La Casa de los Horrores

Crítica de "Saw VI", por el Capitán Spaulding

2009-11-27T12:47:00.001+01:00

Mientras nuestro Ministerio de Cultura sigue con sus enajenaciones mentales, el estreno español de "Saw VI" se va posponiendo (curiosamente, los mismos que vetan la aparición de este film sí permiten o directamente crean espectáculos mucho más extremos, como es el caso de "Mentiras y Gordas"), lo que no hace sino aumentar de manera proporcional el interés general por tan maldito film que, además, supone la sexta de una serie de la que nos hartamos en la tercera parte.

Viéndonos obligados a sacarnos las castañas del fuego, por fin le hemos echado un guante a la que, según Ángeles González-Sinde y compañía, es la película más violenta de los últimos años. Nuestra única motivación, por supuesto, el morbo. El resultado: tan por debajo de lo esperado como para echarse a llorar si realmente es este el nivel de mojigatería y censura al que se ha llegado en tan libre y progresista país.

Ciertamente, este es el "Saw" con las escenas de contenido más violento de toda la saga. Pero ¿qué quiere decir esto exactamente? Poniéndonos en situación, nos encontramos ante una película de terror con palomitas, para cerebros prácticamente carentes de actividad neuronal y, por lo tanto, de espíritu comercial y centrado únicamente en cumplir con los deseos del público. Y evidentemente, estos no van más allá de hora y media de sano gore guarnecido con un argumento que más o menos mantenga el interés, algo que sabe a la perfección Kevin Greutert, editor de todo el puzzle (desde la primera entrega) y por primera vez director de una de sus piezas. El californiano es perfectamente consciente de los límites que no debe rebasar para no caer en la ofensa, y se dedica a juguetear con ellos de la misma manera que lo viene haciendo todo el universo "Saw", con la única diferencia de que, en esta ocasión, ha salido lo suficientemente bien como para escandalizar a los más retrógrados: los genios de nuestra cultura.

Básicamente, por lo que Greutert opta es por tomar el 100% del total de violencia permitida en el cine comercial, y distribuirla en dos grandes bloques equitativamente (el prólogo y una secuencia conceptualmente terrorífica cerca del final), amén de un par de migajas que se desprenden durante el proceso para aparecer a lo largo del metraje, de manera tan fugaz como soft, y reavivar de paso la llama de una atención que a la mínima que ve una salida desaparece por completo del espectador. Pragmáticamente, esto significa que, aun siendo el más violento de la saga, estamos también ante uno de los "Saw" con menos escenas de terror de toda la hexalogy, tal es el empeño en, sorpresa, el guión.

Y es que para poder entender lo que ocurre a nivel argumental, el espectador no sólo tiene que haber visto necesariamente las anteriores cinco entregas, sino que debe recordarlas con detalle, tal es el nivel de exigencia de la pareja de guionistas, Marcus Dunstan y Patrick Melton (quienes llevan firmados los guiones de "Saw 4", "5" y "6", y ya han empezado la composición de la próxima). De hecho, a un servidor no sólo le resultó imposible reconocer todas y cada una de las constantes remisiones a personajes y situaciones, sino que además se lo ocurrió que tal vez, en realidad sí que toda la saga está estructurada a modo de puzzle, y si hasta ahora hemos visto diversas piezas, todavía nos queda la última que de sentido a la big picture y, quien sabe, lo mismo hasta se descubra como una genialidad de la historia del cine.

Ahora bien, tales conjeturas pueden hacerse, tranquilamente, durante el visionado del film, por lo que no salten las alarmas todavía. Seguimos encontrándonos ante el sexto escalón de una saga que se olvidó de su interés artístico después de la primera parte, y eso incluye un guión que se limita a fotocopiar el esquema de sus hermanos mayores para convertirse en el habitual cúmulo de despropósitos, intrascendencia y demenciales twsit. Por lo tanto, flashes del pasado a parte, el espectador se ve en la obligación de no pararse a pensar ni una décima de segundo en la lógica de lo que está viendo, bajo riesgo de ahogarse en una funesta tempestad de ira contenida acrecentada por el resto de serias carencias que esconde el film. Y en este último saco, buffet libre: meta el lector todo ingrediente que se le ocurra y de seguro acertará. Actuaciones del peor porno, escenarios aún peores, dirección con piloto automático agravada tanto por un montaje de segunda como por la torpeza general propia de la serie... en fin, nada que no demostraran anteriormente James Wan (director del "Saw" original), Darren Lynn Bousman (segunda, tercera y cuarta parte) y, sobre todo, David Hackl (responsable de la más floja de todas, la quinta), y en todo caso elementos secundarios a la hora de atraer al público.

A fin de cuentas, no creo que quede nadie por saber de qué va todo este universo, por lo que ya sea como fan-total o a modo de guilty pleasure, todo el acude a las salas, cada año, a ver una nueva muestra del arte de Jigsaw sabe perfectamente a lo que se enfrenta. Bueno, todo no, ahí está nuestro Ministerio de Cultura Español que no ha entendido de qué va el (inocente) juego a estas alturas del partido.

Sí es cierto que, retomando el debate de la censura, cabría la posibilidad de partir una lanza en favor de González-Sinde alegando que, efectivamente, hacia el final se intuye cierto discurso apologético (aunque habitual en el género) sobre la venganza. Pero sinceramente, dudo de que el acusador ojo de la ministra haya pasado de la brutalidad de las dos escenas cumbres de "Saw VI", que sí es bastante elevada en relación al resto de la saga, pero desde luego no a varias de las películas de terror vistas en los últimos años tranquilamente en cines.

Lo mejor de todo es que semejante campaña no ha sido más que publicidad gratuita e inmejorable para el film por lo que, cuando finalmente pueda estrenarse, acudirá a su visionado una cantidad de público muy superior a la que habría ido en circunstancias normales, y muy superior a la que se merecería esta mediocre y totalmente intrascendente sexta parte de la saga, cuya única virtud es hacerse bastante más divertida que las anteriores.

4/10

Estrenos de la semana (27 de Noviembre)

2009-11-27T01:38:00.011+01:00

Este viernes la cartelera se llena de terror. Por una parte, aterriza por fin el mayor éxito del año en EEUU: el fenómeno "Paranormal Activity" ha llegado efectivamente a nuestros cines, por mucho que no lo parezca debido al relativo silencio que envuelve al estreno español del film (suponemos que no hará falta invertir más en publicidad, habida cuenta de las ingentes cantidades de la misma que llevan meses correteando por Internet). De momento en su país de origen ha triunfado de manera excepcional, pero habrá que ver si aquí, tras todo lo malo que ha llegado a decirse de ella y con el escaso interés que suele mostrar el espectador nasioná en el terror made in USA, repetirá éxitos o se hundirá en la miseria como tantas otras películas recientes del género.
Y es que nosotros somos muy chulos, y puestos a elegir, nos quedamos con el terror patrio: ahí están "El Baile de la Victoria" y "Tú Eliges".
La primera da miedo, mucho miedo, pues la cantidad de palos que ha recibido siendo la película que representará a España en los Oscar (ya se sabe, nuestra Academia no puede estarse más de unas horas sin liarla parda de cualquier manera) presagian un ridículo internacional digno de mención. Y es que parece que lo nuevo de Fernando Trueba no es que convenza precisamente... veremos si la presencia de Ricardo Darín atenúa tan negativas sensaciones.
"Tú Eliges", en cambio, es el debut como directora de Antonia San Juan, que además protagoniza junto a Mala Rodríguez y Neus Asensi. No le deseamos nada malo a la película, pero siendo totalmente francos, sólo de pensar en ella nos recorre la espalda un escalofrío de horror en estado puro (y por cierto, si alguien entiende alguna palabra del trailer que sigue, que haga el favor de traducir).

Las alternativas a semejante ciclo de terror las componen tres filmes de lo más dispares.
Por un lado, con "Buscando a Eric" reaparece Ken Loach y reaparecen sus estudios sociales, esta vez protagonizados por Eric Cantona (y como ya hemos dado por acabado el tema del terror, dejaremos aquí la descripción de la película).
Por otra parte, aprovechando el tirón de los vampiros de Swarovski (que así llaman algunos a las abominables criaturas de "Luna Nueva") aparece por fin, demasiado tarde y sin demasiado ruido, "Adventureland", que protagonizan Jesse Eisenberg y una sorprendente Kristen Stewart. Si la película tiene éxito (cosa altamente dudosa teniendo en cuenta que se encuentra disponible en DVD desde hace meses en EEUU), podría darse la carambola de ver a ambos actores por partida doble en cartelera: a la Stewart en la saga crepuscular y a Eisenberg en "Bienvenidos a Zombieland". Curioso (o no). En fin, sin ser ninguna maravilla, "Adventureland" resulta un entrañable revival de la generación de Han Solo y compañía, que vivieron una época en que las sagas cinematográficas molaban de verdad.
Finalmente, cierra el círculo "Planeta 51", cinta de animación dirigida por Jorge Blanco, Javier Abad (sí, españoles) y con las voces de Dwayne Johnson, Jessica Biel, Justin Long y Seann William Scott en su versión original.
Como cada semana, os dejamos con sinopsis (sacadas, por cierto, de Filmaffinity) y trailers de cada una de las propuestas, además de nuestras opiniones sobre las que hemos podido ver antes de su estreno.

Adventureland
Dir.: Greg Mottola. Int.: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Ryan Reynolds.
Comedia ambientada en el verano de 1987 que gira alrededor de un joven recién graduado en la universidad que se verá forzado a aceptar un empleo precario en un parque de atracciones local. Así, consiguió el peor trabajo que nunca imaginó... pero fue la mejor época de su vida.

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Buscando a Eric
Dir.: Ken Loach. Int.: Eric Cantona, Steve Evets, Stephanie Bishop.
Eric Bishop, un cartero de Manchester fanático del fútbol, atraviesa una dura crisis vital. Delante de sus narices sus dos hijos hacen trapicheos de todo tipo, su hija le reprocha que no sepa estar a la altura y en general su vida sentimental es desastrosa. Ni siquiera el buen ambiente que vive en el trabajo consigue levantarle el ánimo. Inesperadamente, una tarde se aparece ante él, en su propia casa, Eric Cantona, su mayor ídolo de siempre y la ex-estrella francesa de su equipo, el Manchester United. Eric consigue entablar amistad con el ex-futbolista, quien comprendiendo perfectamente su situación, le ayudará con consejos a retomar el control de su vida.

El Baile de la Victoria
Dir.: Fernando Trueba. Int: Ricardo Darín, Abel Ayala, Ariadna Gil.
"El baile de la Victoria" relata una historia de amor, amistad y venganza. Ambientada en la época de la llegada de la democracia en Chile, justo cuando el presidente decreta una amnistía general para todos los presos sin delitos de sangre. En ese contexto, Ángel Santiago, un joven soñador y valiente, está decidido a vengarse por los abusos recibidos en la cárcel. Para ello, planea un ambicioso y arriesgado robo. Pero necesitará la colaboración de Nicolás Vergara Grey, un famoso ladrón de bancos que huye de su reputación mientras trata de recuperar a su familia. Su plan se complica por la mágica presencia de Victoria, una misteriosa adolescente cuya única manera de expresarse es el baile...

Paranormal Activity
Dir.: Oren Peli. Int.: Katie Featherston, Micah Sloat.
Una joven pareja feliz de clase media es atormentada por un espíritu demoníaco. Micah y Katie son una pareja de jóvenes de vida normal. Ella es una estudiante próxima a graduarse de profesora, y él es un corredor de bolsa que trabaja desde su casa. Llevan tres años viviendo juntos en una casa que hasta ahora parecía que era todo normal, hasta que comienzan a aparecer fenómenos extraños paranormales...

