■ Cinebulosa ■

Crítica de: Todos están bien

2009-12-30T02:57:00.002+01:00

Todos están bien ( * * )

Líneas comunicantes

Dicen –muy acertadamente- que “si la montaña no viene a Mahoma, Mahoma irá a la montaña”. En este caso, si Frank Goode, jubilado y con la viudez recién y desgraciadamente estrenada, no es capaz de reunir a sus cuatro hijos, será él, el que armándose de la debida paciencia (debido a sus problemas para volar) se recorrerá parte de Estados Unidos para ir uno a uno visitando a cada uno de sus cuatro hijos y entregándoles un regalo muy especial dentro de un sobre. Evidentemente, la tarea no será sencilla, y en cómo lo logrará y las dificultades con las que se verá, tendremos el eje principal sobre el que girará este sencillo y amable drama familiar, de tintes tan apropiados para la época que nos ocupa.

La historia ya la trató el excelente director italiano Giuseppe Tornatore en 1990, y este remake, que no debiera compararse con aquel, adapta al convencionalismo americano una historia que a priori tiene mucho jugo sobre el que moverse y desarrollarse. Kirk Jones, que cuenta en su haber con tan sólo tres películas (siendo "Despertando a Ned” la más destacable) se atreve con una historia de pocas dificultades narrativas, componiéndola en torno a un guión gradualmente adaptado y garantizándose unas interpretaciones fraternales a la vez que solventes. Es en este aspecto interpretativo, donde la película obtiene mayores puntos de interés, especialmente y como no podía ser de otra forma, en la figura de Robert de Niro, en un papel alejado de sus clichés mafiosos, y convirtiendo su arrebatadora presencia en todo un aluvión de enternecedores momentos en la mayor de las ocasiones y divertidos en otras donde la historia lo solicita. De Niro se hace el amo y señor de la pantalla, de la historia y de los mejores momentos de la película, arrastrando necesariamente a unos acompañantes de lujo (comercialmente hablando) que con unas correctas interpretaciones consiguen que los personajes bailen al son que de Niro les marca y no se desvirtúen en ningún momento, ayudando a un desarrollo apacible, y con alguna que otra dosis de autenticidad. En este sentido, la siempre entrañable Drew Barrymore no tendrá especiales dificultades en convertirse en una ejemplar y exitosa bailarina de Las Vegas, Sam Rockwell nos convencerá siendo "director" de una importante orquesta de música clásica, y la especialmente guapa Kate Beckinsale nos deslumbrará con su extraordinaria y a priori triunfante vida. Por supuesto, todos ellos esconderán una cara gris que de la habilidad de Frank dependerá si sale al descubierto o no.

Sin arriesgarse un ápice, con los moldes previos necesarios, y –por fortuna- sin derramar la más que previsible lágrima lo estrictamente necesario, Kirk Jones compone una cordial y afectiva historia que encaja perfectamente en las fiestas navideñas, y que no necesita excesivos alardes narrativos para llegar a un espectador medio que se deje llevar a un particular y conocido mundo familiar emotivo. La comunicación (en este caso entre padres e hijos) y sus riesgos será uno de los temas sobre los que acercarse tímidamente a reflexionar, además de la excesiva exigencia y presión que algunos padres ejercen sobre unos niños que en un futuro quizás no puedan cumplir todas las expectativas esperadas. Todo ello, a través de una peculiar “road movie” que mantendrá a Frank Goode entretenido, ilusionado y no exento del ligero peligro que conllevan este tipo de viajes, y que será recordado por él mismo a modo de simpáticas fotografías que tendremos oportunidad de contemplar en los títulos de crédito finales.

Aún faltándole la valentía que le impide convertirse en una película grande, “Everybody´s Fine” contiene todos los ingredientes de un sosegado drama, que en algún momento nos ofrece un pequeño ápice de emoción y que se disfruta sin aparentes esfuerzos entre turrones, champagne (o cava) y el recuerdo familiar siempre en la mente. Además de ello, Jones nos brinda una excelente escena en la que el Frank Goode actual conversa con sus hijos (devueltos a su infancia) en el jardín de su casa, en un emotivo regalo para los ojos realmente destacable.

Viaje con retorno, incómodo y con la ilusión de un reencuentro para saber, si todos están bien: ¿lo estarán?...

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: La grandeza de vivir

2009-12-23T01:52:00.002+01:00

La grandeza de vivir ( * * * )

El influjo de la madurez

Abordar el tema de la tercera edad, además de proporcionar satisfacciones si se consigue un resultado positivo, encierra el riesgo de caer con excesiva comodidad en el drama fácil, la lágrima demasiado ligera y sobre todo quedarse a las puertas de un enfoque reflexivo que permita una amplia visión sobre una complicada edad y unos universales e inevitables conflictos morales y sociales.

Con tan sólo dos largometrajes en un haber, pero con un sustancial tacto para tratar temas relevantes sin pecar de pedante, el director Anthony Byrne adapta un relato “Los duros” de la célebre escritora irlandesa Maeve Binchy con el acierto de mantener la esencial principal, y al mismo tiempo añadirle esa sutil pero impecable marca personal que consigue darle a la historia el énfasis necesario dentro de un equilibrio narrativo más o menos adecuado.

La residencia de la tercera edad “Woodlands” será el escenario elegido para que la joven Ellie (Hayley Atwell) comience a trabajar con unos huéspedes harto complicados y a las órdenes de una hermana estricta y autodidacta. El choque de trenes está garantizado en dos vertientes principales: el puramente de diferencia generacional por un lado, y el de confrontación de caracteres dentro de un grupo humano con sus conflictos internos, por otro. El primero será mostrado desde una inicial inocencia adolescente por parte de Ellie, hasta su inmediata madurez y crecimiento emocional que la permita “luchar” de tú a tú en campo contrario y con todas las de perder. El entendimiento tan sólo podrá llegar en situaciones límite y de la habilidad en concretar cada situación dependerá que salga victoriosa de una batalla perdida de antemano. La segunda vertiente nos mostrará un efusivo y emocional conflicto paralelo que nos permitirá, además de disfrutar con el enfrentamiento directo entre personalidades de diferente factura, el auténtico deleite que nos proporcionarán unas sensacionales interpretaciones a cargo de Vanessa Redgrave, Brenda Fricker e Imelda Staunton en el lado femenino, y un solitario y también sensacional Joss Ackland en el lado masculino.

Sin duda alguna, la madurez, experiencia y profesionalidad que aportan estos actores, consiguen que la interpretación sea una de las bases principales de la película, que si bien cuenta con una interesante historia, es enriquecida con un saber hacer propio de actores con cierto bagaje. La película, que en principio está configurada como una comedia con tintes dramáticos, poco a poco se va transfigurando en un drama con ciertos momentos divertidos, pero donde abunda la sensibilidad moderada, las tiernas miradas que inevitablemente conmueven y la visión de una cámara que se mueve al son de las notas de piano del genial Satie, y de la música de Niall Byrne.

Anthony Byrne, en una acertada decisión con estilo, se permite el lujo de huir en no pocas ocasiones del drama de fácil desarrollo para jugar con tiempos y modos, y sobre todo para evitar situaciones mil veces ya vividas. Por desgracia no siempre lo consigue, aunque es de agradecer las veces en que al menos lo intenta.

Aunque el cartel principal, y la traducción del título original (How about you) le hagan flaco favor al corazón de esta película, en general nos encontramos ante un más que interesante drama que se mueve con bastante fluidez entre el poder de la amistad, la sabiduría adquirida con los años, la triste melancolía de los tiempos vividos, y el esperanzador devenir asomando a la ventana de una residencia que será punto y seguido hacia nuevas experiencias por vivir. Con o sin grandeza.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Donde viven los monstruos

2009-12-16T16:16:00.002+01:00

Donde viven los monstruos ( * * * * )

Salvajemente inocente

Adaptar la extraordinaria e inquietante novela infantil “Where the Wild Things Are” de Maurice Sendak al cine a buen seguro que ha supuesto un auténtico reto al interesante cineasta Spike Jonze tras dejar su impronta en películas tan interesantes como “Adaptation” o “Cómo ser John Malkovich” tras coquetear en el mundo del videoclip.

La historia es sencilla en su planteamiento, pero es en el contenido adicional y en sus incursiones morales donde tanto novela como especialmente película logran una importante y extraordinario aura mágico que termina por envolver toda la historia y convertirla en una mágica narración carente de elementos superfluos y con un gran valor moral, no siempre identificable a primera vista, pero siempre destacable.

Max, (Max Records) niño rebelde y con un alto porcentaje de ira en sus actuaciones, logra zafarse de las “garras” de su madre y adentrarse en un extraño bosque donde poco a poco irá descubriendo una serie de peculiares y enormes personajes, que le tomarán por rey de todos ellos. Todos y cada uno de los personajes provienen de la imaginativa mente de Max, y todos sin excepción mantienen una relación muy personal e íntima tanto con su persona como con su mundo privado. En manos de un espectador curioso y sobre todo interesado en dejar volar la imaginación a cotas sin límite, quedará el interpretar, encajar y sobre todo entender un relato que lo mínimo que logra es deslumbrar y mantener un constante interés que apenas se relaja en ningún momento.

