Crítica y Reseña

Magos y Cineastas

2009-05-18T21:00:00.000-07:00

El Gran Truco (The Prestige 2006), es superficialmente una cinta narrativa; nos cuenta la historia de dos magos amigos que se convierten en rivales y buscan por todos los medios ser mejor que el otro, tener el mejor acto y el mejor espectáculo del mundo. En fondo, me parece que es mucho más.
Son dos los personajes principales, dos hombres distintos uno de otro, con deseos, impulsos y voluntades distintas a las del otro; de la misma manera, el filme funciona a dos niveles.
El primero lo veo a manera de un ensayo visual. El director y co-guionista de la película, prepara su historia a partir de personajes peculiares, a los que les imprime ciertas condiciones en las que ellos deberán actuar y ante las que deberán reaccionar. La narración se da a través de diarios, es decir, de ocurrencias, emociones y pensamientos sobre lo que les rodea y quienes les rodean. Así, se da un juego de espejos, cuya intención es mostrar una suerte de idea del otro. Todo se juega en un plano de mirar al otro, juzgar al otro; siempre se está poniendo la importancia del cómo el otro vive, del cómo piensa, de la pregunta ¿quién o qué es este otro? Pero más importante aún: ¿cómo me mira el otro? La prescencia y la relación con la otredad es fundamental para entender el mundo y para entenderse a sí mismo; saber cómo se es visto desde fuera y cómo los demás lo entienden y asimilan es el juego básico de Christopher Nolan. Es un espectáculo de miradas entre diversos personajes (en este caso hombres de magia), que se retan, que de cierta forma también se admiran y se sienten aturdidos del cómo les aparece el otro y como lo ven los otros. Si viéramos esta cinta como parte de un todo, es decir, de la filmografía del realizador, la veríamos como una continuación de sus obras previas, que en mucho tratan del cómo se entiende el ser humano a si mismo como ente social, con defectos y “condiciones”; la cinta previa a El Gran Truco es Batman Begins (2005), y es ahí donde también juega al cómo se entiende el hombre y su psique, pero en ese caso es a sí mismo; Batman es un personaje desdoblado en el mismo cuerpo, siempre tratando de entenderse y de asimilarse con todo y sus demonios internos, siempre mira las rarezas y las virtudes de su cara alterna, pero esa cara está dentro de sí; Robert y Alfred (los magos rivales) son esas dos partes tratando de superarse una a la otra, de entender al otro, que en este caso está fuera de sí mismo y de esa manera, derrotarlo.

La segunda forma en que yo leo la película es la propuesta que el director hace. La cinta maneja una bella alegoría, el cine como magia. Esto no es nada nuevo, pero la tirada de Nolan es la siguiente. El mago es el realizador de cine, el que arma la puesta en escena, el que dirige la acción, el que planea cómo el espectador mirará la historia. El filme es el truco de magia que, en su forma más aristotélica, se compone de tres actos: la presentación, el giro, y el truco o final. En ambos, estas tres partes se desarrollan igual; la presentación es introducir al espectador en el mundo del mago/cineasta mostrándole un elemento común, atractivo y manejable; el giro es la problematización de la historia, es la parte donde ya se han presentado los elementos que se sacan de su cotidianidad y se vuelven sorprendentes, es el clímax de la historia; el final o gran truco es precisamente eso, es la forma de atar todos los cabos, es traer de nuevo al objeto que se hizo desaparecer e impactar al espectador, la última parte como desenlace y solución, tiene la función de restablecer el orden de la realidad a la que nos han insertado durante la película/truco y aún así impresionarnos con la acción en apariencia más simple pero más difícil de todas: la de dar respuesta.
El gran contra que veo en la película es que, Nolan como mago, hace una apología a ese mundo, a la magia y a sus consecuencias; ya que nos ha vendido perfectamente la admiración por ese arte, lo rompe rápidamente. Si realmente su intención era ese homenaje, el error está en que ningún mago, después de realizar su truco, impresionarnos y ganarse nuestra simpatía, muestra sus secretos. Ningún mago nos muestra cómo lo hizo; Nolan explica todo, paso por paso al final del filme. Ya antes nos ha presentado los elementos secretos del truco, pero el pero final es que nos dice cómo lo llevó a cabo. Aún así, es una cinta que mueve y que deleita, a final de cuentas la apuesta de Christopher Nolan es emotiva: el Cine es la magia misma.

CHÉ

2009-03-04T01:03:00.000-08:00

2009 comenzó con el 50 aniversario de la revolución cubana, un marco inmejorable para el estreno de Ché, díptico del realizador norteamericano Steven Soderbergh. La cinta resulta desafiante por al menos dos razones: el ser una coproducción entre Estados Unidos, (que como es sabido ha mantenido una política de bloqueo económico hacia la isla desde hace décadas) Francia y España; y por montar una historia de más de cuatro horas, aunque la exhibición comercial, al menos en México, presentará el film divido.
Aunque hay argumentos que podrían hacernos pensar que en realidad sí se trata de dos películas distintas, pues se contraponen en tono, ritmo e incluso estilo.

El Argentino relata el encuentro del Ché (Benicio del Toro) con Fidel Castro (Demián Bichir) en un departamento de la Ciudad de México y su posterior aventura épica en su avance de oriente a poniente por Cuba. Al mismo tiempo, se contrapuntea con una visión de reconstrucción documentalista de algunos momentos en la vida pública del Ché Guevara, en su etapa como ministro de economía del gobierno de la revolución, en concreto, su discurso de 1964 en la ONU.
La segunda parte, muestra los acontecimientos de su campaña por Bolivia, y está basada en los textos de su propio diario. En esta película (de la mano de la historia) se va sumergiendo en una marcha que pareciera por momentos expiatoria. El Ché y los guerrilleros cubanos y bolivianos que lo acompañan aparecen como extraviados, carentes de cualquier apoyo y a medida que transcurre la historia, abandonados.

En El Argentino el Ché Guevara va creciendo junto con la historia. Al principio es sólo uno de los hombres de Fidel y la historia no se centra tanto en él, sino que el personaje es mostrado como uno más de los levantados, quien asume sus tareas como médico de la tropa. Una voz en off acompaña algunas escenas, lo que permite que las acciones de campaña que se muestran sean diferenciadas de los discursos belicistas del cine hollywoodense. Soderberhg introduce una interpretación, una teoría a los hechos, en vez de caer en soluciones fáciles, como una musicalización romántica. Su apuesta es por el realismo, y la confrontación documental. No se puede acusar a la película de presentar una visión maniquea, ya que no hay un discurso unidireccional que pretenda avalar las decisiones de la revolución. La reconstrucción de los hechos históricos se complementa en el análisis dialéctico y dialógico que se manifiesta en la entrevista recreada para la película y que se intercala también al desarrollo lineal de las hazañas del grupo 26 de julio.

Guerrilla, en cambio, es mucho más simple, es la cuesta abajo del sujeto, quien no obstante, se vuelve un mártir de la patria grande de Bolívar. El complemento podría ser visto como la repetición del experimento en Cuba, en un contexto diferente. Hoy sabemos que en Cuba existe una revolución gobernante, y que en Bolivia el Ché fue asesinado con la colaboración del gobierno norteamericano; pero la película, en su lógica poiética tal vez pueda mostrar algo más, y es que la historia pudo haber sido distinta, que Bolivia pudo haber sido otra Cuba, o viceversa. Nada está escrito, y la pequeña acción de unos cuantos hombres en una zona remota de la selva pueden ser el comienzo de algo tan grande como el cambio de las historias nacionales.

Mucho más podría decirse de esta obra atrevida, y que por lo mismo recibirá críticas de fanáticos, puristas y escépticos, y algunas tendrán sin duda sustento, ya que esta obra doble no esta exenta de errores, como el de presentar una segunda parte monotemática y con diálogos que solo refieren a las interpretaciones históricas o anecdóticas de la campaña, pero que difícilmente nos conectan con la personalidad de los participantes incluyendo al propio Ché. El silencio, los sonidos de la selva, la bella iluminación y la cuidada fotografía aparecen como elementos sin cohesión. Finalmente, en las dos películas (¿que es una misma?), la interpretación de Benicio del Toro resulta dispareja. Por una parte, encarnando bien al personaje en las actitudes y las expresiones faciales, en cambio con un tono de voz siempre débil y plano que le resta fuerza a algunas escenas, y que hace que el personaje se diluya entre los otros. Muy distinto es el caso de Demián Bichir (aunque por algunos momentos un poquito exagerado) interpretando muy certeramente a su personaje, y emulando perfectamente posturas y el típico acento cubano.

En las salas de cine cubano la cinta se aplaudió de pie, y difícilmente se podían escuchar los diálogos cada vez que el Del Toro entraba en pantalla, pues el sonido era apagado por las ovaciones. Estos son quizá los principales valores de la cinta: ser en español, poder mostrar al héroe de nuestroamérica en una versión creíble de un personaje cuya mitologización sería asunto de infinitos artículos.

La Tragedia de Allen

2008-11-11T11:16:00.000-08:00

Por muchos años Woody Allen nos ha tenido acostumbrados a un tipo de cine. Nos ha mostrado su obra y también nos ha enseñado cómo recibirla, asimilarla y digerirla. Hasta ahora su filmografía se ha visto dentro del círculo de la comedia de enredos; todas sus historias son de desposesión, con personajes neuróticos, solitarios, seres humanos movidos por el vicio. Historias donde uno de los mayores castigos es el escarnio social; historias, algunas de ellas que rayan también en la farsa.

Si bien el cineasta neoyorkino no nos ha mostrado sus mejores creaciones durante la última década -en los cuales aparentemente se ha estado repitiendo y volviendo complaciente-, ha acertado con un par de sus más recientes filmes; el primero: Match Point (2005), mejor conocida en México como La Provocación.

