Una butaca en el paraíso. Blog de ópera

El rey Roger

2009-11-16T10:32:00.005+01:00

Król Roger, de Karol Szymanowski
Teatro del Liceo
Barcelona, viernes 13 de noviembre de 2009.

Scott Hendricks, Anne Schwanewilms, Will Hartmann, Francisco Vas, Jadwiga Rappé, Daniel Borowski.

Josep Pons / David Pountney

Yo me intento engañar a mí mismo poniéndome la ópera como excusa para pasar el fin de semana en Barcelona pero este finde pasado la verdad es que no ha sido la excusa, ha sido el argumento, y bien que ha merecido la pena.

Król Roger es una ópera rara. No es que sea de esas imposibles de digerir, pero hay que estar pendiente, receptivo e intentar meterse dentro de la ópera para disfrutarla. Con todo lo pedante que es la palabra no hay otra que mejor defina la música del rey Roger: cromatismo.

Mil colores son los que hay en una partitura que juega con el orientalismo, que oscila entre lo tonal y lo atonal, que trae reminiscencias de Ravel, de Debussy, de Richard Strauss, y que tiene una instrumentación riquísima. Rara como ella sola, pero bella, bellísima música.

Hay una grabación de Simon Rattle para EMI de hace 10 años que es una maravilla. Sin llegar a esos niveles, la orquesta del Liceu de la mano de Josep Pons estuvo realmente bien, consiguió sacar mucho, consiguió envolverme en la ópera, y una vez metido dentro olvidarme de las absurdas ínfulas del libretto.

Porque vamos, uno sale con la sensación de "no sé qué narices me quieren transmitir, pero me da lo mismo". Es el enfrentamiento entre la razón y la tentación, el cristianismo y el paganismo, la templanza y el hedonismo... todo machacadito con mucha tensión sexual.

El decorado está formado sólo por unas escaleras a modo de teatro griego (se supone que la obra se basa en Las Bacantes de Eurípides) y un prodigioso juego de luces. Suficiente para crear todas las atmósferas necesarias. A mí me pareció muy bien, y la dirección escénica de cantantes, excelente.

El rey Roger de Scott Hendricks reflejó todas las incertidumbres del personaje, con un esfuerzo físico notable. Sí, Pountney hizo cantar a los cantantes de espaldas, tumbados, escondidos, moviéndose y saltando. Un despropósito para los pobres cantantes, pero yo, como soy espectador, disfruté un montón.

Scott Hendricks tiene una voz más que suficiente para el papel, lo cargó de expresividad y potencia. Estupendo. Y además, tiene su puntillo sexy-morboso así calvito y tal. Roksana fue la indeletreable Anne Schwanewilms. Deliciosa. Recuperada de alguna afección que le hizo cancelar funciones y no estar al 100% en el estreno. Altamente satisfactoria. El pastor de Will Hartmann estuvo más tirante y en los límites, pero bien. Francisco Vas estuvo más que cómodo con la tesitura del Edrisi y se pudo lucir. El arzobispo y la diaconesa sólo dicen unas frases, pero la voz de Jadwiga Rappé era un chorro potentísimo.

Salí con un muy buen sabor de boca y a la espera de que Mortier nos lo traiga a Madrid con, esperemos, otra producción.

Argumento de Król Roger
Hoja informativa
Página del Liceo

Renée, la diva del Met

2009-11-13T09:31:00.002+01:00

Y vino la diva del Met y me dio rabia de que le tocara promocionar su chungo disco de Verismo. Porque la Renée Fleming es una señora que canta bien, tiene una bella voz y es capaz de sacar momentos de gran diva, pero en el recital de anoche no se lució.

Me quedé con la misma impresión del concierto de hace unos años: correcta, correctísima, pero fría. No llega a traspasar la barrera de la comunicación con el público en un concierto como ése y en un teatro tan grande. En aquel concierto estuvo igual pero se marcó unas Rusalka y Marietta maravillosas. En éste lo mejor han sido los lieder de Strauss, con eso digo todo.

No es plan ponerse furibundos y empezar a soltar que esta señora es un bluff etc etc como ya están haciendo por ahí. No. Lo que pasa es que tampoco es para decir que fue una velada megamaravillosa con la supertop de las cantantes.

La Renée apareció con un vestido color cacafú de la semana del retal de Vivienne Westwood que parece que se le había roto en el avión y lo había sujetado con un nudo y unos corchetitos en plan emergencia. No es así, ya lo sacó en Londres hace unos días y era igual (o sea, un horror). El estilismo capilar es el de costumbre con flequillo que se le cae al ojo y la mujer tiene que estar dando cabezazos para retirárselo.

Huy, que me pierdo.

Empezó la Fleming con un Rossini superdivertido por lo raro que le salió. ¿Pretendía hacer lo que estaba haciendo o es que le salió lo que le salió? Una elección muy extraña para calentar voz, desde luego, porque los agudos no salieron proyectados y las coloraturas fueron de un chapucerismo patente. Nos dejó a todos descolocados.

Después siguió la eterna escena de Desdemona de Verdi. Le va bien a la voz, la interpretó muy bien y estuvo en su sitio. Es curioso cómo la voz de Renée Fleming gana mucho en directo frente al disco, donde tiene siete colores diferentes. Muy bella.

Segunda parte, los lieder de Strauss. Es lo suyo, le saca toda la expresividad y se luce. Muy bien.

Luego el recital de Verismo, todo de seguido. Bueno. Allí ya salieron los siete colores de voz y la guturalidad. La Siberia y los Leoncavallo estaban un poco de relleno. La Mimì de Puccini fue sosita. El final de Fedora, con voz de ultratumba, estuvo muy conseguido, probablemente lo más verista de la noche. Y muy bien en la Iris, porque es una pieza así como muy fanfarriosa para terminar el programa, aunque tuviera que luchar contra la orquesta.

Como bises, el babbino, lentísimo, para gustarse a ella misma y gustar al público. Luego la Conchita de Zandonai. Un horror de pieza, pero me imagino que la puso porque es una españolada. Además la orquesta -castañuela al frente- se emocionó y la tapó.

Lo mejor de todo el concierto, la propina final, el Morgen de Strauss. Una vez más, es lo suyo.

En fin, que sí, que bien, que va, que me quedo con sus dvd, aunque sean en diferido, porque en ópera completa en escena es donde realmente saca esos momentos de gran diva.

Renée Fleming
Teatro Real de Madrid, jueves 12 de noviembre de 2009

Agrippina A

2009-11-03T09:17:00.004+01:00

Agrippina, de Händel
Teatro Real de Madrid, lunes, 2 de noviembre de 2009
Ann Hallenberg, Klara Ek, Umberto Chiummo, Xavier Sábata, Roberta Invernizzi, Matteo Ferrara, Raffaele Costantini, Antonio Giovanni.
Il Complesso Barocco. Alan Curtis.

¿Aguantaste la Lulu y te vas de Agrippina?, me dijeron asombrados mis amigos.

Pues sí, qué quieres que te diga. Después de estar hora y tres cuartos escuchando un Händel que vale, que sí, que está bien, pero no me maravilla, y ante la perspectiva de otro tanto con la repetición de la primera parte, plus coger luego el metro, atravesarme toda la ciudad hasta donde he dejado el coche para luego irme al polígono y llegar a casa a la una, pues como que no. Que me fui en el intermedio.

Y por lo visto me perdí lo mejor, según me dicen.
Pues mala suerte, chico.

Lo único que me gustó mucho de la Agrippina fue la protagonista, Ann Hallenberg. Estupenda. Voz sobrada que demuestra que las buenas voces, plenas e impostadas, también pueden cantar muy bien el barroco (frente a otras vocecillas planas y opacas que adoran los puristas). Además, interpretativamente excelente, pese a ser una versión en concierto. En los recitativos me recordaba a cualquiera de las pícaras rossinianas.

Bueno, versión en concierto. Había cinco atriles y una silla: ¡Eso es más que toda la escenografía de la Lulu! Y se movían, entraban, salían e interactuaban.

Eso sí. Qué escenario más chungo. Vale que es versión concierto, pero por favor, señores del Teatro Real, un poco de decoro: el suelo era una tarima negra llena de rayones que parecía la sala de ensayo de un tablao. El fondo negro y la silla como la que te ponen en cualquier oficina de atención al cliente (siéntese usted ahí) recién comprada en Makro.

Y luego los focos que nos ponen al público, especialmente a los de gallinero (perdón, paraíso). ¿Hace falta que nos estén alumbrando con esa potencia desde las alturas en las óperas en concierto? Vamos, ideal para controlar quién da cabezadas o abre caramelitos a la primera.

Siguiendo con la parte musical, teníamos al Complesso Barocco dirigido por Alan Curtis. Como siempre que hay una orquesta de cámara de cierto renombre con instrumentos originales y tocando barroco, hay que decir que estuvieron geniales y maravillosos. Vale.

El resto del reparto, para mi gusto se movió entre lo correcto y el sufi por los pelos, todos ellos a años luz de la Hallenberg. Con decir que el que más me gustó fue el mensajero Lesbos, que es el que menos papel tiene. Bien la Poppea, aunque falta de brillo, y muy musical Xavi Sábata sustituyendo al previsto Iestyn Davies como Ottone (como siempre, la web sigue sin actualizarse). Los bajos y la Nerón... cómo era eso que cantaba Lola Flores... ay pena penita peeeeena, peeeena.

