Purgatorio crítico. Maneras de perder el tiempo en el limbo.

No se me pongan nerviosos...

2008-07-24T20:02:00.002+02:00

...que sigo existiendo y el blog, de momento, no va a cerrar. Aunque la maniobra pueda traernos viejos recuerdos, la razón por la que llevo días sin actualizar es tan simple como que me he ido de vacaciones. No he avisado por una simple razón: ¡no lo sabía! Sencillamente, llegué a mi casa y me vi sorprendido por un montón de maletas, descubriendo instantáneamente que me marchaba a la playa. Sin avisar ni nada. Muy gracioso todo.
Y aquí estoy, en el hotel. Me he escapado ahora mismo, aprovechando que los ordenadores de la planta inferior que ofrecen acceso a Internet (por cierto, es un jodido timo, hay que pagar dos euros por media hora) al fin estaban libres de críos que, inexplicablemente, pasan el día delante de la pantalla con juegos chorra en lugar de irse a la playa o a la piscina de al lado. Intentaré, en esta breve porción de tiempo, irme pasando por algunos de los blogs "imprescindibles" que tengo en los enlaces -por cierto, flipando estoy con el récord de The Dark Knight-, pero no se pongan nerviosos que, por desgracia, creo que no soy omnipresente. Ya les iré contando algunas de las curiosas anécdotas que me están ocurriendo estos días por aquí y aquellas que estar por ocurrir, pero, puestos a adelantar acontecimientos, diré que la socorrista está como un queso y me he planteado seriamente hacerme el ahogado en la piscina.
Bueno, y para rellenar, en vista de que aún me queda tiempo, cumpliré con mi cometido (si mal no recuerdo, esto era un blog de cine) y pasaré a comentar muy brevemente algunas de las películas que he visto últimamente a la velocidad de la luz:

Kung Fu Panda está bastante bien, sobre todo en vista de otras "cositas" hechas por Dreamworks, pero paremos el carro: obviando que la productora todavía se encuentra a años luz de Pixar, la película es un tanto previsible y hasta rutinaria. Pero el guión tiene cierta consistencia y, pese a su nula originalidad, los personajes son buenas creaciones y algunos gags levantan la sonrisa del espectador. La carcajada, pues, no tiene que entender de edades.
Prométeme, de Kusturica, es otra más de su director. El problema principal es que es un título terriblemente flojo en comparación con alguna obra mucho más inspirada de su creador. Mientras que su anterior filme, La vida es un milagro, fue, para un servidor, un auténtico 'flash', esta película parece hecha por el peor imitador de Kusturica. Una historia cuasi original, con toques de lo más excéntricos, pero, finalmente, mal resuelta, que por momentos resulta hasta tediosa.
Hancock es flojísima. No les engaño: con el tiempo, he aprendido a aceptar que: 1) a un actor de la talla de Will Smith ya solo le podremos ver en producciones tan hipercomerciales como esta; y 2) que algunas buenas ideas a veces tienen que verse sacrificadas solo para contentar al gran público, ese que va al cine como el que va al circo o al zoo. En el caso de Hancock, el punto de partida era brillante, pero se ha desaprovechado absolutamente todo. Hablemos sin ningún miedo: se trata de un film mediocre, irregular, desigual, insuficiente e insatisfactorio. Su última media hora es un cachondeo, sus gags son tan repetitivos que no hacen ninguna gracia y, en definitiva, su intento por crear una mitología es tan leve y simplón que apenas impresiona. Un fracaso, aunque solo en lo que a calidad se refiere, pues sus cifras en taquilla apuntan, directamente, a una secuela.

Les hablaría de Superagente 86, pero el tiempo se me acaba de un modo exagerado. Mañana intentaré escaparme a un centro comercial a ver la nueva de Expediente X, así que, cuando vuelva (primeros de Agosto), ya les contaré. ¡Hasta la vista, mis abandonados lectores! ¡Les compensaré mi escapada!

Más de lo mismo

2008-07-09T13:12:00.009+02:00

Si algo bueno tenía la primera adaptación cinematográfica de Las crónicas de Narnia, estrenada con el subtítulo de El león, la bruja y el armario, era su facilidad para narrar clara y concisamente el inicio de una historia que, contada de otra forma, habría sido imposible de seguir. Si bien la algo cochambrosa mitología creada por C.S. Lewis contiene todo tipo de elementos -desde las metáforas cristianas hasta las simples incongruencias que se dan incluso hablando de una saga fantástica-, el director Andrew Adamson consiguió, a través de una narración algo parsimoniosa, elaborar un arranque mayormente entretenido, con la suficiente capacidad para encandilar a los críos y no dormir a los adultos. Sin embargo, aunque por lo general se ha apuntado que la primera entrega sufría una falta de acción y espectacularidad considerable, es precisamente el acto en que se da todo ello, donde, a mi juicio, cojea la película. Y es que El león, la bruja y el armario está bien hasta cierto punto. Es amena, pero una vez que empiezan las trampas, el espectador siente que le están estafando. Lo de la Mesa de Piedra -horrorosa manera de introducir, en una película fantástica para preadolescentes, una clara referencia a la Resurrección- es, de entrada, un cachondeo notable muy propio de la ultracatólica Walden Media, y las batallas, con una efectiva banda sonora atronando la escena y muchísimos planos generales, son de lo más desangeladas, sin mostrar jamás ni una sola gota de sangre. ¡Por Dios! ¡Que los tiempos han cambiado y los niños ya no son tan impresionables!

Ahora, un poco tarde con respecto al estreno de la taquillera entrega inicial, llega a nuestros cines su inmediata continuación, El príncipe Caspian. En esta secuela, se nota que el director ha escuchado algunas de las críticas a su predecesora y ha tratado de aprender de los errores. El problema es que no lo ha conseguido, y al final ha entregado una película que únicamente prolonga lo que ya hemos visto, no ofrece sorpresas considerables y se sitúa incluso algo por debajo de El león...

Lejos de ser una película mediocre o tediosa, esta nueva entrega carece de la emoción necesaria para conseguir, al menos, hacer vibrar al espectador. Las secuencias de acción están mejor coreografiadas e intentan alcanzar un sentido mayor de la maravilla, pero en ningún momento la película logra sobrepasar el eje de la corrección, siendo más un buen entretenimiento que el interesante nuevo episodio de una gran saga. El argumento da varias vueltas más que el de su antecesora, aunque sigue siendo sencillo de seguir. Sin embargo, da la sensación de ser muy pobretón, de ahí que Adamson prefiera derrochar millones y millones de dólares en largas batallitas -muchas de ellas deudoras de El Señor de los Anillos- y en una insulsa historia de amor carente de toda intensidad, antes que en dar un halo de interés y fascinación a la trama.

De todos modos, no todo son puntos negativos en El príncipe Caspian. Aunque su arranque no es muy esperanzador, los intentos por envolver de oscuridad la presencia de los telmarinos están conseguidos, el desarrollo es entretenido, y las peleas, cuando no se ven destrozadas por ataques de honradez, compasión u honestidad, incluso son espectaculares. ¡Y aparece Warwick Davis, el "enorme" protagonista de Willow!

En resumen, que, pese a estar siendo recibida con cierta frialdad por la crítica y el público, es un entretenimiento decente, aun estando a años luz de otras grandes sagas. Quienes disfrutaron de la primera probablemente no queden decepcionados con su secuela -en la que tampoco faltan las dichosas metáforas cristianas-, aunque no muestre una evolución considerable respecto a esta. Sin embargo, es probable que hablemos del 'blockbuster' menos interesante, junto con El increíble Hulk, estrenado este verano. Y eso, tratándose de la Disney, que en años anteriores ha contado con Piratas del Caribe o La búsqueda, es mucho decir.

Nivel de diversión: Alto.

Para aficionados a...: Las fantasías para preadolescentes, puesto que, como saga mayoritaria al nivel de El Señor de los Anillos o Star Wars (por poner ejemplos de franquicias), desde luego, no da la talla. Es un buen entretenimiento siempre y cuando se coja el hilo, y El león, la bruja y el armario no disgustase -ésta, desde luego, no la veo mucho mejor-. Quienes disfrutaran de los libros saldrán satisfechos: es un trabajo completamente fiel al original de C.S. Lewis.