La película es una verdadera rareza en la obra de Woody Allen. A pesar de ya habernos mostrado que no sólo puede hacer comedia como en Interiors (1978), September (1987) o Another Woman (1988), la diferencia entre toda su filmografía y Match Poitn, es que este realizador nos ha dado comedia y melodrama, pero nunca una tragedia. Es en esta categoría en la cual se inscribe el filme, género con el que el director juega en esta ocasión, para contarnos un tipo de historia a la que ya nos tiene acostumbrados, sin embargo esta vez mostrando "todo lo que de trágico tiene la vida".

Lo que en la antigua Grecia era representado por los dioses y para Shakespeare eran los grandes Señores feudales, para Allen son la suerte y la vida cotidiana. Woody Allen toma este par de elementos y los inserta en su tragedia para narrar la historia; dos características esenciales que trabajan en la forma del destino y del juez respectivamente. Por un lado está la idea acerca de la suerte, que al igual que el destino, no está entendida como lo que nos está preparado como un final, sino como la parte que cada uno carga consigo, lo que traemos ya de inicio y que va a configurar (más no a determinar) nuestro camino. Por otro lado la parte que en toda tragedia contemporánea toma la vida cotidiana: la de juez y verdugo; parte que ejecutará el castigo, que obligará en este caso a Chris Wilton (Jonathan Rhys Meyers) a cumplir su destino.

Es entonces este destino, la suerte; es la pequeña acción que nos va a abrir un cúmulo de posibilidades, a la que la vida está atada lo queramos o no, como lo vemos en el filme. Para el protagonista nada de lo que sucede le es necesario, nada estaba pensado como algo determinado y fijo, ni siquiera las vidas de los demás. Tanto así que es un incidente mínimo el que provoca toda la tragedia, una pequeña y simple pregunta: “¿hay un lugar dónde comprar buenos discos por aquí?”... Después de esto, viene el boom.

Es un pequeño fragmento en la vida de Chris que lo dirigirá a rumbos inesperados, que lo llevará de ser un modesto instructor de tenis a un criminal inteligente y calculador. Y es que toda la película gira en torno a estos giros de tuerca muy bien utilizados, que dan a toda la película un ambiente extremadamente pasivo pero igualmente tenso; momentos en los que estos personajes que tienen todo lo pierden todo.

Los personajes de Allen son seres que se mueven por el deseo, por sus pasiones y por sus carencias; seres que a lo largo de la historia irán cambiando, creciendo, decidiendo hasta dónde llegarán: nunca son hombres pasivos, siempre tienen la facultad de escoger su final. Y son estas elecciones que hacen tanto Chris como Nola (Scarlett Johansson), las que los llevan a cumplir con su destino, ambos tendrán que hacer lo que “los dioses” le han dispuesto.

Película en la que se encuentra presente, como un protagonista más, la Ópera, -los grandes temas e historias que muestra este arte son los mismo de los que trata la película, nos dice Allen. Con obvias referencias a Dostoievsky, una estructura ágil, buen ritmo y un argumento interesante, Match Point se vuelve una pieza clásica de Woody Allen. Cineasta fecundo del que habrá que revisarse sus posteriores Scoop (2006) y Cassandra's Dream (2007) de la que hablaremos más adelante. Así como sus más recientes Vicky Crsitina Barcelona (2008) y Whatever Works (2009), esperando que este director, actor y guionista venga a hacer nuevamente disecciones al ser humano contemporáneo, al hombre americano, al tipo neoyorkino. Es decir, a sí mismo.

Cobrador

2008-04-05T00:53:00.000-07:00

Cuando el discurso del fin de la historia, nos condena a un inmovilismo esclerótico, cuando las tendencias artísticas nos dicen que debemos ser sujetos de la hiperestimulación-trascendental-newage, cuando padecemos un proyecto civilizatorio que se ostenta como único propietario de la violencia, cuando desde el pensamiento logocéntrico no encontramos una respuesta; viene Cobrador de Paul Leduc, como la luz que se filtra por un viejo muro, a punto de caer. Violencia. La violencia que empieza como una reacción sicológica a un hartazgo, (ya sea la violencia de una mujer que se resiste a ser violada, o de una oficinista que sale furioso con ganas de golpear a su subordinante). Violencia irracional, sin sentido, que se encuentra a mitad de una calle de Nueva York. o Sao Paulo ¿Qué relación hay entre la caída de las torres gemelas y estos ejemplos cotidianos, que casi pasan por triviales? Su relación empírica, está en que la violencia es una forma de la acción en su realización dialéctica, que toma un cuerpo, un espacio , e incluso un símbolo. La violencia individual y la violencia social, son una forma de manifestación libre de ideologías en donde la historia se ve como un proyecto en tensión. Ya sea en forma de ska, de guerrilla o de agresión individual, la violencia es un ente que se encuentra ahí, como prueba de las contradicciones humanas, y de su energía de renovación. Lo que no podemos aceptar es que la violencia sea vista sólo como uno de los múltiples aspectos de la realidad diversa y convulsa. No, la violencia moldea y define.

Al iniciar la película, el espectador es desnudado con una violencia que se entrega cruda, sin héroe u objetivo. Interpreto estas primeras escenas como una vacuna para un público, acostumbrado a ciertos cánones y convencionalismos. Los medios de comunicación masivos, pero sobre todo el cine nos ha acostumbrado a ver la destrucción masiva de ciudades , o la fiera campaña entre humanos y criaturas mitológicas. En este cine convencional la agresión y la matanza se vuelven aceptables y hasta deseables, nos convierte en sádicos de la imagen ficcional. La repulsión que provoca Cobrador, está asentada, en una ficción que refiere a una realidad demasiado próxima como para no identificarla.

Mientras son rastreados por las cámaras de seguridad ya sea de un banco o de un cajero electrónico y desde esta posición se intuye un personaje que no se ve pero se siente, que no tiene rostro.

El (del que solo sabemos que es fugitivo) y ella (periodista argentina que no sabe quienes son sus padres) se encuentran a través del lente de una cámara, la de ella, mientras son rastreados por las cámaras de seguridad ya sea de un banco o de un cajero electrónico, y desde esta posición intuimos un personaje que no se ve pero se siente, que no tiene rostro. Los protagonistas encarnan una relación que estará sustentada por la complicidad, la furia y el deseo de cuerpos que se valen de la libertad creada por ellos mismos para encontrar el instrumento de su equivalencia. La unidad, se convierte en causa mediante un acto de amor, y se hará manifiesta, cuando se encuentren con la sociedad entera.

Esto es cobrador. Una presentación del mundo, a través de mosaicos de ciudades, la hipocresía de un magnate obsesionado tanto con el tiempo como con atropellar personas, la explotación en una mina, y una pregunta ¿quien esta poniendo dinamita en la cabeza del mundo?

No obstante, no hay un solo discurso, una sola expresión ideologizada, porque Cobrador, antes bien, es poesía.

Candilejas

2008-03-02T23:15:00.000-08:00

A propósito del ciclo Chaplin- Keaton que el Cineclub Manuel González Casanova (o lo que es lo mismo, el club de los tres nahuales que nos reunimos en la Cámara de los Secretos de nuestra amada Howarts) he decido volver a ver Candilejas. Mucho se podría decir sobre está cinta que tiene a los dos genios del cine mudo en acción, sin embargo, yo me referiré por ahora sólo a su argumento, que para su mayor comodidad, trataré de esbozar en una cuantas líneas. Candilejas es la historia de un cómico semi retirado (Calvero) y una joven deprimida (Teresa) que cruzan sus vidas el día en que ésta intenta suicidarse. La joven al recuperarse cuenta que es bailarina, mientras un desesperado Calvero actúa con otra identidad por miedo a ser reconocido y machacar su prestigioso nombre. Hasta aquí la reseña.

Cuántas lecturas podría haber de esta película. Por una parte, es la historia de dos sociedades que se enfrentan, y que tienen formas de entretenimiento distintas en donde el viejo humor ya tiene poco que ofrecer. Calvero que dedicaba su vida a ello, luego no podrá ni terminar sus actos sin que la gente se levante de sus asientos en señal de protesta.

"-- Estoy harto de hacer de payaso.
La vida no es una broma no le veo la gracia."

Chaplin es el hombre que fue un personaje, y su personaje, se volvió su portavoz. Esto ocurre en El Gran Dictador, aunque años después se arrepintiera de esta película, al saber de la existencia de los campos de concentración. Chaplin niega la risa ante un desencanto del mundo moderno. Tenemos entonces en Calvero un personaje que muestra la profundidad de la agonía detrás de la risa, y lo más importante: la pregunta por la risa. Al poner en crisis lo que es, podrá tomar las decisiones sobre su futuro, como hombre y como artista. Calvero, es un personaje que está en búsqueda de lo auténtico, pues de pronto el mundo de Teresa, rodeado de todo el glamour, y el éxito de una nueva estrella, le hace palidecer, y perder la ubicación de su propio talento. Un éxito por caridad le parece tan desastroso como el peor de los fracasos ante el público; por ello Calvero abandona a Teresa, cuando ella se mostraba más enamorada de él, y le había pedido que se casaran. Podría parecer caso un problema de moral de un viejo, que no puede querer una joven, pero en realidad se trata de la dignidad de un artista y la búsqueda de su propio proceso, aunque esto signifique volver a empezar desde las calles.

La unión entre Calvero y Teresa, no podrá producirse jamás, pues lo dos hábitos del viejo payaso (El alcohol y la comedia) le terminarán por matar. Pero el cine nos regala en una de las más bellas escenas, una fusión que se entiende más allá de lo que las historias de la vida "real" pudieran asimilar: un payaso muriendo tras bambalinas, y una bailarina en pleno acto, en un solo plano, que no obstante, sólo puede entenderse viéndolo. La historia no se resuelve con un discurso esta vez, sino mediante una metáfora visual.

