Abbracci e pop corn

Gli animali nel cinema: Underground

2009-07-12T22:30:00.001+02:00

Underground di Emir Kusturica (1995) Sceneggiatura di Dusan Kovacevic, Emir Kusturica Con Miki Manojlovic (Marko), Lazar Ristovski (Nero), Mirjana Jokovic (Natalija), Slavko Stimac (Ivan), Ernst Stötzner (Franz), Srdjan Todorovic (Jovan), Mirjana Karanovic (Vera), Milena Pavlovic (Jelena), Danilo 'Bata' Stojkovic (Deda), Bora Todorovic (Golub), Davor Dujmovic (Bata) Fotografia: Vilko Filac Musica: Goran Bregovic (170 minuti) Rating IMDb: 8.0

Solimano

Siamo nel 1941. All'inizio del film vediamo come il giovane Ivan (Slavko Stimac) comincia la sua giornata: guarda fuori dalla finestra di casa e fa colazione tenendo il pappagallo sulla spalla.

Ivan è zoppo e balbuziente, ma è un ragazzo felice perché gli piace il suo lavoro: l'inserviente allo zoo di Belgrado. Quello che gli piace di più è portare il cibo agli animali, che conosce uno per uno. Ivan entra nelle gabbie, anche in quelle della tigre e dell'orso (senza avvicinarsi troppo). Gli animali gli fanno festa, specie le scimmie con cui è in maggior confidenza.

Lo zoo è vasto e ben tenuto, ci sono degli spazi anche per i branchi dei grandi volatili (oche e pellicani). Ivan passa anche da loro, ma i suoi amici sono gli animali chiusi nelle gabbie.

Ivan entra nella gabbia della tigre, che si intravede in fondo. Nel suo giro, è accompagnato da una scimmia giovane che per lui è come un figlio. E' in ottimo rapporto anche con una scimmia più grande, come se quello scimpanzè fosse il suo migliore amico.

Impovvisamente succede una cosa inaspettata: tutti gli animali diventano inquieti. Gli uccelli sono in frenesia nella voliera, le scimmie vorrebbero uscire dalle gabbie, l'orso e la tigre (immagine in apertura di post) è come se gridassero a voci spiegate, mentre solitamente sono silenziosi. Ivan comprende che sta succedendo qualcosa, ma non sa che cos'è.

D'improvviso capisce: gli aerei tedeschi stanno bombardando Belgrado (la seconda immagine è palesemente un'immagine di repertorio bellico). Sembra che si concentrino proprio sullo zoo, ma non sarà così. Tutto dura pochissimi minuti.

La tigre e l'oca sono ferite a morte. Negli ultimi spasimi se la prendono fra di loro.
Così Roberto Escobar su Il Sole-24 Ore:

"Come può non essere un fatto anche nostro quello evocato all'inizio del film? Nello zoo distrutto dalle bombe naziste, tra animali abbandonati a un dolore e a un terrore cui non possono dare alcuna forma, in cui non possono specchiarsi per ritrovarvi una qualunque ragione, una piccola scimmia, un cucciolo di scimpanzé che potrebbe essere un cucciolo d'uomo, si stringe disperato nelle braccia impotenti di Ivan. È questa la catastrofe di tutto un continente, non solo di una sua piccola parte, la catastrofe da cui sono venute e verranno le altre. Catastrofe, catastrofe, catastrofe: così nel film ripete e torna a ripetere un suonatore zingaro. E la comicità delle sue parole arriva a noi con una strana eco tragica".

E' ferita a morte anche la grande scimmia, e Ivan le chiude gli occhi. Poi piange con l'altra scimmia fra le braccia.
Così Luigi Paini, ancora su Il Sole-24 Ore:

"La storia inizia da molto lontano, dal 1941, quando le truppe tedesche bombardano Belgrado. Una lunga sequenza da antologia. Kusturica osserva gli avvenimenti dallo zoo della città: il giovane guardiano Ivan, testimone balbettante di tutte le vicende narrate, vede con terrore la fine del suo mondo. Bestie feroci in giro per la città, la scimmia preferita uccisa, un elefante che si affaccia alle finestre delle case sventrate".

Compaiono altri animali: la zebra, il leone, l'elefante (col furto grottesco delle scarpe da un davanzale). Ci si accorge che la tragedia è anche degli uomini, non solo degli animali. Rovine ed incendi dappertutto.

Ivan cammina fra le rovine, sempre con la scimmia giovane in braccio. Continua a piangere. Finché si trova di fronte al fratello maggiore Marko (Miki Manojlovic), un esuberante trafficone ancor più astuto che coraggioso. Sullo sfondo, si vede ancora la tigre. E' come se qui cominciasse un altro film, ma non è così: la tragedia degli animali è il preludio della tragedia degli uomini.

Roma nel cinema: Film d'amore e d'anarchia (3)

2009-07-10T18:30:00.000+02:00

Film d'amore e d'anarchia, ovvero 'stamattina alle 10 in via dei Fiori nella nota casa di tolleranza...' di Lina Wertmuller (1973) Sceneggiatura di Lina Wertmuller Con Mariangela Melato, Giancarlo Giannini, Eros Pagni, Lina Polito, Pina Cei, Enrica Bonaccorti, Anna Buonaiuto Musica: Nino Rota, Carlo Savina Fotografia: Giuseppe Rotunno Costumi: Enrico Job (120 minuti) Rating IMDb: 7.8

Solimano

Per la vista logica Roma nel cinema ho già scritto due post su Film d'amore e d'anarchia (1973) di Lina Wertmuller. Nel primo post c'è la passeggiata di Tunin (Giancarlo Giannini) e della Tripolina (Lina Polito) dalla casa di tolleranza fino al Pincio. Nel secondo post c'è il trasporto con la carrozzella di un cliente che si è sentito male. Il trasporto si conclude al Foro Romano, dove Salomè (Mariangela Melato) e Tunin lasciano il cliente, che muore al sole fra le rovine del Foro. Un altro post l'ho dedicato non a Roma, ma a Sabaudia, dove il gerarca Spatoletti (Eros Pagni) arringa i suoi accoliti in un intervallo della gita domenicale con la motocarrozzetta: Salomè, la Tripolina e Tunin stanno per conto loro, mentre Spatoletti adempie il suo compito di violento spione.

La presenza nel film di Roma, anzi, dell'Urbe -come direbbe Spatoletti- non è finita. Nell'immagine di apertura del post e qui sopra c'è Tunin che si esercita al tiro nella baracchetta di un lunapark. Infatti l'anarchico Tunin è venuto a Roma per compiere un attentato contro il duce. Tunin è d'accordo con Salomè -anche lei anarchica- e fingono di essere cugini per non insospettire Spatoletti, che fra tutte le prostitute preferisce proprio Salomè.

