La venganza del cinéfilo sarnoso

El mundo según Greenaway (en 100 objetos)

2009-05-25T09:18:00.000-07:00

Como se me desvanece el tiempo y sus recuerdos, carajo. Ya son casi diez años de la presentación en México de la obra “100 objetos para representar el mundo” de Peter Greenaway, y no es sino hasta ayer que encontré en el baúl de las telarañas el programa de mano que contiene los textos que acompañan a cada uno de estos objetos. Les pido que lean la presentación y el texto del primer objeto. Si resultara de su interés, puedo postear todos los textos.

Crítica de cine: me sirve y no me sirve

2009-03-17T15:17:00.000-07:00

“Se concibe la crítica de cine como un ejercicio de claridad, como un desentrañar lo oculto, como una obra paralela a la misma película e incluso como un objeto independiente del cine, que persigue a su modo el conocimiento. Lo otro, es decir, la acumulación de referencias, nombres, anécdotas, no es más que un desplante de la memoria que sobrevive haciendo ejercicios matinales. En suma, la crítica de cine es filosofía o es aerobics.

Un filósofo que practica la crítica de cine es el eslavo Slavoj Zizek; lo hace sin llamarnos la cabeza de bisutería, o referencias sin sentido. En un ensayo de su libro La suspensión política de la ética (FCE, 2005), dice que si uno desea leer a Kafka se requiere realizar un enorme esfuerzo de abstracción para hacer a un lado las interpretaciones convencionales e internarse en el desolador universo de su escritura, recuperar como lector “una especie de ingenuidad infantil para ser capaz así de sentir la tremenda fuerza de su universo”.

Algo similar sucede con el buen cine, con la obra de un director de peso: si se quiere entrar hasta la cocina hay que saber mirar, tener paciencia, no debocarse ensayando interpretaciones apresuradas. Sin esa mirada atenta, dispuesta a sumirse en el misterio, no hay nada más que una experiencia intelectual que, en el mejor de los casos, se disipará en unos cuantos días. Pero a veces tenemos tan mala suerte que esas impresiones premeditadas se transforman en letra escrita o se divulgan en los medios.

Estamos saturados de ejercicios aeróbicos. En vista de que el cine es en la actualidad un medio avasallador, su crítica podría ofrecernos una literatura, o un comentario decoroso, ejercicios capaces de crear zonas de imaginación paralelas. Lo contrario, el rodeo aeróbico, es lo más común en nuestros días. Si se deseara visitar un límite podríamos decir que la crítica de cine es prescindible, pues para ver una película o apreciar una obra sólo requerimos sensibilidad, una mirada atenta, capacidad de asombro. Sin embargo, una afirmación semejante es, en casi todos los casos, un dislate. La crítica, cuando lo es, puede echar raíces por sí misma y dar buena sombra a los caminantes.”

Guillermo Fadanelli

Revista Nexos – Julio 2006

Estimados lectores, desde hace un buen tiempo me encontraba en un conflicto con respecto a este blog y mi manera de reseñar películas. Me di cuenta de que lo que había vendió haciendo era más bien una especie de ejercicio aeróbico (mínimo) cuando lo que en verdad quería hacer era compartir mi reacción visceral ante la imagen en movimiento. Así que, adiós a los datos inútiles, que vivan el impulso frenético y la sed de sangre.

¿O acaso les sirven de mucho los detalles de edición y fotografía? Para los clavados completistas y contadores de tentáculos matrixianos, basta con dirigirse a imdb, allmovie.com y páginas similares donde encontrarán aquello de lo que no están hechos los sueños: datos, referencias, filmografías y fría, gélida, erudición.

