Cine Documental - Descarga Directa

Radiohead- Meeting People Is Easy

2008-07-24T08:32:00.001-03:00

Radiohead- Meeting People Is Easy

El seis de julio de 1977, en Montreal, Canadá, alguien encendió lo que en Argentina conocemos como una cañita voladora, para la consternación de Roger Waters, que "trataba de cantar una canción" al frente de Pink Floyd; Waters detuvo a la banda, increpó al público. Minutos después, otro fanático subió al escenario, y Waters lo escupió en la cara. En ese momento comprendió que la conexión con la gente se había perdido, sintió la existencia de una pared entre la audiencia y el artista, y esa frustración lo llevó a componer "The Wall".

El seis de julio de 1997, en Werchter, Bélgica, probablemente Thom Yorke, al frente de Radiohead, haya sentido en esencia la misma alienación. Radiohead estaba haciendo la gira de presentación de un disco extraordinariamente famoso, "OK Computer", que para muchos significó el nacimiento del Pink Floyd de los noventa. Esa gira quebraría al sensible Yorke, lo sumiría en una depresión casi terminal; el documental "Meeting People is Easy" trata de esa degradación.

El documental "Meeting People is Easy" trata del horror de la fama, del lado oscuro de ser una estrella de rock: los interminables pasillos, los aeropuertos, las andanadas de fotos o de aplausos, las invariables entrevistas, el tedio, las ciudades que tienden a igualarse, las canciones que tienden a perder significado, el ruido, la sensación de nunca estar solo, o de nunca estar verdaderamente con alguien. Trata de la aceptacióón y del rechazo, trata de la comunicación entre dos personas, o de la comunicación entre una persona y una multitud, trata de que conocer gente nueva es fácil. En un momento puede verse cómo Thom Yorke deja, con notoria resignación y disgusto, que la gente cante "Creep", una canción que trata de la aceptación y el rechazo. En el librito que acompaña al DVD de "Meeting people is easy" podemos leer:

"Si fuiste rechazado muchas veces en tu vida, entonces otro rechazo más no va a hacer gran diferencia. Si sos rechazado, no asumas automáticamente que es tu culpa. La otra persona pudo haber tenido varias razones para no hacer lo que le estás pidiendo: acaso ninguna tenga relación con vos."

Y sigue teorizando sobre la forma de aceptar el rechazo, mientras que el contenido del DVD teoriza sobre una de las formas de la aceptación masiva. Aceptación y rechazo. Thom Yorke va a una fiesta; el guardián (pienso en "Ante la Ley" de Kafka) de la puerta no lo deja pasar. En vano tratan de convencerlo de que él es Thom Yorke, el cantante de una banda famosa, Radiohead. Lo rechazan, se va; le gritan, con burla, "Radiohead. Creep. Dickhead". Thom Yorke quiere entrar al escenario de un concierto de Radiohead, y nuevamente otro guardián le niega el paso. Michael Stipe, cantante de REM, explica al guardián que se trata del cantante de la banda; tampoco reconocen a Stipe. El desconocido Nigel Godrich, productor, los hace pasar porque tiene el pase de acceso. Estos pequeños incidentes no están intercalados por azar o capricho: tienen su preciso lugar en este tejido.

El documental también trata del individuo y del grupo. El director Grant Gee intenta capturar a cada uno de los individuos de Radiohead, la cara pública y la cara privada. Podemos ver a Jonny Greenwood anotando en una partitura un arreglo de piano, a Colin Greenwood hablando en francés, a Thom Yorke reflexionando sobre política. Podemos ver a cada uno de los miembros ejecutar su parte de un tema, durante un concierto, durante una grabación en estudio; podemos observar lo que el ojo nunca observa: qué es lo que sucede cuando el ojo usualmente está enfocado sobre lo que sucede en primer plano.
Cuando el primer plano muestra un músico carismático, detrás hay tres o cuatro que no lo son; cuando los medios venden un grupo de éxito, en segundo plano está el cansancio, la deshumanización, el colapso nervioso. Todos los planos hacen a Radiohead, a Radiohead en la gira de "OK Computer", que está retratada desde varios puntos de vista a la vez.

El documental "Meeting People is Easy" trata del efecto que produce repetir la misma pregunta en sucesivas entrevistas, repetir diez mil veces la ejecución de una canción, de un concierto, repetir infinitamente la palabra "Radiohead".

Descargar:
Parte 1: http://lix.in/1f7d94
Parte 2: http://lix.in/941339
Parte 3: http://lix.in/ad4805
Parte 4: http://lix.in/f1a1cc
Parte 5: http://lix.in/801e9c
Parte 6: http://lix.in/83e535
Parte 7: http://lix.in/d7b2e7
Subtítulos : http://lix.in/303eaf

Grissinopoli – fábrica tomada Argentina

2008-07-24T08:28:00.002-03:00

Documental sobre Grissinopoli, una fábrica de grisines endeudada, que cae en la bancarrota y es abandonada por sus dueños. Con un trasfondo de creciente desempleo e inseguridad económica, sus dieciséis trabajadores deciden resistir, intentando gerenciarla ellos mismos.

En el filme, que ganó el Premio al Mejor Documental Latinoamericano en Barcelona, España (2004), retratan los avatares de un grupo de obreros de una fábrica recuperada de grissines.

Fueron 16 los obreros que tomaron la fábrica que se convirtió en su casa durante meses. Más de la mitad pisaba los cincuenta años. La mayoría no había terminado el colegio primario. Ninguno de ellos había tratado –ni sabía tratar- con proveedores, calculado costos, ganancias, ni conocía las diferentes vías de comercialización del producto. Poco a poco fueron aprendiendo las normas y las leyes que los amparaban, golpeando puertas de jueces y legisladores, organizando marchas y haciendo “choriceadas” para juntar plata. Cada uno fue planteando sus ideas, compartiendo sus miedos, esperanzas y deseos. Cada uno de estos momentos están registrados en el documental que tomó ocho meses de filmación. El mismo tiempo que les llevó a los obreros recuperar definitivamente su fuente de trabajo, cuando en noviembre de 2002, la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires sancionó una ley que les cede transitoriamente el uso de la marca “Grissinópoli”, las maquinarias y el inmueble a la Cooperativa de Trabajo “La Nueva Esperanza”.

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Me matan si no trabajo y si trabajo me matan - Raymundo Gleyzer

2008-07-24T08:15:00.000-03:00

ME MATAN SI NO TRABAJO Y SI TRABAJO ME MATAN

16mms / Documental / Blanco y Negro / 20´/ 1974
Realizado por el Grupo Cine de la Base

Documental sobre la situación de los obreros metalúrgicos, que a causa del plomo y las malas condiciones de trabajo, enfermaban y morían de saturnismo. Una de las últimas apariciones públicas del diputado Rodolfo Ortega Peña, asesinado por las fuerzas paramilitares (AAA), días después de terminado este film.