L'episodio più importante si verifica al ritorno dalla scampagnata, durante la quale Tunin e la Tripolina si sono innamorati. Spatoletti ha berciato, urlato, gridato tutto il giorno e gli altri tre non ne possono più. Salomè sa benissimo che è meglio non indispettirlo, perché non deve accorgersi degli accordi con Tunin, ma infine lei e la Tripolina si rifugiano a casa loro, cioè nel bordello, lasciando per strada i due uomini, che di notte nel bordello non possono entrare.

Spatoletti non ha nessuna voglia di chiudere la giornata e di andarsene a dormire, quindi quasi costringe Tunin a salire sulla motocarrozzetta e si dirige verso Piazza del Campidoglio a cui arriva salendo a tutta velocità per la strada a gradoni.

Dopo aver fatto alcuni giri a tutta velocità attorno al monumento di Marco Aurelio, finalmente Spatoletti ferma la moto, che faceva un rumore infernale. Guarda la statua, gestisce come se fosse lui l'imperatore filosofo e tracanna a grandi sorsi dal fiasco di vino che si è portato dietro. E' completamente sbronzo, di una sbronza cattiva.

Poi si dirige verso il Palazzo Senatorio e sale in grembo alla statua del fiume Tevere. Spatoletti ricomincia a comiziare peggio di prima. E' un fascista costituzionalmente violento e non è d'accordo con i tentativi di normalizzazione. A lui interessa menare e basta. A questo punto Tunin, che già aveva sopportato tanto (in nome dell'attentato da compiere), non ne può più. Comincia ad inveire contro Spatoletti, e gli va anche bene che Spatoletti non gli salti addosso. Poi Tunin se ne va a piedi da solo, lasciando Spatoletti in Piazza del Campidoglio.

A fianco inserisco una fotografia della statua dell'imperatore Marco Aurelio, eseguita nel 176 e che ha una lunga storia di ubicazioni diverse, prima di approdare al Campidoglio. E' l'unica statua equestre di bronzo di età classica che si sia salvata sino ai nostri tempi. Nel 1973, al tempo del film della Wertmuller, la statua era ancora nella piazza, poi ci fu l'attentato del 1979 che provocò seri danni. Dopo l'impegnativo restauro si decise di proteggere la statua al chiuso. Attualmente è nel Palazzo Nuovo, e la statua nella piazza è una copia eseguita con l'aiuto della tecnologia laser.

La colossale statua del fiume Tevere fu eseguita durante il tardo impero e proviene dalla terme costantiniane. E' la statua sulla destra del Palazzo Senatorio, mentre sulla sinistra c'è la statua del fiume Nilo. Originariamente non si trattava del fiume Tevere ma del fiume Tigri.

Inserisco due fotografie seppia. Il Campidoglio visto dal basso e il panorama visto da Piazza del Campidoglio. Si vede in parte la scalinata dell'Ara Coeli.

Lina Wertmuller, all'inizio ed alla fine del film, inserisce delle immagini panoramiche di Roma. Sono immagini belle, ma solo in apparenza. C'è una componente grottesca che arriva ad essere tragica, perché alcune di queste immagini compaiono quando Tunin, dopo il fallito attentato, viene torturato a morte da Spatoletti e dai suoi. Roma intesa come Urbe, questo ci dice la regista.

Due immagini della strada in cui c'è la casa di tolleranza. La seconda è drammatica: la strada è affollata, perché c'è il mercato, ma stanno arrivando i carabinieri che arresteranno Tunin, che si è svegliato troppo tardi per riuscire a compiere l'attentato.

Preferisco chiudere con un espisodio delicato, non grottesco. Tunin cammina da solo nella notte dopo essersene andato da Piazza del Campidoglio. Incontra un gattino, solo come lui, che gli va dietro. Tunin lo prende con sé e lo porta nella camera in cui quella notte riposerà un po'. Beh, di gatti nei film ne ho visti tanti, ma questo è fra i più belli!

Coraline e la porta magica

2009-07-07T13:04:00.005+02:00

Annarita

Del romanzo di Neil Gaiman ho già parlato qui e adesso occupiamoci del film che ne è stato tratto, uscito nelle sale italiane il 19 giugno 2009.
Qui il trailer in italiano.

Il regista Henry Selick, autore con Tim Burton di The Nightmare before Christmas, è considerato una pietra miliare nella realizzazione di animazioni in stop motion e questo sarà il primo film realizzato anche per la visione 3D.

Proprio The Nightmare before Christmas (1993) è stato il primo film realizzato in stop motion da Selick, anche se tutti ritengono che il regista sia stato Tim Burton. Quest'ultimo è stato l'ideatore, l'autore e il produttore del film, che ha seguito passo per passo, così come in minor misura ha fatto per la seconda produzione, James e la Pesca Gigante (1996).

In questa avventura Henry Selick non è più coadiuvato da Tim Burton, ma il risultato finale ricorda molto le tipiche atmosfere burtoniane, con i suoi spettacolari voli di fantasia che il magico testo di Neil Gaiman ha reso possibili. Tuttavia il regista non commette l'errore di realizzare un prodotto con una tale cifra altamente riconoscibile e le differenze stilistiche si vedono. Sfruttando appieno il tema della crisi adolescenziale della crescita, ben presente nel testo di Gaiman, Selick confeziona una storia in cui questa problematica si amalgama perfettamente con gli stilemi della fiaba classica.

Nello scontro tra le due dimensioni, quella reale e quella fantastica, è la prima a uscire con le ossa rotte, rivelandosi brutta, triste, assai poco avvenente. Come resistere quindi a un doppio universo così scintillante e perfetto come inizialmente appare a Coraline?

Distinguere il bene dal male diventa un esercizio sottile e difficile, vista la rappresentazione di due genitori con i loro speculari e pericolosi doppi, cosa di solito non molto frequente nei rassicuranti prodotti per ragazzi.

Si tratta di una storia dark che ragazzini dotati di un forte senso della realtà e con un adeguato impianto di sentimenti alle spalle possono ben affrontare, a mio parere, fino all'orrorifico crescendo finale in cui non mancano voluti riferimenti a film come Terminator e La cosa.
Non è un concetto pacifico e facilmente assimilabile quello di un'altra madre possessiva fino alla distruzione delll'oggetto delle proprie attenzioni ed è dura e difficile la scelta di rappresentare l'altro padre come un povero prodotto dell'altra madre, tenuto in vita solo fino a quando si rende utile ai nefasti scopi. L'impianto generale fa quindi di questo film un prodotto adatto a un pubblico giovanile solidamente strutturato da un punto di vista emotivo, ma soprattutto a quella fetta di pubblico adulto che ancora coltiva la propria parte infantile e adolescente, fatta di capacità di stupirsi e di sognare, ma di distinguere bene il labile confine tra sogno e realtà.

Significativo anche il fatto che Coraline si stato concepito soprattutto per la visione 3D, che qui ha lo scopo di esaltare la dimensionalità dell'opera e avvolgere lo spettatore, come per esempio il percorso di Coraline nel tunnel che collega le due case speculari. La realizzazione di questo spettacolare film è durata circa tre anni.

