Casi todos los colores de la oscuridad

"Feliz nochebuena", de David Hess

2009-12-16T13:48:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "To All a Good Night"/ Dirección: David Hess/ Guión: Alex Rebar/ Producción: Sandy Cobe y Jay Rasumny/ Fotografía: Bil Godsey/ Montaje: William J. Waters/ Música: Richard Tufo/ Diseño de producción: Joseph T. Garrity/ Reparto: Jennifer Runyon, Forrest Swanson, Linda Gentile, William Lauer, Judith Bridges, Katherine Herrington, Buck West, Sam Shamshak, Angela Bath, Denise Steams, Solomon Trager, Jeff Butts. USA. 1980. Color. 83'

De igual forma que ahora mismo el modelo a seguir dentro del género de terror parece ser el de tipo "survival" o "splatter" y que dicho modelo sirve de alguna manera para ilustrar o representar el momento, si hablamos de los años ochenta, sin lugar a dudas el modelo predominante era el slasher.

De ahí que, de la misma forma que al hilo de la primera "Saw", "Wolf Creek", el remake de "Las colinas tienen ojos" de Aja y demás muestras más o menos lustrosas de esa clase de filmes, surgieron toda la pléyade de bodrios clónicos que no había quien los aguantase (y lo que te rondaré, morena)... lo mismo sucedió con el slasher ochentero.

Así, tras las primeras y originales "Viernes 13", "Halloween", "El asesino de Rosemary", "Sabe que estás sola", "Llama un extraño", "Black Christmas", etc. las estanterías de los videoclubs se llenaron de una ingente cantidad de imitaciones o aportes a dicho modelo. Algunas eran más o menos soportables. Incluso dignas. Pero otras...

Pues bien, he aquí una de estas últimas. "Feliz nochebuena" es un slasher absolutamente soporífero. En verdad inaguantable.

Filmada con una torpeza lindante con la de los peores chapuceros de la serie z italiana, el tal David Hess (actor de escaso renombre) hizo de ésta, su primera y única película hasta la fecha, un auténtico tormento de tedio. Nada que ver con alguna de sus bastante más estimulantes apariciones ante la cámara, como "La última casa de la izquierda" o "Trampa para un violador".

Las bases argumentales son las de siempre. En este caso, una festividad navideña en torno a la cual se reúnen una serie de personajes, que serán lenta, lentísimamente (exasperantemente lenta) exterminados por un (tachaaaaan) Papa Noel asesino.

Y bueno, poco más. De hecho, nada más. La identidad del asesino, que es una cosa sin el menor interés, los asesinatos en sí tremendamente pobres (por ejemplo a uno le clavan un hacha en mitad de la cabeza y ni siquiera sangra) y sobretodo una molestísima fotografía oscura y mal iluminada con planos y secuencias interminables en los que no sucede absolutamente nada.

En definitiva, una pérdida de tiempo total y absoluta. No sólo porque vista a día de hoy carezca del menor interés, o se vea avejentadísima (que se ve), sino porque da toda la sensación de que ya en su día (año 1980), no resistía comparación con cualquier slasher mínimamente presentable de la época.

"La Huérfana", de Jaume Collet-Serra

2009-12-15T12:42:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Orphan"/ Dirección: Jaume Collet-Serra/ Guión: David Johnson y Alex Mace/ Producción: L. Di Caprio, J. Silver, S. Downey y J.D. Killoran/ Fotografía: Jeff Cutter/ Montaje: Timothy Alverson/ Música: John Ottman/ Dirección Artística: P. Banister y P. Perrault/ Efectos especiales: Ryal Cosgrove/ Reparto: Vera Farmiga, Peter Sarsgaard, Isabelle Fuhrman, C.C.H. Pounder, J. Bennett, Margo Martindale, Karel Roden, Aryana Engineer, Rosemary Dunsmore, Jamie Young. USA, Canadá, Alemania, Francia. 2009. Color. 123'

Después de varias reseñas acerca de filmes insustanciales, hoy por fin es el turno de algo bastante más consistente. Y muy reciente, además.

Hace algunos años, este joven cineasta barcelonés afincado en los USA irrumpió en el panorama del fantástico con aquella película llamada "La casa de cera". Filme que tenía en la presencia de Paris Hilton como actriz secundaria su mayor reclamo y posiblemente su mayor lastre, porque lo cierto es que, como ópera prima, no estaba nada mal. Al menos, sirvió para ver que Collet-Serra poseía un innegable gusto en el aspecto visual y un nada desdeñable talento narrativo. Algo que le distancia de su paisano Nacho Cerdà, mucho más esteticista y hueco (al menos, por lo visto hasta el momento).

En cualquier caso, ha sido aquí y ahora, gracias a esta "La Huérfana" cuando definitivamente Collet-Serra ha visto su nombre en lo más alto del panorama internacional del género. Y no es algo gratuito ni casual, sino absolutamente merecido. Es obvio que el director ha contado con medios, pero como estamos hartos de comprobar, eso muchas veces no se traduce en un buen resultado, sino que en la mayoría de ocasiones juega en contra.

Pero si por algo se caracteriza esta película, es por su férreo, consistente acabado. Y ello a pesar de las más que previsibles dudas que podía suscitar, a priori, una historia protagonizada por la enésima criatura (en este caso niña) malvada. Un tema no ya recurrente, sino directamente manido hasta el paroxismo. Desde "Semilla de maldad", pasando por "La Profecía", "El escondite", "Veneno para las hadas", o aproximaciones de tintes más dramáticos y realistas, como "El buen hijo", de Joseph Ruben. Filme, este último, que seguramente más se aproximaría a "La Huérfana", en cuanto a su tono formal.

Sin embargo, a pesar de todo lo dicho, Collet deja claro desde el primer instante, que va a por todas. Y que no se va a andar con medias tintas. Lo consigue gracias a un planteamiento harto realista y dramático, que prende a la perfección en el ánimo del espectador. Es ahí donde empieza a brillar su faceta como director, pero también la indudable capacidad de los actores, encabezados por la siempre interesante y en alza Vera Farmiga (que ya en filmes tan "masculinos" como "Infiltrados" se zampaba a más de un compañero de reparto en alguna secuencia). Y un Peter Sarsgaard que, en honor a la verdad, cumple aquí perfectamente en su papel de padre ilusionado y comprensivo. Un papel no muy exigente, por otro lado.

Por supuesto, es obligado hacer una mención especial para los niños de la película, asombrosamente bien dirigidos. Y naturalmente, en especial esa diabólicamente magnética Esther (Isabelle Fuhrman), que se adueña por completo de cada plano en el que interviene.

Collet triunfa a la hora de otorgar al personaje de la niña una malicia perversa y adulta, sin que ello chirríe en ningún momento. Y con ello es del todo honesto, como veremos al final. De ahí que el comportamiento del personaje pase inteligentemente de una cierta empatía con respecto al espectador, al absoluto horror y rechazo, de un modo gradual pero firme.

No obstante, pecaríamos de generosos si no le atribuyésemos a "La Huérfana" algún que otro pequeño punto negativo. Eso sí, casi todos ellos, relativos al guión. No tanto por la previsibilidad de la narración (que lo es, sin que ello resulte para nada molesto) sino más bien por el clásico sacrificio de la credulidad en pro del "espectáculo". De todos modos, es algo que seguramente queda nivelado por la valentía de Serra a la hora de afrontar el tramo final, no exento de dramatismo y sin excesos de autocomplacencia, pese a su clímax, ligeramente vulgar y alargado.

Así pues, evaluándola en su conjunto, estamos ante la mejor película de terror del año, sin ningún género de duda. Un filme duro, contundente, sin bache alguno (a pesar de su generosa duración), mucho más adulto de lo que suele ser habitual en estos tiempos de terror infantilista (valga la paradoja) y sobretodo caracterizado por una dirección sencillamente excelente.

"Días de horror y muerte", de Donn Davison y Fred Olen Ray

2009-12-14T13:10:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Honey Britches"/ Dirección: Donn Davison y F.O. Ray/ Guión: Barbara Morris Davison/ Producción: D.Davison, F.O.Ray y Lee Jones/ Fotografía: Avrum M. Fine/ Montaje: Avrum M. Fine/ Efectos especiales: Don Friedman/ Reparto: Ashley Brooks, George Ellis, Trudy Moore, Mike Coolik, Jim Peck, Valarie Lipsey, Pepper Thurston, R. Kenneth Wade, Alan Davis, Ben Ennis, Chris Christ, John Carradine. USA, 1971. Color. 84'

Que Fred Olen Ray es un cachondo de mucho cuidado, es algo sabido. Que en ocasiones los que se entretienen en traducir los títulos originales al español también tienen sus dotes para el pitorreo, es algo que tampoco se nos escapa. De otra forma, no se explica que el título de esta película ("Honey Britches") se convirtiese de un modo harto incomprensible (a no ser desde una perspectiva del más puro cachondeo) en "Días de horror y muerte".

Porque en esta película vamos a encontrar bastantes cosas (bueno, sin exagerar). Pero desde luego, nada parecido a un filme de terror. Se trata más bien de una broma de la Troma (con perdón por la rima) de la más pura especie. Es algo que queda claro desde el primer al último plano del filme. Ambos, por cierto, protagonizados por un John Carradine que hace de falso narrador en un tono claramente paródico, tomando con ello cuerpo la principal gamberrada del director de Ohio.

Lo que no deja de tener su mérito es que Olen Ray y más propiamente Donn Davison supiesen encontrar el modo de plasmar en esta narración todo el carácter "nerd" de la América Profunda muchísimo antes de ponerse de moda dichos ambientes a raíz de filmes como "La matanza de Texas", "Deliverance" o "Las colinas tienen ojos".

Está claro que la carrera de Olen Ray como cineasta propiamente dicha, no vendría hasta bastante después (bien entrada la década de los ochenta), en cualquier caso. De hecho, aquí su figura aparece a posteriori, para añadir secuencias (como las referidas de Carradine) dándole forma a su particular versión para la Troma.

Centrándonos en ella, conoceremos a una banda de ladronzuelos de joyas de poca monta que van a parar a una "idílica" zona rural, en la cual tendrá lugar el enfrentamiento con los digamos... rústicos habitantes del lugar, a cual más primitivo. Dicho enfrentamiento desencadenará la (ejem) catarsis de (ejem) violencia y (ejem) horror.

Realmente, si uno se lo plantea del modo adecuado, es una delicia asistir a la interminable retahíla de diálogos absurdos, en boca de personajes más absurdos todavía, convenientemente caracterizados por actores del más evidente amauterismo. Da la sensación, (algo más que la sensación, de hecho), de ser un simple divertimento entre colegas. No es extraño que en muchas secuencias veamos a un actor partiéndose de risa mientras el otro suelta su diálogo pretendidamente dramático. Infumable todo si nos lo tomamos en serio y altamente hilarante si sabemos buscar el lado divertido.

