Cinematófilos

Fue dicho

2008-07-30T10:45:00.001-03:00

Al neorrealismo lo inventé yo hace treinta años.

Además de un gran cineasta, Erich von Stroheim fue un hábil declarante. La frase corresponde a una entrevista con cinco periodistas uruguayos, entre ellos Homero Alsina Thevenet, realizada en San Pablo a comienzos 1954, en el marco de un festival en el que se exhibieron cinco de sus películas.

Más allá de la arrogancia de sus dichos, la idea no está mal: el neorrealismo italiano, que nació en 1943 con Obsesión (Ossessione), de Luchino Visconti, encuentra un antecedente en algunos aspectos del naturalismo de Avaricia (Greed, 1924), sobre todo su marcado énfasis en la pobreza y su obsesión por la autenticidad. ■

Batman, en defensa del orden establecido

2008-07-25T12:50:00.006-03:00

Por Andrés Fevrier

Casi todos los superhéroes del cómic estadounidense tiene una impronta claramente conservadora. Trabajan para mantener el orden establecido. No pretenden, por caso, modificar las condiciones que generan delincuencia: sólo buscan meter presos a los villanos. Y los villanos suelen perseguir objetivos tan individuales como egoístas: dominar el mundo, por ejemplo.

BATMAN, EL CABALLERO DE LA NOCHE (2008)
Título original: The Dark Knight. Fecha de estreno: en Estados Unidos, 18 de julio; en Argentina, 17 de julio. País: Estados Unidos. Duración: 152 minutos. Dirección: Christopher Nolan. Producción: Christopher Nolan, Charles Roven y Emma Thomas. Guión: Christopher Nolan, Jonathan Nolan y David Goyer. Fotografía: Wally Pfister. Montaje: Lee Smith. Música original: James Newton Howard y Hans Zimmer. Elenco: Christian Bale (Bruce Wayne/Batman), Heath Ledger (Guasón), Aaron Eckhart (Harvey Dent), Michael Caine (Alfred), Maggie Gyllenhaal (Rachel Dawes), Gary Oldman (James Gordon), Morgan Freeman (Lucius Fox), Eric Roberts (Salvatore Maroni).

En Batman, el caballero de la noche, ese orden se ve sacudido por la irrupción de un personaje enfermizo y psicótico, caótico, que mete una cuña en la clásica antinomia buenos-malos. Pero esta versión del hombre-murciélago poco tiene que ver con la de Tim Barton, y menos aún con los engendros de Joel Schumacher. Ni hablar de le televisiva versión pop de los sesenta.

Como el James Bond de Daniel Craig, este es el Batman de la era Bush. Más que de superhéroe el suyo es un accionar parapolicial. Se mete ilegalmente en otro país para capturar a un tipo, maltrata a un detenido para conseguir información, invade la privacidad de millones de personas. Primero pega y después pregunta. En este sentido sería sencillo sostener que el Guasón simboliza la amenaza terrorista, una de las banderas de la política estadounidense post 11-S. Pero la ambigüedad del film de Christopher Nolan (como la del humanamente dubitativo Bruce Wayne) no permite lecturas tan lineales.

La primera toma, un travelling aéreo, ya ofrece pistas sobre lo que se verá en las más de dos horas que siguen. Un film complejo en su narración, de ritmo vertiginoso, que no da descanso ni en sus escenas más serenas, cuando imperan los diálogos. Adulto y violento, aunque la violencia permanezca casi siempre en el fuera de campo. Más cercano en su estructura a un policial de Michael Mann que a cualquier otra adaptación de historietas, por momentos abruma pero jamás deja de entretener. Es como un coche en furioso movimiento al que el espectador se sube para transitar un presente continuo que nunca se detiene para mirar hacia atrás.

Todo esto se sostiene en sólidas actuaciones (lo de Heath Ledger está muy bien, sí, ayudado sin dudas por una impecable caracterización; pero, bien sabido es, nada redime más que la muerte) y notables efectos especiales puestos al servicio de una buena historia, que aunque se va desilachando al andar y cae en algunos maniqueísmos e inverosimilitudes no deja de ser vibrante. Se nota el buen pulso de Nolan, tanto para algunas escenas de acción pura y dura como para otras más líricas.

Ante tanta invasión de tanques que sólo buscan réditos comerciales, ante tanto blockbuster sin la más mínima inquietud artística, esta película funciona casi como un bálsamo. Reafirma que Hollywood es imbatible a la hora de ofrecer cine-espectáculo, pero en este caso además con ideas, inteligencia y algunos riesgos. Un film que aunque no se plantea romper esa lógica conservadora y algo infantil consigue ser un entretenimiento de calidad y sin subestimaciones. ■

El día que volverán a paralizar la Tierra

2008-07-15T19:55:00.005-03:00

Quienes vengan siguiendo desde hace un tiempo este espacio sabrán de la debilidad de su autor por Jennifer Connelly. Actriz sólida y efectiva que jamás alcanzó -tal vez por decisión propia- la carrera que se merecía, ganadora de un Oscar por la muy mediocre Una mente brillante (A Beautiful Mind, Ron Howard, 2001), es una de las mujeres más hermosas que dio el cine.

Jennifer además vive en Brooklyn, lejos del glamour insustancioso de Los Angeles, y no vota a los republicanos. Pero -esto ya no es tan bueno- filma relativamente poco y de manera esporádica: una docena de películas en los últimos diez años. Por eso siempre es bueno tener información suya.

En Argentina se espera la salida del DVD (ya casi no hay esperanzas de un estreno en cines) de Reservation Road (Terry George, 2007), un drama con Joaquin Phoenix, Mark Ruffalo y Mira Sorvino. Y en las últimas semanas llegaron noticias sobre un rifirrafe con Jennifer Aniston, ambas integrantes, junto a Scarlett Johansson, Ben Affleck, Drew Barrymore y Kris Kristofferson, del estelar elenco de He's Just Not That Into You, comedia de Ken Kwapis prevista para el año próximo.

Pero lo más interesante es su participación en la remake de un clásico de la ciencia ficción de los cincuenta: El día que paralizaron la Tierra (The Day the Earth Stood Still, 1951), de Robert Wise, una de las tantas películas del género que surgió al calor de la Guerra Fría, como contextualiza un muy buen artículo del blog La tetona de Fellini. Aunque vista hoy pueda parecer simplona y hasta naíf, aquella primera versión fue bastante osada en sus días. Tanto que el Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas tanteó a Wise para saber si estaba vinculado al comunismo.

Un platillo volador aterriza en Washington. De la nave baja un sujeto con extraña vestimenta y, aunque dice venir en son de paz, las fuerzas armadas estadounidenses, inquietas, lo reciben con un disparo. Luego de pasar por un hospital, Klaatu, el alienígena en cuestión, intenta llevar a cabo su cometido: advertirles a los líderes del mundo que paren su carrera nuclear porque otras civilizaciones temen que la Tierra se vuelva peligrosa para la galaxia. Klaatu, ingenuo, no contaba con las tensiones internas del planeta, que le imposibilitan una reunión con todos los jefes de estado. Entonces escapa y se mezcla entre los humanos, en un intento por encontrar a alguien que pueda escucharlo. Se trata de un film austero, de producción moderada y buenas ideas.

