MÚSICA PRA LER

"One" - U2

2009-10-27T22:20:00.004-02:00

Alex liga o laptop na hora marcada: 1:30 da manhã. Na verdade, um pouco antes, para garantir. Apaga a luz do abajur, deita na cama e espera a transmissão começar. O YouTube iria passar ao vivo um show do U2, sua banda favorita, direto de Los Angeles. Um isopor com algumas latas de cerveja e pacotes de salgadinhos seriam seus companheiros, além dos fones de ouvido que permitiriam ao colega de quarto na república dormir tranqüilamente. O rapaz prefere heavy metal, tem até alguns pôsteres pendurados na sua metade do dormitório. Cada um manda no seu lado.

O show começa com algumas canções mais recentes, do último disco, que não o agrada muito. Ele achou meio paradão e contemplativo. É a senha para que abra a primeira cerveja. O Messenger está aberto, concorrendo com a telinha diminuta do YouTube. Ele aproveita para combinar um barzinho com uma gata do curso de pedagogia. O álcool deixa-o melhor de papo, inclusive virtualmente. Logo a banda começa a tocar alguns clássicos. Alex já está na terceira cerveja quando os primeiros acordes de One atingem diretamente seus ouvidos. Quase que simultaneamente, uma janelinha se abre no computador.

Ana diz:

tá vendo?

Alex diz:

aham

Ana diz:

lembrou de mim?

Alex diz:

claro. tinha outro jeito?

Três anos antes a música era a mesma, mas o palco era maior. O encontro também foi a distância, porém. No estádio do Morumbi, no último show que o U2 fez no Brasil, ele digitava nervosamente o número dela em seu celular. Tinha colocado créditos extras para a tarefa. Ligação interurbana sai caro para estudante universitário, mas o motivo era nobre. Alex queria cumprir a promessa, feita semanas antes, de ligar para a namorada durante a execução de One, já que ela não poderia ir no show. Só que até chegar lá, Ana já era ex-namorada. Brigaram feio. Não importava, promessa era promessa.

“Tá ouvindo”, berrou uma vez. “Tá ouvindo”, berrou duas vezes. “TÁ OUVINDO, PORRA? EU TE LIGUEI!”, berrou o mais forte que pôde.

O som era muito alto, não conseguiu ouvir uma resposta. De qualquer forma, levantou o celular e o direcionou para o palco, enquanto fechava os olhos para segurar as lágrimas. O término era recente, o sofrimento também. Em volta, outros espectadores pensavam se tratar de mais um idiota tirando fotos ou filmando, em vez de aproveitar o momento do show. Alex estava aproveitando de uma forma própria, ouvindo seus ídolos tocarem uma música que foi tema do seu namoro e que, a partir dali, seria seu hino preferido de dor-de-cotovelo.

“Ouviu?”, berrou ao fim da canção. Bem de fundo, escutou um barulho de ocupado. Ela tinha desligado. Frustrado, jogou o celular longe, um ato de revolta extrema para o estudante universitário falido. Nunca soube se atingiu alguém. Nunca soube, também, se ela tinha conseguido ouvir, ou mesmo se tinha desligado o telefone logo de cara. Nunca mais se falaram depois do término. Agora, enquanto a Bono cantava “Ooooneeee” pela última vez em Los Angeles, Alex acha que já é hora de descobrir.

Alex diz:

você chegou a ouvir música aquele dia?

Ana diz:

claro... mas desliguei pq não queria ouvir tua voz

Alex diz:

hum...

O sentimentalismo e a cerveja estavam prestes a cobrar um preço. Alex abriu um outra janela no Messenger.

Alex diz:

oi, esqueci que tinha um compromisso amanhã... te ligo outra hora, pode ser?

Pedagogata diz:

ai, mas não demora muito, né?

Alex diz:

olha, talvez demore...

* * * *

Outro exercício de aula do Scotto. Esse ele ainda não avaliou. E a história é só levemente inspirada em fatos reais.

"Borboletas" - Victor & Léo

2009-10-26T18:10:00.004-02:00

Clique aqui e assista o clipe no YouTube

Vai aí um artigo que publiquei no site Geração Internet, para o qual estou escrevendo há um mês. O site tem bastante conteúdo de internet, tecnologia, cinema e música, dêem uma conferida.

"EU QUERO VICTOR E LÉO NA CAPA DA ROLLING STONE BRASIL"

A versão tupiniquim da revista Rolling Stone acabou de iniciar seu quarto ano de história com a seguinte matéria de capa: “As 100 maiores músicas brasileiras”. Todo mundo gosta de listas, ainda mais quando o assunto é música, e é hábito da matriz americana publicá-las. No entanto, a seleção do tema reflete mais uma vez a linha editorial de pouco risco que a publicação assume, principalmente no tocante às capas com conteúdo produzido no Brasil.

A Rolling Stone brasileira segue o formato adotado pela americana a partir dos anos 90, quando passou a dar mais destaque à cultura pop, embora tenha mantido música, política e reportagens especiais como carros-chefe. Só que era justamente na capa que a mudança de foco ficava mais aparente: ícones adolescentes da TV e do cinema passaram a dividir o espaço com os astros do rock.

Não foi por acaso. Sair na capa da Rolling Stone sempre foi visto como um ritual de aceitação para bandas e artistas, que ansiavam por estar nela como se aquele momento representasse um atestado de qualidade. Há um pouco de mito nisso, porém. O que a RS fazia, e ainda faz, é observar quem está se destacando e pautar seus repórteres para conseguirem um pouco mais desses sujeitos e produzirem matérias interessantes. O Nirvana, por exemplo, só foi capa quase seis meses depois do estouro de Nevermind, apenas quando os editores acharam que tinham um bom material em mãos. Em outras palavras, a revista tenta explicar os fenômenos pop para seus leitores.

Muita gente não entende isso. Era comum, nas primeiras edições nacionais, a sessão de cartas estar infestada de leitores indignados por não verem matérias com o Led Zeppelin, o Pink Floyd ou o Black Sabbath. Em suma, queriam as últimas novidades dos anos 70, mais do mesmo.Os editores cederam e passaram a publicar a sessão “Arquivo RS”, com matérias antigas da matriz, geralmente com dinossauros. O problema maior é que a RS Brasil vem estendendo esse padrão para suas matérias de capa.

Só uma?

As 37 capas da Rolling Stone brasileira até agora assim se dividiram, tematicamente: 21 de música, 8 de TV, 3 de cinema, 2 com modelos, 2 com políticos e 1 com um escritor, sendo 17 gringos e 18 brasucas. Misturando a coisa toda, são apenas 8 capas de música nacional e é aqui que o bicho pega.Estiveram lá Ivete Sangalo, Marisa Monte, Caetano Veloso, Rita Lee, irmãos Cavalera, NX Zero, Gilberto Gil e a mais recente, a listinha com 100 músicas. Qual o único ponto fora da curva de artistas consagrados e com anos de exposição de mídia? Os emos do NX Zero. Apenas uma capa musical “de risco” em 37 edições. É muito pouco.

Aqui não se discute a qualidade ou o valor artístico. O ponto é: ainda há algo de novo que pode ser dito sobre (e por) Caetano, Gil, Rita, etc.? Eu acho muito mais interessante ler a seguinte pérola: “A gente é tipo meio nerd. Às vezes pergunto pra eles: ‘O que a gente vai contar? A Rita Lee contou que cheirou, avacalhou tudo e não sei o quê. E a gente vai contar o quê? Que terminou o GTA várias vezes?’”, vindo de um dos integrantes do NX Zero, falando sobre seu bom-mocismo.

Eu não vou passar a gostar ou odiar uma banda por causa de uma matéria, mas vou passar a entendê-la. Também não vou detestar uma revista porque ela botou na capa uma banda que acho musicalmente desprezível. A Rolling Stone nos deve grandes reportagens sobre artistas diferentes.

Quero ler uma matéria em que um repórter acompanhe uma turnê da dupla Vitor & Léo, que atrai multidões por onde passa. Ou uma que disseque o sistema de vendas do Calypso, que dá aulas de como se aproveitar da pirataria para ganhar em popularidade. Quero ver o fenômeno do tecnobrega, já abordado pela revista, na capa. A vida sexual e musical de Marcelo Camelo e Mallu Magalhães. O funk carioca. E cadê a Pitty? Eu não quero ouvir esse povo, mas quero ler sobre eles. Nada de entrevistinhas, falo de reportagens. Tem muita coisa interessante para explorar em vez de ficar traduzindo matéria gringa que, pela enésima vez, fala dos motivos que levaram os Beatles a se separarem.

Parece-me que a Rolling Stone Brasil sentou-se confortavelmente na reputação, às vezes equivocada, da matriz americana para não arriscar mais nas matérias de capa. É mais uma questão editorial do que de qualidade. A matéria com a reunião dos Cavalera, por exemplo, foi uma das melhores coisas que eu já li na revista. Fugindo da música, o perfil do Faustão também estava excelente. Não é falta de gente qualificada para escrever o problema, portanto. É um fantasma clássico do jornalismo: a pauta.