Al fin y al cabo, tiene el mismo sentido ponerse a ver "Días de horror y muerte" con la intención de pasar miedo, que hacerlo con cualquier filme de Russ Meyer, John Waters o H.G. Lewis, por citar a otros cineastas con un estilo similar al mostrado por Davison aquí. Digamos que "no es lo que toca".

Aquí, de lo que se trata, es de ver a los granjeros patanes y las granjeras neumáticas campar a sus anchas, en esta comedia pseudo-hippie (en algunos momentos los intérpretes parecen igual de fumados que en "Easy Rider" y similares) que puso en el mapa (cronológicamente hablando) a uno de los gurús de la caspa de finales del siglo XX y principios del XXI. Y sólo por eso ya merece pasar a la historia. O no.

"Evil Breed", de Christian Viel

2009-12-13T12:41:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Evil Breed: The Legend of Samhain"/ Dirección: Christian Viel/ Guión: William R. Mariani y C. Veil/ Producción: C. Caruana, D. Everett y W.R. Mariani/ Fotografía: Dan Goyens/ Montaje: Jason Deschamps y C. Viel/ Música: Alex Khaskin/ Dirección Artística: Kevin Grant/ Efectos especiales: Ryan Storm/ Reparto: Bobbie Philips, Howard Rosenstein, Ginger Lynn Allen, Chasey Lain, Taylor Hayes, Jenna Jameson, Richard Grieco, Brandi-Ann Milbradt, Lael Stellick, Phil Price, Neil Napier. Canadá, 2003. Color. 77'

Vayamos al grano: montón de basura no reciclable. Una cosa es que a la gente le guste el gore. Y otra cosa es hacernos esperar una hora larga en la que no sucede absolutamente nada, para llegar a un tramo final lleno de escatología. ¿Tan difícil es darse cuenta de que eso no funciona?

Pues por lo visto el tal Christian Viel no lo acaba de tener del todo claro en este pedazo de truño llamado "Evil Breed" que pretende tomar la festividad del Samhain como disculpa para pergeñar semejante despropósito.

Nombres que llaman la atención, como los de Richard Grieco (un habitual de la serie B y de la televisión) junto a leyendas del porno como Jenna Jameson o Ginger Lynn, muchas de cuyas películas tienen bastante más contenido que ésta.

Y es que lo de Viel no tiene nombre. Un señor que es incapaz de situar a los actores en encuadres correctos, no digamos ya de conseguir un mínimo de tensión narrativa. Los primeros sesenta minutos del filme están hechos a base de sustitos chorras que se dan unos personajes a otros y poco más. Luego, con la irrupción del asesino caníbal de rigor, empieza el desmadre de desmembramientos y guarradas.

Y digo yo. Qué necesidad hay de revestir una película así del más mínimo argumento. ¿Por qué esa disculpa de las leyendas de Samhain y de los bosques, para mostrarnos algo que no tiene nada que ver y que se limita a una serie de carreras absurdas hasta que los personajes van cayendo en las manos del cafre deforme?

El gore no es nuevo. Lleva años circulando por las pantallas de todo el mundo. Pero si nos fijamos en sus raíces, precisamente se caracterizaban por hacer del festival de imágenes impactantes y desagradables algo con cierta gracia, con un mínimo de sentido. De ahí que no se entienda muy bien la manera que tienen algunos "cineastas (pongo el término necesariamente entre comillas) de entenderlo.

Películas como "Brain Dead" no se limitaban a meter una cámara dentro de un matadero o carnicería y limitarse a filmar lo que allí sucede. Se supone que esto se llama cine y que el cine te cuenta historias.

En fin, si alguien tiene la insaciable curiosidad de perder hora y cuarto de su vida miserablemente, es muy libre de hacerlo. Por mi parte, sería partidario de imponer a este individuo una orden de alejamiento de todo lo que se pueda parecer a una cámara, a perpetuidad.

"Zombie 4: After Death", de Clyde Anderson

2009-12-12T13:10:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "After Death"/ Dirección: Clyde Anderson/ Guión: Rossella Drudi/ Producción: Franco Gaudenzi/ Fotografía: Luigi Ciccarese/ Montaje: Maurizio Baglivo/ Música: Al Festa/ Dirección Artística: Mimmo Scavia/ Efectos especiales: Rodolfo Torrente/ Maquillaje: Franco Di Girolamo/ Reparto: Jeff Stryker, Candice Daly, Massimo Vanni, Jim Gaines, Don Wilson, Adrianne Joseph, Jim Moss, Nick Nicholson. Italia, 1988. Color. 84'

Para entendernos, Clyde Anderson es Claudio Fragasso. En cuanto a "Zombie 4" vendría a ser la tercera parte de la secuela que... bueno, vamos a dejarlo porque es tal el número de secuelas y recontrasecuelas que de algún modo están relacionadas (o no lo están para nada, pero lo parece) que al final uno se hace un puñetero lío.

El caso es que aquí nos encontramos con una italiana de zombies, que es lo que interesa. Y en ese sentido, poca importancia tiene el orden con respecto a las otras. La historia viene a ser la misma de siempre. En este caso, el escenario es el mismo que otros cineastas han utilizado para este mismo tipo de historias (sin ir más lejos, el mismísimo Bruno Mattei en sus dos últimos filmes, poco antes de morir), es decir: una isla. Un Mattei que, por cierto, figura aquí como productor no acreditado.

La protagonista es una rubita de buen ver que había estado en dicha isla cuando aún era una niña. En dicha isla, había perdido a sus padres, víctimas del ataque de unas criaturas terribles y sanguinarias (zombies, obviamente). El caso es que, años después, volverá a ese mismo lugar acompañada de un grupo de individuos. Como es de suponer, el ataque de los muertos vivientes no se hará esperar.

De entre todos los cineastas italianos adscritos al género, siempre he mantenido que Fragasso es de los peores. Eso no quita para que, en esta ocasión, facture una peli absolutamente disfrutable y entretenidísima para los seguidores de este tipo de productos. En ese sentido, ningún problema a la hora de codearse con las de la misma clase pergeñadas por gente como el citado Mattei, Lenzi o el propio Fulci.

Tenemos sangre a raudales, efectos más que logrados y unos zombies que, bueno... según interese en el momento son rápidos o lentos (para qué complicarnos la vida, ¿verdad?). De hecho, a muchos de ellos se les presenta con el rostro medio tapado por una especie de "¿sudario facial?" que, desde luego, sirvió para ahorrar bastante maquillaje.

Por otro lado, también encontraremos los habituales errores de bulto en el guión. Algo que casi es marca de fábrica. Un ejemplo: uno de los personajes, en el momento de ser asesinado por el zombie, es tapado con una manta. Su resurrección no se hace esperar, pero... (misterios de ultratumba)... cuando se le levanta la manta se las ha ingeniado para hacerse con una ametralladora. Claro que, ¿qué sería de estas pelis sin todos estos momentos hilarantes?

Total, gore italiano en su máxima y más disfrutable expresión. Entretenida de principio a fin, colorista y dinámica, sin baches de ninguna clase y con una de esas secuencias finales que justifican el estatus de culto del subgénero dentro de las fronteras transalpinas para los más devotos del mismo de todo el mundo.

"Ouija: el Ritual", de Mark L. Smith

2009-12-11T12:53:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Séance"/ Dirección y Guión: Mark L. Smith/ Producción: Suzanne Lyons y Kate Robbins/ Fotografía: Geoffrey Schaaf/ Montaje: Gregory Hobson/ Música: Vincent Gillioz/ Dirección Artística: Dustin Gabriner/ Efectos especiales: Richard Miranda/ Reparto: Kandis Erickson, Bridget Shergalis, Tori White, Chauntal Lewis, Brandon Smith, Jack Hunter, Emily O'Brien, Joel Geist, A.J. Lamas, Adrian Paul, Ruby Garson, Andrew Welsh, Mike Kimmel. USA, 2006. Color. 84'

Engendro que muestra bien a las claras el actual estado del género. Un pequeño y modesto batiburrillo de influencias que dan como resultado una de esas películas que uno, aunque se siente a verla con el ánimo de olvidarse de todo por un rato en compañía de los colegas, al final acaba o bien entre bostezos y viajes a la cocina a por más palomitas, o directamente pasando de la peli y hablando de cualquier otra cosa. De cualidades artísticas, ya ni hablamos.

Y eso que el inicio no pinta del todo mal. De hecho, la narración va al grano desde el primer momento. Y el planteamiento inicial casi nos retrotrae a la época dorada del slasher ochentero, con el edificio de una facultad como escenario de la acción y el consabido grupo de adolescentes como protagonista.

Eso sí, una vez da inicio la historia, enseguida nos vienen a la mente otra clase de referencias: las del terror oriental tan en boga. No en vano, "Ouija: el Ritual" no pasa de ser una tópica historia de fantasmas (con forma de niña pequeña, para más datos) que se aparece de vez en cuando para reclamar atención acerca de su muerte y las causas que la propiciaron. Por cierto, el nombre de la niña también se las trae: Cara Furia. Que vale, que sí, que es italiana. Pero de ahí a ponerle un nombre que más bien parece de caballo de carreras...

En fin, a lo que vamos: además de la niña, más fantasmas que irrumpen de repente, personajes a cual más maniqueo y patético (el jovencito con tendencias depresivas, el gamberrete salidorro...) y un claro desequilibrio entre las actitudes de los protagonistas, que al verse tan de repente sacudidos por los acontecimientos, pasan del miedo al cachondeo y viceversa sin ningún sentido. Nula progresión narrativa.

Para colmo, en cuanto al aspecto intrigante de la trama, el espectador siempre va cincuenta pasos por delante de los personajes, de ahí que uno asista al desarrollo de la historia con franca desgana. Por lo demás: sustitos recurrentes, poca sangre y menos chicha, cinematográficamente hablando.

Es cierto que no deja de ser una ópera prima y que el tal Mark L. Smith se ha revelado después como un guionista no del todo chusco ("Habitación sin salida", o el último proyecto de Joe Dante, "The Hole", aún por llegar a estos lares). Pero a tenor de lo visto aquí, uno no apostaría demasiado a que la carrera de este señor vaya a dar mucho de sí.

Por si alguien se pregunta acerca del protagonismo de la "ouija" del título en castellano que se le ha puesto a la película, pues es casi anecdótico. "Séance" (título original de la misma) es un artefacto que se desinfla a los quince minutos y no para de dar vueltas sobre sí mismo hasta desaparecer sin dejar ningún rastro y mucho menos huella en el espectador. Ni siquiera valdría gran cosa como telefilme.