Vale. Por lo que he leído por ahí la segunda parte fue graciosa y emocionante. Si es que soy lo peor.

Llega la italiana

2009-10-29T13:55:00.004+01:00

A partir del domingo, en Madrid, La italiana en Argel (L'italiana in Algeri), de Rossini.

Como anticipo, una entrevista a Joan Font, el director de escena:

Stendhal definió esta ópera como “una locura organizada” y “la mejor ópera bufa”, ¿qué piensa usted?
Suscribo por completo la afirmación […]. Para mí, L’italiana es un divertimento cargado de irrealidad y fábula que, sin ser una historia de enredos al uso, muestra constantes idas y venidas, con transformaciones de los personajes. Toda la obra es una gran fiesta de los sentidos […]. Es una metáfora divertida que respira ironía, sensualidad y sexualidad.

Comediants se caracteriza por sus aproximaciones fantásticas a los temas que tocan. ¿También con L‘italiana?
Esta aproximación fantástica nos permite darle una dimensión universal e intemporal a las historias, porque se trata de llevar lo que se cuenta a un mundo onírico y con ello se abren las puertas de la imaginación y la fabulación […].

Esta obra plantea las relaciones entre hombre y mujer.
Efectivamente, aunque está llena de hombres, en realidad es una obra de mujeres, porque Isabella, Elvira y Zulma son […] mucho más inteligentes, astutas y emprendedoras. En cambio los personajes masculinos son mucho más débiles, por no decir bobos.

La playa, el mar, es otro protagonista de esta puesta en escena.
El mar es el gran protagonista, porque es el elemento que todo lo trae y lo lleva […]. Así, aunque haya interiores, siempre está presente el mar. […]La acción arranca al atardecer, en la playa, y llegamos a la noche con las hogueras, con toda la magia de las noches mediterráneas, que encierran soledad, amor, sexo y placer, en las que suelen pasar más cosas que durante el día.

Se ha comentado que la estructura de la obra guarda mucha relación con el teatro clásico de Plauto y también con el de Molière. ¿Coincide usted con esta opinión?
Por supuesto, aunque a mí me parece más cerca de Aristófanes que de Plauto, y muchísimo más de Molière […]. Si nos centramos sólo en el libreto, éste es de una gran calidad teatral y funciona. Tiene un gran calado, y unos diálogos hilarantes. Es una obra muy moderna. Toda la ópera respira modernidad.

¿Qué es lo que le ha resultado más difícil de esta puesta en escena?
Lo más difícil es el trabajo teatral con los cantantes y bailarines-actores, para que entiendan este juego del absurdo que raya en el esperpento, los gestos, las situaciones, las acciones, las miradas, los silencios cargados de intención… Los cantantes tienen que ser buenos actores […]. Es importante que experimenten el personaje en todas sus facetas […].

Y no me toca hasta el 16.

Renée Fleming Verismo

2009-10-19T09:33:00.006+02:00

Mira que quería comentar el nuevo de la Bartoli, el Sacrificium ése. Pero no puedo. Todavía no lo he conseguido escuchar de seguido sin que me dé un ataque de ansiedad. Así que toca otra novedad mediática de Decca: el recital de Verismo de Renée Fleming.

Es imposible no comentarlo sin caer en los topicazos de que está totalmente fuera de estilo y su voz no es la adecuada para ese repertorio y blablablá blablablá, porque ES VERDAD. El canto de Renée Fleming está en el extremo opuesto de lo que es el verismo.

No es sólo que su estilo preciosista, voz suntuosa y expresividad sofisticada tengan poco que ver con el naturalismo descarnado del verismo [entendiendo naturalismo como corriente artística, no como calidad de "natural"] sino que la emisión vocal está también fuera de onda. La Fleming no tiene problemas en el registro agudo, pero en cuanto baja un poco las vocales abiertas se le quedan atrás y le suenan guturales (y muy feas). Escucha el inicio del Sola perduta abbandonata para comprobarlo. A la voz le falta la redondez vocal, la "italianidad" que el repertorio requiere.

Como ya digo, cuanto más aguda, más bella es la voz y más agradable suena. Y se permite algún exceso interpretativo para dar mayor intensidad a las interpretaciones (chillidos, suspiritos, etc). En el fragmento del primer acto de La Rondine está exquisita, es lo que le pega, y me recuerda mucho en la forma de cantarla a la versión de Kiri. También el Tanto amore segreto de Liù es una preciosidad. Pero cuando aborda las grandes frases puccinianas de La Bohème, Manon Lescaut o Suor Angelica se nos queda corta, le falta chicha, vuelo lírico, y es inevitable que surjan las comparaciones con todas las grandes que han cantado esto. Kabaivanska y Olivero son las máximas exponentes de lo que se puede conseguir en el Verismo con una voz con un timbre... por así decirlo... ingrato. Caballé en su disco de Puccini es el colmo de la expresividad vía el virtuosismo y la belleza, y Tebaldi y Freni (ya madura en su disco de arias veristas) son la carnalidad italiana pura.

A favor del disco de la Fleming hay que decir que tiene un buen porroncete de arias fuera de repertorio habitual, lo que hace que tenga su atractivo por lo menos como curiosidad. Hay una españolada muy graciosa llamada Conchita y una escena de Zazà de Leoncavallo que es un delirio megacursi, con niña insoportable incluida, que es talmente el Di papá de Rosa Mary y José Guardiola. Imprescindible. Me dan ganas de buscar la grabación íntegra de la ópera, tiene que ser lo más.

Como colaboraciones está el tenor estrella, Jonas Kauffamnn, marcándose con la Renée el dúo final de La Rondine, así en plan brutote, y luego en la escena final de Fedora uno se lleva un susto tremendo: ¿Qué le pasa a la voz de Renée que baja a la ultratumba? Ah, no, es que ha entrado el tenor. Es Arturo Chacón-Cruz, y empasta la voz perfectamente con ella. También se canta las frases de Calaf en el fragmento de Turandot. Voz a tener en cuenta.

Bien. El caso es que el disco tiene su puntito. No tiene los hallazgos que el anterior cd recital de la Fleming pero no está mal. Es larguísimo. Eso de que ahora haya que rellenar los 80 minutos que caben en un cedé para intentar paliar la piratería y compensar el precio de los discos hace que un cedé tipo recital se haga eterno. Hay que escucharlo dosificado si no quiere uno quedarse como cuando te pasas con la sacarina en el café: una sobredosis de algo artificiosamente dulce.

Y viene al Teatro Real en un par de semanas. Huyyyyyyyyyyy.

A Lulu hay que ir con los deberes hechos

2009-10-15T12:48:00.004+02:00

Lulu, de Alban Berg
Teatro Real de Madrid
14 de OCtubre de 2009
Agneta Eichenholz, Jennifer Larmore, Gred Grochowski, Paul Groves, Franz Grundheber, Will Hartmann, Paul Gay.
Eliahu Inbal. Christof Loy

Que sí, que a Lulu, y más a la que nos ha tocado este año, hay que llegar preparadito.
Primero, saber que vas a escuchar música atonal (es decir, cambia el chip).
Luego, que la ópera no es que sea larga, es que es larguísima (es decir, sobredosis de cafeína para aguantar, que ya sabemos la modorra que nos entra en el teatro los días de diario, y que hay que llegar merendado, que se sale a las doce).
Y finalmente, no está de más empaparse un poco del argumento, del libretto y de la historia que rodea a la ópera (para ello en la página web del teatro está colgado el vídeo de 20 minutos de José Luis Téllez explicándola).

Y luego me meto en el teatro, con un canguis de cojones, porque pienso que me voy a dormir a la primera de cambio, que yo en un primer acto que me dure más de cincuenta minutos ya se sabe que cabeceo, Wozzeck me parece bastante coñazo y con el miedo en el cuerpo que te mete el haber leído las críticas de los periódicos y las furibundas reacciones a la puesta en escena que pululan por los foros (y eso que ni he abierto el de la Cofradía de la Perpetua Indignación).

Pues no. Lulu me envolvió. Sin haberla escuchado previamente (ya lo sé, soy un zote, pero las dos veces que lo había intentado en casa la quité a los tres compases), la música me metió dentro. O casi diría yo que quedé fascinado por la "arquitectura" musical de la ópera. Queda pedante decirlo, lo sé, pero es la estructura, la forma, el ritmo frente a la falta de melodía lo que me encantó. Y luego está un argumento totalmente fascinante y truculento que hace que una vez que entras en la ópera mantengas la atención hasta el final.

Pero para ayudar a joder las cosas está la puesta en escena. Vale. Una puesta tradicional lo hubiera llenado todo de brillibrillis y cartón piedra. Lulu se presta a las transgresiones escénicas. Pero lo que nos han enseñado hoy no es ni siquiera transgresor. En su afán por despojar el drama de toda distracción y aditamento en un mal comprendido minimalismo, el señor Christof Loy vacía la escena: sólo hay un suelo blanco, una pared de cristal y una silla. Y, no contento con ello, en el primer acto el movimiento de cantantes es absurdo e incomprensible. Lulu es algo así como un robot alejado de la femme fatale que debería ser. Y o te sabes muy bien de antemano qué es lo que ocurre y quién entra y quién sale o no te enteras de nada. Bastante putrefacto. Sin embargo, a partir del segundo acto las cosas cambian en el terreno de expresividad de los personajes, y ya no hace falta ningún elemento más en la escena. En el tercer acto bastó y sobró el foco de luz para crear todo el ambiente.