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Planeta 51
Dir.: Jorge Blanco, Javier Abad. Int.: Animación
"Planet 51" es la historia de una familia de extraterrestres que vive tranquilamente en su planeta hasta la llegada de lo que para ellos es un alienígena: un hombre. El Capitán Charles "Chuck" Baker, astronauta americano, aterriza en Planet 51 pensando que es la primera persona en pisar el planeta. Para su sorpresa, descubre que el planeta está habitado por pequeñas criaturas verdes que viven felizmente en un mundo plagado de cercas blancas, reminiscencia de la alegre inocencia de la América de los años 50, y cuyo único temor es el de ser invadidos por alienígenas... ¡como Chuck! Ayudado por su compañero robot "Rover" y su nuevo amigo Lem, Chuck tendrá que abrirse camino a través del deslumbrante y desconcertante paisaje de Planet 51 para no convertirse en pieza permanente del Museo Espacial de Invasores Alienígenas de Planet 51...

Leer crítica de John Blutarsky

Tú Eliges
Dir.: Antonia San Juan. Int.: Antonia San Juan, Neus Asensi, Mala Rodríguez
A lo largo de un sólo día, la vida de varios personajes se cruza de manera caprichosa, sin que ellos se den cuenta. Desde la dependienta cuarentona que aspira a un amante joven, hasta el niño rico reconvertido en artista, pasando por un timador fracasado, o un joven que quiere comerse el mundo y está dispuesto a todo por conseguirlo, o una excéntrica artista de prestigio perdida en el vacío de su vida… Mientras vemos los preparativos y el desarrollo de una fiesta y una cita a ciegas, seremos testigos de excepción de un día en la vida de todos estos personajes, un día tan especial y tan normal como cualquier otro.

Crítica de "Planet 51", por John Blutarsky

2009-11-26T16:01:00.000+01:00

Cualquiera que se meta en una sala de cine a ver la última parada en esto de la animación 3D lo primero que hará será catalogarla como una comedia familar de ciencia ficción de factura no especialmente virtuosa, pero sí bastante correcta. Luego oirá las voces de "The Rock", Gary Oldman, Jessica Biel, Justin Long o John Cleese y cuando se entere de que "Planet 51" es una producción española, claro, se sorprenderá. Esto es lo mejor que se puede decir de "Planet 51" (y no es poco, cuidado), que está técnicamente capacitada para competir en el mercado internacional al lado de, qué sé yo, "Ice Age" o "Lluvia de albóndigas". No, no pongo a Pixar en esta linea. Hasta el momento, nadie resistiría el envite, así que hoy Pixar no viene a cuento.

Como decía, se ha llegado a unos estándares técnicos bastante aceptables en el que el empaque visual de los productos digitales ya es bastante notable, las texturas están logradas, el tratamiento de la iluminación es adecuado y los volúmenes se ajustan a unos patrones de realidad muy aceptables. De modo que la labor de todo el equipo técnico del estudio Ilion capitaneado por Jorge Blanco y Javier Abad, directores al alimón, es encomiable.

El problema es que en cuanto empezamos a mirar más allá la cosa empieza a patinar...

El argumento es el de un "E.T." cualquiera, sólo que con el planteamiento a la inversa: un astronauta de la Tierra llega a un planeta poblado por seres inteligentes y es acogido por un chaval autóctono que le ayudará a regersar a su hogar y de paso intentará conseguir a la chica mona de turno. En "Planet 51" pues, es el humano el extraño y los alienígenas la normalidad.

Una "normalidad" reflejada en la vida cotidiana de una comunidad situada en una especie de años 50 a la marciana, con sus chalets suburbiales, su cafeterías rock'n'roll, sus barbacoas de domingo e incluso un Roswell/"Area 51" propios, en este caso rebautizados como "Base 9"

Con todo ello, se equipara los habitantes del Planeta 51 a nuestra raza propia, construyendo un mundo que, a efectos prácticos, es la Tierra, sólo que con gente verde. Se pierde así la oportunidad de crear un entorno realmente distinto, con sus propias reglas y leyes naturales, pero en contrapartida se abre la posibilidad de retratar nuestra propia estupidez a través de un comportamiento, el de los alienígenas, que nos reslta muy familiar.

Dado su guión ágil y dinámico, probablemente se dirá que “Planet 51” es una película que "no toma a los niños por idiotas". Podríamos estar de acuerdo en ello, vale. Pero es que ya pocas películas de animación lo hacen. Ahora el problema es otro: no es que se deje de tomar al niño por idiota, es que no se aprovechan sus potenciales capacidades imaginativas y comprensivas. El de la animación es un formato con carta blanca para la creación más libre, y la comedia es terreno abonado para el desmadre, el riesgo y la sorpresa. Pero no, "Planet 51" (y gran parte del resto de sus compañeras digitales) siempre termina optando por las estructuras más clásicas, más reconocibles y por consiguiente menos audaces.

El error es evidente: intentar hacer "películas infantiles que también puedan gustar a los adultos" en lugar de "películas maduras que también puedan disfrutar los niños".

Por eso es una lástima que "Planet 51" termine siendo la enésima aventurilla teen de amistad y con sus dosis justitas de romanticismo, y que se conforme con homenajear a los clásicos más homenajeados de la ciencia ficción ("Alien", "Star Wars", "ET"), reduciendo la cuota de frikismo potencial a cuatro títulos citados en algún momento u otro del metraje y a un leve aroma general de película de serie B cincuentera sin llegar a hincar diente en ningún momento.

Los personajes, acorde a ello, están estereotipados y convenientemente adaptados al público yanki (esto es, a TODO el público) y las situaciones son vistas una y mil veces, con gags repetidos o con poca vocación de rompedores.

Sí se le debe reconocer algunos buenos momentos relacionados con los gags, especialmente cuando estos entran en el terreno del humor negro y/o la incorrección política. Me refiero, por ejemplo, a cierto momento que incluye un i-pod y a otro que tiene que ver con un tapón de corcho. Ahí los creadores sacan la garra y la mala baba, pero claro, no es suficiente para hacer destacar el resto.

Resumiendo, a un lado de la balanza tenemos una factura técnica aceptable y unos diseños resultones (mención especial para el perrete con forma de Alien, y Rover, el hijo no reconocido de Wall·E y Eva... mierda, ya he citado a Pixar). Eso y algun momento ingenioso. Al otro lado, una historia que, aunque simpaticona, no logra trascender los tópicos del cine de animación familiar de último cuño y se queda en otra oportunidad desperdiciada. Que cada uno juzgue si lo primero compensa lo segundo.

5’5/10

Primera imagen de "Shrek 4" (y trailer de "How to Train Your Dragon")

2009-11-26T14:16:00.002+01:00

Si algo ha quedado claro tras los varios años que llevamos de batalla en terreno de la animación digital es que, por lo que al mundo occidental se refiere, Pixar se halla a una distancia técnica y artística prácticamente vergonzosa en relación a su máxima competidora, la desinflada y totalmente prescindible sección animada de DreamWorks.

Si no estáis de acuerdo conmigo, tan sólo hace falta que veáis el trailer que acompaña estas líneas, una triste sucesión de imágenes que evidencian las carencias, a prácticamente todos los niveles ("impaciente, que luego con el efecto de las 3D la cosa mejora"... my ass), de la compañía de Steven Spielberg y que adquieren su máxima expresión en la tipografía de un título prácticamente idéntico al de "Kung Fu Panda".

Aunque quizás el mayor ejemplo de su política de fotocopiadora lo tenemos en su saga más aplaudida, la del otrora entrañable ogro verde que a día de hoy comienza a resultar más cansino que el juego de cierto equipo de fútbol mesetario.

Quizás por ello, se rumorea que la cuarta entrega de "Shrek", actualmente en preparación, será definitivamente la última vez en que veamos al bicho junto a Fiona, Asno y compañía... aunque eso no significa que dejen de estirar el chicle, pues recordemos que también se prepara el vital spin-off del Gato con Botas, a quien pone la voz Antonio Banderas y que verá la luz en el 2011.

Antes, en mayo del próximo año, podremos ver este "Shrek Forever After", que está dirigiendo Mike Mitchell ("Gigoló") y del que contamos con la primera y triste imagen en aras de ver el inminente trailer.

Para ver ésta y el vídeo promocional de "How to Train Your Dragon", basta un click.

Crítica de "Los Condenados", por John Blutarsky

2009-11-26T02:28:00.000+01:00

El drone es un recurso musical que consiste en la prolongación de una misma nota y la construcción de un tema sonoro a través de esta, que puede sobreponerse con otros para crear un determinado "paisaje". Un drone es lo primero que oímos en "Los condenados", y a base de algo así como "drones temáticos" se construye su argumento.
Por eso "Los condenados" se percibe como una experiencia de planeo sobre ítems temáticos que van tomando forma progresivamente, partiendo de una base sencilla y contundente (Martín y Raúl, dos exguerrilleros argentinos, se enfrascan en una excavación para desenterrar los huesos de su compañero Ezequiel, muerto durante el exilio en las montañas) para ir añadiendo poco a poco los sentimientos que se van desenterrando en paralelo a los restos mortales del amigo perdido.
Así el núcleo humano de la película, Martín (Daniel Fanego), es presentado inicialmente como un individuo encerrado en si mismo y ajeno a lo que le rodea, pero poco a poco van revelándose los daños colaterales de unos actos, de unas decisiones, que no sólo le persiguen a él desde hace 30 años, sino también a su familia y allegados.
Se intuye en las arrugas del rostro de Martín, y también en las venas de sus brazos y en los callos de sus manos el peso de ese pasado y el dolor de una culpa que le atenaza.

Lo que lleva al centro temático de la película: la culpa y la redención. Pronto veremos cómo "hay algo más" en todo el tinglado arqueológico. Rescatar los restos de Ezequiel va más allá de la simple memoria histórica y la "dignificación" del difunto para convertirse en un método de expiación de un secreto guardado entre Martín y Raúl que aún no está claro si va a salir a la luz.

El sentimiento de culpa, en la imposibilidad de ser experimentado por los muertos, surge en aquellos que sobrevivieron por el mero hecho de haber vivido y de no haber llevado al límite los ideales de la revolución, por un lado. Y por haberse dado cuenta posteriormente de la inutilidad real de esos ideales, por otro.
Pero claro, ¿quién puede convencer a Pablo, el joven obsesionado por Martín como figura a admirar e idealizar, de la inviabilidad de unos preceptos morales que pasan, treinta años después, por asesinar a inocentes? La referencia a la lucha de ETA no es casual, y la absurdidad de la sangre se hace física en el momento de la ejecución de un buey a manos del joven. La crisis de la conciencia revolucionaria ya es evidente. El momento ya ha pasado, y la causa no puede defenderse con sangre.
De ahí se produce un choque, el generacional, expuesto de modo tan lúcido (aunque menos doloroso) en "Los condenados" como lo fue, por ejemplo, en "Las horas del verano" (Olivier Assayas). Una ruptura generacional que lleva a Silvia a haber sido ignorada durante toda su vida por una madre que también vive anclada en un pasado no superado ya sea por la necesidad de saber como por el ensordecedor rencor que guarda hacia Martín, acusado de ponerse a salvo en Europa mientras sus compañeros revolucionarios caían con honor.
O a Pablo a enfrentarse con el dilema de recuperar una Historia para o bien acabar repitiéndola o bien conseguir superarla. Aquí no se habla de olvidar, pero sí de interiorizar para sobreponerse, aceptar para superar: clara alusión a las fosas comunes de aquella, o cualquier otra dictadura.
Suma y sigue. Cuando el peso de la responsabilidad está presente surge otro aún mayor: el de la Verdad. ¿Basta con asumir el pasado o también hay que rendir cuentas con una verdad que puede haberse ido deteriorando con el paso del tiempo hasta quedar sepultada en una historia mucho más "presentable"?
Parece necesario que los auténticos hechos trasciendan la intimidad de Martín, Raúl y los huesos de Ezequiel, pero no está tan claro que eso vaya a traer la paz de conciencia a unos hombres que llevan 30 años sin poderse mirar al espejo.