Valoración final: ··· (sobre cinco).

Más insólito es aún el caso de Michael Haneke. Decía Alfred Hitchcock que la diferencia existente entre su 'remake' de El hombre que sabía demasiado y la original era que, mientras que la primera versión era la obra de un aficionado con talento, la segunda era la de un profesional. No estoy completamente seguro de que dicha afirmación se pueda aplicar a Funny Games, puesto que, en lugar de mejorar la obra anterior, Haneke la copia del primer al último minuto. El caso es este: si la original es espléndida, la nueva, exacta plano por plano, ¿lo es también?

Las únicas novedades que introduce el Funny Games norteamericano son sus actores, de mucho mayor caché, encabezados por la siempre deliciosa Naomi Watts, junto con uno de los rostros del momento, el gran Tim Roth, de moda ahora por su papel antagónico en El increíble Hulk. Un soberbio Michael Pitt -a estas alturas, todo un símbolo del cine independiente- y un, quizás, menor Brady Corbet ponen el toque de sadismo a su reparto. Por lo demás, todo es idéntico, punto por punto.

Haneke plantea un 'remake' exacto tal vez con el objetivo de llegar a mucho más público del logrado por la original austriaca, aunque para ello tenga que recurrir al engaño. La cosa parece obvia: Funny Games, da igual qué versión, es una película necesaria, que hace varios años podría haber resultado todo un experimento. Un experimento, no obstante, sobre los patrones del espectáculo, de la crueldad que se puede llegar a exhibir, de lo que, realmente, el espectador desea ver en una película de estas características. Hay que ir más allá: no estamos ante un 'thriller' al uso. Quien vea al trailer puede tomarla como una película más de intriga, pero se trata de algo muchísimo más profundo. A alguno le parecerá una tomadura de pelo, pero, en realidad, estamos ante un gran juego, al que la audiencia puede sumarse o mantenerse al margen.

Un par de guiños en determinados momentos piden a gritos la complicidad del espectador. En ello se sustenta, prácticamente, la gracia de la película. De hecho, y sin destripar nada fundamental, tenemos una secuencia en la que el cabecilla de la pareja supone, cínicamente, que nosotros estamos en el bando de la apurada familia y queremos que se salve.

Después de quejarnos y quejarnos tanto de la escasa originalidad de las historias que nos vienen de Hollywood, aquí tienen algo diferente. No es una película nueva en su integridad -más bien todo lo contrario, pues hablamos de un título, literalmente, rehecho-, pero quienes no disfrutarán de uno de los títulos esenciales de su época hace unos años, no deben perder la oportunidad de ver, de una vez por todas, el título más arrollador, fresco, original y cruel de los últimos tiempos. Una película imprescindible.

Nivel de diversión: Alto.

Para aficionados a...: La filmografía de Haneke, pues, según la opinión generalizada, es su mejor título. Quienes gusten de películas que van muchísimo más allá de lo que las apariencias indican, ese tipo de films que, aunque pueda llegar a defraudar, ofrecen resultados originales y muy por encima de la media, lo pasarán en grande con un juego maliciosamente divertido de ver, Funny Games.

Valoración: ···· (sobre cinco).

Tres clásicos, tres

2008-07-06T19:00:00.012+02:00

Quienes ya frecuentaban el blog antes de su pomposa reapertura recordarán la larga lista de películas pendientes de reseñar que figuraba en la columna de la derecha. Ahora no está, pero, para sorpresa de todos ustedes, no me la he comido y la sigo teniendo por ahí guardada. No me gusta dejar las cosas sin hacer, por lo que retomo dicha sección con dos de las películas de la lista unidas a una aportación mía (un título que vi hace unos días, ninguna cosa rara). Bueno, vamos allá.

A día de hoy, nadie que ame el cine puede negar la figura de Stanley Kubrick como una de las más importantes en toda su existencia. Capaz de todo, el director cambió el cine y todo lo que se conocía de él prácticamente desde el momento en que consiguió controlar su talento y, por ende, dominar todas las facetas de ese invento considerado, gracias a tipos como él, séptimo arte. Dicen que los genios no suelen caracterizarse por su constancia, pero aquí hablamos de un caso aparte. Raras veces, a lo largo de su trayectoria, no ha contado con el aplauso unánime al estrenar un filme, quizás con Fear and Desire -debut del que acabó renegando, considerándolo "un trabajo de aficionado-, El beso del asesino o incluso El resplandor, ejemplar muestra de cine de terror que, sin embargo, no convenció ni a los seguidores del relato original ni a su propio autor, Stephen King. Diferente sería, por ejemplo, lo ocurrido con Eyes Wide Shut, obra póstuma que, en el momento de su estreno, dejó fríos a público y crítica, más por su complejidad que por su verdadera calidad.

También, a la hora de analizar lo dejado por Kubrick, un apartado propio merecería la película que nos ocupa, Barry Lyndon. ¿De qué clase de título hablamos? ¿La obra de un maestro completamente consolidado? ¿La cima de su megalomanía? Yo me quedo con las dos opciones.

Ninguna, absolutamente ninguna película ha conseguido igualar, desde el día de su estreno, la recreación que el director de 2001: Una odisea del espacio hizo del escenario histórico en que se ambienta la película: en los Oscar, la película arrasó con todos los premios técnicos, obteniendo galardones su fotografía, dirección artística y vestuario, unidos al conseguidos por su incontestable banda sonora adaptada, que incluía piezas clásicas de Haendel, Schubert o Bach. Kubrick dio rienda suelta a su estilo más caprichoso y exhaustivo y, durante un largo rodaje en lujosos decorados de época, elaboró ni más ni menos lo que él pretendía: un documento inigualable del siglo XVIII. Partiendo de la novela homónima de William M. Thackeray -autor de La feria de las vanidades y mayor rival de Charles Dickens-, el realizador, sin demasiado sentido de la elipsis (sus más de tres horas de duración hablan por sí solas), construyó un portentoso relato en torno a la vida de un personaje ficticio y su ascensión, desde que se alista en el ejército británico hasta que se convierte definitivamente en el hombre rico que siempre había ansiado ser, peleando por conseguir definitivamente un título de nobleza.

Pese a la asumida frialdad con la que Kubrick recrea tanto a sus personajes como a todo lo que les rodea, la fuerza de la historia es innegable. El director la narra con una pasión inusual, consiguiendo que el espectador intime con sus caracteres y no se despegue de lo que cuenta pese a su duración y la consabida lentitud con la que avanza. No se puede decir que la película entretenga tanto como, por ejemplo, La chaqueta metálica, pero está anclada en un género completamente distinto, con un tratamiento diferente, mucho más complejo, y quizá hasta con mayor ambición. Puede que Barry Lyndon se trate del trabajo más arriesgado y con mayor desmesura jamás filmado por Kubrick: una pena que los Oscar, como casi siempre, no llegaran a hacerle justicia y le entregasen los premios correspondientes a las categorías principales a otro excelente film, Alguien voló sobre el nido del cuco, que, no obstante, quizá se encontraba algo por debajo.

Una obra maestra intachable, cargada de emoción y consistencia, eficazmente interpretada por un reparto desconocido y a la que, en definitiva, ya va siendo hora de valorar como se merece y sitaurla a la altura de los mejores títulos de su director.

Nivel de diversión: Medio.

Para aficionados a...: El eterno relato sobre el hombre que se hace a sí mismo, como puede ser Ciudadano Kane (salvando las distancias), las más intensas historias de época y, sobre todo, el cine.

Valoración final: ····· (sobre cinco).

Y pasamos de una genialidad a otra. Han pasado casi cincuenta años desde su estreno, y El apartamento sigue manteniendo una frescura envidiable que ya quisieran para sí muchas de las comedias actuales. Fiel a su espíritu de realizar películas de género con muchísima enjundia, un Billy Wilder en estado de gracia se reunió con su co-guionista habitual, I.A.L. Diamond, y el actor Jack Lemmon, un imprescindible en su cine desde que coincidieron en Con faldas y a lo loco (Some like it hot), para filmar una de las mejores comedias de todos los tiempos, la historia de un oficinista que, para crecer dentro de su empresa, debe prestar, con suma frecuencia, a sus superiores el apartamento alquilado en el que vive para que ellos tengan donde alojar a sus "señoritas".