A ver, no sé si me explico. Que vale, que por mí que dejen el escenario vacío si me creo lo que me cuentan o lo veo. Y eso pasó en los dos últimos actos, pero en el primero no. Así puedo entender la desbandada general de público en el primer intermedio. Sin embargo, no la del segundo. Más que nada porque se perdieron lo mejor de la ópera, que es el final.

Y digo yo... se van de Lulú... ¿y no de otros coñazos soberanos con los que a tenido a bien martirizarnos nuestro querido Teatro Real? Porque así a bote pronto recuerdo el insoportable Simon Boccanegra que esta temporada nos repiten. O cualquier Donizetti cómico... Y en cuanto lo comenté a mis amigos saltaron otro porrón de títulos (la Pietra de nosequé de Rossini, el Così de SuperFlotats...)

El nivel musical estuvo muy alto. Hay que ser una auténtica fuera de serie para sacar adelante el personaje de Lulu. La Agneta se salió. Vale, chilló los sobreagudos al principio, pero en cuanto calentó la voz... menuda peazo soprano. Cómo es posible que de un cuerpillo tan chiquitín salga esa voz. Sobrecogedora. Estupenda.

Ay la Larmore. Pero bueno, qué tipín se le ha quedado, ¿no? Estupenda también, muy expresiva, y aprovechando al máximo el bombonazo de papel que tiene. Vale, el volumen no es su fuerte, pero ha sido suficiente. Y me he reconciliado con ella después de aquel soporífero Giulio Cesare de hace una década. Muy bien.

En el sector masculino, excelentes Grochowski, Grundheber y Hartmann. Los dos Paul, Groves y Gay, se pelearon un poquito con el volumen de la orquesta pero fueron de menos a más. Sin objeciones, por mi parte.

No sé cómo se quedaría el patio de butacas. Yo diría que arriba en ~~gallinero~~ paraíso aguantamos como un tercio de los espectadores iniciales cuando la cosa acabó casi a medianoche. Los aplausos fueron rapiditos, que había que coger el metro (a ver quién es el morro que le dice al tx que aguante trabajando hasta las doce para venirme a recoger, habiendo fútbol, ja).

En fin, que sí, que me gustó mucho, de verdad, sin falsa pedantería ni ínfulas de modernademierda. Y yo creo qu eme gustó más porque iba conidicionado a que me iba a aburrir mortalmente.

No vi la famosa producción del Teatro de la Zarzuela de principios de los 90, la de Patricia Wise, que todo el mundo dice que es maravillosa. Pero como se emitió por tv seguro que ronda por algún lado. A ver si me la consigo. La que sí tengo es la famosa de París cuando se estrenó la versión de 3 actos, con Teresa Stratas. Le he echado un vistazo por encima y está la mar de bien. Recomendable.

Unos enlaces:

Argumento de Lulu
Web de Lulu del Teatro Real
Libretto de Lulu
Discografía de Lulu

The Sony Opera House

2009-10-05T12:36:00.004+02:00

Pues nada, que el sábado pasado me depositaron en el centro de Madrid y aprovechando que iba a estar una hora y pico deambulando por allí me dediqué a visitar la planta de música clásica de la Fnac, que oye, hacía mucho tiempo que no iba por allí.

Allí me llamaron la atención dos colecciones de ópera colocadas en un vistoso mostrador. Una de ellas era de ópera para niños de DG, a 5,95 € el librito ilustrado con un disco con una selección de la ópera en cuestión. Ya veremos si me animo.

La segunda colección es la de Sony Opera House. Es una reedición de las óperas del grupo Sony (CBS, RCA, Sony) en serie media a un precio muy atractivo: 10,95 € el cd doble y 13 euros el triple.

Una vez más, títulos mil veces editados (sí, la Tosca de Leontyne con Domingo está), pero también la oportunidad de conseguir títulos que o estaban descatalogados o eran difíciles de conseguir. Además, algunas versiones que si bien no son referencias absolutas, son más que curiosas.

Así, mirando el catálogo, yo destacaría...

- Louise de Charpentier, con Cotrubas y Domingo (a mí es una ópera que me aburre mortalmente, pero bueno, tiene su público).
- Don Giovanni, la banda sonora de la peli de Losey, con Raimondi, Berganza, Kiri, Edda Moser y van Dam dirigidos por Maazel. A mí me parece una versión estupenda.
- El tríptico de Puccini de Maazel con Renata Scotto. Es curioso y excesivo. Y tiene a la Horne de Zia Principessa.
- El Barbero de Sevilla con Marilyn Horne, totalmente cavernosa ella pero pasándoselo en grande.
- La Vestale de Spontini, con Denyce Graves.
- El Rosenkavalier de Strauss con la mariscala de Christa Ludwig, toda una curiosidad digna de escucharse.
- La Dama de Picas con una madura pero intensísima Mirella Freni.
- Vanessa de Barber, con Eleanor Steber. ¡Hay que oírla!
- La Adriana Lecouvreur de Scotto, Somingo y Obraztsova. La referencia moderna (aunque tenga 30 años ya).
- Die tote Stadt de Korngold con Carol Nebblett, René Kollo y Hermann Prey. Referencia absoluta, un imprescindible.
- Le Cid de Massenet, con Grace Bumbry.
- El Eugenio Onegin de Emil Tchakarov. No está dentro de las referencias definitivas, pero tiene a Tomowa-Sintow maravillosa y Nicolai Gedda supermayor cantando el Lenski.

Y están previstos los lanzamientos de la Lucrezia Borgia de Caballé, el Andréa Chénier de Domingo/Scotto, la Armida de Renée Fleming y la Salomé de Caballé.

Me parece una edición a un precio superatractivo para quien quiera completar su colección de discos en esta época en la que nos dedicamos a acumular mp3 que luego quedan perdidos en discos duros.

Todos los detalles de la colección, haciendo clic AQUÍ. En la web además se pueden escuchar fragmentos de las óperas y descargar algunos de los libretos.

Se reedita por fin la Suor Angelica de Ricciarelli

2009-10-01T12:39:00.006+02:00

RCA edita por fin en CD la Suor Angelica de Puccini con Katia Ricciarelli y Fiorenza Cossotto, dirigidas por Bruno Bartoletti en 1973. Bah, nada sólo 36 años después.

Desde que llevo escuchando ópera y leyendo libros SIEMPRE me habían puesto esta Angelica como una de referencia. Pero era imposible encontrar una grabación, así que me lo tenía que creer. Además, también siempre aparecía (junto a una Luisa Miller) como grabación modélica de la Ricciarelli antes de caer en los excesos que llenaron el resto de su carrera de registros un tanto (o un mucho) grotescos.

Pero nada, que estaba descatalogada en vinilo y no editada en cd, así que me tenía que creer lo que los eruditos estudiosos en el tema me decían. Pero como uno cuando lee un libro de referencias discográficas de ópera ya sabe al momento de qué pie cojea el autor, hasta que no la escuchara no me lo creería.

Mientras, RCA seguía publicando mil ediciones nuevas de las mismas óperas de siempre (¿cuántas veces habrán reeditado el Trovador o la Tosca de Plácido con Leontyne?).

Hace unos años un amigo me pasó una grabación del vinilo trasladado a CD y por fin pude escuchar la tan famosa Suor Angelica. Bueno, me quedé un poco así porque yo esperaba algo supermaravilloso y sí, está muy bien, pero no es para tanto.

Más que nada porque la dirección de Bartoletti me resultó lenta y pesada. Le faltaba el punto de pasión, la locura que lleva a la monja a suicidarse (huy, he contado el final). Eso sí, todos los parabienes se los lleva la bellísima voz de Katia Ricciarelli, espléndida y moviéndose de maravilla por todo el registro. Conmovedora sin necesidad de excesos interpretativos. A su lado, una imponente Cossotto que ya sabemos cómo se ponía cuando se ponía.

Hace mucho tiempo que no escucho ese disco, pero ahora me ha picado el gusanillo y aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid, lo mismo esta tarde le doy un repaso.

Ahora sólo queda que los de RCA me reediten de una puñetera vez la Thaïs de Anna Moffo, Bacquier y Carreras.

El teatro Real estrena web

2009-09-03T09:45:00.003+02:00

Bueeeeeno, parece ser que en el Teatro Real de Madrid se van poniendo las pilas y estrenan nueva web.

En apariencia y estructura, esta página es bastante similar a la anterior, con una apariencia un poco más atractiva.

No voy a ser malo y empezar a meterme con que han desaparecido la composición de los abonos o que si le das a venta de entradas o edición impresa de la temporada te sale todo lo del año pasado. Démosles tiempo con esta web beta.

Pero lo que sí que me ha hecho gracia es lo que aparece en "Ofertas y descuentos". Véase:

¿Qué? ¿Que no?

Transcripción:

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¿¿¿EEEINNNN???

Pero me dicen en el foro de unanocheenlaopera que se trata de un texto de prueba estándar:

http://es.wikipedia.org/wiki/Lorem_ipsum

Qué susto.

Up

2009-07-31T00:40:00.002+02:00

Up, de Pixar (Disney).

Hay que verla.

Y el tema principal nos recordaba a...

LA MAZURKA DE LAS SOMBRILLAS DE LUISA FERNANDA.

Toma ya.

