicado el primero de estos específicamente a la iniciación propedéutica y a la nivelación del conocimiento de los alumnos, expectativa que debía lograrse en el lapso de un año.

El segundo ciclo, con una duración de cuatro años, tenía como meta impartir los aprendizajes básicos de las bellas artes y su aplicación práctica, de modo tal que allí quedaban incluidas las artesanías, las disciplinas decorativas, ornamentales y de aplicación industrial, como también poner las bases de apoyaturas teóricas (aspecto muy acotado) y de elementales nociones de construcción y arquitectura.

Al momento de preparar la primera camada de alumnos y de que ésta obtuviera su promoción, se hace notoria la necesidad de crear un nivel superior de cuatro años, en el que aun poniendo el acento en el perfeccionamiento utilitario y laboral, se sostiene la exigencia de un selectivo examen para el ingreso, puesto que las nuevas necesidades de la sociedad requerían de mayor especialización.

Elaborado el proyecto bajo la administración del gobernador Guillermo Cano, en 1938 fue cuando se crea el tercer ciclo; alentado posteriormente por la administración del gobernador Rodolfo Corominas Segura.

Queda, entonces, la estructura curricular conformada con: un ciclo preparatorio, un ciclo intermedio y un ciclo superior, que en conjunto abarcan 9 años de estudios.

Al terminar de cursar y aprobar el primer año de estudio los estudiantes obtenían el título de "profesor elemental de dibujo", que ya los habilitaba para el desempeño en la docencia primaria, y aquellos que terminaran de cursar y aprobar la totalidad del ciclo superior obtenían el título de "profesor superior de dibujo", habilitante para el ejercicio de la docencia en nivel medio

De modo paralelo, como equivalente a lo que se conocía como maestro mayor de obra, pero con carácter más arquitectónico se desarrolla durante los dos últimos años el curso de "Dibujante constructor".

Estaba de hecho superada la eterna y clasista separación entre arte y artesanía; del mismo modo en que el aprendizaje de un oficio industrial o artesanal resulta un nexo natural con las actividades artísticas y profesionales.

El trabajo de los maestros

En tanto terminaba la década, la crítica tomaba conciencia de que estos artistas pioneros habían comenzado donde otros concluyen.

La potencia emocional con que Breva plasma la tierna brisa de una mañana de invierno o el silencio del atardecer del pedemonte mendocino, no era inferior a la fuerza que inspira a De Lucía cuando pinta los alrededores del parque General San Martín, la atmósfera calma de una siesta en los bajos de Lunlunta, o la sombra de una humilde higuera en el patio familiar.

El mural en el frente del edificio del Departamento General de Irrigación, o la escultura del cóndor en la avenida de Acceso Este a la provincia son dos claros ejemplos del nivel del primer profesor de escultura de la "Academia".

Es necesario poseer un agudo sentido de observación de la naturaleza para poder transmutar en la tela la aridez del paisaje mendocino, y encontrar entre chañares y retamos de los valles el ámbito adecuado para que el hombre desarrolle toda su espiritualidad.

Es precisamente en esto que Azzoni es un maestro, mérito desde el cual aporta una buena parte para la formación de una visión de conjunto del hombre argentino, necesaria en la plástica nacional.

La década de los ’40 estaba mostrando las raíces de los que se perfilaban como promesas: Mario Vicente -a quien luego apreciáramos en los murales de la Casa de Gobierno-, Rosario Moreno, Rosa Stilerman, Mariano Pagés -autor de la obra escultórica en la plazoleta del Cacique Guaymallén-, Rafael Montemayor, al lado de quienes aparece la figura de Juan Scalco, poseedor de una obra de sensibilidad exquisita en la que el idealismo de inocente bondad se enarbola como un sincero canto a la laboriosidad y humildad del hombre de campo, junto a los trabajos de Juan Manuel Gil, que aporta un visceral sentimiento del paisaje cuyano.

Es este período de muy fuerte consolidación en que la "Academia", al recibir merecido reconocimiento social, se convierte en un verdadero centro de generación e irradiación cultural.
Hernán Abal supo impregnar en sus alumnos el fervor desbordante por la búsqueda del hombre americano. Luego de la época de estudiante, ya como profesor en la aulas y en las numerosas clases al aire libre en la década de los '60 como director.

Sería una imperdonable insolencia no pedir desde ya disculpas en esta nota por las innumerables omisiones de artistas -profesores y alumnos- que cobijaron las aulas de la "Academia" en este período.

Pero acaso resulta inevitable destacar la figura de José Bermúdez, un auténtico artista que mostró en las disciplinas que abordó la sólida finura de un verdadero maestro. Aún hoy, a los 85 años de edad, podemos valorar la fecunda estela que dejó, tanto como grabador como pintor. Un artista que vive toda su existencia guiado por una inquebrantable coherencia entre sus principios éticos y su concepción estética, poniéndolos siempre a disposición de la vigencia de los más altos valores de la humanidad.

Con la presencia del espíritu de los fundadores y el sostenido impulso de los maestros, la "Academia" deja abiertos los surcos para que desde ella crezcan las más fecundas vertientes de las artes mendocinas; siendo, además, por largo tiempo, el indiscutido polo de atracción estética e irradiación cultural.

Cobijados, además, por profesores de la talla del pensador Ricardo Tudela y del poeta Enrique Ramponi, destacadísimas figuras en la cultura provincial y nacional, surgieron numerosos artistas que le dieron a Mendoza una respetada posición en el tejido del arte nacional.

Algunos de ellos avanzaron en el desarrollo de sus aptitudes artísticas hasta convertirlas en profesión, otros compartieron la misma con la docente y algunos, por distintos medios, se mostraron como hábiles gestores y difusores de la cultura y de las artes en particular.

Nadie puede dudar de la importante y notoria marca que dejaron estos maestros en sus discípulos y éstos a su vez en los suyos. Scacco, Severino, Gil, Sarelli, entre varios otros, supieron aprender de ellos, no sólo los múltiples secretos del oficio, sino también el amor por el arte y el deseo de continuar por el mismo camino.

Desde hace ya varios años estábamos afirmando nuestro deleite al encontrar en las obras de Antonio Sarelli la suave armonía que establecía entre sus figuras y la intimidad del ambiente, en el que la poesía y la mítica llevaban al sosiego y la paz.

La eterna esperanza por encontrar en la naturaleza paisajes inéditos lleva a José Scacco a convertirse en enamorado de la luz. Sus pinturas resultan obras de un artista que llevó al límite el oficio para ofrecernos otra dimensión de lo posible.

Ángel Gil, como pocos, sabe hacer estallar el color en máxima pureza para expresar una potencia creadora casi sin sujeción. Sus bodegones, sus naturalezas muertas, sus barcazas están siempre cargadas con la misma tensión visceral.

La figuración de Alfredo Severino mantuvo siempre el sello absolutamente personal y abrió al espectador una legión de personajes de inefable singularidad. Personajes que en cada momento nos invitan a ingresar a un mundo tan irreal como deseable.

Escuela Superior de Bellas Artes

Al final de la década de los ’50 y comienzo de la de los ’60 la concepción del sector progresista del radicalismo, con el apoyo de las bases peronistas, dieron lugar a un gobierno que con el tenor de desarrollismo, trató de implementar un modelo de país sobre la base del crecimiento industrial y técnico, conllevando modificaciones sustanciales en los aspectos de cultura y educación.

A la vez que surge el primer Estatuto Docente, se privilegia la creación de escuelas técnicas de jurisdicción nacional y se remite a segundo lugar a las escuelas de "artes", de "artes y oficios", como también de “labores y artes femeninas", de incumbencia exclusivamente provincial.

Era evidente que el criterio de planificación para este proyecto de país estaba fomentado en la base eficiente de una economía industrial.

Aún durante el gobierno faccioso que derrocara al presidente Illia, que imponía el modelo de la "Argentina Corporativa", pudo darse en Mendoza la posibilidad de que la "Academia" lograse alcanzar un nivel mayor.

Es en este contexto de la reforma educativa de 1969 que se crea la Escuela Superior de Bellas Artes, con un diseño curricular acorde a las exigencia de los centros de estudio terciarios de la provincia, dejando de pertenecer a la Dirección Provincial de Cultura para pasar a la órbita de la Dirección de Educación Media y Superior.

El nuevo sistema curricular se estructura sobre dos orientaciones: una, la carrera del profesorado en artes plásticas; y la otra, la carrera de dibujo para la construcción

La primera era el Profesorado de Artes Plásticas y Dibujo, (familiarmente llamado entre los que éramos docentes y los alumnos "La artística"), que se organiza curricularmente en nueve años, con un Ciclo Básico de una duración de 3 años, ingresando después de haber concluido los estudios primarios; continuaba luego con el Ciclo Medio, cuya duración era de 4 años, en el que al egresar se obtenía el título de "profesor elemental de artes plásticas", habilitante para ejercer la docencia en nivel primario; y por último el Ciclo Superior, en el que luego del cursado y la aprobación durante 2 años se obtenía el título de "profesor de artes plásticas”, que era habilitante para ejercer la docencia en nivel secundario

La segunda era la de Dibujante Constructor (conocida como "La lineal"). Se estructura sobre dos ciclos con una duración de siete años: el Básico de 3 años, para el cual el ingreso implicaba la aprobación de los estudios primarios, y el Técnico, de 4 años, que ofrecía al egresado el título de "dibujante constructor", cuya competencia, incumbencia y validez la otorgaba el Consejo de Profesionales de la disciplina.

