Jazz, ese ruido

QUIET NIGHTS

2009-11-30T00:02:00.000-08:00

Experimentos con la bossa a través del tiempo

Quiet nights fue uno de los discos más conflictivos de Miles Davis. Por un lado, el trompetista atravesaba un bajón creativo después de que se editara Seven steps to heaven, un álbum resultado de mezclar dos sesiones distintas, una de la costa este y otra de la oeste grabada en Nueva York. Su siempre inquieto genio buscaba una dirección original para su camino. En palabras de Ian Carr, “cuando la visión de un músico de jazz comienza a fallar y pierde el rumbo, la única forma de salir del estancamiento es volver a las raíces”. Miles lo hizo y sorprendió al mundo grabando dos temas de los años 20: Basin Street Blues y Baby Won’t You Please Come Home.

Encontrar el camino no es una misión instantánea y Columbia se adelantó. El año anterior (1963), Miles había grabado con Gil Evans algunos temas en un intento por encajar la bossa nova en un esquema de orquesta de jazz. La productora, con la complicidad de Teo Macero, completó estos 20 minutos orquestales con temas que Miles había traído de sus sesiones en la costa oeste con Victor Feldman, Ron Carter y Frank Butler, y publicó Quiet nights. El resultado fue un álbum heterogéneo, pequeño, sorprendente y que consiguió que Miles culpara a Teo Macero y dejara de hablarle durante más de dos años.

Ahora, caminando al borde del jazz, Diana Krall vuelve a editar un álbum con el mismo título: Quiet nights (Verve, 2009). Sólo guarda con el anterior un vínculo: el reclamo exótico de Brasil y la bossa nova tal cual la entienden los norteamericanos, como un ritmito dulce que viene de Sudamérica y de sus playas, nada que ver con la samba ni la algarabía de los carnavales...

Lo cierto es que ninguno de los temas grabados por Miles y Gil están en el álbum de Diana Krall, que no es otra cosa que un homenaje al repertorio (al Brasil) de Jobim y Gilberto, aunque sólo haya tres temas brasileños... y el único interés de este nuevo CD es, quizás, averiguar cómo Krall trae todo este material de bossa a su propio terreno, ese territorio de nadie (podríamos llamarle crossover) en el que sabe mezclar tan bien orquesta y jazz. Los otros ingredientes son la presencia de Garota de Ipanema (aquí llamada The boy from Ipanema), esa eterna canción sobre la belleza inaccesible que nunca me canso de escuchar, y un DVD con tres canciones grabadas en vivo en Lisboa.

La magia del DVD se resume en que los temas que suenan vuelven al esquema jazzístico del cuarteto porque, sin orquesta, Diana Krall se mira más en el espejo del jazz y nos devuelve ese don que la hace única: su forma, primitiva y elegante al tiempo, de tocar el piano. Cuando “se deja” acompañar por orquesta, pierde parte de ese encanto que tanto me atrae. En este disco, además, los arreglos orquestales de Claus Ogerman retrotraen la bossa nova a ritmos tan lentos, casi callados (so quiet), que consiguen llevar el jazz a un punto en el que parece que el tempo se detiene. Y, sin embargo, fíjense, me gusta.

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* La foto de Gil Evans y Miles Davis es de una de sus últimas colaboraciones. Desconozco el autor. Aparecía como portada del disco Mosaic: Miles Davis/Gil Evans-The complete Columbia studio recordings.
** La de Diana Krall es de Jordi Roviralta, extraída de Elpais.com.

UN DÍA VOLVERÉ

2009-11-23T00:50:00.000-08:00

París como exilio predilecto

París y el jazz, un binomio inquebrantable. Nadie duda que, si hay un epicentro creativo en el jazz en Europa, ése es París. Durante las décadas (especialmente) de los 50 y 60, todos los músicos americanos que salían de su país se instalaban en París. La especial receptividad del público francés, la abundancia de clubes ya existentes en la orilla izquierda del Sena y la relajación moral, muy diferente a la impuesta por las políticas de McCarthy en los USA, impulsaron a muchos músicos a cambiar de aires e instalarse allí.

Hubo otras muchas razones, por supuesto, como la acumulación de antecedentes penales por el tema de las drogas o la radicalización de ciertas posturas racistas norteamericanas, que coincidieron con una mayor concienciación de los colectivos negros por sus derechos civiles. De esto último trata, en cierto sentido, Un día volveré (originalmente titulada Paris Blues y dirigida por Martin Ritt en 1961). Un músico negro (Sidney Poitier) que vive afincado en París, donde toca en un club de jazz en el que goza de cierto pretigio, conoce a una turista americana, también de color (una jovencísima Diahann Carroll) de la que se enamora. Ella lo pone entre la espada y la pared, o entre el jazz de París y el regreso a Estados Unidos, convencida de que su deber es no huir sino luchar in situ por los derechos civiles de los negros.

Desde el punto de vista cinematográfico, la película es una floja historia de amor, y sólo Joanne Woodward es capaz de crear un personaje fuerte y con carácter. Sin embargo, desde el punto jazzístico, Paris Blues acumula méritos para ser una cinta de culto entre los aficionados. Por un lado, está la fabulosa banda sonora de Duke Ellington, que acompaña cada momento de la película y creo que es, junto con Anatomía de un asesinato (Otto Preminger, 1959), su mejor composición para el cine. Por otro lado, está Louis Armstrong interpretando a Wild Man Moore, un trompetista de gira con su orquesta por Europa. De las dos breves apariciones de Satchmo en la película, la segunda, cuando irrumpe con su banda en el club donde tocan los protagonistas, desafiando uno por uno a todos los músicos de la banda, es fabulosa. Él toca, su trompeta señala y desafía a cada uno de los músicos, y éstos responden como en las mejores jams. Un momento jazzístico glorioso que podéis ver en este video:

También hay muchos otros ingredientes: el escenario, un club subterráneo de la orilla izquierda, con un público entregado y heterógeneo, muy auténtico; el músico interpretado por Serge Reggiani, que se debate entre la droga y sobrevivir por la música, nos devuelve la imagen de tantos músicos de jazz de la época; el bajista del combo es Guy Pederson y el pianista es Aaron Bridgers, quien fue pareja de Billy Strayhorn, a quien abandonó para exiliarse a París huyendo de la homofobia que inundaba América en 1947; el repertorio que toca el combo en la película (Mood Indigo, In a Sentimental Mood...) es imprescindible...

Muchas veces, las razones de un exilio no radican simplemente en de dónde se huye sino a dónde se elige llegar. París es, desde el siglo XIX, un referente del arte, un imán que atrae y revoluciona a los artistas que eligen instalarse allí. En el XIX fue la pintura, en el XX el jazz. ¿Fueron los músicos americanos quienes trajeron el genio a París o fueron ellos quienes recibieron su magia? Funcione en la dirección que funcione, París y jazz conforman un tándem increíble. La llegada de músicos de todo el mundo no ha cesado. París espera siempre. Los clubs, también. Llevo años diciéndolo. Un día volveré.

LEO GIANNETTO'S JAZZ PROJECT

2009-11-17T00:55:00.000-08:00

Todo pasa por el tamiz del jazz

Últimamente mis ansias musicales caminan en solo un sentido: el jazz. Hace un millón de años que no surge un músico o grupo de rock que me haga comprarme un disco. Para ser más concreto, mi melomanía es más bien una dicotomía. Por un lado, sólo escucho jazz. Por otro, sigo intentando recuperar aquel The Police de mis años de instituto, haciéndome con todos las rarezas, conciertos y apariciones sonoras que puedo recopilar, culminando esta pasión con el inolvidable concierto del Rock in Rio Madrid del año pasado. Como ya expuse aquí mismo hace unos meses cuando encontré el perseguidísimo disco de Bob Belden, todo aquel que versione algún tema de Sting se convierte en mi objetivo (y de mi tarjeta de crédito).

Leo Giannetto’s Jazz Project es el último gran descubrimiento de mi colección. Su Tributo a The Police (Audia Records, 2007) supone una revelación: un grupo de músicos versátiles capaces de enfrentarse a cualquier estilo de jazz. Ése es el proyecto real de Leo Giannetto: sus reinterpretaciones de los temas de The Police caminan en direcciones tan opuestas como el swing o el jazz latino, convirtiendo temas pop mil y una veces escuchados en piezas únicas, frescas y nuevas.