Desaparecido
Hacia 1975 la Argentina era un hervidero y la situación era caótica y el funcionamiento de la Triple A (organización terrorista de extrema derecha -Alianza AntiComunista Argentina-) ya era pleno. Raymundo como otros militantes de organizaciones de izquierdas se convierte en un blanco móvil, su imagen, su nombre era el símbolo del Cine de Base. En 1976 realiza un viaje a New York por trabajo, la filmación se demora y Raymundo decide volver a Argentina. El 27 de mayo falta a una cita con un amigo... Raymundo había sido secuestrado. Su casa había sido allanada y la puerta rota a la fuerza; todo estaba roto y revuelto y de Raymundo no había rastros. Nunca más volvió a aparecer.

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Nanuk, el esquimal (Nanook of the North)

2008-07-22T09:21:00.000-03:00

Nanuk, el esquimal (Nanook of the North)

Aclamadísimo documental, pionero y modelo, que narra las duras condiciones de vida de una familia esquimal del ártico. La detallada realidad de esta raza, que vive en medio de un clima casi imposible para el resto de los humanos, es lo que plasmó el antropólogo, explorador y cartógrafo Robert J. Flaherty cuando fue a rodar la cotidianeidad del esquimal Nanook y de su familia, en la Hudson Bay (Bahía de Hudson) -Canadá-, a comienzos de los años veinte. Ya entre los años 1910 y 1920 Flaherty, que había sido contratado por el magnate del ferrocarril canadiense William Mackenzie para explorar dicha zona, había realizado varias incursiones en la vida de los esquimales. Alentado por Mackenzie para que se trajera un documento animado con ese nuevo invento llamado cinematógrafo, Flaherty filmó en uno de sus viajes miles de metros de película, pero casi todo se perdió en un desafortunado incendio. Animado por su reciente esposa Frances, Flaherty se decidió a buscar financiación (encontrándola en la empresa peletera Revillon Frères) para volver a la Hudson Bay con el único propósito de hacer una película sobre los esquimales. Allí convivió con ellos, cámara en mano, durante más de un año, rodando su modo de vivir, sobrevivir, amar y cazar en la fría tundra canadiense. De vuelta a la civilización, el singular documental de Flaherty apenas obtuvo un nulo interés inicial en Estados Unidos, y sólo tras su éxito en Europa, gracias a la distribución por parte de la Pathé, alcanzó su reputada notoriedad. Ni siquiera existía el término documental como género cinematográfico en aquellos años, así pues resulta aún más sorprendente que Nanook of the North, un asombroso y lleno de fuerza relato humano, pueda considerarse no sólo el primer largometraje documental de la historia del cine... sino también el mejor.

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Metal: A Headbanger's Journey - Documental

2008-07-22T09:12:00.000-03:00

Metal: A Headbanger's Journey

Sam Dum es antropólogo y fan del metal, él se embarca en un viaje épico al corazón del heavy, su misión es descubrir el porqué este tipo de música ha sido desde siempre esteriotipada y condenada a la vez que ha sido aplaudida apasionadamente por millones de fans. (FILMAFFINITY)

El documental es realizado por un antropologo -y metalero- llamado Sam Dunn, explica los origenes del heavy metal, poniendo especial importancia a sus iniciadores, con entrevistas a alice cooper, james dio, tony iommy (black sabbath) y otros, continua con el sonido, explicando el por que del sonido “diabolico” en el metal, con entrevistas a bruce dickinson y mas, luego viaja al mayor festival de metal del mundo… El “wacken open air”, donde continua con sus entrevistas tocando temas como la vestimenta, la evolucion de los subgeneros, incluso mostrando el “arbol genealogico” del metal, satanismo, el contenido de las letras, las grupies etc, siempre con entrevistas a las bandas y a expertos en el tema…Algunas de las bandas entrevistadas: Dio, Cannibal Corpse, Slipknot, Gorgoroth, Kittie, Arch Enemy, Girlschool e incluso Twisted Sister..

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Alberto Olmedo, Documental History Channel

2008-07-22T09:06:00.000-03:00

Alberto Olmedo, Documental History Channel

Es una fecha especial para todos los que crecieron y se hicieron adultos junto a sus programas humorísticos, este documental refleja toda la vida y obra del capo-cómico rosarino que entretuvo a varias generaciones de televidentes por más de 30 años, con hilarantes interpretaciones que hicieron reír y llorar a miles de personas.

Como todos conocemos, Olmedo nació un 24 de agosto en Rosario, ciudad que también lo vio crecer, pero El Negro sabía que en su destino había algo mucho más grande y por eso, al cumplir la mayoría de edad, decidió viajar hacia Buenos Aires para hacer de su actuación algo que la gente recordara sin importar el paso del tiempo.

Con una facilidad innata para expresarse en todas las áreas en las que se lo proponga, este multifacético artista que disfrutó las mieles del éxito junto a su inseparable partenaire en la pantalla grande, Jorge Porcel, logró conquistar a públicos tan dispares provenientes tanto del teatro, como de la televisión, la radio y, sin dudas, el cine.

Recordado por sus amigos del mundo artístico, y aquellos de su mundo cotidiano, como un tipo de gran corazón,

solidario y muy buena persona. El documental fue realizado por la productora argentina Anima Films y dirigido por Matías Gueilburt. A partir de decenas de pequeñas historias que recuperan la esencia de humorista, el documental (rodado en Rosario, Buenos Aires y Mar del Plata), intenta explorar sus facetas menos conocidas.

Amigos, compañeros de trabajo y allegados como Pancho Guerrero, Juanito Belmonte, Moria Casán, Ricardo Darín, Carlos Mentasti, Héctor Olivera, Beatriz Salomón y Silvia Pérez, dieron sus emotivos testimonios.

Raúl Sendic, Tupamaro. (Documental)

2008-07-22T08:57:00.001-03:00

RESEÑA:

Una mirada polémica y audaz a nuestra historia reciente. Recorrida por la vida del mítico líder social y político. Con material de archivo y 20 entrevistados entre los que se encuentran Pepe Mujica, Raúl Sendic (h), Mauricio Rosencof, y Eduardo Galeano.

La vida y la obra de Raúl Sendic es evocada por sus amigos, familiares y compañeros, que han sido los protagonistas directos de hechos históricos compartidos con Raúl Sendic.