Links:

Capas da RS Brasil: http://www.rollingstone.com.br/edicoes?rp=12

Capas da RS USA: http://www.rollingstone.com/photos/covers

"La vie en rose" - Grace Jones

2009-10-21T22:05:00.003-02:00

A estação de trem de Juan-les-Pins, cidadezinha da Riviera Francesa, estava às moscas. Eram 11 e meia da noite e apenas mais um trem passaria por ali. Dois policiais montavam guarda na parte externa. Dentro, apenas bancos de pedra, uma passagem subterrânea e o vento quente de verão acompanhavam o silêncio até surgir um “Vive la France!” vindo da entrada. As moscas devem ter pensado que era algum francês bêbado comemorando a classificação de seu país às quartas-de-final da Copa de 2006. O sotaque era esquisito, contudo.

João chegou com pressa à estação, com medo de perder a condução de volta para Nice. Estava com dois canadenses, Tom e Jerry, e um americano, Woody, que era quem celebrava a vitória gaulesa. O brasileiro também estava feliz pelo time local - tinha tomado uma garrafa de vinho e abraçado algumas Bridgitte Bardots. Nem imaginava que alguns dias depois o time de Zidane eliminaria o Brasil do Mundial. A perspectiva de ter que dormir na rua não o agradava, porém. Gostava de festa, mas não que as coisas fujam muito ao controle. Foi com isso em mente que olhou para o lado e viu Woody conversando nervosamente com um negro enorme, ladeado por dois sujeitos que não se pareciam em nada com os vilões franceses combatidos por Tintin. Observou que eles não estavam muito interessados no itinerário da ferrovia.

“O que ele está fazendo?”, perguntou aos canadenses.

“Comprando maconha...”, respondeu Tom.

“Ele está louco? E os policiais?”, insistiu.

“Sabe como é... AMERICANO!”, disseram, em uníssono.

“Meu Deus! Vou ser preso... Por que eu não fui com a Heidi Klum?”, lamentou o brasileiro.

A Heidi Klum em questão tinha cruzado o caminho dos rapazes naquela mesma manhã, a caminho de Juan-les-Pins. Não era a supermodelo alemã de fato, mas tinha a mesma nacionalidade e o mesmo rosto perfeito, porém com longos cabelos pretos. Woody foi o primeiro a abordá-la na estação de Cannes, sem sucesso. Ingrid, seu nome verdadeiro, era simpática, mas não se interessou pelo papo do americano. Tom e Jerry descobriram que embarcariam no mesmo trem, mas não avançaram muito na conversa. O brasileiro, a princípio pareceu tímido, mas esperou a condução chegar e fez o básico: ofereceu-se para levar a pesada mochila da tedesca.

João acredita que está na gentileza o segredo para conquistar as mulheres. Naquela manhã, conseguiu a atenção de uma das mulheres mais lindas que já tinha visto e achou que seu ponto estava provado. A conversa engatou e ele começava a pensar seriamente em abandonar seus colegas e descer na mesma cidadezinha que Ingrid. Estava na Europa, tinha mais era que arriscar alguma loucura. Ele se divertia com os olhares admirados dos americanos do norte: o latino estava ganhando com a língua deles. Sim, ele iria descer! Na hora que chegou a estação da alemã, seu lado controlado acabou falando mais alto. Ela perguntou se teria companhia brasileira na praia. Inexplicavelmente, João disse que não, não poderia abandonar os amigos. Ingrid desceu sem se despedir, fazendo-o se arrepender instantaneamente. Restava aguardar que algo de extraordinário acontecesse em Juan-les-Pins.

Woody seguia negociando...

* * * *

Exercício da aula de Grande Reportagem em Texto, com o mestre Scotto. Historinha verídica e, numa auto-análise, uma boa metáfora da minha vida. Pelo menos o Scottão gostou...

"Magnificent" - U2

2009-07-21T19:51:00.005-03:00

Vou postar uma resenhazinha que publiquei no Cotidiano em março, sobre o disco novo do U2, só pro brógui não ficar muito parado. Ouvi hoje no carro e lembrei que ainda não tinha colocado aqui. Puta disquinho bom e com uma produção do caralho.

* * * *

A relevância cultural de uma banda pode ser medida de muitas formas. A influência sobre seus pares costuma ser a preferida de críticos e entendidos em geral; nesse aspecto, o U2 não tem muito a dizer: Killers e Coldplay podem ser considerados seus seguidores, porém mais em termos estéticos e de intenções de dominação planetária do que propriamente musicais. Numa outra medida, os irlandeses são relevantes como poucos artistas hoje em dia são: o alcance de suas canções. O seu bom novo disco, No Line on the Horizon, deve manter Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen no autodeclarado emprego de maior banda do mundo por mais alguns anos.

O U2 prometia mudanças radicais na sonoridade, coisa que não aconteceu. Há, sim, mais camadas de instrumentos, mas geralmente compondo o fundo do cenário para as letras metafóricas e misteriosas de Bono. As guitarras de The Edge ganharam distorção em algumas faixas, como Breathe, Get on your boots e nos riffs pesados de Stand up comedy, mas continuam com os barulhinhos marcantes que sempre definiram o músico. A cozinha continua econômica, sem grandes firulas, mas absolutamente precisa. U2 clássico, mas um pouco renovado.

Talvez os anunciados novos rumos estejam nas melodias. Bono arrisca, como na tensão dos versos da faixa-título; ela soa desconfortável, ecoando a letra que fala de uma mulher confusa e provocadora. As variações rítmicas e de timbres vocais de I’ll go crazy if I don’t go crazy tonight também chamam a atenção, mostrando que a garganta está envelhecendo bem. Com a capacidade de encarnar de um crooner até um cantor pop, poucos falam de temas pessoais de forma tão variada quanto Bono.

Identificação com o público

O vocalista é um ingrediente essencial da receita do sucesso do U2, mais pelo talento na composição de letras e melodias do que pela sua personalidade midiática, quando resolve salvar o mundo de tempos e tempos. Bono e The Edge têm uma competência rara para escreverem baladas e as chamadas músicas de arena, os tipos de canções que funcionam perfeitamente em concertos ao vivo por provocarem os sentimentos de quem as ouve. Também por isso, elas têm um raro senso de permanência, embora não necessariamente de atualidade. Mas quem precisa estar em dia com a sonoridade que mais agrada a críticos quando milhões de pessoas ainda recorrem a One e With or without you para curtir uma dor de cotovelo?

Seguindo essa linha, as três primeiras faixas de No line on the horizon provavelmente serão as memoráveis. Não é coincidência. Com uma ou outra exceção, em todos os discos do U2 as melhores e mais bem-sucedidas canções estão sempre até, no máximo, a quinta faixa. Formulaicos ou não, os irlandeses estão prestes a entrar na quarta década de inegável sucesso comercial. Com um constante senso de renovação, às vezes drástica, às vezes discreta, a banda consegue se manter relevante numa época de perturbadora urgência musical, com novos gênios revelados e descartados diariamente através da internet. Talvez porque façam música para pessoas mais maduras. Talvez porque sejam muito bons. Relevância do bom tipo, no fim das contas. Ou você consegue cantarolar alguma música do último disco do Killers?

"Back in black" - AC/DC

2009-07-15T15:35:00.011-03:00

É no mínimo incoerente que um fã do Nick Hornby possua um blog de música e nunca tenha publicado uma Top 5 List. Nada melhor do que corrigir esse equívoco com uma listinha útil, num estilo passo-a-passo. Chamaremos de Top 5 songs to get rid of an elbow pain.

1 - Forget her, de Jeff Buckley (vídeo)- Um dos estandartes da tristeza musical não poderia faltar num momento de suprema dor amorosa. Dessa vez, porém, ele está aqui para ajudar. Buckley fala tudo o que você precisa nesse momento, num tom lúgebre e respeitoso. Ele te permite demonstrar a dor, admitir que está chorando e que sente muita falta da mulher que partiu seu coração, mas deixa claro no refrão ("Don't fool yourself / She was heartache from the moment that you met her") que a culpa foi dela e de que ela não serve para você. Mesmo que isso não seja inteiramente verdade, é bom tentar acreditar cegamente, para fins de cura. Ainda assim, Forget her é só o começo; Buckley comete o erro de achar que está bem muito cedo, na primeira variável do fim do refrão ("Oh, I think I've forgotten her now"), para depois se entregar nos refrões subseqüentes ("She's somewhere out there now"). Algo como "já te esqueci, vaca", pra depois pensar "merda, ela deve estar se atracando com alguém nesse momento".

2 - Walk away, do Franz Ferdinand (vídeo) - Os roqueiros da geração 2000 mais simpáticos a uma pista de dança cometeram uma bela balada, em seu segundo álbum, com um verso genial temperado singelamente por um violão limpinho: "I love the sound of you walking away". A ironia da frase é amenizada pela melancolia da voz de Alex Kapranos e pelo jogo de imagens fortes da letra. Como na canção anterior, Walk away ainda mexe com a dualidade dos sentimentos, a confusão mental que atinge o sofredor. O Franz tem a receita para os momentos de fraqueza, em que você sente vontade de saber o que a ex-querida tem a dizer: "I cannot turn to see those eyes / As apologies may rise / I must be strong and stay an unbeliever / And love the sound of you walking away". Note a repetição do mantra que dá título a música. É difícil, meu caro, mas você tem que acreditar que ela não quer, não vai e não deve voltar. A banda ainda te dá um tapinha nas costas, finalizando a canção de forma pessimista, reconhecendo seus problemas e que você tem direito a tê-los.