"El rojo en los labios", de Harry Kümel

2009-12-10T13:29:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Les Lèvres Rouges"/ Dirección: Harry Kümel/ Guión: Pierre Drouot y H. Kümel/ Producción: Paul Collet y Henry Lange/ Fotografía: Eduard Van der Enden/ Montaje: Denis Bonan y August Verschueren/ Música: François de Roubaix/ Dirección Artística: Françoise Hardy/ Efectos especiales: Eugene Hendrickx/ Reparto: John Karlen, Delphine Seyring, Danielle Ouimet, Andrea Rau, Paul Esser, Georges Jamin, Joris Collet, Fons Rademakers. Alemania-Francia-Bélgica, 1971. Color. 99'

Cuando uno piensa en el tema vampírico aplicado al sexo femenino, instantáneamente se le vienen a la cabeza dos historias o mitos: la Carmilla de LeFanu y la célebre Elizabeth Bathory. De ambos personajes se ha escrito y filmado mucho. Pero esta película del belga Harry Kümel no es precisamente de las más conocidas, en este caso en relación a las andanzas de la Condesa Sangrienta.

Lo cierto es que se trata de una obra eminentemente modesta, con todos los tics del fantaterror europeo de los años setenta, en este caso, pasado por el tamiz de los ambientes pseudoeróticos tan en boga durante aquellos años.

De este modo, nos hallamos dentro del terreno de los mucho más conocidos Jess Franco o Jean Rollin. Los dos auténticos "fieras" de este tipo de obras.

Pero mira tú por dónde, la película de Kümel, aún sin ser nada del otro jueves, posee un acabado lo suficientemente aceptable como para dar bastantes patadas a la media de las de los aludidos. Aunque claro está, para eso tampoco haga falta ser un Robert Wise o un Mario Bava.

El escenario no puede ser más sobrio y simplista: dos jóvenes recién casados, durante su viaje de bodas, irán a parar a un hotel prácticamente vacío, situado en un neblinoso y oscuro territorio del centro de Europa. En dicho hotel, se toparán con la malvada y seductora Bathory, acompañada de su fiel criada Ilona, todo ello a pocos kilómetros de la capital donde se están produciendo desde hace años una misteriosa serie de asesinatos de jóvenes que son brutalmente desangradas.

Evidentemente, pocas sorpresas encontramos en "El rojo en los labios". Una puesta en escena aceptablemente elegante, un tono que se debate entre el misterio y el erotismo más light, con un trío de protagonistas principales, eso sí, muy bien elegidos, por su indudable belleza. En ese sentido, la Condesa interpretada por la libanesa Delphine Seyrig resulta de lo más sugestiva y tentadora. Con sus dosis justas de frialdad y de capacidad para seducir.

Por lo demás, el argumento discurre por cauces más o menos lindantes con cualquier historieta de corte softcore, con la pareja siendo seducida por la experimentada "vampira", a base de sucesivos juegos eróticos y de manipulación, hasta desembocar en un desenlace que entra de lleno en lo esperado.

El ritmo del filme es pausado y, desde luego, si uno va buscando contenidos eminentemente terroríficos, se va a quedar con las ganas. Como se ha dicho, "El rojo en los labios" es una funcional película hija de su tiempo, de las que, más que el terror en el espectador, pretendía otra clase de emociones, más de cariz lúbrico que otra cosa. A pesar de ello, Kümel demuestra no ser del todo torpe, a la hora de introducir planos de indudable buen gusto a lo largo de la narración, así como a mantener firme el cuerpo de la trama de un modo adecuado, sin que ésta desemboque en un mero desfile de tetas y culos.

En definitiva, un plato para el gusto de los aficionados al fantaterror claramente europeísta, que no británico, (ya sabemos que éste último iba más al grano) que si bien no supone ni una vuelta de tuerca, ni una muestra destacable del género, sí aporta ese cierto deleite que constituye el puro completismo.

"Parásito", de Charles Band

2009-12-09T12:13:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Parasite"/ Dirección: Charles Band/ Guión: A. Adler, F. Levering y M. Shoob/ Producción: C. Band/ Fotografía: Mac Ahlberg/ Montaje: Brad Arensman/ Música: Richard Band/ Efectos especiales: James Kagel/ Efectos visuales: Stan Winston/ Reparto: Robert Glaudini, Demi Moore, Luca Bercovici, James Davidson, Al Fann, Tom Villard, Scott Thomson, Cherie Currie, Vivian Blaine, James Cavan, Freddie Moore. USA, 1982. Color. 84'

Que los ciclos son algo que también está presente en el cine y, más concretamente, en el cine fantástico y de terror, es muy evidente. Así, del mismo modo que en los cincuenta tuvimos a "artesanos de la caspa" como William Castle o Ed Wood, también con posterioridad pudimos "disfrutar" de la capacidad (aquí no sé si poner comillas o no) de cineastas como Fred Olen Ray, David Decoteau o el que hoy nos ocupa: el incansable productor-director-guionista Charles Band.

Pues bien, esta "Parásito" es una muestra más del quehacer cinematográfico de este señor, que ha estado involucrado de un modo u otro en innumerables subproductos de las últimas décadas, de entre los cuales sagas como "Puppet Master" o "Subespecies" serían escasos ejemplos, pero lo suficientemente significativos. Ahora bien. Podría decirse que, siempre dentro de los márgenes más comprensibles de este contexto artístico, "Parásito" se trata de una de sus obras más disfrutables.

Un científico "parasitado" por su propio invento (esto es: un bicho muy feo, muy viscoso y con muchos dientes) tratará de "desparasitarse" en un entorno hostil (de cariz post-apocalíptico), no sin antes, tener que lidiar con distintas clases de amenazas, de las cuales el bicho tan sólo será una de ellas.

Y es que Band aprovecha distintas corrientes formales y argumentales de la época para pergeñar su peliculita. Empezando por la moda de los "aliens" aficionados a introducirse dentro de la gente y a salir por los sitios más insospechados, para continuar con las tramas en escenarios post-apocalípticos con bandas ultraviolentas y costrosas.

De todo ello se sirve el director, así como de la presencia de una jovencísima Demi Moore en uno de esos papeles que seguramente habrá intentado la actual Sra. Kutchner borrar una y otra vez con tippex de su particular currículum, sin éxito (el tippex no funciona con la IMDB). También anda por ahí, tras los efectos visuales, el gran Stan Winston (ironías de la vida), en el mismo año de su participación en algo tan radicalmente distanciado de "Parásito", en cuanto a calidad, como es "La cosa".

Por entre semejante mezcolanza en ocasiones hasta el propio Band parece despistarse en más de un momento, no sabiendo muy bien si le interesa más una de las vertientes del argumento, o bien la otra. Hasta que llega un punto en que el espectador se pregunta: "pero bueno, ¿y el parásito, qué?". Y es entonces cuando reaparece el bicho en cuestión, para no volver a irse hasta el final de la peli.

Total, que nos hallamos ante la enésima serie Z dirigida única y exclusivamente al degustador más consciente de (anti)delicatessen ochenteras que no sólo no pierde el tiempo en buscarle los defectos a un filme al que (por otro lado) costaría mucho más encontrarle algún acierto, sino que es perfectamente capaz de disfrutar de esta clase de productos. Hombre, la verdad es que, bien mirado, entre esto y el enésimo remake de Hollywood, pues casi que me quedo con la autenticidad del cartón piedra de Charles Band.

"La trampa de la araña", de Janet Greek

2009-09-28T12:18:00.006+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Spellbinder"/ Dirección: Janet Greek/ Guión: Tracy Tormé/ Producción: Brian Russell y Joe Wizan/ Fotografía: Adam Greenberg/ Montaje: Steve Mirkovich/ Música: Basil Poledouris/ Diseño de Producción: Rodger Maus/ Reparto: Tim Daly, Kelly Preston, Rick Rossovich, Audra Lindley, Anthony Crivello, Diana Bellamy, Cary-Hirouki Tagawa, James Watkins, Kyle T. Heffner, M.C. Gainey. USA, 1988. Color. 95'

¿Filme o telefilme? Se trata de una de esas producciones que, por su apariencia, parecen cabalgar a lomos de ambos soportes. En todo caso, se trata de una obra modesta. Y tal vez por eso, por su carencia de pretensiones de fondo, se ve con cierto agrado.

Porque lo cierto es que "La trampa de la araña" no nos ofrece nada nuevo ni llamativo, ni siquiera nada excesivamente bueno. Sin embargo, el trío de artífices femeninas del invento (Janet Greek tras la cámara, Tracy Tormé en el guión y la guapísima Kelly Preston como prota) logran construir un artefacto agradable a la vista.

Chico conoce a chica, chica es acosada por un pasado de reminiscencias satánicas y chico tratará de proteger a la chica y a sí mismo de ese pasado, cada vez más presente y más contundente.

Por lo demás, mismos esquemas que ya encontrásemos en las clásicas "El hombre de mimbre" o "La semilla del Diablo", con satanistas de la tercera edad y muy mala baba, situaciones más o menos previsibles y un desenlace que, no por menos esperado, deja de ser apreciablemente regocijante.

El sosaina Tim Daly ejerce a la perfección como "guaperas pero pánfilo" que se ve arrastrado por unos acontecimientos que no puede controlar. Y la galería de secundarios, con rostros bastante anónimos, pero con indudable gancho, como Audra Lindley (suya es una de las secuencias más conseguidas de la peli) conforman un elenco igualmente efectivo para el filme.

No encontraremos en "La trampa de la araña" efectos especiales de impactante factura, o sanguinolencia más o menos llamativa. Se trata más bien de dejarse llevar por la narración con la misma indolencia y el mismo afán de entretenimiento con que uno se enfrenta a un pequeño pero distraído relato de terror. De esos que no te cambian la vida, pero que te hacen pasar un rato agradable.

En tiempos en los que el efectismo y la ausencia total de imaginación dentro del género lo son casi todo, casi se agradecen productos como éste, en los que prima lo narrativo por encima de todo lo demás.

Es más, si en lugar de estar hablando de un largo de finales de los ochenta, lo estuviésemos haciendo de un telefilme de los setenta, seguramente podríamos llegar a situar la película de Janet Greek a un nivel similar al de los "clásicos" de la pequeña pantalla estadounidense de cineastas como Curtis Harrington.