Ceguera: El desperdicio de la palabra y las ideas

2009-02-20T10:41:00.001-08:00

Ceguera: El desperdicio de la palabra y las ideas
Dirección: Fernando Meirelles
Guión: Don MCKellar sobre la novela de José Saramago
Fotografía: César Charlone
Edición: Daniel Rezende
Intérpretes: Juliane Moore, Alice Braga, Yoshino Kimura, Mark Ruffalo, Yusuke Iseya, Danny Glover, Gael García Bernal.
Origen: Japón, Brasil, Canadá - 2008
Duración: 120 minutos
Aspecto en pantalla: 1.85:1
DVD: Buena Vista Home Entertainment

Al final se encendió la señal verde y los coches arrancaron bruscamente, pero enseguida se advirtió que no todos habían arrancado. El primero de la fila de en medio está parado, tendrá un problema mecánico, se le habrá soltado el cable del acelerador, o se le agarrotó la palnca de la caja de velocidades, o una avería en eln el sistema hidraúlico, un bloqueo de frenos, un fallo en el circuito eléctrico, a no ser que, simplemente, se haya quedado sin gasolina, no sería la primera vez que esto ocurre. El nuevo grupo de peatones que se está formando en las aceras ve al conductor inmovilizado braceando tras el parabrisas mientras los coches de atrás tocan frenéticos el claxon. Algunos conductores han saltado ya a la calzada, dispuestos a empujar el automóvil averiado hacia donde no moleste. El hombre que está dentro vuelve hacia ellos la cabeza, hacia un lado, hacia el otro, se ve que grita algo, por los moviemientos de la boca se nota que repite una palabra, una no, dos, así es realmente, como sabremos cuando alguien, al fin, logre abrir una puerta. Estoy ciego.

José Saramago - Ensayo sobre la ceguera.

*

En una ciudad no identificada (en Estados Unidos ya que todos hablan inglés) una extraña ceguera espontánea se disemina entre la población sin que el gobierno pueda hacer algo para controlar el contagio masivo. Al principio los infectados son recluidos en viejas instalaciones que aparentemente fueron hospitales psiquiátricos, y en donde en principio se da una convivencia relativamente tranquila que eventualmente desemboca en una jungla en la que impera la ley del más fuerte y en la que el sexo se convertirá en moneda de cambio. Eventualmente todos, o casi todos en el país quedarán ciegos.

Flaco favor le hicieron al maestro Saramago al adaptar su “Ensayo sobre la ceguera” ya que aquello que en la hoja de papel era una profunda reflexión sobre la compasión y al mismo tiempo sobre la crueldad del ser humano, se convirtió en una cinta extrañamente inerte en la que a pesar de los esfuerzos del director por trasladar en imágenes la tragedia inherente a la pérdida de la visión, se queda en una especie de viñetas que llegan a cuajar como un todo coherente. Y es que entre secuencias brutales como aquella del voluntario sometimiento de algunas mujeres al deseo carnal de los poseedores de raquíticas raciones de comida, hay otras en las que ni actor ni directores ni espectador alguno pueden llegara a creer lo que se dice, lo que se muestra e incluso lo que se sugiere.

Sí, hay que verla como referencia de otro escritor cuya obra sigue esperando justicia de las imágenes en movimiento.

El joven Torless: El horror no existe si lo ves de cerca

2009-01-01T14:22:00.000-08:00

El joven Torless: El horror no existe si lo ves de cerca

Dirección: Volker Schlondorff

Guión: Volker Schlondorff basado en la obra de Robert Musil.

Fotografía: Franz Rath

Edición: Claud Von Boro

Origen: Alemania, 1966

Aspecto en pantalla: 1.75:1

Duración: 87 minutos

DVD: Decepcionante versión de Criterion Collection (pudieron haber limpiado un poco más el negativo ya que parecía transfer de película de Pedro Infante).

Austria, principios del siglo pasado. Un internado para varones. Uno de ellos, atormentado por la falta de recursos económicos y las deudas contraídas con sus compañeros se ve orillado a robar. Al ser descubierto por sus compañeros empieza a ser torturado, física y verbalmente por tres de ellos con tal de no ser denunciado a las autoridades. Pero todo tiene un límite que llega a al ser colgado literalmente como un puerco a punto de ser eviscerado.