Lo que más me ha gustado de Leo Giannetto y su Jazz Project es su flexibilidad. Su visión global le permite enfocar lo que originalmente era rock progresivo desde un punto de vista jazzístico envidiable. Sus arreglos y “rearmonizaciones” suenan tan nuevas como si las acabara de componer, como si siempre hubieran sido jazz. No importa el espíritu primitivo del tema, él lo convierte en algo distinto (¡qué grande el final de Bring on the night) y estimulantemente original. Hago este vehemente comentario porque hacía tiempo que no disfrutaba de unas versiones como con éstas. No suenan tan elaboradas ni tan químicamente complejas como las de Bob Belden, por poner un ejemplo... Los (enormes) músicos que lo acompañan ponen jazz e improvisación en cada acorde, conocedores del abanico de posibilidades que pueden sacar de los temas y de sus instrumentos, creando constantemente sin repetirse, sin aburrir.

Leo Giannetto es un guitarrista uruguayo afincado en Galicia y ha publicado con LGJP, además del Tributo a The Police, dos álbumes. El primero fue Beatles & Jazz (2006) donde hace malabarismos tan brillantes como convertir Can’t buy my love en un blues (impagable el poderoso trabajo de Javier Constenla al piano y el acertado y lastimero aporte del saxo de Jose Nine) o hacer que Hey Jude y I’ll follow the sun suenen como baladas de tempo medio llenas de swing.

El último trabajo de LGJP es un álbum llamado Popjazz performances (2009) e incluye una amalgama excitantemente heterogénea de versiones que van desde U2, Bee Gees, Rolling Stones, Eric Clapton hasta Michael Jackson... Si bien la elasticidad creativa de Leo Giannetto sigue patente en este disco y su personal voz de crooner del siglo XXI no desmerece los arreglos, el resultado es desigual. En temas como Sultans of swing (Dire Straits) o Satisfaction de los Stones, el grupo pone toda su técnica al servicio de la improvisación y suenan momentos fabulosos, pero en otros como Layla (Eric Clapton) o Imagine (John Lennon) la rearmonización jazzística no cumple con su cometido y no pasan de sonar a temas pop a pesar del esfuerzo de los músicos. Quizás por esto el álbum se titule Popjazz performances... Hay raciones de jazz y raciones de pop. Para resarcirnos y para recordarnos que estamos ante un disco de jazz, el álbum termina con una versión llena de swing del Lady Madonna de The Beatles, donde después de la exposición del tema se suceden a galope los solos de todos los miembros del grupo, un derroche de virtuosismo e improvisación que casa perfectamente con el espíritu de LGJP. Al final, jazz.

LGJP son:

Leo Giannetto, voz y guitarra

Javier Constenla, piano

Diego Pérez, bajo

Carlos Arévalo, batería

Se les puede escuchar en Myspace: www.myspace.com/leogiannetto

Festival Noctambula 2009

2009-11-11T01:00:00.000-08:00

Más info en la página de la UHU

ACORDES Y DESACUERDOS (IV)

2009-11-08T01:22:00.000-08:00

Miles y Trane en el punto de mira

Mucho se ha hablado y se podría seguir hablando de la relación musical y humana de dos luminarias como Miles Davis y John Coltrane. No voy a hacerlo yo, que soy un simple aficionado.

Vamos a dejarlo en manos de profesionales. Aquí os dejo una nueva entrega de Acordes y desacuerdos.

I.
Teo Macero sobre Coltrane: “Sonreía como un niño cuando Miles tocaba algo que le gustaba.”

II.
Cannonball Adderly sobre Miles: “Estoy seguro de una cosa: uno no puede repetirse noche tras noche si toca con Miles Davis. Miles y Coltrane crean todo el tiempo y el desafío es tremendo [...] El grupo de Miles es lo que debería ser: es un laboratorio. Todas las noches tocamos música novedosa y emocionante. He aprendido muchísimo a su lado.”

III.
McCoy Tyner sobre Coltrane: “Fue un auténtico mensajero. La evidencia de que Dios todavía le habla al hombre.”

IV.
J.J. Thompson sobre Miles: “He grabado con Miles y sé cómo actúa. En la mayoría de los casos entra en el estudio ¡y con una toma alcanza! Pifias o no, no hay segundas o terceras tomas. Ésa es su filosofía en cuanto a la grabación.”

V.
Jeff Rosen sobre Miles, del libreto del álbum Ballads de Miles Davis: “La mayoría de los músicos presentan una imagen. Pones sus discos y siempre sabes lo que esperas. Luego está Miles.”

Miles Davis y John Coltrane - So What

ALFIE

2009-11-01T00:45:00.000-07:00

No paro de tararear

Nunca han sido los saxofonistas mi facción preferida del jazz y siempre he creído que Coltrane tenía parte de culpa. En los años 50 y en los 60, antes de que comenzaran a editarse los discos de Trane como líder, su forma de tocar fue evolucionando, sus solos se hicieron tan interminables como su imaginación y su instinto (musical) le permitían. Este don deslumbrante creó, como todas las genialidades, una legión de "hijos" que no siempre heredaron las dotes del padre. Así, cada vez que oigo a un saxo salirse de madre en la improvisación, dejar de lado las escalas y los modos y enrolarse en un tocar-y-tocar sin sentido como en una especie de masturbación mental que sólo encontrará su fin cuando el músico (no el tema, ni el público) esté saciado, pienso en la máxima de Miles ("Si la música no hace que se muevan tus pies, no es jazz") y me grito a mí mismo: ¡Cuánto daño ha hecho Coltrane!

Pero quizás el gran Coltrane no tenga toda la culpa. Lo que él hacía no es algo fácil de aprender ni de enseñar.

Lo cierto es que durante mucho tiempo oía a Coltrane y odiaba al resto de los saxofonistas. El primero que me redimió de este odio fue Sonny Rollins. La forma de tocar de Sonny es limpia y brillante, y desarrolla las melodías con el pulso justo para que la síncopa y el swing brillen donde tienen que brillar, frasea los chorus, sopla con una potencia inigualable, lo que no le "obliga" a improvisar porque sí, no, él tiene un plan y sabe a dónde va. Las diferencias entre Sonny y Coltrane (y no digamos sus "hijos") se aprecian perfectamente cuando Trane toca Like Sonny, el tema que compuso como homenaje a su colega, imitando su forma de tocar y componer:

No recuerdo si fue Saxophone colossus el disco que me devolvió esta fe, pero al que siempre vuelvo es a Alfie (Impulse, 1966), que, pienso, contiene los mejores solos que ha grabado nunca Sonny Rollins.

El corte que da título al álbum, Alfie, es un tema que describe perfectamente todo lo que he dicho más arriba sobre Sonny. Comienza como le gusta comenzar a Sonny, con el saxo dibujando el estrillo para que luego se unan el resto de los músicos, que aquí son dos trombones, otro saxo tenor, un barítono y un alto, además de la sección de ritmo. Después le toca el turno a la guitarra (qué grande Kenny Burrell) en un solo atmosférico y al piano, al que Roger Kellaway arranca notas insistentes, creando la tensión suficiente para que vuelva a sonar el tema, pero es Sonny el que reaparece con un solo distinto. El ambiente rezuma una tensión sostenida, con un ritmo contenido, hasta que finalmente se suceden estribillo tras estribillo hasta que el tema se hace adictivo. Puede que sea tan pegadizo que parezca comercial, pero a mí me deja siempre la sensación de que necesito escucharlo otra vez. En el disco hay otros temas, como el sensual On impulse, pero es escuchar Alfie y no puedo dejar de tararearlo. Aquí os lo dejo, a ver si os contagia:

Sonny Rollins estaba tocando en el Ronnie Scott's de Londres en 1965, cuando el director Lewis Gilbert contactó con él para pedirle que colaborase en la banda sonora de Alfie (1966). De esta época son las interesantes London sessions que se grabaron sin su consentimiento (quizás por esto el sonido sea tan malo) y que luego han salido a la luz. Según cuenta la leyenda, Sonny le pidió a Ronnie Scott permiso para quedarse en el club después de la actuación. Cuando salió, al amanecer, llevaba bajo el brazo la partitura de Alfie. Más tarde, el 26 de enero del 66, se grabarían los temas en el estudio de Rudy van Gelder en Nueva Jersey, con arreglos de Oliver Nelson. Todos los temas fueron compuestos por Sonny Rollins. El personal de la sesión fue el que sigue:

Sonny Rollins (saxo tenor)
J.J. Johnson (trombón)
Jimmy Cleveland (trombón)
Phil Woods (saxo alto)
Robert Ashton (saxo tenor)
Danny Bank (saxo barítono)
Roger Kellaway (piano)
Kenny Burrell (guitarra)
Walter Booker (bajo)
Frankie Dunlop (batería)
Oliver Nelson (arreglos, dirección)

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El de la foto es Sonny Rollins tocando en el Ronnie Scott's de Londres en 1965. Desconozco el autor de la foto.

PECOS BECK & TITO POYATOS BAND

2009-10-24T01:54:00.000-07:00

No todo estaba dicho sobre The Beatles

He vuelto a ver en directo a Tito Poyatos y su banda con Pecos Beck en el micrófono, esta vez en el Teatro Cinema de Corrales. Confieso que soy adicto a algunas cosas. Una de ellas son las versiones. El jazz está lleno de versiones y lo maravilloso es que casi todas aportan algo nuevo... aunque sea malo. En este caso, el juicio es positivo.

