Blog Chitarra e Dintorni: Nuove Musiche

Intervista con Paolo Sorge parte prima

2009-11-24T00:05:00.001+01:00

La prima domanda è sempre quella classica: come è nato il tuo amore e interesse per la chitarra e con quali strumenti suoni o hai suonato?

Ho un rapporto di amore-odio con il mio strumento. La mia “facilità” con la musica si è manifestata molto precocemente: all’età di 5 anni, quando la mia famiglia abitava a Palermo, trascorrevo un pomeriggio alla settimana a casa di un anziano maestro di banda in pensione, il quale praticamente mi trattava come un nipote. I pomeriggi trascorrevano a base di cioccolata, violino, biscottini, chitarra, gelatino, solfeggio, caramella, pianoforte, etc..
Mio padre mi lasciava a casa del maestro alle 16 e tornava a prendermi alle 20.
Alla fine del primo anno ero un bambino leggermente in sovrappeso, ma ho appreso i rudimenti del linguaggio musicale molto presto e con spirito ludico!
Grazie a questa fortuna, scelsi la chitarra e da allora non l’ho più lasciata.
Oggi, trovo che i chitarristi siano moltissimi, ma le intelligenze musicali prestate alla chitarra siano davvero pochissime.. non so se mi spiego.
La chitarra per me è soltanto un mezzo.
Ad esempio, quando compongo passo molto tempo al pianoforte o al computer, e spesso concepisco strutture musicali piuttosto astratte, cioè non vincolate ad una strumentazione particolare. Soltanto in una fase successiva cerco di trasferire le parti che ho scritto sulla chitarra (non sempre è impresa facile!), oppure provvedo ad assegnarle ad altri strumenti.
Quando improvviso, invece, tendo a pensare alla chitarra come a uno strumento a fiato. Quando suono ho in testa principalmente il sassofono tenore (o una sezione di tenori, quando faccio armonia). Questo approccio incide molto sulle pronunce e sul respiro delle frasi musicali, credo che si senta.
Da anni suono un solo strumento, una Gibson ES330 del 1961, alla quale però ho fatto montare una tastiera in ebano del tutto priva di intarsi e delle meccaniche auto-bloccanti.

Come è il tuo rapporto con lo studio di registrazione e con le case discografiche? Sembra che tu abbia un ottimo rapporto con la Auand di Marco Valente e Improvvisatore Involontario di Francesco Cusa, come sei arrivato a loro?

Ehi, un momento! Improvvisatore Involontario è fondamentalmente una creazione mia, di Francesco Cusa (che è un mio amico fraterno e assiduo collaboratore da 25 anni) e di Carlo Natoli! Quindi non ci sono esattamente “arrivato”: E' casa mia!
Carlo poi si è ritirato dal progetto dopo un paio di anni, mentre io e Francesco siamo ancora dentro. Il fatto che molti associno il collettivo-etichetta a Francesco come se ne fosse il “proprietario” probabilmente deriva dal fatto che Francesco ha assunto fin dall’inizio il ruolo di comunicatore ufficiale, avendone vocazione e talento specifici molto più di me e di altri soci. Inoltre, Francesco compare in quasi tutte le uscite discografiche del nostro catalogo, e questo attiene al suo essere molto poliedrico e anche prolifico, direi. Io invece compongo e registro in maniera più rarefatta nel tempo, e inoltre credo di essere una persona piuttosto schiva e riservata, non amo molto parlare. Questo spiega perchè sono meno esposto.

Quanto al mio primo disco, Trinkle Trio, è arrivato nel 2003 con la Auand di Marco Valente.
Marco segue molto bene i cd del suo catalogo in termini di promozione, e il mio disco fu il n. 3 della sua etichetta. Quindi devo molto a Marco se da quel disco in poi un pubblico più ampio ha potuto conoscermi.

Oltre a svolgere una notevole attività come concertista sei anche docente di Jazz presso il conservatorio “F. Cilea” di Reggio Calabria, come riesci a combinare queste due attività? A volte si ha l’impressione di una dicotomia tra le due “carriere”:che un concertista non riesca ad essere allo stesso tempo anche un insegnante… ti capita mai di imparare dai tuoi allievi?

Insegno due giorni pieni a settimana, escludendo qualche workshop o master class durante l’anno.
A Reggio Calabria insegno Jazz, dirigo l’orchestra jazz del conservatorio, e sono direttore del dipartimento di jazz. Imparo costantemente moltissime cose dai miei studenti.
Gli altri giorni della settimana li dedico allo studio, alla ricerca, alla composizione, alle prove, ai concerti, all’attività artistica in generale, e solo in parte alla programmazione didattica. Quindi di fatto l’insegnamento occupa circa 1/3 della mia vita professionale. Quando sono in tour invece il tempo passa in maniera molto diversa, è come se mi prendessi una pausa in cui la gestione del tempo segue una logica differente.
Ma devo dire che negli ultimi tempi l’attività didattica e quella artistica si intrecciano sempre più spesso. Il conservatorio in base ai nuovi statuti è un luogo di produzione musicale, e non è difficile intraprendere delle esperienze di produzione musicale se ci stai dentro e hai voglia di lavorare. Diffido dai tanti che parlano male dei conservatori restandone fuori.
E sinceramente non credo a chi dice che un buon concertista non può essere un buon insegnante, visto che mi impegno per portare avanti entrambe le cose!

Sei anche diplomato in composizione (Conservatorio di Perugia, 1998) e Jazz (Conservatorio di Latina, 2001) .. che differenze riscontri tra il mondo del Conservatorio e quello del jazz? E’ possibile trovare dei punti di incontro tra questi due modi di fare musica?

Certamente: il punto d’incontro sta nella mia stessa attività artistica! Però è più semplice adesso, rispetto a quand’ero studente di conservatorio, individuare affinità tra mondi apparentemente così distanti. Da studente mi sentivo molto più confuso. Oggi passo con disinvoltura dall’improvvisazione al jazz, dalla chitarra elettrica alla composizione o alla direzione d’orchestra. La mia formazione è decisamente eclettica, e tale è di conseguenza anche la mia attività. Cercando di sintetizzare, penso che il mio obiettivo come artista consista nel ricercare formule ed equilibri ogni volta diversi nel rapporto tra scrittura e improvvisazione. E' questo principio che mi ispira in qualunque progetto che mi capiti di intraprendere, ed è per questo che i miei progetti sono così diversi l’uno dall’altro.

continua domani

Pat Ferro presenta DEAN BOWMAN and EZEKIEL 25:17

2009-11-23T21:31:00.001+01:00

DEAN BOWMAN and EZEKIEL 25:17 martedì 24 Novembre

Spoken Words, Poetry e Soul all'Elefante Rosso

Ezechiele 25:17 "il cammino dell'uomo timorato è minacciato da ogni parte dalle iniquità degli esseri egoisti, e dalla tirannia degli uomini malvagi" Vi ricorda qualcosa??? Beh l'immagine di Samuel L. Jackson che lo recita prima che spari alle sue vittime è impressa nelle nostre menti, quelle della generazione "Pulp Fiction" per intenderci... Nel contesto musicale, recitare un passo della bibbia viene normalmente collocato nel gospel o nel Soul da chiesa domenicale, ma Ezekiel 25:17 è il progetto di Francesco Cusa (Improvvisatore Involontario), Dean Bowman (Screaming Headless Torses) e Danilo Gallo (El Gallo Rojo) che vorrebbe miscellare la forza e la potenza della parola e la voce di uno dei più grandi Vocalists americani di oggi, in musica contemporanea, dando carica del Blues ad una grande interpretazione Soul e Jazz.

A Brand New project from the Screaming Headless Torsos' leadiing vocalist Dean Bowman, and 2 of the most respected italian musicians nowadays Danilo Gallo and Francesco Cusa, Ezekiel 25:17 is a snap in the face energetic soul and "jail" Blues fusion, diving in between with contemporary funk and jazz.
Come experiment an American mind blowing Road Trip musical at Elefante Rosso!

Ore 22:00 Elefante Rosso Music Club
Via della Crusca 34 Mestre Venezia 0415321979 elefante@elefanterosso.com

come arrivare: dall’autostrada uscire a terraglio prendere poi la statale direzione Venezia
dopo 3 km c’è via della Crusca sulla destra. Da Venezia autobus nr 24

FESTIVAL MUSICALE NOTTURNI AL MUSEO CARLO ZAULI 2009: SEMINARI

2009-11-23T19:33:00.001+01:00

SEMINARI INTRODUTTIVI AL FESTIVAL NOTTURNI 2009

La Scuola Comunale di musica “G. Sarti”, Diatonia Progetti Culturali e il Museo Carlo Zauli, allo scopo di creare un percorso didattico legato al festival Notturni 2009, hanno costituito un pacchetto didattico riservato agli studenti di chitarra provenienti da conservatori e istituzioni musicali, formato da tre seminari introduttivi ai concerti + i tre concerti.
Gli studenti interessati potranno frequentare i seminari che si svolgeranno presso la scuola Comunale di Musica “G. Sarti” sita in Via S. Maria dell’Angelo 23, semplicemente iscrivendosi via mail all’indirizzo mcz.notturni@gmail.com entro martedì 1 dicembre 2009 oppure contattando al segreteria della Scuola di musica. Le spese, che serviranno a coprire parte dei costi vivi dell’iniziativa didattica sono le seguenti: tre seminari + tre concerti €. 12, un seminario singolo €. 5. Chi fosse interessato ha la possibilità di iscriversi senza costi aggiuntivi, all’associazione culturale Diatonia che promuoverà altre iniziative musicali nel corso dell’anno scolastico 2009/2010. Al termine del Festival gli studenti partecipanti riceveranno un attestato di frequenza in qualità di uditori.