Para conseguir ese halo de magia imaginativa, que bien nos pudiera recordar algún coletazo de Tim Burton, se ha recurrido a una exquisita técnica para lograr unos escenarios inusuales, y especialmente unos personajes que transmiten en cada mirada, aliento o sonrisa, y que son fruto de un exhaustivo trabajo obviamente recompensado con una idílica selección de monstruos peculiares. Para lograr un resultado aún más espectacular se ha recurrido a voces como la de Forest Whitaker en uno de los personajes más interesantes. Todo ello convierte a una mini-población de monstruos sin rumbo fijo, en un más que interesante y variopinto grupo familiar que alberga sentimientos, virtudes e interferencias, y que viven bajo un cielo de inocencia y un clima de auténtico desasosiego, donde Max, además de ser un espectador de lujo, se convertirá en un protagonista trascendental y decisivo.

No se puede dejar de mencionar tampoco la excelente banda sonora de la película, destacando temas como “Worried shoes” de Karen O. ó “All is love” de Karen O. & the kids, sumándose a un clima que sin apartarse del lado infantil se adentra en un universo de idílico misterio y de giros imaginativos sin márgen al aburrimiento.

Inocencia, sentido y mucha sensibilidad en un relato bien desarrollado, mejor ornamentado y con una agradable intención de sorprender de manera humilde pero sobresaliente.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: El erizo

2009-12-09T02:38:00.002+01:00

El erizo ( * * * )

Mundos interiores por descubrir

Realizar una película basada en un libro, y especialmente en un best seller, tiene una ventaja fundamental, y es la garantía de una promoción gratuita debido al conocimiento y gran aceptación de ese libro, y por ende garantía de un mínimo de espectadores iniciales curiosos por conocer dicha adaptación. Pero como no podía ser de otra forma, tiene también el inconveniente de la inevitable- y en ocasiones injusta- comparación con la obra literaria. En los últimos años hay en este sentido dos casos muy significativos, y con dispar éxito: “El código Da Vinci” y “Millennium I: Los hombres que no amaban a las mujeres”. La primera se trató de una nefasta adaptación y la segunda de una más aceptable y digna. En cualquier caso, casi siempre sale perdiendo la película a favor del libro, aunque sin óbice del éxito taquillero que se consigue, que a fin de cuentas es lo que en la mayor de las ocasiones se persigue.

“La elegancia del erizo” de Muriel Barbery supuso un éxito editorial con pocos precedentes debido a la especialidad del mismo y que se podría analizar desde diferentes perspectivas para poder entenderlo, aunque cabría destacar que básicamente la empatía general con los personajes principales es probablemente el secreto de su éxito. La directora Mona Achache debuta en la dirección de una manera más que aceptable con esta adaptación y en cierta medida respetando una de las claves del libro: la particularidad de sus personajes. Una niña de once años con elevada capacidad intelectual pese a su corta edad, y una portera de la misma comunidad con inquietudes culturales secretas convergen en un determinado momento para construir un espacio privado, trascendente y sobre todo muy personal. Aunque la novela está narrada en dos voces, Achache se centra en la voz de la niña, que a través de una cámara de video doméstica irá conformando lo que a priori parece ser un destino inevitable: su propio suicidio.

Cumpliendo con la premisa básica de entretenimiento y abordando mundos interiores paralelos aunque distantes Achache confecciona un particularísimo espacio cinematográfico que, respetando el espíritu principal de la novela intenta ir un paso más sin llegar nunca a conseguirlo. Se llega por momentos a vislumbrar cierto clima mágico que nos pudiera recordar en algún momento a la estupenda “Amelie” y que sin duda favorece el desarrollo natural de la historia que camina con paso firme, sin apenas concesiones y con un marcado tono de comedia ligeramente dramática. Las dos interpretaciones de los dos personajes principales cumplen a la perfección con lo demandado, pero es sin duda el trabajo de Josiane Balasko (alternando actalmente dirección -"La clienta"- con interpretación) lo que consigue que la película tenga una significación especial y contenga ingredientes sumamente interesantes.

Amable, sencilla y aparentemente humilde, “El erizo” se presenta sin apenas etiquetas, sin excesivas pretensiones, y con la intención de dejar buen sabor de boca a quienes se acerquen por primera vez a la interesante historia, y conseguir complacer y no decepcionar a los que ya disfrutaron previamente con la novela.

Tal y como se puede leer en Ana Karenina, de Leon Tolstoi y que guarda bastante relación con el espíritu de esta divertida historia: “Todas las familias felices se parecen; cada familia infeliz es infeliz a su manera”.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: La pequeña Lola

2009-12-02T22:47:00.003+01:00

La pequeña Lola ( * * )

Adopciones desesperantes

Tras la modesta pero grandiosa “Hoy empieza todo”, se espera muchísimo del cineasta francés Tavernier, que ya cuenta con una larga trayectoria en sus haberes. Si en aquella eran los problemas de la escolarización de algunos niños con pocos recursos, en esta ocasión y sin alejarse demasiado de ellos, son los problemas de adopción en países extranjeros el eje central de una película que a priori cuenta con todos los ingredientes para ser como mínimo interesante.

Contar con actores de la talla de Isabelle Carré y sobre todo Jacques Gamblin, nos garantiza un ápice de autenticidad en modo alguno menospreciable y con un guión adecuado todo apunta a una historia apasionante.

Pero una profunda decepción asoma por la ventana de un espectador mínimamente exigente cuando nos encontramos con un resultado final que pese a contar con todos esos ingredientes se frena por culpa de un relato pesado, en no pocas ocasiones aburrido y donde el interés se mantiene por diálogos emotivos, o interpretaciones minuciosamente atrapantes.
Como documento social e incluso denuncia, es indudable su valor y su referencia. Como producto cinematográfico naufraga de manera flagrante pese a los vanos intentos por mantenerla elevada.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Buscando a Eric

2009-11-26T16:57:00.001+01:00

Buscando a Eric ( * * * )

El alma de un futbolista

El cineasta inglés Ken Loach es uno de esos directores que se mueve como pez en el agua navegando por mares de insatisfacción social, desencanto, y crudeza urbana o rural, mostrando lo mejor y sobre todo lo peor de una sociedad que palidece por momentos para mostrar un halo de esperanza instantes después. Y todo con un amplio trasfondo de desilusión política que tan sólo es remediable por ese espíritu burlón e irónico que tan bien sabe aplicar al entramado de sombras previamente creado.

En esta ocasión, con “Buscando a Eric”, huye de la introspección política de “El viento que agita la cebada” o de la reflexión sobre problemas raciales y culturales de “Sólo un beso”, para mostrarnos una cara amable de un personaje anónimo que bien pudiera representar el desaliento de una sociedad que envejece prematuramente ahogada en problemas familiares, económicos y sociales. Un grito anónimo en medio de un ensordecedor murmullo de voces ausentes.

Tras la aportación de una idea inicial del carismático ex futbolista Eric Cantoná acerca de su relación con los aficionados del club de fútbol Mancheste United, el guionista Paul Laverty se puso a trabaja en un guión que conjugase de la manera más afable posible la comedia con el drama, y que tuviese cabida entre medias el pequeño halo de magia que aporta el propio Cantoná. Con ello, la historia se sustenta sobre un deprimido y acabado padre soltero que sólo muestra un ligero chispazo de vida y emoción cada vez que siente las punzadas de la nostalgia clavarse en sus entrañas más profundas. La ocasión perdida, el amor de su adolescencia, los errores del pasado, atormentarán al protagonista hasta que la aparición de su futbolista favorito sea capaz de dar un vuelco a su vida, y de paso a la gente de su alrededor.

Loach se preocupa con verdadera maestría de manejar los tiempos con la sensatez que su larga experiencia le aporta, de manera que el paso de comedia a drama se produce sin excesiva brusquedad y con el velo necesario para no provocar incoherencia o sinsentido en ningún momento y ayudar a que la historia mantenga un lineal desarrollo provocando un previsible pero emotivo final.

No cabe duda que las apariciones de Cantoná son de tal poderío y magnetismo que se corre el riesgo de que oscurezca la historia verdadera, por lo que las mismas están muy seleccionadas y con una adecuada puntualidad, a pesar de que en ocasiones se le eche de menos en pantalla. Es su figura, y sobre todo el personaje creado por él mismo el que estará en todo momento discurriendo por las venas del protagonista principal, y también de unos secundarios que gustan por su naturalidad y buen hacer ante situaciones cotidianas.

Película entrañable, divertida por momentos (aunque haya habido un pequeño y perdonable descalabro en cuanto a la lucha contra la mafia) y con ese acento tan personal que Loach impone en todas sus películas y que nos permite contemplar una obra con carácter, personalidad y en todo momento comprometida y auténtica.