"Ho cercato di allontanarmi un po' da quello che ha fatto Neil in modo di riuscire a trasformare il libro in un film, perché è un grande e meraviglioso libro. L'ho seguito passo passo ed è stato difficile adattarlo per unirlo a tutto quello che ho fatto con Neil. Voglio dire, lui è incredibilmente pieno di talento tanto da intimidire. E' un fine scrittore...Ho cambiato delle cose e introdotto nuovi personaggi. Ho ampliato e ridotto parti, ma sempre quando ho potuto ho tenuto le cose del libro rispettandone i toni."

Questa in sintesi nelle parole del regista Selick il lavoro di adattamento del testo di Gaiman e i suoi fedeli lettori non possono proprio lamentarsi per l'effetto complessivo della storia.
Un esempio interessante di questa alterazione è la presenza del bizzarro e patetico Whyborn (il nome è tutto un programma), complessato e succubo dell'onnipresente e invisibile nonna (che comparirà solo alla fine del film) e il suo complesso rapporto, niente affatto idilliaco, con Coraline.
Voci di corridoio dicono che Selick e Gaiman potrebbero tornare a lavorare insieme, visto che lo scrittore si è detto entusiasta del risultato finale.

Alcune curiosità nel film:
sulla banconota da un dollaro che la mamma di Coraline offre come mancia al facchino è impressa la faccia del regista Selick;
un'altra faccia si può vedere, stavolta nel tuorlo d'uovo che l'altra madre versa in una ciotola: è il volto di Jack Skeletron, protagonista di The Nightmare before Christmas

i versi che le due attrici, l'altra Miss Spink e l'altra Miss Forcible, recitano durante l'esercizio sul trapezio sono di Shakespeare, precisamente tratti dall'Amleto (gli spettatori, a parte Coraline e Whyborn, sono tutti e solo cagnolini neri, 248, identici a quelli che si trovano in casa delle due attrici)

I libri nel cinema: L'Inferno di Dante (2)

2009-07-06T14:00:00.000+02:00

La bolgia dei simoniaci
L'Inferno di Giuseppe Berardi (1911) Ispirato all'Inferno di Dante Con Giuseppe Berardi (Dante), Armando Novi (Virgilio) (15 min)

Solimano

Questo è il secondo post dedicato al film "L'Inferno" (1911) di Giuseppe Berardi. Appare evidente la povertà dei mezzi che Berardi aveva a disposizione, perché questa fu una iniziativa di una piccola casa, la Helios di Viterbo, che non si sognava di competere con la Milano Films, voleva soltanto raccogliere qualche frutto dalla curiosità che aveva destato l'iniziativa di realizzare un film sull'Inferno. Il vantaggio ci fu per tutti e due i film, sia in Italia che all'estero. Proprio per il tipo di argomento, entrambi i film dettero un contributo alla realizzazione di novità in quelli che oggi chiamiamo effetti speciali. Paradossalmente, fu avvantaggiato il film di Berardi perché doveva riuscire a far molto con poco. Uno stimolo alla curiosità che dette i suoi frutti: la bolgia dei simoniaci, i lussuriosi travolti dalla bufera, la pioggia di fuoco sui bestemmiatori, il ghiaccio dei traditori, la bolgia dei seminatori di discordia sono degli esempi sorprendenti. I riferimenti figurativi sono naturalmente quasi tutti rivolti alle famose illustrazioni di Gustave Doré, che molti conoscevano e che costituirono, di per sé, un'ottima pubblicità per i film.

Sovra tutto 'l sabbion, d'un cader lento,
piovean di foco dilatate falde,
come di neve in alpe sanza vento.

Quali Alessandro in quelle parti calde
d'Indïa vide sopra 'l süo stuolo
fiamme cadere infino a terra salde;

per ch'ei provide a scalpitar lo suolo
con le sue schiere, acciò che lo vapore
mei si stingeva mentre ch'era solo;

tale scendeva l'etternale ardore;
onde la rena s 'accendea, com'esca
sotto focile, a doppiar lo dolore.

Sanza riposo mai era la tresca
delle misere mani, or quindi or quinci
escotendo da sé l'arsura fresca.
Canto XIV, 28-42
Già era in loco onde s'udía 'l rimbombo
dell'acqua che cadea nell'altro giro,
simile a quel che l'arnie fanno rombo,

quando tre ombre insieme si partiro,
correndo, d'una torma che passava
sotto la pioggia dell'aspro martiro.

Venían ver noi, e ciascuna gridava:
«Sostati tu ch'all'abito ne sembri
essere alcun di nostra terra prava».

Ahimè, che piaghe vidi ne' lor membri,
ricenti e vecchie, dalle fiamme incese!
Ancor men duol pur ch'i' me ne rimembri.

Alle lor grida il mio dottor s'attese;
volse 'l viso ver me, e disse: «Aspetta:
a costor si vuol essere cortese.

E se non fosse il foco che saetta
la natura del loco, i' dicerei
che meglio stesse a te che a lor la fretta».

Ricominciar, come noi restammo, ei
l'antico verso; e quando a noi fuor giunti,
fenno una rota di sé tutti e trei,

qual sogliono i campion far nudi e unti,
avvisando lor presa e lor vantaggio,
prima che sien tra lor battuti e punti;

e sí rotando, ciascuno il visaggio
drizzava a me, sí che 'ntra loro il collo
faceva e i piè continüo vïaggio.
Canto XVI, 1-27
Alla man destra vidi nova pièta,
novo tormento e novi frustatori,
di che la prima bolgia era repleta.

Nel fondo erano ignudi i peccatori:
dal mezzo in qua ci venien verso 'l volto,
di là con noi, ma con passi maggiori,

come i Roman per l'essercito molto,
l'anno del giubileo, su per lo ponte
hanno a passar la gente modo còlto,

che dall'un lato tutti hanno la fronte
verso 'l castello e vanno a Santo Pietro;
dall'altra sponda vanno verso il monte.

Di qua, di là, su per lo sasso tetro
vidi demon cornuti con gran ferze,
che li battien crudelmente di retro.

Ahi come facean lor levar le berze
alle prime percosse! già nessuno
le seconde aspettava né le terze.
Canto XVIII, 20-39
Io vidi per le coste e per lo fondo
piena la pietra livida di fori,
d'un largo tutti e ciascun era tondo.

Non mi parean men ampi né maggiori
che que' che son nel mio bel San Giovanni,
fatti per luogo di battezzatori;

l'un delli quali, ancor non è molt'anni,
rupp'io per un che dentro v'annegava:
e questo sia suggel ch'ogn'uomo sganni.

Fuor della bocca a ciascun soperchiava
d'un peccator li piedi e delle gambe
infino al grosso, e l'altro dentro stava.

Le piante erano a tutti accese intrambe;
per che sì forte guizzavan le giunte,
che spezzate averíen ritorte e strambe.