Programma dei seminari
Giovedì 3 dicembre dalle 17.30 alle 18.30 - Scuola Comunale di Musica “G. Sarti”
Docente: Massimo Lonardi
Argomento: La vihuela

Venerdi 4 dicembre dalle 17.30 alle 18.30 - Scuola Comunale di Musica “G. Sarti”
Docente: Yuval Avital
Argomento: La chitarra classica contemporanea

Sabato 5 dicembre dalle 15.30 alle 16.30 - Scuola Comunale di Musica “G. Sarti”
Docente: Paolo Sorge
Argomento: La chitarra elettrica nella musica contemporanea

Fac simile domanda di iscrizione: Io sottoscritto XY nato a ....frequentante il (specificare istituzione) sotto la guida di (specificare insegnante) chiedo di poter frequentare i tre seminari collegati ai concerti Notturni Festival, in qualità di allievo uditore. Verserò la quota simbolica di iscrizione di €. 10 il giorno 3 dicembre in occasione del primo seminario.
Per informazioni riguardanti alloggio e vitto potete fare riferimento ai seguenti indirizzi che offrono prezzi convenzionati con il Museo Carlo Zauli specificando “convenzione Museo Zauli”.

Per dormire:
Hotel Vittoria www.hotel-vittoria.com
corso Garibaldi, 23 +39 0546 21508
Locanda del Naviglio
via Granarolo, 88 +39 0546 46956
Per mangiare:
Osteria della Sghisa www.osteriadellasghisa.com
via Giuseppe Maria Emiliani, 4 +39 0546 668354
Zingarò www.ristorantezingaro.com
via Campidori, 11 +39 054621560

Per informazioni sui seminari:
Donato D’Antonio +39 328 1769603
Scuola Comunale di Musica “G. Sarti” Via S. Maria dell’Angelo, 1
+39 0546 21186
Museo Carlo Zauli via della Croce, 4 +39 0546 22123
Per iscrizioni:
mcz.notturni@gmail.com
Donato D’Antonio
www.donatodantonio.org
www.donatodantonio.blogspot.com

PROGRAMMA CONCERTI
Giovedì 3 dicembre ore 21,00 Museo Carlo Zauli
MASSIMO LONARDI vihuela
"Libros de musica para vihuela”
in collaborazione con: Stradivarius - the leading italian classical music label

Venerdì 4 dicembre ore 21,00 Museo Carlo Zauli
YUVAL AVITAL prepared classic guitar
“Songs of hope and fear” for scordatura and prepared classic guitar
http://www.yuvalavital.com/

Sabato 5 dicembre ore 18,00 Museo Carlo Zauli
TETRAKTYS PAOLO SORGE electric guitar quartet
from Fred Frith with Goongerah and other ideas
http://www.myspace.com/psorge
In collaborazione con il Do Nucleo Culturale Faenza

La rassegna musicale Notturni al Museo Carlo Zauli giunge quest’anno alla sesta edizione, proponendosi per la prima volta in forma di festival, con tre concerti presentati in tre giorni consecutivi. Nata nel 2004 con l'obiettivo di far incontrare l'arte del secondo novecento, quella a cui Carlo Zauli ha dato il suo importante contributo, ha invitato artisti di rilievo internazionale che hanno eseguito prime esecuzioni, concerti, performances.
Gli interpreti di quest'anno ci accompagneranno in un percorso che mette in stretta relazione la musica antica con quella contemporanea sia di tradizione europea che mediorientale, ascoltata da strumenti quali la vihuela, la chitarra preparata e la chitarra elettrica.
Il primo appuntamento giovedì 3 dicembre alle ore 21 prevede la presentazione del cd "Libros de musica para vihuela” con Massimo Lonardi, fra i massimi interpreti italiani di musica antica, in collaborazione con la casa discografica Stradivarius, etichetta leader nella musica antica e contemporanea italiana. La vihuela ebbe una vita piuttosto breve: dall’edizione di El Maestro(1535-36), che fu la prima intavolatura stampata in Spagna, alla scomparsa dello strumento trascorse poco piu' di mezzo secolo. Tuttavia in questo breve arco di tempo furono composti e pubblicati i numerosi libri di intavolatura che, per l’eccelsa qualità artistica, pongono la musicaper vihuela ai vertici della produzione strumentale del Rinascimento. Massimo Lonardi svolge un’intensa attività concertistica con il liuto e la chitarra rinascimentale, la vihuela e l’arciliuto dedicando particolare attenzione a questo repertorio, del quale ha curato alcune edizioni critiche. Nel cd Libros de Musica para vihuela ci presenta un’accattivante panoramica di questo strumento poco noto al grande pubblico.
Il secondo concerto venerdì 4 dicembre alle ore 21, propone Yuval Avital virtuoso chitarrista israeliano che lavora da anni combinando musicalmente elementi della tradizione mediorientale con quella colta europea. Presenterà in prima esecuzione assoluta “Songs of hope and fear for scordatura and prepared classic guitar”.Yuval Avital è nato a Gerusalemme nel 1977. Compositore e direttore di progetti musicali e multimediali, chitarrista solista di musica classica e contemporanea, i suoi lavori coinvolgono una grande varietà di stili e generi, combinando diverse tradizioni ed epoche, unendo nuovo e antico, semplice e complesso. L’incontro tra musica modale, world music e atonale post-dodecafonica forma un linguaggio veramente innovativo che dimostra un'invisibile ma profonda linea di collegamento tra diverse tradizioni sonore. I progetti di Avital coinvolgono grandi maestri da tutto il globo, come accade nei concerti creati dal 2006 per il “Trialogo festival”. La sua attività di chitarrista comprende numerose esibizioni, concerti, tour, partecipazioni a festival internazionali, registrazioni e live presso radio e televisioni, dalla Danimarca alle Filippine, dal Kazakhistan al Portogallo, dalla Cina al Canada.
L'ultimo appuntamento sabato 5 dicembre propone Paolo Sorge electric guitar quartet nel progetto TETRAKTYS “from Fred Frith with Goongerah and other ideas". Caratterizzato dalla lettura di trascrizioni di varia provenienza, il progetto offre al pubblico un campionario il più possibile ampio delle potenzialità sonore di questo inusuale insieme strumentale. Si passa da alcune partiture di Fred Frith (il brano Goongerah e la suite The As Usual Dance Towards the Other Flight to What Is Not, entrambe composizioni concepite in origine per lo stesso Fred Frith Guitar Quartet ed in seguito generosamente regalate dal compositore direttamente a Paolo Sorge), ad alcune partiture algoritmiche di Elliott Sharp a composizioni totalmente improvvisate.
I Notturni sono svolti in collaborazione con l'Assessorato alla Cultura del Comune di Faenza, Diatonia che ne è la promotrice, la Scuola Comunale di Musica “G. Sarti”, Stradivarius the leading italian classical music label e Teatro per la Pace Forlì.
Il curatore musicale è Donato D'Antonio.
Tutti i concerti inizieranno alle ore 21.00 ad eccezione dell'ultimo (ore 18) e si terranno nella sala degli altorilievi.
Per informazioni:
Museo Carlo Zauli, via della Croce 6 48018 Faenza (RA) 0546.22123
info@museozauli.it - http://www.museozauli.it/
http://museocarlozauli.blogspot.com/2009/11/festival-notturni-al-mcz-3-4-5-dicembre.html

Recensione di Paolo Sorge Trinkle Trio, Auand 2003

2009-11-23T15:00:00.002+01:00

“E’ sempre notte; se non fosse così noi non sentiremmo tanto il bisogno della luce.” Thelonius Monk

Scrive Arrigo Polillo nel suo trattato sul Jazz: “Thelonius Monk era “strano”: su questo tutti sono d’accordo. Strano l’uomo e strana anche la sua musica. Tuttavia se l’uomo è rimasto un enigma quasi per tutti, la sua musica, col passare degli anni, è stata capita perfettamente; anche coloro che non l’hanno saputa analizzare hanno alla fine percepito la sua tanto conclamata stranezza come un nuovo tipo di logica.”
Il trio del chitarrista Paolo Sorge, completato dalla tuba di Michel Godard e dalle percussioni di Francesco Cusa, si lancia con coraggio e determinazione nella rilettura della musica densa e rude, angolosa e cupa del grande Monk, infatti eccetto il primo e l’ultimo brano (Prologo e Epilogo dello stesso leader) vengono qui rivisitate undici perle oramai patrimonio della musica del ‘900, da Evidence a Misterioso, da I Mean You a Monk’s Mood. Operazione non esente da rischi, ma che qui viene assolta e svolta in modo creativo, innovativo e decisamente godibile. Vedersela con Monk non è cosa semplice, la sua è una musica complessa dalle atmosfere tese, stravolte, e inquietanti in pieno contrasto con le atmosfere serene, coi suoni tersi e lievi che i maestri del cool avevano messo ai suoi tempi di moda. Giocare con la sua poetica musicale, gli spostamenti d’accento, i ritardi, gli anticipi, il suo uso degli spazi dei silenzi e il suo tumultuoso impeto ritmico, significa rivedere e reinterpretare gli aspetti fondamentali del suo discorso musicale e del suo swing, recuperando una musica che non è affatto semplice nelle strutture ma è elementare, quasi primordiale nell’ispirazione e nelle motivazioni. Paolo Sorge e il Trio Trinkle elaborano costruzioni sonore dalle prospettive sghembe eppure miracolosamente equilibrate in una musica buia in cui le dissonanze balenano e scoppiano come fuochi d’artificio e in cui si avverte la caparbietà di chi non sapendo o volendo muoversi con disinvoltura nel labirinto delle norme codificate vuole tuttavia coi mezzi a sua disposizione esprimere ciò che ha dentro scrivendo una nuova mappa, una nuova geografia.
Terza incisione nel catalogo della Auand, che conferma sempre l’eccellenza e la qualità dei suoi prodotti, interessante anche l’idea della traccia cd rom.