De todo esto y mucho más (sólo hay que ir rascando) habla Isaki Lacuesta en "Los Condenados". Y lo hace con una película -su tercera y primera totalmente de ficción- de formas aparentemente discretas pero contundentes, usando una narrativa visual acorde con lo pantanoso de lo que cuenta.
Por ello recurre a una fotografía y puesta en escena que en momentos es reseca (con paisajes casi lunares), en otros tropical (la humedad del ambiente se visualiza en una vegetación que literalmente cae como la culpa sobre los personajes), en otros oscura (e iluminada por velas) y a una planificación concienzuda, en todo momento nutritiva, sin un plano de más ni un movimiento en falso.
Todo cuadra maravillosamente, todo contribuye a configurar el paisaje en continuo desarrollo, desde la simple presencia de sus actores (Bárbara Lennie es capaz de aguantar un primer plano/monólogo de más de siete minutos dotándolo de una tensión dramática en aumento) hasta el uso de una música que a ratos es planeadora (los drones de los que hablaba) y a ratos parece escrita para un western crepuscular.

Se ha insistido mucho en lo sorpresivo de un final que da un pretendido giro argumental y estilístico. No: aun sin saber muy bien por qué pasa lo que pasa, da la sensación que ese podía ser el único final. La culminación moral más lógica de un personaje que enfrentado definitivamente a la verdad (en el único momento en 30 años que se le pida que mienta, no consigue hacerlo) se pasa toda una vida buscando y al final deja de hacerlo, evaporado entre las brumas entre las que desaparece la propia película.

Isaki Lacuesta crea un mundo inagotable que une "Remordimiento" (Ernst Lubitsch), "Tropical Malady" (Apichatpong Weerasethakul), "Aguirre, la cólera de Dios" (Werner Herzog), "La hora de los hornos" (Pino Solanas) y "El sur" (Víctor Erice) con sus propias creaciones (especialmente "La leyenda del tiempo") en un relato apasionante con el que va camino de convertirse en lo mejor que podía pasarnos en nuestra industria.
Imprescindible.

9'5/10

Suculentas declaraciones de Peter Jackson

2009-11-25T22:53:00.000+01:00

Esa es la mejor palabra para describir las declaraciones del director de la próxima "The Lovely Bones" a los medios del Reino Unido.

Peter Jackson ha resumido toda la información que hasta ahora hemos ido recibiendo sobre sus dos proyectos más interesantes, al menos desde el punto de vista de los (nuevos) fans del de Nueva Zelanda: "The Hobbit" y "The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn".

Sobre la adaptación del libro de Tolkien, reconvertido a saga cinematográfica habida cuenta de las dos partes que se están preparando, ha afirmado que el guión de la primera entrega ya ha sido completado y entregado a los estudios, que dicen estar contentos con el resultado. Por consiguiente, lo más probable es que Guillermo del Toro se ponga a trabajar en su dirección en breve.

En cuanto a "The Hobbit 2", Jackson ha afirmado que su guión está a medio hacer, y que durante el proceso de escritura se lo está pasando de muerte con Del Toro y compañía, especialmente después del reto que le suponía volver a una saga aparcada y olvidada hace años (recordemos que el guión de "El Señor de los Anillos" empezó a escribirse hace casi diez años). En fin, veremos en que acaba todo. De momento, para saber más sobre las dos producciones del director, a seguir leyendo toca.

Por cierto, aprovechamos la ocasión para recuperar una noticia pasada, interesantísima y del todo inesperada: el visionario director de "El Laberinto del Fauno" hará un cameo en "The Hobbit", del mismo modo que lo hiciera Peter Jackson en "La Comunidad del Anillo".

¿Que por qué no se ha hecho cargo de la dirección de esta saga este último? Pues porque según él eso hubiera supuesto una competición contra él mismo, lo que le habría forzado a hacer las cosas de manera diferente y antinatural, aro por el que no estaba dispuesto a pasar.

Un última cosilla para acabar con los rumores: "The Hobbit" no será en 3D por expresa petición de Guillermo del Toro, que quiere rodar en 35mm y mantener una coherencia artística con la trilogía del Anillo original.

En relación a "Tintin", la otra producción del Rey Midas del hemisferio Sur que está realizando junto con Steven Spielberg, Midas del Norte, ha comentado que la película ya está totalmente rodada y montada con actores de carne y hueso... pero que ahora quedan dos años enteros para que esas imágenes se reconviertan a animación digital (la misma técnica que emplea Zemeckis últimamente, para que nos entendamos). Al margen de la necesidad o no de un Tintin en gran pantalla, ¿no podrían haber adaptado la obra de Hergé a la vieja usanza, y fin del problema?

Si es que los directores a veces se meten en cada jardín...

(fuente: Comingsoon)

Crítica de "El secreto de sus ojos", por John Blutarsky

2009-11-25T13:29:00.001+01:00

Juan José Campanella se ha quedado con nosotros. Lo tomamos por un tipo blandurrio, manipulador y populista. Por un embaucador de sentimientos y un demagogo de la lagrimilla fácil y la lluvia a gusto de todos. Y resulta que no es así. O por lo menos no del todo. El tipo parece ser capaz de ir más allá de hijos, novias, tocar más palos y hacerlo de manera competente, como queda bien demostrado en su última y aclamada película.
Y vaya por delante que con lo de "aclamada" hago referencia justo a eso, a la acogida popular, a la opinión generalizada que saluda la película como una de las mejores -si no la mejor- del año y que yo, aviso, no comparto totalmente.
Pero sí, hay que reconocerle sus méritos a esta la sorpresa argentina de la temporada.
"El secreto de sus ojos" se abre con una secuencia que resulta reveladora del tono de lo que vamos a ver las próximas dos horas y pico. En ella, un escritor (habitual, previsible y soberbio Ricardo Darín) imagina el principio de un relato que se nos muestra de dos maneras contrapuestas que son desechadas por el personaje en seguida: la primera está bañada por la luz cálida del sol matutino, la dulzura del pastelito del desayuno y la sonrisa acuosa de la protagonista. La segunda, es una escena de sexo atroz y violento. Dos maneras contrapuestas de enfocar los hechos conviviendo en una misma secuencia.
Y es que al fin y al cabo la película es justo eso: una historia de corte negro (neo noir dirán los modérners) encuadrada en un relato que se balancea entre la comedia y al drama, entre la ternura y la violencia más descarnada. Un peligroso paseo entre el éxito y el desastre total que afortunadamente se salda con lo primero.

Lo cual es una de las mayores virtudes de la película, mover por distintas coordenadas genéricas con relativa comodidad un argumento que cuenta, combinando en flashbacks presente y pasado, lo que sigue: Benjamín Espósito (Darín), un agente judicial recién jubilado decide empezar a escribir una novela basada en el caso de violación y asesinato que le obsesionó treintaytantos años atrás, concretamente en 1974. Para ello, acude a su antigua jefa Irene Hastings (Soledad Villamil), con quien investigó el suceso, de modo que juntos puedan rememorar unos hechos que aún no han sido esclarecidos... Y casi mejor dejar aquí las explicaciones, ya que la trama es bastante generosa en giros argumentales y momentos basados en la fuerza dramática provocada por una bien medida administración de la información.

Como decía, Campanella enmarca su historia en un contexto que está entre lo cómico, lo autoparódico (genial la secuencia del tren y su inmediata desacreditación), lo costumbrista y lo dramático, siendo globalmente una trama policial, con toques negros y arranques de una mala uva realmente punzantes. Y le funciona. Quizá no todas las caras del poliedro tienen la misma fuerza (la trama policial es un poco endeble y su resolución algo tópica y poco creíble; la historia entre Espósito e Irene sólo funciona en una de las direcciones propuestas), pero estas se ven compensadas por el músculo que exhiben otras, la más poderosa de las cuales podría ser, a parte del canónico relato negro -casi con ecos de novela negra tradicional-, el contexto social e histórico que enmarca la película.
Recordemos que en la línea temporal en la que transcurre la acción (1974) Argentina se encuentra al borde de un caos llamado golpe de estado que desembocará en una dictadura militar de seis años en la que las desapariciones de intelectuales y artistas estarán a la orden del día.
Estoy haciendo esfuerzos por no hablar más de la cuenta. Simplemente remarcar lo sabio del director en su decisión de tratar el tema de un modo sutil, elíptico, huyendo de dramatizaciones exageradas y subrayados innecesarios y dando pie para colmo a una de las mejores secuencias de toda la película: la de los tres personajes en el ascensor.

Pero aún podemos ir más allá. Porque si los elementos coyunturales tienen un gran alcance emocional (obvio), casi lo tiene más la historias concretas de los seres que pueblan la película: la de "El secreto de sus ojos" no deja de ser una historia "intimista" y detallista en la descripción y el tratamiento de sus personajes. El propio director afirma que pretende hablar "del recuerdo", de cómo los hechos quedan almacenados en nuestras retinas y cómo nos siguen afectando décadas más tarde. De cómo incorporamos el dolor en nuestras conciencias pero sin conseguir superarlo del todo. Los personajes van tomando forma poco a poco condicionados por estos preceptos, especialmente Espósito y Morales, el viudo de la víctima interpretado por Pablo Rago, desembocando en varios finales de trayecto/tramas que se van cerrando y que terminan por dotar de un terrible sentido a las acciones.
Al final, es ese quiste emocional lo que termina moviendo a los personajes y condicionando sus destinos.

Sin embargo. Alto en el camino. Hasta aquí sería lógico pensar que salí encantado con la película. Por desgracia, como comentaba no es exactamente así. Sus varios defectos empiezan por una cierta falta de espesura estilística, de rugosidad. Sí que hay momentos, decía, realmente dolorosos (la imagen de la víctima casi abriendo la película), pero también es cierto que la tinta negra que recorre los pasajes de la película en ocasiones está algo diluida. No todas las secuencias están a la misma altura en pasión o en audacia. La vertiene puramente de thriller, aunque no sea ni de lejos el centro de la película, no es suficientemente compleja.

La realización, por otro lado, tiene elementos realmente cojonudos (la construcción de algunas atmósferas), pero en otras resulta bastante fofa y llega a caer en momentos de planificación plano/contraplano, a años luz de la rotundidad que se le presupondría a una producción de este tipo y que sí tenía, por poner un ejemplo reciente, la "Red Riding Trilogy".
A cambio, la irregularidad de Campanella tiene algunos picos y nos regala un bloque de secuencias absolutamente memorable: el que empieza con la interpretación de la carta en el bar y termina con la escena [SPOILER] del interrogatorio al asesino [FIN DEL SPOILER] en comisaria y cuyo pilar central es esa maravilla en forma de plano-secuencia casi hitchcockiano (probablemente LA escena del año) en el estadio de fútbol.
Por otro lado, la película se sabe grande y compleja. No es un relato intrascendente, por lo que pretende estar hasta el final a la altura de su trabajada estructura en flashbacks, de su alcance emocional, de su multiplicidad temática y nunca termina de encontrar un final, añadiendo cada vez una secuencia más a lo contado, de modo que el punch global se resiente en favor de "pequeños punchs" que se van añadiendo, sumando temas, cerrando tramas pero abriendo nuevas ideas.
Al final, lo que se pretendía contar está perfectamente medido. No sobra nada en la idea global, pero la sensación de "hinchamiento" del conjunto persiste habiendo terminado la película. Quizá -hipotetizo- el error está en la realización, en la administración de los clímax.

Pese a ello, "El secreto de sus ojos" es una buena película, en mi opinión bastante lejos de la obra maestra que se nos está vendiendo pero que francamente merece la pena. Un producto más que digno, bien interpretado (a las de Darín, Villamil y Rago hay que sumar la también fantástica actuación de Guillermo Francella) y bien construido en general, que a la postre posee los mejores momentos que ha rodado su director en toda su carrera y que casi le redimen de -ejem- "cosas" del estilo "Luna de avellaneda".
Disfrutable.