La meritoria labor de la Escuela Superior era más que evidente, si acaso se toma en cuenta la procedencia de los artistas en la mayoría de las exposiciones de ese momento, además de quiénes eran los artistas que obtenían los premios en las bienales municipales, provinciales, regionales y nacionales en esos tiempos.

La escuela experimentaba un cambio sustancial y una apertura conceptual, necesaria en esos momentos. Del mismo modo que, en su momento, la Escuela de Artes Plástica de la Universidad de Cuyo (p.e. Roberto Azzoni, Fidel de Lucía, Julio Suárez Marzal, Rosa Stilerman, entre otros), ahora los profesores que tenían a su cargo los cuatro talleres artísticos del nivel superior (pintura, escultura, grabado y dibujo) eran egresados de la misma "Academia" y estaban acompañados por los docentes que impartían las disciplinas de análisis filosófico-estético y las de fundamentos artístico-humanísticos provenientes de la Universidad Nacional de Cuyo.

Un buen ejemplo de la labor realizada lo encontramos en el pintor y escultor Fausto Caner, quien egresa con máxima distinción de esa Escuela Superior, heredero directo, con beneficio de inventario, de César Carrizo y Selva Vega.

Desde ese mismo momento podíamos apreciar en sus esculturas la rigurosa verticalidad que imponía a sus figuras y la profundidad de los espacios y volúmenes en pos de encontrar resquicios de íntima reflexión, del mismo modo que en sus pinturas podemos ver cómo se interna en el campo de la metafísica tratando de sobrepasar la dimensión temporal humana.

Del mismo modo deberíamos referirnos a Pascual Marquet, Luis Scaiola, Miguel Ángel Soria y Adelina Tarditti, entre otros.

Dolorosamente, esta Escuela habrá de tener una existencia efímera. En 1979 el nefasto golpe militar paulatinamente fue cerrando todas y cada una de las escuelas de nivel terciario de la provincia. Para nosotros esos tres años de existencia fueron suficientes para que 19 alumnos obtuvieran el título de "profesor".

Argumentum ad baculum

"El argumento al bastón" era el único que podían esgrimir los militares (y sus adláteres) que gobernaron de facto la provincia para poder justificar el motivo por el cual "Se suprimen de la jurisdicción provincial la Facultad de Ciencias Aplicadas a la Industria, la Escuela Superior de Antropología Escolar, la Escuela Superior de Servicio Social, la Escuela Superior de Bellas Artes, la Escuela Superior de Periodismo y pasa al ámbito privado de la Universidad Juan Agustín Maza la Escuela Superior de Ciencias Naturales y Físico-Matemática de Rivadavia." (diario Los Andes).

Había asumido la gobernación el brigadier Jorge Sixto Fernández y en el Ministerio de Cultura y Educación fue designado el Dr. Carlos Orlando Nallim, proveniente de la Facultad de Filosofía y Letras

Toda la riqueza cultural que en nuestra provincia se estaba construyendo fue truncada sin ningún tipo de reparo. Parecía normal y necesario, entonces, encarcelar u obligar al exilio a profesores, despedirlos sin proceso legal alguno, expulsar estudiantes por la presunción de sus conductas antisociales y otras aberraciones más.

Desde luego que también en la Universidad Nacional de Cuyo se produjeron "reordenamientos" entre el personal docente, no docente y alumnos. Tarea cumplida con todo esmero y éxito por el comodoro ingeniero Héctor E. Ruiz, rector de la Universidad como delegado militar de la Junta y luego reemplazado por el Prof. Pedro Santos Martínez hasta 1981, en que renuncia y asume el Prof. Enrique Zuleta Álvarez.

Las autoridades consideran un desvarío por innecesaria la existencia de la Escuela Superior de Bellas Artes; en consecuencia, debía ser cerrada. Jamás entendieron cuál era la función educativa específica de esta escuela, menos les interesaba saber a qué estrato social pertenecían sus alumnos, tampoco se tomaron el trabajo de preguntar sobre la necesidad de que las clases del nivel superior se dictaran en el turno noche. Pero tenían en claro que no era rentable y además era de arte. ¿Hacía falta otro motivo?

Bajen por favor señores

Cumplido el objetivo que se habían propuesto, la Escuela Superior de Bellas Artes, en marzo de 1977, se convierte en una escuela secundaria. Su plan de estudio corresponde, ahora, al de bachillerato al completar la carrera de cinco años; al que luego del cursado de otro año, más la práctica docente, se obtenía el título de "maestro de educación plástica para la enseñanza primaria"

Pero en 1990, ya en democracia, las autoridades encuentran que había un 6º año que sobraba y por tanto era necesario sacarlo. Hecho lo cual la escuela otorga el título de "bachiller con orientación en " pintura, escultura o grabado”. No, no ha leído mal: hasta el dibujo como disciplina independiente sacaron.

Y por el mismo precio, además, "la lineal", vale decir la carrera de Dibujante Constructor fue separada de "la artística" y se formó la que conocemos como "Arquitecto Manuel Civit".

Lo que sigue es muy simple. Ley Federal de Educación, vaciamiento de contenidos, dispersión, capítulos de asignatura convertidos en espacios curriculares, polimodal y parches.

Sería una labor ímproba y absolutamente injusta intentar, aunque fuera de modo somero, elaborar una lista de todos aquellos apreciados difusores y artistas que pasaron, como profesores o alumnos, o surgieron de las aulas de la "Academia”.

Pero ante tal imposibilidad, quizás nos sirva de consuelo saber que sin contar con todos ellos es imposible tener un panorama completo del desarrollo de la cultura mendocina.

Con una mirada de nostalgia sobre toda su historia, nos sobrecoge el sentimiento y la conciencia de que esta singular institución ha marcado un rasgo indeleble en la formación de la fisonomía de la cultura y el arte mendocinos.

Sabemos de los múltiples esfuerzos que la actual directora de la escuela, Prof. Leticia María González, está realizando por mantener vivo el espíritu que le dio origen a la escuela, así como su valor y prestigio.

Estamos seguros, y todos la alentamos, de que el semillero de almas sensibles al arte seguirá dando sus frutos, tanto en los jóvenes, como para nuestra comunidad.

Por eso nos cabe esperar que a quienes les toque gobernar entiendan que la Escuela de Bellas Artes jamás será una escuela más entre otras.

Su historia, su aún vivo espíritu, las innatas ansias artísticas de sus alumnos permitirán que, todavía por el más mínimo resquicio, de cualquier obtuso y mezquino sistema que pudiera imponerse, siempre se les filtrará la necesidad de libertad que el arte manifiesta como inherencia esencial del ser humano.

JORGE O. GOMEZ DE LA TORRE . CRITICO DE ARTE.

PRESENTACION DE LIBROS

2008-09-06T13:40:00.009-03:00

NARRATIVA EXTRANJERA

Una escritura peligrosa
Dave Eggers, el fundador de la revista de culto McSweeney s, cuenta la historia, entre ficcional y verídica, de un niño sudanés refugiado de la guerra, y denuncia, sin sentimentalismos, las humillaciones que padece cuando se instala en Estados Unidos

POESIA

Paisajes de la cuarta dimensión
En Poesía reunida, se recuperan todos los poemas del entrerriano Arnaldo Calveyra, autor de una obra recorrida por el extrañamiento y la original invención de una lengua

BELLAS ARTES - INAUGURACIONES

2008-09-06T13:07:00.003-03:00

ARGENTINA.

Florencia Otero, a las 12, en Lanín 33. Cierra el 28. E. libre. Inf.: 15-5312-3589.

Carolina Santos, a las 12, en Junín 1930. Cierra el 21. E. libre. Inf.: 4803-1040.

Colectiva, Diseño gráfico de Perú, Afiches, a las 12, en Junín 1930. Cierra el 21. E. libre. Inf.: 4803-1040.

Colectiva, pinturas, a las 17, en Las Casas 400. Cierra el 25 de octubre. E. libre. Inf.: 4923-9746; 15-5997-3176.

Colectiva, a las 19, en Aráoz de Lamadrid 355, La Boca. Cierra el 17. Entrada libre. Inf.: 4302-7003.

Colectiva, Street - Art. del graffiti a la pintura, Italia-Argentina, a las 12, en Junín 1930. E. libre. Inf.: 4803-1040.

Colectiva, Cuando las vacas vuelan, a las 12.30, en Junín 1930. E. libre. Inf.: 4803-1040.

LA NOCHE EN BLANCO

2008-09-06T11:20:00.004-03:00

MADRID - ESPAÑA.

Madrid volverá a trasnochar para disfrutar del arte. El 13 de septiembre a las nueve de la noche comenzará la tercera edición de la Noche en Blanco madrileña que se prolongará hasta las siete de la mañana del día 14. A lo largo de diez horas y en 129 puntos los madrileños y los visitantes podrán disfrutar de todo tipo de espectáculos que incluye un homenaje al cineasta Pedro Almodóvar. A los espacios utilizados el año pasado se unen nuevos lugares como el río Manzanares o las plazas de Chamberí y Tirso de Molina.