Un realismo social convincente. Un hermoso canto a la amistad. Una luz natural al fondo de un túnel sin horizonte.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Planet 51

2009-11-24T00:36:00.002+01:00

Planet 51 ( * * )

Planeta plano

Bastaría decir que la sombra de Pixar y Dreamworks es demasiado alargada, para resumir en un primer análisis y en pocas líneas esta ambiciosa comedia de animación española, que se centra en un curioso Planeta de alienígenas que se ven “invadidos” por un no menos curioso astronauta norteamericano. En este sentido, la película recrea unos idílicos años 50 transportados a otro planeta y con evidentes similitudes de la misma década en aquellos Estados Unidos. Pequeñas referencias a películas míticas de aquel país, resultan en ciertos momentos agradables y se antojan como pequeños y humildes homenajes.

Sería imposible en cualquier caso hacer una justa valoración sin considerar los dos aspectos fundamentales que sobresalen (para bien y para mal) en esta película de alienígenas.

En primer lugar, e indudablemente lo primero que aparece ante nuestros ojos es la técnica empleada. Para crear este largometraje de animación con evidente vocación internacional, se ha empleado una tecnología específica para competir al más alto nivel con los principales estudios de animación internacionales. Un intenso trabajo de siete años que tiene sus frutos en imágenes agradables, fluidas, simpáticas, entrañables pero pocas, muy pocas veces espectaculares o visualmente impactantes como se debiera esperar de ella. Es evidente que hay un enorme trabajo detrás de cada fotograma, pero el conjunto final echa en falta un paso más que hubiese conseguido resultados más soberbios. Los personajes no están mal caracterizados y pueden resultar en ocasiones interesantes, pero en una visión global adolecen de algo más de imaginación a la hora de desarrollarlos y darles vida.

El segundo aspecto, y quizás el más importante es el guión. De la mano de un peso pesado como Joe Stillman (co-guionista de Shrek y Shrek 2) lo más suave que se puede decir de él, es que resulta en todo momento decepcionante. Desde su predecible inicio, todo se mueve al compás de elementos ya conocidos, escasos giros narrativos, y una exagerada pretensión de gustar a todos de la manera menos arriesgada, lo que se traduce en un producto con muy poca valentía. Poco original en casi todos sus planteamientos, y con la sombra de Pixar (Wall-E) y Dreamworks (Shrek) planeando una y otra vez, a veces de manera casual y a veces de manera –sorprendentemente- pretendida. Cuesta creer que en siete años no se haya podido cuidar mucho más este aspecto tan esencial en el actual cine de animación, y nadie haya sido capaz de conseguir una verdadera comedia con ingeniosas secuencias divertidas. Si la intención inicial era “elaborar un guión genial”, como así se ha declarado, es evidente que estamos ante un rotundo fracaso.

A pesar del corto metraje que han decidido presentar (escasa hora y media) hay momentos donde el tedio sobrevuela peligrosamente por la atmósfera, y donde nunca se llega a alcanzar un cota digna de mención y que se impregne en el recuerdo como sucede con otras películas de estilo similar.

Por tanto, un más que aceptable desarrollo técnico que dejará buen sabor de boca en líneas generales a los amantes a este tipo de cine pero envuelto en un poco elaborado y escasamente original guión que dejará un agrio sabor de boca a los amantes de buenas historias en las que pasar un rato algo más que entretenido. Porque esto último (ligeramente entretenida) y no mucho más es lo que mejor se puede destacar de un producto que se creó con muchas ambiciones, pero que en ningún caso y a día de hoy, puede competir con los grandes pesos pesados de este género, que dicho sea de paso vive un momento muy dulce.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Un lugar donde quedarse

2009-11-17T01:53:00.002+01:00

Un lugar donde quedarse ( * * )

American -low- beauty

Hay dos características esenciales que destacan en el interesante cine de Sam Mendes y que le definen con discreción. Por un lado, el enorme peso que debe soportar, -y que afronta con dignidad- a raíz del éxito de su ópera prima y ciertamente sobrevalorada “American Beauty”, por la que recibió un Oscar hace diez años. A partir de aquella se espera demasiado de sus películas, y generalmente y también por este motivo, suelen resultar en ocasiones decepcionantes (Jarhead) en un exhaustivo y crítico visionado. La segunda característica es su capacidad de adoptar un guión bien estructurado, y otorgarle un ligero y genuino sabor de autor que puede o no dejar indiferente, pero que en líneas generales aguanta el paso del tiempo con una dignidad impropia y sin pretensiones enmascaradas de falsa trascendencia.

En esta ocasión, el cineasta inglés vuelve a modelar personajes, adoptar pensamientos y comportamientos de los mismos, y hacerles bailar al son de una comedia que pretende atrapar el lado más extravagante del género humano y a su vez mostrar sus debilidades más íntimamente escondidas.

Una convencional pareja (inevitable la comparación con su anterior “ Revolutionay Road”) que van a ser padres en breve llegan a la precipitada conclusión de que sus vidas carecen de raíces, y que su lugar lejos de haberlo encontrado, se encuentra aún por descubrir. De esta manera, el atractivo guión de Dave Eggers y Vendela Vida se divide en curiosos capítulos con el nombre del lugar donde pretenden quedarse (Denver, Phoenix, Tucson, Madison, Montreal, Miami…) y que irá motivado por la presencia de algún familiar o amigo a cuál más excéntrico y que centrará por unos minutos la atención del espectador para devolverla finalmente a la pareja protagonista (John Krasinski y Maya Rudolph), que si bien demuestran tener buena química, no terminan nunca de convertirse en una pareja poderosa que pudieran por sí solos mantener en pie la película. En general aciertan en sus simpáticas interpretaciones, pero se les hecha en falta algo más de atrevimiento frente a la cámara. Como secundarios podemos destacar en un inicio a Jeff Daniels como padre atípico, y a una Maggie Gyllenhaal que nos regala algunos de los momentos más divertidos de la película.

Atípica y desigual “semi-road movie” que traslada muchas de las inquietudes cinematográficas de Sam Mendes y que nos proporciona tantos ratos divertidos como momentos planos e irregulares y que se embarca con valentía en un viaje sin retorno en busca de una convencional felicidad, y con un abanico de extraños personajes que mantendrán el interés (con más o menos acierto según se corresponda) sin demasiadas complicaciones, quedándose en muchas ocasiones sin combustible cuando el citado viaje pareciese entrar en su momento más trascendental.

Mendes tira de oficio, maneja con seriedad un elegante guión y nos entrega un elaborado producto, donde la imagen se cuida como en él es habitual y donde pese a las debilidades narrativas se confirma como un cineasta solvente y de maneras contrastadas, al que por ello precisamente se le debe exigir más carga dramática aún en su enfoque tan irónico, y al que se le debe reclamar una más elaborada y estricta mirada social dentro de esa inquietud que consiste en presentar incómodos espejos a personajes envueltos en egos insustanciales.

Queda mucho por descubrir en un director con ambiciones, que de momento nos deja una entretenida y discreta comedia de factura desigual.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: 50 hombres muertos

2009-11-11T02:52:00.002+01:00

50 hombres muertos ( * * )

La historia del lobo infiltrado

Cuando una película acierta plenamente con el título, por su ingenio y contundencia, (si obviamos la nefasta e incorrecta traducción) qué duda cabe que ya tiene un primer paso asegurado, aunque sea ínfimo. Pero evidentemente eso no lo es todo, y un film que apuesta por mostrar algunos de los entresijos del IRA necesita toda una serie de elementos que vayan conformando un oscuro clímax de tensión e intriga, como lo consiguiese en algunos momentos “Lobo” de Miguel Courtois (si exceptuamos las nefastas interpretaciones de algún secundario) aunque le faltase a aquella más empuje para haber logrado ser un referente.

En esta “50 hombres caminando” también se concentra la trama en un topo, infiltrado o “lobo” que debe colaborar a evitar muertes inocentes a cambio de dinero, y -quizás en su foro interno- limpieza de conciencia.

El problema surge cuando desde un comienzo todo se plantea sobre un escenario de escasa autenticidad. Tanto en la manera de infiltrarse, como en la de abrirse camino, como en la de irse desmarcando, no encontramos los argumentos necesarios para que la historia se nos muestre con su cara más sincera, y sin cicatrices rítmicas que anulan la complejidad de un entorno que debiera ahondar entre lo político y lo irracional y que finalmente se estrella frente a paredes de incomprensión y muros de incredulidad. No ayuda a lograr un ambiente adecuado la sobria pero poco acentuada interpretación de Jim Sturgess, siendo en cambio el trabajo de un maduro y ejemplar Ben Kingsley lo más sobresaliente y destacable en una película que supone un nuevo intento de profundizar en el oscuro y complicado mundo de una banda terrorista.