Indispensabile per chi ama il Paul Motian Trio e un disco come News for Lulù di John Zorn.

Empedocle70

Speciale Paolo Sorge: Biografia

2009-11-23T00:05:00.001+01:00

PAOLO SORGE (1968) è un chitarrista, compositore ed improvvisatore catanese già da tempo noto al pubblico del jazz contemporaneo nazionale ed europeo. Da circa vent’anni conduce una ricerca trasversale nell’ambito delle musiche d’improvvisazione, coltivando contemporaneamente l’interesse per i linguaggi del Jazz, le musiche popolari, l’improvvisazione radicale, la sonorizzazione di film muti, il paesaggio sonoro e la soundscape composition, il metodo della conduction applicato alla didattica della musica, nonché la composizione per varie tipologie di organico, dal quartetto di saxofoni all’orchestra jazz. Dagli esordi in Sicilia, passando per una parentesi romana lunga dodici anni, fino al recente ritorno nella propria terra d’origine, Paolo Sorge ha suonato e registrato con moltissimi musicisti di varia estrazione, tra cui ricordiamo Alfio Antico, Paolo Fresu, Paolino Dalla Porta, Roberto Spadoni (M.J. Urkestra), Mike Abene, Maurizio Giammarco, Gianluigi Trovesi, Sandro Satta, Stefano Maltese, Gianni Gebbia, Michel Godard, Francesco Cusa (Trinkle Trio, Skrunch e altri progetti), Fabrizio Puglisi, Stefano Zorzanello, Lelio Giannetto (Curva Minore, 2003-2006), Francesco Branciamore, Claudio Lugo, Guido Mazzon, Butch Morris (Bologna, Angelica Festival 2006), Ab Baars e Ig Henneman. Diplomato in Composizione (Conservatorio di Perugia, 1998) e Jazz (Conservatorio di Latina, 2001), ha all'attivo due prestigiosi premi di composizione per orchestra jazz (Barga Jazz 1993, Sassari - Scrivere in Jazz 2004).

Negli ultimi dieci anni affianca all’attività concertistica e discografica un’intensa attività didattico-divulgativa nell’ambito del jazz e dell’improvvisazione, collaborando con importanti istituzioni pubbliche e private (Conservatorio S. Cecilia - Roma, Università della Musica s.r.l. – Roma, Conservatorio S. Giacomantonio – Cosenza, Conservatorio “N. Piccinni” – Bari, Politecnico “Scientia et Ars” – Vibo Valentia, Teatro Masciari – Catanzaro, CESM - Catania). Attualmente è docente di Jazz presso il conservatorio “F. Cilea” di Reggio Calabria. Nel 2003 ha inaugurato la propria discografia personale con il cd Paolo Sorge TRINKLE TRIO http://www.myspace.com/trinkletrio (pubblicato da AUAND), una rilettura in chiave improvvisativa della musica di Thelonious Monk, insieme al tubista Michel Godard e al batterista Francesco Cusa. Dalla data della sua pubblicazione ad oggi il disco ha collezionato un considerevole numero di recensioni e interviste in Italia e all’estero attirando l’attenzione e i consensi della critica specializzata (una rassegna stampa essenziale e samples mp3 sono disponibili sul sito web dell’etichetta discografica AUAND, a partire da http://www.auand.com/wp/au9003/

Negli ultimi tre anni la formazione si è esibita nel corso di alcuni tour in Italia, Slovenia e Germania avvalendosi della collaborazione del trombonista Tony Cattano, ormai membro stabile dell’organico. Dal suo ritorno a Catania, Paolo Sorge è uno dei musicisti e didatti più attivi e impegnati in Sicilia nella diffusione delle musiche d’improvvisazione.

È tra i fondatori del movimento artistico ed etichetta discografica Improvvisatore Involontario http://www.improvvisatoreinvolontario.it/, e di SSRG (Sicilian Soundscape Research Group) ONLUS http://www.ssrg.it/ , gruppo di ricerca sul paesaggio sonoro dall’approccio multidisciplinare, nato nel 2005 su iniziativa del flautista e compositore Stefano Zorzanello. Tra i progetti più recenti Paolo Sorge & the Jazz Waiters, con Francesco Cusa (batteria), Tony Cattano (trombone) e dal contrabbassista olandese (ma trapiantato in Sicilia) Marko Bonarius. Ensemble di recente costituzione, in realtà rappresenta l’incontro fra tre musicisti che già da alcuni anni intrecciano i loro rispettivi percorsi artistici. Il punto di partenza è il linguaggio comune del jazz, nell’accezione di musica aperta, ad alto tasso di inclusività, capace cioè di inglobare e restituire metabolizzati anche elementi estranei ad essa, comprese le suggestioni del momento, attraverso il gioco dell’improvvisazione. Il repertorio, consistente quindi in una miscela di composizioni originali, standards ed episodi interamente improvvisati, è stato eseguito per la prima volta nell’ambito della terza edizione del festival internazionale di poesia Voci Dal Mondo, svoltasi a Catania tra il 17 e il 18 Marzo nell’ambito dell’EtnaFest 2006. Entro il 2007 è stato pubblicato “SLOW FOOD”, primo cd del quartetto, per l’etichetta Improvvisatore Involontario.

Discografia

come chitarrista:

- M.J.Ùrkestra, MINGUS - 1998, Splasc(h) Records (cd H653.2) – distrib. IRD;

- Alfio Antico Quartetto, ANIMA ‘NGIGNUSA - 2000, ONYX etnica (CD ONYX 008) – distrib. IRD;

- M.J.Ùrkestra, ÙRKESTRA - 2001, Splasc(H) Records (cd H739.2) – distrib. IRD;

- Paolo Sorge, TRINKLE TRIO – 2003, Auand (AU9003) – distrib. IRD;

- Francesco Cusa Skrunch, PSICOPATOLOGIA DEL SERIAL KILLER – Improvvisatore Involontario (0001) – distrib. Wide;

- M.J.Ùrkestra, DANCES - 2004, Splasc(H) Records (cd H931.2) – distrib. IRD;

- Stefano Maltese Ghost Company, ‘DJA ‘BA ‘LA – 2006, Labirinti Sonori (LS 002) – distrib. IRD

come compositore:

- Ghost Saxophone Quartet, CD del Primo Concorso Jazz Umbria Giovani - 1995, IFM;

- Paolo Sorge & the Jazz Waiters, SLOW FOOD – settembre 2007

- Francesco Cusa Skrunch, L’ARTE DELLA GUERRA – 2007

Maurizio Pisati: CATVLLVS

2009-11-22T00:05:00.001+01:00

Recensione di La Suave Melodia, Stradivarius 2008, Lorenzo Micheli, Matteo Mela, Massimo Lonardi

2009-11-21T00:05:00.002+01:00

A volte, nel corso di una giornata, torna la voglia, come cantava Battiato, di tornare a vivere a un’altra velocità. Un ritmo meno concitato, un tempo più rilassato, per meglio gustare le cose e vivere in modo pieno la vita. Non è facile, anzi è molto difficile, pressati come siamo da mille impegni, ma a volte succede che qualcosa, l’incontro con una persona speciale, una lettura interessante o un ascolto particolare ci aiutano a rientare su una giusta carreggiata.

E’ il caso di “La Suave Melodia”, ovvero l’ultima uscita della Stradivarius, casa discografica particolare nel panorama italiano che è riuscita a diventarne un punto di riferimento grazie a delle scelte coraggiose: cd monografici, monografie dettagliate anche di autori poco famosi ma di indubbio valore, prime o nuove esecuzioni moderne di partiture antiche da tempo dimenticate o sottovalutate.