Música de Francisco Alonso

2009-07-29T10:15:00.002+02:00

Continuando lo del otro día, una selección de lo que se puede ver y escuchar en el ~~Centro Cultural de la Villa~~ Teatro Fernán Gómez:

- Maitechu mía:

- Bella niña de ojos negros, de Coplas de Ronda:

- Canción del gitano, de La Linda Tapada:

- Dúo del gomoso, de Las Leandras:

- Pichi, de Las Leandras:

- Pasacalle de los nardos, de Las Leandras:

- Canto a Segovia, de La Picarona

- Carmen la cigarrera, de Mujeres de Fuego:

- Caminito de la fuente, de Las de Villadiego:

- Los olivares, de Róbame esta noche:

- Banderita, de Las Corsarias:

- Dicen que tengo, de Tres días para quererte:

- Tomar la vida en serio, de Luna de miel en El Cairo:

- Pasacalle de Los Chisperos, de la Calesera:

- Canto a Murcia, de La Parranda:

Ea, sólo hasta el domingo

Zarzuelas y Revistas del Maestro Alonso

2009-07-24T11:05:00.006+02:00

Soy zarzuelero antes que operero. De siempre. Disfruto mucho escuchando y viendo zarzuela. Y también paso mucha vergüenza cuando asisto a ciertas funciones que bajo el pretexto de mantener el espíritu tradicional de nuestro género lírico son de un caduco que asustan.

Hace poco más de una década los veranos madrileños se llenaban de funciones con decorados de cartón de compañías lideradas por lo general formadas por una vieja gloria rodeada de cantantes muy jóvenes que estaban empezando. El nivel era bastante bajo pero se veía entusiasmo y respeto por el género, y además era lo único que se podía ver de zarzuela de Madrid.

El Teatro de la Zarzuela se dedicaba a la temporada de ópera y sólo había un título por año.

Después llegaron las producciones de José Luis Moreno, muy conocidas, con mayor presupuesto pero con una concepción muy anacrónica y hortera de la zarzuela: esas pelucas de nylon, esos bailes regionales meintras delante el tenor se esfuerza en cantar una romanzam esos trajes con brillos... eran muy de gala de televisión.

Y ya en los últimos tiempos, mientras en el Teatro de la Zarzuela -ya dedicado casi íntegramente a ella- se presentan superproducciones que sólo el dinero público se puede permitir, las compañías zarzueleras han evolucionado hacia conceptos más "modernos", con el ejemplo de la compañía "Ópera Cómica", que presentaba producciones de bajo presupuesto pero con un intento de ofrecer una nueva visión del género.

De la revista no puedo hablar. Es un género que ha desaparecido, o al menos es invisible para mí. E imagino que para la gente más joven que yo, porque tengo más de 40 años y mis únicas referencias son las ya retiradas Lina Morgan o Norma Duval. Porque "Por la calle de Acalá" de Esperanza Roy queda ya lejísimos en el tiempo y lo anterior que puedo llegar a recordar era de cuando era un crío crío y todavía coleaban Tania Doris o, échate a temblar, cosas como Codeso & Milagros Ponti.

Esto no es un estudio concienzudo, es un blog y como tal es lo que recuerdo. Si ha habido más "revisteras" lo lamento, no me acuerdo o no las conozco.

En este ámbito, la compañía Dolores Marco se atreve a presentar un Programa de zarzuela y revista dedicado al maestro Alonso en el Centro Cultural de la Villa de Madrid, ahora llamado Teatro Fernán Gómez.

Es una compañía que está a caballo entre las que presentaban aquellas producciones de dos títulos por semana con decorados de papel y las que actualmente intentan dar un nuevo tono a la zarzuela.

Intenta presentar un espectáculo moderno y dinámico, pero hay muchos elementos que le pesan, y yo creo que es por la concepción misma del espectáculo, que consiste en una relación de números musicales sin orden claro ni, lo que es más importante, un hilo argumental.

En un escenario vacío y negro, una orquesta de cámara está al fondo enmarcada por dos pantallas en las que se proyectan fotografías. Delante, una compañía de una veintena de personas cantan, bailan y actúan.

El programa no empieza mal. Cinco hombres trajeados cantan a capella el Maitechu mía. La impresión es que la cosa va a ir escénicamente por terrenos cabareteros.

Pero no. A partir de ahí empieza "la caspa". Me da rabia decir esa expresión pero es verdad. Hace acto de presencia la voz en off de Paco Valladares que nos va dando detalles de la biografía de Alonso, los figurines "a lo Cornejo", unas pelucas espantosas, unas proyecciones penosas y los números se suceden uno tras otro sin ton ni son.

Lo de las proyecciones no tiene nombre, es como si hubieran encargado al chico de la vecina de abajo, que sabe de ordenadores, que ponga fotos para acompañar la música. La mayoría de las veces lo solucionaban poniendo el cartel de la zarzuela o revista que estaba sonando, pero cuando se ponían "ilustrativos" la cosa era de pena: fotos antiguas deformadas para que se adaptaran a las dimensiones de las pantallas o imágenes retocadas con el "filtro acuarela", imagino que para que no les pidan derechos de autor. Todo muy sacado de Google, y no me digan que no porque uno de los números tenía una foto "acuarelada" del último montaje del musical Cabaret, que ya tiene delito.

El asunto de decorados no habría sido demasiado problema si no fuera por la falta de teatralidad y de sensación de unidad que hacía que todo quedase aislado, en un "a ver qué viene ahora".

Y da rabia, porque había un fuerte esfuerzo coreográfico por parte de toda la compañía y los números que estaban trabajados en el sentido actoral (los cómicos, en general) eran lo más conseguido. Pero es que después de un número que podía motivar van y te sacan a una soprano en un extremo del escenario y a otra en el otro, vestidas con su trajecito regional cantando un rollete de cuidado y la atención vuelve a caer por los suelos.

Hay que destacar la labor de José Luis Mosquera (¿es el mismo que hacía esos espectáculos en el Black & White hace años???) y Carlos Crooke, los más "actores-cantantes", que eran los que animaban el cotarro. Otra incongurencia: ¿para qué la voz en off de Valladares cuando estos dos intérpretes también contaron parte de la biografía? Podrían haber narrado ellos la historia del maestro Alonso y seguro que la cosa hubiera sido más ágil.

Porque se hace eterna, especialmente la primera parte, que no paras de mirar el programa de mano a ver cuántas canciones quedan para que acabe. ¡Y la alegría que te llevas cuando ves que cantan tres seguidas, mezcladas y acortadas!

Por último, no se pueden tan poco vistosos algunos números tan archiconocidos. El Pichi de Las Leandras pudo tener un pase, pero Los Nardos fue de una ramplonería tremenda. Y la Banderita ni te cuento. La banderita requiere a una mujer de bandera y al coro y cuerpo de baile desfilando por el escenario. Y no, te ponen a la mezzo (con un vestido rojigualdo infame) en un extremo del escenario, al tenor (de soldadito) en el otro, y detrás proyecciones del desfile del 12 de octubre, con vídeo de la cabra de la legión incluído.

Y luego, zas, el pasacalle de la Calesera en plan apoteosis de vestuario y figuración, con pose inmóvil de toda la compañía al final o el Canto a Murcia con el que terminó la función, en el que te salen con los palos coronados de hojas y naranjas y que fue aplaudidísimo, claro.

Creo que el fallo de esta producción viene de su concepción: es, por mucho que en el programa digan que no, una antología al más viejo estilo. Yo creo que habría funcionado mucho mejor eliminando varios de los números (el canto a Segovia, la canción morisca, el corrido...) , quitando esa espantosa voz en off, cuidando un poquito la dirección escénica, cuidando MUCHO las proyecciones y dando un poco más de espectáculo a los pasajes más conocidos.

En el terreno musical, Marco Moncloa ejercía de barítono titular llevando a cabo las romanzas de las zarzuelas con autoridad y contundencia y el resto de la compañía se repartía un protagonismo coral en donde habría que destacar a los que participaban en los pasajes cómicos. Sin micrófonos, que conste, que hay mucha trampa suelta por ahí.

El teatro tendría una media entrada, aprox. Se aplaudió todo y con ganas. El público muy, pero que muy muy mayor. Mucho más que el habitual de zarzuela. Con los dedos de una mano contábamos a los que podrían ser de nuestra edad o más jóvenes. Pero es que tal como estaba concebido el montaje, ideal para ellos.

De lo que sí que me han entrado ganas después de ir es de conseguirme una versión de "Las Corsarias", que seguro que tienen mucha gracia. Qué pena que la producción del caso Gürtel que llevaron Malena Gracia y Marlene Morreau a Barcelona durara sólo 3 días en escena y no se paseara por el resto del país, jopé.

Grandes Voces (grandes)

2009-07-22T10:36:00.008+02:00

Martina Serafin (soprano)
Marcello Giordani (tenor)

Recital. Programa Puccini. Teatro Real de Madrid.
Ciclo Grandes Voces. Martes 21 de julio de 2009

Orquesta Sinfónica de Madrid. Keri-Lynn Wilson

Ay chico, qué gusto da eso de que un recital del ciclo de Grandes Voces sea realmente de voces grandes como plural de grande y no de gran.

Cancelada Cristina Gallardo-Domâs por enfermedad, fue sustituida por la austríaca Martina Serafin, acompañada por Marcello Giordani en un programa de Puccini con fragmentos de Tosca y Manon Lescaut.