Toda una sorpresa en su época, consiguió el Oscar a la Mejor Película -así como sendos premios para su director, guionistas, realizador artístico y montajista- gracias a su hábil mezcla de comedia corrosiva e inteligente, una historia de amor resultona de por medio y un pequeño mensaje moral sobre las ambiciones de los hombres, dispuestos a entregar su dignidad solo por ascender todo cuanto puedan.

Pese a sus dos horas de duración (algo raro para la época), la película es entretenidísima. Su brillante puesta en escena, los ejemplares movimientos de cámara, la manera de resolver cada una de las secuencias -incluyendo su desenlace, que juega con el espectador de manera asombrosa-, o incluso la forma de dar paso a su banda sonora -tan bien insertada que, en una ocasión determinada, logra hacer olvidar que lo que se está escuchando es el tocadiscos, algo que se encarga de recordarnos Lemmon, cortándolo en seco- convierten a El apartamento en una película perfecta. Incluso las actuaciones están a un altísimo nivel: su protagonista es, gracias a trabajos como este, todo un rey de la comedia, mientras que Shirley MacLaine está encantadora y Fred MacMurray cumple con el rol de su personaje.

Comedia sutil, innegable, hablamos sin duda del título más insigne de Billy Wilder, superior, incluso, a su obra maestra del cine negro Perdición (Double Indemnity). Un título imprescindible e imperecedero.

Nivel de diversión: Alto.

Para aficionados a...: El tipo de comedias honestas de las que se acaba sacando algo tras su visionado. Dentro de la filmografía de Wilder, es un título que todo acérrimo a su cine debe ver.

Valoración final: ····· (sobre cinco).

"No hay soledad más profunda que la de un samurái, salvo la de un tigre en la selva... tal vez". Algo más complicado que estos dos títulos sería la extraña El silencio de un hombre (Le sa mou raï), considerada por muchos una obra maestra de su género. Si bien a mí no me parece, en absoluto, un trabajo importantísimo dentro del cine negro, dentro de su nacionalidad (de origen francés), la película supuso un importante avance para asentarlo. Jean-Pierre Melville, experto en películas policíacas de mismo corte, adaptó una novela de Jean McLeod, narrando, intencionadamente, de manera muy fría la historia de un asesino a sueldo sin escrúpulos, siempre con la coartada perfecta, que un día se ve traicionado por quienes le contrataron y decide planear su venganza... mientras las autoridades siguen uno a uno cada uno de sus pasos.

No es una película sencilla, ni se trata, en absoluto, de la típica peli de perseguidores y perseguido. Tampoco es, precisamente, un gran entretenimiento: la película se sigue con verdadero interés más hacia su nudo, cuando la historia se complica, que en su comienzo, en el que el espectador más desorientado no sabrá, con certeza, qué demonios es lo que está viendo. La narración es muy densa. Hay planos larguísimos, a veces tan solo con gente andando: el director trabaja en la atmósfera implicándose al máximo, prácticamente da la sensación de querer contarlo todo con las imágenes.

La banda sonora aparece tan solo ocasionalmente. Es una pieza musical pequeña, ligera, que no altera en absoluto el pulso de la obra. Mientras tanto, las interpretaciones se saldan de manera notable. Su principal reclamo por aquel entonces, Alain Delon, cumple de sobras en un papel en el que el actor permanece inmutable e inalterable en todo momento. Melville quedó tan satisfecho con su trabajo que volvió a contra con él en sus siguientes películas, El círculo rojo (de la que Johnny To prepara 'remake') y Crónica negra.

No es una película accesible, pero quienes permanezcan abiertos a la rareza de su propuesta y planteamiento entenderán con plenitud la calidad que destila por los cuatro costados. Pero tampoco es, precisamente, el trabajo que uno no se cansa de revisar.

Nivel de diversión: Medio.

Para aficionados a...: El cine negro poco convencional y cerrado, así como el espíritu samurái. En este aspecto, habrá quien la encuentre fascinante. No obstante, ante todo, el requisito principal es tener mucha paciencia.

Valoración final: ···· (sobre cinco).

¿Cualquier tiempo pasado fue mejor?

2008-07-04T13:34:00.017+02:00

Han pasado casi cuatro años desde que Judd Apatow diese la campanada con Virgen a los 40, comedia asombrosamente bien escrita que logró situarse, sin demasiados problemas, por encima de la media del género gracias a la eficacia de buena parte de sus gags y, sobre todo, a unos personajes fabulosamente tratados, incluyendo a un brillante plantel de secundarios que, por momentos, conseguía robar la película. Desde entonces, Apatow se ha ido consolidando como el nuevo rey de la comedia conforme ha forjado todo un imperio de producciones, la mayoría de ellas con gran fortuna en taquilla -especialmente cuando, el pasado año, colocó a la notable Supersalidos entre los mayores éxitos de la temporada-. Ahora, y de nuevo como productor, Apatow estrena Paso de ti, desafortunada traducción de Forgetting Sarah Marshall, que no ha cumplido las expectativas en taquilla en su país de origen, pese a no situarse, en absoluto, por debajo de otros títulos ideados por el director de Lío embarazoso.

Con guión de su protagonista, Jason Segel -popular ahora por la divertida Cómo conocí a vuestra madre-, la película arranca con la traumática ruptura de la estrella de la televisión Sarah Marshall con su novio, el músico Peter Bretter, tras cinco años de relación. Lo que prosigue a continuación es lo habitual: los amigos del personaje central se entrometen en el asunto y, tras aconsejarle, principalmente, "follar todo lo que se mueva" (cita textual), decide tomarse unas vacaciones en Hawai, con la idea de enterrar su antigua relación, algo que se tornará complicado cuando descubra que su ex-novia se encuentra, precisamente, en su mismo hotel.

Pese a algunos titubeos en el arranque, la película se muestra como un formidable entretenimiento, sin apenas irregularidades significativas en su metraje. Existen momentos de comicidad algo obvios, pero consigue arrancar la sonrisa del espectador en numerosas ocasiones gracias a la complicidad que este adquiere con los personajes, de nuevo brillantemente dibujados. Hay cabida para todo, y, de nuevo, los secundarios logran sobreponerse en determinados momentos a sus protagonistas, como es el caso de la estrella musical emparejada con Sarah Marshall, o de su joven admirador, el camarero interpretado por uno de los rostros imprescindibles en cualquier producción Apatow, Jonah Hill.

Cierto es que su esquema, quizás, es algo elemental, pero se aleja bastante del corte habitual de las comedias románticas, siempre con buenos gags verbales bajo la manga y situaciones ocurrentes que evitan por completo cualquier atisbo de tedio. Algún que otro guiño cinéfilo y televisivo ("Debes aceptarlo, tu relación se ha acabado, como Los Soprano"), el justo toque dramático que otorga algo de credibilidad al conjunto, y la insólita simbología final (¿quién iba a pensar que una mamada podía significar tanto?) redondean una comedia entretenidísima que en ningún momento toma al espectador por imbécil. ¡Atención a los números musicales, sin desperdicio alguno!

Amigo mío, ¿su novia le obligó a ver Sexo en Nueva York? ¡Vendetta! Alguien ha escrito esta comedia exclusivamente para usted. No la deje pasar: raras veces verá en cartelera un título romántico para tíos.

Nivel de diversión: Alto
Para aficionados a...: Las comedias de Apatow, pues Paso de ti es de las mejores de su producción. No alcanza momentos de hilaridad tan altos como algunos logrados por Virgen a los 40, pero es algo más equilibrada que la cinta de Steve Carell. Además, a quienes les apestase el tufillo sensiblero desprendido por Lío embarazoso, encontrarán esta comedia algo más divertida.

Valoración final: ···· (sobre 5).

