musicómanos e inspirados

Em homenagem...

2009-12-10T19:16:00.001Z

Sobre a Joana Carneiro

2009-12-10T19:06:00.002Z

Joana muito à frente

03.12.2009 - Pedro Boléo@Público

Dirigir é apenas uma pequena parte do trabalho de Joana Carneiro à frente da Sinfónica de Berkeley: “Aqui posso apresentar novos compositores, novos instrumentos, novos solistas. Posso imaginar sem fronteiras”

"Joana Carneiro gravou o seu primeiro disco, em que faz dançar a Orquestra Gulbenkian. Entretanto, anda a fazer das suas à frente da Sinfónica de Berkeley, cidade onde esperam dela o impossível. O truque é que para esta maestrina de 33 anos não há impossíveis.

Há uma cidade na Califórnia onde toda a gente quer aprender a pronunciar "Car-nei-ro". A maestrina de 33 anos é a nova estrela de Berkeley. Foi recebida de braços abertos, com um entusiasmo pouco comum. "Tive uma recepção calorosa", diz-nos no início da conversa longa que tivémos na Fundação Gulbenkian. Começou a dirigir a Sinfónica de Berkeley em Janeiro de 2009, depois de ter ganhado o concurso com uma perna às costas. O júri não teve dúvidas: "Ela é a pessoa certa no lugar certo. A interacção com os músicos, o nível a que os levou em quatro ensaios foi notável".

Até ver, só elogios: os músicos da orquestra adoram-na e elogiam-lhe o rigor tanto quanto a sua calorosa presença; Esa-Pekka Salonen, que ela tem como "mentor" desde que foi sua maestrina assistente na superorquestra Filarmónica de Los Angeles, disse "tu tens de concorrer àquela orquestra, é ideal para ti"; o compositor John Adams (que vive em Berkeley) gaba-lhe a combinação de rigor e descontracção e anuncia ao mundo que "a coisa maravilhosa em vê-la ensaiar é que ela faz toda a gente sentir-se à vontade, e domina completamente a partitura"; o concertino, que ela já conhecia de Los Angeles, garante que quase nunca viu nada assim - "empenho e entusiasmo e paixão". "Uau!", exclamam unanimemente músicos e críticos que assistiram aos primeiros concertos dirigidos por ela em Berkeley. "Ela encaixa", "ela é extraordinária", "fantástica", "jovem, enérgica, inteligente, e com bom humor", "a orquestra segue a sua enorme exigência"... e por aí fora. Um violoncelista da orquestra resumiu: "O coração dela é todo música".

Imaginar sem fronteiras

O anterior maestro Kent Nagano deposita toda a confiança nela para continuar o trabalho de uma das orquestras mais à frente dos Estados Unidos da América: "A orquestra já existia antes de eu vir e vai sem dúvida continuar a florescer depois de mim", disse Nagano. "Ele deixou um legado que me inspira", retribui Joana Carneiro. Que legado é esse? Uma dinâmica coexistência de nova música e de grandes clássicos, uma relação íntima com a comunidade artística local e com toda a sociedade. "Uma tradição de inovação", diz-nos a maestrina. "Programar música que está no nosso imaginário desde há séculos mas também aquilo que é o futuro da música", continua.

Joana Carneiro terá agora de ser muito mais do que maestrina: tem a responsabilidade de dirigir artisticamente a orquestra. "É uma faceta que desconhecia: programar, fazer escolhas para um, dois anos, e porventura para dez anos se ainda lá estivermos". Fala com o entusiasmo de quem quer mesmo estar lá daqui a dez anos. Mas a sua missão em Berkeley não é só programar: ela estará "na escolha dos músicos, nas decisões de como a orquestra se relaciona com a comunidade". Sente o peso da responsabilidade de ter uma "visão artística, porque a orquestra é um veículo musical daquela cidade". Todos acreditam que ela tem essa visão, e têm a certeza de que não vai desiludir. Já é muito trabalho? Não, ainda não é tudo. Joana Carneiro também tem de se preocupar com a sobrevivência da orquestra: "Estamos a falar de uma orquestra americana, é preciso pensar no ‘fundraising'". É preciso dar "confiança" aos mecenas locais, mantendo altíssimos padrões de qualidade e rigor e um largo público que se reconheça na orquestra, e sobretudo convencê-los a financiar a estrutura, mesmo em tempos de crise. Joana garante que não é fácil: "Quando a crise começou, o financiamento da orquestra sofreu um abate de dez por cento. Isso tem implicações nos programas, e é preciso distribuir melhor o que há." Aí entra a imaginação, que hoje "é ainda mais necessária do que noutros tempos", diz Joana Carneiro, olhos postos na realidade: "Com aquilo que temos, fazer o melhor que podemos".

Mas ela não quer só a realidade, quer levar os limites da beleza mais longe. Por isso diz que não há limites. "Posso programar o que quiser, apresentar novos compositores, novos instrumentos, novos solistas. Posso imaginar sem fronteiras".