3 - So beautiful, de Pete Murray (vídeo) - Essa é para aquela fase contemplativa, em que você já abandonou quase todo de afeto que tinha pela maldita. A sonoridade ainda é levemente deprê, com violões e orquestrações de teclado de churrascaria. É uma música de menina, pronto. A letra é pop inspirado, porém: "God my fingers burn, / Now when I think of touching your hair / You have changed so much that I don't know / If I can call you and tell you I care". Murray traduziu bem o que você está sentindo, aquele princípio de nojo somado à percepção de que aquela mulher que você amava mudou bastante. Newsflash, babaca, ela não mudou de verdade, provavelmente continua a mesma, é só um mecanismo de auto-defesa seu. Mas tudo bem, é válido. Tudo pela cura. Aliás, diga-se que, aparentemente, a mulher que o Pete Murray curtia realmente passou por uma transformação radical, mas música é um negócio aberto a interpretações. O próprio título da canção é uma pegadinha: parece uma ode à beleza de alguém, quando na verdade está inserida num verso agressivo, "You think you're so beautiful". E segue desencando a desgraçada, chamando-a de jogadora. Boa, agora você entendeu tudo.

4 - You could be mine, do Guns N Roses (vídeo) - Agora você já está definitivamente na vibe "aquela vaca não me merecia" e está pronto para o rock n roll. Chega de músicas com levadas light, você precisa de guitarras distorcidas e raiva no coração. Axl Rose e sua trupe te brindam com toda sorte de grosserias a serem ditas pra quem te deixou na merda. Sim, esse é o momento de perder a classe. O refrão resume tudo: "You could be mine / But your way out of line". Você é o prêmio, garotão, e não ela! O Guns aborda esse ponto, demosntrando que a garota tenta desfazer a cagada em vários trechos ("You can push it for more mileage / But your flaps are wearing thin"), além de abrir fogo contra todos os defeitos possíveis da ex-amada. Ela não precisa ser uma cocainômana como em You could be mine, mas com certeza tem milhares de falhas de caráter sobre as quais você desenvolver seu asco. A canção ainda tem poder reafirmador, logo em sua abertura, que te prepara para o próximo passo, que é voltar à batalha: "I'm a cold heartbreaker, fit to burn / And I'll rip your heart in two". Sim, é hora de se vingar do sexo feminino sem peso na consciência, afinal a culpa é dela. Toda dela. Nunca se esqueça disso. E foda-se se não for inteiramente verdade.

5 - Back in black, do AC/DC (vídeo) - A música que marcou o retorno da banda australiana, depois da morte do vocalista Bon Scott, é um hino do "sacode a poeira e dá a volta por cima". O riff de abertura, sozinho, já é um baita motivador: clássico, seco e cafajeste, ele é o resumo do que você precisa ser nessa última fase de cura da dor de cotovelo. A letra, então, é um primor para esse seu momento, já que pode ser vista com duplo sentido, como praticamente todo o repertório do AC/DC. No caso, eles falam de sobreviver, não morrer nunca ("Forget the hearse 'cause I'll never die / I got nine lives / Cat's eyes / Abusing every one of them and running wild"); deu pra entender ou quer que eu desenhe? Música de macho, porra, nada daquele choromingãozinho do Jeff Buckley! Experimente colocar essa música pra tocar antes de toda balada insana que você for pegar e entenda do que eu estou falando. O refrão complementa o serviço, com Brian Johnson berrando esganiçadamente "I'm back" várias vezes. Berre junto no carro, antes de sair, meu caro. Esse é o espírito. Você está de volta. De luto, mas de volta.

P.S.: Eu sei que já escrevi aqui que uma fossa deve ser curtida e de preferência aprofundada. Mas isso é um blog, não precisa de coerência jornalística, não importa o que ache o Gilmar Mendes. Assim, evite isso, isso e isso, pois essas canções podem botar por água abaixo todo o progresso que você teve com a Top 5 list. E, pelamordedeus, não escute isso. Aí é de volta à estaca zero.

"This charming man" - Morrissey

2009-04-23T21:37:00.005-03:00

Este moribundo blog volta de seu exílio com apenas um pequeno drops. Finalmente aconteceu: o Morrissey virou emo. Dêem uma olhada nessa inacreditável versão emocore de This charming man, clássico dos Smiths, apresentada pelo próprio criador num programa da BBC. Pior que ficou legal.

"505" - Arctic Monkeys

2009-02-09T21:52:00.004-02:00

Já disse em posts anteriores que eu tenho hábitos musicais estranhos às novas gerações. Um deles se deve a ter um som no carro que só toca CDs convencionais, nada de mp3. Além disso, costumo gravar o CD completo para ter no porta-luvas: sinto-me culpado por não pagar pelo disco oficial e compenso o artista apreciando sua obra por inteiro. Se, porém, eu de fato fizesse isto, ouvir o disco todo, não teria demorado tanto tempo para me viciar nessa canção que fecha o segundo disco dos Arctics, "Favourite Worst Nightmare" (2007).

Geralmente faço trajetos curtos de carro, portanto quando pegava o referido disco, acabava me concentrando nos petardos que o abrem, como Brianstorm, D is for Dangerous e Fluorescent Adolescent. 505, assim como outra que hoje é uma das minhas favoritas, Do Me a Favour, raramente ecoava nos falantes do Corollinha. Precisei assistir ao DVD "Live at the Apollo", quase dois anos após o lançamento do disco, para 505 me derrubar. Isso que ela também é uma das últimas do registro ao vivo a que, ainda bem, assisti inteiro.

Há elementos em 505 incomuns ao resto do trabalho dos Arctics: logo de cara, um tecladinho climático mostra que algo de diferente está por vir, o que se confirma com um primeiro verso melancólico de Alex Turner. A letra, aliás, é uma das melhores escritas pelo rapaz; especialista em ironias boêmias e crônicas da noite, ele escreve aqui de forma pungente e ao mesmo tempo singela sobre a saudade e a vontade de estar junto a alguém que se gosta. Chama atenção também que mesmo uma melodia mais trabalhada do que a média dos Arctics não segura o ímpeto verborrágico de Turner, valorizando ainda mais seu talento como letrista.

Em 505, porém, o instrumental não é apenas um complemento: ele define o andamento da história contada pela letra e os sentimentos de quem ouve. O teclado, o baixo pulsado, a guitarra cheia de flanger e bateria meramente metronômica vão envolvendo o ouvinte como pano de fundo dos devaneios de Turner até um interlúdio aos 2:05 de música. Ele arma, mas não prepara, para uma barulheira que vem com os doídos versos "But I crumble completely when you cry/It seems like once again you had to greet me with goodbye", com Turner abandonando os murmúrios anteriores e gritando com a urgência que só uma saudade desesperadora pode provocar.

505 acaba sendo um atestado da evolução dos Arctic Monkeys como banda e de Alex Turner como liricista. No primeiro disco, de 2005, os temas revolviam em torno de bebedeiras e tentativas, em geral fracassadas, de conquistar garotas e demonstravam pouca inventividade em termos de sonoridade. Em resumo, "Whateve People Say I am..." mostrava o enorme potencial dos Arctics, mas já era, em si, um puta disco. No segundo disco eles lidaram muito bem com as expectativas e fizeram outro baita CD, arriscando mais: as letras agora falavam das conseqüências que aquelas noites de deboche e do sucesso tiveram sobre suas vidas pessoais, com um universo ainda mais rico de personagens. Pode-se considerar que, quanto mais experiente, mais fundo você consegue mergulhar nas pessoas. E quanto mais velho, mais um músico se sente seguro para evoluir: 505 resume bem o que é o disco, por tudo isso.

P.S.: leia aqui a crítica no LARANJAS que fiz do show dos Arctics no Tim Festival 2007. E não, não lembro se eles tocaram 505.

"I am the resurrection" - Stone Roses

2009-01-21T23:10:00.004-02:00

Conheci os Stone Roses há alguns anos, quando resolvi pesquisar as influências do Oasis. Comprei um disquinho em tese insuspeito: The Complete Stone Roses (1995). Na verdade, a falecida loja Hot Music só tinha este e um disco de remixes. Fui sem medo na coletânea. Cheguei em casa estusiasmado, botei no meu sonzinho portátil e ouvi. E ouvi. E ouvi. Não desceu. Eu fiz força pra gostar, afinal sou fã de carteirinha do Oasis e, se os Roses eram uma influência tão grande, seria natural que o som me apetecesse.

Não foi o caso. Achei tosco, porcamente produzido, embora Fool's Gold tenha feito a minha cabeça. Ainda insisti e comprei o famigerado Second Coming (1994), segundo disco da banda, lançado cinco anos após o primeiro, quando já tinham perdido o momentum, como dizem os britânicos. Achei mais bem acabado, porém uma banda completamente diferente daquela da coletaneazinha. Apenas uma música entrou no rol das prediletas: Love Spreads.

Os Stone Roses acabaram saindo da minha discoteca básica. Volta e meia ouvia as duas canções citadas, como se insistisse que eu estava errado, que eu tinha que gostar da banda. Que fique claro que não é apenas o Oasis, mas um sem-número de entusiastas do rock britânico que coloca os Roses num pedestal. Não era possível, eu devia estar errado.