Tras estar mucho tiempo dando vueltas por festivales de todo el mundo, desde Sitges hasta Sundance, pasando por Texas, el pasado viernes llegó a nuestras pantallas, con tan solo 77 copias, el primer largometraje del, hasta ahora, popular cortometrajista Nacho Vigalondo, Los cronocrímenes. La película ha contado con una magnífica acogida allá donde se ha exhibido, mientras que ahora ha divido a crítica y público, principalmente por no tratarse del tipo de film que muchos esperan. Vigalondo ha elaborado un trabajo complejo, algo frío y, sobre todo, muy sugerente que, aun sin cumplir las expectativas de algunos espectadores, se desmarca de algunos de los mimbres habituales del género y, por supuesto, del tipo de cine al que nos tienen acostumbrados por aquí.

De entrada, la premisa es brillante: un tipo llega, tranquilamente, a su recién adquirida casa, situada en medio del bosque, después de hacer la compra. Su mujer se marcha un momento, y él, entonces, echa mano de unos prismáticos tras haber visto algo raro entre los árboles. Allí, aprecia a una chica desnuda y, confuso, marcha hacia el lugar, donde un hombre ataviado con una gabardina y una venda rosa en la cabeza le ataca. Entonces comienza su huída, concluyendo en el lugar menos esperado: una máquina del tiempo que le envía unas horas atrás.

El primer tramo es, quizá, lo más confuso de la película, cosa bastante obvia. Uno no sabe con certeza qué demonios está viendo, hasta que el film entra en materia hacia la media hora. Existe algún que otro detalle un tanto previsible, pero, por lo general, la trama se sigue con extraña fascinación. La atmósfera, los pequeños detalles, todo en el conjunto está admirablemente cuidado y adquiere razón de ser en su vibrante parte final, cuyo mayor pecado es, quizá, resultar un tanto repetitivo, algo inevitable tratándose de una película de viajes atrás en el tiempo.
Su principal problema -que tampoco se le puede acharcar plenamente a la película- es que a algunos espectadores les costará un poco seguir la trama, que no para de dar vueltas sobre sí misma hasta culminar en un desenlace asombroso y muy bien ejecutado, que deja un sabor de boca espléndido.

Un giro inesperado que, en definitiva, eleva Los cronocrímenes a la (merecida) categoría de "bombazo", convirtiéndola en una de las imprescindibles sorpresas del año que, de haber contado con una mayor distribución y publicidad, podría haberse convertido en un éxito. Sin embargo, tendrán que pasar unos años hasta que, al fin, se aprecie lo que alguien con muy poco presupuesto ha llegado a rodar. Pero eso no ocurrirá, al menos, hasta que el 'remake' producido por Tom Cruise llegue a los cines dentro de un tiempo.

Nivel de diversión: Alto
Para aficionados a...: La ciencia-ficción inteligente y, en particular, los viajes espacio-temporales. No es, ni mucho menos, Regreso al futuro, pero consigue situarse muy por encima de otras aventurillas de andar por casa como Timeline o la fallida última adaptación de La máquina del tiempo.
Valoración final: ···· (sobre cinco).

Por cierto, curiosamente, el pasado miércoles Vigalondo estrenó, en Muchachada Nui, su último 'sketch', ni más ni menos que un Back to the Future IV. No se lo pierdan:

He's Back!: El bloggero contraataca

2008-07-02T23:27:00.005+02:00

Me ha llevado varios días, he dado largas, he tomado decisiones equivocadas que, más tarde, he enmendado, y ahora, a día 3 de Julio, reabro oficialmente Purgatorio crítico, con nuevo diseño, nuevo 'banner', nuevas ideas, nuevos contenidos y, esperemos, también nuevos comentaristas -sumados, por supuesto, a los "genios" que llevan circulando por aquí desde que se estrenó el blog-. Las visitas han experimentado un interesante "subidón" desde que publiqué el artículo de resurrección, por llamarlo de algún modo, lo que me hace pensar que, para mi sorpresa, el proyecto interesa a más de uno.

Y, en definitiva, dicho proyecto ha terminado, o, mejor dicho, ha dejado de serlo. Ahora es una realidad, una complicada tarea, acertada o equivocada, pero tarea a fin de cuentas. ¿He tardado demasiado en prepararlo definitivamente? Sí, más de la cuenta. ¿Ha merecido la pena el trabajo? No lo sé, no soy quien tiene que valorarlo. A mí, de momento, todo lo planeado, las ideas pendientes de ejecutar y la selección de películas por reseñar, unido a sus excelentes sugerencias -que, téngalo por seguro, las he tenido en cuenta, incluso la del análisis de títulos 'gafapasta'-, me convence como "material nuevo" y, al menos, me sirve para poder decir que no voy a hacer lo mismo de siempre. ¿Mejor o peor? No sé, pero aportar algo distinto siempre es una razón para escribir.

Sería un cretino si, después de hacerles esperar tanto, no les avanzase algo en condiciones. Aunque hasta verlo no sabrán exactamente a qué me refiero, apenas habrá reseñas individuales. Para evitar extenderme en demasía a la hora de hablar de una película, contando en cinco párrafos lo que se puede contar en tres, los estrenos recientes -la idea es que sean los correspondientes a la semana de su estreno, pero no estoy seguro de poder llevarlo a rajatabla- serán resumidos y criticados en un solo artículo. De este modo, será más dinámico, rápido y fácil de leer. Además, las películas seguirán siendo puntuadas, pero a esto le he sumado otro tipo de calificación que, espero, sirva de guía a los más indecisos a la hora de ir al cine.

A su vez, aunque he retirado de la columna la lista de películas de 'Fuera de contexto', elaborada a través de recomendaciones de los lectores, se seguirán escribiendo críticas de esos films pendientes. Durante este tiempo, he visto muchos de ellos, pero todavía no puedo adelantar nada. La lista ha sido retirada del blog porque el orden en que serán publicadas sus correspondientes críticas no tendrá nada que ver con el que estaba puesto: no es que tan solo vaya a hablar de las que me apetezca, es que también estarán escritas en artículos colectivos, por así decirlo, y quedará mejor si los títulos de los que se habla pertenecen a la misma temática o género.

Las únicas reseñas individuales serán las de cine 'gafapasta', propuesta "bienientencionada" del Reverendo Gore, cuyo ciclo empezará analizando profundamente, en efecto, Blow Up, de Michelangelo Antonioni. No sé la frecuencia con la que haré esta sección, pero si me da algo, seguramente acabe convirtiéndose en mensual. Tiempo al tiempo...

Volverán las retrospectivas de actores -que, en Sesión Nocturna, acabé desterrando-, con biografías y comentarios de sus películas más conocidas.

Además de todo esto, los más detallistas se habrán dado cuenta del cambio en el lema del blog. Antes tenía puesto un sencillísimo "El blog de Jaime Lorite", pero ahora he preferido decantarme por "Maneras de perder el tiempo en el limbo". Con esto, lo que pretendo decir es que el blog no solo hablará de cine, sino de otros temas, como por ejemplo, de música. Amigos, ¿circula por ahí un nuevo disco de Judas Priest y nadie dice nada? Imperdonable.

Bien, hasta aquí queda explicado, de un modo algo superficial, lo que será el blog: diferente a lo que habían leído antes por aquí, y con más energía. Tardaré un tiempo en coger el ritmo, pero denme tiempo: no les decepcionaré. No sé si mañana tendré lista la primera doble reseña, pues todavía me queda por ver Paso de ti (Forgetting Sarah Marshall) y debería escribir a un ritmo meteórico. Y, ya saben, las prisas no son buenas.

Por cierto, no olviden votar en la nueva encuesta que he abierto: es la más interesante que he colgado y tiene una relevancia acojonante.

'Purgatorio crítico' resucita

2008-06-26T17:16:00.004+02:00

Era un secreto a voces, y ya es hora de confirmarlo: 'Purgatorio crítico' reinicirá su actividad, en principio, a partir de la semana que viene. Tras varios meses inactivo, y ahora con todo el tiempo libre del mundo por delante, me vuelve a picar el gusanillo de escribir, aunque mi idea esta vez va más allá de retomar el blog: el silencio mantenido durante este tiempo ha sido mucho más que un descanso vacacional, por lo que, si vuelvo, es con la intención de hacer algo nuevo, y no de limitarme a escribir lo de siempre una y otra vez. Una de las razones, aparte de la falta de tiempo, que me llevaron a enterrar la bitácora, fue el colosal aburrimiento que me infundía hablar constantemente de lo mismo. Ahora, existe una planificación, unida a una serie de buenas ideas -al menos, sobre el papel lo parecen- destinadas a cambiar en gran medida la monotonía por la que antes se regía 'Purgatorio crítico'. Resumiendo, que ahora el plan es seguir dando el coñazo sin por ello ser un coñazo.