Hace unos días se lanzó el primer trailer de la nueva versión, que se estrenará el 12 de diciembre en Estados Unidos y aquí está prevista para el 8 de enero de 2009. La dirige Scott Derrickson, el de El exorcismo de Emily Rose (The Exorcism of Emily Rose, 2005). Klaatu está interpretado por Keanu Reeves, lo que no genera muchas esperanzas: su grito sobre el final de Matrix debería quedar en la antología de las escenas más involuntariamente cómicas de la historia del cine. Jennifer es Helen Benson, que no será una secretaria como en la versión original sino una experta en microbiología de la Universidad de Princeton. El elenco lo completan Kathy Bates, el inglés John Cleese y Jaden Smith, el hijo de Will. La gran pregunta es cómo intentarán recrear hoy el clima de la película de Wise, ya que los contextos son bastante diferentes.

Por la grandilocuencia desmedida de algunas imágenes del trailer, los antecedentes del director y el protagonismo de Reeves, el no siempre confiable olfato cinéfilo prevé un film de escasos méritos. Pero de todas maneras ahí estará este bloguer, recostado en su butaca, aunque más no sea para reafirmar cuán difícil es enojarse con una película cuando Jennifer Connelly aparece sonriendo en la pantalla. ■

Los asesinos de Burt Lancaster, Cassavetes y Tarkovsky

2008-07-02T07:28:00.009-03:00

Por Andrés Fevrier

Dos matones de sobretodo y sombrero entran al restaurante de un pueblo. Maniatan al cocinero y a un cliente y amenazan al dueño. Les dicen que están esperando a una persona que todas las noches cena allí, un boxeador sueco de apellido Anderson. No lo conocen, pero vienen a matarlo. La víctima no llega, y después de unas horas de esperar los matones deciden irse. Entonces el cliente del restaurante va a buscar a Anderson y le dice que quieren matarlo. El sueco, lejos de sorprenderse, se lo toma con calma. Se queda tirado en la cama, sin intensión de huir ni buscar ayuda. Está resignado, cansado de escapar de un final que parece inexorable.

Los asesinos (The Killers) es un cuento corto de Ernest Hemingway, publicado originalmente en 1927 en la revista Scribner's Magazine. Se lo puede leer completo en el sitio Ciudad Selva. Aunque la historia parece una trivialidad, insinúa una tragedia. No se sabe por qué los matones quieren asesinar al sueco. Tampoco si logran su cometido, aunque se da a entender que sí. Pero, sobre todo, no ofrece pistas sobre los motivos de la resignación de Anderson.

Una adaptación inventada

Hollywood adaptó dos veces esta breve historia. La primera se estrenó en 1946 y la dirigió Robert Siodmak, un alemán que, como muchos otros, llegó a Estados Unidos al escapar del nazismo. En Argentina se la conoció con el literal Los asesinos, pero en España el título fue Forajidos.

En su primer trabajo fuera de los grandes estudios, el productor Mark Hellinger pagó 36.750 dólares por los derechos del relato. Según cuenta Homero Alsina Thevenet en uno de los artículos de Historias de películas, el guión estuvo a cargo de Anthony Veiller y John Huston, aunque este último no apareció en los créditos porque tenía contrato con la Warner. La historia toma el cuento de Hemingway como punto de partida, lo narra en los primeros quince minutos y luego inventa toda una trama que explica por qué quieren matar a Anderson y por qué él está dispuesto a dejarse morir.

La película marcó el debut de Burt Lancaster, que venía de una carrera como acróbata y luego se convertiría en una estrella, Oscar incluido. Y fue, luego de un par de docenas de apariciones menores en la pantalla grande, el primer papel importante de la bellísima Ava Gardner, que unos años más tarde se casaría con Frank Sinatra.

El sueco Anderson (Lancaster), boxeador sin futuro, se involucra con una mujer fatal, Kitty Collins (Gardner), y se une a una banda encabezada por Jim Colfax (Albert Dekker) para robar una fábrica. En medio de traiciones y juegos a dos puntas, Anderson se queda con los más de 250 mil dólares del botín en complicidad con Kitty. Pero la mujer lo traiciona y el sueco, desilusionado, se retira y comienza una nueva vida en un pueblito a la espera del inexorable final.

Se trata de un film-noir clásico aunque complejo, lleno de flashbacks, en el que la narración sigue la investigación de un inspector de una compañía de seguros (Edmond O'Brien). Recibió cuatro nominaciones a los premios Oscar, una de ellas por guión adaptado. Pero con sólo verlo queda claro que aunque nace del cuento de Hemingway la mayor parte de la historia fue inventada para el film.

De la televisión al cine

La segunda película es de 1964. También titulada The Killers, en Argentina se la conoció como Amor de víbora y en España como Código del hampa. Planeada originalmente por la NBC como un telefilm, por su violencia finalmente fue estrenada por la Universal en cines. La dirigió ese gran artesano que fue Don Siegel y, más allá del cuento de Hemingway, tiene varios puntos en común con la versión anterior, una clara influencia.

El sueco Anderson se llama aquí Johnny North, y no es boxeador sino piloto de carreras. Lo interpreta John Cassavetes, un auténtico outsider que supo como pocos combinar una carrera sumamente personal dentro y fuera del mainstream. Con algunas variantes, la respuesta a por qué se queda esperando que lo maten sin intención de defenderse es la misma que en el film de Siodmak: la desilusión ante la traición femenina.

La investigación la llevan adelante los propios asesinos (Lee Marvin y Clu Gulager) luego de matar a North en una escuela para ciegos. Los impulsan dos cuestiones: saber qué lo motivó a no oponer resistencia y obtener el botín del robo, que en este caso es de un millón de dólares.

Como en la primera versión, North se relaciona con una mujer fatal, Sheila Farr (Angie Dickinson), que por sus habilidades al volante logra involucrarlo en el asalto a un camión del correo. Al jefe de la banda, que además es el amante de Sheila, lo interpreta Ronald Reagan, unos cuantos años antes de que alguien (ni siquiera el doctor Brown de Volver al Futuro) pudiera imaginar que llegaría a ser presidente de Estados Unidos. De hecho, este fue su último papel en el cine antes de ingresar a la política, y el único villano de su carrera.

Con varios fashbacks y muertes por doquier, la historia, aunque con una estética demasiado televisiva, va ganando intensidad a medida que avanza. El cierre es más trágico que el de la versión de 1946, y combina elementos de los finales de tres grandes policiales de los cincuenta: Mientras la ciudad duerme (The Asphalt Jungle, John Huston, 1950), Rififi (Du rififi chez les hommes, Jules Dassin, 1955) y Casta de malditos (The Killing, Stanley Kubrick, 1956).

Lamentablemente ninguna de las películas fue editada en DVD en Argentina. Sólo se consigue una excelente edición de Criterion (perdón por la redundancia) de dos discos, uno por película, aunque sin subtítulos en castellano. En Amazon se ofrece a 31,99 dólares.

Curiosidad: la actriz Virginia Christine trabajó en ambos films. En el primero interpreta a Lilly, una novia del sueco Anderson que al final se casa con el teniente Sam Lubinsky. En el segunda, 18 años después, tiene una breve aparición al comienzo como la señorita Watson, recepcionista ciega que atiende a los asesinos cuando van a matar a North.