Me gusta este final, porque ante una crisis en las relaciones humanas, no creo en otra forma de amor, que la de dos seres que comparten la ilusión en un proyecto.

La Zona (o Nosotros los ricos y Ustedes los pobres).

2008-03-02T11:41:00.000-08:00

Ganadora del premio a mejor opera prima en el último Festival de cine de Venecia, así como también ganadora al premio impreso de crítica de Toronto en el 2007, La Zona aborda una problemática muy fresca en nuestro país y otra que siempre ha estado presente en el desarrollo de la identidad de las colectividades y que podemos ejemplificar con el muro fronterizo al norte de nuestro país o bien con las cercas que dividen el territorio “civilizado”, de las comunidades aborígenes (que tan ensalzadas son en las olimpiadas, Katy Freeman) en Australia. La una es la polarización social debido no sólo a factores económicos, sino que tiene que ver más con la segunda, es decir, con la identificación del individuo con una colectividad que persigue determinados fines y con ciertos medios.

La Zona nos presenta un nosotros frente a un ustedes. La negación del ustedes (ni te veo ni te oigo) es plenamente retratada por el hecho de aislamiento del mundo por parte de los colonos de dicha zona. La escuela, el super, no se, tal vez hasta el trabajo, está dentro de la Zona. No es necesaria una relación con aquello que no es nosotros. Lo idéntico, lo uno, está más que pleno en un lugar donde nosotros mismos nos brindamos nuestra seguridad.

El punto de distinción dentro de La Zona, entre el nosotros y el ustedes, es el nivel económico y su dependiente carácter ideológico. Los colonos se saben distintos de lo exterior. Ellos han construido una identidad en la cual el factor pobreza, esfuerzo físico (trabajo), no les es compatible. Más bien, la constitución de este nosotros descansa en la estabilidad económica, la armonía prediseñada, el buen gusto prefabricado. Sin embargo, en el filme, el punto de cohesión entre los colonos es la seguridad. Pero no una seguridad que el Estado provee, porque incluso el Estado no comparte los fines deseados porque por el lado de la seguridad, le ha fallado no pocas veces al nosotros frente al ustedes (los derechos humanos del violador o asesino, la corrupción, etc.).

El poder del Estado, encarnado en la policía, que es el árbitro mediador para el nosotros y el ustedes, es excluido también. De hecho, la policía y hasta los políticos (el delegado o bien el mentado diputado Cevallos) son parte del ustedes. Como se puede ver el conjunto residencial La Zona es acotamiento, delimitación de lo que es, excluyendo lo que no es ni debe ser dentro del nosotros.

Vemos que en las relaciones sociales inmediatas, o mejor dicho, en los encuentros, ésta manera de comunicación que nos meten en comerciales, discursos presidenciales, etcétera, es irreal: el diálogo sólo se da al interior de las comunidades y éstas no son las comunidades internacionales, ni las alianzas Estatales ni los países ni las identidades regionales. Las comunidades son quimeras cuando descansan en algo igual de quimérico como el status económico, o bien en un dote cuasi divino de virtudes misioneras (que en realidad son autocreadas)… ¿civilización? ¿cultura? ¿orden? ¿igualdad? ¿democracia? ¿buen gusto? ¿modales? ¿capacidad competitiva? El linchamiento del “asesino” dentro de La Zona, cataliza sólo por unos momentos el odio sostenido en el miedo y la incomprensión de lo otro-que-no-soy-yo. El terror por la aquello diferente se radicaliza y se concretiza incluso en el vecino. El diálogo pasa de herramienta concreta de comunicación a elemento abstracto indescifrable que complejiza las relaciones, incluso, de padre a hijo o de marido a mujer.

Desgraciadamente en la función delas 20 hrs, el director (Rodrigo Plá, uruguayo radicado en México desde hace 25 años) sólo presentó la película. No pudo quedarse, a diferencia de la función de las 18 hrs, al final para sostener un debate. Una de las preguntas que me hubiese gustado formular es la de la intención de la película. ¿La Zona pretende dar un mensaje? ¿Cuál? La historia de los personajes cae en los clichés (el individuo de clase baja que es inocente e incluso obligado a robar por presiones sociales o bien por inocencia y el rico que que tilda de naco al que no es de su condición) y en algunas partes es demasiado predecible. El arquetípico pleito entre nosotros los ricos y ustedes los pobres no desata una suerte de Aufheben sino que, muy someramente, se queda en una mera complicación de las relaciones sociales en donde, como se ha mencionado ya, el punto cohesionador de los unos es su seguridad (paranoia) mientras que el de los otros queda volando en la película al grado de que su justificación, es como mero elemento narrativo.

De cualquier manera, a pesar de lo que se pueda escribir sobre el tema que aborda la película, en pantalla vemos una actuación buena a secas de un actor ya consagrado como Daniel Jiménez Cacho, o bien una Maribel Verdú que, aunque con un papel pequeño, logra explotar su posición dentro de la historia. Otro punto que llama mi atención es que La Zona forma parte de una lista de películas que abordan el tema de las contradicciones de la sociedad y la violencia en que deriva de una manera un tanto más realista (Los ladrones viejos, Cobrador, El violín, Los educadores, Los lunes al sol). No alcanzo a percibir el resultado de èsto, pero dadas las circunstancias creo que sólo servirá para crear generaciones de público y ciudadanos cada vez más tolerantes a la violencia y la desigualdad social.

Monty Python y el Santo Grial

2008-01-03T23:51:00.000-08:00

Divertida parodia del grupo de cómicos ingleses que se vale de la leyenda artúrica para dar rienda suelta a su humor y a sus recursos que son más bien absurdos.

Esta película que al igual que otras adaptaciones de corte más serio, recoge la leyenda del rey Arturo de forma general y muestra a muchos de los personajes y situaciones que aparecen en la novela artúrica. Si bien no trata de englobar a toda la tradición como otras producciones, lo que hace es unir arbitrariamente los elementos que juegan un papel fundamental en la leyenda y que representan, para este grupo de cómicos un recurso para poder realizar su absurda película llena de gags y de críticas de corte social e intelectual.

En este caso, como su nombre lo dice, se trata la búsqueda del Santo Grial por parte del Rey Arturo y de sus caballeros, algunos de ellos salidos de la mente de los Python y otros más, que son los protagonistas en muchas de las aventuras de la leyenda misma. Para este film, la búsqueda, ya de entrada aparece como una empresa absurda y falta de sentido (al igual que el resto del la película), en dónde los personajes van y vienen al igual que en la novela medieval: de forma irregular, de forma también un tanto arbitraria, y en donde también como punto coincidente con las leyendas medievales, el escenario en el que los protagonistas se mueven esta indiscriminadamente en movimiento, como se verá al final de la película con el castillo francés.

De humor más bien simplón (como mucho del humor inglés), esta es una obra que se puede ver y disfrutar a muchos niveles, aunque aparentemente sólo utilice el folklore británico y abuse de la situación inglesa de finales de los 70’s, el hecho de que haya momentos tan absurdos como los caballeros sin caballos, el conejo asesino, el Caballero Negro destazado y otros más, hará que el film sea fácilmente asimilable y se vuelva aunque sea un poco atemporal y general. Bueno, por algo ya es un film de culto, pero claro que eso no la hace una gran película.

Homenaje a Arthur Penn

2007-10-10T21:04:00.000-07:00

El pasado martes 9 de octubre a las 6:00 de la tarde, en el Centro Cultural universitario de la UNAM dio inicio el ciclo de homenaje a uno de los directores norteamericanos con mayor reconocimiento en la segunda mitad del siglo XX: Arthur Penn. Realizador de clásicos del cine como El Zurdo, Bonnie y Clyde, La Jauría Humana y Little Big Man entre otros.

Evento por parte de Filmoteca de la UNAM, que contó con la presencia del homenajeado, llegó a su parte más emotiva cuando el director de la instancia universitaria, el biólogo Iván Trujillo le otorgó al realizador una medalla de plata en honor a su trayectoria y a su importancia para el cine de los 60's y 70's a nivel mundial; medalla que según palabras del mismo Iván Trujillo fue hecha con la plata restante producto del proceso de restauración de los filmes del propio Penn.
Con la presentación de su propia película (Bonnie and Clyde) Arthur Penn se mostró agradecido y muy conmovido por la recepción que tuvo por parte de los universitarios y como todo buen invitado de Filmoteca de la UNAM se quedó algunos minutos después de la exhibición para una sesión de preguntas y respuestas.
El director de El Restaurante de Alicia, comentó a la comunidad universitaria haber realizado la película en respuesta a los hechos y situación en su país en la época (la película fue rodada en 1967). Coonfesó que quizo reflejar el desencanto que los Estados Unidos vivían en ese momento y mucho más, el que vivía su juventud.
Bonnie y Clyde, película de gran dinamismo y gran homenaje a las cintas de los años 30, cautivó al público universitario por más de hora y media, tiempo suficiente para reconocer en ella un cine fino y sobrio, en momentos funcional pero que no pierde nunca su calidad estética. Filme que estaba influido indirectamente por las vanguardias europeas -según dijo su realizador, ya que de las películas de Rossellini, Fellini y De Sica, es decir mirando sus cintas, fue como aprendió a hacer cine. Gran oportunidad para revisar una cinta que está considerada como de las grandes obras maestras del cine y qué mejor que con el autor para presentarla y comentarla.

Buen evento que finalizó con la charla entre Arthur Penn y el público y con una breve firma de autógrafos (incluída la presencia de la actriz Diana Bracho), dejó ver que el cine de décadas pasadas es aún vigente y digno de recuperación y por supuesto, de reflexión. No por nada el cine de Penn es ya una filmografía clásica que se podrá seguir apreciando en la sala José Revueltas del Centro Cultural Universitario hasta el día 18 de octubre cuando sea el fin del ciclo homenaje.