A lo largo de los años, no pocos directores han logrado con éxito dispar, atrapar el clima apropiado en el que envolver el mundo del IRA. “En el nombre del padre” de Jim Sheridan sea quizás la más popular y la que mayor huella ha dejado tanto por su célebre interpretación de Daniel Day-Lewis como por su calidad fílmica y la conmoción que logra. Pero no podemos olvidar títulos como “Juego de lágrimas”, “Michael Collins”, “Cal”, “Omagh”, “En el nombre del hijo”, "Bloody sunday".... Todas ellas con una encomiable intención de indagar y exponer un particular modo de vida, pero que quizás adolezcan en muchas ocasiones de quedarse a las puertas de haber conseguido una mayor cota de intenso análisis, y alta capacidad emotiva para llegar con absoluta suficiencia al corazón del espectador, tal y como sucede también con la película que nos ocupa. Recientemente "El viento que agita la cebada" de Ken Loach supuso un soplo de aire fresco de realismo (auténtica habilidad de Loach) en un complicado tema en este caso en sus raíces.

Kari Skogland nos ofrece un interesante relato basado en hechos reales, que busca en todo momento la complicidad y comprensión del espectador pero que erra al acariciar momentos de frialdad y situaciones de poca gama narrativa. La película se sigue con suma facilidad, entretiene con cierta destreza, pero se queda con las ganas de dejar en la sala a cincuenta –o más- espectadores impactados.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: The Box

2009-11-05T16:39:00.001+01:00

The Box ( * * )

Caja hueca

Es una lástima que una película que comienza de manera tan intrigante, y que a lo largo de los primeros minutos te mantenga con cierta tensión y un ligero suspense, luego se vaya diluyendo como un azucarillo en vaso de leche, y deje un sabor de boca tan desabrido.

La aparición de una extraña caja, traída por un señor en coche negro, y sin mecanismo aparente, se convierte en todo un acontecimiento en una típica familia “marido encantador, mujer responsable, e hijo adorable”. La llegada de un -más extraño todavía- sujeto explicando que si aprietan el botón de esa caja ganarán un dineral pero morirá una persona que no conocen, consiguen crear un acertado clima de incertidumbre atrayente, y uno no sabe todavía si está ante un thriller de suspense o de ciencia ficción.

Por desgracia, y conforme se van atando los cabos (dejando unos cuantos sueltos) la historia se deshace a marchas forzadas, y lo que en un principio parecía un intrigante relato, poco a poco se va transformando en un infantil cuento que bebe de “The twilight zone” e intenta destacar con mal cogidos retazos surrealistas.

La simplicidad de la historia no sería un obstáculo del todo relevante, si los diversos desenlaces no estuviesen tan agotados y no supusiesen un vano intento por construir un enigma de frágil factura. Todas las explicaciones se vuelven monótonas, y lo peor es ver aparecer al temible fantasma del aburrimiento en algún pasaje de un metraje que pudiera haberse estrechado en el rodaje, y haber ganado algún entero con alguna que otra imágen de marcado tono espectacular.

La aparición constante de Cameron Díaz, como indudable gancho comercial nos deja una interpretación sosa, convencional y en absoluto acorde con el nivel de suspense que se pretende, lo cual no deja de ser otro error en la elección de una actriz que no aporta nada más que su ya consabida belleza. Del mismo modo, su pareja protagonista James Marsden tampoco logra nunca el tono deseado.

Si esta “The Box” se hubiese configurado a modo de serie en tan sólo dos capítulos, estaríamos hablando de un primer acertado, intrigante y esperanzador capítulo inicial, y un decepcionante, pueril, y lineal capítulo final. Lo cuál en líneas generales, nos deja ante un producto con la mera intención de entretener que no termina de lograrlo de manera intensa en ningún momento.

Alguna que otra interesante referencia a Sartre, una sencilla metáfora en torno a las cajas, una aceptable interpretación de James Marsden, y un estimable intento por crear algo novedoso, pudiera salvar esta cinta de acabar en la caja del olvido, o lo que es peor, en un hipotético cajón desastre de películas fallidas.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: A la deriva

2009-11-04T03:07:00.001+01:00

A la deriva ( * * )

Circunstancial área de servicio

La adaptación de obras teatrales o de textos catalanes es una de las mayores aficiones y por qué no decir, cualidades de Ventura Pons. En este caso, el libro “Area de server” de Lluis Antón Baulenas, será el marco perfecto a través del cual el director encontrará la ventana adecuada para mostrarnos todo un imaginario bohemio de personajes sin raíces, futuro indefinido o simplemente sin ambiciones.

La historia gira en torno al personaje principal (Anna) llegada de Africa donde ha trabajado como enfermera en una ONG y de vuelta a una vida cotidiana, muy diferente a la llevada anteriormente y con un giro radical de valores, visión de la vida y un arsenal de sentimientos contradictorios. Anna vivirá a partir de entonces en una caravana que desde un pintoresco camping se desplazará a un área de servicio donde echará alguna raíz, que junto a su trabajo de seguridad en un hospital psiquiátrico la darán a conocer nuevas vidas, nuevos amores, o deseos, y un suelo social más o menos habitable. María Molins se encargará de dar vida a este complicado personaje y lo hará con oficio y singular capacidad para otorgarle una eficacia necesaria y a la postre uno de los mayores valores de la película.

Qué duda cabe que nos encontramos ante una historia eminentemente de personajes. Cada uno con su vida personal enjaulada en un halo de misterio que Pons se encarga de potenciar y promover. Un misterio, que si bien en muchas ocasiones se agradece y se contempla como un punto positivo en el mencionado juego de personajes, en esta ocasión consiguen que la historia alcance cotas de estrechez poco deseables y se quede encerrada en un universo de incógnitas nada apetecible y poco evocador. El comentado personaje de Anna es probablemente el mejor construido, pero hubiese sido necesario un mejor enfoque de unos secundarios que se antojan significativos y que debieran aportar un mayor potencial descriptivo en una historia que se presenta como interesante en un principio y que no puede evitar verse diluida en un mar de excesivas intrascendencias y en un cristal de inevitable contemplación traslúcida. Tampoco ayuda la esperpéntica aparición de Boris Izaguirre haciendo de sí mismo, en un personaje perfectamente prescindible ni la insulsa aparición de Arcadi como contemplador atónito de escenas sexuales, del que poco jugo ha podido sacar el excelente actor Fernando Guillén.

La capacidad de Ventura Pons de fabricar o adaptar historias nos deja verdaderas obras interesantes y otras como esta película veintiuno de su carrera, que desemboca en una incertidumbre poco nítida y en un mundo bohemio y abstracto poco pulido y falto de un necesario marco emocional adaptable y conciso.

A pesar de esto, es una película que se deja ver, y que como poco no deja mal sabor de boca.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Celda 211

2009-10-30T03:17:00.003+01:00

Celda 211 ( * * * * )

Intenso motín carcelario

Qué duda cabe que el cine español atraviesa por una fase de esplendor en cuanto al género de terror se refiere. Una estupenda generación de directores se lanza con descaro y con sello personal a la búsqueda de la reinvención del género, y de paso la posibilidad de una aventura americana que les aporte solidez internacional. No ocurre lo mismo –de momento- con géneros como el thriller, donde la película que nos ocupa supone una agradable excepción a producciones por lo general sin mucho ingenio y menos oficio.

“Celda 211” es un extraordinario thriller acerca del drama carcelario. Y lo es principalmente porque Daniel Monzón maneja el género con soltura, atrevimiento y sobre todo mucha eficiencia. Si ya en películas anteriores, como “El corazón del guerrero” o “La caja Kovak” había dado muestras sobradas de su capacidad, con esta película se consagra como un excelente cineasta, y le abre las puertas de su proyección internacional.

Toda la historia (basada en la novela de Francisco Pérez Gandul, y estupendamente adaptada por el mismo Monzón y el guionista Jorge Guerricaechevarría) transcurre alrededor de un motín carcelario, en que se verá envuelto por error un funcionario al que no le quedará otra que hacerse pasar por preso para salvar su propia vida. Monzón se servirá de esta circunstancia para analizar el instinto de supervivencia humano desde un triple enfoque. Por un lado el puramente carcelario; los presos que lucharán por conseguir reivindicaciones que les permita una subsistencia más asequible en la propia cárcel. En este sentido, tendrán como representante al que supone uno de los personajes más fascinantes de los últimos años: Malamadre. Soberbiamente interpretado por Luis Tosar, este preso será el eje principal que moverá todo en entramado carcelario y su personalidad nos conducirá a todas las posibles opciones que la película plantea. Personaje rudo, sincero, y con un mundo interior por descubrir o aventurar, junto a unos compañeros de viaje a cuál más pintoresco (gran trabajo de Carlos Bardem). Como segundo enfoque tenemos al funcionario Juan Oliver (muy bien interpretado por Alberto Ammann) que por error se verá envuelto en una situación comprometida, y que su lucha será por proteger su propia vida. Para ello tendrá que fingir, sobreactuar, sufrir y liderar con el fin de conseguir respeto, posición y alguna opción viable para acabar con ese drama personal. Finalmente y como enfoque si cabe más importante tenemos a la gente de fuera: funcionarios, policías, políticos, periodistas, etc. Todos buscando sus propios intereses, y la salvaguarda de su estatus social y laboral, derribando cualquier tipo de obstáculo que interfiera su camino. En este plano nos encontramos con un excelente elenco de actores secundarios (destacando Antonio Resines) que aportarán la misma autenticidad que la historia mantiene en todo momento.