De todos modos, y lo sé por experiencia propia, uno tiende a equivocarse, por lo que, a lo largo de estos días, tienen vía libre para dejar sus sugerencias, todo lo que se les ocurra y apetezca. Lo consideraré TODO, incluso las ideas absurdas, que, por estadística, son las que siempre funcionan. Recuerden: la semana que viene la estética, los temas y, por lo general, todo lo que hasta este momento ha sido 'Purgatorio' cambiará y mejorará, y qué mejor que empezar por cambiarse uno mismo: ¡ya pueden acceder a mi trabajado nuevo perfil!

Sí, de ahora en adelante pueden llamarme Dunn, David Dunn. ¡Gracias por adelantado!

This is the End

2008-03-08T12:01:00.003+01:00

Después de pasar un mes desaparecido, suponngo que ya va siendo hora de dar señales de vida y anunciar lo que muchos de ustedes ya habrán intuído: el cierre de Purgatorio crítico. Lamento haber pasado todo este tiempo "exiliado", por así decirlo, pero créanme si les digo que he estado ocupadísimo, y es precisamente por eso por lo que me veo obligado a aparcar, no sé si temporalmente, el blog. Durante este tiempo me han salido bastantes cosas, y conforme pasaban los días sin actualizar estaba cada vez más seguro de lo que debía hacer. Ustedes no se merecen, desde luego, pasar por aquí con regularidad para encontrarse siempre con la misma entrada en la portada. Lo peor de todo es que, de algún modo, me queda la sensación de haberles tomado el pelo a todos ustedes. Apenas llevaba poco más de un mes con esta nueva bitácora cuando me dio por dejar de publicar repentinamente. Mucho blog nuevo, pero ahora lo cierro a las primeras de cambio. Mis más sinceras disculpas, de veras.
De todos modos, quizás lo peor de esto no haya sido, simplemente, el abandonar toda escritura por estos lares, sino también mantenerme así de alejado de toda la blogosfera. Ni siquiera he tenido el "detalle" de dejar algún comentario durante estos días. Como mísera compensación por la faena de este abandono, trataré de pasarme por los blogs de todos aquellos que me han leído y comentado en las pocas semanas de duración de este fallido invento de forma regular, aunque solo sea para certificar que sigo vivo.
Pese a todo, si algún día me da por volver, trataré de anunciarlo a bombo y platillo, pero desde luego, les aseguro que ahora mismo eso no es algo precisamente factible.

De nuevo, reincido en mis disculpas y me despido con un "¡Hasta la vista!".

Vivir juntos, o morir solos

2008-02-06T20:34:00.000+01:00

Tras una devastadora campaña publicitaria organizada por uno de los magos actuales de la ficción a nivel mundial, J.J. Abrams, se estrena al fin una de las películas más esperadas y deseadas del presente año, inquietud motivada principalmente por el aspecto del monstruo encargado, por enésima vez, de asolar la ciudad de Nueva York. No han sido pocas las apuestas y especulaciones que han girado en torno a la criatura. Amparados en unos brevísimos fotogramas en los cuales hace acto de presencia, se le ha llegado a considerar desde un sucedáneo de Godzilla hasta uno de los protagonistas del Parque Jurásico de Spielberg. Una vez visto en pantalla grande, desde luego puedo asegurar que la bestia se parece, en comparación con las otras dos señaladas, lo que un huevo a una castaña, para entendernos.

¿Cómo es? No creo conveniente explicarlo, pero desde luego no decepciona, sino todo lo contrario. Además, dicho monstruo posee una cualidad que, supuestamente, debía de ser una sorpresa, pero ha sido ya desvelada en alguna reseña de la crítica especializada. En cualquier caso, esquivaré dicho punto para salvar un poco la idea de secretismo montada por Abrams.

Además del monstruo en cuestión, una de las preguntas más formuladas en los días previos a su estreno era si, después de tantísimo bombo, la película estaría a la altura de las expectativas. Lógicamente, es difícil responder con plena certeza, dado que eso va relacionado directamente con lo que uno le pida a Abrams y a su película de 21 millones de dólares. La mayoría de los espectadores deben de ir, ante todo, avisados de que Monstruoso (espantosa traducción de Cloverfield) no es ni muchísimo menos un ‘blockbuster’, principalmente porque el presupuesto no da para tanto, y, por otro lado, de que el film está grabado con una videocámara, de modo que uno sigue el suceso con el mismo desconcierto que los protagonistas: sin saber absolutamente nada. Si a esto le sumamos el factor Abrams, con todo lo bueno y lo malo que ello implica, no es difícil hacerse a la idea de cual será el resultado de la enigmática Monstruoso.

Aunque más de uno se sentirá estafado ante el descubrimiento de que, en efecto, no hay demasiado espectáculo y de que realmente se trata de una película de personajes y no de seres de otros mundos, el planteamiento y, hasta cierto punto, ejecución de la idea es prodigioso. En realidad, la cinta grabada es la fiesta de despedida de Rob, que ha sido nombrado vicepresidente de una empresa en Japón y marchará a dicho país al cabo de unas horas. Sin embargo, la celebración se va al garete cuando, para sorpresa de todos, hay un apagón parcial y, en el corazón de la gran manzana, tiene lugar una enorme explosión que nadie consigue explicar.

Lo demás es, prácticamente, la inevitable consecución del problema: las personas, ante lo desconocido, reaccionan de modos variopintos y siempre atemorizados. El pillaje inunda las calles de la ciudad, a la par que muchos de los ciudadanos neoyorkinos se refugian en las tiendas y pequeños comercios escapando no sólo del monstruo, del que aún no hemos visto un ápice, sino de la terrible humareda que cosecha a su paso (y, aunque hubiera tenido su gracia, definitivamente la criatura que destroza media ciudad NO es el humo negro de Lost)... y de lo que se esconde en ella, ni más ni menos que la “sorpresita” de la que les hablaba.

Desde el preciso instante en que la gente se percata del peligro que corren ante esa amenaza desconocida, la cámara (obviamente, un amigo de Rob) sigue la incansable búsqueda del protagonista a la mujer que realmente ama, y con la que, precisamente, acaba de discutir esa misma noche. Repetición, pues, de la premisa que inundó la segunda temporada de la serie más popular del productor ejecutivo de Monstruoso: “Vivir juntos, o morir solos”. Es a partir de aquí cuando el director, Matt Reeves, incrementa notablemente la angustia de los protagonistas, con peligro en los lugares más insospechados, algo que acecha en la oscuridad, y, sobre todo, el miedo a lo desconocido.

Alguno dirá que [·REC], la fenomenal película de terror de Jaume Balagueró y Paco Plaza, consiguió con muchísimos menos elementos atemorizar al espectador y hacerle sufrir hasta el punto de que este desease, como nada en el mundo, que la película llegase a su fin. ¿Tiene para el género de terror mayores aptitudes [·REC] que Cloverfield? Probablemente, pero quien imagine el último ingenio de Abrams como una película con la que pasar miedo, está muy equivocado. El guionista se ha centrado muchísimo más en las motivaciones principales de sus personajes que en la criatura, de ahí que, principalmente, Monstruoso tenga más de historia de amor que de terror.

Igual que Edgar Wright mostraba en su genial Shaun of the Dead una epidemia de zombies como otro obstáculo más en la complicada vida social de su protagonista, quien, a su vez, debía reconciliarse con su novia, enmendar las relaciones con su madre y enfrentarse a las responsabilidades que le asaltarán y, de hecho, le asaltan en su nueva vida, el monstruo de marras no representa más que un escollo en los accidentados amoríos entre Rob y su doncella en apuros, Beth.