Un estudiante con futuro

Entre las dos mencionadas hubo una tercera versión, la más curiosa de todas y también la menos conocida. La realizó el ruso Andrei Tarkovsky en 1958, mientras era estudiante del Instituto Estatal de Cinematografía (VGIK), en Moscú, como un ejercicio para la clase que dictaba Mikhail Romm.

Tarkovsky dirigió el cortometraje con dos compañeros de estudio, Marika Beiku y Aleksandr Gordon. El film está claramente dividido en tres partes: el comienzo y el final, que transcurren en el restaurante al que llegan los asesinos, y la escena en la que le avisan a Anderson, en la habitación de un hotel, que dos hombres quieren matarlo. Gordon cuenta en un artículo publicado en el excelente sitio Nostalghia (que recopila información sobre vida y obra del realizador de Solaris) que Tarkovsky se encargó de la primera y la última junto a Beiku, aunque él tomó la mayoría de las decisiones.

Si bien se trata de su primer trabajo, Ubiitsy (título en ruso) ya deja ver algunas de las características que luego integrarían el repertorio del genial director ruso. Diálogos breves, un buen manejo de las pausas y los silencios, algunos interesantes movimientos de cámara, el clima de tensión. El propio Tarkovsky, aún sin su clásico bigote, interpreta a uno de los clientes que entran al restaurante donde los asesinos esperan al sueco. Mientras aguarda que le preparen un sándwich para llevar silva la popular canción Lullaby of Birdland, de George Shearing y George David Weiss.

La cinta está disponible en una edición en VHS de Yesterday Video Home junto a otro de sus primeros trabajos, La aplanadora y el violín (Katok i skripka, 1961). O, más cómodo, pueden hacer click en el video de más arriba para ver el corto, completo y con subtítulos. Se trata de la transcripción cinematográfica más fiel del cuento, y para eso alcanzan sus 19 minutos. Como bien señala Alsina Thevenet, podría haber sido aprobada por Hemingway. Aunque lo más probable es que en el momento del suicidio el autor de El viejo y el mar ignorara su existencia. ■

El lado oscuro de la Fuerza

2008-06-25T20:07:00.003-03:00

El 25 de mayo de 1977 se estrenó en Estados Unidos una de las películas más influyentes de la historia del cine: La guerra de las galaxias (Star Wars), tercer largometraje de George Lucas que cambió para siempre la forma de ver, hacer y comercializar el cine.

El 15 de mayo de 2005, a pocos días del estreno de Episodio III de la saga (La venganza de los Sith, última entrega de la segunda trilogía, sexta película que en realidad es la tercera, ¿me entiende?), Rodrigo Fresán publicó una nota en el suplemento Radar de Página/12 que ya desde el ingenioso título salía a buscar roña: El que te jedi. Con algunos argumentos sólidos y otros bastante endebles, Fresán se dedicó a destrozar a la saga y a Lucas.

Acierta al plantear que Star Wars trivializó el espacio exterior luego de películas como 2001: una odisea espacial (2001: A Space Odyssey, Stanley Kubrick, 1968) o Solaris (Solyaris, Andrei Tarkovski, 1972), con las que el cine de ciencia ficción había sacado chapa de serio y alegorizaba sobre los posibles destinos de la humanidad. La saga que comenzó Lucas es entretenimiento puro y duro, con mucha ficción y nada de ciencia. Una historia de acción y aventuras con un trasfondo político simplón que toma un poco de todos lados (la obra de J. R. R. Tolkien, la de Frank Herbert, los estudios de Joseph Campbell, la tradición Samurai y de los westerns).

Pero por otro lado sería necio negar los aportes técnicos de Lucas y su compañía, Light & Magic. Una de los más importantes -y menos conocidos- es el Dykstraflex, sistema de control de movimiento diseñado por John Dykstra para L&M que fue esencial en los travellings sobre las maquetas de la película, ya que permitía programar con precisión el recorrido de la cámara. Algo similar ocurrió con el perfeccionamiento del sistema de bluescreeen (pantalla azul), sin el cual el film hubiese sido imposible.

Todo esto viene a cuento de que en julio, tal vez por la proximidad de las vacaciones de invierno, el Centro Cultural Borges exhibirá las primeras cinco películas de la saga, desde la iniciática Star Wars hasta Episodio II - El ataque de los clones (Star Wars: Episode II - Attack of the Clones, 2002). Los detalles, aquí.

La gacetilla de prensa no aclara cuáles de todas las versiones se proyectarán. Porque bien conocida es la obsesión de Lucas por algunos detalles. En la primera película, por ejemplo, hay una escena en la que Han Solo (Harrison Ford) recibe el apriete de Greedo, uno de los hombres de Jawa, para que pague una deuda. En la versión original de 1977 Han saca su pistola y dispara primero por debajo de la mesa; en la estrenada en 1997 el primer en tirar es Greedo, lo que le quitaba al personaje de Ford su carácter westerniano; por último, la edición especial en DVD mostraba a los dos disparar al mismo tiempo.

Recuerdo la enorme fascinación que me generaba ver en la gigantesca pantalla del cine Gaumont a Luke Skywalker y los suyos en medio de furiosos enfrentamientos con sables láser. Tenía entonces siete años. La segunda parte de la trilogía, mal planteada desde el vamos, acarreó una desilusión profunda. Supongo que yo crecí y las películas no: seguían apuntando a un público promedio de doce años. Es por eso hoy me parece mucho más interesante la puesta experimental de THX 1138 (1970), aquel primer largo de Lucas. ■

Fue dicho

2008-06-12T08:21:00.001-03:00

Que el rollo de película virgen tenga sólo once minutos es una forma de censura de parte de Kodak.

El húngaro Béla Tarr en una entrevista con el diario Clarín en 2001, cuando visitó Buenos Aires a propósito de una retrospectiva de su obra en el tercer Bafici. La frase, como dice Diego Lerer, da cuenta de dos cosas: la preferencia del realizador por las tomas largas y su inteligente sentido del humor. ■

Una Barbie anoréxica

2008-06-09T21:15:00.001-03:00

Si no hay cambios de último momento (puede haberlos, como ya ocurrió con esta y esta otra), el jueves 19 se estrena en Buenos Aires I'm Not There (2007), la personal visión de Todd Haynes sobre la carrera de Bob Dylan que ya se exhibió en el último Bafici. Pero antes de esta última película, antes de Lejos del paraíso (Far from Heaven, 2002) y sus cuatro nominaciones al Oscar, antes de Velvet Goldmine (1998) e incluso de A salvo (Safe, 1995) y Poison (1991), Haynes debutó con un mediometraje tan curioso como polémico.

Superstar: The Karen Carpenter Story (1987) cuenta, como es obvio desde el título, la historia de Karen Carpenter, dulce cantante del dúo The Carpenters que vivió el éxito en los setenta y murió en 1983, a los 32 años, por problemas vinculados a la anorexia. Se narran sus comienzos junto a su hermano Richard, su ascenso hacia la fama, los conflictos con la industria, el clima político de la época, la relación con su familia y sus problemas con su imagen y la comida. Hasta aquí, un biopic más o menos convencional.

El asunto es que Haynes decidió que los "interpretes" de este mediometraje sean muñecas Barbie y muñecos Ken. Más allá de la obvia interpretación (la muñeca más famosa es un símbolo de belleza y juventud desde hace casi 50 años), la decisión desorienta. Por momentos no queda claro si Haynes se toma en serio el tema, aunque el conjunto y algunos hechos posteriores hacen suponer que sí, que la intención fue realizar un abordaje serio y respetuoso de la vida de Karen y su enfermedad. Consigue además, a pesar de la lógica inexpresividad de los "actores", crear buenos climas.