El granadino Tito Poyatos lleva tiempo demostrando que puede hacer caer en el tamiz del jazz todo tipo de música, desde Blood Sweat & Tears hasta la música cubana, pasando por The Beatles. En este caso, debo decir que todo lo que es capaz de aportar esta banda en una hora y algo de concierto no cabría en una entrada ni en diez de este blog. La sola mezcla de músicos (granadinos, cubanos, panameños, franceses...) sobre el escenario y las influencias que traen consigo alimentan una música ya de por sí genial, pero si le sumamos el inefable Pecos Beck esto se convierte en una orgía sonora. Con su look post-hippy y su inglés de madrugada, Pecos Beck pone voz a los temas de Lennon y McCartney en una onda Frank Sinatra que podríamos achacar a uno de los viajes ‘astrales’ de John Lennon. Le sale una voz a ratos bluesy (¿no es este el vocalista de la Blues Band de Granada) y a ratos a un Louis Armstrong que no encaja con su alocada imagen. Sin embargo, el resultado no choca, excita la imaginación, y nos arrastra con el peculiar sonido del piano de Tito Poyatos al río del jazz, de donde nos sacan a ratos los sones cubanos del trompetista Erik Sánchez, más brillante si cabe al fliscorno. En el grupo aparecen también Agustín Sánchez (Big Band de Granada) al saxo tenor (inspiradísimo en Eleanor Rigby) y mucho mejor al soprano (qué solo el de Here, there and everywhere), y el potente batería habanero Ramón González "El León".

Guiños al funky, al rock, al country e incluso a canciones infantiles redondean un puzzle donde la improvisación lo justifica todo. Y ahí es donde la banda gana más, no sólo de convertir Maxwell’s Silver Hammer o Ticket to ride en temas jazzísticos sino en cuanto que a los músicos se les permite improvisar con tanta libertad que en ocasiones el resto los deja solos en el escenario. Así, el percusionista puede dar todo lo que una batería puede entregarle, desde el swing hasta el free, o pueden los músicos permitirse el lujo de irse del escenario mientras Pecos Beck hace su solo de armónica, porque saben que durará varios minutos y pasará como una montaña rusa por tantos lugares que casi los he olvidado. El que más me gustó la primera vez que vi a este grupo fue el panameño Camilo Edwards al bajo eléctrico, anoche ausente y sustituido por otro bajista habanero. Aquella vez, el solo de Edwards en Come together, el tema de The Beatles que versionó Michael Jackson, derivó hacia la improvisación libre hasta encontrar el punto de partida para un homenaje que incluyó variaciones sobre temas como Human nature o Smooth criminal.

El de anoche volvió a ser un concierto completo, pleno de influencias y matices, que quedaría en una simple anécdota (otra tanda de versiones de The Beatles) si no fuera por la originalidad de los arreglos y por la maestría de los músicos.

Los podéis escuchar en Myspace: www.myspace.com/titopoyatosband.

Damas y caballeros, Tito Poyatos Band, impredecibles:

Tito Poyatos, piano

Erik Sánchez, trompeta, fliscorno

Agustín Sánchez, saxo tenor

Camilo Edwards, bajo eléctrico

Ramón González "el León", batería

Pecos Beck, voz, armónica

Foto-montaje de Jota.

ATHANASOPOULOS/PIN JAZZ QUARTET

2009-10-16T00:15:00.000-07:00

La serenidad hecha jazz

Seguimos (re)descubriendo el buen jazz nacional. Si hace unos días hablábamos de fusión al reseñar el disco de Organic Collective, ahora hablaremos de hard bop. Tengo en mis manos dos discos del guitarrista que aparecía en Organic Collective, el lucense Marcos Pin. El primero está firmado/titulado Pin.Cirera.Legido.Martínez (Free Code Jazz Records, 2007) ya que, aparte del mencionado guitarrista, aparecen los músicos Albert Cirera al saxo, L.A.R. Legido a la batería y Xacobe Martínez Antelo al contrabajo, y es una maravilla de colección, con temas que van del hard al post-bop compuestos por los mismos músicos e interpretados con una maestría indudable.

El segundo disco es Knock before (2009), firmado como Athanasopoulos/Pin Jazz Quartet, de donde se deduce ya desde la portada que el guitarrista comparte protagonismo con el saxofonista griego Thanos Athanasopoulos, un tándem impredecible en el que ambos instrumentos/músicos se complementan con una naturalidad fabulosa. Nos vamos a centrar este disco, por eso de la novedad, porque lleva fecha de este año y porque ofrece aspectos más interesantes.

El primero de ellos es que el sonido de este combo (Paco Charlín y L.A.R. Legido completan la formación) es más compacto y lúcido. El segundo, la perspectiva de los temas, compuestos cuatro por Athanasopoulos y cuatro por Marcos Pin. En los temas de ambos se ve la intención de hacer un hard bop brillante y sin complejos, demostrando que se pueden componer temas con una estructura y una melodía propias de los años 50 (Coffeology, por poner un ejemplo) y al mismo tiempo hacer que suenen nuevos y actuales. Otro aspecto fundamental es la serenidad que se respira en las interpretaciones. Tanto en las baladas como en los tiempos medios, podemos oír buenas dosis de improvisación sin que el instrumento se vea obligado a “levantar la voz” para ello, algo muy difícil en un músico de jazz que quiere darlo todo en una grabación. Para eso hace falta tener las ideas claras.

El resultado es un disco atmosférico, de los que dan más con cada nueva escucha, de los que demuestran que el lirismo no está reñido con la improvisación, donde los matices se acumulan, ya que, mientras Marcos Pin repasa, versátil, todas las influencias que ha tenido la guitarra de jazz (y de blues) en las últimas décadas, el tenor del músico griego rinde homenaje al baladista-entre-baladistas Dexter Gordon con un dominio absoluto de su instrumento. Porque una cosa es tocar y otra tocar una balada. Para muestra, hay que escucharlo. De los cuatro temas compuestos por Athanasopoulos, tres son baladas y el último un blues (The lost car keys walk) con un tiempo medio increíblemente subyugante, de esos temas que hay que volver a escuchar nada más terminan...

Me gusta especialmente la portada, que recuerda a los diseños de Saul Bass para los carteles de Anatomy of a murder (qué gran banda sonora de Duke Ellington) o El hombre del brazo de oro (otra película con el jazz como excusa, con un Frank Sinatra dramático).

Pero el disco tiene otros alicientes, como alguna incursión de Athanasopoulos en el soprano (Miss de Pater part 2) o el último regalo, un tema extra que cierra el álbum y que es cuantitativa y estilísticamente una sorpresa, una versión alocada y fugaz (1:23) de Salt peanuts. Digo sorpresa cuantitativa porque el tema no aparece acreditado en la carátula y estilística porque rompe con el lirismo que abunda en todos los temas del álbum y salta a otra dimensión, la del bebop reconvertido en jazz-rock, soul-rock o rhythm & blues... Lo que ustedes prefieran. Hay un poco de todo en este pequeño “desliz”, en el que la guitarra suena a rock y el saxo salvaje de Athanasopoulos nos retrotrae a no sé qué tema de los Blues Brothers...

Buen disco. Hard bop con un sonido actual. De los que se escuchan una y otra vez.

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Enlaces:

Marcos Pin: http://www.marcospin.es/

Thanos Athanasopoulos: www.myspace.com/thanosathanasopoulos

MATT SAVAGE TRIO

2009-10-09T00:53:00.000-07:00

La misteriosa relación entre música y matemáticas

Recientemente, un grupo de científicos realizaron a los ganadores de la Olimpiada Matemática Británica el test del Cociente de Espectro Autista, un cuestionario publicado en 2001 por Simon Baron-Cohen en el Centro para la Investigación del Autismo en Cambridge, con el cual se intentaba determinar si poseían síntomas de esta enfermedad. El resultado fue aplastante: los ganadores de la Olimpiada Matemática puntuaron muy por encima de otros candidatos como ingenieros y estudiantes de física.

Hoy en día son muchos los científicos que apoyan la tesis de que los autistas tienen una facilidad especial para las pautas abstractas en matemática. ¿Qué tiene esto que ver con la música? La música se produce por procesos físicos de carácter periódico (vibración, frecuencia, ritmo, rango, intervalo) y todos estos procesos se pueden explicar con un modelo matemático. De hecho, hay quien ha realizado curiosos experimentos asignando una nota a cada uno de los 500 primeros decimales del número Pi. La relación entre matemáticas y música está encuadrada en la capacidad de la mente humana para la abstracción, de ahí que se haya estudiado en pacientes con problemas de autismo.