6'5/10

Nosequé, nosequé, nosequé... Lado Oscuro. Trailer del nuevo largo de "Padre de familia"

2009-11-25T11:56:00.001+01:00

Seth MacFarlane vuelve a la carga dando continuación a aquel spoof, parodia o como quiera llamársele de "Star Wars" que fue "Cosecha Azul" (o "Blue Harvest") con un nuevo largometraje en lujoso 2D. Si en aquella ocasión el blanco era "Una nueva esperanza", ahora la saga continúa con la familiguyización de "El imperio contraataca". Aquí no falta su planeta Hoth, sus funcionarios imperiales de transporte interestelar, ni su "yo soy tu padre" con Stewie de nuevo encasquetado (y nunca mejor dicho) en la máscara de Darth Vader.
Yo para humor espacial animado casi me quedo con "Futurama" y con los Supersónicos, pero sí es cierto que "Padre de Familia" nos ha ido dejando a lo largo de los años momentos de auténtica antología del disparate y la sosa cáustica en forma de gag. Así que esta es nueva cita ineludible.
En fin, si os gustó el caldo de la primera, el próximo 22 de diciembre en USA, tres tazas:

Una de carteles: "The Book of Eli" y "Nine"

2009-11-25T10:04:00.000+01:00

Os ofrecemos varios posters de dos de los estrenos inminentes más interesantes y de los que previsiblemente se va a hablar bastante durante los primeros meses de 2010: uno para "The Book of Eli", tres para "Nine".

Recordemos que "The Book of Eli" (podéis ver el trailer aquí), transcurre en un futuro postapocalíptico (otro más) en el que la raza humana debe salvarse recobrando el "conocimiento", depositado en el dichoso Libro de Eli, por el que luchará un quijotesco Denzel Washington. Gary Oldamn será el malo de turno, y Mila Kunis, Ray Stevenson y Jennifer Beals pulularán por ahí. Los hermanos Hughes ("Desde el infierno") dirigen, y su estreno americano está previsto para el 15 de enero.
Por su parte, "Nine" supone el regreso de Rob "Chicago" Marshall al musical, del que probablemente nunca debió salir, con la historia de un director con una crisis personal de caballo (Daniel Day-Lewis) que hace balance de su vida y de las mujeres que han influido en ella y que son, ahí es nada, Marion Cotillard, Penelope Cruz, Nicole Kidman, Judi Dench, Kate Hudson o Sophia Loren.

Impresionante reparto para una película que, a primera vista, se intuye muy "italianófila", casi felliniana y antononiesca. Confirmaremos o desmentiremos este galimatías de nombres el 25 de diciembre.

Crítica de "The Countess", por el Capitán Spaulding

2009-11-24T23:11:00.000+01:00

A Elizabeth Bathory, la countess del título, se la conoce como la condesa sangrienta por haber sido una de las más temibles asesinas en serie que ha dado la historia de la humanidad, y de hecho no pocos comparan su persona con el mismísimo mito del conde Drácula no sólo por la cantidad de muertes cometidas (ni se sabe cuántas llevó a cabo desde que empezara su afición, en 1585, hasta que concluyera veinticinco años más tarde) sino también por su justificación: creyéndose rejuvenecida por la sangre de sus víctimas, la mujer se bañaba a diario en ella, previo desagüe de los cadáveres que, por cierto debían ser puros, o lo que es lo mismo niñas vírgenes.

Tan entrañable personaje es el que ha llamado la atención de Julie Delpy, quien retoma una vez más las tareas de guionista, directora y protagonista a la vez en una película que pasó sin pena ni gloria por el pasado festival de Sitges.

Pese a su proyección en diferentes festivales de todo el mundo (destacando la Berlinale por encima de todos) y a su estreno limitado a algunos países europeos, lo cierto es que más bien poco se sabe de la existencia de “The Countess”, que por supuesto no cuenta con fecha de estreno en España de momento. Por ello, el visionado de la película es una apuesta totalmente ciega, sin ninguna expectación, menos prejuicios, y apenas información. Debido a ello, el prometedor arranque del terrorífico cuento de la Delpy sirve a las mil maravillas para disipar temores, posiblemente causados por su ambientación (la Hungría del s. XVII… ¡ah!), e incluso enrocar al espectador gracias a un prólogo muy logrado. Con él apenas se necesitan unos minutos para describir completamente tanto al personaje principal como a la película en sí, ambos fríos, apáticos, grises y malignos. Se trata de momentos de auténtica lucidez, movidos por un devenir trepidante y un buen puñado de diálogos brillantes y corrosivos, tan sólo contrarrestados por la voz en off de Daniel Brühl (reciente basterdo de Tarantino).

Cabe destacar que si bien el joven actor barcelonés sigue pecando de una falta de garra preocupante, su narración se muestra muy acertada y sobresale su apuesta por el realismo formal, es decir, por explicar la historia sin hacer caso del orden lógico de los acontecimientos y adelantándose a situaciones que, en un lenguaje falseado y propio de una película o novela, se habrían reservado para el final.

Si a todo ello le añadimos momentos de puntual enfermedad o directamente gore, distribuidos aquí y allá a lo largo de toda la película, “The Countess” contaría con elementos de sobra para convertirse en una muy grata sorpresa para el público, y desde luego no tendría ningún problema en ver la luz en los cines de todo el mundo.

Si no es así es porque algo falla, y concretamente el problema reside en que la apatía, con que se caracteriza a la condesa Bathory, y la propia voluntad del film, distante y gélida, acaban contagiándose a todos sus niveles, haciendo de su segunda parte un mucho más cansino ejercicio de repetición que va rebajando paulatinamente las buenas sensaciones iniciales. De nada sirve el esfuerzo de la actriz por exagerar hasta el exceso las cualidades de demente y fría asesina, o que el de Brühl sea un trabajo menos desacertado que de costumbre. En pocos minutos, el espectador se descubre a sí mismo ojeando el reloj de su muñeca con cada vez mayor frecuencia, y eso que el metraje del film es de lo más comedido.

Quizás las cosas hubieran sido distintas con una firme resolución: decantarse bien por la espectacularidad sangrienta de los actos de la protagonista o por un estudio más apasionado (que no pasional) de su cerebro y/o relación con el resto de personajes que pululan por pantalla. Lamentablemente, dicha selección brilla por su ausencia, y “The Countess” no acaba de abandonar jamás el miedo a desprenderse de ambos conceptos, naufragando por ello en una superficialidad en ocasiones alarmante. Confirma tamaña sensación de apatía e intrascendencia el total descarte de una situación final mínimamente climática, que además de dejar un amargo reflujo de película incompleta en el paladar, se ve agravado por un mensaje conclusivo, a modo de moraleja, totalmente desacertado habida cuenta de su consabida cantinela (que la historia no la escriben los perdedores se sabe desde antes de la propia existencia de la humanidad).

Queda por hablar de los aspectos más artísticos del film, entre los que destacan por encima de todo un vestuario y maquillajes sencillamente perfectos. Así, jamás queda del todo claro si el rostro de Elizabeth ha cambiado o son imaginaciones del espectador, lo cual le adentra en la locura de la propia condesa.

No puede decirse lo mismo de la dirección de Julie Delpy, tan académicamente correcta como falta de pasión y, de nuevo, más bien apática.

No es más que el reflejo inequívoco de lo que, a fin de cuentas, acaba siendo "The Countess": una producción tan precisa (hasta preciosista si se quiere) como carente de alma y sentimientos. Con todo, supone un interesante descubrimiento de un personaje del que no todos habíamos oído hablar.

5/10

Spielberg adapta a Matheson con Hugh Jackman de protagonista

2009-11-24T15:27:00.000+01:00

Reciente aún la experiencia de "The Box", nos enteramos por Comingsoon de que un nuevo relato del exprimible Richard Matheson será adaptado a la gran pantalla previo paso por la "The Twilight Zone" de los años 60.

El encargado de poner en movimiento y financiar el proyecto será nada menos que Steven Spielberg, quien confirma haber contratado a Hugh Jackman para protagonizar la película que será dirigida por Shawn Levy (el mismo que estrenará en breve "Date Night" cuyo trailer ya os mostramos aquí) y recibirá el título de "Real Steel".

El argumento transcurre en un hipotético futuro en el que el boxeo "humano" ha sido prohibido por extremadamente violento. En este contexto, un ex-luchador (Jackman) reconvertido a promotor de luchadores-robot se dedica a recopilar piezas mecánicas para crear, junto a su recientemente descubierto hijo (al rico drama familiar), al luchador que les llevará a la victoria. Para más señas, Levy define el personaje de Jackman como "un antiguo boxeador que ya no puede hacer el único trabajo en el que es bueno y que ve en un robot su posible retorno a la gloria".

De momento a mí me suena a variante futurista de las películas pugilísticas de toda la vida, o a drama deportivo con ciborgs sentimentales; a una especie de "Cinderella Man" más "Yo Robot" que puede resultar en una buena película o una soberana babosidad. Pero el nombre de los implicados (Spielberg-Jackman-Matheson) debería hacernos arquear una ceja y concederle, por lo menos, un mínimo crédito a este "pequeño" proyecto que, por cierto, va a contar con un presupuesto que rondará los 80 millones de dólares.

"Forbidden Planet" Revisited

2009-11-24T09:21:00.003+01:00

No es que tengamos un especial interés por los reboots, los remakes y las reimaginaciones varias, pero es que últimamente Hollywood está de un homenajeador subido que no deja mucho lugar a nuevas propuestas. Por lo menos en lo que al fantástico se refiere. Así que de momento nos tenemos que conformar con la curiosidad y la excitación que nos produce cada vez esto de "la nueva versión de..."
El caso es que, siempre capaz de lo mejor y lo peor, J. Michael Straczynski está trabajando en el remake de nuestra adoradísima "Planeta Prohibido", en el que, asegura el guionista y creador de la televisiva "Babylon 5", habrá más acción (no me diga) y... más películas.
Porque esto parece que va a ser no una sino varias. Una saga "Forbidden Planet" (a planificar según el rendimiento económico que tenga la primera de las películas), que contará el destino de la nave Belerofonte, la que terminó naufragando en el planeta Altair IV 20 años antes de los eventos contados en la película original de 1956, que por cierto fue dirigida por Fred M. Wilcox y protagonizada por Walter Pidgeon, Anne Francis y Leslie Nielsen.
Straczynski afirma que no se trata de una precuela, sino de un punto de partida que reformule la historia de los tripulantes de la nave C57D y su encuentro con el doctor Morbius y Altaira. Y dice tener siempre en mente "La tempestad", la obra de Shakespeare que fue referente argumental de la primera película.
¿Perderá Robby todo su encanto camp como recientemente le pasó al viejo Gort? Tendremos que esperar para saberlo...

Ray Bradbury adaptará para la televisión 6 de sus relatos

2009-11-24T00:29:00.000+01:00

Como el anterior post no dejaba de ser un poco una tontá, para compensar os ofrecemos una noticia con algo más de enjundia. Porque Ray Bradbury, uno de los (muchos) escritores fetiche de La Casa y autor de, entre otras maravillas, "Crónicas Marcianas" (1950) o "Faherenheit 451" (1953) se encuentra trabajando ahora, a sus espléndidas 89 primaveras, en una mini-serie para la televisión.
La serie adaptará, en colaboración con la productora White Oak, seis de sus relatos cortos clásicos en seis episodios que serán dirigidos por seis directores distintos, de momento de nombres no desvelados.
Esta no es la primera incursión del novelista en el mundo de la televisión: sus relatos han sido multiadaptados para el medio a lo largo de los años, y además en 1985 la cadena HBO emitió dos temporadas de "The Ray Bradbury Theater", una colección de adaptaciones que el propio escritor guionizaba y presentaba al más puro estilo Rod Serling. A estas les seguirían cuatro temporadas más que se extendieron hasta 1992 en la cadena USA, alargando la serie hasta un total de 65 episodios.
Una noticia estupenda, pues, para los seguidores del genio de Illinois y los amantes de la ciencia ficción en general.