Los hechos posteriores fueron una serie de causas judiciales. Richard demandó a Haynes porque utilizó las canciones de The Carpenters sin pagar derechos de autor. Aunque el realizador ofreció proyectar el film sólo en escuelas e instituciones y donar lo recaudado a un centro para la investigación de la anorexia, la película hoy no se puede exhibir. Hubo una segunda demanda, por el tratamiento que recibe Richard (en una escena se deja entrever su homosexualidad). Y una tercera, por parte de la empresa Mattel, por la aparición de su producto en pantalla.

Así es que Superstar salió de circulación rápidamente, situación que se mantiene hasta hoy y que potenció su estatura de realización de culto. Pero, claro, siempre está internet. El mediometraje se puede descargar desde el sitio Ilegal Art. También está disponible en Google Video. Y si se busca en el eMule incluso se pueden hallar subtítulos.

La de Haynes no fue la única película protagonizada por la célebre muñeca que tuvo problema con la ley. La proyección de Barbie's Audition (1995), cortometraje de Joe Gibbons también disponible en Ilegal Art, fue cancelada en Sundance por cuestiones simulares. En cambio, el corto Barbie también puede eStar triste (2001), un melodrama porno dirigido por Albertina Carri y con voces de Juana Molina y Eusebio Poncela, entre otros, tuvo mejor suerte: se estrenó en el cine Cosmos y luego se pudo ver varias veces en el Malba hace tres años. ■

Jim Jarmusch por siete

2008-06-01T11:32:00.003-03:00

Hace poco más de dos meses el sello AVH lanzó un pack que reúne siete de los diez largometrajes de Jim Jarmusch, uno de los más célebres exponentes del cine independiente estadounidense (el único país del mundo donde el término "independiente" tal vez aún tenga algún sentido). Se consigue a 174,90 pesos en Musimundo, DVD Museum y otros locales.

El Centro Cultural Borges inaugura hoy un ciclo dedicado a Jarmusch que se extenderá durante todo junio. Casualmente -o no tanto- se exhibirán las mismas siete películas que vienen en el pack. Este es el programa completo:

Vacaciones permanentes (Permament Vacation, EE.UU., 1980)
Duración: 72 minutos. Elenco: Chris Parker, Jhon Lurie, Maria Duval.
Hoy y el viernes 20 junio.

Extraños en el paraíso (Stranger Than Paradise, EE.UU./Alemania, 1984)
Duración: 90 minutos. Elenco: Jhon Lurie, Richard Adson, Eszter Balint.
Viernes 6 y sábado 21 de junio.

Bajo el peso de la ley (Down by Law, EE.UU, 1886)
Duración: 107 minutos. Elenco: Tom Waits, Roberto Benigni, Nicoletta Braschi, Jhon Lurie, Ellen Barkin.
Sábado 7 y domingo 22 de junio.

Mystery Train (EE.UU, 1989)
Duración 110 minutos. Elenco: Nicoletta Braschi, Jay Hawkins, Tom Waits, Joe Strummer.
Domingo 8 y viernes 27 de junio.

Una noche en la tierra (Night on Earth, EE.UU/Francia/Reino Unido/Alemania/Japón, 1991)
Duración: 128 minutos. Elenco: Winona Ryder, Giancarlo Esposito, Gena Rowlands, Roberto Benigni, Beatrice Dalle, Matti Pellonpaa, Rosie Perez, Armin Mueller-Stahl.
Viernes 13 y sábado 28 de junio.

Flores rotas (Broken Flowers, EE.UU, 2005)
Duración: 106 minutos. Elenco: Bill Murray, Jefrey Wright, Sharon Stone, Frances Conroy, Jesssica Lange, Tilda Swinton, Julie Delpy.
Sábado 14 de junio.

Hombre muerto (Dead Man, EE. UU/Alemania/Japón, 1995).
Duración: 121 minutos. Elenco: Johnny Deep, Gary Farmer, Lance Henriksen, Michael Wincott, Eugene Byrd, Mili Avital, Crispin Glover, Iggy Pop, Billy Bob Thornton, Pared Harris, Gabriel Byrne, John Hurt, Robert Mitchum.
Domingo 15 y domingo 29 de junio.

Todas las funciones son a las 19. Las entradas cuestan ocho pesos. Más información, acá. ■

De calidades y pirateadas

2008-05-27T07:31:00.000-03:00

Cuando se habla de piratería hay un aspecto que, aunque algo marginal y de acotada influencia en el fenómeno, no suele incluirse en la discusión. Se trata de la calidad de las ediciones originales en DVD. En general, quienes compran películas truchas no suelen fijarse en estas cuestiones; a veces, incluso, da lo mismo un VCD que un DVD, si está tomado de una buena fuente o es un screener o CAM, si está doblado o con subtítulos. Importa verlo antes. O verlo en casa por unos pocos pesos, bastantes menos que las para muchos inalcanzables entradas de cine.

Otros, en cambio, están atentos a la calidad de la edición. Y en Argentina con frecuencia los lanzamientos dejan mucho que desear.

Las imágenes de arriba son capturas de Friend (Chingoo, Kwak Kyung-Taek, 2001), película surcoreana bastante floja y plagada de clichés. Pero en este caso no importan los méritos del film. La primera corresponde a la edición local en DVD, lanzada por el sello AVH y alquilada en un videoclub. La segunda, a un archivo descargado con el eMule. La diferencia es evidente: una está adaptada para televisión (1.33:1, o 4:3); la otra respeta el aspecto original de ancho y alto (1.78:1, o 16:9).

Es apenas un ejemplo -demasiado frecuente- pero se podrían citar decenas. Desde la falta de extras hasta la ausencia de subtítulos. ¿Vale la pena, entonces, pagar 29,90 pesos por la edición de AVH de Tarde de perros (Dog Day Afternoon, Sidney Lumet, 1975), que viene en fullscreen y sin extras, si alguno de los varios dealers que andan dando vueltas puede conseguir la edición especial de dos discos por la mitad de plata? ■

El imperio de los sentidos

2008-05-22T19:44:00.004-03:00

Por Andrés Fevrier

El cine de Wong Kar-wai es eminentemente visual. Aunque esto puede sonar a perogrullada (el cine es un arte visual), el realizador chino siempre puso especial énfasis en lo sensorial, en una acepción amplia del término. "Yo escribo como director, no como guionista; de manera que escribo con imágenes", sostuvo en una entrevista. "La música tiene que ser visual; debe tener una química que funcione con la imagen (...) Porque la música es un color; es como un filtro que tiñe todo de un tono diferente", agregó [1].

EL SABOR DE LA NOCHE (2007)
Título original: My Blueberry Nights. Fecha de estreno: en Francia, 28 de noviembre; en Argentina, 29 de mayo de 2008. País: Francia/Hong Kong/China. Duración: 111 minutos. Dirección: Wong Kar-wai. Producción: Stéphane Kooshmanian, Jean-Louis Piel, Pamela Thur, Jacky Pang Yee Wah, Wang Wei, Wong Kar-wai. Guión: Wong Kar-wai y Lawrence Block. Fotografía: Darius Khondji. Montaje: William Chang. Música original: Ry Cooder. Elenco: Jude Law (Jeremy), Norah Jones (Elizabeth), David Strathairn (Arnie Copeland), Rachel Weisz (Sue Lynne), Natalie Portman (Leslie).