Además de este acertado y tenaz análisis de la naturaleza humana, Monzón aprovechará también la complicada situación del funcionario protagonista, para crear en torno a él, un emotivo encaje narrativo acerca de su mujer y futuro hijo, añadiendo las necesarias páginas dramáticas a una historia que alcanza por momentos niveles de excelencia.

Por último, y no menos importante, es imprescindible señalar los dos grandes bastiones sobre los que se sustenta esta magnífica película. Y es que nada de esto tendría su excesiva relevancia, si no estuviésemos hablando de un estupendo trabajo de género con mayúsculas. Un elaborado, intenso y monumental thriller que tiene la virtud de mantener un elevado tono a lo largo de todo el metraje, y que tiene la capacidad de intensificarse sin vacuos excesos, consiguiendo llegar a una explosión fílmica final de la manera más razonable, sin restarle ni un ápice a la espectacularidad.

Mención aparte, y como segundo gran valor de la película, supone la magistral interpretación de un Luis Tosar que si ya había dejado claro su capacidad interpretativa en magníficos papeles anteriores, con este se matricula “cum lauden” con todos los honores. La transformación lograda (incluso en la voz) para conseguir otorgar credibilidad al complicado personaje de Malamadre es asombrosa, y esa maestría a la hora de ofrecernos dos caras, la bruta y la sensible, de un presidiario sin aparentes escrúpulos es sencillamente extraordinaria.

El cine español está de enhorabuena con la que probablemente sea una de las sensaciones del año, y con la que tardaremos en olvidar el número de aquella celda tan inquietante.

Impacta, sobrecoge, entretiene, conmueve e impresiona. Puro thriller, del más alto nivel.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Home ¿dulce hogar?

2009-10-28T16:21:00.001+01:00

Home ¿dulce hogar? ( * * * )

Road movie invertida

Cuando uno está acostumbrado a un tipo de vida concreto, perfectamente estructurada y asumida, por muy extraña que pudiera resultar a ojos de los demás, cambiarla de la noche a la mañana, puede resultar violento, y acercarse a lo que podríamos llamar un shock cercano a la quiebra de la rutina. A grosso modo, Ursula Meier -que debuta en la dirección con esta película- pretende enfocar este desequilibrio, además de otros muchos factores relativos a la existencia –cotidiana o no- humana.

Cuando la familia protagonista, acostumbrada a vivir en una solitaria casa de una retirada villa rural ve cómo se construye una autopista cerca, su mundo cambiará para siempre. Será entonces cuando fluyan todos los miedos, rechazos y contradicciones que habían estado escondidos durante mucho tiempo. La rotura de la armonía desempolvará la crudeza de una realidad a la que no se había prestado atención. Cada miembro de la familia aportará su particular punto de vista y su consiguiente vía de escape a la nueva e inesperada situación.

La película atraviesa tres estadios claramente diferenciables y a su vez con su particular importancia. En primer lugar tenemos el estadio inicial, donde el devenir de la familia transcurre de manera apacible y rutinaria, en un clima de paz y reservada alegría. Olivier Gurmet, con una interpretación adecuada, logrará ser el padre-eje que conecta la realidad con lo efímero. Con la llegada de la carretera, tenemos un segundo momento donde cabe tanto la perplejidad como la decepción y que va a ser el origen mismo del drama que se va fraguando y que irá despejando dudas y desenmascarando ficciones utópicas. El tercer y último momento, sin duda el más interesante, será el que como consecuencia de todo lo anterior, desemboque en un estallido de sentimientos encontrados. Una extraña mezcla de soledad que va dando paso a la desesperación y que se transforma por momentos en una inesperada impotencia, que vendrá perfectamente interpretado de la mano de Isabelle Huppert.

Todo ello conforma lo que sin duda es un ejercicio reflexivo y metafórico de una sociedad que en momentos puntuales puede llegar a asfixiar. En este sentido Ursula Meier se encarga de retratarlo casi de manera literal: una insolente falta de oxígeno como símbolo de ese indiferente ahogo social y un exceso de alquitrán como símbolo de la suciedad que contiene todo lo que pretende imponerse a base de fuerza. El asfalto, el alquitrán van absorbiendo poco a poco y sin ningún tipo de escrúpulos la unidad y el cariño que hasta ese momento había existido, hasta ahogar metáfora y literalmente la concordia familiar.

Una película que permite momentos entrañables, alguno divertido y una controlada intensidad dramática suficiente para obtener un punto de necesaria complicidad por un lado, y lógica perplejidad por otro.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Sympathy For Lady Vengeance

2009-10-27T13:45:00.002+01:00

Sympathy For Lady Vengeance ( * * * * )

La venganza en formato de lujo estético.

La venganza es uno de los platos más apetecibles para servir por directores con un marcado acento protagonista. En este caso Chan-Wook Park cierra toda una trilogía acerca de este aspecto con esta esplendorosa película.

Dos historias entrelazadas, viajes de flash-backs perfectamente adaptados, una historia ligeramente compleja pero de fácil seguimiento y sobre todo una estética y calidad visual que destaca sobre todo lo anterior.

El director coreano se divierte y nos hace disfrutar con ello en torno a una interesante historia, envuelta en un impactante decorado y con una interpretación magnífica a cargo de Lee Young-ae conforman una impactante película con la venganza nuevamente como telón de fondo y como eje principal de todo el argumento.

sergio_roma00@yahoo.es

Pregunta digital a: Jaume Balagueró y Paco Plaza

2009-10-26T17:41:00.002+01:00

Con motivo del estreno de la película "REC 2" tuve oportunidad de hacerles una pregunta a sus directores Jaume Balagueró y Paco Plaza, en el Encuentro Digital organizado por "El Mundo".

Pregunta nº 5

Hola Jaume y Paco. Hay que reconocer que la primera entrega de REC fue un "bombazo" cinematográfico, ¿creeis que esta segunda entrega puede mantener la capacidad de sorpresa y sobre todo aquella intensidad? Muchas gracias

Esperemos que sí. Hemos intentado introducir el ésta muchas novedades y giros inesperados. Ya nos dirás.

Leer Encuentro Digital

Leer Crítica de REC 2

Crítica de: Edén al oeste

2009-10-22T03:08:00.003+02:00

Edén al oeste ( * * * * )

En busca del paraíso artificial.

Si algo ha demostrado Costa-Gavras a lo largo y ancho de su filmografía es su capacidad para remover conciencias. Su cine, siempre comprometido, ha tocado palos diversos, y especialmente delicados. Todo estamento en situación de abuso, o toda situación de injusticia ha sido analizado bajo la lupa de un cineasta con principios; un intelectual con valores.

En esta ocasión, el cineasta franco-griego se adentra en las turbulentas y farragosas aguas de la inmigración ilegal. A través de la mirada y desventuras de un inmigrante que llega a las costas de Occidente, Costa-Gavras nos ofrece toda una sucesión de, en general, dramáticas situaciones por las que debe atravesar el joven para conquistar un trozo de paraíso. Precisamente aquí (en el Paraíso-Hotel) es donde comienza su andanza, y a modo de road-movie (en auto-stop) viajaremos a rincones sin escrúpulos, conoceremos la maldad encubierta y la indiferencia más abrupta, y también por supuesto compartiremos con este joven inmigrante la impotencia ante la dificultad que tiene él y cualquier otro por formar parte de nuestro particular edén occidental. Siempre claro, con derecho de admisión. Este inicial Hotel de lujo hará las veces de sensacional metáfora, que abarca desde las paraísos artificiales en los que se sumerge el adinerado hombre occidental, hasta la incapacidad de afrontar la cruda realidad una vez se tiene delante de las narices.

Uno de los grandes aciertos de la película, está sin duda en la elección de Riccardo Scamarcio para este papel tan complicado. La mezcla de ingenuidad, picardía y ternura junto con una particular belleza conseguirán un realismo meritorio, y una complicidad con el espectador fascinante. El trabajo interpretativo es palpable, así como el de documentación y experiencias aportadas, dando a todo el marco fílmico un empaque dramático adecuado y en muchas ocasiones emotivo.

La historia engancha desde un primer momento, no pierde nunca interés y va ganando enteros a lo largo de la narración como buena historia relatada. Sin olvidar un deje de amarga comedia, se centra principalmente en ocupar los mayores huecos posibles de compromiso y denuncia. Las críticas, a veces directas y a veces encubiertas estallan aquí y allá sin desarmonizar la historia, sino más bien enriqueciéndola. Todo un ejercicio de maestría tanto en narración como en capacidad de reflexión.

La sociedad actual retratada a través de la siempre reveladora mirada de un cineasta que punto puntos en íes y encuentra un cauce adecuado a través de sus imágenes por el que materializar sus ideas y especialmente su visión de un mundo que se acerca peligrosamente a límites de indiferencia social y humana.