Qual suole il fiammeggiar delle cose unte
muoversi pur su per la strema buccia,
tal era lí dai calcagni alle punte.
Canto XIX, 13-36
«S'ei posson dentro da quelle faville
parlar» diss'io, «maestro, assai ten priego
e ripriego, che il priego vaglia mille,

che non mi facci dell'attender niego
fin che la fiamma cornuta qua vegna:
vedi che del disio ver lei mi piego!»

Ed elli a me: «La tua preghiera è degna
di molta loda, e io però l'accetto;
ma fa che la tua lingua si sostegna.

Lascia parlare a me, ch'i' ho concetto
ciò che tu vuoi; ch'ei sarebbero schivi,
perché fuor greci, forse del tuo detto».

Poi che la fiamma fu venuta quivi
dove parve al mio duca tempo e loco,
in questa forma lui parlare audivi:

«O voi che siete due dentro ad un foco,
s'io meritai di voi mentre ch'io vissi,
s'io meritai di voi assai o poco

quando nel mondo li alti versi scrissi,
non vi movete; ma l'un di voi dica
dove per lui perduto a morir gissi».
Canto XXVI, 64-84
Un altro, che forata avea la gola
e tronco il naso infin sotto le ciglia,
e non avea mai ch'una orecchia sola,

ristato a riguardar per maraviglia
con li altri, innanzi alli altri aprí la canna,
ch'era di fuor d'ogni parte vermiglia,

e disse: «O tu cui colpa non condanna
e cu' io vidi in su terra latina,
se troppa simiglianza non m'inganna,

rimembriti di Pier da Medicina,
se mai torni a veder lo dolce piano
che da Vercelli a Marcabò dichina.
Canto XXVIII, 64-75
Come quando la nebbia si dissipa,
lo sguardo a poco a poco raffigura
ciò che cela il vapor che l'aere stipa,

cosí forando l'aura grossa e scura,
piú e piú appressando ver la sponda,
fuggiemi errore e cresciemi paura;

però che come su la cerchia tonda
Montereggion di torri si corona,
cosí ['n] la proda che 'l pozzo circonda

torreggiavan di mezza la persona
li orribili giganti, cui minaccia
Giove del cielo ancora quando tona.
Canto XXXI, 34-45
Noi eravam partiti già da ello,
ch'io vidi due ghiacciati in una buca,
sí che l'un capo all'altro era cappello;

e come 'l pan per fame si manduca,
cosí 'l sovran li denti all'altro pose
là 've 'l cervel s'aggiugne con la nuca:

non altrimenti Tideo si rose
le tempie a Menalippo per disdegno,
che quei faceva il teschio e l'altre cose.

«O tu che mostri per sí bestial segno
odio sovra colui che tu ti mangi,
dimmi 'l perché» diss'io, «per tal convegno,

che se tu a ragion di lui ti piangi,
sappiendo chi voi siete e la sua pecca,
nel mondo suso ancora io te ne cangi,

se quella con ch'io parlo non si secca».
Canto XXXII, 124-139

Come un poco di raggio si fu messo
nel doloroso carcere, e io scorsi
per quattro visi il mio aspetto stesso,

ambo le man per lo dolor mi morsi;
ed ei, pensando ch'i' 'l fessi per voglia
di manicar, di subito levorsi

e disser: 'Padre, assai ci fia men doglia
se tu mangi di noi: tu ne vestisti
queste misere carni, e tu le spoglia'.

Queta'mi allor per non farli piú tristi;
lo dí e l'altro stemmo tutti muti;
ahi dura terra, perché non t'apristi?

Poscia che fummo al quarto dí venuti,
Gaddo mi si gettò disteso a' piedi,
dicendo: 'Padre mio, ché non m'aiuti?'

«Quivi morí; e come tu mi vedi,
vid'io cascar li tre ad uno ad uno
tra 'l quinto dí e 'l sesto; ond'io mi diedi,

già cieco, a brancolar sovra ciascuno,
e due dí li chiamai, poi che fur morti:
poscia, piú che 'l dolor, poté 'l digiuno».
Canto XXXIII, 55-75

Lo 'mperador del doloroso regno
da mezzo il petto uscía fuor della ghiaccia;
e piú con un gigante io mi convegno,

che giganti non fan con le sue braccia:
vedi oggimai quant'esser dee quel tutto
ch'a cosí fatta parte si confaccia.

S'el fu sí bello com'elli è or brutto,
e contra 'l suo fattore alzò le ciglia,
ben dee da lui procedere ogni lutto.
...
Da ogni bocca dirompea co' denti
un peccatore, a guisa di maciulla,
sí che tre ne facea cosí dolenti.

A quel dinanzi il mordere era nulla
verso 'l graffiar, che tal volta la schiena
rimanea della pelle tutta brulla.

«Quell'anima là su c'ha maggior pena»
disse 'l maestro, «è Giuda Scarïotto,
che 'l capo ha dentro e fuor le gambe mena.
Canto XXXIV, 28-36 e 55-63
Il Conte Ugolino

I libri nel cinema: L'Inferno di Dante (1)

2009-07-04T12:45:00.004+02:00

L'Inferno di Giuseppe Berardi (1911) Ispirato all'Inferno di Dante Con Giuseppe Berardi (Dante), Armando Novi (Virgilio) (15 min)

Solimano

Nel 1911 la Milano Films decise di fare un film sull'Inferno di Dante, ma fu battuta sul tempo dalla piccola Helios di Viterbo, che riuscì ad andare sugli schermi qualche mese prima anche perché il film durava solo 15 minuti, contro i 65 minuti dell'altro film. L'iniziativa della Helios film ha in sé degli aspetti quasi pirateschi: fare un remake prima che uscisse il film di cui si faceva il remake!
Fatto sta che i film uscirono tutti e due ed ebbero un ottimo successo, in Italia e all'estero. Si pensava che il film della Helios fosse andato perduto, ma un gesuita che vive in Vaticano è riuscito a rintracciarne una copia con le didascalie in tedesco, ed ora c'è il DVD. Ci sono svarioni nelle didascalie e nel testo che accompagna il DVD, ma le immagini sono una sorpresa. A volte sono ridicole a volte sono affascinanti. Ci dedicherò due post e stendo il tappeto rosso: Dante Alighieri ci viene a trovare nel blog! E' sempre meglio ampliare le immagini, in questo caso è indispensabile.

Nel mezzo del cammin di nostra vita
mi ritrovai per una selva oscura,
ché la diritta via era smarrita.

Ahi quanto a dir qual era è cosa dura
esta selva selvaggia e aspra e forte
che nel pensier rinova la paura!
Canto I, 1-6

«Or se' tu quel Virgilio e quella fonte
che spandi di parlar sì largo fiume?»,
rispuos' io lui con vergognosa fronte.

«O de li altri poeti onore e lume,
vagliami 'l lungo studio e 'l grande amore
che m'ha fatto cercar lo tuo volume.