O segredo está nos gestos

A orquestra de Berkeley tem os pés bem assentes na efervescente comunidade local e ganhou com Nagano reputação internacional, a fazer música de Mozart ao século XXI. Agora é a vez de Joana Carneiro, aliás "Kar-nigh-row". Ela já sentiu "uma química" com a orquestra: "Tenho aprendido muito. Já conhecia alguns músicos, houve uma familiaridade e a música unia-nos. Parece que temos os mesmos valores." Que valores são esses? "Procuramos as mesmas coisas musicalmente, há um entendimento na forma como a orquestra ensaia." E há interesses semelhantes: a música contemporânea, o interesse pela criação de agora, como prova o constante trabalho com compositores e artistas residentes realizado pela orquestra desde que Nagano fez dela uma orquestra de primeira. O entendimento com os músicos foi imediato: "Falamos e as coisas são reproduzidas em música", diz ela. Mas o segredo está nos gestos: "É também a linguagem não-verbal. A forma física como a orquestra toca. Ela reage de forma física". Reage aos gestos da maestrina, leia-se.

Aos nove anos Joana Carneiro disse aos pais que queria dirigir orquestras como aqueles senhores fazem com a batuta na mão. E os pais lá lhe ofereceram uma batuta. O que a fascinava era precisamente a ligação do gesto à música. "Parecia magia", diz ela, "a ligação do gesto com o que eu ouvia". Agora, à distância, diz Joana: "Se uma criança de nove anos quer ser maestrina, é porque tem no seu imaginário aquela figura". Isso tem a ver com "duas pessoas fundamentais" diz ela. "Somos nove irmãos e todos estudámos música 12 anos. O que faço hoje tem a ver com essa decisão fundamental dos meus pais de considerar a música tão importante como as outras disciplinas". Devia ser assim para toda a gente? Claro. "Tenho a certeza absoluta que a música devia ser aprendida por todos na escola como o Português e a Matemática. O papel que a música tem no ser humano, na imaginação, no raciocínio, na disciplina, é essencial. Há estudos que mostram que a música ajuda as crianças na Matemática, mas também a ter um comportamento mais positivo."

O sonho dos nove anos cumpriu-se - com "muita sorte". É claro agora para Joana Carneiro que "é um privilégio muito grande ter uma vida profissional que tem a ver com a criação e a recriação do belo. Dar ao nosso mundo afecto e paz é uma obrigação no sentido mais profundo - a transformação da alma do ser humano." Nada mais, nada menos. E ainda, ao mesmo tempo, "servir os compositores e quem nos vem ouvir".

Tudo graças aos pais? Não convém esquecer o talento que ela tem e desenvolveu por si mesma. E uma atitude perante a vida, que é não separar as coisas: "A Joana maestrina não é diferente do que sou. Não sou diferente na música." Mas competem a paixão da música e o amor familiar? Nada disso: "Aprendo muito e aplico muito o que aprendo na música. A música é um pilar fundamental mas a família é o centro. Coexistem com felicidade. Não teria a felicidade que sinto se só tivesse uma." Ou, dito de outra forma, "alimentam-se", como ela gosta de dizer na sua visão orgânica da vida. Deve ser isso a felicidade.

Como fazer a diferença

Na cidade que espera dela invovação, Joana Carneiro vai tentar fazer a diferença, continuando a aprender e aplicando o que aprendeu, sobretudo em Los Angeles, ao lado do seu mentor Esa-Pekka Salonen. O que fazia ali a diferença, diz ela, era "ter um instrumento extraordinário" (a orquestra de Los Angeles), mas também o "empenho diário dos músicos", "a sala em que tocavam", "a preparação do conteúdo", a atitude que uma orquestra tem de ter se quiser "transformar a cena musical, fazer música contemporânea, tocar a mais relevante da criação musical dos últimos 20 anos, estar à frente da inovação musical". É isso que Joana Carneiro quer fazer em Berkeley. O que faz a diferença é também "a existência de projectivos educativos que realmente transformam", e a criação de "um laboratório" musical, seguindo a lição de Salonen. E há ainda uma questão de fundo que faz toda a diferença para quem põe a música e a criação actual em primeiro lugar: "Reflectir sobre o mundo contemporâneo, ajudar a compreender o que é a nossa realidade." Para isso é preciso criar relação com novos compositores, os "Beethovens" de hoje.

O resto é o trabalho minucioso com a música, escolher rigorosamente uma arcada ou uma sequência de arcos num ensaio, decidir "uma respiração" em diálogo com os músicos. "A preparação é 90 por cento do trabalho", subinha. O estudo antes dos ensaios. Chegar a "um ideal de como deverá soar e depois nos ensaios aproximar o desejo do compositor da realidade". Como se equilibram as vozes, qual deve sobressair? Como é aquele acorde? Aquela respiração? É assim que se concretiza o ideal de Joana Carneiro: "Através da beleza ajudar o próximo a compreender melhor o que o rodeia".

E tem vontade de compor? "É uma arte muito difícil. Tenho muita admiração pelos compositores. Tentei mas não era a minha vocação, não tenho talento." Insistimos, incrédulos. A maestrina esquiva-se e dá-nos uma resposta mais prática: "Exige uma entrega e um tempo que não tenho, estou muito ocupada." Para compor não sabemos. Mas que tem talento, tem.