Matt Savage es un pequeño músico de jazz afectado de autismo. Nació en 1992 en Massachussets y ya cuenta con nueve discos en su discografía. Su historia no es sencilla de contar. Después de detectar síntomas confusos y de reconocer por fin que el niño podía padecer el Síndrome de Asperger con hiperlexia, sus padres lo sometieron a terapias de integración auditiva para minimar su extrema sensibilidad a los sonidos y su rechazo sensorial, que lo hacían reaccionar violenta y defensivamente a todo tipo de sonidos. El resultado fue que Matt comenzó a cantar, a hacer preguntas y a preocuparse por las matemáticas. Tenía 6 años y medio. Una segunda terapia de integración auditiva lo animó a tocar música: primero un piano de juguete, luego una keymonica (armónica de juguete con teclas) y luego el piano. Antes de conocer a su primer profesor de piano ya leía música, conocía los tonos y no le costó dominar la técnica. En meses podía tocar “cualquier cosa” de oído.

Tras un año de clases, su interés se decantaba por hacer variaciones de las piezas, cambiando las notas, improvisando. Sus padres contactaron con el Conservatorio de Nueva Inglaterra. La audición sorprendió a los profesores, que lo aceptaron como alumno de jazz. Para recaudar fondos para la investigación del autismo, Matt Savage grabó un disco titulado One is not fun, but twenty is plenty. Después vino uno de piano solo en el que compuso casi todos los temas: Live in The Olde Hill. Con 9 años formó su propio trío con los adultos John Funkhouser al bajo y Steve Silverstein a la batería, demostrando que es capaz de crear composiciones e interpretaciones cada vez más complejas y sofisticadas, que no dejan de sonar, a pesar de todo, frescas e incluso imbuidas de cierto sentido del humor. A los 11, debutó en el Blue Note neoyorkino.

A la hora de escribir esto, el trío ha grabado ya 6 álbumes y Matt Savage está a punto de cumplir los diecisiete con una madurez musical inaudita, de la que puedo dar fe después de escuchar sus dos últimos discos de estudio: Cutting loose y Quantum leap. En su página web: http://www.savagerecords.com luce un slogan que me gusta especialmente: When genius and joy make a quantum leap (Cuando genio y goce dan un salto cuantitativo). Allí hay samples para escuchar y videos suficientemente elocuentes para justificar esta entrada. Que ustedes lo disfruten.

Savants: Matt Savage
Cargado por raulespert. - Vídeos de ecología, sociedad, economía y sostenibilidad.

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* En la foto, Matt Savage improvisando a cuatro manos con Wynton Marsalis, para quien hizo de telonero en un concierto televisado.

MAYBE IN OTHER LIFE

2009-10-02T23:49:00.000-07:00

Un nuevo cóctel llamado Organic Collective

Después de la entrada anterior acerca del órgano Hammond, mi subconsciente estaba inquieto. Echaba de menos algunos músicos que se me quedaron en el aire. Sin embargo, no era una cuestión de hacer un ensayo exhaustivo ni enciclopédico. Un vistazo a la discoteca me dejó constancia de que el órgano es el instrumento más popular en el jazz ni el más fácil de dominar. Predomina más en los grupos que hacen fusión y en los de rhythm & blues.

Volvió a mi mente Mauri Sanchís, a punto de sacar un nuevo disco, esta vez con composiciones vocales (se estrena como letrista) y con espectaculares colaboraciones. También Innersound Trio, el combo onubense del que hablábamos hace unas semanas, y un grupo con un sonido menos contundente y más soul: Organic Collective.

Organic Collective es un trío gallego (¡otra vez Galicia!) formado por el guitarrista Marcos Pin, que acaba de editar también como líder; Carlos López en la batería y Juan Galiardo en el órgano Hammond. En su primer disco como grupo, Maybe in other life (Audia, 2008) encontramos un jazz con toques de funky, soul, blues y fusión, mezclados sin excesos. Marcos Pin funciona como líder, ya que es el compositor de 7 de los 9 temas del disco. Él es quien pone el toque funky y casi toda la improvisación en los temas, sin mucho margen solista para el Hammond ni para la batería. Sólo cede un algo de protagonismo al saxo invitado en dos de los temas, Pablo Castaño. Afortunadamente, Pin es un improvisador nato, ama a su guitarra y le hace el amor (oigan cómo llega a gemir en Neo and Bach) a lo largo de cada tema generando estructuras libres que le permiten tocar a sus anchas sin aburrir ni un instante.

El resultado es un soul jazz moderado, con buenos momentos y el toque justo de funky, quizás no con unas grandes composiciones pero sí con músicos inspirados que ganan más y más con cada escucha, aunque yo les pediría un tanto por ciento extra de improvisación... y algún solo más del Hammond.

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Los solistas de Organic Collective:

* Web de Marcos Pin.

* Juan Galiardo en myspace.

* Carlos López en myspace.

* Audia Records.

RHODA SCOTT + KENNY CLARKE

2009-09-26T23:39:00.000-07:00

Los milagros del Hammond B-3

Cuando Laurens Hammond comercializó su primer órgano eléctrico en 1935 (el modelo Hammond A) ya hacía diez años que Fats Waller había usado el órgano de tubos para hacer jazz. Sin embargo, la intención original de Hammond no era la de crear un órgano para la música popular sino la de fabricar un instrumento que pudiera sustituir a los órganos de iglesia, grandes, caros de mantener y complicados de afinar. Tardaría 30 años en darse cuenta de que sus principales clientes eran bandas de rock’n’roll, rhythm & blues y jazz.

Aunque en un principio se dejó de fabricar en 1955, la popularidad del Hammond B-3 lo ha hecho pervivir hasta nuestros días y lo ha convertido en el órgano más usado de todos los tiempos, sobreviviendo a la llegada de instrumentos electrónicos más sofisticados, que incluían chips de memoria con melodías y arpegios pregrabados. ¿El secreto? La excitante sonoridad del B-3 se debe al efecto vibrato, que lo hace inigualable, y a ese efecto chorus, capaz de sonar como un órgano de tubos. Ambas características dotan al instrumento de un sonido “propio” e identificable.

Si Fats Waller introdujo el órgano en el jazz, Jimmy Smith lo elevó al trono de los instrumentos solistas con su espectacular forma de tocar. No hay ejemplo más evidente para poner nombre al B-3 que Jimmy Smith, pero gracias a Dios (el Dios del Jazz es benévolo y pródigo) su carrera ha tenido continuación en nombres brillantes como Joey de Francesco, Lou Bennet, John Medeski... o, por citar músicos españoles, Mauri Sanchís y Albert Sanz. Mi último descubrimiento detrás de un Hammond es Rhoda Scott. La acabo de pillar con las manos en las teclas.

No conocía a esta teclista nacida en New Jersey en 1938, pero por opiniones de amigos me entero de que es la sucesora de otra Scott, Shirley. Rhoda Scott, Shirley Scott. Simple coincidencia de apellidos y de virtuosismos a las teclas de un Hammond. Rhoda, que es la que suena ahora mismo en mi equipo de música, es una jazzwoman que domina los recursos armónicos y rítmicos del B-3 con una delicadeza increíble. Consigue abusar del vibrato sin romper la fluidez rítmica de los temas, que funcionan como una locomotora en plena carrera, llenos de adrenalina pero sin estridencias.

Nos hemos conocido gracias a uno de los últimos discos que he añadido a mi colección: Rhoda Scott + Kenny Clarke, de la colección Jazz in Paris de Gitanes, una grabación de 1977 que explica claramente el peso que un órgano puede tener en un combo de jazz: lo es todo, puede suplantar a casi todos los instrumentos y, como en este caso, sólo necesita la percusión para conformar un conjunto sonoro completo, cosa curiosa porque precisamente el Hammond B-3 es el único órgano de su familia que incluye acompañamiento de percusión, pero ¿quién renunciaría a tener a Kenny Clarke a la batería? Fue nominado entre los 5 mejores “baterías acompañando a un órgano” (Nominee in the category of the best “Organ drummer”, que dicen los americanos). La grabación incluye nada más y nada menos que nueve temas mano a mano, Scott y Clarke, órgano y batería, una combinación explosiva que alrededor de baladas impresionantes como It’s impossible y de fuegos artificiales del tamaño de Satin doll, y que es capaz de colorear de sonoridades nuevas a standards como On Green Dolphin Street o Now’s the time. Para enmarcar.