Otro de los puntos a destacar de la película son los pequeños injertos de otra grabación realizada previamente a la de esa noche. En los momentos en que el cámara pulsa el botón de “Stop”, la cinta anterior es la que vemos en pantalla. De hecho, la película se cierra con el final de dicha grabación. Este desenlace decepcionará a muchos, pues no se revela nada importante del monstruo. En los diez minutos anteriores, el espectador ha tenido ocasión de verle de todas las maneras: alejado, cercano, de perfil, ¡incluso por dentro! Sin embargo, no llegamos a conocer su origen. Se dice ahora que este sí se puede averiguar, por ejemplo, en planos aparentemente irrelevantes donde no se ve nada que conste de verdadero interés, o incluso durante los títulos de crédito, en los mensajes cifrados que aparecen en la parte inferior de la pantalla. Habrá que buscar por Internet...

Por lo demás, no se trata de una película del todo redonda, ni siquiera en la consecución de sus planteamientos, que son del todo brillantes, pero que, al menos, sí que aporta mucho al género introduciendo algo que, por el momento, no habíamos visto, o al menos no de esta forma. Entretenida.

Calificación

7,25/10

Acorralados en Birmania

2008-02-05T21:41:00.001+01:00

Sin ataduras. Después de un regreso tan emotivo y bien recibido como Rocky Balboa, Sylvester Stallone vuelve con absoluta libertad para retomar las aventuras del famoso héroe de guerra John Rambo. En la sexta y última entrega de la que gozó su mítico personaje de boxeador, Stallone consiguió dar un broche de oro a la saga con un conseguido canto a la madurez emocional y la imposibilidad de volver la cara hacia lo que, en realidad, nacemos siendo. Aunque, en determinados momentos, John Rambo. Vuelta al infierno parece seguir derroteros similares, en esta ocasión Stallone ha optado por mantener las constantes habituales del protagonista, llevando a cabo una secuela más, algo superior, no obstante, a su segunda y tercera parte.

Se trata de un digno regreso, más por el tiempo que ha transcurrido desde que vimos la floja última entrega de la saga (Rambo III, en 1988) que por cómo se ha abordado, pues, en el fondo, estamos ante una secuela bastante corrientita en líneas generales, pero también con notables hallazgos en su conjunto. Con 61 años a sus espaldas, Stallone sigue dando golpes a diestro y siniestro, esta vez a unos militares birmanos que han tomado como rehenes a los misioneros que él mismo guió hasta la frontera. Lógicamente, los mamporros y demás se han visto reducidos a cinco intensísimos minutos situados cerca del desenlace que compensan plenamente el incesante parloteo que hay a lo largo del film.

Un par de frases sentenciosas y poco más salvan de algún modo la peor cara del film: hay dramatismo, pero este no resulta del todo efectivo. Lógicamente, nadie pagó para ver a su protagonista filosofando, pero Stallone ha optado, en esta ocasión, por presentar a su personaje de un modo alejado de toda estridencia, e incluso atormentado por sus propios recuerdos, pero en este aspecto, de algún modo, falla. Aunque, a primera instancia, no era necesario tal abordaje psicológico, el director ha perdido la oportunidad de llevar a cabo una apoteósica conclusión de la saga a partir de una certera deconstrucción del mito, del héroe, y de sus fantasmas del pasado.

Pese a ser complicado, a estas alturas, reprocharle a Stallone buena parte de las deficiencias con las que cuenta John Rambo, dada la abrumadora sencillez de su punto de partida, la película se presenta en exceso plana justo cuando no ocurre nada verdaderamente reseñable. La introducción es bastante interesante, mostrando una especie de competición llevada a cabo por el ejército birmano con sus prisioneros, y más tarde, la aparición inicial de Rambo no podría estar más conseguida. Con fondos cercanos a lo crepuscular, Stallone presenta a su icono a través del cansancio, de la lamentación, olvidándose de toda exageración e ironía.

Sin embargo, pese a su estupendo arranque, la película acaba por caer en lo obvio. Su premisa no puede ser más honesta, pero en cualquier caso el espectador siempre agradece que se le sorprenda con algún giro inesperado o vuelco en la trama. En John Rambo no ocurre nada de eso. Uno siempre sabe, al dedillo, lo que tendrá lugar en la próxima secuencia, y dada la funcionalidad de su dirección, la ejecución entre una y otra rara vez varía. Por momentos, lo único que se desea es que comience, al fin, la siguiente escena de acción, pues lo demás, si bien no aburre, tampoco es que enganche lo suficiente.

Menos mal que en su último tramo, Stallone recupera la garra y las ganas de dar espectáculo, brindando al espectador un brillantísimo último acto, cargado de fuerza y trepidancia. El director retrata la larguísima batalla final prácticamente como un instante de furia repentina, de arrebato, de enajenación por el sufrimiento. Unos minutos maravillosos, los más memorables de la película, muy por encima del resto del conjunto. Y, después, la calma. Realmente brillante.

Por lo demás, no se puede decir que, al igual que sus dos predecesoras, se recuerde demasiado por su calidad, pues se trata de una película entretenida y poco más. El problema es que Stallone sí podría haber ido más allá, pero ha preferido entregarnos otra secuela antes que redondear el mito. Es más divertida que el 80% de las películas de acción que se estrenan hoy día, pero no hubiera estado mal que, en una ocasión excepcional, el director se hubiese arriesgado un poco más. Buena conclusión, convencional film.

Calificación

6,75/10

Celebrities. Hoy: John Rambo

2008-02-03T13:10:00.000+01:00

El cine de acción no se entiende sin él. Es un mito, un héroe para muchos pese a las segundas lecturas que puedan tener sus películas. Sin embargo, el personaje bien podría desdoblarse en dos según "qué" tomemos como referencia. Aunque muchos parecen ignorarlo, antes de dar el salto al cine John Rambo fue el protagonista de la novela First Blood, de David Morrell, titulada aquí, literalmente, Primera sangre. También muchos parecen desconocer que, a pesar de que Acorralado no lo mostró así, el personaje de Rambo muere en la novela a manos del coronel Trautman (¡!), que a su vez también elimina al sheriff Teasle en mitad de un enfrentamiento entre ambos en la azotea de la casa donde se desarrolla la escena final. Morrell desaprobó que en la película se modificase tanto el desarrollo del film como el propio comportamiento del personaje, que originalmente era un frío asesino perturbado por sus recuerdos de la guerra, para quien no quedaba otra cosa más que luchar. Eso sí, se llegó a rodar una escena en la que Rambo se suicidaba, pero los implicados en el proyecto, y especialmente Stallone, decidieron que era mejor que ésta no viese la luz. Sin embargo, en los albores del dominio de Reagan, Acorralado se convirtió en un auténtico éxito de público, el cual vio en Rambo una nueva figura de acción, un héroe, un ídolo al que admirar. La opinión de Morrell sobre el nuevo trato otorgado al personaje cambió por completo y, mareado por los millones de billetes verdes que su creación estaba generando, decidió olvidarse del fatal desenlace del protagonista novelizando así la segunda y tercera entrega de la saga. Pero, ¿quién es John Rambo?

John James Rambo nació el 6 de Julio de 1947 (anecdóticamente, Stallone nació ese mismo día un año atrás) en Bowie, Arizona, en el seno de una familia con raíces alemanas e indias. Al concluir sus estudios en el instituto se alistó en el Ejército de los Estados Unidos precisamente el día en que cumplió 19 años, en 1966, y en Septiembre fue destinado a Vietnam. Al año siguiente regresó a Estados Unidos, comenzando a entrenarse como miembro de las Fuerzas Especiales en Fort Bragg, Carolina del Norte. Un par de años después volvió a Vietnam en otro frente distinto, hasta que, en Noviembre de 1971, fue capturado por las fuerzas norvietnamitas en las inmediaciones de la frontera china. De este modo, fue conducido a un campo de prisioneros de guerra, donde se le sometió a fuertes torturas que le dejarían marcado eternamente. En el año 1972 logró escapar, pero le asignaron a otro frente. Dos años más tarde, finalizó su servicio y regresó a casa. La primera película tiene como partida la dificultad de Rambo para adaptarse a la vida civil, y ocurre ocho años después de su regreso a casa, cuando descubre que todos sus compañeros en el frente han muerto, y además acaba de perder su empleo como mecánico en un taller de coches.