No cabe dudad que nadie como tus iguales para fastidiarte la existencia. ¿O alguien tiene dudas con respecto a la terrible crueldad de la que son capaces los niños al interior de las escuelas? ¿de cómo son capaces de exhibir y ridiculizar cualquier asomo de debilidad en su compañeros? Porque de cierto estoy que las escuelas no sirven para formar sino para quebrantar espíritus y voluntades.

El joven Torless, en un principio participe y después cuestionador de la crueldad llega a una conclusión terrible: de nada sirve conmoverse, de nada sirve tener piedad, de nada sirve tratar de intervenir. La locura, la crueldad y la violencia se encuentran desatadas y de nada sirve tratar de hacer algo al respecto. ¿O acaso sirven de algo los llamados a la paz, súplicas, plegarias y demás llamamientos en cuanto al cese del sistemático aniquilamiento del pueblo palestino? Hemos aprendido a convivir con la violencia y la crueldad que unas cuantas cabezas cortadas más poco pueden significar ya.

Por eso me resulta difícil desearle lo mejora los que quise y quiero. Lo mejor no está al llegar. Nos está esperando el infierno. Y no hay nada que hacer para evitarlo.

Hiroshima Mon Amour: El amor entre las ruinas

2008-11-13T12:42:00.000-08:00

Hiroshima Mon Amour: El amor entre las ruinas

Dirección: Alain Resnais

Guión: Margarite Duras

Fotografía: Sacha Vierny

Música: Georges Delerue

Edición: Jasmine Chasney

Intérpretes: Emmanuelle Riva, Eiji Okada

Origen: Francia/Japón 1959

Duración: 88 minutos.

Aspecto en pantalla 1.33:1

DVD: Bellísima edición de Criterion, adquirida por menos de 50 pesos en el botadero de Blockbuster de Av. México en GDL.

Con afecto para Iwaly.

- No viste nada en Hiroshima. Nada.

- Lo vi todo. Vi el hospital. Estoy segura.

- No viste nada en Hiroshima. Nada.

- Cuatro veces en el museo de Hiroshima. Vi gente caminando, perdida en sus pensamientos, entre las fotografías, las reconstrucciones a falta de algo más. Las explicaciones a falta de algo más. Cuatro veces en el museo de Hiroshima. Miré a las personas. Perdida en mis pensamientos miré el metal retorcido. Tan vulnerable como la carne. Vi el amasijo de tapas de botella. ¿Quién lo hubiera pensado? Carne humana, suspendida como si aún estuviera viva, su agonía aún reciente. Masas anónimas de cabello, el que las mujeres de Hiroshima al despertar descubrían haberse caído.

Nunca una película o un documental sobre las bombas atómicas caídas en Japón me habían impresionado tanto como los primeros 20 minutos de esta cinta. Lo que empieza como un juego visual de dos cuerpos entrelazados, se convierte en un recuento (desde la perspectiva de una turista) del nivel de destrucción alcanzado y las secuelas (físicas y mentales) con las que tuvieron que vivir los desafortunados sobrevivientes de Hiroshima.

Pero entre los resabios del dolor surge algo que se parece al amor entre un hombre que es consciente de que su propia tristeza jamás será entendida por aquella que viene de lejos (Tú no has visto nada), y la mujer que entiende que aquel a quien ama jamás podrá ser consolado. Porque, de cierto estoy, no hay amor que pueda restañar las heridas ni bendecirnos con el olvido. Está bien, puede surgir entre las ruinas, ¿pero para qué?, ¿para hundirnos más en el recuento de daños?, ¿o será que sólo necesitamos algo a que aferrarnos?

Magistral cinta de Alain Resnais, en el que el breve encuentro entre un arquitecto japonés qu perdió su familia y su ciudad en el bombardeo atómico y una actriz francesa nos lleva a un viaje en el que se pretende exorcizar los demonios del sufrimiento y la angustia, y al mismo tiempo la búsqueda de la compasión final.