Um disco que dança

No meio de tantas ideias sobre a música, um disco. A primeira gravação de Joana Carneiro, que pode surpreender por se centrar apenas em obras de Tchaikosvky. É quase certo que haverá outras gravações, podemos arriscar, mas para já este disco, com música do compositor russo estreitamente ligada à dança - os bailados "O Quebra-Nozes" (Suite , op.71a) e "O Lago dos Cisnes" (Suite, op 20a) - e a abertura-fantasia de "Romeu e Julieta". Tem tudo a ver com ela: "Fiz ballet durante anos da minha vida, desde criança que ligava dança e música". A música move e comove Joana Carneiro, que gosta da ideia de "contar uma história com gestos de dança".

E também ela dança agora, de uma outra forma, batuta na mão, como se a música alimentasse a dança. Como se tivesse outra vez nove anos. Como se fizesse magia."

Ainda Mais Chris

2009-07-06T01:56:00.002+01:00

Andava eu pela net a descobrir o site das bandas filarmonicas, kd a minha atenção é desviada por um banner onde se lia "Christopher Kopitz - Duplo Prémio Europeu"

Descobri Esta notícia sobre o nosso colega:

Parabéns!

Parabéns, Christopher!

2009-06-16T14:55:00.001+01:00

"O JOVEM MÚSICO PORTUGUÊS CHRISTOPHER MANUEL KOPPITZ, OBOÉ, OBTEVE O 1º PRÉMIO EUROPEU, NA FINAL DO CONCURSO JUGEND MUSIZIERT 2009, NA ALEMANHA.

Jugend Musiziert é o maior concurso musical de jovens músicos da Alemanha, com uma larga história de mais de 40 anos. Este concurso, apoiado pelo Conselho Alemão da Música, e por vários Ministérios, é dos mais prestigiados e de maior êxito.

Na 1ª eliminatória, Christopher Koppitz obteve a pontuação máxima de entre os jovens intérpretes das Escolas Alemãs em Portugal, o que lhe permitiu passar para a 2ª eliminatória. Nesta 2ª fase do concurso, em Espanha, Christopher atingiu novamente a máxima pontuação e foi seleccionado para o concerto de encerramento.

Na final deste concurso, onde participaram os jovens músicos finalistas de todas as Escolas Alemãs Europeias, que decorreu na primeira semana de Junho, na Alemanha, Christopher Koppitz obteve o 1º prémio em oboé. De todos os intérpretes premiados (dos vários instrumentos), Christopher foi destacado no Concerto dos Laureados, com a atribuição do diploma de mérito europeu.

Christopher Koppitz, de 16 anos, é aluno da Escola Alemã de Lisboa e estuda oboé na Escola de Música Nossa Senhora do Cabo, em Linda-a-Velha, na classe do Prof. Francisco Luís Vieira."

Publicado em: http://asminhasnotassoltas.blogs.sapo.pt/35468.html

Haydn, 200 anos

2009-05-31T16:55:00.002+01:00

Haydn, O Shakespeare da música

31.05.2009, Cristina Fernandes in Público

Morreu célebre, mas foi desvalorizado pelos românticos e a sua obra só foi verdadeiramente recuperada depois da Segunda Guerra. Joseph Haydn, o compositor inventivo que atravessou três eras e tinha admiradores como Napoleão, morreu há 200 anos

Da famosa tríade do classicismo vienense formada por Haydn, Mozart e Beethoven, Joseph Haydn (1732-1809) é hoje o compositor que tem uma presença menos forte no imaginário colectivo. Com a excepção de algumas sinfonias - sobretudo as que têm títulos extramusicais como O Relógio, O Urso ou A Surpresa -, um número reduzido de quartetos e da oratória A Criação, a posteridade apenas recebeu uma imagem parcial da sua imensa produção, nem sempre devidamente compreendida.

Considerado uma figura tutelar e identificado de forma simplista como "o pai da sinfonia e do quarteto", Haydn seria também uma vítima indirecta da sua vida relativamente pacata. Não teve uma existência conturbada que alimentasse mitos e mistérios, como no caso de Mozart, nem uma personalidade titânica que inflamasse os espíritos românticos como a de Beethoven. Ao contrário da maior parte dos compositores da geração anterior à sua, Haydn nunca foi esquecido, mas depois da sua morte foi nalguns momentos injustamente subvalorizado. Só depois da Segunda Guerra Mundial a sua música começou ser reabilitada em toda a plenitude.

No entanto, quando morreu a 31 de Maio de 1809, faz hoje 200 anos, era uma celebridade em toda a Europa. Viena vivia a segunda Invasão Francesa, mas Napoleão, seu grande admirador, mandou proteger a casa do compositor e vários dos seus generais e outros militares compareceram ao funeral. Um ano antes, a 27 de Março de 1808, num concerto de homenagem na Universidade de Viena por ocasião do seu 76.º aniversário, onde foi interpretada a oratória A Criação sob a direcção de Salieri, a multidão que o aguardava era tão grande que a polícia teve de intervir para manter a ordem. Na assistência encontravam-se Beethoven e Hummel. Ainda em 1785, um jornal londrino considerava Haydn como "o Shakespeare da música", e quando chegou a Londres pela primeira vez, em 1791, para uma série de concertos promovidos pelo empresário Joahann Peter Salomon, era aguardado com enorme expectativa. A imprensa não falou de outra coisa durante três dias e Haydn chegou a escrever: "Todos me querem conhecer, se quisesse jantava fora todos os dias da semana."