Personalidades tan distintas como José Mujica, Jorge Zabalza, Fernández Huidobro, Yessie Macchi, Mauricio Rosencof, Eduardo Galeano, Lucía Topolansky, Rodríguez Belletti, Raúl Sendic (hijo), Jorge Torres, Clara Aldrighi, Jorge Selves, Xenia Itté, Walter Gonzalez, María Elena Curbelo y muchos otros, se reúnen en éste documental para contarnos sus experiencias junto al líder sindicalista y revolucionario Raúl Sendic, que con su trayectoria transformó la sociedad política uruguaya, siendo sus ideas de total actualidad.

Ellos nos harán descubrir a una de las figuras más auténticas de la historia contemporánea del Uruguay.

Alejandro Figueroa nació en 1950. A los 17 años comenzó a militar en el MLN En 1972 fue uno d los que logró ir a Chile, donde continuó su militancia y figuró como actor en una película de Helvio Soto titulada Metamorfosis de un jefe de policía política .Cuando se produjo el golpe de 1973 tuvo que refugiarse en la Embajada de Francia. Entre ese año y 1995 residió permanentemente en Francia y allí comenzó lo que marcaría, junto con la militancia, su futuro. Realizó varios cursos de lenguaje audiovisual, trabajó en muchas producciones de televisión y de cine sin que su nombre apareciera nunca en los créditos, pero que le sirvieron para contactarse con productores que le ayudaron y lo animaron a encarar un proyecto personal. En varias oportunidades volvió a Uruguay, mientras seguía trabajando en Francia como editor para la televisión francesa. En el año 2000 le propusieron en Francia realizar un documental sobre Raúl Sendic. Durante 2001 se interiorizó sobre el tema propuesto, imponiéndose una especie de ruptura emocional, ya que por su ideología corría el peligro de convertir el documental en un documento político. Esta investigación que comenzó en 2001 y que continuó hasta el mismo instante del montaje final condicionó el guión. Las entrevistas tuvieron carácter fundamental, ya que el material visual con el que se podía contar era escaso y de difícil obtención.
Raúl Sendic, tupamaro, realizado en 2004, es el primer documental realizado por Alejandro Figueroa.

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SERÁS LO QUE HAS SIDO El Oscuro Pasado de Kirchner (documental imperdible)

2008-07-21T12:52:00.002-03:00

"SERÁS LO QUE HAS SIDO" El Oscuro Pasado de Kirchner (documental imperdible)

Realizó el documental 'Serás lo que has sido' que NOTICIAS presentará. Imágenes inéditas y comprometedoras de su paso por Santa Cruz. ¿Cómo era antes el Presidente?

Llegó por primera vez a Santa Cruz en abril del 2003, cuando el resultado de la primera vuelta para las presidenciales había dado ganador a Carlos Menem y segundo a Néstor Kirchner. Marcelo López Masía (43) trabajaba en Canal 9 y Mariano Grondona lo había enviado a la provincia patagónica para conocer mejor al por entonces gobernador de apellido difícil. No tenía preconceptos ni sabía con qué se iba a encontrar.

“Apenas llegué –recuerda hoy- pude hablar con todo el arco opositor, pero no me atendía nadie del oficialismo, se me escapaban todos. Yo quería preguntarles, entre otras cosas, cuántos eran y dónde estaban los millones de Santa Cruz depositados en el exterior. Nadie respondía, ni De Vido, ni Zannini, ni Alicia Kirchner, ni Waldo Farías, que era el ministro de Economía. El día antes de regresar nos enteramos que había un acto, un acto del cual sólo habían avisado a periodistas amigos. Fuimos con mi camarógrafo y allí estaban todos, pero nadie se paraba a responder. Por fin, cuando llegaba a preguntarles sobre el dinero de la provincia, uno me respondió que eran 500 millones de dólares, otro me dijo 700 y un tercero me dijo más de 1.000. Eran ministros y diputados, y ninguno sabía con exactitud cuánto era el dinero que la provincia que representaban tenía depositado en el exterior, ni tampoco dónde estaba.”

Documental. Las imágenes que López Masía filmó forman parte de un documental que ya está en etapa de edición y que NOTICIAS presentará en las próximas semanas. Allí se ve el momento en que el periodista llega con su micrófono frente a Kirchner y le pregunta respetuosamente: “Gobernador, ¿podemos dialogar con usted?”. La insólita respuesta no se la dirigió a él sino a sus enfervorizados seguidores: “Compañeros, no caigan en la provocación”. Su respuesta transparentaba lo que se conocería luego sobre cómo Kirchner interpreta el rol del periodismo: una invitación al diálogo era -¿y sigue siendo?- una provocación. Lo que parecía una respuesta desmedida, una invitación a la violencia, lo fue. A continuación se ve a López Masía en el suelo, recibiendo insultos y patadas.

En Buenos Aires, mientras tanto, se conocía que Menem se bajaba de la segunda vuelta y Mariano Grondona recibía una propuesta del kirchnerismo: si no emitía el papelón de Santa Cruz, el futuro presidente iría al programa. Grondona respondió que Hora Clave pasaría una síntesis de lo sucedido y que Kirchner podría ir para responder. El informe se emitió y Kirchner nunca fue.

El periodista sintió desde su regreso, que algo había cambiado para él en Canal 9. Le empezaron a encargar informes que luego no salían al aire, al mismo tiempo que la emisora de Daniel Hadad se acercaba al Gobierno. Un día del año 2006 comprendió dos cosas: que si quería seguir haciendo periodismo de investigación debía buscar otro destino laboral, y que tenía una deuda pendiente con los santacruceños que durante los tres años siguientes a su visita le seguían enviando filmaciones y documentos desconocidos sobre la actuación de Néstor Kirchner en la provincia.

La otra Santa Cruz. El documental de López Masía muestra a un periodista determinado a encontrar respuestas a temas que en su momento escandalizaron a toda la Patagonia: el nombramiento de jueces adictos, el uso de fondos públicos para comprar a la prensa a través de publicidad oficial, amigos de Kirchner que se hicieron millonarios en poco tiempo, la nula política de derechos humanos en la provincia, los negocios petroleros y la contaminación ambiental, y la mafia pesquera que terminó con la vida del empresario Raúl Espinosa en el llamado caso Conarpesa, en el marco de aportes de fondos negros para la campaña presidencial.

Investigar y hallar respuestas para esos hechos, no sólo podría iluminar sobre la actuación de Kirchner previa a la presidencia, sino que ayuda a entender mejor al Kirchner presidente. El título del documental lo explica bien: “Serás lo que has sido”.

“Kirchner siempre tuvo en claro que lo primero que se necesita para manejar el poder es la domesticación de la Justicia, después aparecen los negocios y el autoritarismo. Pero primero está la protección judicial que garantiza impunidad. Siempre decía que con el referí de tu lado se ganan todos los partidos, ya que la mayoría de las veces los adversarios ni se presentan a jugar”, señala el investigador.