Il cd, in edizione cartonata con annesso libretto di 26 pagine in italiano e in inglese, tratta musiche del Seicento italiano, suonate con meravigliosa dedizione da Massimo Lonardi all’arciliuto, Matteo Mela alla chitarra barocca e Lorenzo Micheli alla tiorba e chitarra barocca. Gli autori trattati sono Andrea FALCONIERI, Giovanni Girolamo KAPSBERGER, Giulio BANFI, Girolamo FRESCOBALDI e Alessandro PICCININI, sono 29 tracce per quasi 66 minuti di musica dolce e soave.

Ciò che traspare da queste musiche, magistralmente eseguite dai tre interpreti, è la loro assoluta contemporaneità, è musica del ‘600 e sembra arrivare attraverso un quantum leap temporale eppure fin dal primo ascolto suona familiare, intima e racconta la vita, anche la nostra attraverso le emozioni che riesce a suscitare: gioia, malinconia, ironia, tristezza e soprattutto la vita stessa, che traspare e scorre tersa e limpida nelle note dei tre interpreti.

E’ un flusso, una corrente di musica che ti avvolge e sembra ricordarti che esiste un’altra bellezza, discreta, forse nascosta ma così intima da farti sorridere e lasciarti alla fine dei 66 minuti sazio e appagato. La vita di tutti i giorni torna a chiamare, per fortuna esiste il tasto re-play … click.

Registrazione semplicemente ineccepibile.

Empedocle70

Massimo Lonardi

(Milano, 1953) Ha studiato composizione con Azio Corghi e chitarra classica con Ruggero Chiesa, diplomandosi presso il Conservatorio G. Verdi di Milano. Si è poi specializzato in liuto rinascimentale, frequentando seminari tenuti da Hopkinson Smith. Svolge un'intensa attività concertistica con il liuto rinascimentale, la chitarra rinascimentale, la vihuela e l'arciliuto, con una particolare attenzione al repertorio rinascimentale italiano, del quale ha curato alcune edizioni critiche.Ha effettuato registrazioni per le case Ricordi, Erato, Tactus, Jecklin, Edelweiss, Agorà, Nuova Era e Stradivarius, tra le quali numerosi CD monografici dedicati alle opere per liuto di Francesco Canova da Milano, Pietro Paolo Borrono, Joan Ambrosio Dalza, Vincenzo Capirola e John Dowland, come pure alle opere per vihuela di Luis Milán. Il CD dedicato alle opere per liuto di John Dowland (Agorà) ha vinto il primo premio per la musica strumentale della rivista “Musica e Dischi” nel 1999. Ha insegnato in numerosi corsi di perfezionamento in tutta Italia ed è docente di liuto presso l'Istituto Superiore di Studi Musicali "Franco Vittadini" di Pavia e presso la Scuola di Musica Antica di Venezia.

SoloDuo
Matteo Mela e Lorenzo Micheli

Matteo Mela e Lorenzo Micheli si sono incontrati nell’autunno del 2000: da allora hanno condiviso innumerevoli idee, progetti musicali, viaggi. Nel 2003 hanno formato un duo che ha già percorso centinaia di migliaia di chilometri attraverso l’Europa e tutto il Nord America, suonando in sale come la Carnegie Hall di New York, il Lingotto di Torino e la Konzerthaus di Vienna. Di loro ha scritto il Washington Post: “Extraordinarily sensitive, with effortless command and an almost unbearable delicacy of touch, the duo’s playing was nothing less than rapturous – profound and unforgettable musicianship of the highest order”. Oltre al repertorio per chitarra, Matteo e Lorenzo – in trio con il liutista Massimo Lonardi – esplorano da qualche anno la letteratura italiana del ’600 e ’700 per arciliuto, chitarra barocca e tiorba.  All’instancabile attività concertistica, da soli e in duo, Matteo e Lorenzo affiancano un non meno febbrile impegno in sala di incisione: la loro discografia comprende, tra l’altro, i tre Quartetti op. 19 di François de Fossa (Stradivarius), i Duos Concertants di Antoine de Lhoyer (Naxos), un’antologia di capolavori per due chitarre del XX secolo (Solaria, Pomegranate), un DVD dal vivo (Mel Bay) e un disco sulla musica di Andrea Falconieri e del ’600 italiano con Massimo Lonardi (Stradivarius), oltre a una decina di lavori solistici per le etichette Paragon/Amadeus, Brilliant, Kookaburra, Mel Bay, Naxos e Stradivarius. Per ulteriori informazioni visitare www.soloduo.it, www.matteomela.it e www.lorenzomicheli.com.

Matteo Mela ha iniziato gli studi musicali guidato da Renzo Doria Miglietta. In seguito ha definito la propria formazione strumentale con Giovanni Puddu, frequentando inoltre i corsi di Angelo Gilardino, Alirio Diaz, Oscar Ghiglia, David Russell, Sergio e Odair Assad. Sul versante cameristico si è perfezionato con Dario De Rosa, Alexander Lonquich e Pier Narciso Masi all’Accademia Pianistica di Imola.
Il suo interesse per la musica d’insieme lo ha portato a costituire il duo di chitarre Bandini-Mela, che tra il 1991 e il 1998 ha vinto molti importanti concorsi di musica da camera: la Selezione Aram, il Concorso F. Cilea di Palmi, la Selezione della GMI, il Concorso Internazionale Città di Gubbio, il Concorso Internazionale Città di Caltanissetta e il Concorso Perugia Classico.
Nel 2000 Matteo Mela incontra Lorenzo Micheli: il loro si afferma in breve tempo come uno dei duo di chitarre più apprezzati in tutto il mondo. Il Washington Post ne ha scritto: “Extraordinarily sensitive, with effortless command and an almost unbearable delicacy of touch, the duo’s playing was nothing less than rapturous – profound and unforgettable musicianship of the highest order”. Nel 2004 esce per Stradivarius il primo disco del duo, dedicato ai Quartetti di François de Fossa, seguito dai Duos Concertants di Antoine de Lhoyer (Naxos), dall’album Solaria (Pomegranate) e da un disco sulla musica di Andrea Falconieri e del ’600 italiano per tiorba, arciliuto e chitarra barocca (Stradivarius).
Matteo Mela si è esibito, da solo e in formazioni cameristiche, per le più autorevoli istituzioni musicali di numerose città europee e nordamericane. Come solista ha inciso il disco Virtuosi italiani dell’Ottocento (Kookaburra) e l’integrale delle opere per chitarra di Astor Piazzolla (Stradivarius). Matteo vive a Ginevra, dove è docente presso il Conservatoire Populaire de Musique.

Definito dalla critica musicale “l’esecutore ideale dello strumento” (Enzo Siciliano, Il Venerdì di Repubblica) e “prodigious talent” (Soundboard), Lorenzo Micheli, chitarrista e tiorbista, ha vinto alcuni tra i più importanti concorsi di interpretazione del mondo (Gargnano, Alessandria, Guitar Foundation of America). Dopo gli studi con Paola Coppi a Milano, Frédéric Zigante a Losanna e Oscar Ghiglia alla Musik-Akademie di Basilea, Lorenzo ha intrapreso un’intensa attività artistica – come solista e con orchestra – che lo ha portato in tutta Europa, in Canada e in oltre cento città statunitensi, in Africa, in Asia e in America Latina. Tiene regolarmente masterclass per Università e Festival americani ed europei, ha registrato per radio e televisioni di tre continenti e pubblicato saggi e contributi su riviste specializzate italiane e straniere, quali Il Fronimo e Guitar Forum. Insieme a Matteo Mela, Lorenzo Micheli ha suonato nelle sale da concerto di tutto il mondo, dalla Carnegie Hall di New York alla Konzerthaus di Vienna: il Washington Post ha salutato il loro duo come “nothing less than rapturous”.
Per Stradivarius Lorenzo ha registrato una monografia sulle opere per chitarra sola di Dionisio Aguado, una sui Quartetti op. 19 di François de Fossa e un disco sulla musica di Andrea Falconieri e del ’600 italiano per tiorba, arciliuto e chitarra barocca; per NAXOS sono usciti un CD dedicato alla musica di Mario Castelnuovo-Tedesco, i Duos Concertants di Antoine de Lhoyer e l’integrale delle opere di Miguel Llobet; Brilliant Records ha dato alle stampe la sua registrazione integrale dei Concerti di Castelnuovo-Tedesco, la rivista Amadeus un doppio disco sulla musica da camera di Mauro Giuliani e l’etichetta Pomegranate Music un’antologia di opere del Novecento per due chitarre. Lorenzo Micheli insegna presso l’Istituto Musicale Pareggiato della Valle d’Aosta.