Una descarga de fuegos artificiales será el arranque de la programación en las distintas áreas (centro, perímetro norte, perímetro sur y perímetro universitario), que estarán conectadas por el servicio de la Empresa Municipal de Transportes y por Metro, que por primera vez ampliará su horario hasta las 3 de la madrugada. 295 artistas de todo el mundo participan en 172 actividades de las que 104 están especialmente concebidas para celebrar la noche más larga del arte en Madrid bajo el lema El mejor sueño ocurre con la ciudad despierta.

Teatro, música, danza, artes plásticas y visuales, nuevas tecnologías, circo, poesía y arquitectura están entre las disciplinas que se podrán disfrutar en la calle. Este año, La Noche en Blanco incorpora nuevos escenarios como la Explanada del Rey a orillas del río Manzanares, donde el artista Giancarlo Neri traerá el reflejo de la luna llena a ras de tierra con su instalación de más de 10.000 luces esféricas. También se estrenan las plazas de Chamberí y de Tirso de Molina, mientras que la Casa de Campo recibirá 500 nuevas encinas como "acto simbólico" encaminado a reducir el impacto ambiental del proyecto.

EL MAR EN MADRID

El Templo de Debod, donde el mar "sonará" gracias a una instalación musical del artista Bill Fontana, o la plaza Vázquez de Mella, con 324 bombillas recreando el calor del trópico, serán otras de las citas ineludibles en una noche en la que el arte llegará también a marcos de referencia como las Plazas de España o Cibeles, el Conde Duque o el Paraninfo de la Complutense.

Por su parte, las propuestas escénicas se caracterizarán por su variedad y diversidad. El Paseo del Prado, por ejemplo, se convertirá en un escenario improvisado para seis artistas que pondrán de manifiesto la cercanía entre el arte y la magia. Y la calle Alcalá será testigo del "paseo aéreo" de Jade Kindar-Martín, que caminará por un cable suspendido a gran altura, uniendo el tramo que separa el Instituto Cervantes del Círculo de Bellas Artes.

Este año, el evento rendirá homenaje al director de cine Pedro Almodóvar en Matadero Madrid. El realizador manchego, que ha rodado 11 películas en la capital, será recordado a través de la música de sus cintas, creada y adaptada para la ocasión por el músico Alberto Iglesias, en un acto en el que también participarán los cantantes Concha Buika y Miguel Poveda y la bailaora Eva Yerbabuena, entre otros.

La Noche en Blanco de Madrid forma parte de la red Noches Blancas de Europa, que desde este año cuenta con dos nuevas integrantes: Bucarest y La Valleta. Estas ciudades se suman a las que ya celebran el acontecimiento: París, Bruselas, Roma, Riga y Madrid. Todas las citas comparten el carácter público y gratuito de las actividades.

MARIA ELENA KRAVETZ - ART GALLERY

2008-09-06T09:09:00.002-03:00

Presenta a la Artista
HILDE MORIN - PASEO DE COLOR
INVITACION - AMPLIAR

HILDE MORIN - PASEO DE COLOR

Desde “tradicional provocador” a contemporáneo -- la galería de arte Maria Elena Kravetz en Córdoba, Argentina invita a un paseo de color a través de una muestra de 10 años de tapices artísticos de Hilde Morin.

La galería presenta las obras en progresión cronológica partiendo desde tapices tradicionales culminando en el presente con tapices que, utilizando técnicas de improvisación, representan una realidad simplificada o sugerida en abstracciones y diseños primitivos, aprovechándose de una paleta de intensos colores. La exposición muestra su técnica y diseño, los cuales incluyen una capa de cortes de tela improvisados a los que añade una segunda capa de texturas que desarrolla con extensos trabajos de hilo y diseño de superficie.

Hilde Morin nació en Caracas, Venezuela. Es descendiente de belgas y vive actualmente en Pórtland, Oregon, EEUU. Luego de trabajar por 20 años en el mundo corporativo, Hilde, reencontrando su habilidad innata hacia los colores y el arte textil se volcó al desarrollo de estas destrezas. Exhibe a nivel local e internacional en lugares como SOFA (Sculptured Objects and Functional Art) Chicago y Nueva York, el Museo de Las Américas en Florida y el CIART (Centro Integral de Arte Textil) en Argentina. Sus creaciones adoptan influencias que se originan en sus raíces multiculturales y apreciaciones de viajera.

Enseña regularmente en Pórtland, Oregon y en Córdoba, Argentina donde promueve la combinación de formas libres y técnicas tradicionales en la construcción de tapices de tela. Sus obras se pueden ver en: http://www.hildemorin.com - www.mariaelenakravetzgallery.com

HILDE MORIN - A COLOR PROMENADE

From “traditional with a twist” to contemporary, Maria Elena Kravetz Gallery in Córdoba - Argentina invites viewers on A Color Promenade through a sample of Hilde Morin’s 10 years of quilting art.

The gallery presents her work in a chronological progression from traditional quilts to current improvisational art quilts in which she represents reality by simplifying or suggesting it through either abstract or primitive designs utilizing a bold color palette. The exhibition showcases her technique and design, which includes a first layer of improvised pieced fabric with the addition of a second layer of texture, created with extensive thread work and surface design.

Hilde Morin was born in Caracas, Venezuela. Of Belgian descent, currently resides in Portland, Oregon, USA. After working for 20 years in the corporate world, Hilde embraced her innate ability for color and fiber art and focused on developing these skills. She exhibits at local and international venues including SOFA (Sculptured Objects and Functional Art) Chicago and New York, Museum of the Americas, Florida and CIART (Centro Integral de Arte Textil) in Argentina. Her creations are influenced by her multi-cultural background and travels.

She teaches regularly in Portland, Oregon and in Córdoba, Argentina promoting the combined use of free form and traditional techniques in the construction of art quilts.

You can see her work online at http://www.hildemorin.com – www.mariaelenakravetzgallery.com

Publicaciones / Publications

2008 - OREGON HOME - March April 2008

2007 - THE QUILTING QUARTERLY - Journal of the National Quilting Association, Fall 2007,

Exposiciones-Premios / Exhibits-Awards

2008 The International Exposition of Sculpture Objects & Functional Art (SOFA), New York,- Chicago USA.

2008 Women in the Arts – Museum of the Americas, Florida, USA - Honorary Mention

2007 Primer Salón Textil de Primavera CIART, Córdoba, Argentina, Guest artist

2007/2006 The International Exposition of Sculpture Objects & Functional Art (SOFA), Chicago, USA.

2007 Northwest Quilting and Creative Art Expo, Portland Oregon, USA.

2007 Interstate Firehouse Cultural Center, group show, Portland, Oregon, USA - First Place Viewer's Choice.

2006 Centro Integral de Arte Textil (CIART), solo show, Córdoba, Argentina.

2005 Multnomah Village, group show, Portland, Oregon, USA - First Place Viewer's Choice.

2003 Gallery 7126, group show, Portland, Oregon, USA First Place Viewer's Choice.

1998 Montgomery County Fair, Maryland, USA First Premium Wall hangings.

MUSEO DE ARTE LATINOAMERICANO (Malba)

2008-09-05T13:57:00.001-03:00

Una sala con un gran rectángulo plateado sobre el suelo, de 25 metros cuadrados, que encandila. Al acercarnos, la visión inicial da paso a la de miles de caramelos que forman esa alfombra. Si nos animamos a más, tomaremos un caramelo, lo comeremos en el momento, más tarde, o lo guardaremos de recuerdo. Y nadie del museo nos llamará la atención porque nos llevamos una parte de la obra.

Desde ayer, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) presenta por primera vez en la Argentina obras de Félix González-Torres (1957-1996), artista norteamericano, nacido en Cuba y uno de los exponentes de la escena artística internacional en los años 80 y 90.

La muestra "Algún lugar/Ningún lugar", curada por Sonia Becce, fue producida por el Malba y presenta las series más representativas del artista, que ofrece una genuina y activa experiencia al público. De hecho, anoche, los visitantes iban y venían comiendo caramelos, chupetines y llevaban rollos de hojas en las manos.

Las instalaciones de pilas de papel impreso, de caramelos o chupetines les proponen a los visitantes que las observen, las toquen y se lleven una parte, si así lo desean. El Malba repondrá constantemente los materiales. La obra, así, se reproduce al infinito. También están las cortinas de cuentas de colores para atravesarlas una y otra vez y, así, sentir su peso, su materialidad y su sonido.

Pero la propuesta del artista no se queda en el aspecto lúdico. A González Torres se lo puede definir como un conceptualista político que compromete al público con sus obras al volverlo activo, a la vez que se compromete él mismo por medio de ellas con la sociedad de su tiempo, al reflexionar acerca de la política, las minorías, la propiedad privada, entre otros temas.

La obra Untitled (NRA) , por ejemplo, constituye una pila de hojas rojas con bordes grises. La sigla NRA se refiere a la National Rifle Associaton, que defiende el uso de armas, en Estados Unidos. Y la instalación Untitled (Para un hombre en uniforme) es una pila de chupetines envueltos con los colores de la bandera norteamericana.

Entre los visitantes que ayer asistieron a la inauguración estaba el consagrado artista argentino Guillermo Kuitca, quien comentó a LA NACION que, si bien la obra de González-Torres "necesita reflexión, no cede un ápice a la emoción". El año pasado, mientras Kuitca representó a la Argentina en la Bienal de Venecia, González-Torres fue seleccionado en forma póstuma para representar a los Estados Unidos.