El sabor de la noche, que compitió el año pasado en Cannes y se estrena el próximo jueves en Buenos Aires, es su última película. Y la primera que filma en Estados Unidos, hablada en inglés, con un (notable e infrecuente) elenco anglosajón y con mayoría de técnicos estadounidenses. Y también, tal vez, la menos personal de su filmografía.

Elizabeth (Norah Jones, en su debut como actriz) es el hilo conductor de tres historias de desencuentros y pérdidas. Luego de dejar a medias una relación con otra alma en pena en Nueva York, viaja por el país en su propia búsqueda (la de ella misma) y en el camino se va involucrando en las vidas de personajes sin pertenencia. Un policía que perdió a su esposa, una mujer que perdió a su esposo, una jugadora que perdió a su padre. Todo transcurre en lugares públicos -un bar, un restaurante, un casino-, sin dueño, de paso.

No sólo la música tiñe todo de un tono diferente. La cámara, inquieta, nunca deja de moverse (a veces hasta parece esconderse) y suele mostrar a través de diversos "filtros": un vidriera, un frasco, una cortina, la lluvia, un espejo, una cámara de seguridad. En esta artificiosidad se reconocen algunas de las marcas de autor, como el uso reiterado de la cámara lenta. Pero también ahí, en cierta estilización insustanciosa, prima lo sensorial en detrimento de la intensidad narrativa.

La música de Norah Jones es catalogada con frecuencia como easy listening (fácil de escuchar). Es agradable, pulcra, dócil, liviana pero a la vez con alguna leve profundidad, poco conflictiva, sin demasiados riesgos. Una música que se disfruta mientras dura y se olvida rápidamente. Más o menos como la película de Wong Kar-wai. ■

[1] Las frases fueron extraídas de una entrevista publicada en el libro Lecciones de cine, de Laurent Tirard (editorial Paidós, 2004).

Algunas cuestiones acerca de A la hora señalada

2008-05-18T19:32:00.004-03:00

Por Andrés Fevrier

Carl Foreman nació el 23 de julio de 1914 en Chicago. De familia judía, estudió en la Universidad de Illinois y una vez recibido se mudó a Los Angeles, donde comenzó a trabajar como guionista.

El servicio militar en 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, interrumpió su carrera en el cine, que pudo retomar hacia fines de la década, cuando se asoció con Stanley Kramer. Crearon una productora independiente y junto a algunos realizadores inquietos, como Richard Fleischer, Mark Robson y Edward Dmytryk, tuvieron un puñado de éxitos, con El triunfador (Champion, Robson, 1949) a la cabeza. Protagonizada por Kirk Douglas, la película recibió varias nominaciones a los premios Oscar, entre ellas una por el guión. Así, en 1950 Foreman ya era uno de los escritores top de Hollywood.

A LA HORA SEÑALADA (1952)
Título original: High Noon. Fecha de estreno: en Estados Unidos, 13 de agosto; en Argentina, 14 de mayo de 1953. País: Estados Unidos. Duración: 85 minutos. Dirección: Fred Zinnemann. Producción: Carl Foreman (sin acreditar) y Stanley Kramer. Guión: Carl Foreman. Fotografía: Floyd Crosby. Montaje: Elmo Williams y Harry W. Gerstad. Música: Dimitri Tiomkin. Elenco: Gary Cooper (Will Kane), Thomas Mitchell (Jonas Henderson), Lloyd Bridges (Harvey Pell), Katy Jurado (Helen Ramírez), Grace Kelly (Amy Fowler Kane), Otto Kruger (Percy Mettrick), Lon Chaney Jr. (Martin Howe), Harry Morgan (Sam Fuller).

Las realizaciones de la factoría Foreman-Kramer compartían un patrón: por un lado eran películas de género, con pautas más o menos convencionales, lo que facilitaba su comercialización; por otro, planteaban un abordaje de lo social que era bastante infrecuente en el Hollywood de aquellos años. El triunfador, por ejemplo, era un relato de acción ambientado en el mundo del boxeo, pero, como sostiene Fernando Martín Peña, "no había que hilar demasiado fino para descubrir que en ese ambiente se concentraba una crítica más general a la sociedad norteamericana del período" [1].

A principios de 1951 Foreman comenzó a trabajar en el guión de un western. Según le contó años después al historiador Rudy Behlmer, la historia surgió como una metáfora para representar a las Naciones Unidas, organización en la que entonces creía. Aquellas primeras ideas ambientaban la acción en el Oeste. Enfrentaban a un asesino con un sheriff, mientras este último buscaba infructuosamente ayuda para proteger al pueblo. Foreman ignoraba la existencia de The Tin Star, un cuento de John W. Cunningham ambientado en la misma época y de argumento muy similar. La productora debió adquirir los derechos para evitar una posterior acusación de plagio.

En abril de aquel año Foreman recibió una citación del Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas. La carta no lo sorprendió del todo: desde 1947, cuando el Comité posó su mirada inquisidora sobre Hollywood, preveía que él también sería interrogado. Debía presentarse en junio para declarar sobre sus contactos con el Partido Comunista. La audiencia se pospuso luego para septiembre, lo que le otorgó más tiempo para preparar su defensa. Y también para darle otro sentido a su trabajo.

La soledad

El guión comenzó a girar entonces hacia su situación personal. Así la historia se fue modificando para centrarse en la figura de un sheriff de un pequeño pueblo que, luego de su boda y a punto de retirarse, recibe la noticia de que en el tren del mediodía (de allí en título en inglés, High Noon [2]) llegará un criminal al que él había capturado unos años antes. Lo esperan dos secuaces, y juntos planear vengarse. Cuando el comisario comienza a buscar ayuda para enfrentarlo todos sus amigos le dan la espalda. Y descubre su soledad. "Aquí en Hollywood mi problema fue sentirme muy solo. No estaba en el bando de nadie. No era miembro del Partido Comunista en ese entonces, con lo cual no quería estar con ellos, pero obviamente me era impensable convertirme en delator. Sabía que estaba muerto; sólo quería morir bien. Es el tipo de situación en donde no se puede ganar pero donde se siente que hay que actuar de cierta manera. Y supongo que, sí, eso se ha filtrado en mi obra", contó Foreman en una entrevista publicada en 1979 en la desaparecida revista American Film.

La citación del Comité puso en riesgo el proyecto, que ya estaba bastante adelantado. Pero durante la preproducción Foreman no reveló el sentido que quería darle a su obra. Fred Zinnemann aceptó hacerse cargo de la dirección porque le interesaba hacer un western, y además se dio cuenta de que la historia le permitiría trabajar con los tiempos de un modo inusual. Gary Cooper, que ya era una estrella, se entusiasmó con el proyecto y resolvió trabajar por una quinta parte de su salario habitual más un porcentaje en las ganancias. Entonces Foreman pudo continuar con su tarea de guionista y productor. El resto del elenco se completó con actores secundarios poco conocidos pero con oficio. Y una chica en ascenso consiguió su primer papel importante: Grace Kelly.