E estava. Ano passado, pesquisando material para escrever a resenha do disco mais recente do Oasis no Cotidiano (e aqui no blog, mais abaixo), encontrei um bom texto sobre as várias coletâneas lançadas pelos Stones Roses. Ou pelas gravadoras deles. E ali o resenhista dizia: não compre The Complete Stone Roses, as músicas são cortadas, a mixagem é vagabunda e você estará sendo logrado; compre The Very Best of the Stone Roses (2002). Segui o conselho. Quer dizer, não comprei, baixei. Outros tempos.

De fato, devo pedir desculpas a Ian Brown, John Squire, Mani e Remi. Que puta banda eles foram! Canções de pop perfeito (She bangs the drums, Made of stone, Waterfall, What the world is waiting for), longas viagens sonoras (I wanna be adored, I am the resurrection) e o hino máximo da geração Madchester, dessa vez em sua versão completa (Fool's gold). É importante dizer que as duas coletâneas têm algumas canções em comum, mas apenas no nome: em The Very Best, as mixagens e a produção estão de acordo com o que a banda planejava, refletindo a porra-louquice e a genialidade pop dos mancunianos, enquanto The Complete foi feito a revelia da banda, após uma guerra de contratos com gravadoras que acabou podando seu potencial.

No fim das contas os Stones Roses lançaram apenas dois álbuns, que geraram inacreditáveis cinco coletâneas. Após meu périplo de anos, percebo que só era necessário o The Very Best of para que esses caras do norte da Inglaterra entrassem pro rol dos meus favoritos. Sem falar que sem eles não existiria o Britpop e nem esse tal de indie-mainstream atual, já que os Roses foram uma das primeiras bandas que representaram essa dicotomia bizarra. Vale comprar. Ou baixar, vá lá. Outros tempos.

"Better" - Guns N' Roses

2008-11-28T18:27:00.002-02:00

Resenha originalmente publicada no site Cotidiano.
O segredo para melhor apreciar Chinese Democracy, o novo CD do Guns N’ Roses, é não ler nada a respeito dele. Quando uma obra tem 15 anos de histórias, controvérsias e expectativas nas costas fica complicado escapar de uma audição cheia de idéias pré-concebidas. Se quiser parar de ler esta resenha por aqui, portanto, fique a vontade, é até melhor.

Continuou? Pois bem: Chinese Democracy é um disco mediano. Não é mediano, porém, porque não tem o Slash, ou porque a voz do Axl Rose mudou, ou porque algo que levou mais de dez anos para ser feito deveria ser bem melhor. É mediano simplesmente porque há algumas faixas boas, umas ruins e outras meia-boca: não há nada excepcional, mas também não há nada há se lamentar.

O problema é que Axl paga um ônus por ser quem é e, principalmente, por insistir em usar a marca Guns N’ Roses: a curiosidade pelo disco mais enrolado da história gerou uma expectativa enorme. Não à toa, o Myspace do grupo bateu o recorde histórico de acessos, com mais de 70 milhões de audições das faixas. É irônico que uma banda vista como ultrapassada, antiga e datada tenha dominado a forma mais usada pelos seus colegas modernos para divulgar música.

Outro Guns N’ Roses

É um equívoco esperar de Chinese Democracy algo parecido com o Guns dos idos dos anos 80. Querer que um sujeito, principalmente um artista, se interesse pelas mesmas coisas aos 25 e aos 45 anos de idade não tem o menor cabimento. Some a isso ao fato óbvio de que a banda não é composta pelos mesmos sujeitos e é possível começar uma análise limpa do negócio.

Porém, pode-se ver o disco novo como uma evolução do que foi mostrado em 1991, com os dois Use Your Illusion: baladas no piano, letras pessoais, orquestrações de sintetizador, sonoridade épica, está tudo lá. O natural seria ter havido uns três ou quatro discos nesse ínterim, mas o crescente domínio que Axl já demonstrava ter sobre a banda à época leva a crer que Chinese Democracy inevitavelmente estava no caminho do Guns N’ Roses.

Ou talvez não. Difícil crer que Slash e Izzy Stradlin gravassem guitarras como as que estão em Chinese Democracy. Cinco guitarristas são creditados, mas o grosso do trabalho foi feito por Buckethead e Robin Finck, músicos mais alinhados com rock industrial ou instrumental e, desculpem-me os xiitas, melhores tecnicamente que os originais. O que o Guns N’ Roses perdeu em feeling e harmonias voltadas para o hard rock ganhou em possibilidades de exploração de timbres, distorções e velocidades. E não perdeu nada em peso, muito pelo contrário. O melhor momento do disco, “Better” lembra bastante o que a geração nu-metal tinha de melhor: ritmo quebrado, distorções sujas e peso, muito peso.

Faixas pesadas se destacam

Com o perdão do trocadilho, seria melhor se as outras faixas fossem parecidas com “Better”. O disco não tem uma unidade: “If the world”, por exemplo, tem um groove de guitarra que não faria feio num disco do Justin Timberlake. As baladonas, já presentes na era Use Your Illusion, dominam Chinese Democracy, mas sem o brilho de outrora. Mesmo músicas que ensaiam enveredar pelo peso acabam tendo intervenções de pianos, orquestras ou mesmo momentos líricos do vocalista. Nem por isso são ruins: o rock n roll não precisa ser maniqueísta.

As melhores canções do CD são as que carregam no botão de ganho do amplificador. “Chinese Democracy”, “Shackler’s Revenge” e a já citada “Better” fazem as honras de abrir o disco numa seqüência veloz e pesada. Muralhas de guitarras, com pequenos solos incluídos em vários trechos e vocalizações clássicas de Axl qualificam as faixas, com um pouco de boa vontade, para o rol do que de melhor o Guns já fez.

Um novo começo

O ideal, contudo, é não misturar as coisas. Axl Rose decidiu fazê-lo, mas nós não precisamos: Chinese Democracy deve ser visto como o primeiro trabalho de uma banda nova. Uma banda nova com enorme potencial, é bom que se diga. Ter quem tem como vocalista, frontman e compositor é um diferencial competitivo bastante relevante numa geração do rock carente de sujeitos ao mesmo tempo iconoclastas e talentosos. Resta torcer para que ele seja um pouquinho mais produtivo.

"Janta" - Marcelo Camelo & Mallu Magalhães

2008-11-24T23:15:00.002-02:00

Vi hoje a foto no UOL em que Marcelo Camelo, 30, e Mallu Magalhães, 16, assumem que estão namorando. Ela me fez lembrar uma expressão em inglês que eu gosto bastante, mas não sei daonde peguei: this is so wrong on so many levels. A cara de idiota dela, a cara (excessivamente barbada) dele de babão, os violões... Sério, tá tudo errado e perturbador.

Não é questão de puritanismo: se eu tivesse restrições a condutas sexuais anormais não cursaria jornalismo na UFSC. Não é a enorme diferença de idade que me incomoda, mas sim o contexto. Mallu tem 16 anos, é perfeitamente compreensível que se apaixone por um compositor cult e que sofre por amor como Marcelo Camelo. Às vezes esquecemos que meninas, por mais maduras e/ou cult que pareçam ser, no fundo são só meninas. Falando português claro: é normal que ela queira dar pra ele.

Como é normal o Camelo querer comer uma menina de 16 anos. Às vezes esquecemos que homens, por mais insuportavelmente chatos e/ou intelectuais que pareçam ser, no fundo são só homens. Só que o negócio deveria parar na sacanagem; em vez disso, o Humbert Humbert do indie nacional resolve assumir o namoro, com cara de quem está apaixonado. Ou seja, ele admira a Mallulita. Ou seja, ele, compositor de qualidade reconhecida, admira musicalmente num nível pessoal a menina que escreveu Tchubaruba. So wrong...

Marcelo Camelo acaba entrando pela porta dos fundos numa longa linhagem de roqueiros que se aproveitam do violão no backstage para pegar menininhas. Nenhum, no entanto, namorava uma delas publicamente. Tudo bem, eles parecem ter bastante a ver, mas podiam ter ficado tchubarubando sem fazer alarde. Se você não está convencido o bastante do quão bizarro é isso tudo, imagina aquela barba toda... Não, não, parei.

"The shock of the lightning" - Oasis

2008-10-14T21:59:00.003-03:00

O Oasis tem um sério problema: era bom demais no começo da carreira, mais especificamente nos dois primeiros álbuns (Definitely Maybe - 1994 e What's the story morning glory - 1995). O sentimento que fica a cada novo lançamento é o de que eles poderiam fazer coisa bem melhor, pois, afinal das contas, já fizeram coisa bem melhor. Os quatro trabalhos subseqüentes tinham faixas que remetiam aos épicos sons dos primórdios, mas nada tão bom quanto Live forever ou Champagne supernova. O quinto, o recém-lançado Dig out yout soul, não foge à regra.

O primeiro single, The shock of the lightning, é um rockão acelerado que mostra que Noel Gallagher, guitarrista e principal compositor da banda, não perdeu a mão. A canção tem a pegada da banda, com o fraseado de guitarra típico, vocal desleixado e até a obrigatória referência aos Beatles, mas, infelizmente, não é melhor que Supersonic. Na boa, não é melhor nem que Hindu times, do fraquinho Heathen Chemistry (2002). Mas é uma baita música. Deu pra entender? Não? Passemos ao segundo single, então.