Interrogar la realidad
El escritor argentino Alan Pauls define al artista como un "cubano en Nueva York, marxista y gay, latinoamericano y conceptual-minimalista", en un texto que integra el catálogo sobre la muestra, que editó el museo. Pauls señala que el trabajo de González-Torres "nunca deja de interrogar cuestiones decisivas como la de los medios y modos de producción, la propiedad privada y la propiedad común, la circulación de los bienes artísticos, la lógica y los valores del mercado del arte".

Algunas de estas cuestiones pueden rastrearse en las obras con carteles de vía pública ( billboards ) que el artista realizó entre 1989 y 1995, a partir de fotografías en blanco y negro tomadas por él. En la terraza del Malba se exhibe una de ellas en la que se ve una cama vacía y deshecha, con dos almohadas levemente ahuecadas.

Por decisión del artista, cada vez que se incluya un cartel ( billboard ) dentro de una institución se debe instalar un mínimo de seis en otros lugares de la ciudad. Por ello, durante la muestra se exhibirán también en seis puntos diferentes de Buenos Aires.

La muestra incluye una obra performática, Untitled (Go-Go Dancing Platform) , en la que un bailarín, vestido sólo con un pequeño short plateado, baila sobre una plataforma rodeada de luces mientras escucha música en un walkman. El bailarín aparece en la muestra por breves intervalos, baila y se va.

Asimismo, una particular idea de amor atraviesa la exposición. "Se trata del amor entendido como una constelación de emociones y experiencias vinculadas con un afecto profundo, con el deseo, con el cuidado y el sentimiento de intensa atracción por otro, con el dolor por la ausencia o la pérdida del ser amado", explica Becce.

Las obras de González-Torres, que el público podrá ver hasta el 3 de noviembre en Figueroa Alcorta 3415, nos acercan al arte y a la historia contemporánea con inteligencia y sensibilidad.

LAURA CASANOVAS

ASOCIACION CULTURAL ESPACIO ARTE

2008-09-05T13:43:00.001-03:00

La Diputación colabora en la celebración del V Encuentro de Artistas Contemporáneos
Con 6.000 euros.

La Diputación de Toledo colabora con la Asociación Cultural Espacio Arte El Dorado y el Ayuntamiento de Quintanar de la Orden para favorecer la creación artística, que puede disfrutarse en el V Encuentro de Artistas 2008 Espacio Arte El Dorado, que se celebrará en Quintanar de la Orden en el mes de septiembre.

José Manuel Tofiño, como Presidente de la Diputación, Amelia Moreno Reosillo, Presidenta de la Asociación Cultural Espacio Arte El Dorado de Quintanar de la Orden, y Francisco Javier Úbeda, Alcalde de Quintanar de la Orden, acuerdan colaborar para que la administración provincial aporta la cantidad de 6.000 euros para favorecer la creación artística y la divulgación de nuestro patrimonio cultural e inmaterial.

La promoción de la cultura a través de actividades artístico-culturales presiden el acuerdo entre la Diputación, la Asociación y el Ayuntamiento de Quintanar para la defensa de programas de desarrollo cultural, en este caso gestionado por la Asociación Espacio Arte El Dorado y el propio Ayuntamiento.

El V Encuentro de Artistas Contemporáneos 2008 “Espacio Arte El Dorado”, de Quintanar de la Orden, recibe el respaldo de la Diputación por tratarse de un certamen abierto a las nuevas tendencias culturales, manifestadas a través de las artes plásticas, los actos musicales, la poesía, la crítica o el debate sobre el arte actual de vanguardia.

Muchos de los artistas participantes en la Exposición preparan obras realizadas expresamente para el evento, consolidado en el calendario cultural regional y nacional.

El V Encuentro de Artistas 2008 conservará la esencia de sus orígenes, dando cabida a todas las facetas de la creación contemporánea. Seguirá apostando por una visión plural del arte y otros campos del pensamiento, presentando una diversidad de sensibilidades y soportes, e incluyendo voces de distintas generaciones y de diferentes procedencias, unidas en su rigor y en su espíritu de experimentación.

Fruto del convenio que suscriba con la Diputación, la Asociación Cultural Espacio Arte El Dorado se compromete a presentar a la Institución una Memoria descriptiva sobre las acciones desarrolladas, que hasta ahora parecen contar con el respaldo del público en general y el reconocimiento al esfuerzo realizado para ofrecer arte nuevo y de calidad en las tierras de La Mancha.-

MUESTRA DE NATALIA LAINEZ

2008-09-05T10:03:00.001-03:00

ESPAÑA.
Laínez es una artista zaragozana licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona que nos muestra su primera exposición en el Centro de Arte Tomás y Valiente.

'Desde el vacío' es una selección de sus últimos trabajos, donde la abstracción vuela para dar forma a las obsesiones y sentimientos de esta joven y excepcional artista.

Mientras, la sala C Roja acoge la exposición de María José Ollero 'Construir el paisaje' del 4 al 24 de septiembre. Ollero es licenciada en Bellas Artes y profesora del Instituto de Enseñanza Secundaria Artístico Joaquín Araujo de nuestra ciudad.

La artista nos presenta en su primera exposición en el CEART una selección de sus últimos trabajos, creando una propuesta intimista, llena de líneas en las que mezcla diferentes técnicas.

Del mismo modo, también desde el 4 de septiembre hasta el 24 de este mismo mes, la sala C Verde es escenario de la muestra 'Intimos mínimos' de la Asociación Fotográfica de Villaverde.

La idea que inspira la exposición reside en los 'Gabinetes de curiosidades' de los siglos dieciséis y diecisiete, que servían de almacenes y muestras de objetos exóticos encontrados en los viajes de los exploradores.

Intimos-mínimos salta de la fotografía del reportaje comprometido, a las imágenes tomadas durante las vacaciones, de los retratos de familia a la fotografía científica, del blanco y negro al color, de la moda al fotoperiodismo, de la imagen digital a la fotografía argéntica.

Por último, la sala C Blanca mostrará desde el 4 hasta el 24 de septiembre la exposición del Colectivo Fotográfico de Fuenlabrada 'Cumplimos 20 años'. Dos décadas en la que un grupo de amantes de la fotografía de nuestra ciudad continúan exponiendo sus obras con la misma ilusión que hace veinte años.

GENTE DIGITAL . ES

UNIRAN SUS VOCES PARA AYUDAR A UNICEF

2008-09-04T19:27:00.002-03:00

ESPAÑA.
Elhumorista Manolo Vieira, el cantante Pepe Benavente, el dúo de reggae las K-narias y la actriz Yanely Hernández unirán sus voces por un objetivo solidario el próximo 2 de octubre en el festival Canarias Vale. Bajo este nombre el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife y Unicef presentaron ayer este proyecto a favor de los niños más necesitados.
Cada uno aportará su particular grano de arena con el fin de destinar un euro de cada entrada a Unicef que invertirá en la "supervivencia infantil en los países subdesarrollados", según afirmó ayer Nérida Castro, presidenta regional de Unicef. "Este euro significa una vacuna para que los niños puedan llegar a cumplir cinco años. Si no lo evitamos, uno de cada seis menores se muere antes de esa edad", añade Castro.
Según Ángel Llanos, primer teniente de alcalde capitalino, este evento es el tercero en menos de un año con el que la corporación colabora con una obra social. "Los fondos de los anteriores eventos fueron destinados a Proyecto Hombre y a Cáritas y en esta ocasión serán para Unicef". Por otro lado, la organización del evento correrá a cargo de la Sociedad de Desarrollo de Santa Cruz y la producción irá de la mano de Oye Producciones. Cándido López, representante de esta empresa, reconoce que "en este espectáculo puede pasar cualquier cosa. El público se lo pasará muy bien", y añade que "cada artista se emplea en su actuación pero también colabora en la de los demás. Pepe Benavente saldrá a animar durante la actuación de las K-narias como lo ha hecho en los ensayos".
Por este motivo y por la inversión solidaria, todos los artistas que intervendrán en este proyecto solidario dicen sentirse muy orgullosos de participar en Canarias Vale. Por su parte, Yaneli Hernández afirma que aunque lo suyo es interpretar, "esta vez tendré que desarrollar mi vertiente musical, así me sumo a la tarea de hacer reir. Siempre he entendido mi trabajo como una labor social, hacer olvidar a la gente su vida cotidiana, su hipoteca, sus obligaciones".
El espectáculo, que durará dos hora y media, tendrá lugar a las nueve de la noche en el Palacio de Deportes de Santa Cruz de Tenerife. La hora del evento está pensada para que el aforo de 4.000 personas del pabellón se llene.
"Es un espectáculo familiar, además, el horario es compatible con el los clientes de los comercios, así éstos pueden comprar y luego ir al festival", comentó Llanos. El precio de las entradas es de 13 euros en preventa y de 16 euros si se compran en taquilla el mismo día.

ALEXANDER SOLZHENITSIN

2008-09-04T18:38:00.001-03:00

MOSCU (EFE).-
Diario de una novela , un texto inédito del escritor ruso y Premio Nobel de Literatura Alexander Solzhenitsin, fallecido el pasado 3 de agosto, será publicado en 2009, anunció hoy su viuda, Natalia.

"El año que viene, junto a su obra completa, serán publicados textos que todavía no han visto la luz y, en especial, el ´Diario de una novela´, que escribió durante 25 años", precisó.

Subrayó que "no se trata de un diario en el sentido estricto de la palabra, sino de un ´diario-interlocutor´ con el que Solzhenitsin conversaba cuando escribió ´La rueda roja´".