Tu se' lo mio maestro e 'l mio autore,
tu se' solo colui da cu' io tolsi
lo bello stilo che m'ha fatto onore.

Vedi la bestia per cu' io mi volsi;
aiutami da lei, famoso saggio,
ch'ella mi fa tremar le vene e i polsi».
Canto I, 79-90

"O anima cortese mantoana,
di cui la fama ancor nel mondo dura,
e durerà quanto 'l mondo lontana,

l'amico mio, e non de la ventura,
ne la diserta piaggia è impedito
sì nel cammin, che vòlt' è per paura;

e temo che non sia già sì smarrito,
ch'io mi sia tardi al soccorso levata,
per quel ch'i' ho di lui nel cielo udito.

Or movi, e con la tua parola ornata
e con ciò c'ha mestieri al suo campare,
l'aiuta sì ch'i' ne sia consolata.

I' son Beatrice che ti faccio andare;
vegno del loco ove tornar disio;
amor mi mosse, che mi fa parlare.

Quando sarò dinanzi al segnor mio,
di te mi loderò sovente a lui".
Canto II, 58-74

'Per me si va ne la città dolente,
per me si va ne l'etterno dolore,
per me si va tra la perduta gente.

Giustizia mosse il mio alto fattore;
fecemi la divina podestate,
la somma sapïenza e 'l primo amore.

Dinanzi a me non fuor cose create
se non etterne, e io etterno duro.
Lasciate ogne speranza, voi ch'intrate'
Canto III, 1-9

Caron dimonio, con occhi di bragia
loro accennando, tutte le raccoglie;
batte col remo qualunque s'adagia.

Come d'autunno si levan le foglie
l'una appresso de l'altra, fin che 'l ramo
vede a la terra tutte le sue spoglie,

similemente il mal seme d'Adamo
gittansi di quel lito ad una ad una,
per cenni come augel per suo richiamo.

Così sen vanno su per l'onda bruna,
e avanti che sien di là discese,
anche di qua nuova schiera s'auna.
Canto III, 109-120

Così discesi del cerchio primaio
giù nel secondo, che men loco cinghia
e tanto più dolor, che punge a guaio.

Stavvi Minòs orribilmente, e ringhia:
essamina le colpe ne l'intrata;
giudica e manda secondo ch'avvinghia.

Dico che quando l'anima mal nata
li vien dinanzi, tutta si confessa;
e quel conoscitor de le peccata

vede qual loco d'inferno è da essa;
cignesi con la coda tante volte
quantunque gradi vuol che giù sia messa.

Sempre dinanzi a lui ne stanno molte:
vanno a vicenda ciascuna al giudizio,
dicono e odono e poi son giù volte.
Canto V, 1-15

Or incomincian le dolenti note
a farmisi sentire; or son venuto
là dove molto pianto mi percuote.

Io venni in loco d'ogne luce muto,
che mugghia come fa mar per tempesta,
se da contrari venti è combattuto.

La bufera infernal, che mai non resta,
mena li spirti con la sua rapina;
voltando e percotendo li molesta.

Quando giungon davanti a la ruina,
quivi le strida, il compianto, il lamento;
bestemmian quivi la virtù divina.

Intesi ch'a così fatto tormento
enno dannati i peccator carnali,
che la ragion sommettono al talento.
Canto V, 25-39

I' cominciai: «Poeta, volontieri
parlerei a quei due che 'nsieme vanno,
e paion sì al vento esser leggieri».

Ed elli a me: «Vedrai quando saranno
più presso a noi; e tu allor li priega
per quello amor che i mena, ed ei verranno».

Sì tosto come il vento a noi li piega,
mossi la voce: «O anime affannate,
venite a noi parlar, s'altri nol niega!».

Quali colombe dal disio chiamate
con l'ali alzate e ferme al dolce nido
vegnon per l'aere, dal voler portate;

cotali uscir de la schiera ov' è Dido,
a noi venendo per l'aere maligno,
sì forte fu l'affettüoso grido.
Canto V, 73-87

E quella a me: «Nessun maggior dolore
che ricordarsi del tempo felice
ne la miseria; e ciò sa 'l tuo dottore.

Ma s'a conoscer la prima radice
del nostro amor tu hai cotanto affetto,
dirò come colui che piange e dice.

Noi leggiavamo un giorno per diletto
di Lancialotto come amor lo strinse;
soli eravamo e sanza alcun sospetto.

Per più fïate li occhi ci sospinse
quella lettura, e scolorocci il viso;
ma solo un punto fu quel che ci vinse.

Quando leggemmo il disïato riso
esser basciato da cotanto amante,
questi, che mai da me non fia diviso,

la bocca mi basciò tutto tremante.
Galeotto fu 'l libro e chi lo scrisse:
quel giorno più non vi leggemmo avante».
Canto V, 121-138

Ahi giustizia di Dio! tante chi stipa
nove travaglie e pene quant' io viddi?
e perché nostra colpa sì ne scipa?

Come fa l'onda là sovra Cariddi,
che si frange con quella in cui s'intoppa,
così convien che qui la gente riddi.

Qui vid' i' gente più ch'altrove troppa,
e d'una parte e d'altra, con grand' urli,
voltando pesi per forza di poppa.

Percotëansi 'ncontro; e poscia pur lì
si rivolgea ciascun, voltando a retro,
gridando: «Perché tieni?» e «Perché burli?».
Canto VII, 19-30

Sì come ad Arli, ove Rodano stagna,
sì com' a Pola, presso del Carnaro
ch'Italia chiude e suoi termini bagna,

fanno i sepulcri tutt' il loco varo,
così facevan quivi d'ogne parte,
salvo che 'l modo v'era più amaro;

ché tra li avelli fiamme erano sparte,
per le quali eran sì del tutto accesi,
che ferro più non chiede verun' arte.

Tutti li lor coperchi eran sospesi,
e fuor n'uscivan sì duri lamenti,
che ben parean di miseri e d'offesi.
Canto IX, 110-123

«O Tosco che per la città del foco
vivo ten vai così parlando onesto,
piacciati di restare in questo loco.

La tua loquela ti fa manifesto
di quella nobil patrïa natio,
a la qual forse fui troppo molesto».

Subitamente questo suono uscìo
d'una de l'arche; però m'accostai,
temendo, un poco più al duca mio.

Ed el mi disse: «Volgiti! Che fai?
Vedi là Farinata che s'è dritto:
da la cintola in sù tutto 'l vedrai».
Canto X, 22-33
(continua)

Visitatori di Giugno

2009-07-02T00:01:00.003+02:00

Laura Antonelli e Dominique Boschero nel film
Peccato Veniale (1974) di Salvatore Samperi
Solimano

Ecco la classifica dei dodici post attualmente presenti nel blog e più visitati nel mese di Giugno 2009.

Primo: Le sirene nel cinema con 2611 richieste per pagina. In maggio era al primo posto con 2199 richieste. Un aumento di oltre quattrocento richieste.