Incomprendida durante mucho tiempo, su para entonces novedosa mezcla de material documental con ficción, representa para un servidor la forma misma que tenemos de vivir el dolor de la memoria. Aparentemente todo ha pasado pero al mismo tiempo es la piedra que se carga sobre los hombros recordándonos en todo momento de dónde venimos. Pero no hay una dirección a dónde ir. Sólo quedan los pequeños esfuerzos para vencer a la muerte diaria. Pero también son inútiles. Y lo seguro y definitivo es el adiós.

Este es para mí, junto con A bout de Souffle de Jean-Luc Godard, los filmes que representan el espíritu de la nouvelle vague francesa, y no las postreras cursilerías de Francois Truffaut.

Les comparto la secuencia inicial dividida en tres partes.

MONSTRUOS CONTRA ALIENS !!!

2008-11-04T11:37:00.000-08:00

MONSTRUOS CONTRA ALIENS !!!

Este es el trailer más cool que hay visto en años. Ese niño interno mío que se regocijaba en las matinées de Godizlla está al borde del delirio histérico:

Quiero ver esta película, quiero verla YA!!!

3-Iron: El silencio, un fantasma, la pasión

2008-11-03T07:35:00.001-08:00

3-Iron: El silencio, un fantasma, la pasión

Dirección: KIM Ki-duk

Guión: KIM Ki-duk

Fotografía: JANG Seung-bae

Edición: KIM Ki-duk

Intérpretes: LEE Seung-yeon, JAE Hee

Duración: 90 minutos.

Origen: Corea del Sur, Japón 2004

Aspecto en pantalla: 1.85:1

DVD: Film House. Edición modesta con algunos extras. Por lo menos está en presentación widescreen. A un servidor le costó 29 devaluados pesos (original), por lo que no es necesario buscarla con su pirata de confianza.

Un hombre del que nunca sabremos su nombre (y jamás escucharemos hablar), se dedica a pegar volantes de promoción de comida rápida. Una vez pegados, regresa horas más tarde para identificar las casas o departamentos que están solos y entrar en ellos. Una vez adentro, lo que menos hace es robar, por el contrario, asea la casa, lava la ropa, e incluso arregla aquellos artefactos que presentan alguna descompostura. Su vida transcurre de manera relativamente apacible hasta que en una ocasión se da cuenta de que la casa que eligió no estaba sola. Hay una mujer maltratada por un marido salvaje. Entre los dos se empieza a desarrollar una relación marcada por el silencio y en la que ella participa y hace suyo el cotidiano operar de él. Pero nada es para siempre.

Dulce, hermosa cinta de KIM Ki-duk, en la que una relación de pareja surge no a partir de declaraciones, promesas o regalos (como sucede acá en la vida supuestamente real), sino de los gestos cotidianos, del hacer y cuidar más que del proponer. Porque en la carencia de palabras pude sentir la caricia profunda de la mirada, la invitación a descubrir universo en la sonrisa. Pero también, darse de frente con la realidad para, de forma dulce pero al mismo tiempo brutal, percatarse de que todo aquello en que se tenía fe, simplemente no existe. Es sólo un fantasma para acompañar el abandono. Pero ustedes y yo tenemos derecho a plagar nuestras respectivas soledades con todos los fantasmas con los que estemos en posibilidad de atormentarnos (y acompañarnos).

Indispensable para los que estén cansados de las palabras, para los que crean en fantasmas, para los que estén deseando amar.

Punto y aparte: En el material extra me sorprendió la rapidez vertiginosa con la que se filmó la cinta. ¿Cómo es posible que un filme marcado por la delicadeza y la ternura sea elaborado con casi la misma rapidez con que se realiza un videohome de Flavio Peniche?

This is Halloween!

2008-10-24T11:15:00.001-07:00

This is Halloween !!!

Llega el día de brujas y es tiempo de que su seguro servidor les recomiende clásicos del cine de horror para que se apaniquen y gocen de la adrenalina que sólo pueden provocar bestias espantosísimas, horrores de ultratumba, maldiciones milenarias y uno que otro nahual despistado.