¡¡¡ALERTA DE SPOILERS!!! En los siguientes apartados, se analiza la saga película por película. Si lo creen conveniente, no lean las de aquellas que aún no han visto.

En 1982, Ted Kotcheff estrenaba Acorralado, película que adaptaba la novela de David Morrell, que sigue las andanzas del ex-boina verde John Rambo en su particular contienda contra las autoridades de la pequeña localidad de Hope, Washington. Sorprendentemente, la película se convirtió en un enorme éxito de taquilla, logrando una gran aceptación entre el público, que no tardó en ensalzar a su protagonista como uno de los grandes héroes del género (a pesar de que, técnicamente, su filosofía no sea muy admirable...). El film muestra como el protagonista es arrestado por vagabundear y resistirse al arresto, viéndose sometido, más tarde, a crueles tratos por parte de la policía del lugar, que le asesta varios golpes y le humilla. Durante todo esto, a Rambo le viene a la cabeza el tiempo en que estuvo apresado en Vietnam, y no se lo piensa dos veces a la hora de propinar varios golpes a aquellos a quienes tiene alrededor con tal de escapar. El protagonista roba una motocicleta y huye a las montañas, donde establece un fuerte, armándose y borrando a su paso todo aquel que pretenda darle caza. El sheriff Teasle recurre a la Guardia Nacional, que envía al coronel Trautman, antiguo oficial al mando de Rambo. El propio Trautman avisa: "No vengo a salva a Rambo de ustedes, sino a ustedes de Rambo". Poco tiempo después, la Guardia encuentra el escondite del protagonista y lanza una granada autopropulsada. Todos le dan por muerto, cosa que Rambo aprovecha para escapar a través de los túneles que dan con la carrretera principal del pueblo. Más tarde, tras provocar varios destrozos, es rodeado y mantiene un duelo dialéctico con Trautman, para después entregarse y ser apresado. Acorralado encumbró más aún a su protagonista, Sylvester Stallone, que acababa de alcanzar el éxito con las primeras entregas de Rocky, y encontró en este personaje otro auténtico icono del cine todavía por explotar. Aunque no posee el estátus de "cumbre del género", se trata de una película bastante entretenida, de gran popularidad en el momento de su estreno, pese a que sus secuelas empobrecieron bastante la calidad con la que se recordaba el conjunto. Bien narrada, con 'flash-backs' muy bien situados que ejercen de ráfagas en el herido recuerdo de su protagonista, Kotcheff logra otorgar a la película gran sentido del ritmo y del espéctaculo, interesando en todo momento. Sólo una pega: su final. Es la gran conclusión de todo y la situación no está nada mal planteada, pero Stallone no es muy buen actor que se diga, y la escena en la que él debe llorar mientras expone los motivos de su enfado queda incluso algo ridícula, y esto, además, si pasamos por alto la discutible ideología que envuelve dicha secuencia. Como curiosidad, David Caruso, conocido por su papel de Horatio Caine en CSI: Miami, tiene un pequeño papel en el film.

Tres años después, concretamente en 1985, el ya fallecido George Pan Cosmatos, director de Cobra, Tombstone o Conspiración en la sombra, tomó las riendas de la saga con Rambo: Acorralado II, secuela que, pese a no guardar muchas similitudes con la película original (por no hablar de la novela...), consiguió aún mayor éxito que su antecesora en taquilla, y por supuesto fue lapidada sin problemas por la crítica, obteniendo los Premios Razzie a Peor Película, Guión, Actor y Canción Original ("Peace in our life"). Fue, no obstante, el film que más ganacias género el año de su estreno, sólo por debajo de Regreso al futuro. Grandes tiempos para el cine. En esta película, Rambo permanece encarcelado por lo acontecido en la primera entrega, cuando de repente recibe la llamada del coronel Trautman, quien le visita para hacerle una oferta: tomar parte en una misión en Vietnam y, a cambio, recibir el perdón presidencial. Por supuesto, Rambo acepta, y más tarde se le comunica su tarea: hacer fotografías. Obviamente, el protagonista rechaza frontalmente quedarse de brazos cruzados en medio de todo un conflicto bélico, y decide atacar, sin calentarse la cabeza, al enemigo. El principal responsable de la operación es el teniente Murdock, a quien sólo le preocupa su riqueza y el indiscutible poder de la nación. Este decide abandonar a Rambo tras saber que no ha cumplido con su misión, sino que ha ido más allá, y que, para más inri, lleva con él a un prisionero de guerra. Rambo jura venganza, y deberá plantar cara al ejército soviético, que más tarde elimina a su compañera, Co Bao (que, en principio, iba a ser un hombre al que interpretaría... ¡John Travolta!). Rambo liquida al ejército y llega a su destino, para salvar a los prisioneros americanos. Allí, amenaza a Murdock, obligándole a volver a Vietnam para rescatar a los hombres que quedan allí. En mi opinión, se trata de un film en exceso denostado pues, pese a hacer gala de un fascismo ultra-acentuado, cumple sobradamente con su función de entretener, aunando bien el espectáculo y la imprescindible "acción por la acción" con momentos de buen cine de género, bien rodados e incluso de gran intensidad. Y es que se nota quién escribió el guión original: ni más ni menos que James Cameron, que en ese momento también preparaba Terminator y Aliens. El regreso. De todos modos, Stallone rectificó no pocas páginas del libreto, por lo que no es un dato del todo fiable a la hora de ver la película. ¿Inverosímil? Mucho, pero no creo que nadie esperase otra cosa. Muy divertida.

De nuevo, pasaron otros tres años hasta que Rambo volvió a aparecer en las pantallas de cine de todo el mundo, en la que sería su última peripecia comercial de la época (no lo olvidemos, ahora Stallone ha regresado 20 años después con John Rambo. Vuelta al infierno). Rambo III fue, en el momento de su estreno, la película más cara de la historia, y actualmente sigue siendo la más violenta jamás rodada. En esta película, Peter MacDonald, que hasta ahora había trabajado como operario y asistente de dirección en las anteriores entregas de la saga, tomó el mando de la dirección por primera vez en su carrera (más tarde, llevaría a cabo las poco agarciadas La historia interminable III o Soldado de fortuna, y se convertitía en uno de los principales responsables de la serie Historias de la cripta), elaborando un film que, no obstante, fracasó en su país de origen. La fórmula se agotó, y no lograron cubrir todo el presupuesto en el mercado doméstico, aunque bien es cierto que la recaudación mundial fue de vértigo. Sin embargo, ya sabemos que los americanos no hacen películas para el resto del mundo, por lo que los productores creyeron que era el momento de cerrar la saga. En Rambo III, nuestro "héroe" se encuentra en Thailandia ganándose la vida por medio de combates cuerpo a cuerpo. Sin embargo, no tardarán en volverle a reclamar. Rambo marcha a Afghanistán, donde el coronel Trautman ha sido capturado mientras trataba de suministrar armas a los 'muyahidines' afganos en su lucha contra los soviéticos. Rambo rescata a Trautman con la ayuda de estos, y elimina a todos los comandos soviéticos de la región. Como anécdota, las tropas soviéticas comenzaron a retirarse de la zona tan solo 10 días antes del estreno del film en Estados Unidos. También fue la última de la serie en la que apareció Richard Crenna (Trautman), fallecido en Enero de 2003 a causa de un cáncer de páncreas. Triste despedida de la saga para un buen actor, pues no es complicado darse cuenta de que, en efecto, Rambo III es la peor entrega de la, por entonces, trilogía. El personaje se siguió explotando del mismo modo que se hizo en la segunda, pero ya perdiendo por completo los ligerísimos y casi inofensivos ápices de verosimilitud que retenía la película de Cosmatos. No aburre (¡faltaría más!), pero se sigue más por amor al exceso que por cualquier otra cosa. Tiene incluso un toque paródico desmesurado, pero no creo que hubiese intención alguna de incluirlo. De todos modos, es justo reconocer que tiene unos cuantos momentazos: la carrera (para la que Sly utilizó el mismo caballo que Harrison Ford en Indiana Jones y la última cruzada), el rescate de Trautman, la cura de la herida con la cerilla, o la escena final. Para mear y no echar gota.