"En este diario vemos a otro Solzhenitsin, no a aquel que todos conocen. No es una persona fuerte y segura en sí misma, sino un hombre atormentado y lleno de dudas", explicó.

Indicó, además, que después de ser publicado en Rusia, también lo será en el extranjero, donde "le conocen y le quieren incluso más que en Rusia".

Por otra parte, la viuda recordó que Solzhenitsin ha dejado una gran herencia epistolar.

"Me aterra la idea de que en algún momento habrá que seleccionarla para su publicación", agregó.

Sin embargo, añadió, el archivo sólo será publicado una vez que toda la obra literaria de Solzhenitsin salga a la luz.

El Premio Nobel de Literatura de 1970 por "Archipiélago GULAG", "Pabellón de cancerosos", "Un día en la vida de Iván Denísovich", entre otras obras, falleció a la edad de 89 años a consecuencia de una insuficiencia cardiaca.

EL ESCULTOR MANOLO VALDÉS

2008-09-04T14:45:00.001-03:00

ESPAÑA.
Un total de 17 esculturas de tamaño "monumental" componen la muestra 'A cielo abierto' que la Obra Social de La Caixa inaugurará hoy en La Rambla de la capital con obras del escultor valenciano Manolo Valdés (1942), en colaboración con el Ayuntamiento de Almería .

Se trata de acercar el arte contemporáneo a todos los ciudadanos El autor ha buceado en la historia del arte para recrear algunos de sus temas libremente y en tres dimensiones con un resultado que se plasma en iconos a la dama de Elche, la reina Mariana y la infanta Margarita inmortalizadas por Velázquez o la gran Odalisca de Ingres, que representan, ha dicho, la belleza, la emoción y el valor de las creaciones del espíritu humano más allá del tiempo.

La exposición forma parte del programa 'Arte en la calle', una nueva línea de exposiciones iniciada por la Obra Social de la Caixa con el objetivo de aproximar las creaciones de los artistas contemporáneos al público que no tiene por costumbre visitar museos y galerías de arte.

EXPOSICIONES EN ARGENTINA

2008-09-04T09:20:00.002-03:00

INAUGURACIONES

Sofía Abboud, fotografías, a las 19, en Azcuénaga 1739. Cierra el 10 de octubre. Entrada libre. Informes: 4803-0496/funder@dd.com.ar.

Ariel Alonso, pintura, a las 19, en Serrano 1408. Entrada libre. Informes: 4833-9373.

Febe de Felipe, pinturas, a las 22, en Guatemala y Borges. E. libre. Inf.: 15-6558-8488.

Julio Fuks, La suerte echada, fotografía, grabado, dibujo; Cristián Salineros, Conexiones sanitarias, instalación; Mariela Vita, Viento en la cara, videoanimación; a las 19, en Defensa 713. Cierra el 11 de octubre. Entrada libre. Informes: 4362-7331.

Félix González-Torres Somewhere & Nowhere, Algún lugar / Ningún lugar, a las 19, en Av. F. Alcorta 3415. Entrada libre. Informes: 4808-6511.

Esmeralda Laclau, pinturas, a las 19, en Av. F. Alcorta 2263. E. libre. Informes: 4809-5649.

Verónica Liendo, Ambos y oscuros, pinturas; Gisela Zenobi, Apariencias, pinturas; a las 19.30, en Thames 1776. Entrada libre. Informes: 4832-1968.

Silvia Della Maddalena, Horizonte andino, fuente y origen de epifanías, pinturas, en Suipacha 1333. Cierra el 30. E. libre. Informes: 4393-6941.

Zulema Maza, Voz de la naturaleza, a las 19, en Lavalleja 1062. Cierra el 4 de noviembre. Entrada libre. Inf.: 4772-6754.

Andrés Pasinovich, Tormenta, a las 19, en Lavalleja 1062. Cierra el 4 de noviembre. Entrada libre. Inf.: 4772-6754.

Juan Carlos Quadri, pinturas, a las 19.30, en Independencia 1801, Córdoba. E. libre. Informes: 0351-5980381/2.

Pablo Teme, Obra pictórica 2000-2008, a las 19, en Viamonte y San Martín. Cierra el 21. E. libre. Informes: 4772-6754.

Colectiva, Decimocuarta vez, performance, a las 19, en Lavalleja 1062. Cierra el 4 de noviembre. Entrada libre. Informes: 4772-6754.

ALBORQUES ONLINE ART GALLERY

2008-09-03T18:28:00.002-03:00

Dear Friends,

We would like to invite you to visit the Alborques Online Art Gallery that during this weekend surpassed the mark of 250 Artists.

Also, we would like to present you a new area of Alborques that intends to give the visitor the possibility to order a portrait.

To belong to the group of artists who may receive orders for portraits, you just have to send an e-mail (alborques@gmail.com) with 3 portraits made previously and information about the price usually charged.

The Gallery does not charge any commission, and all orders are handled directly between the visitor and the artist.

We will be waiting for your visit.

A hug

João Zarro

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Caros Amigos Artistas,

Gostariamos de vos convidar a visitar a Alborques Galeria de Arte Online que durante este fim de semana ultrapassou a marca dos 250 Artistas. Além disso, gostariamos de dar a conhecer uma nova área da Alborques que pretende dar ao visitante a possibilidade de encomendar um retrato. Para pertencer ao grupo de artistas que poderão receber encomendas de retratos, basta enviar um e-mail (alborques@gmail.com) com 3 retratos que tenham efectuado anteriormente e informação do preço que costumam cobrar. Tal como acontece para expor na Alborques, a galeria não cobra qualquer comissão, sendo todas as encomendas tratadas directamente entre o visitante e o artista.
Aguardamos a sua visita. Um abraço

João Zarro
http:// www.alborques.com

ES UNA EXELENTE GALERÍA VIRTUAL QUE COLABORA CON LOS ARTISTAS EN FORMA GRATUITA, TRABAJANDO SIN NIGÚN INTERÉS QUE EL DE BRINDARLE LA POSIBILIDAD A MUCHOS PINTORES DE MOSTRAR SUS OBRAS POR INTERNET; (COMO EN MI CASO); MERECE DEVOLVER ENTONCES, POR TANTA GENEROSIDAD DESINTERESADA, TAN SÓLO LA AMABILIDAD O CURIOSIDAD DE NUESTRA PARTE DE VISITARLA Y CONOCERLA. - MUCHAS GRACIAS.

MARÍA CRISTINA FALERONI.

TODO PASA ESTE AÑO POR LONDRES

2008-09-03T15:14:00.001-03:00

El director de la Tate, Nicholas Serota, anunció hoy un variado programa de exposiciones para la próxima temporada que va desde Turner y Van Dyck hasta artistas actuales, como el danés Per Kirkeby, pasando por dos importantes vanguardias de comienzos del siglo XX y el Pop Art.

La primera exposición de la nueva temporada, a partir del 12 de febrero, la dedicará la Tate Modern al constructivismo, representado, entre otros, por Aleksander Rodchenko y Liubov Popova, dos de los artistas más influyentes de las vanguardias rusas de comienzos del pasado siglo.

A través de más de 350 objetos se analizará la evolución de la estética de los constructivistas desde la pintura abstracta al diseño gráfico, incluidos sus diseños para el cine y el teatro.

Otro movimiento de vanguardia, el futurismo, cuya influencia se extendió desde Italia hacia otros países europeos, será objeto de otra muestra de la Tate Modern, de junio a septiembre del próximo año, con motivo del centenario del Primer Manifiesto Futurista, publicado por Tommaso Marinetti en febrero de 1909.

En ella podrán verse muchas de las obras que se exhibieron en la exposición futurista de la galería Bernheim de París y que en 1912 viajaron a Londres: creaciones de artistas como Boccioni, Severini, Carrà, Balla, Picasso o Sonia Delaunay.

Entre los artistas contemporáneos, la Tate expondrá de finales de febrero a finales de mayo del próximo año instalaciones y fotografías de la norteamericana Roni Horn, que, entre otros temas, recogen sus experiencias de la geografía y la geología de Islandia.

De junio a septiembre del próximo año, los visitantes de la Tate Modern podrán familiarizarse con la obra del danés Per Kirkeby (nacido en 1938), creador polifacético que ha trabajado en distintos medios: pintura, escultura, arquitectura, grabado, dibujo, cine y literatura.

Inmediatamente después recogerán el testigo el Pop Art, con una muestra que analizará su trayectoria desde Andy Warhol hasta Damien Hirst, pasando por Jeff Koons y Richard Prince, y el artista conceptual californiano John Baldessari, a quien se dedicará una retrospectiva.

Otra de las galerías que integran la red Tate, la llamada Tate Britain, dedicada al arte británico, acogerá sendas exposiciones en torno al holandés Van Dyck y al británico JMW Turner.

La primera, de mediados de febrero a mediados de mayo del próximo año, se centrará en el género del retrato, que Van Dyck practicó durante su estancia en Gran Bretaña, donde tuvo como modelos a personajes de la Corte y la alta sociedad.

La segunda, titulada "Turner y los Maestros", que podrá visitarse desde finales de septiembre hasta comienzos del 2010, presentará una selección de cuadros de ese gran maestro de la luz acompañados de pinturas de los artistas que más influyeron en él como Claudio Lorena, Canaletto, Ruisdael, Poussin, Rubens o Rembrandt.