Recensione Comienca la musica para guitarra di Massimo Lonardi, Stradivarius

2009-11-20T00:05:00.002+01:00

Ben pochi strumenti hanno dimostrato nel corso del tempo di saper mutare forma e strategia adeguandosi al gusto e allo spirito dell’epoca e del paese di riferimento, adattandosi di volta in volta alle nuove esigenze. Strumento di musica popolare per eccellenza è diventato anche tempo piccola orchestra, oggetto di sfida per e gli interpreti di compositori di musica colta.
Questo disco, il dodicesimo della Collection della Stradivari, concentra l’attenzione sulla forma della chitarra rinascimentale attraverso 29 pezzi suonati dal maestro Massimo Lonardi “pescati” nella letteratura chitarristica cinquecentesca che è riuscita a superare l’oblio dei secoli. Si tratta di brani musicali tratti dai libri di Adrian Le Roy, Simon Gorlier, Guillame Morlaye, Gregoire Brayssing; Melchioro de Barberis, Miguel de Fuenllana e Pierre Phalèèse e Jean Bellère, sapientemente miscelati tra loro realizzando una vera e propria summa, una antologia delle forme musicali in voga nel periodo: si tratta di danze, variazioni su temi noti o schemi armonici prestabiliti, trascrizioni da opere polifoniche vocali e i ricercari o le fantasie nelle quali il compositore sviluppava liberamente il suo stile musicale.
Le musiche sono state eseguite con due chitarre rinascimentali, una accordata in la di Filippo Lesca e una accordata in mi di Stefano Solari. Sono pezzi brevi che vanno dal minuto e 10 secondi di Bransie de Bourgoigne di Adrian Le Roy ai 2 minuti e 34 secondi di Estant assis aux rives aquatiques di Simon Gorlier, miniature musicali, piccole gemme sonore meravigliosamente interpretate da Massimo Lonardi, sia con assoluta cura e dedizione filologica sia con passione e virtuosismo musicale. Attenzione caro lettore, questo non è l’ennesimo esempio di rivival cinquecentesco, qui non si sta cavalcando la comoda tigre di una effimera popolarità mediatica. Questo è un disco eccellente, dai colori pastello, suadente e leggero, di una piacevolezza che va al di là dell’interesse dell’appassionato e del chitarrista. E’ un disco per chi ama la bellezza, per chi apprezza un lavoro sincero, fatto sia con passione musicale sia con accurata ricerca bibliofila sia con certosino lavoro di liuteria.
Comienca la musica para guitarra, la chitarra non si è mai fermata e continua il suo viaggio nel tempo e nella musica.
Qualità di incisione ineccepibile per dinamica e timbro sonoro, una stella in più per i direttori della registrazione Andrea Chenna e Andrea Dandolo.

Empedocle70

Talea "musiche nuove dall'antico" 21 NOVEMBRE Mogliano Veneto

2009-11-19T16:00:00.000+01:00

Talea
"musiche nuove dall'antico"

Primo appuntamento della stagione dell'Associazione Culturale Musici Mojanesi di Mogliano Veneto, che avrà luogosabato 21 novembreale ore 21.00

presso la sala consiliare del Municipio - Piazza Caduti, 8
Mogliano Veneto

Una novità costituisce sempre una frattura, ma è anche una scommessa sull'esistenza di una continuità, sulla possibilità di crescita. Essa è frutto di invenzione, sperimentazione e, soprattutto, ricerca.

La ricerca di oggi è affidata ai compositori e agli strumentisti del nostro tempo che esplorano la realtà traducendola in suoni. Le forme del passato si evolvono e si schiudono in un universo nuovo attraverso un flusso continuo, che abbatte ogni barriera temporale.

TALEA è l'innesto del nuovo sull'antico, dell'elemento di diversità su ciò che conosciamo, per vederlo germogliare e creare nuove propaggini.

TALEA propone le nuove creazioni per flauto, clarinetto, violino, violoncello e pianoforte di Davide Anzaghi, Sonia Bo, Francesco Maggio, Carla Rebora, Paolo Rotili e Roberto Rusconi, che saranno eseguite dal FramEnsemble.

Esse traggono ispirazione dai capolavori musicali dei più importanti compositori italiani di ricercari del XVI° secolo:
Marco Antonio Cavazzoni (1485 – 1569), Andrea Gabrieli (1510 ca – 1586), Girolamo Cavazzoni (1525 – 1560), Giovanni Gabrieli (1557 circa – 1612), Claudio Merulo (1533 – 1604) e Girolamo Frescobaldi (1543 – 1643).

Musiche commissionate dal FramEnsemble in prima esecuzione assoluta di:

Carla Rebora (1973), Di quadri e di cerchigeometrie concentriche per cinque strumenti

Davide Anzaghi (1936), Ricerca – Re; Ricerca – MI

Paolo Rotili (1959), Canzon sopra canzon

Francesco Maggio (1986), ABBA’

Roberto Rusconi (1972), Ricercare sulla Toccata IX di Girolamo Frescobaldi

Sonia Bo (1960), Frame toccata

PREMIAZIONE DEL CONCORSO DI COMPOSIZIONE “CALL FOR SCORES 2009” –

V° EDIZIONE

Esecuzione di “Delirium” per flauto, violoncello e pianoforte di Panayotis Kokoras (Grecia)

INGRESSO LIBERO

Intervista di Massimo Lonardi terza parte

2009-11-19T00:05:00.005+01:00

Sono un appassionato di musica contemporanea e sono rimasto piuttosto colpito di vederla suonare il liuto nel video di CATULLVS, un brano di Maurizio Pisati, dove la si vede suonare in combinazione con percussioni e strumentazione elettronica. Come è nata questa collaborazione con Pisati? Si è trattato solo di un fatto estemporaneo nel suo cammino musicale? Come valuta, più in generale, l'impiego di strumenti d'epoca in contesti diversi da quelli originari, ad esempio proprio per la musica contemporanea?

Ho avuto la fortuna di studiare composizione con Azio Corghi e per qualche anno ho fatto parte, sia come chitarrista che come liutista, del suo gruppo di musica da camera col quale negli anni ‘70 ho preso parte ad alcuni concerti. Non sono quindi nuovo a collaborazioni in quest’ambito e credo che l’utilizzo degli strumenti antichi possa essere per un compositore d’oggi una nuova risorsa e un’ardua sfida.

Al di fuori della musica classica e per chitarra classica ascolta altri generi musicali?

Ascolto molto il Rock degli anni ’60-’70 : Jetro Tull, Led Zeppelin , Pink Floyd , ma anche questa ormai è Musica Antica ( David Gilmour è il mio chitarrista elettrico preferito per l’essenzialità e il lirismo delle improvvisazioni, e stimo molto Mark Knopfler dei Dire Straits, che non suona col plettro ma con le dita della mano destra, utilizzando una tecnica simile a quella dei liutisti del tardo Rinascimento: mignolo appoggiato e pollice all’esterno in alternanza con indice o medio ).Mi piace anche Sting, ma quando esegue le canzoni dei Police o Moon Over Bourbon Street, non quando canta Dowland ! Ho un antico amore per il Jazz ( Miles Davis, John Coltrane ,Chick Corea ...) e per la Bossa Nova. Mi interessano i cantautori francesi ed italiani e la musica popolare ; venti anni fa ho pubblicato una piccola antologia di canti popolari in collaborazione con Brigitte Gras .

Come vede la crisi del mercato discografico, con il passaggio dal supporto digitale al download in mp3 e tutto questo nuovo scenario?

Mi spiace ma, benché abbia registrato una cinquantina di dischi fra LP e CD, di questi argomenti non capisco nulla. Chiedo scusa.

Ci Consigli cinque dischi per lei indispensabili, da avere sempre con se.. i classici cinque dischi per l‘isola deserta …

Stand Up dei Jetro Tull , La Symphony of Psalm di Stravinsky, Kind of Blue di Miles Davis , i concerti per violino e orchestra di Mozart nella versione di Giuliano Carmignola ed quartetti di Beethoven nella versione del Quartetto Italiano ( se possibile aggiungerei The Dream of the blue Turtless di Sting, per la bellezza delle canzoni e per gli interventi del sax di Branford Marsalis ).

Quali sono invece i suoi cinque spartiti indispensabili?

Cinque fantasie di Francesco da Milano, ma non vi dico quali.

Il Blog viene spesso letto da giovani neodiplomati e diplomandi, che consigli si sente di dare a chi, dopo anni di studio, ha deciso di iniziare la carriera di musicista?

Consiglierei i giovani chitarristi di dedicarsi soprattutto alla musica d’assieme e, purché non utilizzino unghie troppo lunghe e abbiano la duttilità necessaria per sperimentare l’impostazione antica, di provare a suonare anche la chitarra barocca e la tiorba. Attualmente un buon esecutore di basso continuo ha possibilità di lavoro più ampie di quelle offerte a un solista, ma la cosa più importante è dedicarsi con amore a ciò in cui si crede di più.

Con chi le piacerebbe suonare?

Con Francesco da Milano o con Luys Milan, ma non mi sento ancora pronto.

Quali sono i suoi prossimi progetti? Su cosa sta lavorando?

Come ho già detto sto preparando, per la Stradivarius , un’antologia dedicata alle musiche per vihuela e, dopo averlo ben rodato in concerto, vorrei registrare il nuovo programma dedicato al ‘700 italiano con Lorenzo Micheli e Matteo Mela. Continuo l’attività concertistica sia come solista che accompagnando vari cantanti. Con la collaborazione della clavicembalista Ero Maria Barbero e di pochi fidati amici musici dirigo il Conserto Vago. Con questo gruppo, e la cantante-attrice Renata Fusco, recentemente abbiamo registrato le “ Villanelle alla Napolitana del Rinascimento “ per la rivista Amadeus.

Grazie Maestro!