I'm outta time é uma balada inspiradíssima, escrita por Liam Gallagher, vocalista da banda. Se Liam já escancarou há tempos sua pretensão de ser John Lennon, aqui a coisa chega a níveis assustadores, vocalmente e estilisticamente falando. Os backing vocals parecem ser feitos pelo homem, que aparece, de fato, num sample de entrevista ao fim da faixa, encerrada de forma meio etérea, como se justificasse a voz do além. A letra é bonitinha, mas ordinária, como as que o ex-beatle compunha para a Yoko. Resumindo, uma bela canção de amor, mas, infelizmente, não é melhor que Wonderwall ou que a lindíssima Songbird, também escrita por Liam e também do fraquinho Heathen Chemistry. Agora deu para entender, não?

O Oasis vai ser eternamente comparado a si próprio. É impossível expulsar da mente os clássicos dos primeiros tempos ao analisar um novo álbum da banda. Além de tudo, eles mantém uma sonoridade fundamentalmente parecida, apenas um pouco mais lisérgica e elaborada, o que dificulta ainda mais o afastamento necessário para uma audição isenta. Dig out your soul, para completar, realmente não é grandes coisas, não tem uma canção verdadeiramente memorável. Neste último aspecto, perde até para o disco anterior Don't believe the truth (2005), que tinha a viajante Turn up the sun e as pub-rocks Lyla e The importance of being idle, que tiveram inclusive boa rotação radiofônica.

Nada disso, porém, deve importar para os fãs. A legião de seguidores do Oasis é fiel e já comprou centenas de milhares de cópias do disco em menos de uma semana de lançamento. Um ponto positivo do disco é que suas canções parecem que devem funcionar ao vivo, principalmente as faixas de abertura Bag it up e The turning e os já citados singles, onde os rapazes de Manchester brilham. O sucesso de suas performances se deve em parte à boa receptividade que seus fãs demonstram em relação a canções novas, mas de sobremaneira à forma apaixonada que os fãs cantam seus grandes clássicos. Aqueles, dos dois primeiros discos. Entendeu?

"Anna Júlia" - Los Hermanos

2008-10-08T21:44:00.006-03:00

- Não me conformo que tu goste de tanta música melancolicazinha e não goste de Los Hermanos!

- Eu gosto de Anna Júlia, não serve?

Não, não servia. Minha interlocutora fez uma cara de desprezo e disse que desistia de mim. Não deu nem tempo de me defender. Se tivesse dado tempo, eu diria "pô, mas Anna Júlia é melancolicazinha pra cacete!" O maior sucesso dos Los Hermanos (hehehe) é um exemplo bem claro de canção triste disfarçada por um arranjo alegrinho. E, no caso, pelo "uôuôuou". A letra deliciosamente loser ficava em segundo plano enquanto todo mundo dançava bêbado no carnaval de 2000 para uma das duzentas versões axé que foram feitas para a música.

O clássico dos clássicos das músicas falsamente alegres é Help, dos Beatles. John Lennon escreveu uma canção bastante pesada sobre todas as mudanças pelas quais sua vida estava passando com a beatlemania, mas, dizem os alfarrábios do rock, foi obrigado por Brian Epstein a dar um ritmo acelerado e animado. Ironicamente, exatamente o tipo de coisa que deixava Lennon inseguro e pressionado e que o motivou a escrever a música. Outro exemplo é Apenas mais uma de amor, do Lulu Santos, com um baita arranjo de violão de 12 cordas, bastante inspirador e romântico, mas com uma letra tristinha que fala da falta de coragem de declarar um sentimento.

Voltando aos Los Hermanos, não há grandes explicações. Como já disse no post sobre o Hootie & The Blowfish, no fim das contas, música é uma mera questão de gosto. Quando você escuta, ou desce ou não desce. Assim, sem grandes teorizações ou elocubrações. Quando escuto as canções dos caras até acho agradáveis, mas nada que me faça querer ouvir de novo no carro ou quando chego em casa. Usando o tipo de comparação que fiz naquele texto, a banda carioca, para mim, é como uma mulher bonita e sem-sal: legalzinha, mas que não desperta aquela vontade de tocá-la. Exceção feita à Anna Júlia, claro; ô carnavalzinho bom aquele de 2000...

"Pretty vacant" - Sex Pistols

2008-10-04T13:55:00.004-03:00

A música, mais especificamente o rock, é a única forma de arte contemporânea em que "revolucionar" significa "tornar mais acessível". A literatura também poderia se encaixar nesse conceito, mas não tem mais o poder transformador, hoje em dia, que a música ainda tem. No cinema, quanto mais inexplicável for um filme, quanto mais ignorante você se sentir ao assisti-lo, tenha certeza que o diretor será taxado como gênio. Moda? Se não der pra usar na rua ou numa festa com pessoas normais, é tudodibom! Em relação a pintura, escultura e congêneres, bom, isso só tem relevância para meia dúzia de pessoas que, quando entram num museu, surtam por não conseguirem concluir se a cesta de lixo é só uma cesta de lixo ou uma instalação conceitual.

Não há melhor exemplo disso que os Sex Pistols, banda fabricada para romper com os padrões vigentes do rock na segunda metade dos anos 70, que mudou a história, não só da música, mas da sociedade moderna, com apenas um disco (Never Mind the Bolllocks, 1977). À época, o rock sofria das conseqüências nefastas da mistura do que houve de pior nos anos 60 e 70: as misturas lisérgicas com a cretina pretensão de que os artistas eram deuses e podiam tudo. Isso gerou coisas absolutamente horrendas, como o Yes, o Emerson, Lake & Palmer e as egotrips do Pink Floyd que culminaram no The Wall (1979). Em Nova York e Londres, turminhas sem comunicação entre si decidiram que estavam de saco cheio dessa merda toda, aprenderam a fazer power chords em guitarras e começaram a fazer música. Música tosca, fuleira e suja, mas, e o ponto é esse, acessível.

Como acessíveis também eram os ídolos punk: você podia ir num show e cuspir em gente como Iggy Pop, Joe Strummer e vários Johnnies (Rotten, Ramone, Thunders...); bêbado, podia ir no banheiro e dar de cara com Debbie Harry e Chris Stein fazendo sexo, Sid Vicious e Nancy Spungen se drogando ou tudo isso misturado. Era um bando de idiotas inconseqüentes que, nas horas vagas, tocavam e compunham o mais rápido possível para que tivessem mais tempo para se dedicar à idiotia inconseqüente. Ainda assim, têm muito mais influência e relevância cultural até hoje do que seus predecessores que passavam horas masturbando teclados e lançavam discos conceituais que precisavam de manuais para serem compreendidos.

Assim foi também o Nirvana, que liderou a revolução dos anos 90, o tal do grunge. No caso, chegaram chutando a geração poser dos anos 80, gente como Poison, Motley Crue, Bon Jovi e outros sujeitos de cabelo armado e notas excessivas na guitarra. De novo, trouxeram a proximidade e a acessibilidade, dando voz a um enorme contingente de moleques que não se identificava com aquela egolatria toda. Os famosos "losers", tão bem descritos por Beck. Embora fossem tecnica e liricamente melhores que os punks originais (vide isso aqui), os grunges também apostavam na simplicidade musical.

Cultura tem que ser acessível. É bobagem achar que o Fulano da Silva, que criou uma escultura inovadora, ou Beltrano de Souza, que lançou uma linha de vestidos com cortes extravagantes, ou Sicrano de Almeida, que dirigiu um filme-conceito sem diálogos, todos os três financiados por dinheiro público, têm algum efeito prático sobre o nosso dia-a-dia. A música é o que é o nos move, que ainda pode nos influencia a tomar decisões cotidianas e importantes, desde ligar para alguém com quem você gostava de ficar ao som de Zero 7 ou votar num cara que tem idéias diferentes porque acabou de ouvir Neil Young. Música boa é que mexe com a gente, sem grandes explicações. E sem precisar ser explicada.

"Sex on fire" - Kings of Leon

2008-09-17T00:18:00.008-03:00

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Eu pretendo (e vou) escrever algo mais elaborado sobre essa música, mas não podia perder mais tempo em indicá-la para a meia dúzia de leitores desse blog. Por enquanto: puta que pariu, que sonzasso!

Dois dias depois:

Taí, achei o mote para o texto: o baixo pulsado. Perceba como a execução das notas do baixo não tem firula nenhuma e casam perfeitamente com o tempo da música. O que nos leva a um segundo ponto: "Sex on fire" fala, óbvio, de sexo. Mais que falar, através da letra, ela remete a sexo. E aí, tchantchantchan, entra o tal do baixo pulsado.

Pensei em algumas músicas para dar como exemplo e algumas me vieram rapidamente: "With or without you" do U2, "Is this love" do Whitesnake e "Make it wit chu" do Queens of the Stone Age. Todas falam de sexo, todas usam o baixo pulsado. "Ah, mas a do U2 e a do Whitesnake não são musicas sensuais", pode reclamar a incauta leitora. Tudo bem, para ela provavelmente o conceito de música sexy remete ao Justin Timberlake, inexoravelmente ligando isso a sexo.

Antes de mais nada, leia a letra de "My love", do cara, e diga-me aonde tem sexo. Leu? Ok. Pode ser sexy dançá-la com alguém, o Justin pode ser um cara boa-pinta, mas a sua temática não é o sexo. KoL, U2, Whitesnake e QOTSA sim, falam, cada um a seu modo, de sexo. E sempre com o tal do baixo pulsado.