El rodaje comenzó el 6 de septiembre de 1951. Unos días después Foreman debió presentarse ante el Comité Parlamentario. Aunque no estaba afiliado al Partido Comunista desde los tiempos de la universidad, se escudó en la Quinta Enmienda de la constitución estadounidense, que brinda el derecho a no responder preguntas cuyas respuestas pudieran ser autoincriminatorias. Como él mismo había previsto, su falta de cooperación con el Comité lo ubicó inmediatamente en las listas negras.

Luego de la filmación se vio obligado a desvincularse de la productora. Aunque se había desempeñado también como productor ejecutivo, los créditos sólo aparece como guionista, rubro en el que fue nominado al Oscar [3]. Vendió su parte de la sociedad y se exilió en Londres, donde comenzó a trabajar con el seudónimo de Derek Frye.

El corte final del film estuvo a cargo del montajista Elmo Williams, a quien Zinemann le había dejado algunas indicaciones. Luego de una primera versión que no cumplió con las expectativas de Kramer, Williams se encerró un fin de semana con la película e hizo unos cuantos cambios. Entre otras cosas suprimió unos veinte minutos, en los que desapareció una subtrama en la que un ayudante del comisario (interpretado por el actor James Brown) iba camino al pueblo con un prisionero que le causa demoras. Esas escenas se habían filmado para incrementar el suspenso: de llegar a tiempo este ayudante podría estar junto al sheriff en la confrontación. Pero nada de eso apareció en el corte final, por lo que muchos le otorgan parte de los méritos del film a Williams [4].

Finalmente, la premiere de realizó el 24 de julio de 1952 en Nueva York. Inmediatamente generó varios elogios y algunas críticas. Se cuestionó la disparidad de la pareja central (Cooper tenía 50 años y Kelly, 22), y Howard Hawks y John Wayne se sintieron ofendidos por la película: el primero objetó el tema, porque no le pareció verosímil que un sheriff reclame colaboración para cumplir con su deber. Para peor, en la escena final lo salva su esposa. Esto los inspiró a hacer Río Bravo (Rio Bravo, 1959) y El Dorado (1966), historias en las que los sheriffs se niegan a pedir ayuda para hacer su trabajo.

A pesar de estos cuestionamientos y de algunas dudas que se generaron en las proyecciones previas al estreno, en líneas generales la recepción de los críticos fue muy buena, lo que colaboró para el éxito de taquilla del film [5]. Hoy ya nadie pone en duda que se trata de un clásico [6].

El superwestern

Se elogió, sobre todo, el manejo del tiempo, que acrecienta el suspenso de la historia. La segunda mitad del film transcurre en tiempo real, lo que se puede comprobar sincronizando un reloj con cualquiera de los muchos que aparecen en pantalla.

También se destacó la música. Se decidió utilizar la balada Do Not Forsake Me, compuesta por Dimitri Tiomkin con letra de Ned Washington, durante toda la acción. En el film la interpreta el cantante y actor Tex Ritter, una figura de los westerns clase B. Tiomkin pretendía tener la canción grabada y distribuida antes del estreno de la película, pero la discográfica que tenía bajo contrato a Ritter no se interesó. La versión del LP, entonces, la grabó el popular Frankie Laine. Pero en el film se utilizó la versión de Ritter.

En diciembre de 1955 André Bazin publicó en Cahiers du Cinéma un artículo titulado "Evolución del western". Allí incluye a A la hora señalada en la categoría de superwestern, que aunque pueda parecer elogiosa es más que nada descriptiva. Se trata, escribió, de una western que "se avergüenza de no ser más que él mismo, e intenta justificar su existencia con un interés suplementario: de orden estético, sociológico, moral, psicológico, político, erótico..., en pocas palabras, por un valor artístico extrínseco al género y que se supone capaz de enriquecerle". Aunque a Bazin le parece "un bello film", aclara: "Yo no soy de los que se les hace agua la boca delante de A la hora señalada". Pero reconoce que "la certera adaptación de Foreman consiste en hacer coincidir una historia que podría muy bien encontrar su desarrollo en otro género, con un tema tradicional del western. Es decir, tratando al western como una forma que tiene necesidad de un contenido".

El contenido que menciona Bazin es una clara alegoría sobre la caza de brujas maccarthysta. El pueblo, cobarde e indiferente, deja solo ante el peligro al sheriff Kane. Todos le dan la espalda, incluso el ayudante despechado (Lloyd Bridges) que pretendía el puesto del comisario. En este sentido es notable, como se puede ver en el video, el travelling previo al enfrentamiento con los villanos, que parte de un plano medio y se va alejando hasta revelar la más absoluta soledad. Al final Kane triunfa en la batalla, y cuando los habitantes del pueblo se le acercan arroja al suelo su insignia, algo que veinte años después también haría, aunque por motivos bien diferentes, Harry Callahan en Harry el sucio (Dirty Harry, Don Siegel, 1971) [7].

Con todo esto en cuenta no debe ser casualidad, como especula Peña, que el personaje que interpreta Henry Morgan en el film se llame Sam Fuller, como el realizador de El rata (Pick Up on South Street, 1952), película abiertamente anticomunista. Foreman conocía a Fuller del Sindicato de Escritores Cinematográficos, y probablemente le haya molestado su actitud, más que ambigua, con respecto al maccarthysmo. En la ficción, Fuller se niega a ayudar a Kane y ni siquiera se atreve a decírselo: se escuda detrás de las polleras de su mujer. ■

[1] Tomado del artículo "La guerra de un solo hombre", de Fernando Martín Peña, publicado en la página web del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba).
[2] En Argentina se la conoce como A la hora señalada. La infinita cantidad de veces que el título de film se utilizó en artículos periodísticos de todo tipo confirma que se trató de un gran hallazgo. En España se estrenó como Solo ante el peligro. La película aún no tiene una edición acorde a su estatura de clásico. Hace unos años AVH lanzó en Argentina un DVD que no trae extras y ni siquiera respeta el formato original de pantalla (1.37:1). Se consigue en Musimundo a 29,90 pesos. En Estados Unidos, el sello Lionsgate anunció para el 10 de junio el lanzamiento de una edición de dos discos plagada de material adicional. En Amazon se ofrece a un precio de lista de 19,98 dólares.
[3] A la hora señalada recibió siete nominaciones a los premios Oscar de 1953, por película, dirección, guión, edición, actor protagónico, música original y canción. Se llevó la estatuilla en estas últimas cuatro categorías. Curiosamente, Gary Cooper no pudo asistir a la ceremonia: John Wayne recibió el premio en representación suya.
[4] Luego de su reconocido trabajo en A la hora señalada, Williams pasó rápidamente a la dirección. Realizó seis películas: la primera fue El tejano (The Tall Texan, 1953), con la participación de varios actores que integraban las listas negras.
[5] La película costó alrededor de 750 mil dólares y recaudó ese año cerca de 3.750.000 sólo en Estados Unidos. En el resto del mundo las ganancias alcanzaron los 18 millones de dólares.
[6] El American Film Institute elaboró en 1998 una lista de las cien mejores películas de la historia del cine estadounidense. A la hora señalada figuró en el puesto 33. El ránking fue actualizado en 2007, y el western de Zinnemann escaló hasta el puesto 27.
[7] En el final de Duro de matar (Die Hard, John McTiernan, 1988) el malvado Hans (Alan Rickman) le dice a McClane (Bruce Willis), mientras tiene de rehén a su esposa y lo obliga a tirar el arma: "Parece que esta vez John Wayne no terminará marchándose con Grace Kelly". McClane lo corrige: "Ese fue Gary Cooper, idiota". Apenas un ejemplo de las amplias referencias a A la hora señalada en la cultura popular. El film, además, tuvo una secuela (el telefilme High Noon, Part II: The Return of Will Kane, de 1980, dirigido por Jerry Jameson, con Lee Majors y David Carradine) y una remake homónima filmada en Canadá, con dirección de Rod Hardy y actuaciones de Tom Skerritt, Maria Conchita Alonso, Dennis Weaver y Michael Madsen, entre otros.