"Elsewhere", de Nathan Hope

2009-07-15T12:51:00.005+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Elsewhere"/ Dirección y Guión: Nathan Hope/ Producción: Elaine Ehrlich, Vince Palomino y Teresa Sales/ Fotografía: Mike Karasick/ Montaje: Greg Tilman/ Dirección Artística: Caroline Foellmer/ Reparto: Anna Kendrick, Paul Wesley, Tania Raymonde, Chuck Carter, Olivia Dawn York, Jeffrey Daniel Phillips, Shannon Holt, Kinna McInroe, Jon Gries. USA, 2009. Color. 106'

Desde luego, los hay valientes. Valientes que habiéndose dedicado básicamente a ser directores de fotografía, de repente tengan los arrestos no sólo como para dirigir una peli, sino también para escribir el guión. Es el caso de Nathan Hope, el autor y director de este filme.

Y bueno, en principio no tendría que haber mayor problema en ello. Eso sí, que luego, una vez visto el resultado final, precisamente lo que más brille sea la fotografía y lo que menos la dirección y el guión... pues no resulta sorprendente.

En "Elsewhere" encontramos básicamente un thriller. Un thriller que casi podríamos denominar "coyuntural". Y como no podía ser de otra forma, viniendo de donde viene, con un trasfondo (en cuanto a mensaje) de lo más rancio y conservador. A ver sino, cómo se puede interpretar el argumento que se nos narra aquí: una joven casquivana y aburrida de su vida monótona y de un entorno hostil ante sus "ansias de libertad", se lanza a la aventura con desconocidos con los que contacta a través de internet, para desaparecer del mapa, con la consiguiente preocupación (e investigación de su rastro) por parte de su mejor (y única) amiga.

¿Qué cabe interpretar? ¿Que la chica se tenía merecido lo que le pasase, por ser un pelín "putón"? Pues hombre, tampoco es eso. Y es que Nathan Hope no rehúye introducir elementos de carácter sociológico en su historia, con ese (superficial, todo sea dicho) retrato de las pequeñas comunidades, de las que no conviene destacar o diferenciarse, so pena de acabar mal. Más que no rehuírlo, podría decirse que se empeña en ello. Y seguramente ahí es donde la peli naufraga en mayor medida.

En todo caso, lecturas rancias aparte, "Elsewhere" es previsible y bastante vulgar. Ya no en términos de calidad, sino como simple entretenimiento. Ni la puesta en escena, aceptablemente elegante, consigue enmascarar la vulgaridad de la propuesta, con sospechosos a cual más plano y una intriga que a la media hora de iniciarse, ya ha perdido fuelle. Desde luego, no estamos hablando de "Twin Peaks II".

Si de llamar la atención sobre los peligros de internet se trata, desde luego debe haber medios menos tremendistas y maniqueos para hacerlo. Porque al fin y al cabo, perturbados y víctimas más o menos potenciales los ha habido siempre, desde mucho antes de los móviles, los messengers y las redes sociales. Así que dudo mucho que la juventud americana se vaya a ver de ningún modo identificada con este thriller con ínfulas sociales, cuyo destino natural es el mercado videográfico, directamente y sin pasar por la taquilla de los cines.

"The Haunting in Connecticut", de Peter Cornwell

2009-07-13T13:10:00.003+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "The Haunting in Connecticut"/ Dirección: Peter Cornwell/ Guión: Adam Simon y Tim Metcalfe/ Producción: Scott Niemeyer, Norm Waitt y Steve Whitney/ Fotografía: Adam Swica/ Montaje: Tom Elkins/ Música: Robert J. Kral/ Efectos Especiales: Tim Storvick/ Reparto: Virginia Madsen, Kyle Gallner, Elias Koteas, Amanda Crew, Martin Donovan, Sophi Knight, Ty Wood, Erik J. Berg, John Bluethner, D. W. Brown, John B. Lowe, Adriana O'Neil. USA, 2009. Color. 102'

Pelis de casas encantadas. Se han hecho muchas, pero pocas que valgan realmente la pena. En cualquier caso, es uno de esos temas socorridos y que bien llevados pueden dar lugar a filmes entretenidos.

Eso es a la postre "The Haunting in Connecticut". Una obra con todos y cada uno de los tics habituales de esta clase de historias, pero resuelta con la suficiente solvencia como para no dejar un mal sabor de boca.

Tiene sus momentos y además un reparto atractivo, compuesto por rostros conocidos y fiables, como los de Martin Donovan, Virginia Madsen o Elias Koteas. Actores que casi nunca se suelen tener en cuenta, a la hora de confeccionar esas listas de "preferidos" por el público, pero que siempre aseguran un mínimo de buen tono a la peli.

Una familia se traslada a una vivienda aislada, que años atrás había sido una funeraria (nada menos). El hijo mayor, un joven aquejado de una enfermedad terminal, será el primero en experimentar los fenómenos terroríficos que tienen lugar en la casa. Fenómenos que se irán incrementando, hasta dejar al descubierto su oscuro origen.

Peter Cornwell no rehúye sustos fáciles y todo recurso imaginable, a fin de hacer brincar al espectador en su asiento. Lo cual puede llegar a resultar irritante, desde luego, pero al fin y al cabo, el terror contemporáneo casi parece irremediablemente arrastrado a esa clase de expresiones formales. Los directores se empeñan en asustar al espectador antes que a los propios personajes del filme, con lo que eso tiene de efectivo a corto plazo, pero de distanciador a la larga.

Afortunadamente, el filme está bien narrado y carece de baches en cuanto a ritmo. En ese sentido, todo lo que tiene de previsible y exageradamente efectista, lo tiene también de correcto.

El aspecto visual está bien trabajado, con pasajes terroríficos llenos de "sustancia" y secuencias tan sugerentes como ésa en la que una aparentemente inocua bendición de los alimentos se acaba convirtiendo en una improvisada sesión de espiritismo.

Luego está el factor "basado en hechos reales", que siempre otorga un plus de interés. Aunque, en realidad, todo lo que sucede en la peli es tan puramente cinematográfico, que no existe un elemento diferenciador con respecto a cualquier obra similar que sea enteramente ficticia. Tal vez el dato de la enfermedad del protagonista, que supone un acicate dramático. Pero poco más. Todo el resto de lo que se cuenta, lo hemos visto cientos de veces.

Así pues, "The Haunting in Connecticut" es un producto aceptable, que se puede disfrutar sin problemas. Y aunque no supondrá ninguna vuelta de tuerca al género, sí presenta el aliciente de adscribirse a un terror sobrenatural que hoy en día parece estar arrinconado, en detrimento de productos con otro tipo de ingredientes más propios del "horror" que del "terror", que parece lo mismo, pero que no lo es.

"The Chasing World", de Issei Shibata

2009-07-12T12:46:00.005+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Riaru Onigokko"/ Dirección y Guión: Issei Ishibata, basado en la novela de Yusuke Yamada/ Producción: Toshiaki Nakazawa/ Fotografía: Shin Hasayaka/ Música: Taro Iwashiro/ Diseño de producción: Hayato Oba/ Efectos Especiales: Issei Oda/ Reparto: Takuya Ishida, Mitsuki Tanimura, Shunsuke Daito, Rio Matsumoto, Mitsuru Fukikoshi, Akira Emoto, Suzunosuke. Japón, 2008. Color. 99'

Reciente producción japonesa que mezcla distintos géneros (algo habitual dentro de la cinematografía oriental) pero en la cual predomina la narración de ciencia ficción, a partir de uno de esos esquemas argumentales deudores de historias como "La fuga de Logan" y demás tramas centradas en sistemas totalitarios que persiguen y castigan a quienes se salen de las normas.

En este caso, las potenciales víctimas lo son no por culpa de su edad o de su condición social, sino por su apellido. El capricho de los emperadores totalitarios, es lo que tiene.

A partir de esa premisa, persecuciones a todo correr por la ciudad, grupos que se unen para hacer frente a la amenaza, universos paralelos que irrumpen de repente en la historia, etc.

Por desgracia, un punto de partida aceptablemente atractivo, se revela insuficiente para sostener toda la película. Así, cuando llevamos una hora de metraje, la fórmula parece haberse agotado por completo. Con lo que la acción se torna repetitiva y se alarga de un modo tan artificioso como ineficaz. Hasta acabar en un desenlace que busca provocar la emoción, pero como en ese punto el espectador ya está bastante harto de ver lo mismo una y otra vez, se emociona más bien poco.

Indudablemente, hay ideas que funcionan a las mil maravillas en según qué soportes. Por ejemplo, no cuesta nada imaginar "The Chasing World" como un excelente anime, o un manga harto interesante y entretenido. Sin embargo, esa idea que a priori tiene fuerza y potencial, en el cine, debe ir acompañada de mayores elementos de interés. O se vuelve repetitiva, al agotarse al poco rato. Que es lo que tenemos aquí, al fin y al cabo. Una idea central atractiva, que no da más de sí.

Por lo demás, nada nuevo nos ofrece Issei Shibata en ésta, su segunda película. Un artefacto que se ve y se olvida al momento, mal aprovechado y con grandes desequilibrios, tanto de forma como de fondo, que ésa es otra. Los momentos pretendidamente dramáticos no encajan bien con el aspecto hiperviolento que se muestra en algunos pasajes, con lo que el filme se queda a medio camino entre un divertimento y algo con mayor enjundia.

En todo caso, si uno no le hace ascos a la comida rápida (aunque sea a la japonesa), tampoco estamos ante una obra muy por debajo de los blockbusters americanos. Eso sí, nada que ver con otras muestras paralelas con las cuales "The Chasing World" podría parecer emparentada (por aquello del "rollete survival"), como "Battle Royale" o "Death Note". Estas últimas están muy por encima, en todos los aspectos.

"The Slaughter", de Jay Lee

2009-07-11T12:49:00.005+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "The Slaughter"/ Dirección y Guión: Jay Lee/ Producción: Calvin Green, Judy Marcelline y Michael J. Zampino/ Fotografía: Jay Lee/ Montaje: Jay Lee/ Música: Chauncey Lee/ Efectos Especiales: Abbey Lee Domenico/ Reparto: Jessica Custodio, Zak Kilberg, Terry Erioski, Laura Bach, Travis Wood, Jen Alex González, Brad Milne, Billy Peck, Adriana Esquivel, Carmit Levité. USA, 2006. Color. 95'

Cuando de una película de terror lo más destacado que se puede decir es que lo mejor son los títulos de crédito, mal asunto. Pero lo cierto es que es así. Unos títulos en los que unas señoritas de buen ver y ligeras de ropa entonan aquella bonita letanía de: "Cthulhu, F'thang Rlyeh" (que todos los admiradores de la literatura de Lovecraft nos sabemos de memoria), mientras evolucionan y se contonean en un escenario (digitalmente) tenebroso. En el caso de esta gamberrada con gore digital y tal, escasos aspectos más cabría subrayar.

Diremos que empieza con una tragedia familiar que da origen a la maldición de una casa, a la que años después llega un grupo de jóvenes con ganas de divertirse. Ni que decir tiene, los inmateriales habitantes del lugar también buscarán divertirse (a su peculiar modo, eso sí). Como se puede ver, un argumento "rabiosamente" original.