A grande diferença é que a abordagem dessas bandas em relação ao tema é muito mais adulta. A música-tema deste post fala basicamente de tesão. O U2, uma banda de carolas, da dor física de não saber se um relacionamento com uma puta química é o bastante. O Whitesnake é pura cafajestagem. E o QOSTA, bem, é sobre tudo isso junto, mas sussa em relação ao negócio ser o bastante. Como se vê, leituras adultas de sujeitos adultos e bem-resolvidos. Nada cretino do naipe de "não posso esperar para me apaixonar por você", com uma porra dum baixo cheio de guéri-guéri. Baixo pulsado, Justin, baixo pulsado.

"Even better than the real thing" - U2

2008-09-12T18:58:00.005-03:00

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Resenha originalmente publicada no site Cotidiano, onde estou trabalhando
Ver sua banda favorita de perto, num show, é algo simplesmente fantástico. Assistir ao U2 no Morumbi, em 2006, me marcou bastante. Ver a mesma banda de muito perto, num cinema 3D, não é tudo isso. U2-3D, em cartaz no Floripa Shopping, é uma experiência inusitada. O filme tem o mérito de transformar um mega-concerto numa situação intimista, fazendo com que o espectador se sinta dentro do palco, lado a lado com Bono, Edge, Adam Clayton e Larry Mullen. Agora, quem disse que isso é uma coisa boa?

O problema é que o U2 é grande demais. Tudo que envolve a banda tem proporções exageradas e seus shows são o ápice dessa grandiosidade. Não é possível, portanto, capturar por completo o espetáculo visual e sonoro oferecido num estádio e traduzi-lo para uma sala de cinema. Além disso, não dá para pular durante “Vertigo” ou acender um isqueiro na execução de “With or without you”, entre outras peculiaridades de concertos ao vivo. Deve ser o primeiro problema que o U2 encontra por ser uma banda de arena. Quem sabe uma apresentação de João Gilberto em 3D fizesse mais sentido.

Claro, a comparação que estou fazendo não é devidamente aplicável. Chega a ser covardia comparar um evento para 80 mil pessoas com um para 200. Talvez fosse mais adequado colocar U2-3D ao lado dos DVDs ao vivo já lançados pela banda. Ainda assim, sai perdendo. A direção de Hamish Hamilton, principalmente no DVD “U2 Go Home: Live from Slane Castle”, é sempre primorosa, fazendo com que os registros em vídeo da banda irlandesa sejam o que há de melhor no mercado. Para o show em três dimensões, porém, foi contratado Mark Pellington, que tinha como cartão de visitas o famoso vídeo do búfalo de "One", um trabalho basicamente de edição. Considerando que Pellington teve nove shows, além de uma performance sem público filmada na Argentina, para transformar em 85 minutos de filme, ele podia ter feito coisa melhor.

O melhor de U2-3D está no som. Nesse caso, sim, é possível se sentir como num concerto. A mixagem dos instrumentos, vocais e reações do público foi muito bem feita, com excelente distribuição pelas caixas acústicas da sala de cinema. A única falha foi a decisão de, em alguns momentos, cortar totalmente o barulho da platéia, mais uma vez tentando forçar passagens intimistas. Mais uma vez, não funciona. A seleção do repertório também foi acertada, privilegiando clássicos dos quase trinta anos de carreira de Bono e cia. Interessante registrar que dá pra cantar alto junto no cinema, pois ninguém vai te mandar calar a boca por estar atrapalhando o filme.

No fim das contas, se você não for um fã chato e muito exigente como eu, vale o ingresso. O U2 faz um dos melhores shows ao vivo da atualidade, misturando espontaneidade e teatralidade na medida certa, e essa é uma oportunidade de ter um gostinho do real thing. Não é melhor, porém. No mínimo, vale a curiosidade de ver um filme em três dimensões, aproveitando que a sala do Floripa Shopping é uma das dez únicas com essa tecnologia no Brasil.

"I kissed a girl" - Katy Perry

2008-09-07T20:43:00.006-03:00

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Na boa, e depois? Qual será o próximo passo da srta. Perry após sua confissão de que deu umas bitocas em outra menina ter virado hit mundial? Ela lançou uma musiquinha bem mixuruca e normalzinha, mas não é a isso que me refiro. Hoje, a californiana de 23 anos é a safadinha que beija amiguinhas e faz videoclipes de espartilho; mas, repetindo, e depois?

Provavelmente Katy está cagando para isso. No momento ela deve estar curtindo a vida na estrada, enchendo a cara e pegando meninos meio gays e meninas que gostam de experimentar. Eu, no entanto, fico curioso pra saber da continuidade da carreira da cantora, pois, como já abordado no post sobre o Mystery Jets, ainda tenho vícios ultrapassados de mercado fonográfico.

Katy Perry pode continuar nessa vibe de polêmica de patricinha americana. Quem sabe seus dois próximos álbuns chamem-se, em seqüência, I'm only doing girls now e I was wrong, all I needed was some serious deep-dicking, com singles alusivos a essas temáticas. De I'm only..., viriam os megahits "Cherry chapsticks on naughty places" e "Drunk chicks rule", além de uma cover de "The Blower's Daughter" em parceria com Ana Carolina. De I was wrong... estourariam a balada "Fingers aren't that fulfilling", a confessional "U weren't so gay e and I wasn't so lesbian after all" e a dançante "Damn I missed being nailed". Tudo isso antes de ela completar 25 anos, para ainda manter alguma aura de ninfeta. E com clipes vestindo espartilhos.

Falando sério, a música-título deste post provavelmente não dura mais dois meses. É legalzinha, divertida, mas é descartável pra cacete. Talvez dure um pouco mais em festinhas, baladinhas, etc., com DJs babões tentando incentivar pegadas entre meninas. Nada contra, aliás, muito pelo contrário, acho que Katy Perry é uma pioneira e defende uma causa bastante louvável. Meu único medo é que essa moda lesbian-chic se espalhe e as mulheres finalmente descubram como mulher é bom. Seria o fim da raça humana.

"Nicest thing" - Kate Nash

2008-09-02T21:59:00.004-03:00

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Tem coisas que só uma adolescente apaixonada pode fazer por você, e não estou falando de um monte de sacanagens das quais se arrependem profundamente mais tarde. A inglesa Kate Nash demonstra que apenas uma menina pode compor e cantar uma música sobre amor platônico de forma melancolicamente bela. Quando se trata de um marmanjo, ou a coisa fica meio stalker ou simplesmente patética. Chame de machismo; eu chamo de peculiaridades dos sexos.

A canção tem uma instrumentação soturna, consistindo apenas de um violão dedilhado acompanhado de um violino (Damien Rice, alguém?). A beleza, porém, está na letra. Kate, hoje com 21 anos, diz de forma desconcertantemente direta uma série de frases que refletem o estado de espírito de alguém que sofre de uma paixão platônica. Expressa uma série de vontades que aparentemente ela não tem coragem de botar em prática, geralmente coisinhas meigas, mas cantadas (e acompanhadas) de forma tão triste que fica impossível considerá-la bonitinha. O genial verso "I wish that you knew when I said two sugars / Actually I meant three" é uma verdadeira aula de insegurança adolescente.

Interessante, também, é que essa canção funciona como um contraponto ao resto do disco de estréia de Kate, Made of Bricks, de 2007. Repleto de faixas animadas e desaforadas contra ex-namorados, o disco colocou a cantora lado a lado com Lily Allen, outra pós-adolescente inglesa que adora abordar esse assunto. Lily, porém, não tem nenhuma composição em que expõe sua fragilidade de forma tão clara como Kate faz em Nicest thing. Ela fica, porém, escondidinha na última faixa de Made of Bricks, como se quisesse camuflar a garota sensível por baixo da fodona vingativa. Mulheres...

"Sleep now in the fire" - Rage Against the Machine

2008-08-17T19:48:00.003-03:00

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Recentemente (re)descobri essa música do Rage por uma reportagem produzida por uma colega do Jornalismo, que continha o explosivo riff inicial na abertura. Confesso que pensei se tratar de algo do Hives ou do Vines, da primeira leva da geração 2000, porque era bem familiar e agradavelmente datado. Informado pela menina que produziu a matéria que a canção era de Zack de La Rocha e trupe, pensei "puta merda, é mesmo, o riff é do caralho, como não lembrei do Rage?" Bom, pelo menos eu acertei que era algo datado.

De fato, o Rage é muito bom, mas é bem anos 90. Embora (segura que lá vem clichê) os temas que abordavam continuem bastante atuais, é uma banda que fez sentido num momento em que o mundo estava assustado com um negócio chamado globalização, por saber traduzi-la para a geração MTV de forma pesada, mas pop. Eles ainda se aproveitaram da primeira onda de anti-americanismo que durou até o 11 de setembro, quando a banda já tinha se dissolvido. Só foram voltar em 2007, com a retomada com força da repulsa mundial à política internacional ianque. Coincidência?