Redes

2007-09-23T19:02:00.000-07:00

Redes, también llamada “pescados” es una rareza del cine mexicano, dirigida por dos cineastas, uno alemán y el otro mexicano: Fred Zinneman y Emilio Gómez Muriel. Gran película que empezó como un proyecto del músico Carlos Chavez y de otro cineasta llamado Paul Strand, y que terminó siendo un proyecto realizado por los dos directores antes mencionados, fotografiado y operado por Strand, y finalmente, musicalizado por Silvestre Revueltas.

Filme que tiene en mucho, influencia técnica y conceptual del cineasta ruso Serguei Eisenstein, o al menos influencia visual de lo que para él era representativamente imagen y cultura de nuestro país (México).

Obra bastante concisa, que prepara muy bien un argumento activo y veloz en la primera media hora, para ir subiendo el tono y el ritmo hasta el final, el cual es también un logro de sobriedad e inteligencia al terminar la película en donde debía de ser terminada. Una gran muestra de guión y dirección en donde se muestra claramente que no se necesita ser panfletario para tener una convicción social, cultural y artística, y que tampoco se necesitan de tres horas o más para poder ser una obra de arte.

La película contiene una temática social clara, mantiene una fuerza que muchas películas contemporáneas han olvidado o han ignorado. De composición visual trabajada y compleja, el cinefotógrafo Paul Strand hace un bello juego de luces y sombras en la costa del estado de Veracruz, maneja perfectamente el carácter de todos los actores (que fueron pescadores reales de Alvarado, Veracruz), con una fotografía contrastante, llena de claroscuros y de planos medios o grandes planos que nos sirven para marcar fuertemente a los personajes.

Una gran realización por parte del mexicano que sería una de las figuras del cine nacional de los años 40 y también un gran logro artístico-social por parte del alemán, y que como obra, marcaría su estilo y tendencias hasta el final de su carrera, hecha casi toda en los Estado Unidos.

Película que no debe ser pasada por alto, porque forma parte de esas grandes joyas no sólo del cine mexicano, sino del mundo entero por ser aún, un filme demasiado actual y contemporáneo, que toca los temas por los que seguimos preguntando hoy a nivel social y cultural; y por otro lado, es de una fineza plástica enorme, que muchos cineastas han olvidado. Obra que comienza la carrera del gran director Zinnemann (de quien por cierto, se cumplen 100 años de nacimiento), uno de los pocos que logró formarse un estilo propio y una visión humana trabajando dentro de una de las industrias cinematográficas más agresivas, es decir la norteamericana. Para no dejar de lado a este realizador, les sugerimos revisar su obra en la siguiente biografía, esto para tener una mejor visión de la película “Redes”, dentro de la filmografía y contexto de su autor.

Biografia de Fred Zinnemann

Little Miss Sunshine

2007-09-23T17:57:00.000-07:00

Un anciano un poco pervertido, heroinómano y mal hablado, un joven nietzscheano con voto de silencio, el mayor experto en Proust en todo Estados Unidos que acaba de fallar en su intento de suicidio, una madre incluyente y agobiada por sus problemas financieros, un padre que posee la clave del éxito en tan solo nueve pasos, y por si fuera poco una pequeña que sueña con ser una reina de belleza emprenden un viaje por el sur de su país para llegar a tiempo a un concurso para niñas llamado: Pequeña Señorita Sunshine.

Todos estos personajes, es decir, la familia Hoover componen una suite fílmica de humor y de carencias de carácter humano en las que el largo camino recorrido no asegura la meta.
Hecha como una road movie, la cinta de Jonathan Dayton y Valerie Faris nos trae una vez más la reciente constante del cine norteamericano: la pérdida, el fracaso y la falta de seguridades en una vida que cada día se ve más plana y en apariencia vacía.
Parece que el cine norteamericano está respondiendo a un sentimiento general en su sociedad que, estando fuera de la paranoia por guerras y terrorismo, recae en una sensación de sinsentido y de derrota ante el mundo que lo rodea.

Cada personaje de esta película tiene que vivir su propio fracaso sólo para encontrar un sentido más allá del que la realidad les está imponiendo. Cada uno rompe con el estereotipo del sueño americano, en donde todos son fuertes y exitosos, en donde cualquiera, con un poco de suerte puede ganar al final; todos, son personajes a contracorriente que aún así, permanecen irremediablemente en la realidad que los rechaza.

Un excelente guión va manejando un ritmo alegre y constante que acompaña perfectamente a la historia y a los personajes; tomando una historia para romper lo que anteriormente hemos dicho, romper con la presión y el falso afán de ser siempre un ganador. Unos personajes simples, bien redondeados, que parten del cliché sin quedarse en él y que terminan por ser algo mucho más que personajes ingeniosos; todos, incluso la pequeña Olive Hoover (Abigail Breslin), son antihéroes bien hechos y manejados.
Una dirección simple al igual que los actores. Encontramos en el filme una delicia visual por la sobriedad que tiene, a pesar del ritmo tan dinámico que maneja el montaje. Encuadres básicos y hermosos, resaltando los colores, objetos y lugares comunes para el contexto de la película. Planos generales de la carretera y de nuestros personajes en ella, mostrándonos la soledad y la inseguridad que todos ellos tienen, cámara en mano realizando planos más cerrados y close up’s que nos hacen ver esas bases no sólidas que cada miembro de la familia tiene. Todo esto haciendo compañía de una banda sonora genial, compuesta en su mayoría por el grupo “DeVotchKa” que va desde el pop y el folk, hasta algo más regional como una versión de La Llorona interpretada por “Una Volta”

Una película poco convencional para un par de creadores salidos de Mtv, tiene mucho que ofrecer en cuanto a un contenido fuerte y bien parado, y un ritmo visual perfecto para ello. Nunca cae en situaciones repetitivas ni trata de agradar al espectador, sino que más bien trata en todo momento de moverlo y de no dejarlo en paz, incluso si tiene que hacerlo reír.

Los Simpson (La película)

2007-08-02T18:35:00.000-07:00

Después de 18 años en los que más de una generación ha quedado marcada por la ironía iconoclasta de la familia amarilla oriunda de Springfield, Los Simpsons son traídos finalmente a la pantalla grande. Así el sueño de ver en cine a Bart, Lisa Homero Marge y Maguie ha quedado parcialmente saciado para los millones de fans de esta serie en el mundo, y digo parcialmente porque este film sale del estilo habitual de Los Simpson de los primeros años en donde unos personajes (novedosamente para una serie animada) profundos estelarizaban pequeñas escenas cotidianas, relacionadas con la vida de un obrero en la planta nuclear, una niña superdotada consecuentemente deprimida por el mundo actual, etc. Nada de esto vemos en esta película épica, en donde la personalidad de la familia queda relegada a un segundo plano con tal de que la aventura tenga los tintes titánicos con que fue planteada.

Al ser un producto que se esperó tanto y existir un público tan amplio de Los Simpson, la apuesta de la película es dar gusto a todos, incluyendo la suficiente cantidad de gags para mantener al público fanático de la simpleza y estupidez neohomérica (no con fundir con el Homero griego) y Bartiana. Sin embargo como ya he escrito la apuesta en la profundidad de los personajes se queda en un nivel caricaturesco, con un Bart y Lisa que están en un nivel irreconocible, pasando más por personajes de película de disney.

Por lo demás, la trama transcurre de la forma más predecible, con muy pocas sorpresas. La escena cumbre de la falta de imaginación es donde Homero hace un truco de motocicleta para ganar una camioneta. Elemento que se conecta de manera abusiva con el espectador, al que se confunde con el de Rugrats o La Era del Hielo.

A pesar de esto, no es para que salgan corriendo a ver la película de la sala de a lado, por el contrario, resulta una cinta con una animación que combina lo sencillo con lo espectacular, y deja gratamente satisfecho. Sin embargo, el punto clave es la critica al gobierno de los Estados Unidos, liderado por... ¡Piense! Alguien más estúpido que Bush... ¿No se le ocurre nadie?... Así es: Arnold Schwarzenegger.

La película entera resulta una apología a Una Verdad Incómoda, de Al Gore, y pone de relieve la inutilidad de los gringos para tratar los temas ambientalistas. No resulta curioso ver a policías federales correteando Simpson por tener una verdad que el gobierno no quiere que se sepa, (¿Acaso será una metáfora de la historia de la serie?).

No es para nada deleznable el acudir a una sala de cine y vivir colectivamente la experiencia de disfrutar a carcajadas con Los Simpson, aunque sea con el humor más común y al tono de Puerco Araña, situación que por otra parte hace que la crítica pueda ser más laxa al momento de salir de la sala.

Habana Blues (El cine de Cuba 1)

2007-07-07T02:46:00.000-07:00

***

Esta es la primera de una serie de entregas sobre Cuba representada en el cine.

Empezamos por una película reciente: Habana Blues. En ella encontramos una potentencialidad musical que difícilmente tiene comparación, entre un estilo de clara herencia MTV y una historia que toca temas universales, como la separación de las familias a la causa de la migración, cosa que no es un problema exclusivo de Cuba sino que es una realidad en todo el mundo y su dicotomía centro-periferia. Benito Zambrano, hace de esta película un espectáculo avasallador, sin descanso, entre el ritmo vertiginoso del habla cubana y una música que se sucede momento tras momento acompañando el tono de la película, y esta pasa por varios matices por lo que se nos da la oportunidad de dar un esquisto paseo musical que irá desde el rock pesado, hasta rock con mambo, y todas las fusiones que se le puedan ocurrir y forman parte de una música nacional en evolución.

Así es como avanzamos livianamente en una historia que como decía tiene aires de universalidad. Una banda de músicos ante la oportunidad de internacionalizarse y viajar por el mundo. Detrás de ello, el triste espectáculo que cuya trivialidad es difícil escapar. Un hombre que por ser músico es casi mantenido por su esposa, quien harta de esta situación decide irse de la isla.