Fue una especia de "Opera Interruptus", porque te quedabas con ganas de que terminaran de cantar el resto de la ópera. Eso de que te dejen al final de la primera parte sin Tosca tirándose del castillo provocaba su puntito de ansiedad.

En la segunda parte, más de lo mismo, arias de Manon Lescaut y un dúo que nos dejó a todos bastante fríos.

Martina Serafin tiene lo que se dice un vozarrón, de esos redondeados y potentes que da gloria escuchar. Timbre no particularmente bello pero homogéneo y sonoro tanto arriba como abajo. Es verdad que tardó un poquito en calentar y los agudos al principio los gritó, pero vamos, como Tosca estuvo de lujo.

De Manon Lescaut la cosa ya cambió un poquito. Demasiado vehemente en los "suaves visillos" y ya más a tono en el "Sola, perdida, abandonada". Además, me sorprendió que con lo rotunda que había estado en Tosca, en la segunda parte la orquesta se la comiera un poco.

A su lado, Marcello Giordani. Tenor de emisión un poco rara: la voz la tiene como atrás pero luego cuando sube al agudo suelta un pepinazo pleno que te deja boquiabierto. También tardó un poquito en calentar, pero Cavaradossi no le ofrece dificultad alguna y en Des Grieux se lució bastante. Ningún problema con la orquesta a tutiplén que tenía detrás.

Como bises, el Nessun dorma (bis ideal para levantar el teatro) y nuevamente el Vissi d'arte, esta vez mucho más dramático e interpretado. Como colofón, el dúo final de Andrea Chénier, "vicino a te", en el que los dos se salieron, culminando con un final de decibelios y traca final. Estupendo estupendo.

Iba a decir que Keri-Lynn Wilson dirigía la orquesta, pero quizás sería más apropiado decir que era ella la dirigida por la orquesta y los cantantes. Iba como muy precipitada, pero al final soltó los dos chimpún (el Nessun dorma y el Andrea Chénier) que es lo que el público pide y aplaude.

Resumiendo. Muy buen recital. Un programa muy agradecido, Giordani luciéndose y Serafin una soprano a tener en cuenta que ojalá nos cante más por España. Para la temporada que viene canta la Mariscala en Barcelona, puede ser muy interesante ya que puede hacer una visión interesante alejada del excesivo lirismo habitual en el personaje. Pero peligro: está abordando ya Turandot y me da un poco de miedo que ese agudo que corrigió a lo largo del recital se le termine quedando gritado.

Como anécdota, esta nota que acompañaba el programa de mano y que fue la culpable del "climax-interruptus" de la segunda parte del concierto:

¿Problema surgido con los materiales de orquesta?
¿Einnnn?

Las Bodas de Fígaro (ii)

2009-07-15T10:37:00.003+02:00

Como continuación a la crónica de anteayer... los elementos gráficos:

¡¡¡De verdad que Mariusz Kwiecien tiene una voz preciosa!!! ¡¡¡En serio!!!

¿Bodas? ¿Pero cuántas veces se casa este hombre?

2009-07-13T09:13:00.006+02:00

Le nozze di Figaro, de Mozart

Capitanucci, Mei, Forte, Kwiecien, Kemoklidze, Fischer, Zapater, Giménez, Cardoso
López Cobos, Sagi

Teatro Real de Madrid, domingo 12 de julio de 2009

Hace unos meses vi en la televisión una película de Carmen Sevilla y Juan Luis Galiardo en la que interpretaban a un matrimonio que por mediación divina cambiaban sus cuerpos durante unos días. Después de pasar por toda una serie de situaciones burdas y retrógradas (con las que confieso me río como un canasto, por muy políticamente incorrectas que hoy resulten) todo volvía a la normalidad y la mujer pedía perdón a su marido por haber permitido que el jefe la acosara (sin ser ella nada de eso) y a la vez excusaba a su marido por haber tenido un desliz extramatrimonial, cosa natural en los hombres.

¡¡¡VAMOS, IGUALITO QUE EN LAS BODAS DE FÍGARO!!!

Y es que yo reconozco que muchas veces funciono en modo "vacío cerebral ON", pero de verdad que ayer fue la primera vez que me di cuenta de lo socialmente avanzadísima que es esta ópera. ¡Que es de hace más de dos siglos y ya habla de lo retrógrado que suponía el derecho de pernada y la situación de la mujer en la sociedad y en el matrimonio! Vamos, que siempre la había tomado como una comedia de enredo de criados y señoritos, pero no me había parado demasiado a pensar en el trasfondo. Vamos, que una ópera del año la tana sea más moderna que una peli de hace 30 años... ya les vale.

Ay, si es que soy un zote.

También es verdad que no es una de mis óperas de referencia y hasta hace pocos años no podía con ella (me pasa con el Così y con los donizettis cómicos, que no los aguanto por muy obras maestras que sean), pero me reconcilié con ella hará unos añitos.

En fin.

El caso es que estas Bodas que cierran la temporada del Teatro Real reflejan perfectamente esa visión "liberadora" de la mujer sin necesidad de traslaciones espaciotemporales que tanto gustan y ofuscan a la vez.

Ante una obra tan coral, Emilio Sagi, el director de escena, se lleva gran parte del protagonismo, pero para bien. Una puesta sobria pero detallista, recalcando el humor de la obra y sacando todo el partido a las capacidades interpretativas de los cantantes. Muy bien, como de costumbre. Luego tiene sus "cosas Sagi" características como ese empeño suyo de poner elementos que distraen la atención de la acción principal, como figurantes haciendo el tonto al fondo de la escena o ¡EL RUIDO DE LA FUENTE CON CHORRITO en el cuarto acto! ¡Por favor! Supermolesto. Pero vamos, por lo general, muy bien la escena. Especial mención al ballet con castañueleo en el tercer acto, elegante y sin parecer un pegote. Los decorados muy apropiados también, aunque la pared vacía de los dos primeros actos quedaba excesivamente fría, por mucho que separara el ambiente colorista y festivo de los criados del aburrido y serio de los amos.

Así como en compositores posteriores creo que se queda un poco corto de sal, a mí me encanta López Cobos en Mozart. Ya lo dije el año pasado con Idomeneo, cuando lo acusaron de frío y carente de pasión. Que es Mozart, que es clasicismo. Y ha conseguido llevar la orquesta en su justa medida, con elegancia y precisión pero también con la ligereza que precisa esta comedia y siendo exquisitamente sutil en las partes más líricas. Muy bien también.

Respecto a los cantantes, todos se movieron entre nivel bueno y muy bueno. Cinzia Forte como Susanna tardó en calentar (o serían nervios, que era el estreno del elenco alternativo) y ofreció un primer acto un poco irregular, con un poco de grito, pero afortunadamente se relajó en la segunda parte. Lo que desde luego no me la puedo imaginar es como la Gilda del Rigoletto de hace unas semanas.

Siguiendo con las chicas, Eva Mei hizo una condesa muy lírica. Deliciosa, delicada arriba y con pocos graves abajo, y capaz de cantar con muchísimo gusto. El Dove sono fue uno de esos momentos "mágicos". Fue una condesa doliente, más resignada que confabuladora. Muy bien.

El Cherubino lo hizo Ketevan Kemoklidze (ni idea de quién era hasta ayer). Estupenda, voz pastosa y tremendamente expresiva.

Jeannette Fischer fue una tremenda Marcellina que se quedó con el público por su capacidad cómica al principio y después por ofrecer un aria modélica. Voz penetrante (a lo Itxaro Mentxaka, para entendernos) y segura. Raro es fijarse en este personaje, pero la Fischer lo logró.

También muy adecuada Soledad Cardoso como Barbarina.

En cuando a elenco masculino, excelente. Ya tener a alguien de la clase de Raúl Giménez de Don Basilio es un lujazo. Miguel Ángel Zapater (sólo tres funciones, y ni aparece en la mierda de página web del teatro) fue un correcto Doctor Bartolo. y Miguel Sola un contundente Antonio.

Los protagonistas se lucieron. Fabio Maria Capitanucci fue un Figaro con voz, que anda que no hay que ponerse a veces la trompetina para escuchar a otros. Bien tanto cuando le tocaba estar enfadado como cuando ágil y cómico. E interpretativamente muy bien, sin cargar las tintas.

Y Mariusz Kwiecien, por faaaaavoooor, peazo barítono. Qué rotundidad, qué belleza de timbre, qué todo. Y además, por fotos que he visto, tiene pinta de pertenecer al exclusivo club de los barihunks. Vamos, que lo tiene todo.

Estoy contento de haber visto este segundo reparto por la parte masculina. Me da pena no haber visto a Barbara Frittoli pero me alegra haber escuchado a Eva Mei.

La función, así, globalmente, empezó un poco desigual, con un primer acto un poco "nerviosillo", pero a partir del segundo se asentó, y ya la segunda parte con los dos últimos actos todo fue bastante rodado. Sin entusiasmos exagerados, buena función, buenas bodas y buen cierre de temporada.

Efemérides:
- Se dice que con el aire acondicionado (con una temperatura para congelarse, todo sea dicho, que se me quedaban los pies fríos) habían espearcido aroma de azahar. Yo no lo capté.
- Sonaron 4 teléfonos móviles con sus respectivas melodías machaconas. Pesadez de gente.
- Un minuto antes de empezar la segunda parte, estando yo en el cuarto de baño, escuché un do de pecho (y unos aplausos posteriores) que llegaba de la zona de camerinos -imagino-. ¿Quién sería? ¿Giménez? ¿Viana? ¿Alguien del coro?
- Recogí mis abonos del año que viene (el general, el reducido, el de grandes voces) y me devolvieron el dinero del recital de Domingo y Villazón (chico, qué bien vino).