Empedocle70

Quarta edizione della Mostra di Liuteria organizzata dall'Accademia della Chitarra di Pontedera

2009-11-18T17:00:00.000+01:00

la quarta edizione della Mostra di Liuteria organizzata dall'Accademia della Chitarra di Pontedera avrà luogo sabato 21 e domenica 22 novembre 2009. Anche quest'anno le due giornate, pur ricche di spunti per gli specialisti e gli "addetti ai lavori", sono programmate in modo da risultare interessanti, informative e godibili al pubblico più ampio, inclusi anche coloro, di qualunque età, che non hanno finora mai incontrato la chitarra classica.Esporranno i liutai Franco Barsali (Pisa), Luigi Bubba (Bolzano), Vincenzo Candela (Trapani), Paolo Coriani (Modena), Luciano Maggi (Arezzo), Riccardo Moni (Alghero), Alberto Pala (Pisa), Ottavio Piras (Cascina), Fabio Ragghianti (Pietrasanta), Stefano Robol (Rovereto), Antonino Scandurra (Catania), Rinaldo Vacca (Cabras), Angelo Vailati (Cremona), Alain Wilcox (Firenze). Gli strumenti sono disponibili per prove da parte del pubblico e alla presenza dei liutai. Sabato 21 e domenica 22 la mostra aprirà alle 10:00; come per la precedente edizione, la sede della mostra è il Centro per l'Arte Otello Cirri, Via della Stazione Vecchia, Pontedera.La mostra sarà introdotta da un concerto di Carlo Corrieri, venerdì 20 novembre, ore 21 (Chiesa del Crocifisso, via Curtatone, Pontedera).

Il giovane chitarrista bientinese suonerà musiche di Broca, Castelnuovo-Tedesco, Aguado, Bach, Granados, Rodrigo. Nella giornata di sabato 21, il programma prevede un incontro con il Maestro Alvaro Company (ore 16:00), con esecuzione dal vivo di alcuni suoi brani per duo di chitarre eseguiti da Leonardo Masi e Alessio Monchi, e la prova comparativa degli strumenti (ore 18:30), a cura di Flavio Cucchi.Il concerto serale (Chiesa del Crocifisso, via Curtatone, Pontedera, ore 21:15), è affidato al chitarrista ungherese József Eötvös. Musicista di grande rilievo internazionale, Eötvös eseguirà un programma variopinto e di grande originalità, con brani di Bartók, Scarlatti, Bach, Farkas, Brouwer, Albéniz e proprie composizioni.Domenica 22 novembre i docenti e gli allievi dell'Accademia terranno un concerto in memoria del chitarrista Stefano Tamburini (Teatro Era, ore 16:00). Il concerto serale (Chiesa del Crocifisso, ore 21:00) è dedicato all'esecuzione delle "Variazioni Goldberg" di J. S. Bach eseguite dal duo Giuseppe Caputo - Luciano Pompilio. Il capolavoro bachiano, raramente proposto in versione chitarristica, sarà introdotto presso la sede della mostra (ore 18:00) da un dialogo con gli esecutori e con József Eötvös, primo (ed unico!) trascrittore ed esecutore delle "Goldberg" per chitarra sola.

Il programma della manifestazione è consultabile su:

http://www.accademiachitarra.it/

Per informazioni: info@accademiachitarra.it

Intervista di Massimo Lonardi seconda parte

2009-11-18T00:05:00.002+01:00

Come è nata la sua collaborazione con il progetto Guitar Collection della Stradivarius e come si trova con questa casa discografica?

La collaborazione con il progetto Guitar Collection è nata grazie a Frederic Zigante. Devo a lui l’idea di realizzare un’ antologia dedicata alle musiche per chitarra rinascimentale “ Comiença la musica para Guitarra” (il chitarrino rinascimentale si suona senza unghie, con una tecnica simile a quella del liuto). Prossimamente, nella stessa collana diretta da Zigante , pubblicherò un’antologia dedicata ai libri di intavolatura di vihuela stampati in Spagna. Sono molto grato a Frederic ed alla Stradivarius per avermi dato l’opportunità di realizzare questi progetti.

Lei sembra prediligere un particolare repertorio, c’è un autore in particolare che esalta in modo specifico il suo modo di suonare e con cui si trova di più a suo agio?

Come ho già detto prediligo il repertorio rinascimentale italiano. Gli autori coi quali mi sento più a casa sono Francesco da Milano e Petro Paulo Borrono, poi , ovviamente, amo molto John Dowland e, fra gli autori spagnoli che eseguo con la vihuela , Luys Milan e Luys De Narvaez.

Ultimamente stiamo assistendo a una serie di “riscoperte” di autori e di spartiti musicali finora trascurati e nuove edizioni musicali estramemente curate dal punto di fvista filologico (strumenti d’epoca, recupero delle trascrizioni originali, etc), ritiene esaurita la ricerca storica sugli autori originali per chitarra dei secoli passati o crede che possano ancora verificarsi “scoperte” di repertorio inedito di rilevante valore?

Senza dubbio si potranno verificare scoperte di grande valore perché il repertorio per liuto e strumenti similari, considerando anche i manoscritti relativamente poco conosciuti, è enorme.

Quali sono le differenze tecniche tra il suonare un liuto, una chitarra rinascimentale e una tiorba?

Le differenze più rilevanti riguardano l’impostazione della mano destra. Per questo motivo ho scelto di dedicarmi principalmente al repertorio solistico del liuto rinascimentale e della vihuela, mentre ho smesso di suonare la tiorba e la chitarra barocca ( che richiedono una tecnica dlla mano destra più simile a quella della chitarra moderna e l’utilizzo della diteggiatura medio-indice e dei legati in luogo dell’alternanza pollice-indice caratteristica prassi rinascimentale che mi è più congeniale). Attualmente suono l’arciliuto soprattutto nell’ambito della musica d’assieme. Adoro accompagnare la voce.

Trovo estremamente affascinante l’idea di riproporre con rigore filologico un repertorio di diversi secoli fa, interpretandone la musica con strumenti d’epoca. Quanto però può essere diverso il suo modo di suonare rispetto a quello dell’epoca? Ci vuole parlare dei suoi strumenti, la loro storia e come sono arrivati a voi attraverso il tempo?

Come ho spiegato nella risposta ad una precedente domanda, cerco di adeguare il più possibile il mio modo di suonare a tutto ciò che oggi sappiamo sulla prassi esecutiva e sullo stile degli autori che eseguo.

Lei suona sia strumenti d’epoca, che copie di recente costruzione, che rapporto ha instaurato con i liutai per la realizzazione e la manutenzione delle sue chitarre e liuti? Collabora con dei liutai di fiducia?

Collaboro con alcuni liutai di fiducia che mi mostrano tutta la loro pazienza e comprensione.

Quale significato ha l’improvvisazione nella sua ricerca musicale? Si può tornare a parlare di improvvisazione in un repertorio così codificato come quello classico o bisogna per forza uscirne e rivolgersi ad altri repertori, jazz, contemporanea, etc?

Come è ormai noto l’improvvisazione giocava un ruolo fondamentale nell’ambito della musica del Rinacimento ( Il celebre “ Tratado de Glosas “ – 1553 – di Diego Ortiz altro non è che un metodo di improvvisazione). Il Barocco è il trionfo dell’esecuzione estemporanea, basti pensare alla pratica del basso continuo e all’ornamentazione vocale e strumentale, ma anche nel periodo Classico-Romantico l’improvvisazione aveva un ruolo importante, non dimentichiamo che Mozart e Beethoven erano fantastici improvvisatori, mentre oggi quest’arte è rimasta appannaggio soprattutto di alcuni generi musicali come il Jazz o il Rock o di una parte della musica contemporanea. Purtroppo non sono un buon improvvisatore (il mio carattere lo impedisce), ma ho suonato e registrato con eccezionali improvvisatori come i cembalisti-organisti Ottavio Dantone e Guido Morini o il cornettista Doron David Sherwin , e forse qualche cosa ho imparato.

continua domani...