Secondo: La felicità porta fortuna con 522 richieste. Il mese scorso era al quinto posto con 271 richieste.

Terzo: Il cacciatore di aquiloni con 400 richieste. Il mese scorso non era in classifica.

Quarto: Bianco, rosso e verdone (i triangoli nel cinema) con 373 richieste. Il mese scorso non era in classifica.

Quinto: Racconti incantati con 367 richieste. Il mese scorso era secondo con 752 richieste.

Sesto: Audrey Hepburn... una donna che faceva sognare con 337 richieste. Il mese scorso non era in classifica.

Settimo: Wall-e con 277 richieste. Il mese scorso non era in classifica.

Ottavo: La mandragola (i modi di vedere) con 248 richieste. Il mese scorso non era in classifica.

Nono: Star Trek con 241 richieste. Il mese scorso era terzo con 645 richieste.

Decimo: Audace colpo dei soliti ignoti con 238 richieste. Il mese scorso non era in classifica.

Undicesimo: Essere e avere (la scuola nel cinema) con 229 richieste. Il mese scorso non era in classifica.

Dodicesimo: Kung Fu Panda con 220 richieste. Il mese scorso non era in classifica.

Entrano in classifica: Il cacciatore di aquiloni, Bianco, rosso e verdone, Audrey Hepburn... una donna che faceva sognare, Wall-e, La mandragola, Audace colpo dei soliti ignoti, Essere e avere, Kung Fu Panda.

Escono di classifica: Romeo e Giulietta (la scena del balcone), La bella scontrosa, Sophie Marceau, Caravaggio, Romeo e Giulietta, Amici miei, Candy Candy, Cary Grant.

I post al disopra delle cento richieste per pagina sono stati 60 contro i 50 di maggio.

Ecco la classifica che tiene conto del numero delle richieste solo dei post con tempo di permanenza medio superiore al minuto.

Bianco, rosso e verdone (i triangoli nel cinema): 373

Kung Fu Panda: 220

Candy Candy: 203

Romeo e Giulietta: 183

La signorina Silvani (i caratteri nel cinema): 174

Altan: 155

Valzer con Bashir: 142

Lontano dal paradiso (la pittura nel cinema): 131

Anonimo veneziano: 124

Lo specchio-2 (gli oggetti nel cinema): 115

I tre moschettieri: 104

Il nome della rosa: 102

Le richieste dall'estero sono state il 13.06% del totale, quasi uguali a quelle del mese scorso, che erano state il 13.12%. Stati Uniti 375, Francia 271, Germania 192, Svizzera 169, Regno Unito 162, Spagna 116.

Richieste per pagina nei diciannove mesi di statistica:

2007
Dicembre: 18364

2008
Gennaio: 31312
Febbraio: 31400
Marzo: 38818
Aprile: 35817
Maggio: 34794
Giugno: 38705
Luglio: 37776
Agosto: 41145
Settembre: 44553
Ottobre: 43989
Novembre: 43768
Dicembre: 44000

2009
Gennaio: 45852
Febbraio: 33947
Marzo: 52612
Aprile: 49918
Maggio: 43350
Giugno: 43828

Le richieste per pagina sono leggermente salite rispetto a quelle di maggio e va considerato che giugno ha un giorno in meno, quindi la crescita è più sensibile. Mi piacerebbe che a luglio ci fossero dati analoghi a quelli di giugno, ma credo che sarà difficile... l'estate avanza...

P.S. Le immagini. Il film Peccato veniale di Salvatore Samperi è del 1974. E' un piccolo film a volte grazioso, girato sull'onda del grande successo al botteghino di Malizia, girato un anno prima. Fra gli attori, ci sono delle sorprese: Tino Carraro e Lilla Brignone. E Lino Toffolo e Lino Banfi ancora contenuti. E la quindicenne Monica Guerritore. Ho trovato un episodio breve e divertente: la gara nello spalmarsi di crema antisolare fra Laura Antonelli e Dominique Boschero. Quante volte si verifica sulle spiagge estive! Ma la ragazza più furba è quella che sceglie di non abbronzarsi e che compare in spiaggia solo dopo mezzogiorno, coperta fino al naso e con gli occhialoni neri. I ragazzi sono tutti per lei. Nel film, alla fine della breve contesa, le due esauste signore si accendono una sigaretta.

I modi di vedere: Wittgenstein (2)

2009-06-30T17:00:00.003+02:00

Wittgenstein (1993) di Derek Jarman Sceneggiatura di Ken Butler, Terry Eagleton, Derek Jarman Con Clancy Chassay (Wittgenstein ragazzo), Jill Balcon (la madre Leopoldine), Jan Latham-Koenig (il fratello Paul), Sally Dexter (la sorella Hermine), Nabil Shaban (il Marziano verde), Karl Johnson (Ludwig Wittgenstein), Michael Gough (Bertrand Russell), Tilda Swinton (Lady Ottoline Morrell), John Quentin (Maynard Keynes), Kevin Collins (Johnny), Lynn Seymour (Lydia Lopokova) Fotografia: James Welland Costumi: Sandy Powell Musica: Jan Latham-Koenig, Johannes Brahms "Intermezzo Opera 19" "Concerto per pianoforte e orchestra Opera 83", César Franck "Sonata per violino e pianoforte", Leóš Janáček, Wolfgang Amadeus Mozart "Rondò K511", Modest Mussorgsky "Quadri da una esposizione", Francis Poulenc "Sonata per flauto e piano, 1957", Eric Satie "Ogives" "Gnossiennes", Robert Schumann "Carnaval" (75 minuti) Rating IMDb: 6.7

Solimano

Gli argomenti di cui si occupò Ludwig Wittgenstein (1889-1951) furono soprattutto la fondazione della logica e la filosofia del linguaggio. Però la sua vita è percorsa in ogni periodo da un afflato etico-mistico, una polarità opposta, che nel Tractatus non è affermata né negata. Compare come indicibilità, ma compare.
Così Bertrand Russell in una sua lettera: "Una certa aria di misticismo l'avevo già sentita nel suo libro, ma sono rimasto sconcertato nello scoprire che è diventato un mistico, nel senso pieno del termine. Legge autori come Kierkegaard e Angelus Silesius e sta valutando seriamente l'idea di farsi monaco".
La vita personale di Wittgenstein è intessuta di scelte che sfiorano la follia. E' stata fatta l'ipotesi che fosse affetto dalla sindrome di Asperger, che è una versione lieve della sindrome autistica. Tutto ciò è ben presente nel film di Derek Jarman (si tratta di temi che prediligeva), ma non a scapito degli aspetti logici, linguistici, filosofici. Ne viene una affascinante miscela, per cui sembra che i due aspetti si sostengano a vicenda. Incredibile per uno che aveva scritto che "la metafisica sorge quando il linguaggio va in vacanza". L'attenzione vera di Wittgenstein non era rivolta ai metafisici, ma ai mistici. La differenza è grande.
Come nel primo post, commento brevemente le immagini ed inserisco delle citazioni da scritti di Wittgenstein, soprattutto dal Tractatus.