La Tate Britain dedicará también de junio a septiembre una retrospectiva al británico Richard Long, uno de los representantes más destacados del llamado "land art".

A su vez, la Tate Liverpool, ubicada en esa ciudad del noroeste de Inglaterra, tiene programadas, entre otras, una exposición centrada en el uso del color en el arte de los últimos cincuenta años, mientras que la Tate St Ives expondrá la obra del vanguardista británico Ben Nicholson.

En la conferencia de prensa para presentar el programa, Serota destacó el hecho de que la Tate Modern recibió desde abril del 2007 a marzo del 2008 más de 5,2 millones de visitantes y la Tate Britain, 1,5.

El director de la Tate se refirió a la ampliación de la Tate Modern, prevista para el 2012, y dijo que hacen falta 215 millones de libras (más de 382 millones de dólares), de los que llevan recaudados sólo 70 (124), pese a lo cual se mostró confiado en que la nueva galería esté abierta para el año en que Londres acogerá los Juegos Olímpicos.

Serota informó asimismo de que en la temporada 2007-08 la Tate adquirió 494 nuevos trabajos para su colección, muchos de ellos consistentes en donaciones y entre los que destacan obras de Bonnard, Lucian Freud, Francis Bacon y David Hockney.

MUESTRA DE VINCENT VAN GOGH

2008-09-03T12:41:00.001-03:00

Dibujos con tiza, carboncillos y bocetos a lápiz son las piezas esenciales que el museo Albertina de Viena ha reunido para presentar al pintor Vincent van Gogh en su faceta más desconocida, la del dibujante, en la mayor exposición del célebre artista en los últimos 18 años.

La muestra, que la sala vienesa abrirá al publico el viernes, pretende mostrar la importancia del dibujo en la obra pictórica del artista holandés y unificar dos elementos de su trabajo que hasta la fecha apenas si se han puesto en relación.

Pinturas dibujadas es el lema de la exposición, que presenta 51 cuadros y 89 dibujos provenientes de la magnífica colección gráfica del museo vienés y también de otras 51 instituciones de todo el mundo, entre ellas, el Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Todo, para configurar la mayor presentación monográfica en 18 años del autor de Los girasoles , la primera en Austria en 50 años y una de las más valiosas: la cuantía del seguro asciende a 3.000 millones de euros (4.334 millones de dólares).

Tal y como indicó en la presentación de este evento a la prensa Klaus Albrecht Schröder, director del Albertina, la capacidad de Van Gogh como dibujante está a la altura de las de Durero o Miguel Ángel.

Algo que, según él, "no está lo suficientemente valorado en el conjunto de la obra del artista".

Por eso, pese a que Van Gogh es conocido mundialmente por sus luminosos cuadros y su dinámica pincelada -por no hablar de su conflictiva vida y su suicidio-, esta exposición reivindica y presenta sus obras realizadas a lápiz durante su carrera.

El objetivo de esta muestra es descubrir a Van Gogh como una "unidad artística", en palabras de Schröder.

De ahí que haya sido organizada siguiendo una línea cronológica; la muestra parte del tardío descubrimiento por parte de Van Gogh de su vocación artística, a los 27 años.

De sus primeros pasos en el arte, entre 1883 y 1885, proceden sus estudios de la vida en el campo: las tareas de los campesinos, los paisajes rurales y, sobre todo, los retratos de labradores que reflejan la dura y empobrecida situación social del campo holandés.

Entre las piezas características de esta etapa destacan el dibujo a lápiz Anciano con chistera y el óleo Molino de agua en Gennep .

Seguidamente, la muestra aborda la etapa en la que Van Gogh va a París en 1886, en la que el color protagoniza su paleta y conoce a los impresionistas, que le conducirán a abandonar el estilo formalista de sus primeras composiciones.

Allí pinta escenas desde la ventana de su apartamento en Montmartre, puentes y barcos en el río Sena y algunos autorretratos.

Tras dos años de vivencias en la Ciudad de la luz , Van Gogh se marcha a Arles (sur de Francia), donde producirá la parte de su obra más reconocida y valorada.

En esta localidad, creó unos cuadros de pinceladas rítmicas y dinámicas en las que se reconoce un trabajo previo y una experiencia acumulada como dibujante.

Dibujos y pinturas de caminos y campos se presentan conjuntamente en la muestra para subrayar la íntima relación entre el pincel y el lápiz o la pluma de caña de bambú.

Especialmente llamativo ahora es el recurrente tema de los campos, que Van Gogh reproduce antes, durante y tras la siega, en una clara representación simbólica del ciclo de la vida.

Pero sus desajustes mentales, su pelea con su amigo el pintor Paul Gauguin y la conocida automutilación del lóbulo de su oreja izquierda condujeron a que durante un periodo estuviese internado en el sanatorio psiquiátrico de Saint-Rémy.

Van Gogh allí ejecutó numerosos dibujos de los patios y rincones del hospital y pintó cuadros a diario con una gran fuerza expresiva en la que los colores generan movimiento dentro del lienzo.

Corre ya el año 1890 y el pintor vive sus últimos días. Su arte ha logrado fusionar lo ornamental y lo expresivo "en un equilibrio armónico", como describen los organizadores.

Serán ya sus últimos cuadros: Auvers-sur-Oise , Trigal con cornejas o El Jardín de Daubigny , fechados en julio de 1890. El 27 de julio, Vincent van Gogh se dispara un tiro en el pecho y muere dos días después.

MARCO CARPIO EXHIBE EN LONDRES

2008-09-03T09:21:00.001-03:00

PERU.

Su instalación, una ardilla gris en una caja de madera parcialmente cubierta de concreto, ha sido seleccionada de un total de 2 mil 700 obras para ser exhibida junto a otros 70 trabajos, varios de ellos pertenecientes a artistas de reconocida trayectoria internacional.
Ésta es la primera participación del artista peruano en una muestra en Londres y lo hace con un trabajo que adapta una constante en su propuesta a su paso por la metrópoli europea.

“Siempre he creído que mi propósito en el arte es expresar de algún modo mi ambición por unirme con el universo. Mi experiencia en los Andes y la Amazonía peruana ha sido gravitante en mi trabajo”, explica Marco.
Antes de llegar a Londres, Carpio pasó seis meses viviendo en Tambopata (Puerto Maldonado), donde realizó algunas instalaciones artísticas sobre la relación de los animales con su medio ambiente. “Esta temática la he seguido desarrollando en Londres, pero desde otra perspectiva, una que responde a un contexto diametralmente opuesto.”

El uso del nombre Hyde Park en la instalación del artista alude a los parques que existen en Londres, espacios verdes que han permitido que algunos animales hayan logrado adaptarse a la urbe. Lo interesante para el artista es ver cómo el color de la ardilla se ha mimetizado con el gris del concreto de la ciudad.
La propuesta de Carpio cuestiona la relación espacial entre la naturaleza y la civilización, la conducta humana y la animal.

Premio pendiente
Aunque la obra de Carpio no llegó a ser incluida dentro de la lista de los siete finalistas que podrán acceder al primer premio de 25 mil libras (aproximadamente 50 mil dólares), aún queda un premio de 10 mil libras (aproximadamente 20 mil dólares) otorgado por la Federación de Artistas Británicos, que será anunciado el 3 de setiembre.
El artista peruano considera que haber sido incluido en la muestra por un jurado compuesto por algunos de los críticos de arte más influyentes de Londres ha sido una suerte. “En cierta forma un concurso es siempre un azar, una coincidencia entre la oportunidad y la capacidad.”

La obra de Carpio y los demás trabajos incluidos en la muestra del premio Threadneedle se exhiben en la galería The Mall de Londres hasta el 6 de setiembre.

Ésta es la primera edición del Premio Threadneedle de Arte Figurativo. Sin negarle valor al arte conceptual, pretende ser la contraparte en el Reino Unido del Premio Turner, concurso ampliamente vinculado con lo conceptual y que ha venido determinando desde hace varios años la tendencia en el arte contemporáneo.

Si bien la mayoría de las obras seleccionadas para el Premio Threadneedle se ajusta al perfil figurativo, muchas, como la del artista peruano, tienden al conceptualismo:

“El eje de los trabajos elegidos es el tratamiento de la figura. Mi obra ha sido leída como una pieza en el límite de ambas tendencias”, sostiene.

LA GRAN ARTISTA MARTA MINUJIN

2008-09-02T17:31:00.000-03:00

París, Vancouver, Cali, San Pablo y Berlín. En pocos días, la consagrada Marta Minujín realizará una gira internacional por cuatro meses. Sólo regresará a Buenos Aires para el recambio de maletas y de inmediato, saldrá otra vez al mundo.

Para Marta Minujin el motor de la creación artística es "la angustia existencial, de la que no te salva nadie. Siento una angustia brutal de crear. De sacarlo afuera". Los colchones vuelven a ser protagonistas de dos de las obras que expondrá en esta gira internacional. "Me importa mucho como elemento, porque en los colchones la gente nace, sueña, hace el amor y muere. El colchón es un pedazo de vida", dice la artista.

En la Galería Lara Vincy, de París, la artista inaugurará el 9 de septiembre La chambre d’amour (La pieza del amor), realizada con el escultor holandés Mark Brusse, cuya primera version estrenó en 1962 en la capital francesa y exhibió luego en Tokio.