RASSEGNA MUSICALE NOTTURNI AL MUSEO CARLO ZAULI 2009

2009-11-17T16:00:00.006+01:00

PROGRAMMA
Giovedì 3 dicembre ore 21,00 Museo Carlo Zauli
MASSIMO LONARDI vihuela
"Libros de musica para vihuela”
in collaborazione con: Stradivarius - the leading italian classical music label

Download Invito

Opening ore 18,00
“Massimo Lonardi: incontra gli studenti della Scuola di Musica Comunale “G. Sarti””

Venerdì 4 dicembre ore 21,00 Museo Carlo Zauli
YUVAL AVITAL prepared classic guitar
“Songs of hope and fear” for scordatura and prepared classic guitar
http://www.yuvalavital.com/

Sabato 5 dicembre ore 21,00 Museo Carlo Zauli
TETRAKTYS PAOLO SORGE electric guitar quartet
from Fred Frith with Goongerah and other ideas
http://www.myspace.com/psorge
In collaborazione con il Do Nucleo Culturale Faenza

La rassegna musicale Notturni al Museo Carlo Zauli giunge quest’anno alla sesta edizione, proponendosi per la prima volta in forma di festival, con tre concerti presentati in tre giorni consecutivi. Nata nel 2004 con l'obiettivo di far incontrare l'arte del secondo novecento, quella a cui Carlo Zauli ha dato il suo importante contributo, ha invitato artisti di rilievo internazionale che hanno eseguito prime esecuzioni, concerti, performances.
Gli interpreti di quest'anno ci accompagneranno in un percorso che mette in stretta relazione la musica antica con quella contemporanea sia di tradizione europea che mediorientale, ascoltata da strumenti quali la vihuela, la chitarra preparata e la chitarra elettrica.
Il primo appuntamento giovedì 3 dicembre alle ore 21 prevede la presentazione del cd "Libros de musica para vihuela” con Massimo Lonardi, fra i massimi interpreti italiani di musica antica, in collaborazione con la casa discografica Stradivarius, etichetta leader nella musica antica e contemporanea italiana. La vihuela ebbe una vita piuttosto breve: dall’edizione di El Maestro(1535-36), che fu la prima intavolatura stampata in Spagna, alla scomparsa dello strumento trascorse poco piu' di mezzo secolo. Tuttavia in questo breve arco di tempo furono composti e pubblicati i numerosi libri di intavolatura che, per l’eccelsa qualità artistica, pongono la musicaper vihuela ai vertici della produzione strumentale del Rinascimento. Massimo Lonardi svolge un’intensa attività concertistica con il liuto e la chitarra rinascimentale, la vihuela e l’arciliuto dedicando particolare attenzione a questo repertorio, del quale ha curato alcune edizioni critiche. Nel cd Libros de Musica para vihuela ci presenta un’accattivante panoramica di questo strumento poco noto al grande pubblico.

Il secondo concerto venerdì 4 dicembre alle ore 21, propone Yuval Avital virtuoso chitarrista israeliano che lavora da anni combinando musicalmente elementi della tradizione mediorientale con quella colta europea. Presenterà in prima esecuzione assoluta “Songs of hope and fear for scordatura and prepared classic guitar”.Yuval Avital è nato a Gerusalemme nel 1977. Compositore e direttore di progetti musicali e multimediali, chitarrista solista di musica classica e contemporanea, i suoi lavori coinvolgono una grande varietà di stili e generi, combinando diverse tradizioni ed epoche, unendo nuovo e antico, semplice e complesso. L’incontro tra musica modale, world music e atonale post-dodecafonica forma un linguaggio veramente innovativo che dimostra un'invisibile ma profonda linea di collegamento tra diverse tradizioni sonore. I progetti di Avital coinvolgono grandi maestri da tutto il globo, come accade nei concerti creati dal 2006 per il “Trialogo festival”. La sua attività di chitarrista comprende numerose esibizioni, concerti, tour, partecipazioni a festival internazionali, registrazioni e live presso radio e televisioni, dalla Danimarca alle Filippine, dal Kazakhistan al Portogallo, dalla Cina al Canada.

L'ultimo appuntamento sabato 5 dicembre propone Paolo Sorge electric guitar quartet nel progetto TETRAKTYS “from Fred Frith with Goongerah and other ideas". Caratterizzato dalla lettura di trascrizioni di varia provenienza, il progetto offre al pubblico un campionario il più possibile ampio delle potenzialità sonore di questo inusuale insieme strumentale. Si passa da alcune partiture di Fred Frith (il brano Goongerah e la suite The As Usual Dance Towards the Other Flight to What Is Not, entrambe composizioni concepite in origine per lo stesso Fred Frith Guitar Quartet ed in seguito generosamente regalate dal compositore direttamente a Paolo Sorge), ad alcune partiture algoritmiche di Elliott Sharp a composizioni totalmente improvvisate.
I Notturni sono svolti in collaborazione con l'Assessorato alla Cultura del Comune di Faenza, Diatonia che ne è la promotrice, la Scuola Comunale di Musica “G. Sarti”, Stradivarius the leading italian classical music label e Teatro per la Pace Forlì.
Il curatore musicale è Donato D'Antonio.
Tutti i concerti inizieranno alle ore 21.00 e si terranno nella sala degli altorilievi.
Per informazioni:
Museo Carlo Zauli, via della Croce 6 48018 Faenza (RA) 0546.22123
info@museozauli.it - http://www.museozauli.it/  

Intervista di Massimo Lonardi prima parte

2009-11-17T00:05:00.003+01:00

La prima domanda è d’obbligo: come è nato il suo amore e interesse per la chitarra e per il liuto?

Sono nato nel 1953 ed ho cominciato lo studio della musica da autodidatta verso i 13 anni, come chitarrista rock (amavo,ed amo, soprattutto i Jethro Tull). Dopo qualche tempo ho deciso di iscrivermi al Conservatorio Giuseppe Verdi di Milano dove ho avuto la fortuna d’avere come insegnante di chitarra classica Ruggero Chiesa che, fin dai primi anni di studio, mi fece conoscere la musica per liuto. Grazie a mia madre, che è pittrice e decoratrice, conoscevo già le arti figurative del Rinascimento, ma non sapevo nulla della musica di quest’epoca storica che cominciai ad amare attraverso trascrizioni per chitarra del mio insegnante. In seguito, dato che con la chitarra classica non suonavo altro che intavolature per liuto, decisi di dedicarmi esclusivamente allo studio della prassi esecutiva degli strumenti antichi e frequentai diversi corsi con Hopkinson Smith.

Lei si è diplomato al Conservatorio di Milano con Ruggero Chiesa e poi ha studiato con Hopkinson Smith, che ricordi ha di questi due insegnanti?

Di Ruggero ricordo soprattutto la grande disponibilità, la pazienza e l’amore col quale insegnava. Hokpinson Smith , oltre che un grande esecutore ( rimane il liutista al quale mi sento più vicino e riconoscente) è, come tutti sanno, un ottimo insegnante dotato di straordinario intuito e di affettuosa ironia.

Il suo penultimo cd per la Stradivarius, “La Suave Melodia”, ha ricevuto, giustamente, molte lodi e commenti positivi dalla stampa specializzata, vuole raccontarci come è nato questo progetto e come mai è stata scelta la formula del trio chitarristico, in compagnia di Lorenzo Micheli e Matteo Mela? Come è stato lavorare con questi chitarristi, stilisticamente e anagraficamente più giovani di lei?

Qualche tempo fa Lorenzo Micheli mi disse che aveva intenzione di iscriversi al corso estivo che ogni anno tengo a Brisighella. Pensavo che scherzasse, ma invece me lo trovai lì, iscritto assieme al suo ex insegnante Frederic Zigante (in seguito, arrivò anche Leopoldo Saracino). Fui sorpreso ed onorato di avere, anche se per breve tempo, allievi di questo calibro che costituirono la Master Class di più alto livello ch’io abbia mai avuto.
L’anno successivo con Lorenzo e Matteo Mela, un altro chitarrista di eccezionale livello al quale ho avuto il piacere di dare qualche consiglio per la prassi esecutiva antica, abbiamo formato il trio composto da tiorba, chitarra barocca e arciliuto (o arciliuto e due chitarre barocche), per realizzare il progetto “ La suave melodia “dedicato ad Andrea Falconieri ed al suo tempo. Dopo aver eseguito questo programma per un anno abbiamo deciso di registrarlo per la Stradivarius.
Lavorare con Lorenzo e Matteo è per me una delle più grandi soddisfazioni perché siamo amici e abbiamo un’intesa musicale assoluta. Inoltre collaborare con loro che, essendo chitarristi classici utilizzano le unghie (anche se piuttosto corte ), è stata l’occasione per definire meglio il concetto che, attraverso lo studio di vari documenti dell’epoca, mi sono formato della sonorità degli strumenti a pizzico nel Barocco italiano e spagnolo. Molti miei colleghi liutisti sono tuttora convinti che il liuto e gli strumenti similari vadano comunque suonati senza l’utilizzo delle unghie, ma questo non corrisponde alla realtà storica. L’impostazione della mano destra secondo la prassi rinascimentale (molto orizzontale con il pollice sotto all’indice, chiaramente descritta nella prefazione all’intavolatura di Vincenzo Capirola- Venezia ca.1517, e documentata da un’enorme quantità di documenti iconografici) non richiede l’uso delle unghie (che con questa posizione darebbero solo fastidio), ma per il Barocco italiano le cose cambiano notevolmente. Alessandro Piccinini, che ritengo sia stato il più grande liutista-compositore italiano vissuto a cavallo tra ‘500 e ‘600, nelle preziose istruzioni contenute nella sua “ Intavolatura di liuto e di chitarrone “ pubblicata a Bologna nel 1623, richiede esplicitamente l’utilizzo delle unghie della mano desta. Dopo aver raccomandato che l’unghia del pollice non sia molto lunga scrive : “ Le altre tre dita. cioè Indice, Medio, & Anulare, i quali certamente debbono havere le ugne tanto lunghe che avanzino la carne, e non più, & che abbiano dell’ovato, cioè ; che siano più alte in mezo; s’adopreranno in questa maniera ; che quando si farà una pizzicata ... si piglierà detta corda con la sommità della carne, & urtandola verso il fondo , si farà, che l’ugna lasci sfuggire tutte due le corde, e faranno armonia buonissima....”. Ovviamente questo tipo di attacco delle corde, unito alla diversa impostazione della mano destra in uso dal tardo Rinascimento ( meno orizzontale rispetto a quella in uso nel Rinascimento e più simile, fermo restando l’appoggio del mignolo alla tavola armonica, a quella della moderna chitarra classica, col pollice all’esterno), non può che generare una sonorità liutistica diversa da quella che si ottiene con l’impostazione rinascimentale. Non bisogna però credere che questa prassi sia un’anomalia o una bizzarria ascrivibile solo a Piccinini ; l’analisi delle fonti iconografiche conferma, in alcuni casi, l’uso delle unghie e Filippo Della Casa, uno degli ultimi liutisti italiani, nel suo manoscritto “ Suonate di Celebri Auttori ... “ parla di “ ... tasteggiare con le unghie ... “ confermando la continuità di questa prassi, almeno per quanto riguarda l’ Italia, fino alla fine del ‘700, mentre nell’ imprimatur del maestro di cappella Sebastian Alfonso per il libro di chitarra di Gaspar Sanz leggiamo : “ vi sono alcuni che suonando con le unghie e vi rapiscono l’anima mentre altri ve la graffiano ... “ Quindi ciò che conta è il modo, la qualità del tocco col quale le unghie vengono utilizzate. Per il CD dedicato a Falconieri anch’io, che essendo soprattutto un liutista rinascimentale normalmente non uso le unghie, mi sono lasciato crescere un filo d’unghie nella forma raccomandata da Piccinini.

continua domani...