En ese sentido, los pasajes que muestran quiénes son los jueces que Kirchner designó para manejar la justicia provincial serían desopilantes, sino delataran con tanta claridad la tragedia de la manipulación jurídica.

Periodismo Felpudo. En los últimos años, la televisión argentina descubrió un nuevo formato, tan divertido como revelador. Recuperar viejas imágenes de protagonistas actuales para comprobar su coherencia o demostrar sus mentiras. También los programas periodísticos y la prensa en general suelen tener la saludable costumbre de revisar el pasado para comprobar, al menos, si lo que alguien dice que sucedió, en efecto sucedió.

Sin embargo, con Kirchner nada de esto funciona. Por ejemplo, las imágenes que el documental recupera sobre sus distintos encuentros con Carlos Menem, alcanzarían para demostrar la distancia entre lo que hoy dicen uno del otro y lo que decían hace pocos años atrás. Kirchner y Menem abrazándose, elogiándose mutuamente hasta empalagar, haciéndose regalos, haciéndose promesas que el tiempo demostró que ninguno iba a cumplir. Todo ante las sonrisas cómplices de Cristina, Corach, De Vido, Kohan, y otros que por entonces parecían amigos.

Hasta ahora, esas grabaciones permanecieron en el olvido. Y no tanto porque alguien se haya preocupado en esconderlas (cosa que sí hicieron los kirchneristas), sino porque nadie se interesó por ir a buscarlas. Hay un mérito innegable de López Masía en su hallazgo, y también una vergüenza de quienes no fueron capaces o no quisieron (el pecado es el mismo) encontrar respuestas.

Algunos segundos de esas filmaciones fueron utilizadas por NOTICIAS para el aviso televisivo emitido el Día del Amigo del año pasado. El spot realizado en el marco de la campaña por los 30 años de esta revista fue prohibido en los canales abiertos y premiado en distintos festivales de publicidad.

Grabaciones ocultas. A López Masía le cuesta entender: “Es curioso que el presidente que más interés demostró por investigar el pasado, haya logrado que nadie lo investigue a él. Muchas veces fueron hasta Santa Cruz equipos periodísticos, pero después las notas no se publicaban.”

Si hubiera tenido interés, el periodismo habría encontrado perlas como la que descubrió este documentalista. “Hay una grabación muy reveladora, porque no es periodística y muestra cómo es Kirchner cuando está en la adversidad. Es en febrero del 2002 y aparece desequilibrado. Venía de soportar un cacerolazo en la puerta de la gobernación y estaba reunido con sus seguidores. Allí pudo entrar alguien que grabó sin ser descubierto una arenga de Kirchner instándolos a retomar el control de la ciudad. En tono violento les decía: ‘Por cada uno (de los caceroleros) que venga a buscarnos, iremos diez de nosotros a buscarlos a ellos a sus casas’, rememorando el trágico cinco por uno de Perón.”

El documental dura 85 minutos. Después de verlo es posible afirmar que lo que sabíamos hasta ahora de Néstor Kirchner era apenas una pequeña parte de la verdad. l

Gustavo González ggonzalez@perfil.com.ar

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Seras lo que has sido - El oscuro pasado de Kirchner

Classic Albums BBC Serie Documental - Pink Floyd - Dark Side of The MOON

2008-07-21T10:26:00.001-03:00

Classic Albums BBC Serie Documental - Pink Floyd - Dark Side of the moon

Classic Albums es una serie documental que destripa los discos que hicieron al rock y al pop tal y como hoy los conocemos. Está disponible en DVD y esta siendo transmitido en exclusiva para Latinoamérica por History Channel, cada capítulo (50 min.) está protagonizado por los componentes del grupo, el productor del disco y algunos críticos musicales. En cada documental se exponen todo lujo de detalles sobre el proceso de creación y producción, y se recuerda el contexto histórico/musical en el que se grabó el álbum en cuestión

The Dark Side of the Moon (titulado en la edición en disco compacto de 1993 como Dark Side of the Moon; en español: El lado oscuro de la luna) es un disco conceptual y noveno álbum de estudio la banda de rock progresivo británica Pink Floyd, lanzado el 17 de marzo en los EE. UU. y el 24 de marzo de 1973 en el Reino Unido. Alan Parsons estuvo a cargo de la ingeniería de sonido del disco, que se hizo notable por su superioridad, y el uso de la musique concrète con letras filosóficas - algunas de las cuales se convirtieron en parte del repertorio usual de Pink Floyd. Es considerado un punto de referencia en la música contemporánea y usado por algunos críticos como uno de los puntos en los que se da la unión entre lo "clásico", el blues rock, y los nuevos géneros, derivados de la música electrónica.

The Dark Side of the Moon es considerada habitualmente por muchos críticos y fans como la magnum opus de Pink Floyd, y su álbum definitivo. En 2006 fue votado como "Mi Álbum Favorito" por los oyentes de Australian Broadcasting Corporation. En 1990, los radioescuchas de Australia lo nombraron como el mejor álbum para hacer el amor, y en 2003, Rolling Stone lo colocó en el puesto 43 entre Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos

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Shine a Light - Martin Scorsese

2008-07-21T10:20:00.001-03:00

Shine a Light - Martin Scorsese

Martin Scorsese ilumina con su propia visión a la más grande banda de rock de todos los tiempos. Un acercamiento riguroso, deslumbrante, divertido y profundamente humano a los cuatro miembros de los Rolling Stones a lo largo de su pasado y su más enérgico presente. Nunca una película se había acercado más al rock y el musical nunca había adquirido tantos decibelios. El director ganador del Oscar y la banda más legendaria de la historia del rock n´ roll, se han unido para traer al público el gran acontecimiento musical y cinematográfico del año. Con “Shine a Light” Martin Scorsese muestra al mundo a los Rolling Stones como nunca antes han sido vistos.

Filmado en el famoso Beacon Theatre de Nueva York en el otoño de 2006, Scorsese reunió a un legendario equipo técnico capaz de capturar la increíble energía de la Banda.
Entre otros Robert Richardson el ganador del Oscar(“El Aviador”, “JFK”) quien superviso el equipo de cámara formado por varios de los mas aclamados directores de fotografía, incluyendo a los ganadores de los Oscar John Troll (El Ultimo Samurai), Andrew Lesnie (“El Señor de los anillos”, “King Kong”) , Robert Elswit (Pozos de Ambición”, “Magnolia”) y Albert Mayles, director de GIMME SHELTER, documental sobre los trágicos eventos ocurridos en San Francisco en 1969 durante el concierto más multitudinario de los ROLLING STONES.(…).