A longa vida de Haydn atravessou três eras. Durante estas décadas a linguagem musical sofreu profundas transformações, o mesmo sucedendo com a estrutura da vida musical e com o estatuto social do músico. Haydn beneficiou do patronato aristocrático da família Esterházy nos moldes do Antigo Regime, sendo um funcionário dedicado e fiel - mas não submisso, como o episódio da Sinfonia do Adeus, em que os músicos vão abandonando as suas estantes um a um como forma de protesto pela permanência prolongada em Esterháza longe das suas famílias -, mas também do êxito como músico independente na esfera pública na última fase da sua vida. Mais do que qualquer outro compositor, teve o melhor dos dois mundos. Como escreveu o historiador da cultura Tim Blanning, "no início da sua carreira Haydn começou a ser conhecido porque era o mestre de capela da família Esterházy; na época da sua morte os Esterházy eram famosos porque o seu mestre de capela tinha sido Haydn".

A sua juventude coincide com o período áureo do barroco tardio e a sua velhice com os alvores do romantismo. Quando Haydn nasceu Bach trabalhava na Missa em Si menor em Leipzig e quando morreu Beethoven já tinha escrito a Quinta e a Sexta Sinfonias.

O príncipe e a música

Nascido na pequena localidade de Rohrau, Áustria, numa família de camponeses, Haydn começou a sua formação como menino de coro, primeiro em Hainburg (para onde foi levado por um primo que exercia as funções de mestre-escola e director do coro) e depois na Catedral de Santo Estêvão, em Viena. A partir de 1761 começou a trabalhar para a ilustre família húngara Esterházy de Galantha, na qual se destaca o príncipe Nicolau, o Magnífico, grande apaixonado pela música. No seu castelo de Esterháza, inaugurado em 1766 e comparado por muitos contemporâneos com Versalhes, edificou um teatro de 500 lugares e uma grande sala de concertos. Durante alguns períodos chegavam a interpretar-se duas óperas e dois concertos por semana, além de música de câmara diariamente.

Haydn não tinha mãos a medir. Pelo menos até 1790 - data da morte de Nicolau, o Magnífico - a obra de Haydn pode ser considerada como o último grande legado do mecenato do Antigo Regime no campo musical. Em termos de quantidade é digna da geração precedente, representada pelos compositores barrocos: mais de 100 sinfonias (recorde-se que Beethoven escreveu apenas nove), mais de 80 quartetos, mais de 20 óperas e cerca de 175 peças de câmara para baryton (instrumento aparentado com a viola da gamba que o príncipe tocava). Haydn teve uma relação próxima com todos os géneros musicais vocais e instrumentais, sacros e profanos (ópera séria e buffa, cantatas, missas, oratórias, Lieder), mas no final da vida abriu caminho também para as grandes obras corais sinfónicas do romantismo com as partituras das oratórias A Criação e As Estações. As ousadias harmónicas da Representação do Caos na introdução à Criação não têm paralelo na música do século XVIII e apenas seriam retomadas pelo romantismo tardio.

Nos relatos da época, Haydn é descrito como uma pessoa modesta e simpática e como um bom católico. Foi um homem que acompanhou o seu tempo mas que não tomou posições radicais. Acabou por conseguir a emancipação do seu antigo estatuto profissional porque o príncipe Anton (que sucedeu a Nicolau) se interessava menos pela música e lhe deu maior liberdade. No entanto, mesmo durante o período anterior, o trabalho no isolamento de Esterháza não impediu que o nome de Haydn corresse o mundo. Boccherini, que trabalhava na corte de Madrid, escreveu-lhe em 1781 a testemunhar a sua admiração e as encomendas chegavam de vários sítios. As famosas Sete Últimas Palavras de Cristo na Cruz resultam da encomenda de um prelado de Cádis, em 1785, e as seis sinfonias parisienses da solicitação da importante sociedade de concertos da Loge Olympique.

A ampla circulação das suas obras, primeiro em manuscritos e em algumas edições piratas, e depois nas edições oficiais da casa Artaria, contribuiu também para sua celebridade europeia. A partir de meados dos anos 80 do século XVIII é o compositor mais editado em França e Inglaterra e em 1784 a revista European Magazine chega mesmo a publicar a sua biografia. Deste modo, o caminho estava aberto para o triunfo nas salas de concertos públicas de Londres quando realiza as suas duas digressões em 1791-92 e em 1794-95.

O humor e os românticos

Os contemporâneos de Haydn parecem ter compreendido, mas o mesmo não sucedeu com a geração romântica seguinte. Schumann tinha um profundo respeito por ele, mas chegou a escrever que "não tinha mais nada a aprender com Haydn", e Wagner comparou a sua produção sinfónica a uma "segunda infância" em relação a um Beethoven que teria já nascido adulto nessa matéria.