-- De aquí en adelante se hacen juicios de valor y se cuentan partes importantes del argumento--

Mientras Caridad se prepara para dejar Cuba, Ruy hace lo propio esperando una gira por España que hará que sus esfuerzos al fin rindan frutos. En este momento de la historia, pareciera que se trata de una ciudad en ruinas (como aquel viejo teatro en el que se prepara el concierto) de la que hay que salir, antes de que se termine de venir abajo. Pero pronto esta situación verá un límite, cuando la productora que busca contratar a la banda que encabezan Ruy y Tito, les tienda una trampa y se vean en la difícil desición de vender su alma a una empresa que les pide hablar mal de su país, para vender más discos, cambiar sus letras para hacerlas más internacionales, abandonar para siempre su país, ya que sus intereses económicos en contuvernio con los EU, deben tener coherencia con su imagen y la de los grupos que representen. Es en esta decisión dónde un pretendido sentido apolítico que repetidamente anuncia la película se viene abajo. La política no sólo se juega entre Fidel y el BM, la política se juega en las decisiones constitutvas de toda la vida.

Así, se va diluyendo una película que termina por reflejar aunque tibiamente, que tener hambre no quiere decir no tener dignidad.

Hasta aquí la peculiar sinopsis. Fuera de esta contradicción entre los errores de un sistema y la voracidad del otro, encontramos una película que si bien nos deja muchas estampas sobre la cotidianidad cubana, al mismo tiempo lo hace con una estructura dramática que la trivializa en muchos momentos, dándole un toco melodramático, que para colmo suele ser acompañado de baladas sensibleras, haciendo que la originalidad musical decaiga un poco. Paseense por la página de la película si no me creen. http://wwws.warnerbros.es/movies/habanablues/. Además de estos altibajos dramáticos, hay momentos en que la complejidad de los personajes que están bien representados por extraordinarios actores: todos Cubanos, todos formados en cuba; pasa a ser caricaturizada, con un guión que después de formar bien a sus personajes, los entrega a fricciones simplonas y gastadas. En medio de esta y otras displicencias se acaba la película con un Ruy que se muere de nada, dejando que su familia se vaya en una lancha.

Entonces que nos queda, un Tito que decide venderse al sistema, al preferir que lo explote el capitalismo, (¿El capitalismo lo hace libre?) una Caridad que se va para que su madre no esté tan sola en Miami, y finalmente Ruy, inmerso en esa nada, tan cercana a la del personaje principal de Memorias del Subdesarrollo, Sergio, empantanado a la mitad de sus disertaciones.

Aún con todo esto, que conduce ciertamente a la inverosimilitud, es una película que intenta ser democrática al mostrar diferentes posturas y formas de vivir en La Habana. Por otra parte si se puede hablar de estos detalles polémicos, es porque la película los pone sobre la mesa, aunque hasta el cansancio nos diga el director que no es así, que su película es apolítica.

Por otra parte es un film importante de manera involuntaria, porque ayuda a romper mitos. Estamos hablando de una coproducción del ICAIC, que no es precisamente "propaganda revolucionaria", como desde las primeras líneas deja apreciar un comentario de Tito: --¿No pensarás hacer turismo oficialista?-- Así, como con el caso de Fresa y Chocolate no se trata de películas que se le escaparon a Fidel, sino que al contrario fueron producidas por el "intolerante" estado cubano. Duélale al gusano que sea.

Los 300 de Esparta.

2007-07-05T20:40:00.000-07:00

300 es la película basada en la famosa novela gráfica, escrita y dibujada por el autor de culto Frank Miller. Una adaptación más para la lista de historietas y novelas que han sido llevadas a la pantalla como lo fue Sin City del cómic homónimo o Batman Begins, basada en gran parte de la también novela gráfica Batman: Año Uno.
La adaptación de 300 tiene un toque especial, obvio diferente a los anteriores mencionados, por el hecho de que es la interpretación en cómic de un episodio de la historia griega, es una forma de dar a luz una leyenda con base en el suceso histórico.

La historia tanto del cómic como del film se desarrolla en las llamadas “Guerras Médicas”, dónde el rey Leónidas, soberano de la ciudad-estado de Esparta (Lacedemonia) defendió y detuvo el avance del ejército de Jerjes, emperador de Persia. Capítulo de la historia conocido como la defensa de las Termópilas, lugar en el que con aproximadamente 300 guerreros dieron batalla al inmenso ejército persa y frenaron su paso y conquista; esto para dar paso a la unificación de las ciudades griegas en defensa de los persas, que fue el gran logro de este heroico acto.

Aparentemente el film de Zack Snyder acarrea los mismos pros y contras que tuvo en su tiempo la novela gráfica. A ésta última se le criticó por su falta de consistencia histórica, cosa que me parece incluida en el film; en la película no parece darse un trabajo de investigación o de ciertas precisiones históricas, claro que se puede suponer que es gracias a la intención comercial que trae consigo. Aún siendo que la película cumple con ella misma por no tener más pretensión que contar una historia interesante y de forma bella (si lo queremos ver así), parece alejarse aún más de las precisiones con el hecho de que se le han agregado valores y “formas” que en nada tienen que ver con un modelo griego o una forma de pensar de un espartano de la Grecia antigua. Sí mantiene la idea del espartano como un guerrero por naturaleza, cosa que da a mostrar el film en la larga pero excelente introducción, en la cual vemos el proceso por el cual todo ser nacido en Esparta tiene que pasar, desde la aprobación o desecho de la criatura al nacer, cómo su inclusión a la ciudadanía y a la edad adulta después de pasar su prueba de fuego, solo en el bosque; situación que será la que provoque la traición que llevará a la masacre final de la historia.

Sin embargo ideas como “democracia”, “libertad” o “igualdad” son símbolos bastante forzados en la cinta; son conceptos muy alejados de la realidad griega, siendo que las ciudades-estado estaban constituidas por una sociedad esclavista sin ninguna clase de prejuicios o remordimientos por ello; pareciera que son reflejos del inconsciente (?) de los creadores del film y de la influencia de su propia sociedad o tal vez sólo se trate de una simple justificación de la misma.

El acierto es un juego (hecho por Larry Fong) de fotografía que apantalla, una suerte de aprovechamiento de los medios digitales (que tan satanizados están) para dar el color y la textura deseados, y por supuesto para mantener una enorme fidelidad a la historieta. A esto último, como desacierto, me parece que los que se han dado a la tarea de adaptar una obra de Frank Miller, como lo han sido hasta ahora Snyder y Robert Rodríguez, todavía le temen a la figura de culto, aún le temen a la “in-fidelidad”, no se ha visto una propuesta visual que no esté apegada a la obra original, no se han dado muestras de estilo propio. Tanto en 300 como en Sin City se ha tomado la decisión de serle fiel al cómic y casi “calcar” la imagen de las viñetas a los fotogramas de la película.

Cosa genial es el leitmotiv de la pequeña caverna desde dónde se defenderá tanto el joven Leónidas de su prueba final contra el lobo, como ya siendo rey, defendiendo a su pueblo del ejercito del emperador Jerjes. Y como último logro importante de la cinta, es que los actores no son simples repetidores de diálogos, el acierto de esto es que para ser una cinta épica, todos los actores sí se están creyendo sus personajes, cosa que se agradece a la hora de ver una película así.

Claro, 300 no es la gran maravilla del año pero vale la pena tomarse un tiempo para verla y pensar qué se está reflejando en ella. Sí tiene una propuesta totalmente comercial, de eso no hay duda, pero también es interesante verla como una postura política que el país del norte de América tiene para con el medio oriente.

El Violín: Se acabó la música...

2007-07-05T11:35:00.000-07:00

El cine mexicano sigue mostrando que aún está vivo y que posee una calidad considerable. Prueba de ello es el largometraje del joven cineasta Francisco Vargas, titulado El Violín.
Si bien esta cinta mexicana del 2006 (que curiosamente fue hasta este 2007 que se estrenó en su país de origen) no es un documento de denuncia social, sí toma una posición muy clara en cuanto a los movimientos sociales o de la guerrilla en lugares donde pareciera que no existe una calidad de vida óptima; sí tiene, me parece, una posición hacia todas esas acciones militares (gubernamentales o no) en contra de personas que exigen una mejor vida para sí y para los suyos.
La cinta tiene en sí misma una intención, sea obra consciente o no de su director; da muestra de la forma en que se mueven este tipo de acciones militares y de resistencia, el film muestra que aún en uno y otro “bando” existen seres humanos, y cómo esa misma humanidad los lleva a uno y otro extremo del actuar, en situaciones límite como esta.

Película rodada en Ixtapaluca, Estado de México, narra la historia de una familia: Don Plutarco (Ángel Tavira), un viejo violinista; su hijo Genaro (Gerardo Taracena) y su nieto Lucio (Mario Garibaldi). Historia que se desarrolla en una zona rural de México, en la cual las fuerzas armadas han entrado a la comunidad de Don Plutarco, despojando a los habitantes de todo, incluso, como se podrá observar en el filme, de su dignidad. En esta incursión militar se busca aún a los que participan y han participado en la insurgencia, entre los cuales se encuentran Don Plutarco y su familia. En busca de municiones olvidadas en el pueblo, para defender a su comunidad, Don Plutarco se dirige a la vieja milpa donde éstas se encuentran escondidas. En los días en los que dejan entrar al pueblo a Don Plutarco, él hace amistad con El Capitán; y en las múltiples entrevistas que sostienen, ambos se dan cuenta de la humanidad que se puede encontrar en el otro, aunque también de la crueldad y de la indiferencia.

Lugares y personas que nunca son especificados son a mi parecer el gran acierto del film, ya que no se centra en algún lugar específico ni situación específica; cosa que da cuenta de la importancia de la obra en sí y por sí misma, y por supuesto de una situación que se da todos los días en nuestro país y fuera de él.