Les paso mi lista de favoritas con su correspondiente tráiler (o alguna escena en su defecto):

1. El vampiro. Dirigida por Fernando Méndez, esta cinta pudo reinventar el mito del vampirismo adaptándola al medio rural mexicano. Disponible en una excelente versión con comentario de audio del maestrazo Germán Robles.

2. El resplandor. Delirante versión de la obra homónima de Stephen King. Quizá la mejor película de horror de todos los tiempos.

3. Event Horizon. A casi nadie le gustó, pero me cae que salí del cine con los pelos (y otra cosa) parados.

4. El bebé de Rosemary. En mi más tierna infancia pude ver este tráiler y me cae que me cagaba de miedo sólo de ver ese zoom hacia la carriola que transportaba al hijo del mismísimo chamuco.

5. El exorcista. No mames, salí del cine con ganas de confesarme. Y por cierto, se estrenó un 25 de diciembre. Mira que hay que ser perverso (yeah!).

6. The Thing. Cumbre del cine gore paranoico. Después de esta cinta, John Carpenter perdió totalmente su fuerza. No creo que regrese.

7. No mires ahora. Nicholas Roeg no necesitó litros de sangre, máscaras de hockey o monstruos dientones para erizarnos la piel.

8. Pesadilla en la calle del infierno. La original, la mejor. Wes Craven en su punto máximo. Después todo fue cuesta abajo.

9. La mosca. Espectacular remake de David Cronenberg. No ha vuelto al cine de horror. Nos quedaremos en un rincón obscuro esperando su regreso a este género.

10. El Vampiro Teporocho. Esto sí es espeluznante. No mames, el grado cero del cine, lo más horrible de lo putrefacto. Una vergüenza por donde quiera que se le vea. No aplica ni para placer culposo.

¿Cuales son tus favoritas?

Zabriskie Point: Blowing up the house!

2008-10-24T06:51:00.000-07:00

Zabriskie Point: Blowing up the house!

Dirección: Michelangelo Antonioni

Guión: Michelangelo Antonioni, Tonino Guerra, Sam Shepard, Clare Peploe

Fotografía: Alfio Contini

Edición: Franco Arcalli

Diseño de producción: Dean Tavoularis

Recitadores de diálogos: Mark Frechette, Daria Halprin, Paul Fix

Música: Pink Floyd, Grateful Dead, The Rolling Stones

Origen: USA, 1970

Duración: 112 minutos

Aspecto en pantalla: Originalmente presentada en el imposible formato de 3:0, la versión en poder de este cinéfilo es un transfer del VHS fullframe editado por Videovisa en los años 80. La calidad es irregular, pero ante la ausencia de un DVD oficial, seguiremos conformándonos con esto. Interesados, dejen un mensaje.

Escapando de un conflicto al interior de una universidad, un aparente rebelde sin causa roba un avioneta por diversión y empieza un viaje hacia ninguna parte que lo lleva al desierto, ahí conoce a una joven (y mariguanísima) secretaria que con la que tiene algo que se asemeja a un breve romance, aderezado con una especia de orgía terrosa. Por un destello de conciencia pequeñoburguesa decide regresar el avión con un bien pinche bonito decorado psicodélico, pero el proceso de devolución no estará marcado por la tersura.

Compendio temprano de lo mejor y peor de la filmografía y temáticas de Antonioni, Zabriski Point no debería ser vista más que como una curiosidad dentro de sus filmes ya que al haber sido su único film realizado en los USA, aparentemente chocaron sus intereses con la fascinación con la (contra) cultura jipiorebelde tardía de los años 60’s y en la que lo que importaba era estar en contra de todo sólo porque sí (cual fragmento de tribu perredista).