Il ragazzo Wittgenstein (Clancy Chassay), oltre ad avere l'aria da primo della classe, assume atteggiamenti di giocosità sfottente e grottesca.

Il concetto del «bello» ha fatto qualche danno.

Il limite del linguaggio si mostra nell'impossibilità di descrivere il fatto che corrisponde a una proposizione (che è la sua traduzione) senza appunto ripetere la proposizione.

In arte è difficile dire qualcosa che sia altrettanto buono del non dire niente.

Il marziano verde (Nabil Shaban) che è un guru proprio perché extraterrestre, dialoga col ragazzo Wittgenstein e il cartello sulla sinistra indica che ci si avvia alla prima guerra mondiale. Il marziano parla col ragazzo, in guerra ci va Ludwig Wittgenstein adulto ( Karl Johnson). Difatti Wittgenstein era stato a Cambridge dal 1911 al 1914, poi aveva cercato l'isolamento in un fiordo norvegese, infine si era arruolato volontario nella prima guerra mondiale. Combattè sul fronte russo ed italiano, meritò delle onoreficenze e fu fatto prigioniero nel 1918 a Trento, tornando a Vienna solo nel 1919.

In filosofia si deve calare nell'antico caos e sentircisi a proprio agio.

Io penso di fatto con la penna, perché la mia testa spesso non sa nulla di ciò che scrive la mia mano.

L'ambizione è la morte del pensiero.

Wittgenstein apparteneva ad una famiglia ricchissima. Rinunciò a tutti i suoi beni a favore dei familiari. Oltre ad isolarsi in Norvegia andò anche in Irlanda. Cercò di praticare l'insegnamento come maestro di scuola. Volle abbandonare lo studio accademico per dedicarsi a lavori manuali. Questi viaggi e queste attività lo delusero regolarmente. Inserisco sotto una immagine del film una fotografia tarda di Ludwig Wittgenstein (è del 1947). Ho trovato impressionante la somiglianza fra l'attore e il filosofo.

La tragedia consiste in questo: che l'albero non si piega ma si spezza.

Le nostre più grosse stupidaggini possono essere molto sagge.

Le parole sono azioni.

La coppia Bertrand Russell (Michael Gough) e Lady Ottoline Morrell (Tilda Swinton) dà origine alle immagini forse più fascinose del film (anche molto divertenti). Nel film c'è il momento della rottura fra Russell e Wittgenstein, rottura in cui avevano probabilmente ragione entrambi: Russell nel desiderare che Wittgenstein proseguisse coerentemente il suo lavoro nella filosofia logica, Wittgenstein nel seguire le pulsioni senza di cui non è detto che la sua logica sarebbe stata così forte. La contraddizione era solo apparente.

Nella corsa della filosofia vince chi sa correre più lentamente. Oppure: chi raggiunge il traguardo per ultimo.

Nessuna confessione religiosa ha tanto peccato per abuso di espressioni metafisiche quanto la matematica.

Non temere mai di dir cose insensate! Ma ascoltale bene, quando le dici.

Il ragazzo Wittgenstein dietro a una rete di filo spinato. Nella stessa scuola in cui studiò Wittgenstein studiava anche Adolf Hitler, che era due classi indietro, benchè coetaneo.

Riposare sui propri allori è altrettanto pericoloso che riposare su una slavina. Ti appisoli, e muori nel sonno.

Scrivo quasi sempre soliloqui. Cose che mi dico a quattr'occhi.

Se nella vita siamo circondati dalla morte, così anche nella salute dell'intelletto siamo circondati dalla follia.

Wittgenstein ha scelto di fare l'insegnante, ma è impaziente, tratta male ed insulta gli allievi perché non imparano. Ha l'impulso di pichiarli e si trattiene a stento. La bambina piange.

Sono io soltanto incapace di fondare una scuola, oppure nessun filosofo può farlo?

Io non posso fondare una scuola perché, in realtà, non voglio essere imitato. In ogni caso non da coloro che pubblicano articoli in riviste di filosofia.

Un nuovo vocabolo è come un seme fresco gettato nel terreno della discussione.

"Ancora A Cambridge", dice il cartello. Ed a Cambridge c'è un altro personaggio: Maynard Keynes (John Quentin), che diverrà famoso come economista. Accanto a Maynard c'è Johnny (Kevin Collins), il personaggio che serve ad introdurre nel film la tematica omosessuale. Derek Jarman era un gay militante, con un atteggiamento quasi da missionario, e questo tema compare in tutti i suoi film più importanti.

Una confessione dev'essere una parte della nuova vita.

Tutto il senso del libro si potrebbe riassumere nelle parole: Quanto può dirsi, si può dir chiaro; e su ciò, di cui non si può parlare, si deve tacere.

Il mondo è tutto ciò che accade.

Nella vita reale, Maynard Keynes aveva avuto esperienze omosessuali in gioventù, poi convisse con Lydia Lopokova (Lynn Seymour), che compare nel film.

Il mondo è la totalità dei fatti, non delle cose.

Noi ci facciamo immagini dei fatti.

L'immagine è un modello della realtà.

Si incrina il rapporto con Bertrand Russell e anche quello con l'amante di Russel, Lady Ottoline Morrell, che ha un suo modo ironico di rispondere alle osservazioni di Wittgenstein che la vorrebbero mettere in difficoltà.

L'immagine è un fatto.

Un'immagine vera a priori non v'è.

L'immagine logica dei fatti è il pensiero.

Wittgenstein al cinema con Johnny, che è diventato il suo amante. Ludwig Wittgenstein amava molto il cinema, spedialmente i film western di Tom Mix. Fra le attici, preferiva Carmen Miranda e Betty Hutton. Nella seconda immagine, il ragazzo Wittgenstein si è messo le penne da pellerossa.

«Uno stato di cose è pensabile» vuol dire: Noi ce ne possiamo fare un'immagine.

La totalità dei pensieri veri è un'immagine del mondo.

Il pensiero contiene la possibilità della situazione che esso pensa. Ciò che è pensabile è anche possibile.

Wittgenstein è partito per la Russia, e si trova di fronte ad una ispettrice sovietica. Ma c'è un doppio equivoco: l'ispettrice gli offre di insegnare filosofia a Kazan, Ludwig vuol fare un lavoro manuale come operaio. Il secondo equivoco è che Wittgenstein ammira Trotsky, e quando ne fa il nome, il discorso si chiude.

Il pensiero è la proposizione munita di senso.

La totalità delle proposizioni è il linguaggio.

Tutta la filosofia è «critica del linguaggio».

Wittgenstein con Keynes, che gli è rimasto amico.

La filosofia non è una delle scienze naturali.

I limiti del mio linguaggio significano i limiti del mio mondo.

Vive eterno colui che vive nel presente.