Los lunes al Sol (o las contradicciones del capitalismo desde el primer mundo)

2007-06-01T23:37:00.001-07:00

"Esta película no esta basada en una historia real, sino en muchas"

--frase promocional--

Santa (Javier Bardem) es demandado por apedrear una farola en una manifestación, y se ve obligado a asistir a los tribunales...

En esta película de Fernando de León Aranoa se cuentan una serie de mini historias al rededor de la vida de unos amigos desempleados como consecuencia del cierre de una fábrica astillera, ubicada al norte de España.

En un ritmo lento y entre escenas que se muestran con una unidad propia bastante acentuada, la historia se mueve al rededor de disertaciones filosóficas sobre el valor del dinero, el significado de un movimiento obrero, o la repartición de los salarios; pero sin la pedantería de quien lo hace desde un aula atrapado en el idealismo universitario. Estas pláticas se van deshilachando mientras el grupo de amigos observa un partido de futbol desde las alturas de un edificio en construcción, aunque solo se vea la mitad de la cancha pues la otra parte es tapada por la propia obra; o al sabor de unas copas en un bar.

Sin embargo cada uno de los personajes parece retratar un aspecto distinto sobre la vida de un desempleado. Paulino (José Ángel Egido) vive en la angustiosa espera de ser llamado, y entre oficinas de espera, transcurren sus días, sin que le den empleo por ser muy viejo, o no estar capacitado. La vida se reduce entonces a una larga lista de espera, a una fila infinita. José (Luis Tosar) vive la amargura de ser mantenido por su esposa quien trabaja en una empacadora de atún. Ana se la vive entre desodorantes que le quiten el olor a pescado, mientras que José sufre su impotencia siempre temiendo que Ana lo deje.

El argumento no va mucho más lejos, las escenas en el bar se suceden una tras otra, sin que grandes dramas acontezcan, mas que la desolación de una vida que se planea y se busca pero que no encuentra fuentes de subsistencia. Es Santa quien dentro de su desazón encuentra algunas respuestas y plasma todo su análisis ante la incredulidad del cuento de La Hormiga y la Cigarra. --La hormiga es una hija de puta y una especuladora, mientras que la cigarra nace cigarra y nunca tuvo muchas oportunidades-- dice enojado, cuestionando la clásica fábula de Esopo. Más allá de esta metáfora es donde se encuentra el valor de esta obra sincera y profunda. El cuestionamiento a un modelo de desarrollo, a la imposición de empresas transnacionales, la reducción de la calidad de vida, de los propios esclavos del capitalismo. Un inmigrante ruso, que a menudo los acompaña llega a la conclusión de que: "Todo lo que nos decían del comunismo no era verdad, pero lo peor es que todo lo que nos decían del capitalismo resultó cierto"

...Un juez obliga a Santa a pagar una indemnización de 10 mil pesetas por la farola rota. Santa la paga, para después detenerse en frente de la fábrica, aún llena de pintas de protesta, y romperla otra vez.

Sobre el cine sudafricano.

2007-05-02T01:10:00.000-07:00

Seis Filmes dos documentales y cuatro películas de ficción, formaron parte del programa que el cineclub de la Facultad de Filosofía y Letras, en colaboración con la Embajada de la República de Sudáfrica en México, exhibió durante el mes de febrero con el objetivo de aproximar a los universitarios y al público en general a una cinematografía poco conocida en nuestro país: la africana.

Los filmes seleccionados para este ciclo pertenecen a una nueva etapa en la historia del cine sudafricano. Todos éstos fueron producidos después del proceso democrático que unificó a la nación. En contraste con la producción anterior que develaba la escisión que sufría el país, la existencia de dos sudáfricas: una negra y una blanca.

El ciclo comenzó con la proyección de tres cortometrajes agrupados por un eje temático: la reflexión sobre la nueva y la vieja Sudáfrica. Por una parte dos cortometrajes de ficción de Dumisani Phakati, Navidad con la abuela (ikrisimesi nomakhulu) de 1999 y Esperando a Valdez (waiting for Valdez) de 2002. La primera, hablada en zulú, relata el viaje de un niño con su abuela para el rito de iniciación bautismal. En la segunda, que sitúa la acción en los años setenta, un niño en compañía de su abuela personajes recurrentes en el cine de Dumisani relata la experiencia alrededor del cine que tenía la comunidad negra del país. Por la otra, el corto documental de la cineasta musulmana Zulfah Otto-Sallis, A través de los ojos de mi hija (Trouhg the eyes of my daughter) de 2004. Otto-Sallis explora el tema de la nueva generación de sudafricanos. Para ello usa como dispositivo de narración a su propia hija, a quién sigue con la cámara durante un año tomando como referencia la celebración del Ramadán.

Posteriormente en el foro de la Galería Autónoma CU, se exhibió Yesterday, de Darrell James Roodt (2003). Este largometraje de ficción aborda uno de los problemas más grandes que enfrenta el continente, la epidemia del VIH. En un país con más del 11 % de la población infectada, Yesterday, la protagonista de este filme, lucha contra la muerte para que su hija Beauty pueda ir a la escuela y tener un futuro mejor. Este largometraje es distribuido comercialmente en México por film house.

El ciclo concluyó con la presentación de Cosmic África (2005), documental de corte etnográfico dirigido por Craig y Damon Foster. Éste utiliza como dispositivo la búsqueda del conocimiento astronómico y astrológico del continente negro realizado por el “etno-astrónomo” sudafricano Thebe Medupe. África cósmica es un diálogo fílmico entre la ciencia nueva y la antigua, odisea audiovisual que parte del desierto del Sahara, los acantilados de la provincia Dogon en Malí, hasta llegar a la ancestral tierra de Namibia.

Conocer África a partir de su cine, a partir de sus expresiones culturales, contrarrestar una imagen negativa del continente, fue el resultado de la exhibición de este cine en las salas universitarias. Después de tantos años de ausencia, Latinoamérica busca dialogar con el más antiguo continente. Por eso es necesario decir que el ciclo sirvió como antesala al primer festival de cine africano de América latina (Africala), iniciativa panamericana que ofreció, en el mes de abril de este año, un conocimiento más profundo del continente africano y su cinematografía.

Para más información sobre el festival de cine africano consulta: www.africala.org

por: Rodrigo

Sueños Perdidos…

2007-04-17T20:29:00.000-07:00

Por Marshiari Medina

"Para entonces, el tequila ya se me iba subiendo a la cabeza junto con la sangre de mi primera embolia, y la historia seguía en un drama dónde el sueño americano tenía que cumplirse."

El destierro duele y sangra, aún más cuando al ver una película se trata de adivinar en las miradas de las escenas la añeja y fuerte espera de volver a Cuba. Melancolía de la patria: todos los cubanos la conocen, ya sea por herencia, canciones de viejos himnos, historias ancestrales o en carne propia. La melancolía de Cuba no se olvida y se resguarda en alguna parte del cuerpo que no se conocía.

Hace unos días, cuando el aburrimiento de la ociosidad me invadió, fui a dar un vistazo al Blockbuster más cercano para ver que película podía encontrar que me salvase de mi eterno tedio. El simple hecho de ir a Blockbuster me advertía que pecaba de ingenua, y que seguro terminaría rentando un melodrama que me invadiría la garganta de un sentimiento de cursilería y asco. Pero el fin justifica los medios, y mi fin era hacer “algo”, ya no importa[d1] ba si era divertido o no. Entré al Blockbuster, miré el azul, rojo y amarillo de las promociones, y me dediqué a buscar en los anaqueles que sugerían toda la programación de canal “5” y “Hallmark”. He pasado muchas navidades viendo las payasadas de “Eso”, y las carnicerías que “Chucky”, el diabólico engendró de los“Cabbage Patch”, protagonizaba en las ferias gringas. Es más, ni siquiera “Mi primer beso” se salvó de mi aburrimiento, y eso que fue la película culpable de mi debut con el primo más feo de la familia.

“El que busca, encuentra” y buscando me encontré con “¡Una obra de Arte!” Según The Chicago Reader, y “¡Toda una lección de vida!” De acuerdo con The Newsweek. A veces, mi corazón de patito hace que le crea al más necio de los necios, y mi debilidad sentimentalista me hizo suponer, con toda confianza, que esta vez la prensa americana no me engañaba. Quería creer que decían la verdad y que realmente esa película era extraordinaria. Perdonen mi sosedad, pero a veces hay que dar segundas, terceras y cuartas, o quintas oportunidades, así que tomé la mentada película de mi tarde, “Sueños Perdidos” by Andy García, para ver qué pasaba.

Ni si quiera me fijé de que trataba la película, y al llegar a casa para realizar el ritual de palomitas, chesco y cobijas, encendí el DVD. El rostro arrugado del Andy García se me apareció en la pantalla en medio de un ballet híbrido de Broadway y el Buenavista Social Club, -¿Qué es esto?- pensé con mi cara de mensa (por mensa entiendan ustedes lo que quieran). Una película que relatará la vida glamorosa en Cuba. ¡Oh, sí! Mi abuelito me ha contado miles de veces como su familia fue puesta patitas en la calle por la gente de Batista, y como su padre fue capado por haber sido consejero de Machado. También me enteré cómo su madre había enlazado amistades con la gente revolucionara de Fidel, y como el fiel servicio de ella y su familia los ha mantenido, desde entonces, con algunos puercos y gallinas que felizmente sirven a las fiestas sin luces en el hermoso Bayamo, Cuba.