MATCH BALL

2009-09-21T23:50:00.000-07:00

El arte del trío según Borja Cao

El piano arranca con unas notas clásicas. Trae reminiscencias de Chopin y de Falla, pero la síncopa anuncia un trasfondo invisible que comienza a traslucirse cuando bajo y percusión surgen de la nada para arrastrar la melodía hacia el lugar que le corresponde: el jazz. El ritmo explota. El bajo rebosa swing. Los platillos sisean. Los americanos llamaban high hat a estos platillos gemelos sobre una varilla. Entonces, la melodía estalla. Es fluida y compacta, ideal. Después del chorus, el piano desaparece. El contrabajo se aferra a un solo clásico sin abusar del tiempo que le dan. El piano nos devuelve al chorus con unos momentos de improvisación (también) sin estridencias, enmarcado en la melodía, que no se rompe en ningún momento ni con exageraciones ni con excentricidades. Si alguien da la nota aquí es la conjunción de los instrumentos que forman el trío.

Parece que estuviéramos escuchando a Bill Evans pero es Borja Cao con su trío: Juan Cañada al contrabajo y Max Gómez a la batería. Odio las comparaciones, pero no he encontrado otra forma de describir esta forma casi “académica” de crear una melodía para trío de piano. Se llama El cielo puede esperar y es, sin duda, el mejor tema de su álbum Match ball (Audia, 2009).

Borja Cao es profesor de solfeo, pedagogía musical y música de cámara, y trabaja como profesor de piano en el Conservatorio Profesional de Música de Santiago de Compostela. Esto explica su dominio de la técnica y su vena clasicista a la hora de componer. ¿Qué explica la pasión con que arranca esas notas del piano? Borja Cao es un jazzman con la capacidad de brillar desde lo íntimo, como Evans (perdonen de nuevo la comparación), destinado a sorprender con la sensibilidad de sus teclas sin sobornarnos con parafernalias, esto es, construyendo música con la desnudez del trío, una de las formas más difíciles de triunfar, pero más gozosas para el espíritu de los que amamos el jazz.

Olvidaba reseñar que Match ball es su primera incursión grabada en el mundo del jazz. Adivino que el título, terminología deportiva, alude más a un desafío intelectual que físico, ya que los temas han sido grabados en vivo en el Teatro Principal de Compostela el 5 de mayo de 2009, un viejo subterfugio para abaratar la producción de un disco que, sin embargo, entraña los riesgos del directo y, a la vez, nos devuelve el sabor del jazz visceral, que la tecnología suele negarnos. Para muestra de esto, el último tema: Siéntelo, una prudente explosión de técnica de trío.

Si alguien se atreve a hacerse con el disco, encontrará baladas magistrales como House party y montañas rusas técnicamente perfectas como Xogo bonito (otra alusión deportiva) y hallará también otro ejemplo más de la avalancha de músicos gallegos que están irrumpiendo en el panorama del jazz made in Spain y que podemos sumar a figuras establecidas como Paco Charlín, Abe Rabadé o Pepe Evangelista, y a otros músicos jóvenes gallegos que estoy descubriendo. Mi próximo objetivo es encontrar tiempo para escribir sobre algunos que me han sorprendido enormemente.
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* Visita la página web de Borja Cao.

CHRISTIAN McBRIDE

2009-09-16T01:05:00.000-07:00

El regreso del bajista acústico

Después de vivir a la sombra (o al lado) de artistas como McCoy Tyner, Sting o Diana Krall, y tras protagonizar una serie de trabajos eléctricos, culminados con un triple CD en directo (Live at Tonic), el bajista Christian McBride vuelve como líder con un disco acústico que supone una vuelta de tuerca hacia sus orígenes.

En Kind of Brown (Mack Avenue, 2009) viene acompañado por su banda Inside Straight, un quinteto compuesto por el saxo alto Steve Wilson (Dave Holland Quintet, Chick Corea’s Origin), el vibrafonista Warren Wolf (qué músico más impresionante), el pianista Eric Scott Reed (Wynton Marsalis) y el baterista Carl Allen, una formación puramente hard bop. Los temas son de Christian McBride, aunque incluye un tema de Freddie Hubbard: Theme for Kareem.

El título es un juego de palabras entre Kind of blue (evidente) y el también colorido apellido del mentor de McBride, Ray Brown. También sirve para marcar una meta. El disco es una vuelta a los orígenes del bajista, y se agradece ese esfuerzo de McBride de volver a su origen acústico. El sonido del quinteto es tan compacto, tan rítmicamente irrefutable que uno tiene por momentos la impresión de estar escuchando un disco de finales de los 50 o principios de los 60, fuente de la que ha bebido a pesar de comenzar su carrera en los 90... Unos apuntes de soul jazz redondean el embrujo. ¿Estará naciendo una nueva corriente de hard bop?

No quiero resaltar ningún tema en especial porque el resultado del álbum es compacto y desmerecería el resto. Sólo añadiré que oyendo este disco uno se olvida de que, en un quinteto con saxo, el saxo suele ser el protagonista. Aquí la estrella es la sección rítmica. McBride y el baterista Carl Allen son el colchón rítmico ideal, inagotable, que fluye sin fisuras con un sonido perfecto y por momentos virtuoso. Reed al piano y Wolf al vibráfono son mágicos, indecentemente sincopados y subyugantes, el tipo de músicos con el que uno se queda después de haber oído todos los temas, como si el resto no hubiera tocado después de todo. Pero no es así. Este es uno de esos discos que están hechos como nos gustan: incluyendo en las melodías muchos huecos para la improvisación, y es aquí donde brilla más el quinteto, en las genialidades interpretativas, en la capacidad para improvisar sin salirse del grupo. Rainbow wheel es un buen ejemplo de esto, pero es en Stick and move, un temazo, exigente pero no pretencioso, donde los músicos se mueven como si estuviesen en una jam y donde cada uno encuentra su momento de gloria.

El efecto del disco es excitante, deja una resaca con ganas de más. Ojalá todos los discos fueran así.

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Foto de Ron Hudson: Christian McBride tocando con Ray Brown.

Christian McBride en wikipedia.

ANTHEM

2009-09-09T01:56:00.000-07:00

Homenajes y otros motivos para hacer buen jazz

Hacer un disco-homenaje o un disco basado en un desastre que ha conmocionado a la sociedad, como por ejemplo el huracán Katrina, suena oportunista. Esto no es discutible. Lo discutible es la motivación. La de Christian Scott es emocional, sin duda alguna, a la manera en que lo han hecho también Terence Blanchard con este mismo tema: A tale of God's will (A requiem for Katrina) (Blue Note, 2007) y Allen Toussaint con The bright Mississippi (Nonesuch, 2009). Hacer un buen disco es lo que importa, en definitiva, y creo que Christian Scott casi lo ha conseguido con su Anthem (Concord, 2007).

Digo casi porque, en mi constante búsqueda de trompetistas actuales, prácticamente sólo encuentro hijos putativos de Miles. Esto, que puede ser una virtud más que un defecto, produce resultados extraños, como el tipo de fusión jazz-rock-electrónica que abunda en el disco de que hoy hablamos. Miles fue un innovador, un descubridor, un visionario, pero cuánto daño ha hecho a los que no se deciden a aceptar el canon jazzístico y se permiten "innovar" cuando están faltos de ideas.

Falto de ideas no está precisamente Christian Scott. Su trompeta (a veces corneta, a veces fliscorno) escapa a esta crítica a los músicos sin inspiración. El (a menudo) sonido minimalista de Scott nos devuelve la inspiración de Miles con un toque nuevo. Es un músico que siempre quiere ir más allá de lo que está en el panorama. Su disco, conceptual y por tanto justificable, se mueve dramáticamente en torno a la narración del desastre con estos dotes y esta forma de entender el jazz.

Comienza con un tema elocuentemente titulado Litany Against Fear (Letanía contra el miedo), repetitivo como una oración (una letanía) y donde la fusión se hace presente. El siguiente tema es Void (Vacío) y se mueve lentamente apurando los silencios como parte de la composición. Es el vacío que precede a la tempestad. Unas notas de piano, dramáticas, dan paso a Anthem (Antediluvian Adaptation), que nos quiere mostrar Nueva Orleans antes del desastre, con toques que auguran que algo inevitable va a ocurrir. Desde ahí hasta su versión Anthem (Post Diluvian Adaptation) ocurre todo. Fusión, toques de rock, emoción contenida, ritmos rotos, melodías conmovedoras. ¿Es nuestra conciencia de conocer de antemano los hechos o es la música que nos inspira?

Puede que Anthem no se convierta en uno de mis discos preferidos (prefiero su Live in Newport) pero es de esas grabaciones que no dejan indiferente. Aunque conceptual, está lleno de matices y estilos, un puzzle que incluye temas com Re: donde el ritmo nos remite al hip hop, ámbito donde Christian Scott colaboró con Mos Def y Jill Scott, o la deliciosa balada Katrina's Eyes, un relato instrumental, reconfortante, en el que el trompetista dice haber querido expresar lo que se siente al ser mirado por una hija. En medio de un desastre no es poco consuelo. Como escritor, valoro la intención del músico al intentar expresar algo tan difícil de decir. Él esperó dos años para grabar este disco. Nueva Orleans sigue esperando que muchos de sus barrios sean reconstruidos. El drama, por tanto, sigue ahí.