De cualquier modo, como Jay Lee, director y guionista del invento, (además de montador, director de fotografía, etc.) no tiene ningún reparo en mezclar a fantasmas y a zombies, pues uno puede hacerse una idea aproximada de la falta de rigor artístico que "The Slaughter" nos ofrece, al menos como título de terror "serio".

Ahora bien, ¿funciona como comedia, por lo menos? Pues casi que tampoco. Si la idea que tiene Jay Lee de diálogos cómicos es la que nos muestra aquí, vamos a tener que dudar de su capacidad. No estamos hablando precisamente de los diálogos de I.A.L. Diamond y Billy Wilder, para entendernos. Frases del estilo: "¿pero eso es un zombie antiguo, o es un zombie moderno, porque los modernos son mucho más chungos de matar?" pueden dar una idea de lo que se puede encontrar.

Eso no quita para que, como gamberrada pura y dura, la peli tenga sus momentos. Pocos, pero alguno que otro. Lo que ocurre es que ni siquiera queda claro el verdadero propósito de Lee. Porque algunos de los pasajes del filme están planificados enteramente para asustar. Sin embargo, en el momento más inoportuno, aparece el "gag" chusco de rigor, que elimina por completo cualquier atisbo de tensión. En ese aspecto, desequilibrio total y absoluto.

Del apartado interpretativo, no hace falta ni hablar. Actores muy monos y muy monas, pero tirando a espantosos y espantosas. Lo mismo puede decirse de los efectos especiales. Por un lado tenemos el gore digital, chapucero a más no poder. Y por otro los efectos más artesanales, igual de chapuceros o más. Ahora bien, si nos conformamos con higadillos y colores rojos saturados, igual no quedamos del todo insatisfechos.

Verdaderamente, no puede decirse de "The Slaughter" que escape de las habituales convenciones de esta clase de artefactos. Filmes hechos por frikis y para frikis, lo cual no tiene nada de malo. Salvo que los primeros (los que hacen la peli) carecen del más mínimo talento. Y es que nada de negativo tiene tener que desenvolverse con pocos medios, o disponer de un presupuesto limitado. Incluso en querer mezclar la comedia gamberra y el terror y el gore (ahí están los primeros trabajos de Peter Jackson o Sam Raimi, para atestiguarlo). Lo que ocurre es que el tal Jay Lee está a años luz de los mencionados, en todos los aspectos. Eso sí. Para meter a toda la familia en la producción de la peli, para eso tiene talento sobrado.

"Plaga final", de Regis Wargnier

2009-07-10T13:25:00.003+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Pars Vite et Reviens Tard"/ Dirección: Régis Wargnier/ Guión: Ariane Fert, Harriet Marin, Julien Rappeneau, Lawrence Shore, Fred Vargas y R. Wargnier/ Producción: Cyril Colbeau-Justin y Jean Baptiste-Dupont/ Fotografía: Laurent Daillant/ Montaje: Yann Malcor/ Música: Patrick Doyle/ Efectos Especiales: Philippe Hubin/ Reparto: José García, Lucas Belvaux, Marie Gillain, Olivier Gourmet, Nicolas Cazalé, Linh Dan Pham, Michel Serrault, Nadine Alari, Sophie Aubry, Felicité N'Gijol, Jean-Gilles Barbier. Francia, 2007. Color. 110'

Más que un filme de terror, esta película de Wargnier (director de obras como "Indochina") viene a ser uno de esos thrillers con toques terroríficos que tan de moda se pusieron a partir de la segunda mitad de los noventa. Una moda que en Francia ya había dado muestras como "Los ríos de color púrpura", con Jean Reno. Y ahora esta "Plaga final", protagonizada por otro de esos actores hieráticos y duros, de ascendencia española, además: José García.

Tras un inicio en el que nos parece estar ante una de esas historias de tintes catastrofistas sobre infecciones mortales que se extienden, a partir de un cierto momento, la narración evoluciona de un modo casi descarado hacia lo que podríamos denominar un "folletín" de los de toda la vida, máxime cuando se trata de una producción francesa.

Un folletín en el que no faltan los villanos vengativos y desesperados, las persecuciones por los tejados y demás ingredientes habituales de este tipo de historias. Eso sí, trasladado a la actualidad.

José García interpreta al flemático policía que investiga diferentes muertes, aparentemente producidas por la peste, pero tras las que parece hallarse una sombra de trágica venganza. Y lo hace con esa frialdad típica de los clásicos prototipos galos, los Trintignant, Delon, etc. Una frialdad en ocasiones rayana en la inexpresividad, pero que al fin y al cabo refleja el carácter del personaje.

Wargnier imprime un ritmo muy vivo a la cinta, consiguiendo que el interés de la historia no decaiga, a pesar de que la evolución que sigue la trama contradiga lo que parecía ser una prometedora Serie A, para acabar en los mencionados terrenos de lo folletinesco. Con un desenlace, además, ciertamente descafeinado (sin duda, lo peor de la peli).

En todo caso, el interés del filme radica sobretodo en su carácter de entretenimiento eficaz. Con diálogos ágiles y un buen manejo del tiempo narrativo. Asimismo, también podemos disfrutar con la presencia de uno de esos rostros auténticamente clásicos de la cinematografía gala, como es el de Michel Serrault.

De cualquier forma, dista mucho de ser una de esas pelis que permanecen mucho tiempo en el recuerdo, una vez vistas. Es posible que si algo destacable ofrece, sea ese empeño en la puesta al día de los esquemas del folletín decimonónico, en el ámbito de un entorno actual y distinto al de los viejos escenarios del pasado. Al menos en ese sentido, merece un visionado.

"Veneno para las hadas", de Carlos Enrique Taboada

2009-07-08T12:15:00.004+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Veneno para las hadas"/ Dirección y Guión: Carlos Enrique Taboada/ Producción: Héctor López/ Fotografía: Lupe García/ Montaje: Carlos Savage/ Música: Carlos Jiménez Mabarak/ Efectos Especiales: J. Guadalupe Aguilar/ Reparto: Ana Patricia Rojo, Elsa María Gutiérrez, Leonor Llausás, Carmen Stein, María Santander, Ernesto Schwartz, Rocío Lazcano. México, 1984. Color. 89'

El tema de los niños (o niñas) malignos no es nuevo, todo lo contrario. Es más bien un argumento recurrente, dentro de las historias de terror. Pero indudablemente, es un tema efectivo, de esos planteamientos que a lo largo de los años, tanto en cine como en literatura, han proporcionado numerosas creaciones interesantes.

El mexicano Carlos Enrique Taboada lo introdujo de manera muy acertada, en ésta, una de sus últimas películas.

Las protagonistas prácticamente absolutas del filme son Flavia y Verónica, dos niñas angelicales (rubia una y morena la otra) que, con sus juegos perversos, desencadenarán toda clase de acontecimientos turbios.

Evidentemente, poco o nada de novedoso presenta "Veneno para las hadas". Pero si algo merece destacarse sobremanera es el contundente punto de vista a través del cual está contada. Habitualmente, en esta clase de narraciones, asistimos a los actos malignos de los (presuntos) tiernos infantes a través de los ojos de los adultos. Sin embargo, en este caso, los mayores son meras figuras decorativas, tanto en el contenido de la propia trama, como en el modo en que el director nos los presenta. Salvo cuando es indispensable, ni siquiera se nos muestra los rostros de dichos adultos.

Ello hace que el espectador se sienta mucho más implicado en la perversa relación que se establece entre las dos chiquillas, siendo este otro de los puntos de mayor interés del filme. Por lo demás, la película está desarrollada y planificada de un modo sosegado y clasicista, muy elegante.

Tampoco hay un exceso de truculencia, todo lo contrario. Narrativamente, todo parece desarrollarse de un modo inocente y casual. Lo cual puede conducir a que quienes busquen efectos a mansalva, o sanguinolencia generosa, se pueden llegar a sentir defraudados.

Sin embargo, no es nuevo o sorprendente el hecho de que el cine de Taboada siempre se ha caracterizado por un gran apego a los clásicos. Algo palpable en obras tan destacadas como "Hasta el viento tiene miedo" o "El libro de piedra". En ese sentido, "Veneno para las hadas" no se aparta de dicho camino.

Un filme por lo tanto recomendable para los seguidores del terror de habla hispana, con una buena base tanto formal como argumental. Sin ser lo mejor de su director (las dos obras anteriormente citadas estarían algo por encima), si es una película con los suficientes atractivos como para proporcionar hora y media de indudable entretenimiento.

"Una fría noche de muerte", de Jerrold Freedman

2009-07-07T12:52:00.003+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "A Cold Night's Death"/ Dirección: Jerrold Freedman/ Guión: Christopher Knopf/ Producción: Paul Junger Witt/ Fotografía: Leonard J. South/ Montaje: David Berlatsky/ Música: Gil Melle/ Dirección Artística: Rolland M. Brooks/ Reparto: Robert Culp, Eli Wallach y Michael C. Gwynne. USA, 1973. Color. 75'

Ya se ha hablado por aquí en repetidas ocasiones de lo mucho que compensaba hace años sentarte delante del televisor a ver un telefilme americano. A diferencia de ahora, en que ese mercado está básicamente integrado por subproductos marujiles de ínfimo nivel, a lo largo de los años setenta, nos llegó toda una serie de modestas pero efectivas muestras del género concebidas para la pequeña pantalla.

Mientras últimamente las cadenas televisivas yanquis parecen especialmente dedicadas al formato de las series, en aquella época no era nada raro encontrar largometrajes no sólo disfrutables, sino incluso magistrales, bastantes de ellos.

"Una fría noche de muerte", en todo caso, no sería un ejemplo de estos últimos. Sí, por contra, cabría incluirlo en el grupo de los telefilmes modestos. Diseñado para ser disfrutado sin demasiadas pretensiones, pero hecho con dedicación y ganas.

Se trata de una de esas historias de género (mezcla de terror y CF) que buscan situar al espectador en un contexto claustrofóbico, haciéndole partícipe de la angustia de los personajes. En este caso, sólo dos. Eso sí, interpretados por dos rostros tan conocidos como los de Robert Culp (un auténtico icono de la televisión estadounidense) y el gran y entrañable Eli Wallach.

Ambos interpretan a dos científicos que son enviados a una aislada base de experimentación animal, en la cual serán asediados por un peligro no identificable con facilidad. Dicha situación se irá agudizando, hasta poner de manifiesto sus propios miedos interiores, así como su rivalidad.