El montaje de la película corre a cargo de de David Tedeschi, quien trabajo con Scorsese en el aclamado documental sobre Bob Dylan, “No Direction Home: Bob Dylan”.
Y unos artistas invitados a la gran ceremonia del rock como Christina Aguilera, The White Stripes o el propio Bill Clinton con su familia al completo. Una experiencia cinematográfica y musical única.

Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts y Ron Word son productores ejecutivos junto a Jane Rose.

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Everyone Stares: The Police Inside Out

2008-07-21T10:12:00.001-03:00

Everyone Stares: The Police Inside Out

El debut en la dirección cinematográfica del ganador de 5 grammy y batería del grupo 'The Police' Stewart Copeland, es una narración en primera persona del ascenso del grupo desde sus inicios hasta la fama mundial, además de un astuto y algunas veces hilarante comentario sobre la cultura pop de finales de los años 70 y principios de los 80.

A principios de los 80s, hubo un power-trío que cambió la escena del pop sin escupirle a la reina ni aburrir con virtuosismos: sólo con buenas canciones y una imagen irresistible. Sin ser los Sex Pistols ni Rush, The Police tomó lo mejor del rock, el reggae y el pop y propuso un sonido nuevo y fresco que no ha envejecido ni un poco, y que ahora podemos volver a disfrutar en el más delicioso DVD que un fan pueda imaginar.Everyone Stares: The Police Inside Out" es el nuevo e increíble documental que relata por fin la historia de esta banda desde dentro y en detalle. Es, además, el debut como director de su baterista y fundador Stewart Copeland, quien filmó el material, lo dirigió, produjo. Hizo de guionista, montajista y narrador.Esta entretenidísima película es un relato en primera persona sobre el ascenso desde la oscuridad de dudosos clubes periféricos hasta la superfama y giras mundiales. De paso, es una colección de astutos e hilarantes comentarios acerca de la cultura pop de fines de los 70s e inicios de los 80s.Montado a partir de más de 50 horas de película amateur en formato Super 8 filmada por el propio Stewart durante la intensa carrera del grupo (cinco álbums en seis años, y punto), la película ofrece una nueva perspectiva para imaginar cómo habrán sido los días de fama y locura de las giras, la personalidad siempre conflictiva del trío y cómo enfrentarse y tratar de entender el comportamiento siempre esquizoide de los fans.

Joni Mitchell: A life story. Woman of heart and mind

2008-07-21T09:13:00.008-03:00

Joni Mitchell: A life story. Woman of heart and mind

Extraordinario documental sobre la vida y la obra ejemplares de Joni Mitchell.

Pintora, compositora, cantante, poeta, inconfundible guitarrista… todas las facetas de esta sorprendente artista aparecen reflejadas en el documental, en el que, además de a la propia Joni, aparecen entrevistas a monstruos de la música como Herbie Hancock, Wayne Shorter, Graham Nash, David Crosby, etc.

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Birri, Fernando - La Escuela Documental De Santa Fe (1964)

2008-07-21T08:29:00.004-03:00

En 1956 Fernando Birri (santafesino, fundador y director de teatros populares: universitario, de títeres; poeta; estudiante de Derecho hasta 4to año; vital) regresaba a la Argentina con la urgencia de mucho por hacer, por gritar en el amplio horizonte de su patria americana, patria en crecimiento, en subcrecimiento a la que hay que ayudar a crecer (Seis años antes había tomado el barco para Italia cuando comprendió que «alguna rueda no fuencionaba en el gran reloj de los planetas: un minúsculo resorte llamado ternura había saltado. Y aquella ternura que los films italianos traían documentando humildemente lo cotidiano, fotografiando a los hombres y a los días de los hombres, no era la panacea universal, pero se le parecía bastante». Ese descubrimiento de que en el mundo muchos otros resortes habían también saltado y podían llamarse sociales, económicos, políticos, morales).
Había ocurrido en 1955 un cambio político con la caída del peronismo. Cierta remoción de elementos. Ciertas esperanzas nacientes con el frondicismo, luego frustradas. Una generación de cinematografistas postergada desde hacía años pugnaba por aflorar. Y no sólo en el campo del cine sino también por ejemplo en la literatura. Había que unirse entre quienes pensaban en el futuro con una común idea. Al calor de la promesa de "desarrollo nacional" y con el apoyo de la nueva Ley de Cine, aquella generación -se podría decir diez, veinte, treinta nuevos directores- surgía acuciada por una impostergable necesidad de testimonio y de sinceridad, de autocrítica, de afirmación sobre nuevos valores. Muchos quedaron en el alegato subjetivista, otros aceptaron el desafío en el terreno de un cine con implicancias críticosociales. «Peleamos por un cine realista, nacional, popular y crítico» diría Birri. Y no es que le hayan faltado oportunidades para hacer "cine comercial". A los pocos días de su llegada de Italia tuvo sobre su escritorio tres guiones, trazados en base a las viejas recetas convencionales en vigencia. Pero Birri sabía que su causa no era la de nuevas mentiras acumuladas a las viejas mentiras. Y frente a la disyuntiva, frente al camino breve, económicamente brillante pero enajenante de sus convenciones y sentimientos, no dudó en elegir el camino largo y arduo de crear las condiciones que hicieran posible un cine donde se aplicaran esas convicciones y esos sentimientos:

Así fue que en su Santa Fe natal, a quinientos kilómetros de Buenos Aires, demostró una vez más que Cine y Cultura no eran términos antagónicos. Junto a la Universidad argentina. Universidad que «nutrida por la colectividad -diría- se debe a ella para su mejoramiento». («En la Facultad de Ciencias Políticas de la Universidad de Chicago nació nuestro concepto de documental» escribió John Grierson, iniciador del movimiento documental inglés).

De esta manera Birri fundó el Instituto de Cinematografía de la Universidad Nacional del Litoral (con el apoyo de la visión progresista de su Rector Dr. Gollán y la Directora del Instituto Social Dra. Romera Vera). Allí pondría en práctica el concepto de un cine-documento que, comenzando en la realidad, terminara en la realidad no sólo para reflejarla, para interpretarla, sino, fundamentalmente para modificarla. Y comenzaron los trabajos en ese taller-escuela que poco a poco fue ampliándose hasta convertirse en el epicentro de lo que algunos llamaron "la escuela documental del Litoral", y cuya gravitación en el orden nacional se hizo sentir en el campo del cortometraje, de la doctrina y la crítica especializada. Debemos tener en cuenta las características y condiciones propias del país para valorar la verdadera proporción de esta influencia.