Trash TV Trance Fausto Romitelli

2009-11-16T20:00:00.001+01:00

Fausto Romitelli
Trash TV Trance
Werke von Fausto Romitelli (1963 –2004)
Mi, 18. November 2009 20.00 Uhr
Dampfzentrale Bern
Kesselhaus Marzilistrasse 47 3005 Bern
Eine Zusammenarbeit IGNM Bern und HKB
Eintritt: CHF 25.– / 20.–
Mitglieder der IGNM Bern sowie Studierende
und Mitarbeitende der HKB haben freien Eintritt.

Blood on the floor, Painting 1986 (2000)
pour flûte (aussi flûte alto, autre accessoire
[harmonica]), clarinette (aussi clarinette basse,
harmonica), guitar électrique, clavier
électronique, violon, violon2, alto, violoncelle

Seascape (1994)
pour flûte à bec contrebasse
Simmetrie d’oggetti (1987-88)
pour flûte à bec et guitare

Trash TV Trance (2002)
pour guitare électrique

Professor Bad Trip, lesson I (1998)
pour flûte (aussi flûte basse), clarinette (aussi
clarinette basse et harmonica), percussions,
guitar électrique, piano (aussi clavier électronique),
violon, alto, violoncelle, dispositive
électronic

Ensemble
Matthias Arter
— Leitung
Agnès Vass
— Flöte
Valentina Strucelj
— Klarinette
Gilbert Impérial
— E-Gitarre
Natalia Koziarz
— Klavier
Samuel Forster
— Schlagzeug
Ivona Krapikaite
— 1. Violine
Piotr Szabat
— 2. Violine
Claudia Mulas
— Viola
Fulvia Mancini
— Violoncello
Virginia Arancio
— Gitarre
Teresa Hackel
— Blockflöte
Celine Herrero
— Kontrabassblockflöte
Roman Lerch/Beat Müller
— Elektronik

Recensione di Libros De Musica para Vihuela di Massimo Lonardi, Stradivarius, 2009

2009-11-16T13:32:00.002+01:00

E’ con grande soddisfazione e piacere che ascolto e recensisco questo diciannovesimo capitolo della Guitar Collection diretta da Frederic Zigante, ultima fatica discografica del Maestro Massimo Lonardi, seguito ideale dei già bellissimi Comienca la musica para guitarra e La Suave Melodia.
Questa volta troviamo qui eseguiti ben ventinove brani di diversi autori quali Luys Milàn, Luys de Narvàez, Alfonso Mudarra, Enriquez de Valderràbano, Diego Pisador, Miguel de Fuenilana, Esteban Daza e Diego Pisador, tutti autori spagnoli, compositori che hanno dedicato la loro fantasia e la loro creatività al servizio della Vihuela spagnola nel suo periodo di massimo splendore compreso tra il 1535-36 (data dell’edizione di El Maestro) e la fine del secolo.
Si tratta quindi di una antologia monografica che illustra questo particolare periodo di fervida creatività musicale, come scrive lo stesso Lonardi nel bel libretto di 28 pagine che come sempre accompagna il cd, come la Stradivarius ci ha ormai abituati “riunire in un cd brani di vari autori e di varie tendenze stilistiche traendoli da una letteratura strumentale vasta e di altissima qualità come quella per vihuela è piuttosto l’occasione per definire preferenze e affinità del tutto soggettive.”
E’ musica cristallina quella che esce dai due strumenti realizzati da Stefano Solari, dalle polifonie ricche e vibranti, dai colori tersi e intensi che per più di un’ora ci fanno gentile e discreta compagnia, Lonardi ci fa attraversare tutti i principali generi musicali che caratterizzano il repertorio solistico dello strumento: Fantasias e Tientos, Diferencias e varie forme di danza. Un brano su tutti da segnalare? La splendida e impeccabile versione della Fantasia que contrahaze la harpa di Aloso Mudarra, da solo vale l’acquisto del cd!

Empedocle70

Speciale Massimo Lonardi: Biografia

2009-11-16T00:05:00.001+01:00

Ha insegnato in numerosi corsi di perfezionamento in tutta Italia ed è docente di liuto presso l'Istituto Superiore di Studi Musicali "Franco Vittadini" di Pavia e presso la Scuola di Musica
Antica di Venezia.

Speciale Massimo Lonardi

2009-11-16T00:03:00.003+01:00

Biografia

Intervista prima parte

Intervista seconda parte

Intervista terza parte

Heitor Villa-Lobos: Concerto for Guitar & Orchestra - Cadenza, Quasi allegro

2009-11-15T16:26:00.000+01:00

Heitor Villa-Lobos: Concerto for Guitar & Orchestra - III - Allegro non troppo

2009-11-15T00:05:00.000+01:00

Chiara Asquini plays in CabaneB

2009-11-14T20:56:00.000+01:00

giovedì 17 dicembre 2009
Ora: 20.00 - 21.30
Luogo: CabaneB, Mühledorfstrasse 18 - 3018 Bern

Improvisation

J. Rodrigo Invocacion y danza

E. Carter Shard

Improvisation

G. Rossini Cavatina sull’Aria “O bel raggio lusinghier” dall’Opera Semiramide

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Improvisation

L. Brouwer Hika (in memoriam Toru Takemitsu)

T. Takemitsu Equinox

M.M. Ponce 20 variazioni e fuga su “La follia di Spagna”

Masterclass di Arturo Tallini in collaborazione con Medici Senza Frontiere dal 4 al 8 Dicembre 2009

2009-11-14T16:00:00.001+01:00

Masterclass di Arturo Tallini in collaborazione con Medici Senza Frontiere; il repertorio è a libera scelta dei partecipanti. A Monterotondo (Roma) dal 4 al 8 Dicembre 2009. Durante il concerto finale una giuria formata da Arturo Tallini, un chitarrista di fama e dal pubblico, assegneranno una borsa di studio di 200 euro. Laboratorio su Serenata per un Satellite di Bruno Maderna: il lavoro dei partecipanti sarà coordinato da Arturo Tallini e presentato in concerto la sera dell'8 Dicembre.

Info: cantieredellamusica@libero.it

0039 3332268631

Depliant

Heitor Villa-Lobos: Concerto for Guitar & Orchestra - II - Andantino - Andante

2009-11-14T16:00:00.000+01:00

Heitor Villa-Lobos: Concerto for Guitar & Orchestra - I - Allegro Preciso

2009-11-14T00:05:00.000+01:00

Concerto di Frank Bungarten

2009-11-13T17:00:00.001+01:00

Ultimo appuntamento con la quinta edizione de “IL MONDO DELLA CHITARRA” , organizzata dall’Istituto Superiore di Studi Musicali ”Conservatorio Guido Cantelli”. Venerdì 20 novembre alle ore 21 si esibirà nell’Auditorium “Fratelli Olivieri” il chitarrista tedesco Frank Bungarten, uno dei maggiori chitarristi della sua generazione. In programma musiche di Bach, Sor e Rodrigo. L’ingresso al concerto è gratuito. Concertista affermato in tutto il mondo Frank Bungarten ha eseguito un vastissimo repertorio, molto del quale è stato registrato per la prestigiosa etichetta MD&G.

Va ricordato in particolare il doppio CD con la prima registrazione delle sonate per violino di J.S. Bach, trascritte per chitarra, e quello contenente i “24 Caprichos de Goya” di Mario Castelnuovo-Tedesco, premiato con “Preisder Deutschen Schallplattenkritik” (premio della critica tedesca). Recentemente ha ricevuto anche il prestigioso “Echo Klassik” come "Miglior strumentista dell’anno“. Frank Bungarten è docente alla “Hochschule für Musik und Theater” di Hannover e dirige la classe di concertismo alla Musikhochschule di Lucerna; sabato 21 terrà in Conservatorio una masterclass di perfezionamento aperta anche agli esterni.