Notable y entretenida historia, en la que nos sentiremos como un compañero de viaje, de un pasajero con el billete más complicado de adquirir.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Yo también

2009-10-14T15:18:00.002+02:00

Yo también ( * * )

En busca de la normalidad

¿Puede una persona con Síndrome de Down desarrollar una vida lo más normal posible en una sociedad tan cargada de barreras (especialmente morales) como la nuestra? ¿Pueden llegar a entablar una relación sentimental con una persona “normal”? En estos y otros aspectos similares intenta profundizar tanto esta película como el anterior cortometraje “Uno más, uno menos” dirigido también por Antonio Naharro y Alvaro Pastor. Ya en este mencionado corto de 20 minutos se observa una decidida pretensión de mostrar la enfermedad del Síndrome de Dawn desde una perspectiva diferente, ahorrándose detalles minúsculos para acomodar la pantalla a la delicada situación social que tienen que hacer frente estas personas. Buscar puntos de normalidad donde la convivencia se configure de manera natural, y no premeditada. En “Yo también” existe una cierta línea continuista respecto a estos dilemas, si bien apoyándose en la ficción para conseguir un efecto más dramático e impactante.

Daniel comienza su nuevo empleo de administrativo como cualquier otra persona. Conoce a su compañera de trabajo, Laura, y con el paso del tiempo se acaba enamorando de ella como le ocurre a multitud de personas. Hasta ahí todo entra dentro de lo que podíamos llamar habitual. La diferencia estriba en que Daniel no es una persona normal, a pesar de sus evidentes diferencias respecto a otras personas con el mismo problema, y nuestros prejuicios sociales se encargan de subrayarlo demasiado a menudo. Antonio Naharro y Alvaro Partor realizarán un ímprobo trabajo por mostrar todos y cada uno de los recovecos de una posible relación entre Daniel y Laura. Dejarán desarrollar el enamoramiento de Daniel expectantes ante las reacciones de Laura, una mujer que lleva una vida complicada, y que encuentra un lazo de amistad y apoyo en Daniel. Para ello, una sensacional Lola Dueñas, en un registro poco conocido, se encargará de aportar la complejidad necesaria que requiere ese papel, y entablar una cercana complicidad con Daniel para conseguir un plausible realismo que pese a todo no se conseguirá mantenerse a lo largo de la película.

No se podía haber recurrido a un actor mejor que Pablo Pineda, primer licenciado europeo con el Síndrome de Down, y que no sólo se interpreta a sí mismo (lo cual no hubiese restado mérito) sino que le añade un vínculo reflexivo apreciable, y una capacidad para desarrollar toda una serie de situaciones morales y de gran trasfondo dramático que le otorgan un gran valor interpretativo y un meritorio trabajo.

Son sin duda alguna Lola Dueñas y Pablo Pineda –ambos galardonados con la Concha de Plata en el último Festival de San Sebastián- los grandes valores de esta digna película, que si bien pretende un sincero y reflexivo acercamiento hacia esta enfermedad y sus connotaciones sociales, no consigue en cambio ese impulso dramático que el guión necesitaba, quedándose a las puertas de una sensibilización acentuada. Hay ciertos momentos en que la historia se estanca, y hay varios en que la cima emocional aunque se atisba, nunca se alcanza, dejando una agridulce sensación de uniformidad narrativa.

No hay excesos, ni giros valientes, pero sí una respetable historia, con momentos divertidos, diálogos efectivos y un loable mensaje de esperanza, tanto a la sociedad en general como a las familias que conviven con estas personas.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Infectados

2009-10-12T17:55:00.001+02:00

Infectados ( * * )

Virus mortales contemporáneos

En los tiempos actuales donde las infecciones se están convirtiendo en nuestro pan de cada día, y donde tocarse con nuestros allegados supone ya casi un ejercicio de heroísmo, resulta morboso, y casi masoquista adentrarse en esta extraña película que pareciera transportar un gris mensaje apocalíptico. Razones para un tímido acercamiento hay unas cuantas, entre otras y principalmente, la dirección de los hermanos españoles Alex y David Pastor en una producción cien por cien norteamericana. Razones para ir perdiendo interés según avanza la película hay otras tantas, destacando la acumulación de tópicos y un estancamiento del guión que impiden un intenso compás medianamente atractivo.

A priori, la irrupción de los hermanos Pastor en el cine norteamericano pudiera mantener cierta similitud con la de Juan Carlos Fresnadillo y su excelente “28 días después”. Pero por desgracia esta esperanzadora similitud se desvanece a medida que la historia pierde personalidad y poco a poco se va convirtiendo en una película más, dentro de un género escaso de imaginación en estos tiempos. Alex Pastor por su parte ya se dio a conocer de manera brillante con su cortometraje “La ruta natural”, que ya destacara en la edición del “Sundance” del 2006, donde volver la vista atrás y retroceder los pasos previamente marcados supuso una originalidad narrativa interesante. Posteriormente se atrevió con el western rodado en blanco y negro en Almería “Pacemaker” incorporando una calidad técnica considerable. Por desgracia, nada de lo prometedor que había en aquellos dos cortometrajes lo encontramos en “Infectados”.

En un planeta donde la mayoría de la población están infectados con un extraño virus contagioso y mortal, del que apenas nada se nos cuenta, cuatro jóvenes todavía “sanos”, emprenden la arriesgada aventura de dirigirse a una apartada playa del Golfo de México, donde aspiran estar a salvo durante una temporada. Esto convertirá a “Carriers” en una road movie de sencillo seguimiento desde un primer momento, pero donde los recursos, intervenciones y sorpresas se van agotando conforme la historia se va perdiendo a la deriva. Cuesta encontrar un norte medianamente orientativo; los neumáticos narrativos en cambio, se desgastan al son de una carretera sin apenas curvas donde dirimir algún esporádico argumento razonable.

En todo caso, la posición que ha de adoptar cada uno de los cuatro jóvenes, según van sucediendo los acontecimientos, las disyuntivas morales, y delicadas decisiones que tienen que tomar a lo largo del camino, se antojan como lo más interesante, en medio de unas interpretaciones irregulares y monótonas que no nos alejan afortunadamente del interés por sus reacciones. Volver a reencontrarnos con la niña buena del “Bar Coyote” (Piper Perabo), o presenciar un conflicto de autoridad a cargo de los dos hermanos protagonistas no supone en sí mismo ningún interés más allá de lo previamente configurado por la creación de unos personajes carentes de expectativas de orden mayor.

Ligeramente entretenida, discreta y sencilla es lo más que se puede decir de esta película de dirección española y producción norteamericana de la que se esperaba bastante más.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Modigliani

2009-10-11T13:33:00.003+02:00

Modigliani ( * * * )

Pasión vida y muerte de un pintor atormentado

Hay dos enfoques fundamentales en esta película que la hacen sumamente interesante. Por un lado su extraña y pintoresca rivalidad con Picasso, lo que le otorga un clima de “duelo al sol” particular y sugestivo. Y por otro, su relación de amor con Jeanne, visto desde un prisma muy personal y trascendente. En ambos casos, es acierto es discreto, y el resultado aceptable.

Mick Davis consigue mostrar una especial y atractiva visión de una parte de la vida de Modigliani, quizás la más importante, y quizás la más dramática, pero siempre la más personal. Con el café Rotonde, en París, como escenario principal, y con la vida bohemia de los artistas de esa época como marco imprescindible, las pinceladas que Mick nos enseña están cargadas de un cálido color y un fresco naturalismo que adquiere su mayor punto dramático en los momentos finales de la vida del pintor italiano.

Excelente las interpretaciones tanto de Elsa Zyberstein como de Andy García, escenificando una intensa pasión amorosa en la primera y una extenuante pasión carnal sobre la vida en el segundo, que mantienen la historia en un continuo e amargo lienzo impresionista, ayudado por una exótica y envolvente música.

Como un tercer enfoque no menos importante, cabe destacar el esfuerzo de Davis, por mostrarnos un acertado paralelismo entre su momento presente y su complicado pasado, logrando una irreal convivencia entre el Modigliani adulto y el infantil, en una marcada lucha de contradicciones, pensamientos y recuerdos.

Un cuadro fílmico al que acercarse lenta y paulatinamente, a escuchar algún susurro, y vislumbrar algún pasaje inusitado de extraña belleza.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Agora

2009-10-06T02:52:00.003+02:00

Agora ( * * * )

Hipatia, o el fin del paganismo

Dieciséis siglos después, el extraordinario director español Alejandro Amenábar nos propone un fascinante viaje a la maravillosa ciudad de Alejandría dominada por Roma, en un momento crucial para la historia de la humanidad. Por aquel entonces, Alejandría contaba con la mayor y mejor Biblioteca del planeta. Se podría decir que todo el saber de la humanidad estaba recopilado en aquel santuario de cultura, que además hacía las veces de Escuela y que ya había sido destruida años atrás.

El fin de la citada Biblioteca, la lucha de religiones en el seno de la ciudad de Alejandría en tiempos de los romanos y sobre todo la vida de Hipatia, científica, filósofa, astrónoma y una de las personalidades más interesantes de la época, será el eje sobre el que gire esta historia que Amenábar nos propone en un escenario idílico y un clima solemne.