El personal del disco:

Christian Scott: corneta, trompeta, fliscorno, piano y trombón
Aaron Parks: piano, synth bass, Fender Rhodes y sintetizador
Louis Fouche: saxo alto
Walter Smith III: saxo tenor
Matt Stevens: guitarra
Esperanza Spalding: bajo
Luques Curtis: bajo
Marcus Gilmore: batería

JAZZ EN PUNTA

2009-09-03T01:31:00.000-07:00

XVIII Festival de Jazz de Punta Umbría

En otras convocatorias, ha contado con las memorables actuaciones de Missing Stompers, Carita Boronska, Jorge Pardo, Chano Domínguez, Antonio Mesa, Antonio Esperón, Bob Sands... Suele incluir cine y exposiciones.

¿Lo peor? Poca, poquísima información en la red sobre el festival, algo que debería mejorarse si lo que se pretende es que alcance algún día el status de popular.

Hasta donde llega nuestro conocimiento, ésta es la programación:

Día 4 de septiembre:

Big Band de la Escuela Municipal de Música de Punta Umbría
Cordelia

Día 5 de septiembre:

The Cherry Boopers

Los conciertos en el Teatro del Mar, 23.30. Las entradas, a 5€.

BIRD

2009-08-29T00:02:00.000-07:00

Sombra y luz, un fantasma

Hoy es 29 de agosto. Si Charlie 'Bird' Parker viviera cumpliría 89 años, una edad a la que algunos jazzmen se han acercado (Hank Jones nació dos años antes y sigue tocando) a pesar de que existe una maldición en el jazz que hace morir jóvenes a (casi) todos los genios.

Pero no nos pongamos luctuosos.

Bird era un hombre incómodo, inconformista, innovador, imprevisible, impuntual y a veces inconsciente. Era divino y, por encima de todo, humano. Todo esto aparece en la cinta de Clint Eastwood Bird (1988) con la que el director demostró que se puede hacer un biopic sin caer en el panegírico. Bird, sin ser una biografía exhaustiva (se centra en los últimos momentos de su vida) del músico, construye una exégesis acerca de lo humano dentro del artista donde los errores, como en la vida misma, pesan más a la postre que los aciertos.

Creo que esta noche volveré a visionar la película. Me sentaré en el sofá y miraré la televisión, reiré cuando Parker ría y me rendiré a la evidencia de que ha muerto cuando la escena muera con él. Cuesta entender que un genio así no siga en pie. Por fortuna, en los años que vivió, para ganarse la vida tenía que estar siempre en el estudio y no son pocos los discos que nos legó.

En la foto, Charlie 'Bird' Parker esperando. Quizás no llegara tarde siempre, a fin de cuentas.

JAZZ ON A SUMMER'S DAY

2009-07-26T04:28:00.000-07:00

Revisitando el final de los inocentes ‘50

He leído en algún sitio que se vuelve a reeditar el documental de Bert Stern Jazz On A Summer’s Day, un documento gráfico y sonoro irrepetible, una oportunidad de retroceder en el tiempo para ver sobre un mismo escenario a un lote de músicos casi imposibles de reunir (Sonny Stitt, Thelonius Monk, Max Roach...) o ver y oír a vocalistas como Anita O’Day haciendo su inconfundible e inimitable scat. Son ochenta y tantos minutos de música en ese momento a finales de los '50 en que el jazz buscaba nuevos caminos mientras que sobrevivían músicos en la línea más clásica. Aún no había llegado el jazz modal ni estallado el free, y América miraba a la música negra mientras algunos sectores intentaban perpetuar la inocencia racial y cultural de esta década. Para no saltarme ninguno, he aquí una lista de los músicos que aparecen:

Jimmy Giuffre con Bob Brookmeyer y Jim Hall
Thelonious Monk con Henry Grimes y Roy Haynes
Sonny Stitt y Sal Salvador (en la foto)
Anita O'Day
George Shearing
Dinah Washington
Gerry Mulligan Quartet con Art Farmer
Big Maybelle
Chuck Berry
Chico Hamilton Quintet
Louis Armstrong and his All-Stars
Louis Armstrong con Jack Teagarden
Mahalia Jackson

En esta época del año en que los festivales proliferan por toda la península como si no hubiera otra para escuchar jazz (no la hay, claro, si lo que se pretende es sacar el jazz a la calle), esta imagen retrospectiva de lo que en 1958 era un festival veraniego de jazz, con sus aficionados y sus neófitos, sus estrellas y sus profanos, es tan refrescante como un poco de brisa marina en un día de calor.

Cierto que en el Newport de Jazz On A Summer’s Day aquel 4 de julio de 1958 xno parecía hacer mucho calor (el público lleva chaquetas, no todas de verano) o no debía hacer calor (en el pase de día, las sillas del público están colocadas al sol). Esto me remite al aspecto que más me fascina de este documental/musical: el público. Los espectadores del festival (jóvenes blancos bien vestidos, intelectuales con gafas, elegantes negros, parejas mayores, domingueros con ropa de playa) son los extras más perfectos que he visto jamás en la pantalla. No sólo se mueven o actúan como si lo que hacen estuviera en un guión sino que son los personajes más originales e inesperados que te puedes encontrar. Cada vez que la cámara encuadra a algún sector del público o a algún espectador en concreto constituye una sorpresa. Tipos y arquetipos del final de aquellos inocentes ’50, que la cámara de Bert Stern captura con afán de un biólogo dado a las rarezas de la Madre Natura.

Creo que la versión que se reedita ahora en DVD contiene además un CD con la banda sonora y un documental sobre el documental en sí. Igual lo pillo si la desaceleración económica lo permite. El sueldo de bloguero no da para tanto.

Que el verano sea largo, si lo podéis llenar de jazz.

JAZZ vol. 3

2009-07-19T02:54:00.000-07:00

Músicos, a la palestra

Debería bastar con citar que el Conservatorio Superior de Música de La Coruña tiene una Departamento de Jazz para explicar por qué Galicia viene siendo un magnífico semillero de músicos de jazz. Nombremos a pianistas como Iago Mejuto o Abe Rabadé, consagrados, bajistas versátiles como Paco Charlín, el guitarrista Pepe Evangelista o la percusionista Lucía Martínez, de quien ya hemos hablado aquí.

De esta especialidad del conservatorio acaba de aparecer un CD titulado Jazz volume III, grabado en La Coruña el 17 de abril de 2009, con un quinteto formado por Ricardo Costa (trompeta, fliscorno), José Manuel Rodríguez (saxo tenor), Jacobo de Miguel (piano), Gustavo Hernán (contrabajo) y Miguel Queixas (batería).

Todos los músicos son alumnos del Conservatorio, estatus que explicaría que, por encima de la brillante calidad de la grabación, en las versiones se prodigue más un clasicismo calcado de los intérpretes originales de los temas grabados que las improvisaciones y aportes personales de los músicos actuales, que los hay, pero menos. Esto, que podría ser un defecto más que una virtud, dice mucho de la altura de la grabación. Dejemos la improvisación para los directos.

Con todo, este disco que debería ser un trampolín para pasar de la escuela al CD, nos muestra un repertorio enorme y maduro, que comienza con Milestones de Miles Davis, con esa alegría contagiosa de la batería en 4/4 con Miguel Queixas como un Philly Joe Jones redivivo y los continuos juegos de tensión/distensión del ritmo de la composición de Miles, que la sección rítmica (piano, batería y el impecable contrabajo) lleva aquí casi al extremo. Entre temas de Coltrane (Moments notice) y Hancock (Maiden voyage) hay composiciones originales: Con tacto, del pianista y organista Iago Mouriño, una balada por y para piano; Hojas multitaladro, extraño título para un tema con un aire hard bop delicioso, compuesto por Jacobo de Miguel; y Punto de cruz, de Ricardo Costa, muy clásica. Para terminar, el quinteto aborda sin complejos Take five, el tema de Dave Brubeck Quartet, con su seductor riff de saxo en 5/4 (de ahí el título). Aquí, en formato de quinteto marca, además, un solo de trompeta y unos cambios de tempo que apuntan originalidad.

Resumiendo, mucho swing y un sonido limpio y excitante. Otro descubrimiento. Confiemos en ver a estos músicos dentro de poco liderando sus propios combos...

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(*) La foto es de César Quian, y la he sacado de La Voz de Galicia.

VIDAS FINGIDAS

2009-07-11T02:34:00.000-07:00

Fetichismos musicales en épocas de crisis

Rob Gordon (John Cusack): "El fetichismo musical es como el pornográfico. Me sentiría culpable al cobrarles si no fuera porque yo soy como ellos".