No pongo fotos porque, a tres días del estreno, en la costrosa página web del Teatro Real no hay ni una miserable imagen, ni han corregido el reparto. Vamos, lo de costumbre.

Ah, el que les cambiaba los cuerpos a Carmen Sevilla y Juan Luis Galiardo era... Jaime de Mora y Aragón. ¡TELA!

Rigoletto antológico

2009-06-23T09:32:00.019+02:00

Rigoletto, de Giuseppe Verdi

Leo Nucci, Patrizia Ciofi, Celso Albelo, Marco Spotti, Nino Surguladze
Roberto Abbado, Monique Wagemakers.
Teatro Real de Madrid, lunes 22 de junio de 2009

La cosa estaba clara. La única noche que Leo Nucci cantaba el Rigoletto de entre las 18 representaciones, fuera de abono y con precios al 50% de lo habitual. Iba a ser el despiporre.

El público estaba dispuesto a despepitarse aplaudiendo y la noche iba a ser un éxito.
Y lo fue.
Pero es que superó las expectativas.
Tanto por el clima de euforia en el teatro como por los resultados artísticos.
Y es que mira que es difícil que una ópera de repertorio (las llamadas "óperas-maría") salga redonda. Siempre hay peros que ponerle. Y más si es Verdi, que requiere que haya mucho nivel en todos los elementos.
Pues salió redonda, chúpate esa mandarina.
Y allí estábamos mi tx y yo para disfrutarla.

Mi tx no las tenía todas consigo, de la ópera sólo conocía el "Bella figlia dell'amore" y temía que se fuera a aburrir. Todo lo contrario. Estuvo serio durante toda la función y al final me dijo que la música le había parecido estupenda, que no le hacía falta leer los sobretítulos para saber lo que estaba pasando y que la función le había encantado.

Y es que la fuerza dramática que tiene Rigoletto es tremenda. Si además la orquesta se dedica a cargar las tintas atronándonos en los finales de acto y momentos clave, pues qué quieres que te diga.

Se ha criticado mucho la actuación de la orquesta por el volumen. A mí tampoco me ha parecido tan mal. También es verdad que ayer estaba dirigida por Leo Nucci y no por Roberto Abbado. Y sí, tapó en varias ocasiones al tenor. Pero en el resto se agradece que se salga de la rutina y sobre todo del pachín-pachín de banda de pueblo tan habitual en los verdis más populares.

La estrella ha sido, sin duda, Nucci.
Póngansele todos los peros achacables a la edad y a los vicios de haber interpretado más de 400 veces a Rigoletto. Da igual. Capacidad de comunicación, perfecto entendimiento del personaje, mil matices interpretativos, notas en su sitio y vozarrón: Es increíble que a pesar de que el volumen ha disminuido bastante desde que lo escuché en directo hace unos años también en este papel en Milán, aún sigue siendo lo que más se oía en el teatro.

Cada intervención suya ha sido aplaudida con enfervorizados aplausos. Justo detrás teníamos a un auténtico petardo especialista en ovaciones (de esos que gritan superagudo y diferencian la brava, las brave, los bravissimi, el bravissimo y todas las combinaciones habidas y por haber) que nos destrozaba los tímpanos. Pocas veces se disfruta de un Rigoletto como el de Nucci, y eso se celebra.

Me gustó mucho Patrizia Ciofi haciendo de Gilda tonta-del-bote. Mira que habrá cantado veces esta mujer en Madrid y nunca me ha tocado en reparto. Y no tenía muy buenas referencias suyas. Que sí, que daba las notas pero no transmitía. Pues no. Ayer se alzó como una Gilda estupenda. El timbre no es limpio, tiene ese velo "afónico" que me dan ganas de decirle a la mujer que se aclare la garganta porque me pone nervioso, pero después de calentar la voz tras el dúo inicial, estuvo estupenda, matizadísima, delicada y conmovedora. Vamos, que dio vida a un personaje tan soberanamente memo.

Bisaron (¿o se dice "hicieron un da capo"?) de la vendetta. Te puedes imaginar la algarabía en el teatro, estaba que se caía. Hoy además ya está la prensa diciendo que es histórico, que es la primera vez que se bisa en el Teatro Real (lo de Alagna no cuenta porque fue un recital).

De los sobreagudos tradicionales hizo algunos sí y otros no. No hizo el de la vendetta ni el de la bella figlia, pero sí otros en los dúos. ¿No hizo, quizás, los que tenía con Nucci? No sé, no he visto otras funciones.

Celso Albelo sí que dio todos los agudos. Además se lució especialmente en el último, esa repetición de la donna è mobile fuera de escena, con un apianado ejemplar. Muy buen tenor. Tuvo que luchar contra el volumen de la orquesta y fraseó de manera exquisita. Tiene que perder peso. Ya sé que yo también, pero no me subo a los escenarios. Tenor a tener en cuenta a partir de ahora, sí señor.

Los malos estuvieron correctos. Ya de por sí es ingrato el papel de Maddalena, que tiene cuatro frases y luego pelearse para que se la oiga en el cuarteto, pero la Nino Surguladze consiguió superarlo. Además, MENUDA TÍA BUENA y qué manera de moverse. Super sexy. Sparafucile no llegó a resultar todo lo tenebroso que el papel requiere, pero bueno, más que aceptable.

De comprimarios, Mercè Obiol hizo bien la Giovanna y me gustaron los dos cortesanos, David Rubiera de Marullo y Ángel Rodríguez de Borsa. Normalmente no se les oye. El paje fue Graciela Armendáriz, y los Ceprano Tomeu Bibiloni y Marta Urbieta. A Luiz-Ottavio Faria le faltó la rotundidad que tiene que tener Monterone. Monterone es como el Zio Bonzo de Butterfly, su entrada tiene que ser impactante, tiene que acojonar. Y no, no me convenció.

El coro, otro elemento polémico en esta producción proque era un coro contratado para evitar las amenazas de huelga del coro titular, estuvo bien, matizando lo que la orquesta le dejaba. Tampoco nada de quedarse alucinado pero bien.

La puesta en escena es buenísima. Una especie de "Wagner en el Liceu": una plataforma cuadrada con una luz en el perímetro se va moviendo (hacia arriba, abajo, inclinándose) va formando los distintos ambientes. Una "stairway to heaven" es todo lo que hace falta para la casa de Rigoletto. La posición del coro y los juegos de luces hacen el resto. Francamente, muy preferible a las escenografías conceptuales de chichinabo que se suelen hacer para parecer modernos. Ésta será muy trekkie, pero representa perfectamente todos los escenarios, no hay que hacer adivinanzas para saber lo que está pasando ni dónde. Para contastar, y como suele venir siendo habitual en estas escenografías abstactas, el vestuario era en plan lujo (muy Cornejo, vamos).

Punto negativo en la dirección escénica: eso de coreografiar tanto los movimientos, como que todos levantaran la mano al mismo tiempo cuando la orquesta hacía un chimpón. Para el coro vale, pero para los solistas quedaba un poco ridi. Especialmente con el Duque. Como el Nucci pasa de directores de escena y de ensayos, iba a su bola y lo hizo la mar de bien.

Resumiendo: un Rigoletto excepcional, de esos de quedar en el recuerdo, a un nivel muy alto y más si cabe después de haber leído las tibias crónicas de otras funciones con otros repartos.

EDITO LA ENTRADA PARA METER EL VÍDEO DEL BIS DE LA VENDETTA:

Las fotos y vídeos son de la web del Teatro Real y con los otros repartos.

Ahora mi tx quiere que lo lleve a ver más "ópera-maría", que ya se ha visto la Butterfly, la Tosca, Bohème, Traviata, Rigoletto y la Carmen. Pero que quiere más. Yo le digo que seguro que hay algún teatro de esos que viene una compañía de europa del este a hacer bolos este verano, pero me ha dicho que nanay, que en la Zarzuela o en el Real, que si no, no va. ¡Si se me está volviendo sibarita!

Y escuché la Butterfy de la Gheorghiu

2009-06-18T17:37:00.004+02:00

Y escuché por fin la nueva versión de la Butterfly de la Gheorghiu de la que ya habé hace poco (clic).

Siendo serio y habiendo escuchado a la Sra Gheorghiu en directo (sólo en recital, eso sí), Cio Cio San no es un papel para ella en teatro. Bueno, quizás sí en un teatro "alla Bartoli", pequeño y con la orquesta con sordina.

Sin embargo, su Butterfly en disco funciona. Y muy bien, me atrevo a decir.
La pastosidad y la belleza de la voz son notables, los agudos son potentes (alguno oscilante cuando apiana) y la interpretación convence.

Gheorghiu es de las que yo llamo butterflies "matronas". No da el papel de niña de 15 años superparanada por la opulencia de su timbre, pero dramáticamente es impactante. Que me lluevan piedras y cuchillos, pero en ocasiones me recordaba a otra Butterfly del estilo: la Tebaldi.

Además, Gheorghiu evita las exageraciones dramáticas y la ñoñería (dos de los defectos más habituales entre las butterflies) y sin embargo salpica toda la ópera de detallitos y matices expresivos que hacen ver un trabajo muy estudiado, nada rutinario, del papel.