Fuentes de este artículo
Alsina Thevenet, Homero: Historias de películas, El Cuenco del Plata (2006).
Bazin, André: ¿Qué es el cine?, Ediciones Rialp (2004).
Russo, Eduardo A.: Diccionario de cine, Paidós (2003).

Crímenes insípidos

2008-05-16T00:55:00.010-03:00

Por Andrés Fevrier

Las críticas de casi todos los diarios compararon la última película de Alex de la Iglesia con la novela en la que se basa, algo que no suele ser tan frecuente. Este caso es, sin dudas, tentador: el libro en cuestión, Crímenes imperceptibles, no sólo es de un autor argentino (Guillermo Martínez) sino que además tuvo bastante éxito acá, Premio Planeta incluido. Pero un film es una obra en sí mismo, más allá de su procedencia, y debería ser analizado como tal. Se puede decir (a muy grandes rasgos y para no entrar en contradicción con lo antepuesto) que Los crímenes de Oxford mantiene el ambiente anacrónico de la novela pero que cuando mete mano -algo inherente a toda adaptación- suele pifiarla.

LOS CRIMENES DE OXFORD (2008)
Título original: The Oxford Murders. Fecha de estreno: en España, 8 de enero; en Argentina, 8 de mayo. País: España/Francia. Duración: 107 minutos. Dirección: Alex de la Iglesia. Producción: Mariela Besuievski, Gerardo Herrero, Alex de la Iglesia, Elena Manrique. Guión: Jorge Guerricaechevarría y Alex de la Iglesia, según una novela de Guillermo Martínez. Fotografía: Kiko de la Rica. Montaje: Alejandro Lázaro y Cristina Pastor. Música: Roque Baños. Elenco: Elijah Wood (Martin), John Hurt (Arthur Seldom), Leonor Watling (Lorna), Julie Cox (Beth).

Martin es un estudiante norteamericano que llega a Inglaterra para realizar un doctorado. Pero su motivación más fuerte es conseguir que Arthur Seldom, un reconocido matemático, se convierta en su tutor. Luego de un desencuentro inicial los une el asesinato de una anciana, aparentemente perpetrado por un asesino que deja acertijos matemáticos. Los crímenes y las pistas se suceden. Todos los personajes pasan a ser posibles culpables y la película va tirando pistas para que el espectador intente, junto a los protagonistas, develar el misterio.

Todo esto se narra de una forma convencional, más que compleja confusa, con largos y aburridos parlamentos, algún alardeo innecesario (el artificioso plano secuencia de los primeros minutos) y ningún interés por arriesgar o, menos aún, innovar. Lo que redunda en una película solemne y sin sustancia, donde las muertes no conmueven y apenas funcionan como eslabones de un enigma lógico. La mano de De la Iglesia, director que sin lograr grandes films supo ser generoso en ideas, apenas se nota en alguna efímera y marginal pincelada de humor negro.

Las interpretaciones tampoco colaboran. Aunque Elijah Wood está correcto, John Hurt no se preocupa ni un poquito por transpirar la camiseta y su participación nunca se despega del piloto automático. Los personajes secundarios se aproximan con demasiada frecuencia al estereotipo. La española Leonor Watling, más rellenita que de costumbre, es la única que aporta un poco de color a una película desapasionada e insípida. ■

Sexo, política y cine con Wakamatsu

2008-05-11T10:55:00.001-03:00

Luego del repaso a su obra en el reciente Bafici, Kôji Wakamatsu se queda unos días más en Buenos Aires. Este martes comienza en la Lugones (Corrientes 1530, teléfono 0800-333-5254) un ciclo, denominado "Sexo, política y cine", en el que se proyectarán once de las casi cien películas del director japonés, desde El embrión caza en secreto (Taiji ga mitsuryosuru toki, 1966) hasta Crónicas ciclistas: los paisajes que vio el chico (17-sai no fûkei - shônen wa nani o mita no ka, 2004).

La exhibición de estos films es interesante además en relación al ciclo sobre el Mayo Francés, que termina hoy. En algunos aspectos, lo que ocurrió en París hace 40 años, la Primavera de Praga o el movimiento estudiantil mexicano (que terminó con la masacre de Tlatelolco) tienen un germen en las protestas de fines de los cincuenta y principios de los sesenta en Japón contra la ocupación estadounidense. Wakamatsu, sobre todo hasta la década del ochenta, reflejó aquellos momentos.

Se trata, entonces, de una excelente manera de acercarse a un realizador no muy conocido en Argentina. Como escribió Diego Brodersen en la Revista Ñ (texto completo en La lectora provisoria): "Demasiado intelectual para las hordas de espectadores en busca de crudas escenas de sexo y violencia, demasiado violento y sexual para el público de cine-arte, sus películas son bombas de tiempo disfrazadas de objetos de consumo rápido".

Los detalles del ciclo, acá. ■

Fe de erratas

2008-05-08T19:21:00.006-03:00

Algunos datos sueltos y aclaraciones a propósito de la serie de entradas tituladas "Hollywood en Don Torcuato", sobre las producciones que Roger Corman realizó en Argentina entre 1982 y 1990.

Aunque no es un gran hallazgo, juro que el título "Hollywood en Don Torcuato" es una ocurrencia propia. Pero luego de publicadas las primeras entradas descubrí que ya se había usado al menos dos veces. La primera, en una nota publicada por el periodista Horacio Fernández en la revista Somos del 4 de febrero de 1983. La segunda, en el artículo "Hollywood en Don Torcuato. Crónica de un rodaje", firmado por Víctor Sherman en el número 5 (1983) de la desaparecida revista Cine Libre, que dirigía Mario Sábato.

Cuando mencioné La muerte blanca (Cocaine Wars, Héctor Olivera, 1985), única de las producciones de Corman estrenada en los cines de Buenos Aires, olvidé destacar nada más ni nada menos que la participación del actor estadounidense Royal Dano. Aunque nunca fue una estrella en Hollywood, durante más de 40 años trabajó en casi doscientas realizaciones entre cine y televisión. Integró los elencos de varios westerns, muchas veces bajo las órdenes de célebres directores.

De su extensa filmografía se pueden resaltar sus participaciones, siempre en roles secundarios, en Tierra y esperanza (Bend of the River, 1952), de Anthony Mann; Johnny Guitar (1954), de Nicholas Ray; ¿Quién mató a Harry? (The Trouble with Harry, 1955), de Alfred Hitchcock; Moby Dick (1956), de John Huston; El fugitivo Josey Wales (The Outlaw Josey Wales, 1976), de Clint Eastwood; Hammett (1982), de Wim Wenders; Los elegidos de la gloria (The Right Stuff, 1983), de Philip Kaufman; un par de episodios de la segunda temporada de Twin Peaks (1990), la serie de David Lynch; y La mitad siniestra (The Dark Half, 1993), de George A. Romero.