(Y buena manera de celebrarlo podría ser volviendo a ver una vez más aquel fantástico "Fahrenheit 451" que rodó François Truffaut en 1966 o el "Moby Dick" de John Huston, cuyo guión escribió el propio Bradbury)

Trailer de una nueva entrega de "Soldado Universal"

2009-11-23T23:49:00.000+01:00

Tras ponerse a sí mismo bajo el microscopio metacinematográfico de "JCVD", el musculoso belga vuelve por donde solía para recuperar a sus fans de toda la vida apuntando alto con el relanzamiento de uno de sus mayores Clásicos de Videoclub.
Tuneros, habituales de parque de atracciones y ases del nunchaku, estáis de enhorabuena, porque el bueno de Jean Claude Van Damme vuelve reviviendo uno de los grandes momentos del mamporro cienciafictício de los 90: nada menos que "Soldado Universal". Y no lo hace solo, pues el también mítico Dolph Lundgren vuelve a lucir rubio platino y mala hostia biónica contra el bueno de Luc Deveraux (Van Damme) mientras este intenta detener a unos terroristas que amenazan la humanidad secuestrando Chernobyl (sic planetario).

Se dice que el producto en cuestión (dirigido por John Hyams y de nombre difícilmente más genérico: "Universal Soldier: Regeneration") podría salir directamente en DVD y Blu-ray, y la verdad, el trailer no es muy halagüeño, que digamos.
Sin embargo yo no puedo evitar recordar al chulillo de mi clase, aquél que fantasmeaba con haber visto "Soldado Universal" cuando al resto no nos dejaban ni ver "Poltergeist" y la simple idea de que ahora mismo esta noticia pueda haberle convertido en el tipo más feliz sobre la Tierra ya me llena de gozo.

En honor a él, el trailer a un click

Crítica de "Garbo. El Espía", por el Capitán Spaulding

2009-11-23T13:35:00.000+01:00

Tras su presentación en numerosos festivales internacionales, el recorrido de "Garbo. El Espía" previo a su estreno comercial ha recibido un broche de ensueño al vencer el Giraldillo de Oro, a la mejor película documental, en el reciente festival de cine de Sevilla.

El debut tras las cámaras de Edmon Roch obtiene así un reconocimiento más que justificado pues, digámoslo ya, nos encontramos sin ninguna duda ante una de las mejores propuestas estrenadas en las últimas semanas.

Ayudado por Maria Hervera e Isaki Lacuesta (de reciente estreno con "Los Condenados") en la composición del guión, Roch narra la historia del hombre que cambió el curso de la humanidad, un barcelonés llamado Juan Pujol que acabó convirtiéndose en un agente doble para la Inteligencia Británica y tejió una red de mentiras, engaños y dobles juegos tan estrafalaria como absolutamente necesaria para llevar de cabeza al imperio nazi.

Que un documental exclusivamente focalizado en la figura de una persona resulte atractivo se debe en gran parte, obvio, al interés del personaje en cuestión, exigencia que en el caso que nos ocupa resulta ampliamente cumplida: Juan Pujol García (Garbo para los ingleses, Arabal para los alemanes) se revela no sólo como un héroe universal, sino también como un ser humano realmente único en su capacidad de inventiva, pareja únicamente a su falta de pudor a la hora de mentir al mismísimo Hitler.

Ahora bien, tampoco creo que reinvente el cine al afirmar que no sólo del carisma de su estrella viven los documentales biográficos, pues aun con tan importante elemento en su máximo esplendor, no son pocos los directores que se las ven de todos los colores para evitar que su película no se convierta en, hablando en plata, un peñazo de cuidado.

En "Garbo. El Espía", dicho obstáculo se hace aún más difícil de vencer habida cuenta de la escasez de información disponible, o más bien el poco juego que dichos recursos ofrecen a nivel cinamtográfico.

Y es que las proporciones de la telaraña tejida por Pujol son tales como para hacer prácticamente imposible la reconstrucción de sus pasos, basada fundamentalmente en los diversos escritos, informes o avisos que el propio espía enviaba a sus contactos imaginarios o a las diversas instituciones para las que trabajó. A medida que el documental va dando cuenta del progresivo aumento de dicha red de personajes inventados, el espectador no puede hacer más que aplaudir al historiador capaz de adivinar su verdadera vida, estudioso debidamente entrevistado en pantalla.

De hecho, con diversas entrevistas y alguna copia de las cartas de Garbo es con lo único que ha parecido contar Edmon Roch para hilvanar, pieza a pieza, su película. Motivos más que de sobra para aburrir soberanamente al público.

Pues bien, ahí es donde aparece la brillantez del director. Presentando tales documentos de manera dinámica e incluso divertida (algunos entrevistados se antojan espléndidos ante el no menos inteligente cuestionario al que son sometidos), a la mezcla se suma la intercalación de numerosas escenas de un buen puñado de películas clásicas (desde "Mata Hari" a "Patton"), más o menos contextualizadas y que sobre todo, una vez concluido el visionado de "Garbo. El Espía", exigen un nuevo visionado desde la renovada perspectiva que nos ofrece Roch.

De este modo, la película pasa de ser un documental imperdible a convertirse también en una checklist, un juego de reconocer secuencias que acaba por hacer las delicias de un espectador sobradamente encandilado.

Si a todo eso se le añade una progresión ascendente de una historia ya de por sí tan interesante como trepidante, el resultado son 90 minutos de un documental magistral, una cita obligada en las salas cuyo premio final va del regocijo interior, por haber visto un espectáculo brillante alejado de superproducciones de medio pelo, a la emoción más delicada, pues aún le da tiempo a Roch de humanizar al personaje y convertirlo en uno de los más entrañables que ha pululado recientemente por nuestras salas.

Cabe rebuscar muy hondo para encontrar un solo defecto a la película, y semejante excavación sirve únicamente para achacarle a Roch cierta relajación en sus minutos finales, donde su documental peca de una sucesión de epílogos un tanto excesiva.

Demasiado poco para emborronar el brillante trabajo de un director debutante que, además, se toma el lujo de realizar una conjunción del cine más añejo con las técnicas más modernas, en puntuales montajes que dan buena muestra de su potencial tras la cámara (atención a los cambios de rollo).

Divertida, amena, interesante y necesaria, "Garbo. El Espía" se convierte en toda una alegría, un festival para los cinéfilos más elitistas así como para el espectador de a pie que simplemente no se conforma con la última locura de Roland Emmerich o vampiros universitarios que brillan como diamantes. Una película así debería ser de obligada visión, recibir una buena publicidad (¿y por qué no? ¿acaso no salió bien con Michael Moore?) y pasarla en todos los colegios del mundo.

Y eso que en ningún momento he mencionado su apartado sonoro, tan magnífico como el film en sí.

9/10

Remake de "Aullidos" a la vista

2009-11-23T10:08:00.003+01:00

Es oficial, los 80 molan. Ahí están si no para demostrarlo las nuevas versiones de "Tron", "El equipo A", "V" o "Fama". Y ahora, además, tendremos relanzamiento de una de las franquicias más explotadas del terror de dicha década: hasta seis secuelas tuvo "Aullidos", a las que habrá que sumar esta "The Howling: Reborn" (presumiblemente "Aullidos: Renacimiento").

El original fue dirigido en 1981 por Joe Dante, un tipo versado en esto del fantástico y el terror (antes se había encargado de "Piraña" y más tarde vendrían "Gremlins", "Exploradores" o "Pequeños guerreros") y se convirtió rápidamente en un éxito de público y un referente del género lincantrópico. Un rotundo clásico quasisplatter para una toda una generación, de aceptables resultados artísticos y mejor aceptación popular.

Este nuevo acercamiento se empezará a rodar el próximo febrero (de cara a su estreno en Halloween) y va a estar dirigido por un tal Joe Nimziki, antiguo ejecutivo de márketing de la MGM, que ha escrito el guión y que según idmb únicamente tiene en su haber un episodio de "The Outer Limits" versión años 90. De modo que mejor que los fanáticos de la primera "Aullidos" no descorchen aún el champán, que de aquí puede salir de todo, con especial tendencia hacia la cutrez y/o el remozado estéril (muy poco nos dice que Steve Lane y Bob Pringle, productores ejecutivos de la de 1981 también lo sean de esta, la verdad).

De todos modos, por la gracia que nos hace la original nos mantendremos atentos a ver qué pasa.

CREEPY 30s: 15 obras maestras del terror americano de los 30s, por Bill Haverchuck. I - EL HOMBRE LOBO (George Waggner, 1941)

2009-11-22T22:30:00.000+01:00

El productor Val Lewton, habitual colaborador de Jacques Tourneur durante los años 40, escribió en una ocasión que ningún tipo de película reacciona mejor a una buena escenificación, un buen reparto y un buen gasto del tiempo y el dinero que una película de terror. “Las películas de terror deben filmarse cuidadosamente y estar simplemente bien hechas”, dijo. Lewton, aunque se especializara en un terror mucho más sugerido que aquél por el que la Universal se hizo famosa, sabía que lo que hacía de una película de terror un buen producto cinematográfico en aquellos tiempos no era necesariamente la angustia que consiguiera hacer pasar al espectador, sino más bien cómo los elementos más plásticos del film se conjugaran para dar lugar a una historia que envolviera al espectador en un mundo desconocido e irreal, en el misterio, la niebla y el monstruo.

“El hombre lobo” (George Waggner, 1941) fue acogida algo fríamente por la crítica en su momento y tratada como una obra menor dentro de los horror films de la Universal, pero no cabe duda que definitivamente se trata de una película de terror “cuidadosamente filmada y, simplemente, bien hecha”. “El hombre lobo” tiene, en efecto, tanto una buena escenificación como un buen reparto (nada menos que Lon Chaney Jr., Bela Lugosi y Claude Rains compartiendo cartel), y su posición respecto a sus predecesoras es más que destacable.

Pese a las malas críticas, la película cosechó un gran éxito entre el público. De hecho, el Hombre Lobo acabó convirtiéndose en uno de los grandes monstruos de la Universal, y el personaje, que interpretó siempre Chaney (hijo del legendario actor del mudo del mismo nombre y apodado “el hombre de las mil caras”), acabó alcanzando el carisma del Drácula de Bela Lugosi o de la criatura de Frankenstein de Boris Karloff. Es más, los productores de los estudios decidieron explotar el personaje en numerosas ocasiones, pese a que viniera siempre de estar muerto en la película anterior, enfrentándolo a duelos nada menos que contra los propios Drácula (como en “House of Dracula” (1945), de Erle C. Kenton), la criatura de Frankenstein (“Frankenstein Meets the Wolfman” (1942), de Roy William Neill) o incluso Abbot y Costello (en “Abbot and Costello meet Frankenstein” (1948), de Charles Barton).

Es cierto que hoy en día “El hombre lobo” no es considerada una de las mejores películas de terror de la Historia del Cine. Sin embargo, sí resulta históricamente significativa como uno de los puntos de inflexión entre la época de la Edad de Oro del terror americano (años 30) y la época en la que los estudios, menos imaginativos, prefirieron reciclar sus monstruos a través de varias secuelas y crossovers (años 40), de los que gozaron la mayoría de personajes de la casa (en especial Drácula, Frankenstein, el Hombre Lobo y el Hombre Invisible). Los años 50 serían, en cambio, de monster revival y, sobre todo, de progresión hacia la sci-fi de Jack Arnold y compañía, así como hacia otros géneros que respondían, esta vez, al pánico nuclear y a la histeria de la Guerra Fría.