A essa avaliação escaparam muitos traços da genialidade do compositor, hoje felizmente reconhecidos. Poderíamos falar de uma mestria de construção sempre inventiva, da sua capacidade de manipulação do material musical ou da forma como incorporou as tradições populares na música erudita, mas há uma qualidade em Haydn que merece especial admiração: a habilidade para criar surpresa e humor na música, este certamente pouco apreciado pelos românticos, mais preocupados com as suas depressões e profundas crises existenciais.

PROVA DE PASSAGEM NO DIA 1 DE JUNHO!!!

2009-05-27T13:03:00.004+01:00

Meus caros alunos,

não foi possível alterar a data da prova de passagem uma vez que as notas têm que ser dadas antes de dia 8 de Junho.

Por isso, temos teste no dia 1 de Junho.

Preciso que TODOS me confirmem URGENTEMENTE que receberam esta informação de alteração! Ou através de email ou de comentário no blogue ou de telemóvel: 966917897 ou 912569340!

Falem por favor entre vocês e que ninguém fique sem saber:

Bernardo

Christopher

Catarina 1

Catarina 2

Teresa

Michael

Madalena

Luís

Jorge

João

Rui

Estão todos informados??

Boa sorte! Em caso de dúvidas, contactem-me!

Bach também sai na Prova!

Beijinhos a todos e BOM ESTUDO!

Rosa Paula

Blue Man Group

2009-04-24T11:03:00.009+01:00

Quarta-feira à noite fui ao Casino de Lisboa ver os Blue Man Group.

Excelente!

Aconselho a todos irem ver o espectáculo! vale mesmo muito a pena!

são quase 2 horas de puro entretenimento e música.

Este espectaculo tem o nome de Mega Star Tour. Basicamente o que acontece em todo o espectaculo é que os 3 homens azuis estão a seguir as instruções de um DVD chamado "How to be a Super Star".

O Espectaculo vai ficar até dia 9 de Maio no Auditório dos Oceanos do Casino de Lisboa.

Deixo-vos alguns clips que consegui encontrar no youtube.

Neste têm uma das partes do espectaculo em que o DVD está a explicar o que devem fazer para ser uma estrela acho k é o "Rock Movement #3"

Por último deixo-vos o inicio do espectáculo, para adoçar a boca

e mais um bocadinho

o som não está grande coisa nestes últimos, mas da para perceber o espírito.

Não se assustem com o preço! vale cada cêntimo!

Voca People

2009-04-24T10:52:00.002+01:00

Para quem pensa que o coro é "uma seca".

Vejam e ouçam bem isto

2009-04-01T10:19:00.002+01:00

A animusic dedica-se exlusivamente à criação de animação computarizada relacionada com música, criando possíveis novos instrumentos (apenas em computador, claro). Eu fiquei apaixonada por este (percebe-se porquê).

Enjoy

salomé

2009-03-31T12:00:00.004+01:00

A todos os que vão assistir à récita da Salomé no Domingo, dia 5 de Abril de 2009, avisa-se que nos encontramos em frente ao São Carlos pelas 15.30h!

nbnnbmnbmnbmnbmnbm

"Rejeitando a versão versificada do libreto germânico, Strauss resolve conceber a ópera Salome directamente a partir do texto teatral em alemão, incidindo o seu trabalho no corte de secções e em pequenos arranjos estruturais, criando quase uma adaptação directa do teatro para a ópera. Esta técnica não será tão diferente de alguns dos trabalhos anteriores do compositor se se estabelecer um paralelo com os seus Poemas Tonais, obras sinfónicas baseadas em textos literários, género tão cultivado por Strauss. O facto da ópera decorrer num único acto transcomposto, sem interrupções, permite aproximá-la ainda mais da produção sinfónica do autor - um Poema Tonal com texto.
Salome foi recebida com reacções contrastantes. Por um lado foi um sucesso, garantindo inúmeras apresentações nos principais teatros de ópera e, simultaneamente, consolidando a reputação do seu compositor; por outro, o tema da ópera, assente na figura mítica de Salomé, causou enorme escândalo. A obra chegou a ser banida em vários teatros, tendo para isso contribuído a abordagem às secções mais ousadas do texto de Wilde: a dança erótica dos sete véus, aludindo à nudez integral, e a cena de amor de Salomé com a cabeça de S. João Baptista, remetendo para a necrofilia, passagens que Strauss fez questão de manter e até enfatizar. Controvérsias à parte, Salome tornou-se um marco na carreira do compositor que abandonaria o modelo de Poemas Tonais, uma constante na sua obra até então, para abraçar definitivamente o género operático. Na sua harmonia cromática, melodia prosódica e complexidade orquestral, Strauss afirmava-se como um dos principais compositores germânicos, do início do século XX, numa linha de continuidade com a tradição operática wagneriana."