-OK, démosle chance. Ya la tengo aquí.- Me autosugestioné con un poco de esperanza. En ese momento, decidí que el chesco pasaría la estafeta a un traguito de tequila. De pronto el chaparrito Hoffman le hacía de italo-cubano-gangster-negociador, y una familia burguesa bonita, con unos hijos hermosos que se cuidan de la revolución, brindaba por su tranquila y feliz vida. Todo era fiesta. Los diálogos estaban llenos de coloquios y chistes ingleses que nunca se entienden. Digo, ¿a quién carajos le importa si la crema del café es blanca o fría en la Habana? ó ¿quién se interesa en saber si un comediante debe beber o no coñac? En fin, después de unos veinte minutos, y otros dos traguitos de tequila, un hijo, que debió ser llamado Caín, traiciona a su familia y a su esposa. El muy maldito se recluta como revolucionario, dejando sola y triste a su hermosa princesa que se queda en casa esperando su regreso. Pero no se preocupen señores, la hermosa señorita (por cierto española) salé del hoyo cuando Andy García (nuestro galán de galanes) le hace compañía con besos y abrazos en toda la Habana, hasta que el malvado Guevara y su cuate malicioso de Fidel llegan para apaciguar la fiesta y expropian el plantío familiar de tabaco, donde el tío gordo y bohemio se muere de sopetón por el coraje que estos dos revolucionarios le hacen pegar. Para entonces, el tequila ya se me iba subiendo a la cabeza junto con la sangre de mi primera embolia, y la historia seguía en un drama dónde el sueño americano tenía que cumplirse. ¡Claro! Por eso la película se llamaba “Sueños perdidos”, porque todos los sueños se pierden cuando el sueño americano viene y acapara toda la cancha. Ya se imaginarán, el querido Andy García, se va de la Habana porque sus sueños están perdidos y tiene que buscar un futuro feliz. Para eso, toma sus maletas con preciados tesoros familiares y se va derechito al aeropuerto, donde tiene que pasar por un puesto de control en donde le revisan todo, todo, todito. Como mis visitas anteriores a Gringolandia me han dejado experiencias muy malas, no entendí si el punto de revisión era en la Habana o en los United States. Pero bueno, más traguitos de tequilita me tranquilizaron y seguí mirando a ver qué continuaba.

El Andy García llega a New York, y se vuelve lavaplatos. Pero eso sí, tiene un bonito departamento donde de pronto un viejo amigo lo viene a buscar, y más tarde su querida amada también le toca la puerta. –Ash, ¿y yo porqué no puedo encontrar al Iván que se fue a vivir aquí nomás en Oaxaca?- me pregunté ya medio anestesiada. De pronto, el Andy García desaparece y uno de los más hermosos poemas, que se puede dedicar con todo el amor y dolor del corazón a Cuba, comienza a ser recitado por nuestro protagonista en una voz chillona. Les confesaré que para entonces la calidez del tequila ya me había golpeado el sistema nervioso y comencé a llorar. Lloraba porque ese poema, el himno de esta grandiosa lucha que el pueblo cubano ha enfrentado, era usado en la más cruel manera para desaprobar todo ese esfuerzo. Lloraba porque mi abuelo amó a la revolución y un gran bloqueó comercial le destruyó sus sueños. Lloraba porque a pesar de todo, no importa que uno no haya nacido en Cuba para sentir este dolor comunal, y tarde o temprano la sangre llama. -Qué mala onda del Andy García y todo su staff gabacho- me decía llorando con el tequila en la mano.

Las palabras de José Martí vivirán siempre con orgullo en mi abuelo, en mi padre y en mí, pues “antes de morirme quiero echar mis versos del alma. Yo vengo de todas partes, y hacía todas partes voy: Artes entre las artes. En el monte, monte soy”.

[d1]Importaba, no?

Billy Blue Rokher

2007-04-13T01:44:00.000-07:00

No molestar, american SYCHO trabajando (o Michael Moore strikes back)

Recientemente el nativo de Flint, Michigan y aclamado autor de Bowling for Columbine (2002) anunció en su sitio web que tiene ya el 75% de su nuevo documental SYCHO, que abordará la problemática de todos aquellos que 'en el país más poderoso del mundo' no cuentan con atención medica alguna (45 millones de personas en total).

En febrero pasado el ganador de la palma de oro (por Fahrenheit 9/11) lanzó una convocatoria para que le mandaran cartas y correos contando las penurias sufridas y las asquerosidades presenciadas que el sistema de atención médica estadounidense guarda en su ser. Llegaron más de 19 mil. A Moore le tomó más de un mes leerlas todas.

"El objetivo del filme no es decir que el sistema médico apesta, eso todos lo saben. Mi trabajo será mostrarles algo que ustedes no saben", escribe.

Todos estos mese han sido de trabajo pesado para el autor de Roger and me (1989), no sólo por terminar de grabar y editar SYCHO [1] sino por la muy grata y ardua labor de supervisar la segunda edición de su Traverse City Film Festival, para el que seleccionó 60 películas en total, entre las cuales se encuentran nuevas cintas independientes y documentales, que para nada han tenido una distribución regular en las grandes salas.

Este festival que se llevó a cabo del 31 de julio al 6 de agosto y que en su primera edición tuvo más de 50 mil asistentes, además contó con una selección de cintas realizadas en Irán (un intento de "antes de atacarlos, vamos a conocerlos esta vez") y proyecciones especiales de las principales obras de Stanley Kubrick con la presencia de Malcolm McDowell (el inolvidable Alexander Delarge de Naranja Mecánica) y Matthew Modine (de la inquietante Full metal jacket).

Han sido meses de trabajo arduo (trabajar, trabajar y trabajar para que en 2007, como espera su autor, se estrene SYCHO). Mucho jaleo en el mundo (hasta el momento 2 592 soldados estadounidenses muertos y decenas de miles de iraquíes), Mike trata de consolarnos: "Bush acaba de cerrar discretamente el departamento de la CIA encargado de buscar a Bin Laden. Esa es una buena razón para estar tranquilos. Me pregunto, para Bush ¿quién será el siguiente hacedor del mal y fuente de terror supremo? ¿Quién sustituirá a Bin Laden? ¡Una nación llena de miedo espera órdenes, señor!"

… No, eso no fue un consuelo… Mike es un atizador de fuego nato, y para muestra basta leer el alegato que lanzó a todo senador demócrata y congresista que siga apoyando la guerra de Bush: "Déjenme informarles que sus días en puestos de elección popular están contados. Yo y decenas de millones de ciudadanos vamos a trabajar muy duro para removerlos de cualquier posición de poder."

Y a los que no le crean, hay que recordarles todos los disturbios, consignas y mensajes escritos que afuera de la casa del senador Joe Lieberman (acérrimo demócrata y fan bélico de Georgie 'Pistolas' Bush) acontecieron a manos de familiares de soldados y ex fans demócratas.

¿Esto era un artículo sobre cine o sobre política?

Meses de arduo trabajo te esperan, Mike.

Autor: Guillermo Cordova

La muerte del señor Lazarescu, un acercamiento breve

2007-04-13T01:40:00.001-07:00

Mortea domnolui Lazarescu (2005), Cristi Puiu; Rumania

Cristi Puiu, cuarentón realizador rumano, se instaló con su Señor Dante Lazarescu en las salas universitarias y algunas comerciales el verano pasado, haciendo comparsa a varias buenas obras que llegaron celebrando el 13 bestiario (pues parece que escogieron las películas por los animales que danzaban en frente de la cámara) Festival veraniego de la Filmoteca de la UNAM.

Iván Trujillo cuenta que Puiu hubiera venido a presentar su film sino es porque decididamente vuela sólo una hora en avión. “No resiste más”, dice nuestro filmotecario. Esto lo anoto porque a mí me habría sido grato darle un sincero abrazo por la experiencia moribunda entregada a los espectadores.

“Domine Dante Lazarescu” escuchamos que responde cada vez con más trabajo el protagonista (excelente trabajo de Ion Fiscuteanu) cuando le preguntan su nombre todos los doctores que lo medioatienden en su vía crucis por la ciudad que surca en ambulancia para intentar salvar su vida que lentamente –a lo largo de 153 minutos- se consume. Asistimos a una antitesis aguerrida de las series de hospitales joligudenses, donde todo está en su lugar en momento necesario. Aquí nada está bien; el señor Lazarescu muere de una crisis cirrótica al mismo tiempo que un absceso en su circulación cerebral –provocado por un fuerte golpe en la cabeza- le ha cimbrado su aparato motor. Abusando de mi memoria y de mi poca madre por no anotar bien a bien lo visto, diría que pasa cuatro hospitales antes de que se compadezcan de él, viejito remolón y cascarrabias que empieza por sernos indiferente y termina por ensañarse con nuestra entraña. Sólo dos tristes temas musicales, al inicio y al final, nos dan pauta (ja) para reposar de la tensión creada al interior de la ambulancia, donde pareciera que sólo se ocupan de su paga-trabajo, sin embargo es ahí donde llega a valer más la soledad de Lazarescu, quien se la curaba entre una docena de gatos que velaban por su salud, mientras su hija le gritaba de groserías en una llamada de larga distancia, al inicio de la película.

Hecha toda en planossecuencias-cámaraenmano, plena de actuaciones casi perfectas-casi documentales, la película peca de un realismo desconsolador que nos deja secos desde el tercer rollo, cuando ya los esfínteres del Domine se encuentran fuera de control, y comienza a decir babosadas frente a la tiranía médica, más preocupada por firmar contratos de muerte por intervención quirúrgica que por salvar una vida molesta, por su alcoholismo y su vejez, que serán elementos constantes en su diagnóstico: la poca fuerza vital aún presente se irá gastando en constantes vejaciones por su adicción solitaria y su edad sin valía en un mundo juvenil hospitalario.