Se comenzó por los fotodocumentales -primera aproximación a la realidad-, se continuó con los films documentales (años febriles, con poco tiempo para el descanso, mientras se iban fogueando, nucleando, moldeando, los nuevos elementos humanos técnica-estética-éticamente lúcidos para el ejercicio del cine documental, testimonial, basado en un método y orientado hacia la educación, la divulgación, la crítica. Luego vino el film argumental de largometraje, que pudo hacerse gracias al terreno abonado por el Instituto. Y ese film compartió el premio "Opera Prima" en el Festival de Venecia de 1962, y fue distinguido por los de Karlovy-Vary y Acapulco. Reconocimiento internacional más importante obtenido hasta la fecha por el cine argentino. El film desató violentas polémicas en pro y en contra. Las fuerzas se dividieron para juzgarlo, como tenía que ser. Entre quienes vieron el film, quizá no sean muchos los que sepan que su largo proceso de gestación se vincula íntima y directamente en sus elementos, materia prima, método, contenido, actitud moral, con la escuela documentalística desarrollada y encauzada en aquel Instituto. Según lo había querido y entrevisto claramente Birri en aquel año de la decisión. Y cuando digo Birri no es solamente Birri, pues son muchos quienes ahora comparten la responsabilidad en distintos terrenos y especialidades. (Actualmente ha dejado la Dirección del Instituto, continuando su vinculación como Asesor Honorario, abocándose, con parte del equipo que trabaja conjuntamente con él -mientras otra queda a cargo del Instituto- a una mayor vinculación y ampliación de la experiencia en el campo latinoamericano.

Quien tenga este libro en sus manos y lo lea compartirá en vivencia e inteligencia, a través de un cuidado montaje de documentos vivos, el proceso que se inició con la creación del Instituto de Cine de la Universidad Nacional del Litoral. Pero más que compartirlo como espectador pasivo queremos que quien lo lea encuentre en esta experiencia un motivo de ejemplo y reflexión para su propia experiencia futura a vivir, sea en el terreno del cine, sea en el más amplio de la lucha por la cultura de los pueblos, que es también la lucha contra las poderosas fuerzas que quieren negar el desarrollo, la elevaión y la dignidad del hombre sobre la tierra.

Manuel Horacio Giménez

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La dignidad de los nadies (2005)

2008-07-20T18:26:00.004-03:00

La dignidad de los nadies (2005)

Dirección y guión: Fernando E. Solanas.
Año: 2005.
Producción: Fernando E. Solanas y Sara Silveira.
Música: Gerardo Gandini.
Fotografía: Fernando E. Solanas.
Montaje: J.C. Macias y Fernando E. Solanas.
Estreno en España: 2 Junio 2006.

Durante los años 90 reiteraron la idea de que la realidad no podía ser cambiada, que la gente debía resignarse al camino único neoliberal. Una cultura de la derrota, amnésica e hipócrita, caló hondo en los sentimientos de millones de personas.

En este documental se describen las historias y testimonios conmovedores de la resistencia social en Argentina frente al desempleo y el hambre producidos por el modelo globalizador. Son relatos de solidaridad, pequeñas epopeyas contadas por sus protagonistas, héroes anónimos con propuestas colectivas que vencieron el desamparo, reconstruyendo la esperanza. Con "La dignidad de los nadies", Fernando Solandas ha querido revelar las pequeñas victorias y hazañas cotidianas de "los nadies", alternativas y propuestas solidarias que demuestran como este mundo puede ser cambiado.

Datos:
Calidad: DVDRrip
Formato de Vídeo/Códec: XviD
Vídeo Bitrate: 1490 kbit/s
Resolución: 592 x 320
Formato de Audio/Códec:192 kbps AC3
Idioma: Español
Tamaño del archivo: 699 MB + 698 MB

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Sangre de cóndor (Yawar mallku) - Bolivia, 1969

2008-07-20T17:51:00.005-03:00

Sangre de cóndor (Yawar mallku) - Bolivia, 1969

Esta película cuenta una historia real sucedida unos años antes en los Andes centrales, donde los Cuerpos de paz yankis ligaban las trompas de las mujeres bolivianas (sin su conocimiento, por supuesto), aplicando las políticas diseñadas por Mac Namara.

La imagen final muestra a un grupo de personas empuñando armas símbolo de rebeldía y lucha contra de la opresión y división de clases.

La defensa de la comunidad fue eficaz … y ése es el problema de la película, a la cual los milicos le quemaron los masters en La Paz.

Su tema es también una historia de indios, mestizos y blancos.

El indio pregunta a la madre coca, pide a la madre tierra, sube al cerro en pos de la “luz” y se convierte en víctima cuando va a la ciudad.

El mestizo es desigual y contradictorio: ambiciona las cosas del blanco, pero llora el perdido mundo indígena; tiene un poster del Che en su pieza, pero responde airado cuando le llaman “indio”.

El blanco ha olvidado a los dioses, desconoce el país y está aprendiendo inglés.

El blanco ha olvidado a los dioses, desconoce el país y está aprendiendo inglés.

Yawar mallku (nombre quéchua del film) refleja el entrelazamiento y la relación de estos tres mundos, la historia de su conflicto y su pugna.

Su director, Jenaro Sanjinés, se manejó con dos versiones: una con la historia contada linealmente, para que la gente no acostumbrada al cine, a la que estaba destinada, pudiera seguirla y aprovecharla; la otra, para la difusión internacional, mucho más "cinematográfica", con raccontos. Es la que fue estrenada en Argentina y también la que se refleja en esta versión.

Yawar mallku (nombre quéchua del film) refleja el entrelazamiento y la relación de estos tres mundos, la historia de su conflicto y su pugna.

Ficha técnica:

Tipo: Largometraje blanco y negro

Producción: Grupo Ukamau

Jefe de producción: Ricardo Rada

Dirección, guión y montaje: Jorge Sanjinés

Fotografía: Antonio Eguino

Asistente de cámara: Juan Miranda

Continuidad: Daniele Caillet

Argumento: Oscar Soria, Jorge Sanjinés

Música: Alberto Villalpando, Alfredo Domínguez e Ignacio Quispe

En la quena: Gilbert Favre

Reparto: Benedicta Huanca, Marcelino Yanahuaya, Vicente Verneros, Danielle Caillet, Mario Arrieta, Ilde Artés, Comunarios de Kaata

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The Last Hours of Che Guevara: A Chronology

2008-07-20T17:33:00.003-03:00

The Last Hours of Che Guevara: A Chronology

Fernando Birri - Mi hijo el che

2008-07-20T16:50:00.003-03:00

Mi hijo el Che

Birri hace hablar al padre del Che (Ernesto Guevara Lynch) sobre su hijo y logra recoger un maravilloso testimonio de la vida del gran personaje histórico Ernesto Che Guevara a través de los recuerdos de su progenitor