Sí, he vuelto a ver High fidelity (Stephen Frears, 2000, basada en la novela de Nick Hornby). Me siento a gusto con sus decorados llenos de vinilos y su forma de ver la vida a través de los discos. Creo que, de alguna forma, expresa una forma de sentir la vida, en especial cuando Rob saca todos sus discos de las estanterías de su casa (en la foto) y los reordena autobiográficamente.

Es posible que yo no sea un fetichista musical por el hecho de que mi sueldo no me lo permite, pero tengo empeño. De hecho, he estado buscando entre mis vinilos y mis cedés algún disco raro que mereciera la pena sólo por el hecho de tenerlo físicamente y no lo encuentro. Nunca he sido de los que se compraba el mismo álbum dos veces porque tuviera una portada distinta. Otra cosa es el afán acaparador de todo coleccionista...

En el blog Impronta de jazz leí hace tiempo un artículo llamado Disco es cultura sobre el fetichismo musical, sobre nuestras relaciones afectivas con los discos como objetos, sobre nuestra dependencia de las tiendas de discos y de la pérdida de este contacto físico debido a la preponderancia del mp3. Lo cierto es que, oyendo música por los auriculares, mientras uno hace deporte o viaja, pierde de vista esas portadas maravillosas, esos datos sobre personal de los libretos, estudio de grabación, fechas... que realmente nos son tan queridas... El artículo termina con un relato del libro Memorias de un ladrón de discos de Carlos Sampayo, libro que, automáticamente, acaba de convertirse en objeto de deseo para este que firma, digamos, en fetiche (futuro).

El tacto de los cedés no es como el de los vinilos. Deberíamos estar de acuerdo en eso. Tener un vinilo en las manos, con su enorme portada de 12" era todo un placer. Sí, hay discos que sólo por la portada merece la pena tenerlos. De los cedés sólo se aprecia la cantidad de páginas que cabe en su booklet. ¿He dicho yo esto? ¿Dónde está mi fetichismo musical? Sigo buscando un disco que merezca la pena tener como objeto físico y no por lo que suena. ¡Tengo uno! Se trata de una recopilación de Satchmo Jazz Records (¿Qué ha ocurrido con Satchmo? Su tienda online está de liquidación. Editó tan buenos artistas...) que se llama Vidas fingidas (SJR, 2002).

Vidas fingidas es mucho más que un disco. Es una especie de disco-libro, disco-comic o algo parecido. Alterna diez relatos cortos de Juan Ferrer, que en la voz de Jordi Dauder suenan a blanco y negro, con personajes al límite, tahures, boxeadores, músicos de jazz, con sus correspondientes diez temas de jazz interpretados por los artistas de Satchmo, un amplio abanico nacional que va desde Perico Sambeat, Xavi Maureta o Juan Camacho hasta vocalistas como Celia Mur o Amelia Bernet. Lo físico del disco, lo que justificaría el fetichismo, son las ilustraciones de Josep Maria Cazares, que calzan a la perfección con los relatos hard boiled de Juan Ferrer, convirtiendo el disco en una obra de arte visual con estética de comic y una cuidada y elegante presentación en libreto de cartón con un inserto para el disco, lo que hace que, a pesar de su tamaño, siga pareciendo un libro en nuestras manos.

"Para un tipo como yo, nada a perder ni nada a ganar, es una muy buena ocasión para volver a sentir el escalofrío que provoca una buena mano; esa sesión de psicología que dura eternamente mientras se va descartando; el gesto de uno, la repentina frente húmeda de otro, el vistazo de soslayo y, finalmente, el gran momento: los naipes sobre el tapete" (Vieja dama del sur, ilustrado por So many people, de Stephen Sondheim).

"Sé que me hubiese gustado ser actor, de esos que se hacen leyenda fingiendo la vida, que aun después de muertos tienen la gracia del que se sabe irrepetible mientras golpea un pitillo sobre un mostrador y mira a una diosa que le espera al final de la barra, al tiempo que una canción que hacen suya inunda el espacio fílmico" (Luces y sombras, fragmento). Después, suena Hotel Orly de Xavier Monge Group. Una maravilla.

STRAIGHT TO MY HEART

2009-07-05T01:11:00.000-07:00

Bob Belden Ensemble plays Sting

Los que hayan leído este blog anteriormente, sabrán que, aparte del jazz, tengo predilección por un músico ecléctico como es Sting. Ya dejé aquí mismo un extenso post sobre su relación con el jazz. La razón por la que Sting vuelve a este blog de jazz es que por fin he pillado (gracias a ebay y a las reediciones japonesas) un tributo a sus canciones en clave de jazz llamado Straight to my heart (Blue Note, 1991) a cargo de la Bob Belden Ensemble.

En cierto sitio leí hace tiempo dos cosas sobre el arreglista y saxo tenor Bob Belden. Una, que hacía discos oportunistas como éste de tributo. La otra, decía simplemente que caminaba al borde del jazz. Como no sabía que hubiera una frontera y padezco la adicción de comprarme todo lo de Sting que se grabe, ya sea original o versiones, tuve que comprármelo. Que me gustan las versiones no es ningún secreto (hablaba de esto cuando hablamos de la improvisación en el jazz) pero, tratándose de un músico pop, suele ocurrir que los que versionan sus canciones tienden a imitarlas. En el jazz debería ser distinto: un músico de jazz siempre tiene que aportar algo. Cierto que homenajes como Swingin’ to Sting & The Police dejan mucho que desear, especialmente en lo que a swing concierne, pero hay otros como Blue Note Plays Sting o el último que acabo de pillar, que valen la pena, aunque sólo sea por lo que aportan los arreglos de Belden o los solistas (Dianne Reeves, John Scofield, Jerry Gonzales...).

Por poner algunos ejemplos, Sister moon suena (al fin, después de oír muchas versiones) como una balada de jazz. Tiene un aire bluesy que es contagioso. Lo canta Phil Perry y Bobby Watson pone un solo de saxo alto delirante. Dianne Reeves, por su parte, hace del místico Wrapped around your finger una de sus obras de arte, dándole ese toque africano con algo de R&B que da a su jazz. Aquí John Scofield pone un solo de guitarra que no existe en la versión original.

Bob Belden admite que se inspiró en las colaboraciones de Miles y Gil Evans, que trabajaba con Sting en Nothing like the sun cuando le sorprendió la muerte. Así, afirma que estaba pensando en los arreglos de Gil para The Barbara Song (de The individualism of Gil Evans) cuando reescribió los arreglos de I burn for you para este disco o que las teorías modales de Miles en So what son la base de la versión que aquí aparece de The dream of the blue turtles, una pieza por la que Sting fue nominado en los Grammy en la categoría de mejor jazz instrumental. Con la instrumentación de Belden, adquiere aquí un tono híbrido entre big band y ese jazz abstracto y postrero de Gil Evans que cautivó a Sting. El inevitable solo de piano original tiene su continuación con la guitarra y luego con la trompeta. Sigue siendo un tema imparable que no deja indiferente.

Shadows in the rain, una canción que sonaba a rock duro en Zenyatta Mondatta (A&M, 1980) con su estribillo paranoico (“It cant’ be an optical illusion, so how can you explain shadows in the rain”) se convierte aquí en una balada etérea y onírica, con un inspirado Tim Ries al soprano, mientras que Children crusade, otra pieza de corte orquestal, es recreada por la Bob Belden Ensemble como una sofisticada balada en la que el piano (Marc Copland) cede parte del protagonismo al saxo.

Poco más que decir, sólo que es justo que una música como la de Sting vuelva al jazz. En primer lugar, porque es de los pocos músicos de rock que comenzaron haciendo jazz (en la Newcastle Big Band) o fusión (con Last Exit). En segundo, porque muchos de sus temas parten de patrones o influencias jazzísticas y la adaptación es, más que fácil, inevitable.

Si me hago con él, hablaré aquí pronto del nuevo disco de Bob Belden, en el que reinterpreta a Miles, su Bitches Brew y su In a silent way, a través de la música hindú. Promete, pero no me decido.

MILESTONE

2009-06-14T23:56:00.000-07:00

1959 fue un gran año

Cuando hace unas semanas hablábamos de Mingus, recordábamos que en 1959 grabó tres álbumes: Mingus Dinasty, Mingus Ah Hum y Blues & Roots. 1959 fue un buen año para Mingus, pero también lo fue para los aficionados al jazz porque durante esos doce meses mágicos se grabaron (quizás) las mejores joyas de la Historia del Jazz.