Ya sólo me resta escribir que La muerte… no tiene ningún mensaje inmerso. Es un largo comentario a la desolación de la senectud universal, a su absurda dependencia a la salubridad pública, tan innecesaria cuanto más se muestra hostil a su objeto principal. Lazarescu, nuestro abuelo, muere ante la indiferencia rumana y de los pocos espectadores mexicanos que acudimos a contemplar su bel finale.

por: Praxedis Gilberto Razo

Crítica de una crítica en crisis

2007-04-13T01:34:00.000-07:00

Sin duda, la patología cultural más evidente de nuestra sociedad posmoderna es el predominio de la imagen sobre la palabra. Imágenes que impregnan el tejido de la vida cotidiana hasta construirse en ideología de consumo. Los límites de mi mundo son los límites de mi lenguaje. Pero ahora parece que el capitalismo multinacional con su sádica maquinaria expansionista amordaza a Wittgenstein para aplicar en él el mismo sistema de depuramiento conductista que el protagonista de Clock Work Orange tuvo que sufrir; y ahora esta sentencia adquiero otro matiz. Ergo, los límites de mi lenguaje son los límites de mi campo visual, los límites de mi campo visual se reducen a unos cuantos anuncios publicitarios.

Es por eso que el cine es una de los instrumentos de expansión ideológica más poderosos de los Estados Unidos. El cine de Hollywood, y en muchos casos el cine norteamericano independiente, funcionan eficazmente como largos anuncios publicitarios, donde se promueven valores, hábitos, estructuras mentales, fantasías convulsas, conductas esquizofrénicas y vocablos aberrantes que tanto usted como yo podemos comprar en el cine de nuestra localidad más cercana. Desde luego no es sólo el cine quien pone a nuestra disposición dichos productos. La televisión cuenta aun con una mayor capacidad de influencia sobre el espectador, debido a su gran accesibilidad. De la misma manera, la cinematografía norteamericana no es el único pelo en la sopa, y es ahí donde deberíamos de comenzar a preocuparnos.

Pero, ¿para qué preocuparme por ver “buen cine” o “cine de arte” si yo lo que busco es mero entretenimiento y expandir mi yo-individual-contemplador para regresar a casa imaginando que tuve una experiencia? Podría exclamar el espectador medio, a lo que el humanismo liberal tiene, a mi parecer, una certera respuesta: Es necesario ver “buen cine”, simplemente porque nos hace personas mejores. Una buena película siempre nos brindará las herramientas adecuadas para reorganizar nuestra vida en una experiencia coherente, para profundizar en la naturaleza de los hechos y fortalecer nuestra capacidad de discención crítica. Por tanto, el cine tiene una función didáctica – espero no intimidar con estos términos- y mucho de útil. No me gustaría que esto se malinterpretara con el delirio racionalista del positivismo decimonónico, y por ello, antes de ir más allá prefiero dejar este punto en suspenso que podría ser materia para un análisis más extenso. Ahora la interrogante que surge es: ¿qué quiere decir “buen cine? No creo estar capacitado para contestar una pregunta de esta envergadura, sin embargo puedo decir que existe – ¿o existía?- una institución que funcionaba como profilaxis cultural para preservar la salud del panorama cinematográfico: La crítica de cine.

Desde su nacimiento el cine estuvo acompañado de este molesto furúnculo que cultivaban los hombres de letras, y cuya aportación teórica fue determinante para dar sustento a la definición misma de cine. Durante el fermento cultural de los sesentas, la crítica de cine adquirió un lugar importante dentro de los círculos intelectuales. En toda conversación era común ver como se citaba a Hegel y a Fellini sin ninguna transición. Revistas como Positif, Cahiers du Cinema y Cinema ’60 por mencionar algunas, eran un punto de referencia fundamental.

En nuestro país, la crítica cinematográfica fue ensayada por gente de la talla de Alfonso Reyes y Martin Luis Guzmán, entre otros literatos que decodificaban, a su manera, ese exótico lenguaje de imágenes. No puede dejar de mencionarse la fugaz pero decisiva aparición de la revista Nuevo Cine, que de alguna manera dio cauce a las exigencias de una generación preocupada por la cultura. El papel de la crítica sugería una especie de tamiz, filtro o vacuna contra el influjo pernicioso de imágenes que llevan consigo una carga ideologizante. Su labor propició que cineastas reflexionaran más sobre sus propias obras y que cayera sobre ellos la conciencia de que hacer cine implica más responsabilidades de las que habían imaginado. Como vamos viendo, en la actualidad ya no sucede lo mismo. Hoy en día la crítica en México ya no cuenta con la misma fuerza de antes. Uno de los hechos que lo comprueban puede rastrarse en la trayectoria del veterano crítico semanal Jorge Ayala Blanco, que con alquímica mezcla de sociología, psicoanálisis y semiótica había edificado la mejor de las maneras de ejercer análisiscrítico sobre cine, con excelente prosa y una inteligente construcción de los temas. Y quién ahora prefiere el estilo cripticoviolento que se encuentra más cercano al comentario. Otro ejemplo es el caso de Nelson Carro, quien se obstina en una metodología de añoranza hermenéutica sin dar lugar a lecturas más profundas. Carlos Bonfil, Luis Tovar y Gustavo García son el modelo del sinóptico puntual y el buen promotor. Ni que decir de revistas pseudoespecializadas como Cinepremiere o Cinemanía, donde figuran, más que otra cosa, la publicidad y el chisme tras bambalinas de la industria cinematográfica. La situación parece decirnos que cada vez es mas fácil salir a la calle, manipular una cámara y hacer una película; pero cada vez más difícil ir al cine, manipular una pluma y decir que tal o cual película carece de estructura o es un bodrio insuperable. Este fenómeno no es más que una de las tantas consecuencias de la problemática imagen/palabra de la era posmoderna que comentaba al principio. El flujo de imágenes es vertiginoso y su resistencia es menor. La crítica era resistencia. Justo es decir que conviene revitalizar el ejercicio de la crítica cinematográfica en nuestro país, una actividad que no es exclusiva de comunicólogos ni de cinéfilos diletantes y esparcidos como los del cineclub Manuel González Casanova. Si lo pensamos, es un campo más óptimo para la gente de formación humanística que consiga enlazar las especulaciones estéticas con el ensayo sociológico, y alejar a la crítica, de una vez por todas, de los criterios de la moda que la sedujeron.

Daniel Valdez

Entrevista a Gabriel Retes

2007-04-12T17:33:00.000-07:00

Por: Enrique y Axel

Axel: ¿Porqué seguir haciendo cine desde el tercer mundo, desde la intermitencia, desde la periferia; cuál es el significado de hacer cine en español?

Retes: La importancia es que te veas Reflejado, que nos veamos reflejados, que nuestro idioma no se pierda, que Hollywood no gane. También hay morenos y chaparritos, y altos y gordos y no todos somos galanes ni guapos, entonces ese público esa nación nuestra tiene que verse reflejada en las pantallas. Ahí está la importancia.

A: ¿Cómo contempla la situación actual del cine mexicano, en que punto estamos?

R. Estamos en uno muy correcto ya volvió (el cine nacional) a ser industria, este año se van a hacer más de 50 películas, y ahora lo que tenemos que ir cada vez mejorando es la temática, empezar a hablar del México desconocido, del México oculto, del México que no sale hasta ahorita en las pantallas.

A: Nosotros, como cineclub (Manuel González Casanova) hicimos una revisión de su filmografía, y notamos que en sus primeras películas había un tono muy idealista, incluso que pretendía ser didáctico, nos gustaría saber ¿en qué se ha transformado su cine?

R: Yo creo que ha evolucionado, creo que si sigo siendo ese idealista que cree en el ser humano, que cree en este país, que cree que si hay manera de que sea una nación, creo que mi cine en su conjunto si da una idea de nacionalidad.

Enrique: Y en esta búsqueda del idealismo en el cine ¿qué papel tiene Bienvenido-Wellcome 2?

Yo creo que es rematadora en muchas cosas, desde la dedicatoria, hasta la trama y como se desarrolla y el final… es una película como no se ha visto, no es una película parecida a ninguna.

E: Respecto a lo que concierne al cine mundial, ¿que opinaría de potencias emergentes como las nuevas cinematografías asiáticas?

Que es bueno, porque si para algo sirve el mundo es para hacernos acceder a diferentes posturas, y ya se está haciendo un magnifico cine africano, un magnífico cine latinoamericano. El cine es un modo de expresión, no es un modo de entretenimiento como Hollywood nos está tratando de hacer creer.

A: ¿Ve el cine como potencializador de una revolución cultural y social?

Por su puesto es una herramienta, acuérdense de lo que decía Dziga Vertov: “Una Cámara es un Arma”

18 de septiembre de 2006

¿Quién es Woyzeck?

2007-04-05T03:13:00.000-07:00

Woyzeck Dirección: Werner Herzog. Elenco: Klaus Kinsky Eva Mattes Wolfgang Reichmann. Origen: Alemania Año: 1979 Género: Drama

¿Quién es Woyzeck? Pregunta con riquísimas posibles respuestas. Hablar de Woyzeck como uno de los últimos románticos es hablar de una época que va abandonando poco a poco su espíritu; ese espíritu de apego religioso a la vida, de costumbres que se veían atrasadas, vanas, ilusorias bajo el lente de ese microscopio de la modernidad positivista. Observación, hipótesis, experimentación, resultados. Woyzeck no se ajusta al modelo, ¡no! Woyzeck aún cree en la muerte... purificadora y purificante. Woyzeck peca (ante los ojos positivistas) de ser un humano demasiado humano. Woyzeck no se adapta a ese modelo homogenizador; él es la diferencia.

Confundido por la transición de épocas, por el amor, por la obligación, por todos menos por un por sí mismo. Descentramiento de su ser. Difícilmente lo ubica en el suelo y en el aire al oír rumores. ¿Demencia? ¿esquizofrenia? ¿exceso de guisantes? ¿falta de carne? ¿inocencia? ¿estupidez? No lo creo. Woyzeck aún siente el temor de un gato que es aventado por la ventana en nombre de la física… aún tiene elemosyne (compasión) por el animal y por su mujer… Woyzeck aún cree en la muerte.

Escrito por: Manu