Teniendo en cuenta lo que en nuestros tiempos representa, el misterio que gira en torno a ella, y el aura de fascinación y mito que la rodea, resulta difícil de creer que ningún cineasta se haya acercado a este personaje con anterioridad. Amenábar quedó prendado desde un primer momento, a pesar de su encuentro casual con ella, y a su vez la observó como un pretexto perfecto para abordar otra serie de temas asociados tanto a la cultura de la época como a ciertos valores que permanecen inmutables aún en nuestra sociedad actual. De esta manera y junto a Mateo Gil (co-guionista), consiguen elaborar un acertado paralelismo entre la irracionalidad de aquella época y la imperante aún en la nuestra en algunos países en general e incluso en algunos sectores de la sociedad de manera más particular.

Hipatia representa el prototipo perfecto de mujer libre e independiente, y sólo esto, desde un punto de vista social, hace que el acercamiento a su persona, vida y también obra resulte tremendamente atractivo a la vez que estimulante. Si para representarla se cuenta con una actriz del talento Rachel Weisz, entonces el personaje termina por ser tan cautivador que será complicado olvidarlo facilmente. Weisz aporta la belleza, el misterio y el magnetismo necesario para hacer de Hipatia una auténtica personalidad de la época, pero además consigue alejarla de ese aura mitológico que hubiese resultado incómodo para el devenir de su historia y busca en todo momento el lado más humano y sincero. Todo un compendio de valores escenificados a través de sus palabras, sus actos y su manera de entender el mundo siempre desde un prisma de respeto general. La ambición puesta al servicio de la armoniosa sensibilidad femenina. En torno a ella se moverán toda una serie de personajes que serán decisivos en el transcurso de su agitada vida, pero sin llegar a eclipsarla en ningún momento, y con unas interpretaciones (Oscar Isaac, Rupert Evans, Ashraf Barhom, Max Minghella…) que sin llegar a brillar en exceso en ningún momento, acompañan de manera adecuada el desfile de impresiones y circunstancias que rodean la vida de Hipatia.

Desde un primer momento, la empatía hacia ella está garantizada y se acentúa cuando es obligada a recoger lo poco que pueda conservar de una Biblioteca que será quemada, y destruida para siempre. Este será sin duda alguna el momento de mayor carga dramática de la película, y el invisible camino de emoción del cual nunca se debiera haber desviado una película que hasta este preciso instante estaba resultando prometedora.

La causa y manera en que la Biblioteca se destruye le servirá a Amenábar para afrontar otro controvertido tema histórico: la lucha de religiones como enfoque general, y la intolerancia que subyace de ellas. Las religiones mostradas como fuerte barrera cultural a lo largo de los siglos, y causa directa de conflictos, y luchas sin cuartel. En este caso es el cristianismo el que sale peor parado. Una religión que ya era la oficial del Imperio y que aspiraba a terminar con el paganismo por la fuerza y a base de mentiras, manipulaciones y dardos venenosos. Amenábar se decanta por mostrar el lado más oscuro del cristianismo de la época: intolerante con las demás religiones, hasta el punto de escenificarlos como auténticas cucarachas que se mueven al son de la supervivencia religiosa más desaforada. Un particular (y probablemente real) punto de vista que sin duda resulta controvertido, y que conforma el toque provocador que el joven director aporta de manera muy personal como ya hiciera en “Mar adentro” y su posicionamiento en torno a la eutanasia. Sedicioso, valiente, pero sobre todo sincero como ha caracterizado siempre a su filmografía.

Es, esta nefasta convivencia entre religiones, y la supremacía de una de ellas (el cristianismo) respecto a las demás, lo que marcará el devenir de Hipatia y su dramático final, que aunque no está del todo documentado históricamente, Amenábar se permite la pequeña –y acertada- licencia de decantarse por uno de los numerosos finales que pudieran haber sucedido, conservando el clima romántico que en toda la película se había creado entre la filósofa y uno de sus esclavos.

La historia tiene tantos matices, y están tan bien elaborados que es inevitable que mantenga el interés más o menos regular en toda la película. La música, (de Dario Marianelli) aunque extensa y excelsa en ocasiones, acompaña perfectamente cada uno de los momentos y planos trascendentes y aporta el aura épico necesario para intentar crear el marco incomparable que no siempre consigue. Es también destacable y de manera notable la escenificación majestuosa de la ciudad de Alejandría, sus calles, sus gentes, su mítico Faro, y en especial la mencionada Biblioteca como símbolo de la cultura y el saber que con tanto celo custodiaban. Un fascinante viaje al pasado desde una distancia adecuada, a través de bellas e impactantes imágenes, y como si de la observancia de un documental se tratara, donde los personajes de la época cobran vida para mostrarnos sus inquietudes, pensamientos y manera de ver un mundo donde abundaban cuestiones trascendentes y controversias culturales. Amenábar abre una pequeña ventana para que el espectador se asome a contemplar la apasionante vida de por entonces la ciudad más cosmopolita del planeta.

Se queda a las puertas en cambio de la gran película de época que muchos esperábamos, al no conseguir ese tinte épico y esplendoroso que la superproducción obligaba. Hay ligeros altibajos que impiden que aquella intensidad inicial se mantenga a lo largo de las dos horas de cinta histórica. Pero sobre todo, en esta ocasión, Amenábar no logra tocar la fibra sensible (como sí hiciera de manera magistral en “Mar adentro”) del espectador con rotundidad, a pesar de que navega con viento a favor. El grado de conmoción nunca supera al de la impotencia inicial que se siente ante la pérdida de la famosa Biblioteca, y la excitación por el triste final de Hipatia nunca sobresale de lo meramente puntual y ordinariamente esperable.

No obstante, estamos ante una gran película, con sello de autor, que nos devuelve a Hipatia, Alejandría y la época romana con elegancia, brillantez y un alto grado de madurez narrativa y visual.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Rec 2

2009-10-02T03:36:00.006+02:00

Rec 2 ( * )

Grabando sin batería

Cuando se emprende el ambicioso proyecto de desarrollar una secuela de una película que ha tenido un éxito abrumador se puede deber a dos motivos fundamentales. O bien se quiere exprimir a la gallina de los huevos de oro y sacar un provecho abiertamente económico, o bien hay un interés plausible, de profundizar en los aspectos fundamentales de la película. A directores como Christopher Nolan, les podríamos encajar en este último apartado de cineastas ambiciosos. Lamentablemente para nosotros, en esta ocasión la gallina cacarea tan alto y en un tono tan descarado, que a REC 2 no queda más remedio que meterla en el primer grupo.

La película REC que sorprendió y logró el aplauso tanto de aficionados al género como de los que se acercaron de puntillas con aires de curiosidad, supuso un soplo de aire fresco para un género maltratado y en especial en nuestro país, poco elaborado. Toda una serie de elementos innovadores, (que iban desde un estilo periodístico con cámara en mano como imagen desconcertante, actores que buscaban (sin encontrarla) la naturalidad necesaria para dar credibilidad a la historia y un guión que dejaba abiertas varias posibilidades) convirtieron a REC en una película destacable dentro del género, y sin duda un éxito de público más que aceptable.

Aunque en un principio no se pensó en una secuela posterior, un guión tan abierto, y sobre todo una extensa demanda de gente ávida por conocer el desenlace de lo que ocurriría en esa “infectada” casa, han provocado que nos encontremos ante un REC 2, o si queremos ser más exactos, un REC al cuadrado.

El problema es que esta segunda parte se centra tan sólo en imágenes impactantes, prolongación de sustos ya previsibles, y una cansina histeria colectiva que uno duda que se trate de gente en auténtico peligro o tarados mentales sin ningún tipo de control ni raciocinio. Todo lo demás ha importado bien poco a la pareja Jaume Balagueró y Paco Plaza, que sin ningún pudor nos han vuelto a intruducir en aquella casa infectada (en este caso poseída), con los mismos seres maléficos pero ya poco sorprendentes, y con una absurda obsesión por presentarnos a los Cuerpos de Seguridad del Estado como auténticos idiotas que no son capaces en ningún momento de hacer frente a una situación de emergencia, provocando el sonrojo ajeno ante tal barbaridad de palabras, actos, situaciones y salidas de tono sin un sentido aparente.

Aún con esas, la película se hubiese mantenido más o menos con cierta dignidad si no hubiese sido por la incursión de tres adolescentes a cuál más estúpido, que supone además de un desafortunado paréntesis en la tensión general, un añadido prescindible y poco acertado.

Nos encontramos pues, ante una extensión de la primera parte, sin ningún tipo de escrúpulos, con un lamentable guión lleno de retazos mal cogidos de “El exorcista”, y una sobreactuación general que resulta en muchos casos ridícula. Cuando una película de terror provoca risas, y en no pocas ocasiones carcajadas, es evidente que algo no funciona y que no se está consiguiendo enviar el mensaje aterrador en ningún momento.

La pequeña incursión nuevamente de Manuela Velasco, que podría resultar refrescante cuando la película agoniza, no aporta apenas nada, salvo alguna pequeña sorpresa, y la presencia de un vacuo exceso de sangre a borbotones no hace más que teñir de rojo un escenario sin apenas color definido.