Texto Tiago Cutileiro, Marta Nunes

2009-03-30T22:02:00.002+01:00

Vejam e ouçam bem isto. Espectacular.

a rainha de sabá na oratória "salomão"

2009-03-15T19:09:00.005Z

"The Arrival of the Queen of Sheba", que o Christopher publicou aqui em baixo, é uma marcha que se insere na oratória de George Frideric Handel intitulada Solomon e é baseada na narrativa bíblica do sábio Rei Salomão. O libreto tem sido atribuido a Newburgh Hamilton.

Os episódios retrados por Handel nesta oratória remetem para a disputa resolvida pelo Rei Salomão entre duas mulheres que disputam a maternidade de uma criança; e o famoso encontro com a Rainha de Sabá que lhe oferece inúmeras riquezas e o reconhecimento da sua sabedoria.

Astuto empresário, Handel aproveita a ocasião para homenagear o seu patrono sublinhando as semelhanças entre Salomão e o Rei George II. "Piedade", "Sabedoria", "Esplendor" são qualidades figuradas nos vários actos de forma a elogiar o Rei britânico!

A obra foi composta entre 5 de Maio e 13 de Junho de 1748, mas a estreia teria apenas lugar em Março do ano seguinte!

Deixo-vos o libreto e a ligação para a partitura para que possam desfrutar, em grande, desta obra que os colegas do 2º ano em breve irão estudar!

adsas (Raffaelo, A Rainha do Sabá, séc. XVI)

Albrecht Mayer: The Arrival of the Queen of Sheeba

2009-03-14T12:41:00.004Z

Albrecht Mayer:

1º Oboé da Berliner Philarmónica.

sobre música

2009-03-13T12:58:00.001Z

— Alfred Gockel, Stroking The Keys (n. 1952)

Marin Marais

2009-03-05T21:14:00.003Z

Nome: Marin Marais

Data e local de Nascimento: 25 de Maio de 1656, em Paris
Data e local de Morte: 15 de Agosto de 1728
Quem era: violista / gambista e compositor francês do período barroco
- Em 1667, torna-se cantor no coro da Saint-Germain-l'Auxerrois
- Aos dezasseis anos, deixa voluntariamente Saint-Germain-l'Auxerrois e tenta aperfeiçoar-se junto de Sainte-Colombe na viola baixo
- Marais entra, em seguida, na orquestra da Academia Real de Música, dirigida por Jean-Baptiste Lully
- Obtém em 1679 o cargo de tocador de viola da câmara do Rei Luís XIV. Acumulará esse cargo com a carreira de músico da Ópera, durante quarenta anos.
Principais obras:
- Peças para viola de gamba
Peças para uma e para duas violas (1686)
Peças para uma e duas violas com aumento de muitas peças particulares em partição (1689)
Peças para uma e para três violas, Quarto livro (1717)
- Peças para trio (Marin Marrais foi um dos primeiros, em França, a escrever peças para trio)
Peças para trio para flautas, violinos e viola (1692)
A Gama e outros trechos de sinfonia para violino, viola e címbalo (1723)
- As tragédias líricas francesas
Alcide (1693)
Ariane et Bacchus (1696)
Alcyone (1706)
Sémélé (1709)

matéria para o teste

2009-03-05T17:37:00.006Z

aaaaaaaaaaa aa

Meus caros alunos,

como combinado, aqui segue a
matéria para o teste de História da Música (IIº ano),
com páginas do Grout e Palisca, História da Música Ocidental e tal...

- Características gerais da música do primeiro período barroco [Grout: pp. 307-315]

- O surgimento da ópera [Grout: pp. 316-329 + pp. 359-371]

- Música vocal de câmara no primeiro período barroco [Grout: pp. 329-335]

- Música sacra no primeiro período barroco [Grout: pp. 335-342 + 375-389]

- Música instrumental no primeiro período barroco [As fotocópias da Sebenta, que vos dei na aula + Grout, pp. 414-419]

O teste debruçar-se-á sobretudo sobre os temas a "bold", mas seria importante que dominassem toda a matéria indicada.
Bom estudo!
Até Segunda!

rprp

Girolamo Frescobaldi

2009-03-02T19:30:00.008Z

Girolamo Frescobaldi foi um dos maiores compositores italianos de música para cravo do século XVII. Nasceu a 9 de Setembro de 1583 em Ferrara e faleceu a 1 de Março de 1643 em Roma. Destacou se tanto como cantor, como também no virtuoso uso de diversos instrumentos, entre os quais o orgão. Durante a sua juventude, frequentou a Academia de Santa Cecília em Roma e foi organista na igreja de Santa Maria em Trastevere. Durante vinte anos, foi organista em São Pedro. Em 1608 publicou o primeiro livro de madrigais a cinco vozes. Em 1613 casou com Orsola del Pino e teve 5 filhos. Em 1628, terminada a experiência romana, transferiu se com a família para Florença. Em 1630 publicou duas selecções de árias: o 1° e o 2° ''Libro d'Arie musicali per cantarsi nel Gravicembalo e Tiorba a una, due o tre voci''. Em 1634 voltou a Roma e retomou o seu lugar em São Pedro, no ano seguinte publicou em Veneza: Fiori musicali, Kyrie, Canzoni, Capricci e Ricercari in partitura a quattro. Entre as suas obras vocais destaca se ''Livro Segundo de Diversas Modulações a Uma, Duas, Três e Quatro Vozes''.