Director: Fernando Birri
Produce: ICAIC (Cuba), TV Espanola, Laboratorio de Poeticas Cinematograficas de Fernando Birri
Año: 1985

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Parte Primera (Mi Hijo el Che)
Parte Segunda (Mi Hijo el Che)
Parte Tercera (Mi Hijo el Che=

FAQ - Cine Documental

2007-07-21T09:49:00.002-03:00

El documental es un cine eminentemente didáctico, que ha pasado por todas las vicisitudes y encuentros positivos de la historia del cine. No es un cine de segunda, pues desde sus inicios el documental ha estado presente con autoridad y eficacia. Más aún, sus técnicos, debido a la dificultad de las filmaciones, la precariedad de los medios y las adversas condiciones de rodaje con las que se encuentran a menudo, han debido acrecentar la imaginación con el fin de trasmitir sus mensajes, aportando al cine muchos de los inventos y recursos con los que actualmente cuenta.

El documental es cine realizado sobre la base de materiales tomados de la realidad. La organización y estructura de imágenes, sonidos (textos y entrevistas) según el punto de vista del autor determina el tipo de documental.

La secuencia cronológica de los materiales, el tratamiento de la figura del narrador, la naturaleza de los materiales -completamente reales, recreaciones, imágenes infográficas, etcétera— dan lugar a una variedad de formatos tan amplia en la actualidad, que van desde el documental puro hasta documentales de creación, pasando por modelos de reportajes muy variados, hasta el docudrama (formato en el que los personajes reales se interpretan a sí mismos), llegando hasta el documental falso conocido a veces como 'mockumentary'.

Con frecuencia, los programas de ficción adoptan una estructura y modo de narración muy cercanas al documental, y a su vez, algunos documentales reproducen recursos propios de la creación de obras de ficción.

El cine documental no es un género. Una película documental no es, en consecuencia, una estructura deliberada que se apoya en un modelo preexistente. Lo que sí tienen en común son los materiales que esos films manejan. El film documental cuenta hechos que han sucedido o que están sucediendo independientemente de que con ellos se haga o no una película. Sus personajes existen también fuera del film, antes y después del film.

Es esto, y únicamente esto, lo que diferencia un film documental de un film de ficción. El film de ficción maneja materiales que sólo existen en el film, para el film. Tanta o más diferencia que entre un film documental y un film de ficción, hay entre dos documentales, uno de los cuales cuenta hechos que han pasado. Existe tal diferencia entre los materiales que deben manejarse en uno y otro caso, que las estrategias, las técnicas y los métodos de trabajo son radicalmente diferentes.

Un documental que cuenta algo que ha pasado, trabaja con los restos de eso que ha sucedido hace (mucho o poco) tiempo. Trabaja, en consecuencia, con material de archivo: tomas, fotos o sonidos que pertenecen a esa época pasada. Puede trabajar, también, con imágenes filmadas, ahora, de los lugares en los que sucedieron esos hechos. Y trabaja con los restos de esos hechos en la memoria de la gente, es decir con los testimonios de quienes saben algo de eso que pasó hace tiempo.

Cuando un documental cuenta, por el contrario, cosas que están pasando, que se producen en el mismo instante en que el cineasta las está filmando, el trabajo se organiza de acuerdo a esta característica del material, estos hechos que todavía no se han producido, cuyas eventuales características deben preverse, para poder así decidir qué va a filmarse (de lo que se supone va a suceder) y de qué manera.

El cine documental. Los comienzos
La mayoría de los autores afirman que el cine documental nació el año 1922, al estrenarse la película Nanook el esquimal, de Robert Flaherty, a pesar de que desde el mismo comienzo del cine lo que se filmaba ya eran documentos en movimiento que tenían por objeto tan sólo registrar acontecimientos de la vida cotidiana. Los primeros documentalistas fueron grandes exploradores (Flaherty, Vertov, Grierson) que llegaron a filmar aspectos muy cercanos a ellos y otros en los más remotos lugares de la tierra. Más tarde llegaron directores que prefirieron filmar el cine social, más cercano a su propia realidad, o el cine sobre la naturaleza, como los documentalistas de televisión, con más medios y en algunos casos muy buenos resultados.

Los últimos documentalistas tienen más capacidad de viajar pero no descartan filmar su propio entorno, sin apenas salir del barrio. Actualmente el mundo del documental es muy variado, sin fronteras en sus tratamientos, desde el cine más tradicional hasta el digital, ni en sus contenidos, ya que tratan cualquier actividad, remota o cercana, artística o social, deportiva o científica, sin excluir en ningún caso ni el documental de investigación ni el documento etnográfico.

Con frecuencia, los programas de ficción adoptan una estructura y modo de narración muy cercanas al documental, y a su vez, algunos documentales reproducen recursos propios de la creación de obras de ficción. El género documental es amplio y polivalente, desde el documental puro hasta documentales de creación, pasando por modelos de reportajes muy variados. Se denomina docudrama cuando los personajes reales se interpretan a sí mismos o a los verdaderos protagonistas. El documental falso se llama mockumentary.

Búsqueda de la realidad
El cine, desde los comienzos, se ha planteado como uno de los objetivos buscar la realidad y filmarla para presentarla al espectador. Sin embargo la verdadera independencia entre objetos a filmar y métodos de filmación se logró cuando el cineasta pudo manejar una cámara y un magnetófono al mismo tiempo. De esta forma se hizo posible el documental, al liberarse el cineasta de las servidumbres del cine filmado en un plató, en el que todo debe estar previsto con mucha anticipación y absolutamente preparado. El documental nació de la necesidad de filmar la realidad, por un lado, y de disponer de la oportunidad de moverse con la cámara con el sonido sincronizado al mismo tiempo, por otro. Actualmente el cine documental puede prescindir de la claqueta. Con varias cámaras se pueden filmar diversas visiones o puntos de vista desde diversos ángulos en el mismo momento histórico, lo que hace posible revitalizar la expresión y el lenguaje cinematográfico. También el cine de ficción obtiene de esta manera secuencias de mayor realismo.

El documento fílmico. Lumiére. La Escuela de Brighton
El cine comenzó siendo documento fílmico. El propio Louis Lumière pensaban el cine más como un instrumento científico que como un espectáculo para las masas, por lo que filmaban escenas callejeras y situaciones de la vida cotidiana. Tanto en Francia como en Estados Unidos, como los primeros intentos en casi todos los países, fueron filmar situaciones que se desarrollaban ante los ojos de los ciudadanos. El cine lo que hizo fue sacarlos de contexto y presentarlos como documento. Se han convertido en referencia y dato histórico de una época.