Sí, los graves están engordados y el micro ayuda mucho, pero la verdad es que me ha gustado mucho.

Otro que tampoco deja momento alguno a la rutina es Antonio Pappano, con una orquesta tensa, rica, pendiente de cada frase. Yo creo que desde la versión de Maazel (la de Scotto para CBS) no había escuchado una Butterfly tan rotunda orquestalmente. Un diez.

Y esos son los dos valores de la grabación, porque el tenor Kaufmann me parece que tiene poderío vocal pero una emisión muy fea, como abierta, y ni la Suzuki ni el Sharpless me han dicho gran cosa.

En definitiva, para mi gusto, versión de estudio recomendable por la protagonista y la orquesta. Que no sea exportable a teatro ya es otro cantar, pero como cd está más que bien. Y la Gheorghiu se quita la espinita de su anterior Puccini, esa Tosca "quierosercallas" que no hay por donde cogerla.

Superflórez en Madrid

2009-06-08T09:17:00.005+02:00

Recital de Juan Diego Flórez
Teatro Real de Madrid,
Domingo, 7 de junio de 2009
Vincenzo Scalera, piano.

Para compensar la cancelación en el Rigoletto madrileño (me falta una semana y pico para ir), Juan Diego Flórez ha ofrecido dos recitales en el Teatro Real de Madrid.

A Flórez le he visto dos veces en ópera (Rinuccio en Gianni Schicchi y Almaviva en Barbiere) y otras dos en recital (tres con éste) y me alegra decir que el recital del domingo ha sido la mejor actuación de todas.

Ni que decir tiene que el dominio de Flórez en el terreno rossiniano / belcantista es total: homogeneidad de voz en todo el registro, agudos potentes, agilidades, fraseo... y además en recital con piano y concha de madera protectora, sin problema de volumen en un escenario tan enorme como el Real.

Las dos partes del recital se estructuraron de similar manera: cada una comenzó y terminó con un aria espectacular y en medio unas piezas más descansadas para la voz (canciones rossinianas y romanzas de zarzuela).

Yo destacaría las piezas finales de ambas partes: Zelmira y Guillermo Tell, donde estuvo maravilloso. En la zarzuela me gustó menos, sólo consiguió llevar a su terreno la de Adiós Granada. El guitarrico lo siento pero no me gustó nada cómo lo fraseó y en la Doñafrancis le faltaba peso abajo.

Los bises fueron una fiesta. El público estaba entregado y enfervorecido, con sus dosis de griterío y despepite habitual, aunque sin llegar a las tonterías que le soltaron a la Bartoli (también éste era un recital formalmente más serio y sin tanto show-stopper). Y es que los bises no fueron bises, fue una tercera parte en toda regla.

Cinco, y menudos: El final del Cessa del Barbiere, la Furtiva lagrima, el Pour mon âme (lo odio, lo odio y lo odio), una canción de Tosti y el aria rara ésa que canta de la Lucrezia. Y si en Rossini impresiona, en Donizetti Flórez enamora del todo. Fantástico.

Nota para el pianista, que también estaba. Me gustó mucho cómo supo darle el tono juguetón a las partes rossinianas. Como acompañante, impecable.

No soy fan irredento de Juan Diego Flórez de los que se desgañitan en bravos, pero ante recitales como el de anoche hay que quitarse el sombrero. Y, después de escucharlo, comprendo perfectamente su inteligente decisión de no hacer el Duque del Rigoletto. Su voz aún es muy aguda y si se mete en papeles pesados le va a "pesar" por el otro extremo. Yo creo que a todos nos encantaría que empezar a abordar el repertorio lírico francés y los verdis, pero de momento hace bien.

Nota petarda: ¿Qué narices de flores eran las del ramo que le dieron? Totalmente galácticas.

A la venta los abonos anuales del Teatro Real

2009-06-02T10:44:00.003+02:00

Niños.

Hoy se ponen a la venta los abonos anuales del teatro real de Madrid, es decir, los abonos reducidos de tres o cuatro óperas y los de "precios populares".

Me las he apañado y he cogido con un amigo el Popular Fin de Semana 1, que tiene la Lulú, el Chénier (que no me entraba en mi abono B) y la Salomé (que no le entraba a él). Así que fantástico: yo me quedo con Chénier, él con Salomé y ya veremos que hacemos con la perdida y descarriada Lulú.

La compra por internet ha sido un desastre. Se podía acceder a todo pero al llegar al pago con tarjeta se cortaba la conexión. Sí, muy estresante, justo cuando has metido los números y todo... zas. Ideal para los paranoicos con el hackeo etc. Al final he marcado el número de teléfono y comunica comunica comunica... he ido dando al botoncito de rellamada una y otra vez hasta que me lo han cogido, y tan ricamente, oiga.

Composición de los abonos, aquí.
Venta por internet, acá.
Venta telefónica, en el 902 24 48 48

¡Suerte!

Que no se diga que no aviso.

La damnation de Faust

2009-05-10T23:39:00.002+02:00

Entrada telegráfica, que me piro:

La Damnation de Faust, de Berlioz.
Teatro Real de Madrid,
domingo 10 de mayo de 2009.

Olga Borodina, Piotr Beczala, Ilda Abdrazakov
Nicola Luisotti

Primera parte de morirse de aburrimiento y de sueño. Segunda parte fantástica.

La Borodina, tremenda, vozarrón excesivo para el papel.

Beczala muy bien, progresivamente mejor hasta un final estupendo.

Abdrazakov también excelente en su papel.

Muy bien el coro, matizando mucho.

El director Luisotti: increíble, desmelenado, quizás demasiado, pero la música lo pedía y, sobre todo, da gusto ver reaccionar a la orquesta de esa manera. La segunda parte ha sido un puro exceso.

Vamos, que muy bien, a pesar de que en el intermedio daban ganas de salirse.

Katiuska alienada

2009-05-07T23:58:00.007+02:00

Pablo Sorozábal
Katiuska
Teatro Español de Madrid
Jueves, 7 de mayo de 2009

Maite Alberola, Ángel Odena, Jon Plazaola, Milagros Martín, Trinidad Iglesias, Enrique Baquerizo, Mikeldi Atxalandabaso, Lander Iglesias.

Pascual Osa, Emilio Sagi.
Dossier informativo: (clic)

Katiuska es una zarzuela más para escuchar que para ver. Y es que se ha quedado bastante anticuadita. La alternancia de escenas cómicas frente a historia principal romántica es tan acusada y tan dicotómica que parece que se están viendo dos zarzuelas distintas mezcladas.

Emilio Sagi ha condensado los dos actos en uno, ha eliminado diálogos de gracietas obsoletas y parte también del texto de la trama principal. Si además a la protagonista principal la viste y hace que actúe como una diva del celuloide que está viviendo el sueño de una historia de amor en un cine destruido, lo que nos queda es una historia un poquito difícil de hilar.

La entrada de Katiuska es fantástica: lentamente va andando entre escombros y se quita un abrigo brillante con un cuello de plumas extendiendo los brazos como si fuera Gloria Swanson en Sunset Boulevard, mientras el tenor está cantando. Divina, absurdamente divina. El problema está en que se queda ahí. A partir de ese momento parece que va como atontada. Su parte de la historia transcurre tan rápida que parece una mujer alienada viviendo una aventura fantástica. Que creo que es lo que el director pretende, que Katiuska viva una ensoñación. El problema es que luego te canta la canción de que vivía sola con su abuelita y te rompe todos los esquemas. Que sí, que el texto katiuskeño tiene tela marinera.

Afortunadamente la música de Sorozábal es una maravilla y se zampa todos los momentos bochornosos del libreto, que son muchos. Las romanzas del trío principal son de una belleza tremenda, y el dúo de amor "somos dos barcas" a mí me parece de lo más inspirado del género zarzuelero, siempre me ha emocionado (sí, pese a ese interludio cuando empiezan a decir que se irán a bailar a la romería de San Vladimiro).

Emoción es lo que le ha faltado a la Katiuska. Se ha quedado todo en un "ay qué mono", pero poco más. Sin embargo, la trama cómica ha agradecido los cortes y se hace ágil, comprensible y divertida, pese a algunas limitaciones vocales ya conocidas.

Y es que allí estaba Trinidad Iglesias actuando como ella sola y sacándole todo el jugo a su Tatiana. Un diez. Y sus acompañantes cómicos han estado como se debe estar: graciosos sin pasarse.

Jon Plazaola tiene una de esas voces de tenor ligero no muy grandes pero cantando con mucho gusto y pronunciando a la perfección. Además, para lucirse, se ha pegado un agudo de esos de alargo el calderón todo lo que pueda, que ha arrancado una ovación. Por mí, perfecto para el papel.

Ángel Odena se ha salido como Pedro Stakof. Si en alguna incursión operística no me ha convencido nada, aquí sí. Timbre, volumen y extensión de sobra.

Maite Alberola tiene una voz bella y potente, pero yo creo que no tenía buen día. Sólo en la "Noche Hermosa" me ha sabido transmitir la delicadeza. Y además nos ha escamoteado el agudo de la luna que cierra el primer acto (lo siento, uno está acostumbrado a los discos, qué se le va a hacer). Me ha sorprendido porque había leído referencias muy buenas de ella en este papel, y no la he visto en plenas condiciones.