Una semana antes, Minujin alzará una estructura de madera de 2,20 por 1,80 metros envuelta con 70 colchones multicolores, que se convertirán en una pieza en movimiento. En la Vancouver Art Gallery, expondrá el 9 de octubre su obra Soft Gallery, con 200 colchones dentro de los cuales se proyectarán los videos de El Partenón de los libros, Carlos Gardel de fuego y Torre de Pan Lactal de James Joyce. Junto con este materia audiovisual se proyectarán dos más creados en febrero último en Nueva York: Soft Gallery y Ice Cello.

En la 28° Bienal de San Pablo, Minujin será el 26 de octubre una de seis artistas homenajeadas, a raíz de que su obra constituye una referencia para la práctica artística contemporánea. Artist’s talk se llamará el espacio de debate en el que Minujin charlará con la curadora Ines Katzenstein, al igual que el resto de los invitados, Marina Abramovic, Helen Alñmeida, Andrea Fraser, Matt Mullican y Allan McCollum.

El 26 de noviembre, la artista argentina pondrá en marcha su Operación Perfume, en el 41° Salón NaciOnal de Artistas de Colombia, en la ciudad de Cali, una de las más violentas de ese país. Se trata de una "artción", según la definición de Minujin, que consiste en "arte para oler y sentir. Son 700 litros de jazmín del país que serán rociados en un barrio marginal de Cali y que durará 24 horas".

Finalmente, en diciembre, Marta Minujin llegará a Berlín, capital en ebullición cultural. "Estaré invitada por la Akademie der Künste, con una performance creada especialmente para ese encuentro en el que estarán Yoko Ono, Adrian Piper, Yingmei Duan y Leslie Labowitz. Será arte ecológico en acción, con gente que tendrá baldes en la cabeza dados vuelta".

Como si fuera poco, antes de partir, Marta Minujin participó de Pecha Kucha, una propuesta artística que se lleva a cabo en la Ciudad Cultural Konex. Marta Minujin, reconocida por su rubia cabellera y sus infaltables anteojos oscuros, lleva más de 40 años de actividad plástica y aún conserva la pasión de juventud, cuando sin terminar el colegio secundario, se marchó a París a respirar arte.

"Fui una pionera del nuevo realismo, del fluxus, del art pop, del happening, del arte efímero, del arte monumental, del arte de expresión masiva. Conocí a Andy Warhol y a Salvador Dalí. Soy de esa clase de artistas que se desdobla en muchos polos", dice, vestida con un overol con rayas pintadas a mano. Se pone el atuendo de trabajo a las 12 y se desprende del mismo a las 19.

Dicen los entendidos que si Marta Minujin hubiera nacido en Estados Unidos sería la mismísima Andy Warhol. Ella dice que, al volver la vista atrás, tiene "la sensación de que todo se puede en la vida. Yo vivo de mi arte, que se está capitalizando". Y siente, en ocasiones, "como si el tiempo no hubiera pasado".

Todo lo que hace implica "un trabajo de locos, pero los artistas somos locos". Una visita guiada por la propia artista a lo largo de su atelier permite apreciar la dimensión de su creatividad y su obra. Aquí y allá se aprecia la fragmentación hecha esculturas. "Venimos de la fragmentación y vivimos en un país fragmentado", dice.

Los nombres de sus obras dicen mucho: Diálogo entre Freud y Einstein, La Venus cayendo, El dinero no hace la felicidad pero se aproxima, Los doce meses del año, Autorretrato de alambre. "Cada exposición me pone muy nerviosa", dice con la cabeza puesta en París. Minujin fue precursora en el "arte comestible" y sus esculturas cubiertas de queso y de frutas son parte de la historia de arte argentino, como lo son las piezas que crea y abandona en distintos lugares, por sus dimensiones.

Al despedirse, para continuar con los preparativos de la gira, la artista dice: "Estoy segura de que si no hubiera nacido en este país, igual hubiera hecho obras grandes, que la gente pudiera ver desde cualquier parte. Cuando vas en tren a Avellaneda, una obra de arte en el camino te abre los ojos y te cambia la cabeza. El arte calma la angustia y te da serenidad".

DIEZ MIRADAS AL ARTE

2008-09-02T17:17:00.000-03:00

GRANADA - ESPAÑA.
DIEZ jóvenes artistas, diez formas distintas de concebir el arte, que ahora se unen para formar el colectivo Tangram. Desean que el público conozca su obra, que viva distintas sensaciones, que se acerque sin miedo y «comprenda, así, un poquito mejor el mundo del arte». Su primer contacto con los espectadores se materializó ayer en la sala de exposiciones del Rey Chico. Se trata de una muestra compuesta por más de diez obras de arte contemporáneo, que cuenta con la colaboración de la Concejalía de Juventud y que podrá visitarse gratuitamente hasta el 15 de septiembre.

«Nuestro colectivo nació en la Facultad de Bellas Artes, con la intención de poder hacer visibles nuestras creaciones y montar exposiciones por toda la ciudad», explica Álvaro Pérez, uno de los componentes de este grupo de artistas. «Cada uno de nosotros tiene una estética muy especial y particular, nos expresamos de formas muy distintas pero con un mismo fin en común», añade.

Clara Jiménez es una de las creadoras más jóvenes, pero ya tiene las ideas claras. Su obra, 'Debussy', recuerda a los trazos del pintor, pero con una frescura renovada, colores vivos y mucha luz. «Desde muy pequeña siempre he sido muy creativa, me gustaba dibujar e inventar todo tipo de juegos, el arte siempre ha estado presente en mi vida», confiesa la pintora.

Origen del nombre

Los artistas explican que lo que desean entre todos es «trabajar jugando con los distintos materiales», por eso escogieron el nombre de Tangram, que lo han tomado de un juego chino de estrategia. Ayudar a estos creadores emergentes es una iniciativa enmarcada dentro del 'Plan Joven', organizado por la Concejalía de Juventud para promocionar a los artistas granadinos y que se conviertan en un referente para toda Andalucía.

Juan García Montero, concejal de Cultura, que también acudió a la inauguración de este «atrevido» proyecto quiso recalcar que Granada se ha convertido en una ciudad llena de creatividad. «Es un orgullo saber que el arte está consiguiendo tener un lugar privilegiado en nuestra ciudad y que los jóvenes lo tienen cada vez más fácil», concluyó.

MUESTRA DE LA ARTISTA HILDE MORIN

2008-09-02T16:51:00.003-03:00

"PASEO DE COLOR" - HILDE MORIN

Desde “tradicional provocador” a contemporáneo -- la galería de arte Maria Elena Kravetz en Córdoba, Argentina invita a un paseo de color a través de una muestra de 10 años de tapices artísticos de Hilde Morin.

La galería presenta las obras en progresión cronológica partiendo desde tapices tradicionales culminando en el presente con tapices que, utilizando técnicas de improvisación, representan una realidad simplificada o sugerida en abstracciones y diseños primitivos, aprovechándose de una paleta de intensos colores. La exposición muestra su técnica y diseño, los cuales incluyen una capa de cortes de tela improvisados a los que añade una segunda capa de texturas que desarrolla con extensos trabajos de hilo y diseño de superficie.

Hilde Morin nació en Caracas, Venezuela. Es descendiente de belgas y vive actualmente en Pórtland, Oregon, EEUU. Luego de trabajar por 20 años en el mundo corporativo, Hilde, reencontrando su habilidad innata hacia los colores y el arte textil se volcó al desarrollo de estas destrezas. Exhibe a nivel local e internacional en lugares como SOFA (Sculptured Objects and Functional Art) Chicago y Nueva York, el Museo de Las Américas en Florida y el CIART (Centro Integral de Arte Textil) en Argentina. Sus creaciones adoptan influencias que se originan en sus raíces multiculturales y apreciaciones de viajera.

Enseña regularmente en Pórtland, Oregon y en Córdoba, Argentina donde promueve la combinación de formas libres y técnicas tradicionales en la construcción de tapices de tela.
Sus obras se pueden ver en:
http://www.hildemorin.com/
http://www.mariaelenakravetzgallery.com/

Sala: MARIA ELENA KRAVETZ Galería de Arte
Domicilio: San Jerónimo 448 - Córdoba
Teléfono 0351 4221290
Inauguración día: 10 de setiembre de 2008, 19,30 hs.

La muestra se extenderá desde el 10 de setiembre hasta el 10 de octubre de 2008

Horarios de la Galería: Lunes a Viernes de 16,30 a 20,30 hs. - Sábados previa cita
Entrada libre

MUESTRA DE RITA KAFETZIS

2008-09-02T16:15:00.005-03:00

RITA FAFETZIS - "TRASMALLO"
Obra Angulos Eolicos

BIOGRAFIA
Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y de la Academia Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón con el título de Profesora Nacional de Artes Plásticas e Historia del Arte.
Asiste a los talleres libres de pintura bajo la dirección del Maestro Lino Enea Spilimbergo, en el Departamento de arte de la Universidad Nacional de Tucumán. Docente, profesora de plástica e historia del arte en escuelas con orientación pedagógica, técnica y artística. Participa en salones nacionales, provinciales y municipales desde 1957 obteniendo premios y distinciones, Premio Intervención Federal, Salón Municipal de la Provincia de Tucumán, Gran Premio de Honor Adquisición, Salón de Dibujo del Concejo Deliberante de la Municipalidad de Morón.La Universidad de La Plata y la U.P.C.N. le rinden homenaje como Mujer bonaerense destacada en la cultura. Expone en muestras individuales y colectivas en Capital Federal, Buenos Aires, Tucumán, Santa Fé, Santiago del Estero y en el exterior, España, Cuba y Alemania. Declarada Ciudadana Ilustre por el Concejo Deliberante de la Ciudad de Morón por su actividad artística. Invitada por la Fundación Lino Enea Spilimbergo a exponer permanentemente desde 2004 en la Galería Armarte, Buenos Aires Design, y en Encuentro Galería de Arte Contemporáneo, Ciudad de Buenos Aires.