Escutar Killing in the name em público, por exemplo, chega a ser constrangedor. Claro, quando eu tinha 14, 15 anos era legal, mas hoje não dá mais. Certas canções têm um limite de idade para serem apreciadas sem restrições e esse clássico já teve sua validade expirada comigo há um bom tempo. Tenho essa relação também com o hardcore, já que não me sinto confortável escutando quarentões que ainda se vestem como adolescentes falando do amor e da vida de forma completamente pueril (vide Pennywise, Millencolin, Charlie Brown Jr., etc.), embora goste da distorção exagerada. Tanto gosto, que tolero ouvir alguns expoentes emo (Panic At The Disco e Fall Out Boy), mesmo porque eles são adolescentes e, portanto, têm direito de serem pueris. E, aparentemente, não andam de skate, o que conta muitos pontos.

"Chelsea Dagger" - Fratellis

2008-08-01T20:41:00.002-03:00

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- Tio Bruno, põe a música do "tchururu"?

Esse foi o pedido da minha sobrinha de quase cinco aninhos quando entrou hoje no carro. Há alguns dias eu estava assistindo o DVD ao vivo do Fratellis, mais especificamente a canção-título deste post, quando a pequena surgiu na sala e começou a dançar e repetir o "tchururu". E assim ficou por algum tempo, mesmo depois de eu desligar o aparelho. Pelo jeito, o som dos escoceses ficou na cabeça dela. Dei um sorriso e pensei que aquela era a prova final da qualidade da música.

Não que a minha sobrinha seja uma profunda conhecedora de música. Ela sabe de cor todas as músicas dos Backyardigans e das princesas da Disney, mas, enfim, divago. Refiro-me ao fato de que o objetivo das canções do Fratellis é a pura e simples diversão, com toda a cara de pub britânico. Música pra sorrir, cantar junto e tomar uma cerveja. Mais ou menos o que fez a Rafaela, só trocando a cerveja por um suquinho de pêssego. E como criança é um ser altamente exigente no que tange à diversão, afinal é a razão de ser dela, eu digo "cheers, Fratellis!"

Espero estar influenciando o gosto musical da pequena. Outra que ela gostou quando apresentei foi Smile, da sumida Lily Allen. Canta junto a letra e tudo. Porém, acho que por enquanto ela não pode ser classificada como a indie mais jovem do mundo. Mostrei a ela a minha favorita do Fratellis, Whistle for the choir, e ela não deu a menor bola, preferindo brincar com uma de suas várias Uniquas. O negócio é ir aos poucos, acho. E mantê-la longe das FMs.

"Let her cry" - Hootie & the Blowfish

2008-07-25T16:09:00.003-03:00

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O Hootie & the Blowfish faz parte de uma vertente essencialmente americana do rock, que costumava fazer grande sucesso por lá principalmente nos anos 90. Ao lado de bandas como Matchbox 20, Counting Crows, Goo Goo Dolls e Dave Matthews Band, além de artistas como John Mayer e Sheryl Crow, o Hootie explodiu em 1994 com canções perfeitamente produzidas, a ponto de parecerem não ter feeling nenhum. Não que os músicos sejam virtuoses, mas o excesso de zelo nos arranjos e nas gravações era o fator em comum dessas bandas, surgidas principalmente através das rádios universitárias americanas.

A freqüente acusação de que são exclusivamente comerciais me parece injusta. Let her cry, por exemplo, tem uma bela e dolorosa letra, falando de um amor perdido para o álcool e as drogas, tema bastante explorado por essa turma. Uma peculiaridade é que é possível perceber que as drogas geralmente são leves, em geral a maconha. Bandas universitárias, público universitário, já viu... A canção-título desse post também apresenta um bom trabalho de violões e guitarras com acordes abertos, característica desses ianques que não gostam muito de distorção.

Hootie e seus colegas levantam a questão da autenticidade no rock. Até que ponto a perfeição técnica pode prejudicar a transmissão do que o compositor está tentando passar através da canção? É inegável que as mais de 16 milhões de cópias vendidas do disco de estréia do Hootie demonstram que as composições conseguiram atingir, sim, algumas pessoas. De qualquer forma, é interessante a comparação com um contemporâneo desse pessoal, Jeff Buckley (que já abordei neste blog). Jeff era um compositor e intérprete fantástico, fazendo o ouvinte vivenciar e sentir as letras, só que com produção e arranjos mais despojados e menos ortodoxos, embora também muito bons. Outro ponto é se devemos acreditar na veracidade dos sentimentos dos compositores, de forma generalizada. É uma questão complicada, que, se aprofundada, pode mudar nossa percepção em relação à música. Prefiro, portanto, não pensar muito nisso.

No fim das contas, a grande questão acaba sendo você, o ouvinte, se identificar com a canção ou não. Os acordes podem provocar reações em você, a letra pode fazer lembrar de alguém especial, enfim, quem acaba definindo o poder do compositor somos nós, que ouvimos o que ele tem a nos dizer. O que reduz a música a algo que muita gente não aceita: uma mera questão de gosto. Costumo fazer a seguinte comparação: você deve ter um amigo que se apaixonou perdidamente por alguém que simplesmente ninguém entende como isso pôde acontecer. Se você questioná-lo a respeito, ele vai te dizer algo como "sei lá, eu gosto dela pra caralho" ou "sei lá, ela tem alguma coisa que mexe comigo". É mais ou menos assim com a música, às vezes é inexplicável. Claro que isso não conta para pop pré-fabricado a la Britney Spears: aí é como se apaixonar por uma prostituta porque ela é boa de cama.

"Hold me, thrill me, kiss me, kill me" - U2

2008-07-22T21:05:00.006-03:00

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Fui assistir ao filme novo do Batman, O Cavaleiro das Trevas, hoje e, para entrar no clima, botei no carro o CDzinho da trilha sonora do Batman Forever, que tinha essa canção do U2 como carro chefe, junto com esta outra aqui. Talvez seja o que de mais pesado Bono e cia. já compuseram, com um riff marcante tocado várias vezes e uma frasezinha de guitarra bem legal na ponte para o refrão. Acho um puta sonzasso, embora hoje me soe bastante datado. A vibe é totalmente a da fase Achtung Baby / Zooropa /Zoo TV: exagerada e com uma letra que questiona a fama e o showbusiness. Ou seja, perfeita para um filme do Batman da época escrota do Joel Schumacher.

Esse post, porém, é mais pra perguntar que fim levaram as trilhas sonoras comerciais de filmes, como se fazia na década passada. Fazia parte da estratégia de marketing de TODO blockbuster bombar um clipe na MTV algumas semanas antes do lançamento da película e descarregar os CDzinhos nas lojas pra deixar a molecada ávida para ir ao cinema. Exemplos? Se você viveu os anos 90, certamente vai lembrar de: Armageddon, Titanic, Filadélfia e, pra não ficar só em coisa ruim, Pulp Fiction. Não havia como fugir dessa canções, principalmente da insuportável Celine Dion, na TV, em shopping centers, consultórios e na casa daquela sua tia que não se conformava com a morte do DiCaprio no fim do filme.

Os motivos desse sumiço são razoavelmente óbvios: a MTV morreu, os CDs morreram e até os blockbusters estão passando por uma série crise de identidade. As trilhas mais comentadas dos anos 2000, puxando pela memória, foram de filmes independentes, Juno e Voltando pra Casa, com repercussão infinitamente menor do que as de antigamente (isso que não estou comparando com Grease, Embalos de Sábado à Noite e Fame, entre outros musicais clássicos, porque daí seria covardia). Ah, e teve Closer também, mas era só uma música que, embora belíssima, perdeu parte do brilho ao ser completamente avacalhada por Seu Jorge e Ana Carolina.

Os próprios blockbusters, hoje centrados justamente em adaptações de histórias em quadrinhos, abandonaram as trilhas cheias de figurões. Os Batmans de Tim Burton e Joel Schumacher sempre tiveram disquinhos cheios de grandes nomes, com canções que tocavam em alguns momentos dos filmes. Há um clipe do Prince vestido de Coringa com uns dez dançarinos vestidos de Batman rebolando atrás dele. Os de Christopher Nolan, por outro lado, têm apenas trilhas sonoras incidentais compostas por músicas feitas especificamente para acompanhas determinadas cenas, criando a atmosfera. E há que se concordar que o tenebroso e fascinante Coringa de Heath Ledger não seria uma boa inspiração para um clipe com coreografias.

No entanto, a mudança mais importante no marketing dos filmes foi o foco voltado para a Internet. Ações específicas como a divulgação gradual de teasers e trailers, sites provocadores e promoções ao estilo de caça e tesouro fizeram parte da estratégia de O Cavaleiro das Trevas. Tudo começou, alías, com a divulgação de uma foto sinistra do Coringa, há quase dois anos, que originou todo o hype em cima da atuação de Heath Ledger. Até a repercussão da profundamente lamentável morte do ator pode ser colocada na conta da internet, por ter tido seu desenrolar acompanhado intensamente por portais eletrônicos de notícias de todo mundo. Pensando bem, tudo isso é realmente bem melhor que colocar o Prince maquiado dançando na MTV.

"Young love" - Mystery Jets

2008-07-19T10:14:00.001-03:00

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Como se mensura o sucesso de uma banda ou de uma canção hoje em dia? Pergunto isso porque esses dias me peguei pensando a respeito disso quando ouvia Young love, dos ingleses do Mystery Jets. Ainda tenho a dinossáurica mania de pensar "como um sonzasso desse não toca nas rádios?", coisa da geração dos anos 80 pra trás. Claro que eu sei como funciona o esquema para uma música ganhar air-time no dial, mas ainda é um reflexo natural. Pateticamente, cheguei a me questionar porque ela não entra na trilha sonora da Malhação, ou raio que o valha.