El cine fue documento fílmico hasta que Mèliés le añadió el espectáculo visual, trasformando sus proyecciones en ficción de ilusionistas, con la inclusión de historias sencillas en ambientes muy complicados y barrocos. Desde sus comienzos, como ya se ha explicado anteriormente en este texto, el cine se hacía con fines de puro entretenimiento, exhibiéndose las películas en ferias, teatros de variedades o grandes palacios del cine. No obstante, en el Reino Unido, se creó un movimiento que la historia ha dado en llamar la «Escuela de Brighton», por una serie de cineastas que actuaron en dicha ciudad por motivos casuales. Les unía la utilización de la luz y el paisaje de la naturaleza, huyendo de los tristes decorados de cartón. Utilizaron con anticipación a otros el primer plano, en The big Swallow (1901), de Georges Albert Smith, el travelling con intenciones dramáticas y los primeros pasos en el montaje.

Tras la Primera Guerra Mundial las películas comenzaron a atraer cada vez más a los artistas e intelectuales, apareciendo un público más exigente, sobre todo en las grandes ciudades de la cultura. En los años 20 se fundaron cine-clubs y sociedades cinematográficas. El público comenzó a interesarse también por la noticia filmada y aparecieron los noticiarios.

Su padre, Antoine, era un conocido pintor retratista que se había retirado para dedicarse al negocio de la fotografía; tanto Louis como Auguste continuaron con el negocio familiar.

Louis desarrolló un novedoso método para la preparación de placas fotográficas, que convirtió la empresa familiar en líder europeo del sector. En 1894, Antoine fue invitado a presenciar una demostración del kinetoscopio de Edison. Fascinado por el invento, propuso a sus hijos que buscasen la manera de mejorarlo, ya que se trataba de un aparatoso artilugio, cuyas proyecciones sólo se podían contemplar a través de una ventanilla.

Un año más tarde, Louis había hallado la solución. En 1895 Louis consiguió construir en Lyón, el primer aparato cinematográfico. Con él rodó la salida de los obreros de su fábrica, su primera película formó parte del primer programa cinematográfico presentado en público, en París el 28 de diciembre.

Uno de sus primeros films, La llegada de un tren a la estación de Ciotat, el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue sorprendente.

Mientras Auguste seguía con sus actividades hacia la biología, Louis Lumière siguió innovando en el campo de la imagen con la creación del fotograma, la placa de tricromo para fotografiar en color, la fotografía en relieve y el cine estereoscópico.

La abstracción de la realidad: Joris Ivens El cine experimental llevó a algunos fotógrafos a interesarse por el documental y por la experimentación cinematográfica mediante estudios fotográficos de la luz y del movimiento. El cine experimental comenzó a buscar la abstracción, una forma de filmar la realidad desde otros puntos de vista. Jorins Ivens realizó así Lluvia, (Regen, 1929), con el subtítulo de «poema cinematográfico», filmando el agua en las calles de Amsterdam durante y después de una tormenta. El naturalista francés Jean Painléve, uno de los pioneros del documental se especializó en fotografía submarina que acompañaba de música, con lo que presentaba la realidad sublimada por el montaje y la melodía.

Los cineastas comenzaron a plasmar las imágenes de forma real, intentando verlas desde diferentes puntos de vista en lugar de colocarlas simplemente ante la cámara y filmarlas. La intencionalidad del cineasta comenzaba así a dominar el ojo selectivo de la cámara y trabajándolas en el laboratorio, mediante el montaje, las películas que mostraban la actualidad fueron avanzando en una dirección cada vez más abstracta y compleja.

Director de cine holandés. Hijo de un comerciante de aparatos fotográficos, pudo disponer desde muy pequeño de una cámara tomavistas. De hecho, con trece años fue ya capaz de rodar un primer cortometraje amateur, La flecha ardiente. Estudió Economía en Rotterdam, y Química en la Universidad de Charlottenbourg, mientras lo simultaneaba con el aprendizaje de la técnica fotográfica.

Más tarde, optó por ampliar sus conocimientos trabajando en diversas fábricas alemanas, hasta que en 1926 regresó a la empresa paterna y comenzó a participar en el incipiente movimiento cineclubista de la época. Ese contacto con las tendencias de vanguardia le influyó en sus siguientes obras, caso de El puente o La lluvia, de marcado carácter experimental.

A finales de los años veinte viajó a la antigua URSS, donde conoció a los más importantes realizadores soviéticos y adquirió un compromiso ideológico que le acompañaría el resto de su vida. Sin embargo, en un primer momento la influencia soviética es tan patente que las películas de Ivens glosan los avances del comunismo (Construimos) o, sin más, se adscriben a la corriente del maquinismo (Sinfonía industrial). Ya en Bélgica entró en contacto directo con las luchas obreras, y llega a filmar importantes huelgas mineras (Borinage).

En 1936 se trasladó a Estados Unidos, donde se relacionó con intelectuales como Ernest Hemingway, Lillian Hellman, Robert Flaherty o John Dos Passos. Juntos fundan la sociedad Contemporary Historians, con el objetivo de producir una película que presentase al mundo la lucha de la República española frente al alzamiento militar de Francisco Franco. Dirigida por Ivens con un presupuesto de 2.000 dólares, Tierra de España se convierte en uno de los más estremecedores documentos sobre la Guerra Civil, al estructurarse sobre dos ejes: la lucha de los milicianos y los movimientos campesinos. Hemingway se encargaría de poner su voz al narrador de este filme.

Tras vivir el riesgo físico real de que rodando en el frente alguien le disparase un tiro, optó por una mayor tranquilidad y viajó a China. Pero sería en Estados Unidos donde rodara la mítica La electrificación y la tierra, documental didáctico para convencer a los granjeros de la necesidad de poner electricidad en sus casas. La tecnología como fuente primaria de cambio social es el vértice sobre el que gira esta película, surgida al amparo de los nuevos aires del ´New Deal´ puesto en marcha por el presidente Roosevelt.

Joris Ivens marcharía después a los países del Este de Europa, rodando en Checoslovaquia (Los primeros años), Polonia (La paz vencerá), la URSS (La amistad vencerá) o la República Democrática Alemana (El canto de los ríos). Afincado en Francia, codirigió Las aventuras de Till l'Espiegle, su único acercamiento al cine de ficción.

En los años sesenta orientaría su compromiso social y político hacia la pobreza que padece Latinoamérica y la agresión sufrida por Vietnam. A Valparaíso describe con enorme crudeza la progresiva ruina de una ciudad chilena antaño próspera, como símbolo de una degradación que sólo puede conducir al futuro surgimiento de revoluciones.