En favor de la peli, hay que citar obligatoriamente el arrojo de su misma concepción. Se trata de una obra sin efectos ni sangre. Todo el peso narrativo recae en las interpretaciones de los dos actores, así como en la creciente sensación de que algo ominoso se cierne sobre ellos. Algo que se acerca cada vez más, pero no termina de manifestarse.

Es posible que el empeño sea excesivo, en el sentido de que pasado el ecuador del metraje, se note un cierto cansancio, una vez el espectador ya se ha formado su propia teoría, mientras los personajes parecen no darse cuenta de la verdadera naturaleza de lo que les amenaza. Desde ese punto hasta el desenlace, la narración se hace algo pesada.

En todo caso, siempre se puede uno concentrar en las interpretaciones, que son estupendas. Al mismo tiempo, hay que tener muy claro que nos hallamos ante una obra modesta y que no pretende nada más que otorgarnos hora y pico de entretenimiento e intriga. Para expectativas más ambiciosas, ya están "Alien", "La Cosa", o cualquiera de esas historias de parecidos mimbres argumentales, pero mucho más lujosas en todos los aspectos.

"Eden Lake", de James Watkins

2009-07-06T11:32:00.003+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Eden Lake"/ Dirección y Guión: James Watkins/ Producción: Christian Colson y Richard Holmes/ Fotografía: Christopher Ross/ Montaje: Jon Harris/ Música: David Julyan/ Efectos Especiales: John Rafique/ Reparto: Kelly Reilly, Michael Fassbender, Tara Ellis, Jack O'Connell, Finn Atkins, Jumayn Hunter, Thomas Turgoose, James Burrows, Thomas Gill, Lorraine Bruce, Shaun Dooley, James Gandhi, Bronson Webb, Lorraine Stanley. Gran Bretaña, 2008. Color. 87'

De entre toda la inmensa caterva de productos clónicos inspirados en "Hostel", que por otro lado, como cualquier aficionado al splatter setentero sabe, no tenía nada de original en realidad, es muy posible que "Eden Lake" sea una de las muestras más apreciables. Aunque en este caso, seguramente el referente más acertado sea la cada vez más reivindicada "Deliverance", de John Boorman.

El joven James Watkins dirige el filme con buen pulso, sin salirse un ápice de los esquemas tradicionales asociados a esta clase de historias: pareja joven ilusionada y modosita que llega a un lugar aparentemente tranquilo e idílico, para verse, sin comerlo ni beberlo, atacada por un grupo de descerebrados violentos que harán con ellos las mil y una guarradas.

En ese sentido, el argumento pocas novedades presenta. Pero cuidado. Estamos ante un filme británico. Y del mismo modo que las pelis americanas se caracterizan por presentarnos personajes y situaciones absolutamente planos, (siempre hablando en general), con el único interés de epatar a toda costa, si nos referimos al "modo de hacer" a la inglesa, en casi cualquier género, encontraremos un exquisito cuidado a la hora de construir todo lo que se nos cuenta con una base realista y creíble.

Eso es lo que otorga a "Eden Lake" el carácter más estimable y destacado, sobre toda la inmensa gama de narraciones clónicas que nos han bombardeado los últimos tiempos. Y es que en algunos momentos, ese grupo de adolescentes odiosos y violentos, parecen casi salidos de una obra de Ken Loach. De ahí que el impacto y la violencia que transmiten al espectador sean muchísimo más consistentes de lo habitual. Y con ello, la identificación con los protagonistas, especialmente la chica, que es la que lleva el peso dramático de la trama, (excelente Kelly Reilly).

Por otro lado, Watkins tampoco escatima hemoglobina y brutalidad, salpicando convenientemente una buena planificación de momentos altamente efectivos, dentro de un conjunto tan previsible como bien llevado. Y es que muchas veces, aunque uno se encuentre exactamente (o muy aproximadamente) con lo que espera, dicha falta de sorpresa se ve compensada por el buen acabado y una férrea factura.

Además, si a todo lo anteriormente reseñado, se le añade un final convenientemente ambiguo y hasta perturbador (el último plano es magnífico) no podemos evitar sentir un innegable deleite tras hora y media escasa de tensión continuada, que se pasa en un suspiro.

En definitiva, "Eden Lake" no es nada que no hayamos visto un montón de veces. Es más, si uno es especialmente exigente, probablemente encuentre las alabanzas que se le han dedicado a la peli muy exageradas. Pero si a ese alguien se le pide que extraiga los verdaderos defectos del filme, tanto formales como de fondo, es muy posible que se vea en apuros. Por eso mismo Watkins (¿el próximo Neil Marshall?)sale triunfante del empeño. Porque su creación, sin ser innovadora, ni siquiera fresca, es consistente. Y eso, en los tiempos que corren, es bastante.

Por cierto, y comparando a los personajes de "Eden Lake" con los de "Deliverance". ¿Realmente son tan distintos aquellos "nerds" de la América profunda de los setenta, con los adolescentes violentos (y sus familias) de nuestro extrarradio europeo de pleno siglo XXI? He aquí otro motivo para el escalofrío que la película de Watkins nos da.

"El Ser", de Sebastián D'Arbó

2009-07-02T11:57:00.003+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "El Ser"/ Dirección: Sebastián D'Arbó/ Guión: Luis Murillo y S. D'Arbó/ Producción: S. D'Arbó/ Fotografía: Juan Gelpí/ Montaje: José María Aragonés/ Música: Ricardo Reguero/ Dirección Artística: Julio Muñoz/ Reparto: Mercedes Sampietro, Narciso Ibáñez Menta, Ramiro Oliveros, Daniel Arbonés, Jordi Serrat, Víctor Israel, Alfred Luchetti, Josep María Angelat. España, 1982. Color. 98'

Y seguimos sin salirnos de la "piel de toro". En esta ocasión, para hablar de uno de los escasos filmes dirigidos por el conocido divulgador de lo paranormal, Sebastián D'Arbó. Seguramente el más conseguido, a nivel cinematográfico.

A pesar de la similitud del título con aquella célebre cinta de Sidney J. Furie protagonizada por Barbara Hershey ("El Ente") las concomitancias son escasas, por no decir, casi inexistentes. Tienen en común únicamente el estar separadas por un escaso espacio de tiempo (la de Furie es del 81 y la de D'Arbó de un año después) y la presencia de elementos de terror paranormal, como núcleo temático principal.

En la que nos ocupa también encontramos a una protagonista femenina que se ve sumida en toda clase de peripecias terroríficas, desencadenadas a partir de la muerte de su marido en un accidente de avión. Una protagonista, por cierto, magníficamente encarnada por Mercedes Sampietro, en una de sus pocas aproximaciones al cine de género fantástico y que es, sin duda, uno de los puntales fundamentales de la peli. La acompaña lo más granado del entrañable elenco de secundarios habituales del cine, la televisión y el teatro de Cataluña: Víctor Israel, Alfred Luchetti, Josep María Angelat...

D'Arbó (y su guión, co-escrito por Luis Murillo) se las ingenian para introducir diferentes cuestiones en cuanto a fenomenología paranormal, desde los poltergeist, hasta la posesión espiritual. Y lo hace de un modo francamente hábil, sabiendo también situar a la protagonista en un contexto anímico e incluso social muy determinado. En ese sentido, no se puede negar la validez de la propuesta, resuelta con una factura muy aparente. A ello también contribuye la aparición, en un momento dado, de uno de los iconos del terror hispano, como es Narciso Ibáñez Menta, en uno de esos papeles que tan bien sabía desarrollar.

De todos modos, existe en la película una cierta descompensación en cuanto a ritmo. Mientras la primera mitad se pasa en un suspiro y nos presenta una evolución dramática de lo más interesante, llega un momento en que la narración parece estancarse, en espera de un desenlace tan correcto como, por otro lado, previsible. Es posible que a ese estancamiento contribuya el hecho de otorgar a algunas fases de la historia un carácter casi divulgativo, en cuanto a describir la posible naturaleza de lo que estamos viendo.

Con todo, lo que más llama la atención de "El Ser" es el buen tono cinematográfico que posee. Más allá de su efectividad como obra de género (que la tiene, aún dentro de su modestia) está rodada con innegable gusto, mostrando un acabado artístico que no es del todo habitual en una cinematografía de terror, como la hispana, en la que habitualmente los cineastas han parecido casi siempre más pendientes de lo que contaban que de cómo lo contaban. En cambio, la puesta en escena y la planificación de "El Ser" son de un nivel más que aceptable.

En ese aspecto, produce cierta lástima que D'Arbó abandonase su carrera como director, ya que da la sensación de que con los años podía haber llegado a consolidar muy mucho su capacidad. Y aunque "El Ser" tan sólo fuese su segundo filme y tras él viniesen tres más, casi siempre por razones presupuestarias o de producción que limitaron su libertad como creador, no tuvo la suerte que con toda seguridad merecía, a tenor de lo apuntado aquí.

"Estigma", de José Ramón Larraz

2009-06-29T11:48:00.003+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Estigma"/ Dirección y Guión: José Ramón Larraz/ Fotografía: Giuseppe Bernardini/ Montaje: Sergio Montanari/ Música: Daniele Patucchi/ Reparto: Christian Borromeo, Alexandra Bastedo, Emilio Gutiérrez Caba, Berta Singerman, Craig Hill, Massimo Serato, Virginie Blavier, Antonio Molino Rojo, Annabella Incontrera, Helga Liné, Irene Gutiérrez Caba. España-Italia, 1980. Color. 91'

Cualquier buen aficionado al cine de terror facturado en España conoce sobradamente a este cineasta. Un director que, independientemente de la calidad de sus creaciones, siempre ha permanecido fiel al género, aunque circunstancialmente haya abordando algún otro a lo largo y ancho de una filmografía que se iniciase y tuviese su mayor fecundidad en la década de los setenta.

Y es precisamente en el tránsito de dicha década a la siguiente, cuando Larraz dirige una de sus mejores obras, esta "Estigma", protagonizada por los desconocidos Christian Borromeo y Berta Singerman, bien pertrechados, eso sí, por rostros mucho más célebres, como los de Emilio e Irene Gutiérrez Caba, Craig Hill o Helga Liné (una de las musas del cineasta barcelonés).

El filme nos narra los avatares de un joven de buena familia, que parece aquejado por misteriosas dolencias de carácter espiritual, que se manifiestan en poderes adivinatorios, perniciosas influencias por parte personas ya muertas o capacidad para provocar la muerte a los que odia. Para acabarlo de rematar, la relación que mantiene con su madre, no puede decirse que sea demasiado sana.