La presencia de cuatro cámaras “narradoras” en lugar de la única utilizada en la primera parte, una mayor elaboración técnica (en algunos momentos ciertamente destacable) y algún que otro pequeño detalle, puede hacer que merezca la pena REC 2, para quién desee acercarse sin excesivas pretensiones y menos exigencias.

En caso contrario, es inevitable la decepción, porque contra toda lógica “cinematemática”: Rec más Rec, igual a uno.

sergio_roma00@yahoo.es

Leer Pregunta Digital a los directores

.

Pregunta digital a: Juan José Campanella

2009-09-29T15:34:00.002+02:00

Con motivo de la presentación de la extraordinaria película "El secretos de tus ojos" tuve oportunidad de hacerle una pregunta al director argentino Juan José Campanella, en los Encuentros Digitales de RTVE.

Pregunta nº 12

Buenas tardes Juan José. Enhorabuena por tu trayectoria como director. Uno de los aspectos fundamentales de tu cine son las historias, que son magníficas. Me gustaría saber cuánde te das cuenta de que estás ante una buena historia y por qué. Muchas gracias.

El tiempo. Cuando dejás pasar el tiempo y una historia vuelve a la cabeza, cuando se rehúsa a dejarse ignorar, esa es la señal de que es la historia correcta. También hay ideas que no te sugieren nada, y otras que te provocan una catarata de imágenes y situaciones.

Leer Encuentro Digital

Crítica de: Capitán Abu Raed

2009-09-28T22:44:00.006+02:00

Capitán Abu Raed ( * * * )

Sueños en el firmamento

A pesar de que el cine jordano es un gran desconocido, el director Amin Matalqa firma un drama con bastante acierto y no pocas referencias tanto de Oriente como de Occidente.

La nueva y fantasiosa vida casual de Abu Raed que pasa de ser limpiador del aeropuerto a piloto de líneas aéreas será el escenario a través del cual se reflexione sobre la soledad y sirva también para mostrar de reojo una historia paralela con ejes comunes.

Por momentos, una elaborada fotografía, ayudada por paisajes deslumbrantes, y unas delicadas interpretaciones nos sumergen en un drama que puede resultar familiar en su núcleo más profundo, pero que se ve envuelto por el exotismo y la magia de una localización poco habitual y unos personajes poco corrientes.

El guión seguirá una línea más o menos regular hasta un punto sin retorno donde la historia se verá atrapada en un callejón sin salida.

La grandeza de la sencillez, al servicio de una historia con fundamento.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Si la cosa funciona

2009-09-28T02:08:00.004+02:00

Si la cosa funciona ( * * * )

Dejarse llevar

Abrumados y casi indefensos ante el desfile de mediocres comedias americanas (y alguna que otra española) que circulan últimamente sobre una pasarela de poca exigencia, resulta revitalizante que Woody Allen nos deleite con una nueva comedia, a su más puro estilo y con aires abiertamente desenfadados.
Cierto es que el hábil cineasta neoyorkino recurre con naturalidad a su genuino e identificativo cine, pero no menos cierto es que lo realiza de manera tan brillante y con un guión tan exultante que en ningún caso se le puede tachar de reiterativo o poco original.

Tras su (interesante) aventura londinense y su (discreto) paseo catalán y con un guión guardado durante treinta años, Woody Allen no sólo regresa a su ciudad natal para volver a rodar, sino que regresa al cine que tantos éxitos le ha proporcionado y en el que se mueve como pez en el agua. Desde un primer momento, Allen logra la complicidad del espectador hablándole (literalmente) a la cara y a partir de ahí transportarle a un viaje con tintes divertidamente surrealistas como sólo podrían proporcionar un cruce explosivo de personajes y situaciones.

El primer y principal personaje es Boris Yellnikoff, egocéntrico, misántropo y maniático personaje interpretado sensacionalmente por Larry David, conocido por sus apariciones en la televisión estadounidense, y en un papel que le encaja a la medida. A través de este actor, Allen consigue que un personaje uraño, asocial y a todas luces antipático, resulte interesante, simpático y en la mayor de las ocasiones agradable. No podemos obviar el marcado reflejo de alter ego que posee Yellnikoff respecto a Woody Allen y la facilidad con que a través de él, el director se posiciona en algunos aspectos y se divierte especulando en otros. Reflexiona, afirma, discute y proporciona moldes para adentrarnos en su particularísimo mundo donde cinismo y desvergüenza se dan la mano con el día a día cotidiano. Allen se siente cómodo con el personaje principal, y aunque tiene un guión pre-establecido le deja actuar, le proporciona vida y se deleita observando hacia dónde gira y cómo reacciona en su fortuita interconexión con el otro personaje contrapuesto: Melodie. Terrible y a su vez deliciosamente inocente, inculta y por momentos irritante es el personaje que interpreta la bella Evan Rachel Wood. Una auténtica contraposición a la inteligencia y supuesto raciocinio de Yellnikoff, y que a la larga y tras una peculiar convivencia otorgarán las situaciones y diálogos más divertidos de todo el film. Una provocación que proporcionará por un lado un escenario de momentos irónicos, y por otro una excusa perfecta para confrontar estilos de vida, de pensamiento y de actitud hacia las adversidades.

El amor, está, pero nadie le reclama, es casi anecdótico y no será determinante en sus aspectos fundamentales. Conformarse, dejarse llevar “si la cosa funciona”, y dar importancia al azar en su reverso más irónico es el eje fundamental en el que se moverán toda una serie de personajes con los que Allen juega a hacerlos soñar dentro de las paredes con que la vida oprime.

Irreverente, sin vergüenza y sin complejos. Una obra sin excesivas pretensiones, en un tono engañosamente menor, con la que Woody Allen regresa sus orígenes, y con ello, a la comedia inteligente.

sergio_roma00@yahoo.es

Crítica de: Destino: Woodstock

2009-09-25T13:41:00.003+02:00

Destino: Woodstock ( * * )

Tres días de amor, paz y música

El Festival de música y arte de Woodstock de 1969 fue uno de los acontecimientos culturales más importantes del siglo XX, no sólo por su carácter musical sino por la fuerte reivindicación social que supuso en un país sumido en una lejana guerra en la que los jóvenes lanzaron una voz unánime, fuerte y solidaria con el utópico interés de cambiar el mundo.

Cuando al versátil Ang Lee le llegó la novela de Elliot Tiber, le atrapó desde un primer momento y decidió dejar a un lado el drama intenso de anteriores películas, para embarcarse en el mundo de la comedia amable y de cierto tono documental.

Captar la esencia, es espíritu, el sentimiento que movió todo aquello es tarea complicada. En 1970 el documental dirigido por Michael Wadleigh obtenía el Oscar al mejor documental y resultó ser el lanzamiento definitivo a un festival que pasó a la historia no sólo por la cantidad de asistentes (se estima que más de 500.000 personas pasaron por sus escenarios) sino por el espíritu que se respiró en todo momento y que lo llevó a situarse en el eje principal de un movimiento antibelicista.

Ang Lee está lejos de captar dicha esencia. Consigue una recreación estimable, pero adolece del clima necesario para una identificación plena. Juega con varios elementos y los maneja a su antojo, pero finalmente no consigue trasladarnos de manera efectiva a aquel mítico festival; camina con paso inestable sobre un barro que en todo momento frena la trayectoria. Nos ofrece una pequeña ventana, a través de los ojos de Elliot Tíber, partícipe involuntario de la organización y con unos problemas personales y familiares que quedan dignamente reflejados en la película, con la inestimable colaboración de un poco conocido Demetri Martin, que consigue un asombroso y particular mimetismo, en lo que es el mayor valor de toda la película. Una interpretación plena de matices y con ardiente toque necesario para resultar convincente sin caer en el exceso, pese a situaciones estrictamente cómicas.

Dicha interpretación junto a una adecuada ambientación suponen un plus de veracidad que se ve diluida por gotas de excesivo planteamiento formal que en ningún caso consiguen captar el recorrido espiritual de una conjunción de aspectos que tenían a la música sobre el eje donde girar, y a los valores humanos y reivindicativos como propósito final. Lee emplea toda una serie de artificios, como largos e intensos planos, división de la pantalla en varios puntos de vista (en un homenaje al documental previo) etc, que permiten aplaudir la técnica, pero que en poco a nada ayudan a lo que se debiera pretender.

Tampoco cautiva respecto al mundo de la música y de la cantidad de componentes que participaron en tan sonado acontecimiento, y lo que debiera ser un primer plano se queda en un marco insustancial donde narrar una historia paralela, que pese a que en un principio tiene cierto atractivo, va poco a poco perdiendo interés conforme se ve atascada en un momento concreto de la película.

Lo que allí ocurrió había que intentar contarlo, y siempre quedará la duda de si Scorsese no hubiese hecho diabluras con un guión como punto de partida, pero un acontecimiento como elemento fundamental donde ahondar en un profundo sentimiento global que cambió la vida de miles de norteamericanos durante tres días de amor, paz y música.

sergio_roma00@yahoo.es