Como película aún perteneciente a la Edad de Oro, aunque tardía, “El hombre lobo” dispone de todas las características propias de un film de la Universal de terror de los años 30, e incluso añade algo más. El guión, que firma el escritor de procedencia alemana Curt Siodmak (hermano pequeño del reconocido director Robert Siodmak), guionista también de “Yo anduve con un zombie” (Jacques Tourneur, 1943), tiene un extraño atractivo que hace del film algo más que un simple clásico con monstruo. En primer lugar, porque Siodmak parte desde cero, lo cual me parece acretado. Pese a que existe abundante tradición y folklore referente a la figura de los hombres lobo (que por lo general no eran más que personas muy muy peludas), Siodmak optó por inventarse un lugar, un personaje central y una historia que contar. El planteamiento es inteligente a pesar de su sencillez [a continuación la sinopsis, que puede contener SPOILERS]: Larry Talbot (Chaney) vuelve a su ciudad natal y se reúne con su padre, Sir John Talbot (Rains). Allí conoce a Gwen (Evelyn Ankers), de quien se enamora, y una noche, paseando los dos por el bosque acompañados de una amiga de ella llamada Jenny (Fay Helm), se encuentran con un matrimonio de gitanos allí instalados: el vidente Bela (Bela Lugosi) y su mujer Maleva (Maria Ouspenskaya). Jenny será al final atacada por un lobo, que Larry consigue derrotar sin poder hacer nada por evitar, sin embargo, que Jenny muera y el lobo le hiera a él. Esto da inicio a un segundo acto algo distinto: Larry descubrirá que el lobo era en realidad Bela cuando la mañana siguiente es su cuerpo, y no el del lobo, el que aparece muerto. Así, nuestro desdichado héroe se irá poco a poco convenciendo de las palabras de Maleva: la maldición del hombre lobo ha pasado a recaer sobre él.

La facilidad con la que Siodmak se ocupa de esta historia es, como digo, sorprendente por la imaginación que demuestra al contarla. En primer lugar, la historia es tan excitante como sencilla, y la película se disfruta sin que ésta recaiga en ningún momento. Pero indagando en ella, descubrimos algunas sorpresas. Por ejemplo, los elementos que configuran la historia se reparten sutilmente por el metraje de forma que el espectador sabe a veces tanto y otras veces más que el propio Larry. Numerosos pequeños elementos carecen al principio de importancia y parecen, de primeras, algo desconcertantes: el bastón con la cabeza plateada de lobo, el enigmático símbolo de la estrella, la escena en que Bela lee las manos de Jenny y la reacción de él al conocer su futuro, la leyenda sobre el hombre lobo que se repite recurrentemente, las relaciones entre Larry y su padre... Sin embargo, estos hechos cobran poco a poco importancia a medida que el espectador es capaz de ir encajándolo todo, e incluso a medida que se da cuenta que el propio Larry está haciendo este mismo esfuerzo. Por otro lado, el dibujo de los personajes está extrañamente cuidado: nuestro protagonista no es el arquetipo de monstruo que conocemos de otras películas de terror anteriores de la Universal. Más bien, Larry demuestra tener un cierto relieve moral, casi cercano al de la inocencia del “falso culpable” (a lo cual el rostro de Chaney juega en su favor), que pocas veces hemos visto en otras películas de terror de la Universal de esta época. Finalmente, su estructura perfectamente acotada a la historia, que cuenta lo que cuenta y que cuando acaba se acaba (67 minutos, en total), y su exposición sencilla, directa y de pocas pretensiones, dotan a la película de un especial atractivo en su parte más narrativa.

Más allá de un guión francamente interesante, lo que más atrae de “El hombre lobo” es su curiosa capacidad para crear un mundo que no somos capaces de identificar, algo en lo que la Universal era especialista. Sabemos que la localización debe ser algún lugar británico, probablemente Gales, y sabemos que la época debe ser algún momento de principios de siglo, o quizá posterior, aunque ninguna de las dos cosas se nos especifican (un guiño deliberado de Siodmak, por lo que se cuenta). Y aún así, los elementos más puramente estéticos del film, como el bosque, con su niebla espesa y sus árboles oscuros, no hacen más que alejarnos de la realidad en un sentido muy cercano al de un terror bastante onírico. La realización de Waggner, por si fuera poco, sabe combinar en sus planos la distancia y la sugerencia (el plano abierto para el bosque y el interior del castillo) con un acercamiento más violento y directo (las escenas más físicas y los planos cortos del monstruo), y nos regala además un par o tres de secuencias memorables: la del funeral gitano, las de la iglesia y la misa y, sobre todo, las dos escenas paralelas, casi idénticas, que nos muestran [SPOILER] a Chaney matando a Bela, primero, y a Rains matando a Chaney, después, con el mismo bastón de empuñadura de plata [FIN SPOILER].

Si a esto añadimos un reparto en estado de gracia y los brillantes trabajos del dúo Hans Salter y Frank Skinner (tras una banda sonora sensacional, con un leitmotiv de tan sólo tres notas) y del también habitual Jack Pierce (artista detrás de todos los míticos maquillajes de la Universal), nos encontramos con una película que, si bien no llega al nivel de sus hermanas mayores, es terroríficamente encantadora.

CREEPY 30s: 15 obras maestras del terror americano de los 30s, por Bill Haverchuck - 0:Introducción

2009-11-20T14:04:00.000+01:00

Tod Browning, James Whale, George Waggner, Rupert Julian, Erle C. Kenton, Michael Curtiz, Jacques Tourneur, Val Lewton, Rouben Mamoulian, Victor Halperin, Ernest B. Schoedasck, Merian C. Cooper, Edgar G. Ulmer, Boris Kaloff y Bela Lugosi son sólo algunos de los nombres que contribuyeron durante los primeros años 30 a lo que acabó significando la Edad de Oro del cine de terror en Hollywood. El cine mudo había llegado a su fin en el peor momento: la economía americana estaba cayendo precipitadamente en su propia Gran Depresión y ante tales perspectivas algunos estudios cinematográficos, en especial la Universal pero también la RKO, optaron por ofrecerle al público, que disponía de apenas unos pocos chelines en el bolsillo, una vía de escape a través de un cine ideado por cineastas que supieron transformar, como tantas veces ha ocurrido en la Historia del Cine, los convulsos sentimientos de impotencia en maravillosas películas de ficción.

En la Casa os proponemos un nuevo especial que repasa 15 de las películas americanas claves de este extraño movimiento que se desarrolló en el cine americano especialmente de 1931 a 1935 y que es esencial para entender la evolución del género en el cine posterior. En especial, repasaremos las que se consideran las grandes obras maestras de esta época, los monstruos más conocidos de la Historia del Cine, los actores más carismáticos de aquel momento y también un par de propuestas algo más alternativas pero igualmente formidables.

Veréis que la selección es bastante homogénea, precisamente porque todas estas películas fueron realizadas casi al mismo tiempo y con unos estándares preestablecidos, así que espero que no falte nada ni que nadie crea que alguna película está fuera de lugar. Debo decir, sin embargo, que por motivos de cantidad de películas a comentar me he visto obligado a hacer las dolorosas renuncias de “El fantasma de la ópera” (Rupert Julian, 1925), “La mujer pantera” (Jacques Tourneur, 1942) y “Yo anduve con un zombie” (Jacques Tourneur, 1943), por no pertenecer al periodo estudiado, así como de “King Kong” (Ernest B. Schoedasck, Merian C. Cooper, 1933), cuya crítica a cargo del Capi podéis leer aquí. La única excepción será “El hombre lobo” (George Waggner, 1941), cuya inclusión tiene algo más de sentido aún no ser de los años treinta por motivos que ya comentaremos.

Y sin más que añadir, la primera película llega en un par de días. ¡Que lo disfrutéis!

Bill H

El cast de "Thor" va conformándose poco a poco

2009-11-20T11:27:00.001+01:00

Recopilemos informaciones dispersas, porque la plana mayor de la mítica ciudad de Asgard empieza a tener rostros. El primer elegido fue Chris Hemsworth (el padre de Kirk en la última "Star Trek") interpretando al propio Thor, así como a su contrapartida terrestre, el doctor Donald Blake. Con esto se acallaban los rumores que situaban en el punto de mira para interpretar al dios nórdico a gente como Paul McKidd, Josh Holloway o al luchador Triple H.

Posteriormente, el televisivo Tom Hiddleston ("Wallander") fue designado como Loki, némesis y mediohermano de Thor y dios del engaño. Más tarde vinieron Natalie Portman como Jane Foster, enfermera, amiga y primer amor del dr. Blake, Jaimie Alexander ("Kyle XY") como Sif (seductora diosa asgardiana y uno de los amores de Thor) y Colm Feore ("24"), cuyo papel aún no se ha acalarado, aunque se especula que será un villano. Del mismo modo, el personaje que interpretará el sueco Stellan Skarsgård ("Ángeles y demonios") sigue siendo un misterio.

Uno de los puntos claves del reparto no podía quedar por debajo de la altura de su personaje, así que se anunció que Anthony Hopkins interpretará al tuerto Odín, gobernante de Asgard, dios de los nórdicos y de paso padre de Thor.

El resto del reparto, tras el salto de página.

Recientemente se confirmó la participación de Stuart Towsend ("La liga de los hombres extraordinarios"), Tadanobu Asano ("Zatoichi") y Ray Stevenson ("Roma") como "los tres guerreros", esto es Fandral, Hogun y Volstagg, y ahora acaba de saberse que el gran Idris Elba (Stringer en "The Wire") se meterá en la piel de Heimdall, guardián del puente de Bifrost, la crítica entrada a Asgard.

Por supuesto por allí campará Samuel L. Jackson como Nick Furia, probablemente intentando reclutar vengadores para S.H.I.E.L.D.

Por el momento, este parece ser el reparto principal, que además ha calmado las ansias de los fans y ha convencido a los directivos de Marvel por igual. Sin ir más lejos, dos de los popes de "la casa de las ideas", el guionista Brian Michael Bendis y el editor jefe, el temible Joe Quesada, han podido ver los sets y dicen estar muy emocionados, que esto va a ser huge y demás... lo cuál no es garantía absolutamente de nada. Y aseguran que el director del proyecto, Kenneth Branagh, cuya elección sigue pareciéndonos desconcertante (casi tanto como en su momento fue la de Ang Lee para encargarse del primer "Hulk"), está emocionadísimo, muy volcado y que "sólo piensa en ello durante todo el día".

El guión, escrito por Mark Protosevich y Zack Stentz situará la historia entre Asgard y la Tierra, y probablemente contará cómo Thor es desterrado del país nórdico para cumplir condena en nuestro mundo mientras se enfrente a las fuerzas malvadas que intenten acceder a él, así que la acción versará entre ambos planos y por el camino nos contará los origenes del personaje creado por Stan Lee y Jack Kirby.

Todo ello será una realidad el 20 de mayo de 2011, día en que "Thor" llegará a los cines.

"Lost" se retrasa

2009-11-20T02:43:00.000+01:00

Breve actualización a este post que os dejamos hace unos días: resulta que habrá que esperar un poco más para saber qué demonios pasó -o dejó de pasar- con nuestros amados losties. ABC confirma que el estreno de la sexta y última temporada ha sido retrasado al 2 de febrero del año que viene y trasladado a los martes, lo que le supondrá una dura pugna por la audiencia viéndose las caras nada menos que con el superéxito de la FOX "American Idol". A partir de febrero ya tendermos algo que hacer los miércoles por la mañana antes de ponernos a trabajar...

Mientras tanto, la especulación está servida: ¿quién vivirá? ¿quién morirá? ¿quién volverá? ¿purgatorio, marcianos, concurso televisivo, sueño de mono esquizofrénico? Para responder a las primeras dos preguntas, echar un vistazo a los fichajes de las nuevas series de esta temporada puede darnos una pista. Para la tercera, se habla de un retorno sonado, pero sólo son habladurías. Para lo último, Lindelof y Cuse siguen jugando a liar la madeja, así que poco sacaremos en claro...

Y esto sólo son rumores, nada de canales oficiales ni fuentes contrastadas, así que coged con pinzas los títulos de los primeros 8 capítulos, de variable nivel spoileresco (después de un simple click):

6x01 - LA X Part One

6x02 - LA X Part Two

6x03 - What Kate Does

6x04 - The Substitute

6x05 - Lighthouse

6x06 - Sundown

6x07 - Dr. Linus

6x08 - Recon

... y así hasta los 18 que compondrán la última temporada de la ficción televisiva más importante, para bien o para mal, de los últimos años.

"Paranormal Activity": cine a la carta

2009-11-19T10:45:00.002+01:00

Curiosa estrategia. Hace pocas horas nos llegaba la nota de prensa convocando a todos aquellos que quieran ver cómo se estrena en su ciudad la sorpresa terrorífica del año para que muevan el culo y voten por ello. En www.paranormal-lapelicula.com se presume de tal cosa, y es aquí donde aparece el contador de peticiones a tiempo real. Se trata de llegar a 200.000, en cuyo caso se estrenará la película "en toda España".