La película mantiene en todo momento un ritmo pausado, pero sin llegar a caer en la monotonía. En ese sentido, Larraz consigue transmitir con cierta habilidad el nivel de desconcierto y de turbiedad inherentes al personaje principal, ya sea a través de la visión que los demás tienen de él, o desde la propia psique del individuo, cada vez más dañada por visiones macabras de toda índole. Todo ello hasta el punto de situarlo en una posición ambigua, sin llegar a aclarar del todo si es un personaje malvado de por sí, o acaso una víctima de sí mismo y de las extrañas circunstancias que le rodean.

El nivel interpretativo es irregular, siendo precisamente el del protagonista uno de los más limitados. Bastante mejor los secundarios. Por contra, hay un muy buen aprovechamiento de escenarios y situaciones, con una (esta vez) mesurada presencia de elementos eróticos, que es algo que en otros filmes del director acababa superponiéndose a las propias tramas terroríficas (véase el caso de la conocida y polémica "Los ritos sexuales del Diablo", por ejemplo).

En todo caso, es de agradecer la valiosa apuesta por el terror sobrenatural bien planteada y desarrollada. En ese sentido, aunque tampoco quepa hablar de un título abanderado del género en nuestro país, "Estigma" sí merece ocupar uno de los lugares más altos dentro de la carrera de Larraz y un aprobado alto, en el espectro de obras que conforman el fantaterror hispano. Si a ello se añade el hecho de que no es una película demasiado difundida, se justifica sobradamente la recomendación de verla.

"Extraños", de David Michael Hillman

2009-05-19T13:03:00.004+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "The Strangeness"/ Dirección: David Michael Hillman/ Guión: Chris Huntley y D.M. Hillman/ Producción: Mark Sawiki, C. Huntley y D.M. Hillman/ Fotografía: Stephen Greenfield y Kevin O'Brien/ Montaje: Andrew Rodney y D.M. Hillman/ Música: C. Huntley y D.M. Hillman/ Efectos Visuales: C. Huntley y M. Sawicki/ Reparto: Dan Lunham, Terri Berland, Rolf Theison, Keith Hurt, Mark Sawicki, Chris Huntley, Diane Borcyckowski, Robin Sortman, Arlene Bruchmann. USA, 1985. Color. 87'

Parece mentira lo que da de sí una década. Y es que los años ochenta son algo así como el pozo sin fondo del género de terror en el cine americano. Seguramente tiene mucho que ver el hecho de tratarse del género más popular entre la clientela de los vídeoclubs. Y si una década supuso la eclosión de esos establecimientos, fue precisamente ésa: los años ochenta.

Así que aquí tenemos la enésima muestra de producto concebido para el consumo de los fans más acérrimos. Uno de esos pequeños y olvidados filmes que hoy se ven con una mezcla entre ternura y perplejidad. Ternura por lo nostálgicos que son para muchos de nosotros, y perplejidad por comprobar hasta qué punto lo que entonces parecía atractivo y moderno, veintitantos años después nos parece el colmo de la ingenuidad y de lo "kitsch".

En "Extraños" encontramos una de esas historias pretendidamente claustrofóbicas, cuya acción transcurre en el interior de unas opresivas cuevas y en cuyas entrañas habita una repulsiva entidad con hambre atrasada y muchas ganas de jugar. Las víctimas propiciatorias, serán los miembros de una expedición compuesta por diferentes individuos, todos ellos prototípicos (el cachas, la maciza, el perverso...) las motivaciones de algunos de los cuales son más que discutibles. En cualquier caso, como el bicho no hace distinciones, intentará zampárselos a todos por igual.

Un monstruo tirando a cutre, con simpáticas reminiscencias "lovecraftianas", eso sí (aunque sólo sea por lo bulboso y tentacular) pero que, desde luego, no merece pasar a la historia de las criaturas definitivas, dentro del género. Casi lo mismo puede decirse de los intérpretes, mediocres y desconocidos todos ellos. En realidad, se trata de uno de esos productos hechos por un grupete de amigos que se reparten las diferentes tareas.

En todo caso, la película discurre a un ritmo ciertamente moroso. No hay intensidad de ninguna clase. Y especialmente el último tramo está dirigido de un modo torpe y deslavazado, sin diálogos ni hilazón dramática entre secuencias, mostrando un tono totalmente amateur, con los personajes corriendo de un lado para otro y la entidad fungosa moviéndose en "stop motion", cual criatura prehistórica de Harryhausen.

En definitiva, uno de esos subproductos tan sólo indicados para muy estudiosos del fantástico, o para muy nostálgicos de otras épocas. Que no teman enfrentarse a su pasado de adolescentes palomiteros capaces de disfrutar casi con cualquier cosa y hasta sientan cierto regocijo con ello (como un servidor). Por cierto, de David Michael Hillman, el director del filme (además de guionista, compositor, productor, montador...), nunca más se supo. Desde luego, como director, no demostró tener demasiado futuro. Para todo lo demás... tampoco.

"Ojos de cristal", de Eros Puglielli

2009-05-15T12:49:00.004+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Occhi di Cristallo"/ Dirección: Eros Puglielli/ Guión: Gabriella Blasi, Luca Di Fulvio, Franco Ferrini y E. Puglielli/ Producción: Marco Chimenz, Giovanni Stabilini y Ricardo Tozzi/ Fotografía: Luca Coassin/ Montaje: Mauro Bonanni/ Música: Francesc Gener/ Efectos Visuales: Gaia Bussolati y Francesco Grisi/ Reparto: Luigi Lo Cascio, Lucía Jiménez, Desislava Tenekedjieva, Simón Andreu, José Ángel Egido, Eusebio Poncela, Carmelo Gómez, Yordan Spirov. Italia-España-Reino Unido-Bulgaria, 2004. Color. 107'

Hablar de "giallo contemporáneo" seguramente es algo que llama la atención a cualquier aficionado al terror transalpino. Lejos quedan ya los años dorados del movimiento, de ahí que resulte atractiva la idea de enfrentarte a una nueva muestra de ese peculiar subgénero, en pleno siglo veintiuno, pese a los aislados intentos por revivirlo en manos de los irreductibles Argento o Bava Jr, por citar un par de nombres aún en activo. Especialmente en unos momentos en que, al menos según lo que cuenta este último en una reciente y estupenda entrevista en el blog amigo "La Abadía de Berzano", el género a nivel popular en Italia no goza de excesiva aceptación.

Para mayor interés, "Ojos de cristal" reúne otra característica que la emparenta directísimamente con los giallos clásicos, como es una nutrida presencia de actores españoles, dentro del reparto. Entre ellos, auténticos "clásicos" de las co-producciones hispano-italianas, como Simón Andreu, o los más actuales Lucía Jiménez (que poco a poco se va convirtiendo en una asidua del género) o Carmelo Gómez.

Yendo a lo que interesa, esto es, el análisis del filme, si bien es cierto que su vocación de giallo es indudable, también resulta evidente el afán, por parte del joven Eros Puglielli, a la hora de acercarse al modelo contemporáneo de historias con psicópatas enigmáticos y desafiantes, tipo "Seven", "Saw" o "El silencio de los corderos". De ahí que, en el meollo de la trama, encontremos elementos muy característicos de esa clase de argumentos.

Por otro lado, el aspecto visual destaca (para bien o para mal) de un modo casi rabioso. Sin lugar a dudas, el esteticismo exacerbado es un rasgo de estilo esencial dentro del género, pero Puglielli lo lleva a unos límites que en algún momento llegan a hacerse casi irritantes. En ese sentido, también resulta bastante exagerada la caracterización de alguno de los personajes, como el del policía protagonista, innecesariamente "torturado" y pasado de rosca.

Con todo, la película tiene sus momentos. Especialmente su primer tercio, en que Puglielli consigue un buen nivel en cuanto a la atmósfera. Si bien es cierto que, progresivamente, el tono de la peli se va haciendo más cansino y forzadamente alargado, con exceso de ínfulas "arty". Del mismo modo, algún aspecto del guión (especialmente un auténtico socavón en el tramo final) o lo poco estimulante de la banda sonora, que en este tipo de filmes siempre fue importante y que aquí no brilla de un modo especial, hacen de "Ojos de cristal" una película ciertamente imperfecta.

Como contrapunto, además de un buen número de planos sugerentes, algún aspecto destacado, como el propio personaje de Simón Andreu o el de José Ángel Egido, actor siempre férreo y creíble, como policía rudo y "básico", pero sentimental y entrañable en el fondo, se dejan ver con indudable agrado.

Y es que, a título de ejercicio de giallo moderno, no puede hablarse de un resultado excelente, pero tampoco sería justo hablar de un intento fallido. Es una obra voluntariosa y con las suficientes dosis de interés como para llegar a agradar a los más devotos del género, especialmente cuando uno ya se sabe de memoria todas las clásicas de los Bava, Freda, Argento o Martino.

"Madman", de Joe Giannone

2009-04-25T12:34:00.006+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Madman"/ Dirección y Guión: Joe Giannone/ Producción: Gary Sales/ Fotografía: James Lemmo/ Montaje: Daniel Loewenthal/ Música: Stephen Horelick/ Efectos Especiales: Matt Vogel/ Reparto: Gaylen Ross, Tony Fish, Harriet Bass, Seth Jones, Jan Claire, Alexander Murphy Jr., Jimmy Steele, Carl Fredericks, Michael Sullivan, Paul Ehlers, Tom Veilleux, Stephen Clark. USA, 1982. Color. 87'

Más o menos típico slasher ochentero, variedad "campamentos", dirigido y guionizado por Joe Giannone. Un director tan efímero y fugaz, que de hecho "Madman" constituyó su primera y última película, falleciendo bastantes años después de realizarla, concretamente en el 2006.

En ella no encontraremos casi nada que la diferencie en exceso de productos similares. Y sin embargo, sí es obligado resaltar que la narración presenta alguna que otra novedad digna de mención.

Sobretodo el hecho de que, a diferencia de lo que suele ser habitual en esta clase de filmes, en que los personajes llegan al sitio donde tendrán lugar los acontecimientos terroríficos poco a poco, se asientan y hasta que empieza a desencadenarse la acción puede pasar un espacio de tiempo que irá de lo prudencial a lo excesivo, por contra Giannone opta por iniciar su relato en pleno clímax terrorífico.

De este modo, en la primera sencuencia, nos encontramos en plena hoguera de campamento, alrededor de la cual tiene lugar la exposición de la leyenda que ilustra la existencia (o no) del presunto monstruo: el Madman, en cuestión. Con ello, nos ahorramos prolegómenos tópicos y nos encontramos de lleno metidos en harina, porque ciertamente el nivel de tensión de ese inicio resulta bastante conseguido.

Ahora bien, a partir de ese momento, sí tendrán lugar los consabidos pasajes narrativos más o menos de relleno, en que los personajes serán debidamente presentados, en la que es su última noche de campamento. Aunque sea un dato sin excesiva importancia, ello sí constituye un rasgo diferencial: el hecho de que el meollo del horror tenga lugar al final del viaje.