Tanto su obra pictórica como sus dibujos expresan la óptica
de la emoción y el impacto surgidos de su compromiso social.
Esta exposición titulada “Trasmallo”, nos transporta al trabajo
del tejido artesanal de redes de pescadores, usada para
capturar peces, pero también pudiendo quedar atrapados y
envueltos en las mismas. Una trama que surge de nuestra
tierra y mares, tal la paleta elegida por R.K., que trasluce
con colores que sobresalen naturalmente de la traza propuesta.
Las tensiones las condensa en puntos neurálgicos, como
encrucijadas, para luego dispersarse a todo color, con energía
inusitada. En otras series, con los mismos ejes y parámetros,
ha dispuesto la temática, aunque ahondando en el significado
visual, conmoviendo al espectador que, imbuído en la muestra,
queda atrapado sensiblemente por las imágenes con sus peces
empetrolados y ojos que lo observan todo.
Emociona ver a una persona que se preocupa en forma
permanente por sus semejantes, desprovista de egoísmo pero
con el orgullo de tener un mensaje y transmitirlo, con una
bondad y paciencia infinitas.

ARQ. VICTOR GANCHEGUI

Muestra: Rita Kafetzis
Sitio: Casa de Yrurtia
Inauguración: Domingo 7 de septiempre a las 21 hs.-
Cierre: 11 de noviembre
Horarios: De martes a Viernes de 13 a 19hs, Domingos de 15 a 19.
Curador: Victor Ganchegui
Dirección: O Higgins 2390 Capital Federal
BUENOS AIRES - ARGENTINA.

SALVADOR GALUP

2008-09-02T14:47:00.008-03:00

MUESTRA HOMENAJE A SALVADOR GALUP
(1907 - 1991)

Dadas las características de excelente dibujante y pintor, la exposi-
ción se divide en dos etapas en las que tratamos de mostrar la
expresión de este artista, un caballero íntegro e ilustrado que, con
sus técnicas, tanto en el dibujo como en la pintura aportan, sorpren-
den y conmueven, ya sea por su investigación en la síntesis de sus
trazos, como a los materiales y su utilización, de manera tan original
como el objetivo a comunicar.
Estudiando su evolución desde los días de estudiante, viendo sus
bocetos de dibujos y pinturas a través de los años, se puede decir
que sin dudas que ha logrado su identidad en ambas disciplinas.
En cuanto a la temática, en muchos casos testimonial y comprome-
tida con la época que le tocó vivir, ya sea para acompañar exquisi-
tamente un texto o una poesía, ya un retrato dan cuenta de su
versatilidad.
De su creatividad, generosidad y dedicación, presentamos una
pequeña muestra de su tarea, que cautiva por el gran espíritu de
comunicador visual de nuestra sociedad, de una realidad de
nuestro país, obteniendo allí la fuerza de su fundamento.

ARQ. VICTOR GANCHEGUI

Entrar en el mundo plástico de Salvador no deja de ser un intenso
recorrer las instancias de la misma vida, la de siempre y aquella que
se sucede aportando misterios, elementos para descifrar en cada
línea del dibujo o el color.
Salvador no fue un artista conocido y favorecido por la propaganda.
Su obra parece requerir el silencio, la voz secreta y el sentimiento
sin alardes de popularidad. Conforme con su trabajo en el taller,
alejado de toda competitividad, se entregaba a lo que para él era una
razón de conocimiento de la realidad social. No buscaba otra cosa
que el contacto profundo con el mundo que sentía extraño o
maravilloso. Dibujaba desde una mirada entrañable, un don nada
común, y lo poco que veía por su escaso sentido visual era de inmenso
poder expresivo.
Conoció escuelas, corrientes del pasado y el presente, amó el arte y
fue creando en sí las formas que lo representaban, sin recurrir a excesos
gráficos o recursos oscuros. Y lo que hacía lo entregaba a sus amigos,
los poetas, ilustrando muchas veces libros o plaquetas.
Esta muestra de Salvador que ahora vemos es un mundo para entrar
a otros, en un conjunto que se ha recogido entre familiares y amigos,
dejando muchas obras dispersas y difíciles de recuperar.
“No pinto o dibujo para exponer”, decía sin acceder a los pedidos
que le hacíamos para presentarse en algunas galerías. Fue su
respuesta y su ética, desde que dejó el diario La Razón, donde lo
conocíamos como retratista y jefe de dibujantes. Una admirable lección
de humildad y oficio libre de toda ambición, por grandeza de espíritu.

ALBERTO LUIS PONZO

Muestra: Homenaje a Salvador Galup - Pinturas
Inauguración: Domingo 7 de septiembre a las 18 hs.
Sitio: Casa de Yrurtia
Dirección: O'Higgins 2390 - Capital Federal
Horarios: De martes a Viernes de 13 a 19hs, Domingos de 15 a 19.
Cierre: 28 de Diciembre de 2008
Curador: Victor Ganchegui
BUENOS AIRES - ARGENTINA.

PARA DETECTAR FALSIFICACIONES

2008-09-01T17:07:00.003-03:00

PENSILVANIA, (AP).
Las obras maestras de Vincent van Gogh han inspirado tanto a jóvenes artistas como a falsificadores potenciales, que intentan recrear sus vívidos paisajes y retratos.

Las falsificaciones también son inspiraciones. Muchos falsificadores no sólo copian una obra maestra para que no se distinga del original. En otras ocasiones, retoman temas e imitan el trazo de los grandes pintores, para crear obras que esos pintores nunca plasmaron en el lienzo.

Ahora, en una irónica vuelta de tuerca, los científicos están acudiendo a la tecnología moderna para dar a los expertos en arte, herramientas más precisas a fin de responder a una pregunta antigua y que puede resultar muy costosa para incautos compradores: ¿Se trata de un original de van Gogh o de una falsificación?

En una colaboración excepcional de artistas y científicos forjada por el profesor C. Richard Johnson, de la Universidad de Cornell, se han comenzado a usar pantallas de computadoras como si se tratara de lienzos. Aunque el proyecto se concentra en los clásicos de van Gogh, el resultado podría tener un impacto en todo el mundo del arte.

"Es algo que todos querríamos usar con más asiduidad, pero realmente está recién comenzando´´, dijo en una reciente entrevista telefónica Ella Hendricks, directora del departamento de conservación en el Museo van Gogh, en Amsterdam, Holanda.

Las detalladas imágenes computarizadas pueden ser agrandadas y eso permite a los investigadores analizar la complejidad de las pinceladas. Se descubrió que las copias suelen tener más pinceladas que los originales. Un falsificador "no puede recrear el original en un solo movimiento porque no es (van Gogh)´´, dijo Johnson. "Por lo tanto, usa múltiples pinceladas para imitar el arte´´.

Ardua investigación del detalle

Johnson comenzó a programar hace tres años un proyecto capaz de unir los dos intereses que más lo apasionan: la ingeniería y el arte. Primero encontró otros investigadores de diferentes partes del mundo que trabajaban en proyectos similares. Y luego se puso en contacto con el Museo van Gogh y formuló una propuesta bastante inusitada.

¿Podría él tener acceso a la colección digitalizada de las obras de van Gogh, para que los científicos pudiesen experimentar con formas de usar tecnología a fin de ayudar a historiadores de arte, conservadores y conocedores?

El museo aceptó. Un grupo de expertos había comenzado en fecha reciente a escanear las obras de van Gogh y a tener escarceos en técnicas digitales, que en años recientes ha conseguido popularidad a través de la industria.

Los científicos estudiaron 101 escaneos de alta resolución de las pinturas de van Gogh proporcionadas por los museos Van Gogh y Krüller-Müller de Holanda. De ese total, los historiadores de arte identificaron 23 como obras auténticas de Van Gogh.

Un informe de la universidad Penn State donde se promocionaban los resultados de la tarea y publicado en el número de julio de la revista especializada IEEE Signal Processing, delineó el resto del proceso:

Las 23 pinturas auténticas de Van Gogh fueron usadas por un sistema de computadoras como un banco de datos a fin de recopilar los estilos de las pinceladas del artista. Se crearon modelos estadísticos para capturar el estilo original "manuscrito´´ que se convirtió en la rúbrica del artista en esos escaneos.
Las otras 78 pinturas, que fueron compuestos de obras de Van Gogh o de sus colegas, o pinturas en una época atribuidas a van Gogh y que luego fueron consideradas falsas, se compararon con modelos estadísticos generados por las 23 pinturas auténticas.

Dave Coddington, jefe de curadores del Museo de Arte Moderno de Nueva York, espera que el análisis de imágenes digitales ayude a los esfuerzos de conservación y ofrezca a los estudiantes una mejor comprensión del estilo de un pintor.

Muchos expertos en el campo consideran esa tecnología como algo más que una herramienta para detectar falsificaciones. Una segunda ronda de análisis que involucra a más investigadores está actualmente en marcha.