Dano murió en mayo de 1994 en Los Angeles. Tenía 71 años.

En El guerrero y la hechicera (The Warrior and the Soceres, John C. Broderick, 1984), la que protagoniza David Carradine, hubo una participación argentina de lo más curiosa: Walter Donado, un ex combatiente de Malvinas que desde hace años se encarga de conseguir animales para la ficción. Comenzó con una víbora y hoy tiene una empresa, Zoofilms, que provee todo tipo de animales para cine, televisión y publicidad. Donado fue uno de los protagonistas de El perro (Carlos Sorín, 2004), donde hizo de sí mismo. En noviembre de 2004 contó su historia en una nota con Página/12.

Se mencionó varias veces que, para abaratar costos, en estas producciones se reciclaron constantemente vestuarios, decorados y hasta escenas. En el video de la segunda entrega de la serie con un fragmento de El mago del reino perdido (Wizards of the Lost Kingdom, Héctor Olivera, 1985) se ve una batalla ente un león volador y una bruja. Esas tomas fueron realizadas originalmente para la película Los bárbaros (Sorceress, Jack Hill, 1982), una producción de Roger Corman filmada en México. Luego se reeditaron para el film dirigido por Olivera.

Una de las grandes cuestiones de todo esto, que apenas se tocó en la primera entrada, es cómo conseguir hoy estas películas. Conviene aclarar de entrada que no es sencillo: no esperen una retrospectiva en la Lugones ni encontrarlas en un Blockbuster. Las opciones, entonces, son pocas.

En Buenos Aires, se pueden recorrer los locales de compra y venta de películas de los alrededores de la esquina de Junín y Tucumán. Uno de los mejores es El Ciudadano (Junín 611, teléfono 4373-3939). Ahí conseguí una vieja edición en VHS de Toca la muerte por mí (Play Murder for Me, Héctor Olivera, 1990). Los otros dos policiales dirigidos por Olivera, La muerte blanca (Cocaine Wars, 1985) y Matar es morir un poco (Two to Tango, 1988), son figurítas difíciles. El escriba de los puntos suspensivos, un buen amigo de este blog, jura que el primero lo dan cada tanto en Volver. Le creemos.

En cuanto a la producción fantástica de Corman en nuestro país, hay un film que es inhallable: Amazonas (Amazons, Alejandro Sessa, 1986). Quienes no temas arriesgarse podrán comprar un VHS en eBay. El resto se pueden descargar con el eMule. El problema es que las películas son habladas en inglés, y no hay subtítulos. Algunas se pueden encontrar en versiones dobladas al castellano. A continuación van los enlaces para descargarlas, que requieren tener el eMule instalado. Todos fueron chequeados y funcionan.

El cazador de la muerte (Deathstalker): en inglés

El guerrero y la hechizera (The Warrior and the Sorceress): en inglés / doblada al castellano

El mago del reino perdido (Wizards of the Lost Kingdom): doblada al castellano

Reina bárbara (Barbarian Queen): en inglés / doblada al castellano

Amazonas (Amazons): en inglés

El cazador de la muerte II (Deathstalker II: Duel of Titans): en inglés

Por último, quienes busquen más información sobre este tema pueden recurrir a los libros Babilonia gaucha (Planeta, 1993) y Babilonia gaucha ataca de nuevo (Sudamericana, 1998), de Diego Curubeto. Y de lo poco que hay en la web se puede consultar un artículo (en inglés) de Tamara L. Falicov, docente de cine y video de la Universidad de Kansas. Pero, aseguro, no encontrarán mucho más que en estos artículos. ■

Entradas relacionadas
> Hollywood en Don Torcuato (primera parte)
> Hollywood en Don Torcuato (segunda parte)
> Hollywood en Don Torcuato (tercera parte)
> Hollywood en Don Torcuato (cuarta y última parte)

Pensar a través del cine

2008-05-05T07:31:00.000-03:00

José Pablo Feinmann ama el cine, como lo demuestran sus libros Pasiones de celuloide (Norma, 2000) y El cine por asalto (Planeta, 2006). Aunque no expone en esos trabajos grandes ideas, tiene al menos dos méritos para nada despreciables. Por un lado, es un muy buen contador de películas; tiene una manera de describir escenas y situaciones que siempre genera ganas de ver los films en cuestión (aunque, a veces, terminen siendo brodiazos). Por otro, y esto se extiende a casi toda su obra, es sumamente didáctico.

Feinmann conduce todos los domingos a las 23, por Canal 7, Cine con Texto. Allí intenta aportar una mirada política, filosófica y social sobre algunos films, con frecuencia grandes clásicos. Y lo hace de una manera didáctica, que genera curiosidad, pero además alejada de algunos excesos autorreferenciales que suelen abundar en su obra. En el programa de anoche, por ejemplo, comenzó analizando Lo que el viento se llevó (Gone with the Wind, Victor Fleming, 1939) y terminó aportando elementos para pensar el actual conflicto con los productores rurales.

Con la única excepción del canal estatal, que ofrece varios ciclos interesantes, la televisión de aire desprecia al cine. Sólo se interesa, previsiblemente, en películas pochocleras, que presenta en versiones dobladas, con cortes publicitarios y en muchos casos mutiladas. Por eso, aunque el programa tiene sus propios méritos y sin dudas vale la pena, el contexto lo revaloriza. ■

Música de películas: Sonatine

2008-05-02T07:43:00.000-03:00

Sería vano el intento de atravesar toda la obra del japonés Joe Hisaishi en una sola entrada. Compositor prolífico, desde los primeros años de los ochenta hasta hoy trabajó en más de cincuenta realizaciones. Se destacan, entre otras, sus diez colaboraciones con Hayao Miyazaki.

Se impone, entonces, un recorte: la música de Sonatine (1993), probablemente la mejor película de Takeshi Kitano, que muestra varias de las constantes de la obra del gran "Beat": la violencia y los juegos infantiles, la melancolía y el humor negro, la muerte como única posibilidad de redención. Todo filmado con mano maestra (montaje contundente, notable uso del fuera de campo) y cierta disociación entre lo que se cuenta y cómo se lo cuenta.

La música de Hisaishi, que trabajó con Kitano en otros seis films, colabora para sostener el clima desencantado de la historia. En el video que abre el post, el primer tema del soundtrack, el bello Sonatine I ~ Act of Violence, y algunas imágenes de la película. ■

Fue dicho

2008-04-28T07:18:00.001-03:00

Vi algo nuevo. Y lo hice.

El estadounidense Herschell Gordon Lewis, pionero del gore. Alguna vez contó que la idea de realizar filmes explícitos, repletos de sangre y vísceras, se le ocurrió mientras veía una película de gangsters en la que los muertos no sangraban.

Eso fue a principios de los sesenta. Como el terror es el único género que se define por lo que provoca en el espectador, sus límites están en constante movimiento. Es por eso que hoy escenas como las de Blood Feast (1963) o 2000 maníacos (Two Thousand Maniacs!, 1964) integran películas de las más variadas temáticas sin escandalizar a nadie. ■