Por supuesto, poco después empezarán los asesinatos, descritos sin demasiada virulencia, pero tampoco asépticos. Es decir, un nivel más o menos mediano de truculencia.

En cualquier caso, seguramente lo que más cabe destacar del filme es la atmósfera que transmite el escenario del bosque donde el ser misterioso comete sus fechorías. Un ser que, del mismo modo, no se nos presenta de un modo diáfano hasta el final, contribuyendo ello a un mayor nivel de desconocimiento, en cuanto a su verdadera naturaleza (humana o no). Asimismo, la progresión narrativa está bien cuidada, elevándose el tono inquietante, a medida que avanza el relato, tras el mencionado arranque.

De todos modos, se trata de un filme modesto, con un nivel interpretativo tirando a bajo y que tampoco escapa de la habitual serie de tópicos y de situaciones de guión previsibles y forzadas. Sin ir más lejos, la capacidad del asesino para trasladarse por el bosque de un modo que ni siquiera la velocidad de los coches puede superar. Él parece estar siempre en todas partes, da lo mismo hacia dónde se dirijan las potenciales víctimas (alguna de las cuales, por cierto, posee una pericia más bien nula, a la hora de buscar escondrijos).

Por tanto, película recomendable para aficionados al slasher medianejo, sin nada demasiado destacable, pero con un acabado tan correcto como poco exigente. Básicamente para ver por completismo.

"Morir de miedo", de Juan José Porto

2009-04-09T13:24:00.005+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Morir de miedo"/ Dirección: Juan José Porto/ Guión: Carlos Puerto y J.J. Porto/ Fotografía: Miguel Milá/ Reparto: Mónica Randall, Simón Andreu y Miguel Ayones. España, 1980. Color. 84'

Tres casi siempre son multitud. Y si encima uno de ellos es un fantasma vengativo, pues ya ni te cuento. De eso habla y eso es lo que cuenta esta "Morir de miedo".

El cine de terror en España parece haber seguido dos caminos más o menos diferenciados, pese a coincidir y solaparse en el tiempo. Mientras por un lado, el fantaterror encabezado por figuras como la de Paul Naschy, partía de los esquemas más góticos y de época, luego hubo otra corriente, seguramente más difusa y no tan reconocida (salvo contadas excepciones) que situaba el género en marcos mucho más actuales y contemporáneos.

Mientras en la primera, además del propio Naschy, podíamos situar a otros cineastas como Amando de Ossorio, Leon Klimowsky, etc. en la segunda aparecen nombres seguramente no tan adscritos al género, pero que en algún momento lo frecuentaron, como Aranda, Bigas Luna, Jorge Grau, etc. y también otros que se introdujeron de lleno en él: Juan Piquer, Carlos Puerto, José Ramón Larraz, etc.
Dentro de ambas tendencias encontramos filmes estimables y, como es lógico, otros que no lo son tanto.

En el caso que nos ocupa, estaríamos hablando de una muestra más bien discreta. Con la presencia de dos rostros tan conocidos, como son los de Mónica Randall y Simón Andreu, el director y guionista Juan José Porto edificó esta película modesta y funcional. Sin ningún rasgo más o menos memorable y con un escaso número de elementos, tanto escénicos como narrativos.

Y es que la factura del filme es casi teatral, por su limitada presencia de personajes (tan sólo tres), así como la utilización de un escasísimo número de escenarios, o de efectos.

Sin duda, estamos ante una tópica narración de suspense psicológico, con puntuales destellos terroríficos, pero con toda la intencionalidad centrada en el hecho de provocar tensión en el espectador, en forma de identificación con el personaje principal (en este caso, el de Randall). La intención es ésa. Otra cosa es que Porto lo consiga.

Principalmente porque la película se desarrolla por unos cauces harto previsibles. Aún siendo fiel a los esquemas del tradicional cuento de fantasmas, eso sí, convenientemente adaptado a los tiempos actuales (aquí se hace obligatorio mencionar los puntuales ramalazos erótico-festivos, tan en boga en la época), en todo momento está muy claro por dónde van a discurrir los acontecimientos. Con el agravante de que la idea principal del guión no parece dar tanto de sí como para llenar el espacio que requiere una extensión de largometraje. De ahí que en varios momentos la narración se repita y se demore en exceso.

Con todo, tampoco sería justo hablar de una obra torpe o enteramente fallida. Si uno se enfrenta a ella sin demasiadas expectativas, salvo la de asistir a una pequeña historia revestida de tópicos, pero más o menos funcional, y sobretodo si uno es aficionado a esa mencionada corriente de terror hispano contemporánea, tan modesta como simpática, puede hallar aquí un razonable y nada exigente entretenimiento.

"El molino de las mujeres de piedra", de Giorgio Ferroni

2009-04-05T12:35:00.007+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Il Mulino delle donne di pietra"/ Dirección: Giorgio Ferroni/ Guión: R. Del Grosso, U. Liberatore, G. Stegani y G. Ferroni/ Producción: Giampaolo Bigazzi/ Fotografía: Pier Ludovico Pavoni/ Montaje: Antonietta Zita/ Música: Carlo Innocenzi/ Diseño de Producción: Arrigo Equini/ Reparto: Pierre Brice, Scilla Gabel, Wolfgang Preiss, Dany Carrel, Herbert A.E. Böhme, Liana Orfei, Marco Guglielmi, Olga Solbelli, Alberto Archetti. Italia-Francia, 1960. Color. 94'

Si uno se acerca por primera vez a este filme sin saber quién es su director, podría aventurarse a decir que se trata de una peli del mismísimo Mario Bava, sin que dicha afirmación resultase ningún disparate. Y es que estamos hablando de una muestra más que valiosa, dentro del excelso gótico italiano de los años sesenta y setenta.

Pero no. "El molino de las mujeres de piedra" no es del Maestro Bava, sino de un cineasta como Giorgio Ferroni, mucho más gris y menos recordado. Uno de tantos cineastas italianos que dedicasen gran parte de su producción a géneros como el western o el peplum. En este último es, probablemente, donde alcanzó mayor celebridad. A tenor de lo visto aquí, es una lástima que así fuese, porque talento para el género fantástico no le faltaba.

En cualquier caso, el filme que nos ocupa hoy constituye un delicioso plato para los gourmets del terror clásico italiano. Y del terror clásico en general. No en vano, Ferroni maneja para su historia los mismos ingredientes y las mismas atmósferas que los grandes del género utilizasen, en cine y literatura.

Así, en esta trama llena de suspense y tensión dramática, en la que un joven acude a trabajar como ayudante de un peculiar escultor cuya labor artística tiene lugar dentro de un molino y que trabaja con estatuas dotadas de una gran y extraña verosimilitud, hallamos ecos de relatos y argumentos de autores como Poe, Hawthorne, etc. Es decir: clasicismo en estado puro.

Sin duda, el marco escénico del molino constituye un atractivo visual de primer orden, en sustitución del habitual caserón gótico de esta clase de narraciones. Asimismo, el tratamiento del color y de la fotografía, sencillamente magníficos, otorga gran personalidad al conjunto. Es ahí donde hallamos las mayores similitudes con el estilo del Bava más primerizo en obras como "Operazione Paura", "La frusta e il corpo", o "La máscara del demonio". Y ojo, porque en el caso de las dos primeras, estamos hablando de filmes posteriores al de Ferroni. Así que: al césar lo que es del césar.

Es posible que la mayor debilidad de la obra la encontremos en el escaso desarrollo de algunos personajes, o en el excesivo estiramiento de la trama principal que, a pesar de un recurrente y adecuado uso del suspense, parece demorarse en exceso, antes de desencadenarse el desenlace.

Con todo, estamos hablando de una película muy a tener en cuenta. Especialmente si se es aficionado a este tipo de producciones, muy de la época y absolutamente marcadas (para bien o para mal) por unos rasgos de estilo definitorios de un auténtico subgénero, dentro de la cinematografía terrorífica. Después de ésta, Ferroni volvería en escasas ocasiones al género ("La noche de los diablos" y poco más).

"El Ático", de David Schmoeller

2009-04-03T13:46:00.005+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Crawlspace"/ Dirección y Guión: David Schmoeller/ Producción: Roberto Bessi/ Fotografía: Sergio Salvati/ Montaje: Bert Glatstein/ Música: Pino Donaggio/ Reparto: Klaus Kinski, Talia Balsam, Barbara Whinnery, Carole Francis, Tane McClure, Sally Brown, Jack Heller, David Abbott, Kenneth Robert Shippy. USA, 1986. Color. 77'

Dirigida por David Schmoeller, autor asimismo de la fabulosa "Trampa para turistas", "El Ático" es un vehículo claramente concebido para el lucimiento de "la bestia" Klaus Kinski. Un Kinski ya en el tramo final de su carrera, con toda la carga de su demoledora presencia en pantalla.

Como suele suceder en estos casos, el protagonismo del intérprete alrededor del cual gravita todo lo demás, hace que sea eso precisamente lo que destaque muy por encima del resto. De modo que, dentro de esta trama que nos narra los desmanes de un individuo desequilibrado y misántropo, cuya raíz maquiavélica nace (ni más ni menos) de la terrible sombra que proyecta la existencia de los nazis y toda su imaginería (y su acción) perversa y asesina, poco más encontramos de interés.

Y eso que, en principio, el argumento daba para bastante más. Además de ese personaje llamativo y denso, Schmoeller se las podía haber ingeniado para pergeñar un entorno un pelín más trabajado. En cambio parece dejar todo el peso narrativo en numerosas secuencias innecesariamente alargadas, en las que el omnipresente Kinski se explaya a gusto ante la cámara, con lo cual el ritmo narrativo se resiente en exceso.

Por contra, en el tramo final del filme sí encontramos un buen número de momentos de impacto, en forma de catarsis terrorífica. En todo caso, el regusto final es el de un producto irregular, dirigido muy esencialmente a los devotos del irascible y carismático intérprete polaco.

Ni los secundarios Talia Balsam, David Abbott o la televisiva Barbara Whinnery aportan gran cosa a sus personajes. Básicamente porque en el guión no pasan de ser meros figurantes con un par de frases y poco más. Una disculpa para interactuar con el protagonista.

Lo dicho. Un filme pequeño y modesto, sin mucho que rascar en él. Que si no fuera por las referidas secuencias del final, se quedaría en la más gris mediocridad y en el más absoluto de los olvidos. Lástima, porque si Schmoeller había sido capaz de mostrar en "Trampa para turistas" o incluso en "Puppetmaster" la capacidad de llevar al más alto nivel los ingredientes más repetitivos y recurrentes, no puede decirse que tuviese el mismo acierto con "El Ático".