Para empezar, no hay que obviar que en marzo y abril de ese año se grabó ese milagro de la improvisación que es Kind of blue, probablemente el mejor álbum de jazz que pueda uno tener en tu discoteca. Sumémosle también su Sketches of Spain y el Time out de Dave Brubek, ambos producidos por Teo Macero en una de las mejores etapas de su carrera. ¿Más? Jimmy Smith (On the sunny side), John Coltrane (Giant steps), Duke Ellington (Anatomía de un asesinato), Ornette Coleman (The shape of jazz to come), Bill Evans (Portrait in jazz), Modern Jazz Quartet (Pyramid), Lennie Tristano (Lennie Tristano), Chet Baker (Chet)...

Como se puede leer, una época en la que el bebop, el hard y los primeros avances del free jazz convivían en los clubs y en los discos para conformar un puzzle irrepetible. Miles improvisaba algo que se daría en llamar Jazz Modal e iniciaría una revolución propia en la que aportaría una nueva invención cada década (jazz eléctrico, jazz-rock...), mientras que Coltrane daba el primer paso de gigante hacia su particular ascensión al Olimpo de los genios inimitables con su personal percepción del jazz y de la improvisación. El Portrait in jazz de Bill Evans es, quizás, el disco más representativo de su forma de hacer jazz...

Leyendo una reseña en All about jazz, recordé que también fue un año malo: murieron Billie Holiday, Lester Young y Sidney Bechet, pero no hay duda de que 1959 es una fecha clave, quizas la más representativa de la Historia del Jazz. Los americanos tienen una palabra para estos hitos que señalan un punto importante en el camino: milestone.

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Foto: John and Alice Coltrane según Chuck Stewart.

INNERSOUND TRIO

2009-06-07T13:54:00.000-07:00

Fusión a la máxima potencia

Escuchar jazz en un teatro no es lo mismo. No es lo mismo porque, cuando se apagan las luces, el público guarda silencio. Esto no ocurre en un club o en un bar. No es lo mismo porque el sonido siempre está demasiado fuerte para un lugar tan pequeño, tan fuerte que la batería siempre parece una batería de rock. Si a esto le sumamos una formación atípica de trío: batería, guitarra y teclados electrónicos, ocurren milagros extraños como que Monk suene eléctrico o que el setlist pase de Weather Report a Coltrane sin que nos demos cuenta.

El viernes pasado, en el Gran Teatro, se presentó oficialmente el trío de fusión Innersound, y digo oficialmente porque como no hay locales donde escuchar jazz en Huelva, tuvo que ser en un teatro. El trío, que venía arropado por amigos y aficionados, obtuvo un pequeño éxito y bastantes aplausos. Yo también aplaudí, y eso que no soy muy aficionado a la fusión (uno nunca sabe si está escuchando rock con algún roce tangencial con el jazz o jazz con estructura de rock) pero me dejé llevar: siempre le doy una oportunidad a la Música, pero el trío, que se declaraba heredero de Return to Forever y del Miles eléctrico, caminó al filo de la navaja, entre una amalgama de sonidos funk, jazz, electrónicos y abstractos, un interesante puzzle en el que separé tres piezas bien distintas: el guitarrista Rafa López, aunque parecía llevar el peso de la formación, improvisando con experiencia y una inspiración interminable, volaba siempre más cerca del funk y del rock que de la síncopa; el batería David Muñoz me recordó momentos potentísimos en el mismo escenario a cargo de otro David (Dave Weckl con la Electric Band de Chick Corea); por último, a cargo de los teclados electrónicos estaba Pablo Vázquez quien, si bien tuvo momentos muy jazzísticos y algún toque Hammond glorioso, destacó especialmente por el hecho de que es capaz de manejar dos teclados a la vez, interpretando a Jaco Pastorius con la mano izquierda y a Joe Zawinul con la derecha.

A destacar lo mejor de la noche: una versión tan potente y eléctrica de My favourite things que por momentos sonaba más a rock progresivo que a jazz.

BLUES CAN DO MORE THAN JUST SWING

2009-05-26T00:38:00.000-07:00

Mingus a tope

En 1959 Mingus grabó tres álbumes: Mingus Dinasty, Mingus Ah Hum y Blues & Roots, del cual se ha escrito que Mingus lo ideó para responder a los críticos que lo acusaban de "no tener demasiado swing". Yo quiero responder a esos críticos ahora porque cada vez que escucho este album no puedo evitar recordar ese comentario.

Blues & Roots apareció después de Mingus Ah Hum, pero en realidad fue grabado antes, el 4 de febrero de ese mismo año en los estudios Atlantic de Nueva York. A estas alturas de su carrera, la banda de Mingus había crecido hasta convertirse en un noneto mayor de edad, capaz de desarrollar el jazz que pudiera pasar por la mente del sincrético Mingus. Para entender mejor la energía de estos temas señalaré dos bazas: la primera es que el noneto carece de trompetas (ese elemento salvaje) y tiene un line-up con dos trombones y cuatro saxos (dos altos, tenor y barítono), algo realmente inusual que lo convierte en una pequeña big band y cuyo resultado es un groove tremendo con momentos de una fuerza demoledora. La segunda baza es anotar que en este álbum aparece el original de Moanin'. Ahí es nada.

Pero es en E's Flat Ah's Flat Too donde toda esta fuerza surge como del fondo de la tierra, con una melodía pasmosa que no irrumpe sino que nace y crece (atención a los trombones) y en la que toda la filosofía del disco, esa mezcla de gospel, blues y jazz se funde para sonar como el jazz más auténtico, el más sincopado, el más salvaje. ¿Milagro? Para mí es el tema culmen del disco. Mingus pone tanta energía en el proyecto que incluso se le oye jalear a los músicos en algunos momentos de este tema. ¿Quién dijo que no le pone swing?

En el libreto del disco, Mingus explica que, para responder a los críticos sobre el tema swinguear o no swingear, su productor, Nesuhi Ertegün, le sugirió que grabara un disco de blues. Mingus respondió que había estado haciendo swing desde pequeño, cuando daba palmas en las funciones de la iglesia, y que ahora había crecido y le apetecía hacer otras cosas. Sobre el blues, le deja esta frase lapidaria: "Los blues pueden hacer más que un simple swing", y añade que por eso aceptó.

Podéis oír E's Flat Ah's Flat Too pulsando el play de más abajo:

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Foto: Charles Mingus por Tom Marcello. Bicentenial, Lower Manhattan, July 4th, 1976.

MÚSICA PARA CRONOPIOS

2009-05-15T02:42:00.001-07:00

Dejo aquí este cartel para todos los que estéis cerca de Sevilla el próximo lunes. A mí me será del todo imposible, por lo que espero que alguien tenga la crueldad de contármelo.

La Asociación Apoloybaco va a presentar en la Feria del Libro de Sevilla 2009 el libro de su tercer certamen literario. Al final del acto, pondrá el toque jazzístico el cuarteto de Manuel Calleja con un homenaje a Julio Cortázar y a Charlie Parker. Nada menos.

ACORDES Y DESACUERDOS (III)

2009-05-08T04:37:00.000-07:00

El jazz es... ¿Qué es el jazz?

Llega mayo, el calor y Andalucía se llena de romerías, romeros y flamenqueos. El jazz me espera siempre al llegar a casa pero, en medio de las sevillanas, con una cerveza en la mano, ¿cómo le explico a mis amigos más floclóricos qué es el jazz?

I
“El verdadero jazz se encuentra en el Mississippi, brota de las manos del pianista de un bar de Storyville, o en medio de los hombres de una banda de músicos que tocan para acallar la violencia de un ajuste de cuentas en Chicago. El jazz es también la voz de un clarinete que exalta la vida, y es también una plegaria a Dios.” (Miguel Candegabe, Breve historia del jazz)

II
“El jazz es saludable para el alma humana” (Herbie Hancock)

III
“El jazz es el arte de la sorpresa” (de la página del Festival de Jazz de Vitoria)

IV
“El jazz es una visión del mundo, una forma innovadora de resistencia. Para mí, tocar jazz es luchar contra el orden mundial de Bush, Blair y Sharon, buscar la liberación incluso a sabiendas de que nunca la obtendré, atacar el nuevo colonialismo estadounidense, proclamar aquello en lo que creo, hacer campaña a favor de la liberación de mis hermanos palestinos e iraquíes. Tocar jazz es sugerir una realidad alternativa, reinventarme, estar listo para hacerlo hasta el amargo final.” (Gilad Atzmon)

V
“El jazz es la única música, junto con la de la India, que corresponde a la gran ambición del surrealismo en literatura” (Julio Cortázar)

VI

"El jazz es una música democrática, cada uno tiene su voz, pero al mismo tiempo su responsabilidad; no se puede hablar de cualquier cosa sin escuchar a los otros” (Werner Vana Gierig)

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(*) En la foto de más arriba, Carlos Barretto, Assaf Tsirkis & Gilad Atzmon según el fotógrafo JOAO HENRIQUES, tomada de la página de Tomajazz.