Por lo visto en Estados Unidos el invento funcionó, y se convirtió en el pequeño gran éxito que todos conocemos, así que se ha querido repetir la experiencia.

Por otro lado la nota informa que paralelamente, transcribo, "la red social Facebook ha desarrollado una aplicación viral específica para esta película, donde los usuarios se verán junto a sus amigos de facebook viviendo una actividad paranormal". Hasta que no lo vea no terminaré de entenderlo, la verdad.

En fin, ¿democracia o simple estrategia de márketing? ¿Podremos decidir a partir de ahora si queremos ver algunas películas o es una simple ilusión orquestada por una distribuidora que ya tiene las copias asignadas? Al fin y al cabo tarde o temprano se va a llegar a la cifra de marras, con lo cual acabará estrenándose igual, más temprano (el 27 de Noviembre se estrenará de momento sólo en Madrid y Barcelona) o más tarde. ¿Y entonces qué? Obviamente no se va a estrenar en TODOS los cines españoles, con lo cual su distribución va a ser la normal para un producto de dichas características, de modo que con la estrategia lo que se pretende conseguir no es un valor añadido, sino que se vota por una situación normal.

A mí el invento de todos modos me hace cierta gracia, especialmente si tenemos en cuenta que, como un "Proyecto de la Bruja de Blair" del 2009, "Paranormal Activity" ha sido la sorpresa internautera del año, así que esta presunta democracia ciberespacial tiene cierta coherencia. Pero no olvidemos que esto no es sino un "boca-oreja" versión 2.0, por mucha estrategia viral y mucha "evolución de los canales publicitarios tradicionales".

Para decidir si quieres o no votar, anímate a leer la crítica de "Paranormal Activity" por el Capitán Spaulding aquí.

Crítica de "Tenderness", por el Capitán Spaulding

2009-11-18T23:43:00.000+01:00

Cada cierto tiempo, y de manera más o menos constante, aparecen por las carteleras un tipo de películas cortadas por el mismo patrón que ahora presenta "Tenderness", nueva propuesta del director de "El Escondite" (John Polson).

Se trata de thrillers con algo de indie y mucho de interpretación, pues suelen contar con un reparto, al menos, sorprendente: en este caso, acapara todo el interés el siempre estupendo Russell Crowe (en una de sus muchas fases de alargamiento corporal, en este caso pre-"El Precio del Poder"), con quien se asocian Jon Foster (visto en "Accidentally on Purpose"), Sophie Traub ("La Intérprete") y, en poco más que un cameo, la aterciopelada Laura Dern.

Todos ellos interpretan a una serie de personajes cuyo nexo en común es un joven parricida, Eric, recientemente liberado del reformatorio que lo retenía.

Con estilo sobrio, frío y más bien distante, "Tenderness" propone un juego de caza al ratón multidimensional que va mucho más allá del mero género policíaco (al que, de hecho, apenas se acerca). El primer y más obvio nivel lo protagoniza el detective a quien encarna Crowe, obsesionado con el chico al que otorga crímenes aún por resolver, quien enfrentado a su jubilación y a una trágica situación familiar, emprende la (minúscula) persecución de su sospechoso.

Una siguiente vuelta de tuerca le correspondería a Lori (Traub), una niña menor de edad con serios problemas que alguna vez incluso la llevaron a un intento de suicidio, como observamos fugazmente en una secuencia que, de paso, sirve para confirmar que su núcleo familiar tampoco es que sea el mejor del mundo. Igualmente obsesionada aunque a un nivel más idílico, Lori decide acercarse a Eric buscando cazar emociones nuevas y puras, amen de otras intenciones que no desvelaremos por su relevancia en la película.

Finalmente, la tercera dimensión principal del juego (no hay ningún personaje, por secundario que sea, que no busque nada, pues como dice la voz en off de Crowe en la introducción del film, en el fondo eso es lo que hacemos todos) la encabezaría el propio Eric, recién salido del reformatorio y en fase de sondeo de una personalidad que se mueve entre la redención y el ansia de muerte.

A su vez, el precoz asesino emprende un viaje, que justifica todo el entramado, para hallar a la misteriosa María a quien apenas conoce.

Aun por poco, tal vez sea éste ultimo el que más difícil lo tenga, más debido a los impedimentos con los que debe lidiar que a su propio objetivo, ya de por sí extremo. Y es que sin apenas tiempo de retomar su vida, el joven se topa con una ristra de tentaciones que van poniendo a prueba su aguante al llevarlo de un extremo al otro de la dualidad de sus posibilidades.

De este modo, a la misteriosa y seductora María (por cierto, interpretada por Alexis Dziena, la última novia de E en "Entourage"), cabe sumar sobre todo las múltiples manifestaciones de afecto de Lori, ahora ángel de la guardia, ahora principal causante de sus deseos de matar.

Con semejante condimento de fondo, huelga decir que "Tenderness" no se centra en un sólo género y, de hecho, busca otros objetivos que la mera resolución argumental, siendo principalmente el retrato opresivo y deprimente de unos personajes asolados por el drama su verdadera meta.

Sin embargo, cabe reconocer que a Polson y el guionista, Emil Stern, encargado de adaptar la novela homónima de Robert Cormier, no les ha salido todo lo bien que hubieran querido, ya que en realidad, muchos de esos momentos de supuesto análisis personal o relacional se saldan en sendos minutos de ritmo decadente (principalmente flash-backs superfluos o alargadas escenas en punto muerto), haciendo de las nobles intenciones del film un resultado más bien irregular.

Ciertamente, tan desafortunados instantes se alternan con otros realmente brillantes, que logran despertar toda la tensión del mundo partiendo del mero seguimiento del chico yendo de un punto a otro sin mayor trascendencia (mucho de ello tendrá que decir el acertado apartado musical a cargo de Jonathan Goldsmith).

Por tanto, a base de coletazos rítmicos, la trama se va desarrollando, con una irregular pero siempre presente sensación de calma chicha que va encarrilándose poco a poco hacia una conclusión, alejada de todo regocijo, que confirma ese doble sabor de boca con que se acaba quedando el espectador: aprensión emocional por un lado y frialdad por el otro.

En resumen pues, "Tenderness" no es una película redonda, y de hecho requiere cierto esfuerzo por parte del público para acabar cayendo en gracia. Todo ello no hace sino justificar el retraso con que la película, con fecha del 2008, llega a nuestras carteleras.

Ahora bien, sus irregularidades se ven contrarrestadas por unas ideas de base realmente interesantes (de aquellas que dan que pensar), puntuales momentos de brillantez cinematográfica traducidos en buenas dosis de tensión, y sobre todo por la labor de un reparto especialmente inspirado.

6/10

Estrenos de la semana (18 y 20 de Noviembre)

2009-11-18T15:41:00.004+01:00

Esta semana os ofrecemos los estrenos un día antes de lo acostumbrado. Como es costumbre por aquí, la actualidad manda, así que toca señalar el estreno de una nueva parada, la segunda, en la "Saga Crepúsculo": "Luna nueva", de la que no pienso decir nada por puro agotamiento. Hoy mismo la tenemos en nuestras pantallas.

El resto de estrenos llegarán como es habitual el viernes. Entre ellos destaca la nueva propuesta de Sam Mendes, "Un lugar donde quedarse", comedia indie del año y descanso emocional tras los seísmos conyugales de "Revolutionary Road".

Además Hilary Swank se mete en la piel de la mítica aviadora Amelia Earhart para contanos uno de esos bigger than life diseñados para el Oscar, este dirigido por la responsable de "La boda del monzón".

Russell Crowe por su parte vuelve al thriller en "Tenderness", de la que en breve os podremos ofecer una jugosa crítica, y la representación española vendrá dada por un nueva ración de Luis Tosar (presente en cartelera también con la magnífica "Celda 211") en "La noche que dejó de llover" y por el estreno de lo nuevo del estimulante Isaki Lacuesta: "Los condenados". Conociendo la obra previa de su director, podemos asegurar que estaremos ante una obra inquieta y original.

Para conocer más detalles, clica en el siguiente link.

La saga crepúsculo: Luna nueva (18 de Noviembre)

Dir.: Chris Weitz. Int.: Robert Pattinson, Kristen Stewart, Nikki Reed, Ashley Greene

Edward Cullen decide abandonar a Bella Swan para mantenerla alejada de los peligros del mundo vampírico. Con la ayuda de Jacob Black, su amigo de la infancia y miembro de la misteriosa tribu quileute, Bella intentará superar el abandono de Edward, que la ha dejado sumida en el mayor de los desconsuelos. Pero los peligros siguen acechando a la joven; nuevas y asombrosas criaturas sobrenaturales se cruzarán en su camino, y Bella sólo contará con el apoyo del cada vez más cercano e irresistible Jacob. Repentinamente, Bella se encuentra inmersa en el mundo de los hombres lobo, ancestrales enemigos de los vampiros, y su lealtad es puesta a prueba...

Amelia (20 de Noviembre)

Dir.: Mira Nair. Int.: Hilary Swank, Richard Gere, Ewan McGregor

Hilary Swank da vida a la legendaria piloto estadounidense Amelia Earhart, que desapareció mientras sobrevolaba el océano Pacífico en 1937 en su intento por viajar alrededor del mundo. Ewan McGregor interpreta el papel del padre del escritor Gore Vidal, el gran amor de Amelia. Por otro lado Richard Gere encarna al marido de Amelia, George Putnam, mientras que Virginia Madsen es la ex esposa de Putnam.

Tenderness (20 de Noviembre)

Dir.: John Polson. Int.: Russell Crowe, Laura Dern, John Foster

El teniente Cristofuoro (Russell Crowe) es un veterano policía obsesionado con el caso de Eric (Jon Foster), un joven de 18 años que, tras pasar varios años en prisión acusado del crimen de su madre y su padrastro, conoce a Lori (Sophie Traub), una adolescente que se ha escapado de casa y que se siente irremediablemente atraída por él. Convencido de que Eric es un asesino en serie en potencia, que en breve volverá a actuar, el teniente Cristofuoro seguirá los pasos de la pareja. Aunque esto signifique poner su vida y su carrera en peligro...

Un lugar donde quedarse (20 de Noviembre)

Dir.: Sam Mendes. Int.: John Krasinski, Maya Rudolph, Jeff Daniels

"Un lugar donde quedarse" es la historia de una joven pareja que va a tener su primer hijo, y que se dedica a recorrer los Estados Unidos en busca del mejor lugar para comenzar asentarse y comenzar como familia. Cuando Burt (John Krasinski) y Verona (Maya Rudolph) descubren que están a punto de tener un niño, sufren una crisis de pánico. No soportan el pueblo donde viven, y ahora que los padres de Burt se mudan de allí, pierden el sistema de apoyo con el que contaban. Ambos deciden entonces emprender un viaje en busca del sitio ideal para echar raíces y criar un niño. De paso, visitan a una serie de parientes y amigos. Algunos son absolutos excéntricos, otros son conmovedores, pero todos ayudarán a Burt y a Verona a encontrar su destino. Acabarán por descubrir que para crear un hogar, sólo se necesitan el uno al otro.

Leer crítica del Capitán Spaulding

La noche que dejó de llover (20 de Noviembre)

Dir.: Alfonso Zarauza. Int.: Luis Tosar, Nora Tschirner, Mercedes Sampietro

Spleen (Luis Tosar), un tipo poco corriente, pasa las noches filosofando hasta el amanecer en compañía de sus amigos de La Taberna de los Dramáticos, santuario bohemio al que no falta ni una noche desde hace años. Después de tres meses de lluvia ininterrumpida, de pronto esa noche deja de llover. Es entonces cuando Spleen sale a comprar pan y conoce a La Rusa (Nora Tschirner), una rubia con flequillo en la que materializa sus ilusiones. Juntos iniciarán un viaje inesperado, tierno y surrealista a través de la noche y del interior de ellos mismos que transformará sus vidas por completo…

Los condenados (20 de Noviembre)

Dir.: Isaki Lacuesta. Int.: Daniel Fanego, Arturo Goetz, Leonor Manso

Dos ex-guerrilleros se reencuentran 30 años más tarde en una excavación ilegal, donde buscarán el cuerpo de un tercer compañero desaparecido entonces. La tensión y los secretos escondidos durante ese tiempo aflorarán a medida que se acerquen a la impredecible solución final, donde no todo será lo que parecía.