Próximamente, reseña de John Rambo. Vuelta al infierno.

Encuestas

2008-02-02T17:50:00.000+01:00

Les seré sincero y conciso: estoy preparando la segunda entrega de 'Celebrities', que está vez estará protagonizada por John Rambo, por lo que contrarrestaré la falta de tiempo cerrando estas encuestas mensuales de un modo plano, rápido y eficaz.

Ojeando el número de votos, parece que la cosa no les ha entusiasmado mucho, por lo que, hasta nuevo aviso, me tomo la licencia de cobrarme una de las primeras víctimas de mi traslado a Blogspot. Ya se me ocurrirá algo peor.

Bien, en 'La Encuesta del Mes', que se corresponde obviamente con Enero, les consultaba con todas las buenas intenciones del mundo (ilusos...) cuál ha sido, bajo su punto de vista, la película de estas Navidades. El resultado ha sido muy previsible: Soy leyenda, el film más taquillero de la pasada temporada, ha sido también el que más ha gustado a la mayoría de los parroquianos de PC, por lo que, con un 55%, se impone sin problemas al resto de candidatas. Inmediatamente por detrás se sitúa American Gangster, una de las mejores películas del pasado año, que consigue un 30% gracias sin duda a su hábil mezcla de intriga, acción e incluso sentido del humor. Una película de mafias como las de antes. El campanazo lo da Alvin y las ardillas. Aunque tan solo ha conseguido un 10%, es más de lo que, al menos, un servidor esperaba de ella, que era concretamente una cuarta posición. La película ha sido un sorprendente éxito de taquilla y ha salido la mar de rentable gracias a su presupuesto, por lo que los productores se pueden dar con un canto en los dientes. Segurísimo que habrá secuela. Probablemente, La búsqueda también cuente con una entrega más, pues El diario secreto ha funcionado satisfactoriamente, pero desde luego, los lectores no han quedado muy contentos con las nuevas aventuras de Nicolas Cage y compañía. Únicamente un alma cándida ha votado la película de Turteltaub, significando así un mediocre 5% para un film que aspiraba, supuestamente, a plantar cara a Soy leyenda.

En el 'Duelo de Titanes', dos jóvenes directores de cine de terror se enfrentaban con motivo del estreno de Halloween. El origen. Alexandre Aja ha ganado al director de esta última, Rob Zombie, uniéndose así al resto de nombres que han conseguido una reseña aquí. Estos son los ganadores del 'Duelo de Titanes' con una crítica pendiente de realizar:

Steven Spielberg: La lista de Schindler
Tony Scott: El último Boy Scout
Pixar: Los Increíbles
Quentin Tarantino: Pulp Fiction
Joseph L. Mankiewicz: Eva al desnudo
George Clooney: Confesiones de una mente peligrosa
Alexandre Aja: Alta tensión

Dicho esto, vuelvo a mi reclusión. Estoy viendo Acorralado: Rambo II, y en un par de horas voy a ver John Rambo. Vuelta al infierno, la nueva entrega. Con esta parsimonia, sólo nos queda rezar para que cumpla con las fechas acordadas: el 'Celebrities' de Rambo tiene que estar para mañana al mediodía, y la reseña de la nueva película, para el Lunes. ¡Felicidades a todos los que se llamen Fortunato!

Fuera de contexto: "Old Boy"

2008-01-31T23:30:00.000+01:00

Sugerida por: Alberto Q.

Brillantísima película de Park Chan-Wook, que adapta una novela gráfica de mismo título y, a su vez, conforma el núcleo de una trilogía sobre la venganza que también incluye los títulos Sympathy for Mr. Vengeance, anterior a este, y Sympathy for Lady Vengeance, estrenado aquí el pasado verano. Supuso un éxito monumental el año de su exhibición en cines, consiguiendo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y el premio a la Mejor Película en Sitges. Galardones sumamente merecidos y quizá insuficientes para la que se ha convertido, por méritos propios, en una de las más importantes e influyentes películas de los últimos tiempos, una verdadera joya que situó a Corea del Sur, el país de origen del director y, por ende, de la película, en el mapa cinematográfico, compartiendo protagonismo con otros excelentes trabajos que nos han ido llegando de Asia en el presente siglo (siendo uno de los casos más recientes la estupenda The Host, de Bong Joon-Ho).

Uno de los detalles más significativos de Old Boy es que, prácticamente, nunca presenta -ni trata de hacerlo- similitud alguna con trabajos de corte parecido que ya han tratado el suculento tema de la venganza, innovando en todo momento a través de una estética rompedora y un guión espléndido, confuso, abrumadoramente bien definido, casi con reminiscencias ‘kubrickianas’ (por ejemplo, en el empleo de música orquestada en momentos de ultraviolencia, como ya hiciese el Altísimo con Beethoven en La naranja mecánica). Old Boy es, en todo momento, una película originalísimamente tratada, que reventaría los esquemas del ‘thriller’ de no ser porque incluirla de un modo tan directo en dicho género, cuando en realidad trata muchísimos más, sería algo un tanto superficial.

La narración, ni lenta ni en exceso ágil, se aleja bastante de las pautas marcadas permitiéndose dar caprichosos saltos en el tiempo, insertos de personajes en lugares que no deberían corresponderles, ‘flash-backs’ reconvertidos en más de una ocasión en paralelismo del presente o del futuro más inmediato, etc. Sin embargo, esto no debe espantar a nadie: aunque la cosa no es muy fluída que se diga, todo se entiende a la perfección, no hay elemento que no quede explicado con absoluta exactitud, ya sea en su final o en cualquier otro tramo del film, y, aunque nunca puede dominar tanto como le gustaría el contenido y más que obvio poderío de las imágenes que circulan frente a sus ojos, el espectador no pierde jamás el interés por la historia, dado que su apasionadísimo guión está escrito casi con las tripas, de modo trepidante y asfixiante, gustando en todo momento, debido también a unos personajes deslumbrantemente perfilados y definidos. Un maldito prodigio.

Extraordinaria realización, por otra parte: Park Chan-Wook mueve los hilos de un modo excepcional, causando incluso cierta hipnosis a través de un particularísimo dominio de la técnica que queda impregnado en unos encuadres millonarios, sublimados por una soberbia dirección de fotografía, llevada a cabo por Jeong Jeong-Hun.

El monumental núcleo del enjundioso contenido de Old Boy queda maravillosamente recreado en unas imágenes que no se comen la valía de la historia, que convierte al espectador en fiel cómplice de la venganza de un hombre que busca la verdad, el porqué de todo, encumbrado a través de un espectacular epílogo, que ha causado discordia y que, a mi gusto, es el perfecto desenlace, cargado de anabolizadísimas segundas lecturas, y que, por otro lado, difiere del original, el mostrado en el cómic. Los últimos planos, incluidos aquellos que acompañan a los títulos de crédito, son de una belleza inimaginable. Fascinante, por otro lado, el modo de tomar curvas narrativas de una secuencia a otra.

En cuanto a los actores, la gran mayoría están extraordinarios (impresionantes Min-Sik y Ji-Tae), pero quienes hayan visto la película doblada comprobarán cierto problemilla: las películas asiáticas suelen ser, en general, difíciles de adecuar a las voces españolas. En la mayoría de las ocasiones, se suelen contratar a profesionales cuyo tono sea similar al de los actores originales; de ahí que, en el caso de las películas asiáticas, en las que los intérpretes tienen habitualmente unas inflexiones en la voz muy particulares, suelan darse incómodas traslaciones. Sea como sea, siempre es recomendable tratar de verlas en versión original con subtítulos, aunque para ello haya que hacerse, por narices, con el DVD original.

Concluyendo, esta vez sí que debe uno fustigarse en el caso de no haber visto Old Boy, a pesar de que el hipócrita que esto escribe haya visto la película hace un par de horas. En serio, pocas veces he tenido tan claro estar ante un verdadero clásico: no cabe duda de que, con el paso de los años, esta película se va a convertir en un episodio importante en la cinematografía de principios del nuevo milenio. Aunque, con las películas que me convencen de este modo, tiendo a ser apasionado, no crean que exagero lo más mínimo, pues Old Boy es, en verdad, extraordinaria.

Calificación

9,50/10