Young love é boa demais, não conheço nenhuma pessoa que tenha ouvido e não gostado, mas a questão é o alcance. Em tempos de downloads "gratuitos", é impossível saber de fato quantas pessoas a canção atingiu. Ainda há alguns mecanismos, no caso do indie, como número de execuções em determinados programas da Radio 1 da BBC, a parada de singles britânica, visualizações no MySpace, lotação dos shows, etc., mas o termo "sucesso" em si definitivamente não tem mais o mesmo sentido de outrora.

Quem sabe estejamos chegando numa época em que sucesso se mede pela qualidade. Quando quase a totalidade das rádios aposta no popularesco e menospreza, com certa dose de razão, a inteligência dos ouvintes, resta-nos a internet para pesquisar e descobrir coisas boas que andam surgindo por aí. Sempre tem uns retardados que fazem blogs cujo implícito é divulgar boa música, sem não ganhar absolutamente nada em troca a não ser o reconhecimento dos amigos. Coisa de music snob. Você conhece algum blog assim?

"You could be mine" - Guns N Roses

2008-07-10T20:58:00.003-03:00

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Se você me perguntar, hoje, qual tipo de música eu mais escuto, responderei "rock indie" sem maiores ponderações. Não é porque é cool ou porque eu faço jornalismo, é porque eu gosto mesmo. Costumo dizer que o primeiro disco dos Strokes (Is this it, de 2001) salvou a minha vida musical de ser fadada a ater-se a rock feito antes de eu nascer e baladas pop. Gosto de ler blogs e colunas que me informem sobre as novidades indie, idolatro o NME, baixo muita música nova e escuto pra cacete aquelas que me agradam mais.

De vez em quando, porém, preciso de música com testosterona. Rock de macho. Sim, pois posso apontar dezenas de qualidades nas bandas indie, mas macheza em excesso não está entre elas. Basta ver as calças que os rapazes usam. O fato é que a distorção empregada nas guitarras por essas bandas não é o bastante. Volta e meio preciso estourar os falantes do meu carro com o Guns N Roses, o Queens of the Stone Age e, a maior de todas as bandas de bar, o AC/DC. Audioslave, Hellacopters e Velvet Revolver também tiveram sua fase.

Além da distorção, há várias outras diferenças menos óbvias entre as vertentes indie e hard. Em termos de temática, tomemos o primeiro disco do Guns (Appetite for destruction, 1987) como exemplo: é basicamente sexo, drogas e rock n roll. Excessivamente machista e misógino, o disco tinha na capa uma prostituta sendo estuprada por um robô e, na última faixa, uma gravação real de Axl Rose fazendo sexo com a namorada do batera Steven Adler. Quer mais? Leia a letra de "Anything goes", então e pergunte-se: quem precisa de metáforas no rock n roll?

Os indies, por outro lado, costumam ter uma abordagem mais loser em relação às mulheres. Sentimentos de inadequação em boates, insegurança para manter uma garota, romantizações em excesso, figuras de linguagem, enfim, tudo o que o Kid Abelha já fazia no começo dos anos 80. Drogas? Maconha, no máximo, e ainda de forma glamourizada. Nada de reclamar que o seu traficante estava te enrolando com a remessa semanal de heroína que mantinha a banda na estrada, como fazem os hard rockers.

Essas diferenças vêm principalmente das influências das bandas. Os indies beberam muito da geração pós-punk new wave dos anos 80 e do próprio punk, mas da vertente dos Ramones, que viria a gerar o emocore dos anos 90. Ou seja, uma turminha de perdedores deprimidos que não comiam ninguém. Os hard rockers, por outro lado, bebem do ritmo mais sacana já inventado, o blues, e também do punk, mas da vertente dos Sex Pistols, que viria a gerar o hardcore já nos anos 80. Ou seja, um pessoalzinho pervertido que gostava de bebidas vagabundas e de vagabundas bêbadas, pardon my french.

Tudo isso se reflete diretamente no som e nas letras. Os hard rockers não têm muito tempo pra ler ou estudar com tanto sexo, drogas e bebidas para passar o tempo, então acabam fazendo um som mais sujo, cru, direto e, para groupies em geral, sexy. Os indies acabam sendo melhores na exploração ritmica e nas letras, mais metafóricas e simpáticas. Ou você imagina uma banda indie lançando uma canção como "Make it wit chu", do Queens of the Stone Age? Nem sonhando. Cada estilo tem seu valor, é bom que se diga. Às vezes, porém, esse negócio de indie cansa e tenho que voltar-me para a ignorância de uma distorção no máximo e o volume no 11. Rock de macho. E não estou sendo metafórico.

"Left behind" - CSS

2008-07-08T11:51:00.004-03:00

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Acho que está tendo início a derrocada do Cansei de Ser Sexy, pelo simples motivo de que a banda aprendeu a tocar. Não tocar no sentido literal, pois hoje qualquer idiota faz barulhos minimamente coerentes e já grava um CD (vide a atual geração do rock mainstream brasileiro). Falo mais em termos de saber compor músicas interessantes, como essa fantástica faixa do novo disco, que já vazou há algum tempo na internet.

O primeiro disco do CSS era ruim de doer, em termos técnicos, mas a tosqueira era extremamente simpática e agressiva, dando vontade de dançar e dar risada. Era novidade, também, uma banda brasileira fazendo um som não apenas condizente com o que se fazia no resto do mundo, mas talvez até um pouco a frente. Era cheio de barulhos estranhos, instrumentações equivocadas e letras surreais, com uma produção porca. Por isso tudo, fez sucesso. Ah, e também porque tinha uma vocalista nissei.

"Left behind", por outro lado, é boa demais. Embora ainda tenha algumas bizarrices típicas do CSS, como um cowbell totalmente supérfluo que aparece na ponte para o refrão, a canção é bastante pop e muito bem construída. Desde o início prende a atenção, com o primeiro verso atravessando o riff no meio e fazendo o ouvinte dizer "opa!", o que demonstra que as meninas andaram aprendendo algumas técnicas roqueiras. O estilinho de cantar a letra sílaba a sílaba te convida a cantar junto, mesmo que você fique em dúvida se o inglês da Lovefoxxx é americano ou britânico. Letra bem legal, diga-se de passagem.

Então, por que eu falo em derrocada do Cansei de Ser Sexy? Era exagero dramático, é claro, mas pode ser que um disco bem feito tire um pouco do charme tosco da banda. Aprender a tocar direito também não é garantia de evolução musical, vide o Oasis. Num mercado musical, o indie, onde está todo mundo cada vez mais parecido, o Cansei corre um puta risco ao perder o elemento que o diferenciava. Resta-nos agora aguardar o disco completo do CSS, chamado "Donkey", com as músicas finalizadas, para que possamos chegar a alguma conclusão. Torço para que os paulistas não sejam moídos pela máquina trituradora de bandas da imprensa inglesa, que costuma ser implacável.

"Hallelujah" - Jeff Buckley

2008-07-01T20:31:00.003-03:00

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Eu não entendo o significado dessa canção, mais precisamente da letra escrita por Leonard Cohen. O que seria um atestado de ignorância, para mim é uma licença poética às avessas. Foda-se, não entendi, vou concluir o que eu quiser, escutá-la nos momentos que eu achar que ela se encaixa. É libertador. Ainda mais quando a canção em questão é uma das mais belas que já ouvi. Jeff Buckley canta de maneira econômica, acompanhado apenas de uma guitarra dedilhada, como fazia nos bares de Nova York, onde iniciou a carreira, mas é expressivo a ponto de fazer chorar sete em cada dez pessoas presentes numa sala com "Hallelujah" nos alto-falantes. Foda-se, tenho o direito de inventar estatísticas também.

Talvez Cohen estivesse expressando sua visão religiosa do amor. Talvez as passagens bíblicas sejam uma metáfora de uma traição que ele sofreu. Talvez os aleluias representem o êxtase do amor em cada extremo, do gozo à profunda dor da perda. São várias as versões, mas não sei e não me importo. A interpretação de Buckley é o que me interessa, com sete minutos de melancolia musical no seu estado mais puro: desde a primeira nota (e, nesse caso, não é modo de falar, é uma nota mesmo), consegue me deixar ainda mais pra baixo do que normalmente estou quando pego o disco. Sim, pois música triste é pra isso, pra ficar ainda na mais merda do que já se está. Algumas pessoas acham que se deve alimentar uma fossa, para que a deprê profunda te ensine a lição de nunca mais repetir a cagada que a gerou. Quer dizer, eu acho isso, deve ter alguém que concorde.

Creio ser impossível passar incólume a "Hallelujah", mesmo que se esteja num dia maravilhoso, com tudo dando certo. Alguma coisa ela vai despertar. Portanto, se você estiver num dia meia-boca, não clique no link ali em cima. Mesmo que você seja um sujeito raso como eu e não entenda a letra, "Hallelujah" vai te fazer beber uma garrafa de uísque, sair dirigindo sem destino e ligar pra alguém que não deveria, não necessariamente nessa ordem. De qualquer forma, em algum dos 33 hallelujahs você vai cantar junto, arrependendo-se profundamente daquela fossa que não curou direito. Tudo bem, vai passar.