Dietrich Buxtehude

2009-02-24T18:34:00.001Z

Dietrich Buxtehude foi um importante compositor alemão pertencente ao Período Barroco. Nasceu em Helsingor, na Dinamarca, em 1647 e faleceu aos 70 anos em Lübeck (Alemanha). Tal como a maior parte dos compositores deste Período, Buxtehude tocava órgão, recebendo o cargo do seu pai em 1658 como organista de igreja em Hälsingburg. Em 1668 ganha um concorrido cargo através de um concurso em Lübeck para gerente geral e organista da igreja. Casa-se, em agosto desse ano, com Anna Margarethe Tunder, filha de Franz Tunder, seu antecessor nesta igreja. Esse era o costume da época, no qual o sucessor do organista da igreja deveria casar-se com a filha do seu antecessor. A partir daí ganha prestígio com a retomada tradição dos saraus vespertinos organizados na igreja, que ocorriam cinco domingos por ano, precedendo o Natal. Ampliou grandemente o escopo destes saraus e para eles compôs algumas de suas melhores obras, em forma de cantata, das quais se preservam cerca de 120 em manuscrito, com textos retirados da Bíblia, dos corais da tradição Protestante e mesmo da poesia secular. Também se dedicou a outros géneros, como solos para órgão (variações corais, canzonas, toccatas, prelúdios e fugas), concertos para viola da gamba e concertos sacros. Existem registos de que existiram oratórios, mas perderam-se as partituras. Foi bastante visitado por compositores promissores da época (incluindo Haendel, Mattheson e Bach) devido à sua fama de organista e à sua admirável obra.

bach, johann sebastian

2009-02-12T16:17:00.001Z

Modernas técnicas forenses mostram como terá sido o famoso compositor

Como era o rosto de Bach?

29.02.2008 - 15h33 PÚBLICO, com Agências

Para muitos o melhor músico do seu tempo. Para outros, da história. Mas como era afinal a cara do génio barroco Johann Sebastian Bach? Graças às novas tecnologias digitais forenses, um grupo de especialistas apresentou ontem a expressão que terá tido o prestigiado músico: amável e bonacheirão.

A pedido da Casa Museu do músico, com sede em Eisenach, na Alemanha, a antropóloga escocesa Caroline Wilkinson ficou encarregue de reconstruir, através de modernos meios digitais, o rosto do compositor. Para chegar à imagem hoje apresentada, com 70 por cento de veracidade, Caroline recorreu a vários retratos, a medições do seu crânio e à máscara mortuária do músico, que nasceu em 1685 e morreu em 1750.

A técnica forense relevou que Bach tinha feições amplas e maduras, o maxilar inferior ligeiramente proeminente, cavidades oculares profundas, um nariz grande, algumas entradas no cabelo e lábios carnudos. O primeiro passo foi reconstruir o crânio do compositor, através de um programa informático, para depois lhe acrescentar músculos, cartilagens e pele.

Fonte da Casa Museu de Bach contou que, em 1894, o médico alemão Wilhelm Jis e o escultor Carl Ludwig Seffner, já tinham tentado reconstruir o rosto do músico, naquele que foi a primeira tentativa do género da história.

“Apesar de estarmos expectantes e de termos seguido um processo minucioso na recriação dos músculos e dos ossos, a cor da pele, dos olhos e do cabelo do músico, continuarão sempre a ser um mistério”. Nos retratos de Bach que chegaram aos nossos dias, os seus olhos às vezes aparecem azuis e outras castanhos. Na reprodução do cabelo inspiraram-se no que seria a moda da altura.

Dia 21 de Março, data do aniversário do compositor, a Casa Museu irá inaugurar a exposição “Bach através do espelho da medicina”. O principal objecto da mostra será um busto de cera do enigmático músico.

Caroline Wilkinson já reconstruiu, também, as caras de Tutankhamon.

Trocadero

2009-02-09T16:10:00.000Z

É só para ti Catarina! :)

Leonidas Kavakos

2009-02-09T10:58:00.012Z

Na última quarta-feira dia 4, inserido no Ciclo das Grandes Orquestras Mundiais, apresentou-se no Coliseu dos Recreios a Orquestra de Filadélfia sob a direcção de Christoph Eschenbach e tendo como solista o violinista grego Leonidas Kavakos.
Foram apresentadas as seguintes obras:

.Concerto para Violino e Orquestra, em Ré menor, op. 47 de Jean Sibelius

.Egmont, Abertura em Fá menor, op. 84 de Ludwig van Beethoven

.Sinfonia nº 5 de Sergei Prokofiev

Felizmente assisti a este concerto de alta qualidade, tanto por parte da orquestra como por parte do solista.

Leonidas Kavakos

Nasceu em Atenas (Grécia) em 1967. Desde de pequeno que foi considerado um grande talento no violino. Actualmente é considerado um dos músicos mais talentosos, actuando regularmente com as maiores orquestras mundiais. Vencedor de importantes concursos internacionais, tais como o Concurso Internacional Sibelius em Helsinquia em 1986, foi ainda medalha de prata no Concurso Internacional de Violino em Indianapolis, medalha de ouro no Concurso de Naumburg em Nova Iorque e medalha de ouro no Concurso de violino Paganini, ambos em 1988. Como vencedor do concurso Sibelius teve direito à gravação do concerto do próprio compositor pela etiqueta BIS, na sua versão original.