Una cosa que es habitual en la opereta y en la zarzuela: ¿Por qué en las partes habladas los cantantes son tan artificiosos y declaman como si estuvieran en una película de los años 40? Aquí no hay excepción: los tres protagonistas principales contribuyen a ese estado de alienación general de la obra con sus declamados de obra de fin de curso. Es gracioso, pero hay a quien le puede resultar irritante.

El coro y la orquesta bastante bien, saliéndose del pachín pachín habitual en este teatro cuando hay zarzuela y logrando momentos culminantes como el del final.

¿La dirección escénica? Pues con momentos muy logrados (la entrada de Katiuska, el baile de botas Katiuskas, el concertante del final del primer acto...) y otros desperdiciados (el A París me voy ha sido muy ramplón).

Me ha gustado, pero me esperaba más. Ya ves, incluso diría que disfruté y me emocioné más viendo hace años la producción de (anatema) José Luis Moreno, siendo una versión mucho peor y con momentos de auténtica vergüenza ajena.

Mi tx también se esperaba más. Le ha gustado, pero le ha faltado intensidad. No obstante, al final ha dicho que "para once euros está muy bien y no cantan con micrófonos como en los musicales de la Gran Vía". Y es que, señores, los precios en el Teatro Español son bastante asequibles y se ve bien desde casi todos lados.

Terminaré con mis referencias discográficas: la de Zafiro con Manuel Ausensi y una maravillosa Isabel Penagos y la de Hispavox con otra no menos maravillosa Pilar Lorengar y Renato Cesari, con Alfredo Kraus haciendo de príncipe. Hay otra, creo que de Columbia, que tiene las partes habladas recitadas por actores y que me resulta bastante horrible. Y la de Blue Moon con Marcos Redondo (creo, hablo de memorieta), de la época del estreno, con variaciones y números eliminados, muy interesante.

Abono B del Teatro Real de Madrid

2009-05-04T13:14:00.002+02:00

Ya se ha publicado en la web del teatro Real de Madrid la composición de los abonos para la temporada 2009 - 2010. Véase haciendo clic.... aquí.

Ya lo dije (clac), me iban a escamotear alguna. Y no me entra Andrea Chénier. Ya veré si la saco aparte o no. Y el Simon Boccanegra lo tengo opcional. No lo saco. En todo caso intento sacar una entrada para alguno de los tres días que cantan Domingo y Gheorghiu, sólo por morbo.

El caso es que me tocan...

Lulu, Agrippina, L'italiana (con Kasarova), Jenufa (con Polaski y Roocroft), Holandés (2º reparto), Árbol de Diana, Salomé, Poppea, Die tote Stadt (Vogt/Naglestad) y el Simon opcional.

Si me entra la ventolera, intento sacar alguna para los Puritanos (en concierto). Por cierto que acabo de leer el argumento, que me sabía muchas partes pero en sí no lo conocía. Qué barbaridad, qué locuras repentinas la Elvira, qué despiporre romántico.

También podría buscar alguna para la versión en concierto de la Norma, ya se verá.

El dossier completo de la temporada, aquí (cloc).

Ah, no fui al recital de Nina Stemme el pasado martes. Tenía la entrada, pero estaba un poquito machacado física y mentalmente, y con un cargamento de cajas de cartón llenas de cd que ordenar. Las noticias que me han llegado tampoco es que hayan sido muy entusiastas, vamos.

Por qué corres, Ulises

2009-04-27T09:40:00.008+02:00

Il ritorno d’Ulisse in patria, de Claudio Monteverdi
Teatro Real de Madrid, 25 de Abril de 2009
Les Arts Florissants.
William Christie, Pier Luigi Pizzi.

Segunda ópera de la trilogía monteverdiana que nos ofrece el Teatro Real.

Muy bien interpretada, correcta e insípida puesta en escena y perfectamente servida por la orquesta de Les Arts Florissants de Christie. ¿Muermo? Pues sí, un poco, pero es Monteverdi, qué te esperas. Es lo que hay. Es una música así, entre comillas, "bonita", muy agradable de escuchar, pero es imposible que se te quede una melodía en la cabeza. Afortunadamente va alternando partes lentas con más movidas cada muy poco tiempo y se me hizo mucho más entretenida que el Orfeo del año pasado.

En el terreno vocal, estupenda Christine Ricci con una voz que tiene el patetismo y resignación que el papel de Penélope requiere y muy bien todos en general.Por poner un ligero pero, se lo pongo a la Juno, un poco destempladilla, pero vamos, todos muy bien.

A Kobie van Rensburg se le achaca por ahí que grita demasiado para este tipo de música pero hijo, da gloria que le dé un poco de chicha al personaje. Porque vamos, la progresión dramática de la línea argumental del bodriete mitológico es de una lentitud pasmosa.

Me decía mi amigo Almatosa al salir: la parte de los dioses se la podrían haber ahorrado.

¡No! Incauto infelice. Primero, porque nos hubiéramos quedado sólo con el rollo de las dudas de Penélope y segundo, porque nos hubiéramos perdido a Ed Lyon, que hizo el doblete estupendo de Júpiter y Eurímaco y que tenía una planta más que destacable, especialmente con los modelitos que el Pizzi le hizo ponerse (y de los que la web del Real, para variar, no tiene foto). Muy bien, muy bien, nos ha gustado este chico, comentábamos como viejos verdes en el descanso. No tenemos remedio. En fin.

Yo salí muy danzarín y prebarroco de este Ulises. Aunque también hay que decir que ha sido mi alternativa de ocio más "movida" del pasado fin de semana, lo que dice mucho de mi estado de amuermamiento general de los últimos días. Tendría que haberme ido a Valencia a ver la Turandot pero al final no salió.

Lo próximo, la Condenación de Fausto.

Cecilia la contrabandijta

2009-04-17T13:41:00.008+02:00

Recital de Cecilia Bartoli
Teatro Real de Madrid
Jueves, 16 de abril de 2009

Soirée rossinienne (qué fina ella)

Qué lista es la Chichi.
Se nos presenta con un programa en siete partes, cada una compuesta de tres o cuatro cancioncillas: las primeras lentas, intimistas, de sacarles jugo... y la última una fiesta ya sea por expresividad, comicidad, agilidades... ideal para arrancar una ovación al final de cada parte.

Y es que ya sabemos que Cecilia da espectáculo. Ella es así, y yo pienso que ofreció lo que se esperaba de ella, e incluso más.

Si bien sus excesos interpretativos pueden resultar un poquito cargantes, es lo que le da chispa al recital. Divierte y se divierte. Lo malo sería que sólo fueran esos sus valores. Pero no. Cuando toca cantar, canta, y muy bien. Y domina los tiempos, las dinámicas, que da gloria. Cuando canta más introspectivamente, más intimista, alcanza momentos mágicos. Yo la prefiero en esos pianos y esos tiempos lentos a cuando se convierte en una ametralladora de semifusas, pero no voy a negar que también disfruto con los momentos exhibicionistas de la buena mujer.

Como esta vez el concierto estaba fuera de la programación del Real y lo organizaban el Ministerio de Cultura y la Miembra Aído, los precios fueron bastante más bajos que en otras ocasiones y yo aproveché y me saqué butaca de patio, primera fila, hala. Como decían mis amigas más malas: ¿qué? ¿para oírla? (Pues no, para verle los modelazos, no te jode).

Pues mira, esta vez el volumen no ha sido problema para ella. Claro que era recital con piano, el piano tenía la tapa bien cerradita y el pianista (qué ser, qué caritas) ayudaba todo lo que podía con el pedal. Pero vamos, que bien de volumen esta vez, y proyección sorprendente en algunos momentos.

El programa, pues eso, las cancioncillas de siempre aderezadas con alguna rareza. A destacar las canciones de Pauline Viardot: "Hai luli", que fue preciosa, y una Habanera esquizofréncia en dos idiomas y totalmente anárquica que fue bastante espantosa.

De La Danza de Rossini prefiero no opinar porque es una de mis canciones preferidas y Cecilia la destrozó. Con mucha gracia, pero la destrozó.

Para finalizar, el rataplán y el contrabandista, que hizo dos veces. Afortunadamente sin cuadro flamenco pero con los gritos swahilis de rigor, claro.

Lo mejor de todo, el primer bis, Ti voglio tanto bene, de Ernesto di Curtis, una cancioncilla de nada que hizo maravillosa, mágica.

En fin, se puede decir que fue la Bartoli en todo su esplendor, con sus virtudes y sus despiporres, (que el canto negro de Monsalvatge fue una locura).

Los modelitos, que se me olvida (imperdonable no comentarlo en este blog): primera parte con el mantel de la cena de Scarpia convertido en un palabra de honor que montaba un bamboleo pectoral bastante divertido. Y un collar de Swarovski que dejaba cegao a tol teatro. En el descanso, y a pesar de los taconazos, se echó una carrera hasta la calle Arenal, entró en Pronovias y arrampló con un clásico blanco con tirantitos para la segunda parte. ¿Te la imaginas vestida de sobrio negro como la von Stade?, me decía mi amigo la marchi. Pues no. Ella es así.

¡Qué caricatura! ¡Si García levantara la cabeza! exclamaba indignado el espectador perpetuamente ofendido de rigor después del segundo Contabandijta. Pues, como decía un amigo, sin gente como la Bartoli probablemente nadie se acordaría del buen García. En fin.

Los vídeos no se corresponden con el recital de ayer, pero bueno, son un ejemplo.

Björling

2009-04-13T13:10:00.001+02:00

Un par de ejemplitos.
Así, como para desengrasar después de tanta semanasanta.