Las revisiones de La Casa. Hoy: "Tron", por John Blutarsky

2009-11-18T14:30:00.002+01:00

Una de nostalgia en forma de tópicos generacionales: En 1982 Naranjito se erigía como la mascota más kitsch de la historia de un mundial de fútbol, el de España, que por otro lado acabaría protagonizando aquellas monedas de 25 pesetas tamaño tapa de alcantarilla. Bananarama, Duran Duran y Culture Club triunfaban en las listas de éxitos musicales y Dexy's Midnight Runners arrasaban con su "Come On Eileen". Michael Knight se lanzaba en su humilde cruzada para salvar la causa de los inocentes a bordo de Kitt por las ondas de la NBC. El término "Spectrum" dejaba de ser una extraña palabra de un posible latín futurista para ser sinónimo de "entretenimiento molón" y Atari se consolidaba como distracción para familias, digamos, pudientes. Por su parte Hollywood ofrecía aplastantes clásicos modernos de la talla de "Blade Runner", "E.T.", "Poltergeist" y "Acorralado"... y sí, se estrenaba "Tron".
28 años después se seguirá rentabilizando a Rambo y se estrenará una continuación de "Tron" bajo el nombre de "Tron: Legacy", así que esta revisión a 3'5 MHz nos viene al pelo.

A lo que iba: "Tron", dirigida por un tal Steven Lisberger, llegó en esa época clave en que el videojuego se convertía en el entretenimiento del futuro, y la ciencia ficción más popular estaba en pleno auge, con la máquina "Star Wars" (en aquella época "La guerra de las galaxias") perfectamente engrasada y a punto de despachar su tercera entrega. No obstante, y pese a que posteriormente ha pasado a formar parte del imaginario colectivo de la comunidad nerd, en su momento la acogida de público y crítica de "Tron" no fue especialmente relevante.
Aún así, el impacto posterior fue tremendo, siendo la película comercial más importante hasta aquel momento que se lanzaba a tratar ciertas temáticas relacionadas con la informática (los videojuegos y la realidad virtual, el hackeo y el empollón como héroe de un nuevo mundo) e introducir avances visuales con medio pie en el futuro (gráficos generados por ordenador, manipulación digital de la imagen real). El año siguiente llegaría "Juegos de guerra", que retomaría la inteligencia artificial como amenaza real y en el 85 la conspiranoia militar relacionada con la I.A. daba otro paso con "D.A.R.Y.L."
Pero el avance tecnológico no fue lo único que hizo trascender la película hasta el punto donde consiguió llegar. Al considerable impacto visual y el revuelo que causó en la época se une un guión plagado de insinuaciones metafísicas y religiosas, políticas y sociales, de aspiraciones elevadas. "Tron" pretendía ser un entretenimiento a la última, pero también una puesta al día de algunos conceptos orwellianos (el "gran hermano" que nos vigila, ya se sabe) y de las teorías sobre el pensamiento único, la alienación de la sociedad, el libre albedrío y el totalitarismo. Aquí el ser dictatorial que sometía al pueblo recibía el nombre de "Programa de Control" y al demiurgo de no probada existencia al que los hombres se encomendaban se la conocía como "Usuario" en lugar de "Dios". Una paella de difícil digestión que luego tomarían como principal referente los aún más indigestos hermanos Wachowski. De hecho, si la propia "Tron" no fuera ya un popurrí de referentes, podríamos acusar "Matrix" de ser un descarado fusilamiento de temática y conceptos.

Descartemos entonces las aspiraciones filosóficas, que aun nobles no eran nada nuevo y retomemos pues lo que la película tenía para ofrecer a los jovencetes de la época más hambrientos de nuevas sensaciones. Que debían ser todos, digo yo.
Esto era acción pura y dura en un mundo de fantasía de los de toda la vida, solo que pixelado. Aparecían unos "vigilantes" en forma de puente modernista totalmente creados por ordenador a los que había que matar al más puro estilo "Space Invaders" y los personajes, capitaneados por un macarrilla Jeff Bridges tenían que interactuar con un entorno virtual para lograr destruir el "Control Central" a base de golpes de frisbee digital.
¿A qué chavalín de los 80 (bueno, yo la vi a principios de los 90, pero ahí aún era un crío) no le haría babear semejante premisa? Sobre todo si había disfrutado con la saga "Star Wars" de la que, como decía, "Tron" se beneficia indisimuladamente.
Sí, más de uno y de dos decorados y personajes pueden recordar peligrosamente a los de la saga galáctica: el trío protagonista (Bridges, Bruce Boxleitner y Cindy Morgan) guarda un sospechoso parecido con el triángulo Luke-Leia-Han, y algunos decorados y vehículos podrían estar inspirados en toda la parafernalia Imperial. Pero en fin, ya es lo que se llevaba en la época.
Y luego estaba, no nos olvidemos, el emblemático duelo de motos, tan icónica para los amantes de lo pop como aquella carrera de cuádrigas de Ben Hur para los seguidores del peplum. Poco me importa que sea una versión a lo "Blockout" del "juego de la serpiente" de los móviles de toda la vida. Esa secuencia es la esencia de lo cool, y punto.

Hay en algunos momentos una cierta caída de ritmo; y en otros el galimatías informático es considerable para todos aquellos a los que la "programación" no nos dice nada y para los que el 1 viene después del 0 y punto.
Pero ¿quién se pone quisquilloso cuando se sienta por enésima vez ante momento mítico de su vida como cinéfago? Yo, desde luego, no.

En fin, vista ahora por primera vez, la película no pasa de ser la típica producción Disney de la época, tipo "Condorman", "La montaña embrujada" o las de la serie del escarabajo Herbie, sólo que menos infantil y con unos efectos especiales ahora absolutamente desfasados. Así que si no lo hicisteis en su momento no voy a ser yo quien recomiende que invirtáis vuestro tiempo en ella ahora.
Si por el contrario forma parte de vuestra conciencia cinéfila más aventurera y sois de los que, como yo, la colocáis al lado de "Los Goonies" o "Exploradores", a buen seguro os despertará una sana nostalgia y bastante recelo de cara al estreno de la nueva versión. Que ya es mucho.

Contracrítica de "2012", por John Blutarsky

2009-11-18T11:46:00.008+01:00

Me vais a permitir una crítica tocapelotas, pero es que me lo he pasado tan bien viendo la última megalomanía de Roland Emmerich que me parece totalmente injusto el trato que le ha despachado nuestro querido Capitán, pese a que, sospecho, al final acabaremos opinando de forma muy parecida.

Supongo que no hará falta decir que relativicéis mis palabras, que esto no es arte y ensayo, y que no pongáis en el mismo saco crítico este comentario y, por ejemplo, el del último enigma cinematográfico de Isaki Lacuesta.

Pero ojo, sería caer en el elitismo tratar con condescendencia este "2012" valorándolo a partir de un listón más bajo que el de la media, para que saliera menos perjudicada. No, de entrada lo digo y luego lo explico: juzgada en términos cinematográficos clásicos "2012" es un auténtico desastre, es el momento en el que el cine de catástrofes hace más honor a su nombre. Pero a eso me refiero, intentemos aplicar otro prisma al asunto.

Y ese prisma es, por supuesto, el de la espectacularidad. El de la triple voltereta con tirabuzón, malabarismos con copas y mazas de fakir que termina por los suelos, con todas las copas rotas y el fakir incendiado a lo bonzo. Mientras el público se da un panzón de reír, claro, aliviado de ser él quien no ha acabado en posición tan lamentable y dando gracias por los buenos momentos.

Esto es espectáculo, señores y señoras, y lo demás son tonterías. Esto es amortizar esos dolorosos siete euros en más y más y más momentos de adrenalina pura, de gozoso sinsentido argumental y de bofetón estético de extraño atractivo digital.

A esto es a lo que tendrá que agradecer Michael Bay cuando vaya a ver "Transformers 3", porque esto es lo que me ha reconciliado con el blockbuster descacharrante y con el exceso de... bueno, de todo.

Porque además Emmerich ha demostrado ser más listo que Michael Bay en tanto que conoce sus propias limitaciones. Emmerich sabe que no va a ser capaz de dotar de vida a sus personajes, y que la densidad emocional de las escenas que componga no va a tener más alcance que la de un catastrófico de sobremesa. Por eso se contenta con delimitar todos los elementos colindantes a la acción dentro de unos cánones 100% reconocibles y gastados ya... ¿desde cuándo? Exacto, desde el cine de catástrofes de los años 70. ¿O me vais a decir que los personajes de los exploits setenteros de terremotos, incendios y derrumbes que tanto decimos disfrutar tienen mucha más definición que este papá redimido, esta esposa reenamorada, este malvado asesor de la Casa Blanca o este perspicaz científico? Pues eso.

Juraría que hasta lo ha hecho aposta. Puede que incluso los guionistas le ofrecieran situaciones más elaboradas y personajes menos estereotipados y Emmerich les soltara "no quiero que me molestéis con vuestras tonterías". Lo que decía: tiene que haber un héroe improbable. Tiene que haber una rubia gritona. Tiene que haber hasta un perrito que se salva. Porque en tanto que el invento ganara puntos por el lado de la sensatez los perdería por el de la insensatez. Y de nuevo: a escala global esto es lo más genialmente insensato que he visto en varios meses.

Pero lo cosa no termina ahí, y es que Emmerich no sólo es más listo que Bay. No, en cuestiones de planificación demuestra que además los tiene más bien puestos, porque Bay siempre acaba enmascarando su tosca realización con un montaje tan exageradamente picado que al final impide al espectador saber qué demonios está pasando, colándole por trepidante lo que en realidad es atropellado. A Emmerich el montaje a ritmo de hardcore se la trae al fresco. Prefiere evidenciar su nula personalidad fílmica si con ello consigue elevar la espectacularidad al cubo, llegando a un extraño clasicismo en su plano, que suele ser mucho más abierto y explicativo que el de Bay, cerrado y confuso. ¿Quién diantre quiere ver el movimiento de quinientas tuercas y tornillos a la vez a medio metro de un supuesto robot gigante cuando puede contemplar, casi a cámara lenta, cómo literalmente se hunde la ciudad de San Francisco en el Pacífico mientras una avioneta sortea vagones de metro en el interior de una descomunal falla?

Y ya que saco a colación esta secuencia concreta, sólo le veo una pega: siendo de largo lo mejor de la función y la burrada más salvaje vista este año, llega demasiado pronto en la película. Con lo cuál nos pasamos la siguiente hora y media esperando una réplica de igual o mayor magnitud que no termina de llegar nunca. Y aunque no llegan al nivel, suerte que ahí están absolutas genialidades como la del [cuidado con los SPOILERS] personaje de Woody Harrelson siendo tragado por el parque de Yellowstone reconvertido en volcán, el presidente Kennedy reocupando por la fuerza la Casa Blanca en forma de portaaviones o ese Arca de Noé versión "Battlestar Galactica" evitando colisionar contra... ¡el Everest!

Además, qué demonios, ese plano último con África como bastión final y tabla de salvación para la humanidad tiene mucha coña y resulta tan genuinamente naïf en su hipotético espíritu revulsivo antiamericano como el momento de la rueda de prensa del gobernador de California. [FIN SPOILERS]

Dejad los prejuicios en casa, poneos el chip de "más es... mucho más" y preparaos para disfrutar de 160 minutos de absoluto dislate catastrófico.

Como cine es una mierda, como espectáculo total es justamente eso: total.

8/10