Foi um excelente concerto em que o solista demonstrou um grande à vontade em palco e um enorme perfeccionismo técnico e musical. Os bilhetes esgotaram rapidamente, o que impossibilitou que muitos assistissem a este concerto verdadeiramente imperdível para quem aprecia o instrumento e para quem o toca. Para todos os que não conseguiram estar presentes deixo aqui o final do terceiro andamento do concerto de Sibelius por Leonidas Kavakos.

Já que nos aproximamos do Carnaval...

2009-02-05T13:19:00.003Z

Sobre alguns animais:

o cisne...

os pianistas...

— Camille Saint-Säens, Carnaval dos Animais, 1886

morrer de amor

2009-01-13T13:11:00.004Z

Mendelssohn pode ter morrido de amor

13.01.2009, Sérgio C. Andrade

Documento descoberto em Londres pode trazer novidades sobre a morte do compositor alemão

A notícia da hipótese de Félix Mendelssohn (1809-1847) ter morrido em circunstâncias bem diferentes daquelas que estão registadas, e mesmo ter-se suicidado, levantada ontem pela jornalista e escritora Jessica Duchen no The Independent, virá certamente trazer um suplemento de atenção, e de polémica, à comemoração do bicentenário do compositor romântico alemão.

A história oficial diz que o autor da música para Sonho de uma Noite de Verão (1843) morreu de um ataque de coração a 4 de Novembro de 1847, com apenas 38 anos, sucumbindo à dor da perda, seis meses antes, da sua irmã Fanny, também vítima de crise cardíaca (um mal hereditário, ao que se julga).
Mas as coisas podem não ter acontecido exactamente assim. No jornal britânico, Jessica Duchen escreve que, a crer num documento removido nos arquivos da Royal Academy of Music (RAM), em Londres, as circunstâncias e razões da morte de Mendelssohn podem ter estado relacionadas com uma paixão não correspondida pela soprano sueca Jenny Lind (Johanna Maria Lind, 1820-1887, imortalizada na galeria do canto lírico como a Rouxinol Sueca).
O que foi agora descoberto nos fundos documentais da instituição londrina foi uma declaração do marido de Jenny Lind, Otto Goldschmidt, depositada em 1896 no arquivo da então Fundação Mendelssohn (que posteriormente passou a acolher a RAM), em que ele confessa ter destruído uma carta do compositor à cantora, porque considerou que ela poderia tornar-se "tremendamente danosa para a reputação" de ambos.
O teor da carta, ainda segundo o testemunho de Otto Goldschmidt - que fora aluno de Mendelssohn e casara com Jenny Lind em 1852, já após a morte do compositor -, seria "uma apaixonada declaração de amor", em que o compositor rogava à cantora que fugisse com ele para a América, ameaçando mesmo suicidar-se, se ela não dissesse que sim. O compositor viria a morrer poucos meses depois.
Ao depositar a sua declaração, Goldsmith estabeleceu que ela não poderia ser aberta num prazo inferior a 100 anos. Ora esse prazo já expirou em 1996, mas a investigação sobre a autenticidade da declaração continua por fazer, o que levou já um biógrafo de Mendelssohn, Clive Brown, que teve conhecimento dos documentos depositados no RAM, a falar de "uma conspiração de silêncio" em volta do seu conteúdo. Citado pela jornalista do Independent, o actual presidente da RAM, Curtis Price, defende também que o assunto justifica "uma investigação séria e aprofundada".
Ainda que a teoria do suicídio do compositor - através da ingestão de veneno, por exemplo - possa parecer demasiado especulativa, ela não deixa de poder pôr em causa a ideia feita de um Mendelssohn com uma vida feliz como marido e pai de família (teve cinco filhos), em simultâneo com uma obra e uma carreira reconhecida no seu tempo, tanto no seu país (foi director do Conservatório e maestro da Orquestra de Leipzig) como na Europa, e especialmente em Inglaterra, onde se deslocou uma dezena de vezes e chegou a ser recebido pela rainha Vitória.
Sobre a relação de Mendelssohn com Jenny Lind (que parece ter despedaçado também o coração de Hans Christian Andersen, que nela se inspirou para escrever o conto Nightingale, 1844), sabe-se que se conheceram em Berlim, em Outubro de 1844, e que com ela se encontrou com regularidade, principalmente em Londres. O compositor imaginou mesmo para Jenny uma ópera baseada na lenda de Lorelei, e dedicou-lhe o solo de soprano da oratória Elias (1846), uma das suas obras mais celebradas. Mas acabaria por (fazer-se?) morrer precocemente, em 1847. Com o "não" da Rouxinol Sueca na alma?

jovens vozes de lisboa: inscrições abertas

2009-01-12T02:30:00.000Z

olha quem é ele!

2009-01-06T15:00:00.003Z