Si bien la cinta tiene múltiples problemas (actuaciones lamentables, fotografía irregular, diálogos al borde del ridículo) la secuencia final en la que una casa en la montaña es volada en pedazos como alegoría de la destrucción burguesa, tiene que ser vista para ser creída. Es la aniquilación convertida en poesía brutal, es la magia de la música de Pink Floyd en la que al mismo tiempo que se pide a Eugene que tenga cuidado con esa hacha, una barra de pan Wonder surca el infinito (y más allá) en una danza caótica fascinante. Y aquí se les dejo esta secuencia.

Y una secuencia que me hace desear que los de Criterion dejen de rascarse las espinillas del trasero y editen pero ya, en Blue Ray, esta película:

David Lynch: plagiando latinoamérica

2008-10-14T10:23:00.000-07:00

David Lynch: plagiando latinoamerica

Mis estimados sarnosos:

Con sorpresa y desencanto me doy cuenta de que David Lynch no es un genio, es un vil plagiador de la creatividad latinoamericana, específicamente de nuestros hermanos ecuatorianos.

Se que los fans de este señor exigirán de inmediato mi cabeza (chupen limón!!!) en un palo (les dejaré un recuerdo, faltaba más) y mi cuerpo quemado en leña verde, pero la magia de Youtube no deja lugar a dudas, Mr. Lynch plagió un video de Los Conquistadores en su filme más reciente, Inland Empire.

No me creen? A las pruebas me remito:

Original:

Copia vil:

Si tomaron en serio este post, creo que están leyendo el blog equivocado.

Mis viejas salas de cine III

2008-10-09T12:34:00.000-07:00

Mis viejas salas de cine III

Pa' mis compas Chepo y Luis Arturo, por pedotes...

Mi querido amigo, el malignísimo Chepuita Descalzo me invitó a tomar un cafecín, pero como todos ustedes saben, lo que empieza con tierna cordialidad por lo general acaba degenerando en una pinche pedota marca mierda. Total que por influencia del Traumatólogo Perverso acabamos en La Fuente, una de las cantinas de rancio abolengo del primer cuadro de Guanatos. Este lugar donde corre el licor que da gusto y cantan tenores negros al compás del amor que ni se olvida ni se deja, fue el espacio donde de manera por demás desordenada y lépera abordamos temas que fueron de la fundamentación del ateísmo a las virtudes de los churritos con un chingo de limón y salsita (más, póngale maaaas).

Pero por si ustedes, mis queridos sarnosos, nunca se han estacionado de noche por el centro de esta ciudad, me permito comentarles que sencillamente está del nabo, especialmente si uno acude por la zona del edificio Mulbar con ánimo levantar un humilde chichifo vestido como Gloria Trevi, pero con manos, boca y voz de Barack Obama. Total (si me hubieras querido) que nos estacionamos como A TRES PINCHES PINCHES CUADRAS de la susodicha cantina (y yo al punto del truene del boli) y ni pedo, a caminar.

Ya casi para llegar pasamos por la Sala Greta Garbo, un lugar pequeñito en el que hace muchos años se exhibían películas clásicas o de segunda vuelta (no digo corrida porque luego nunca falta un pinche lépero malintencionado). En ella pude ver cintas que iban desde Woody Allen, hasta The Song Remains The Same de Led Zeppelin.

Pero la vida es dura para los circuitos alternativos, no les ha quedado de otra más que exhibir pelos, tetas y penes enhiestos con tal de no morir. Por esa pantalla en la que alguna vez estuvieron los rostros de Bogart y Bergman, ahora danzan en complejas coreografías las generosas plasticidades de Jena Jameson, Shyla Stylez, Nikki Anderson y tantas y tantas tetas, coños y pitos anónimos.

Mi vieja sala de cine, ese lugar en el forjé buena parte de mi cinefilia, ahora es un espacio para el placer solitario. Triste condena esta la de mis mejores espacios y recuerdos, fueron devorados por una ciudad lujuriosa que no conoce la piedad, apenas y acaso comprende que el placer fugaz requiere de pocas monedas.

Y por cierto, cuando exhiban “Por chicuelinas vol. 6”, no se la pierdan chiquitines! Les resultará más inspiradora que un curso intensivo con Alex Dey.