Chudo il post con due famose frasi di Ludwig Wittgenstein e con due immagini: la morte di Wittgenstein e il ragazzo Wittgenstein che cerca di volare. Fra un po' di tempo, scriverò un altro post su questo film ammirevole. Il tema sarà: Derek Jarman pittore. Oltre ad esser un grande regista, Jarman, nei suoi film, specie in questo, è un grande pittore.

La logica riempie il mondo; i limiti del mondo sono anche i suoi limiti. Non possiamo dunque dire nella logica: Questo e quest'altro v'è nel mondo, quello no. Ciò parrebbe infatti presupporre che noi escludiamo certe possibilità, e questo non può essere, poiché altrimenti la logica dovrebbe trascendere i limiti del mondo; solo cosí potrebbe considerare questi limiti anche dall'altro lato. Ciò, che non possiamo pensare, non possiamo pensare; né dunque possiamo dire ciò che non possiamo pensare.

Il senso del mondo dev'essere fuori di esso. Nel mondo tutto è come è, e tutto avviene come avviene; non v'è in esso alcun valore – né, se vi fosse, avrebbe un valore. Se un valore che ha valore v'è, dev'esser fuori d'ogni avvenire ed essere-cosí. Infatti ogni avvenire ed essere-cosí è accidentale. Ciò che li rende non-accidentali non può essere nel mondo, ché altrimenti sarebbe, a sua volta, accidentale. Dev'essere fuori del mondo.

I modi di vedere: Wittgenstein (1)

2009-06-28T18:45:00.008+02:00

Wittgenstein (1993) di Derek Jarman Sceneggiatura di Ken Butler, Terry Eagleton, Derek Jarman Con Clancy Chassay (Wittgenstein ragazzo), Jill Balcon (la madre Leopoldine), Jan Latham-Koenig (il fratello Paul), Sally Dexter (la sorella Hermine), Nabil Shaban (il Marziano verde), Karl Johnson (Ludwig Wittgenstein), Michael Gough (Bertrand Russell), Tilda Swinton (Lady Ottoline Morrell), John Quentin (Maynard Keynes), Kevin Collins (Johnny), Lynn Seymour (Lydia Lopokova) Fotografia: James Welland Costumi: Sandy Powell Musica: Jan Latham-Koenig, Johannes Brahms "Intermezzo Opera 19" "Concerto per pianoforte e orchestra Opera 83", César Franck "Sonata per violino e pianoforte", Leóš Janáček, Wolfgang Amadeus Mozart "Rondò K511", Modest Mussorgsky "Quadri da una esposizione", Francis Poulenc "Sonata per flauto e piano, 1957", Eric Satie "Ogives" "Gnossiennes", Robert Schumann "Carnaval" (75 minuti) Rating IMDb: 6.7

Solimano

Nel 1993 Derek Jarman è malato di AIDS da sette anni. Uscirà una intervista il 23 agosto su «Newsweek», con il titolo "Aids without Tears". Morirà il 19 febbraio 1994, quasi cieco. Eppure, il 17 settembre 1993 esce "Wittgenstein" un film a basso budget (300.000 sterline) che gli commissiona Channel Four per una serie dedicata ai grandi filosofi. Il film dura solo 75 minuti e viene girato in 12 giorni. Una impresa folle, affrontare in questo modo la vita di Ludwig Wittgenstein (1889-1951), uno dei più grandi filosofi del Novecento. Una impresa folle e riuscita. Tutto il film è girato in studio con macchina fissa e con lo sfondo di uno schermo nero. Così disse benissimo Alessandra Levantesi su La Stampa:

"Meglio tornare alla travolgente funzionalità delle immagini, vera chiave del discorso di Jarman. Figure vitalissime ritagliate in bei costumi colorati su un immutabile panorama nero, che rappresenta l’intero mondo in cui il protagonista visse, interni ed esterni: da Vienna a Cambridge attraverso i fiordi della Norvegia, il fronte italiano, l’Irlanda e via enumerando. Qui la necessità di girare in studio e in pochi giorni ha dettato la scrittura, il poverismo obbligato si è fatto stile".

Commenterò brevemente le singole immagini, inserendo citazioni dalle opere di Wittgenstein, in particolare dal suo suo Tractatus logico-philosophicus. Perché uno dei segreti di Jarman è che raccontando Wittgenstein racconta se stesso, senza modificare la biografia del filosofo. E' una impresa che segue la stessa logica che seguì Gian Lorenzo Bernini quando fece il baldacchino della Chiesa di San Pietro. Sembrava che fosse impossibile costruire un baldacchino che non avesse l'aria meschina, vista l'immensità delle dimensioni della chiesa. Il Bernini cambiò gioco, e fece un baldacchino di bronzo. Così fa Jarman che riesce ad essere fedele alla biografia ed alla filosofia di Wittgenstein restando completamente se stesso. Lo aiutarono proprio le difficoltà in cui si trovava.

Wittgenstein ragazzo (Clancy Chassay). Si alternano due attori, nella parte di Wittgenstein, ma non c'è un rigoroso filo cronologico né ci sono dei flash-back. Semplicemente, a seconda delle situazioni, Jarman decide se è bene che ci sia il ragazzo o l'adulto. Qui il ragazzo Wittgenstein sta studiando, nella Vienna di fine Ottocento. Appartiene ad una ricchissima famiglia in cui si mischiano le appartenenze religiose: ebraica, cattolica, protestante.

Chi non è certo di nessun dato di fatto, non può neanche esser sicuro del senso delle sue parole.

Chi volesse dubitare di tutto, non arriverebbe neanche a dubitare. Lo stesso giuoco del dubitare presuppone già la certezza.

Dimmi come cerchi e ti dirò cosa cerchi.

Ancora il ragazzo Wittgenstein in costume antico. Nella seconda immagine è con la madre Leopoldine (Jill Balcon).

È così difficile trovare l'inizio. O meglio: è difficile cominciare dall'inizio. E non tentare di andare ancor più indietro.

La vita di conoscenza è la vita che è felice nonostante la miseria del mondo.

Tutto ciò che la filosofia può fare è distruggere idoli. E questo significa non crearne di nuovi.

Parte della famiglia ascolta Paul Wittgenstein (Jan Latham-Koenig) che suona il pianoforte. Paul perderà l'uso della mano destra nella prima guerra mondiale e Ravel comporrà per lui il Concerto per la mano sinistra.

Dopo aver guardato un temporale, alla domanda "quante gocce di pioggia hai visto?" la risposta più adatta è "molte": non che il numero preciso non esista, ma non lo si può conoscere.

Giusto e interessante non è dire: questo è nato da quello, ma questo potrebbe essere nato così.

Il ragazzo Wiitgenstein non vuole ascoltare le tante parole che gli urlano intorno. Nella seconda immagine, uno dei parolai. Mi sono venuti in mente certi quadri di Gesù fra i dottori.

Nella filosofia odierna troviamo tutte le teorie infantili, ma senza quell'aspetto accattivante proprio di ciò che è infantile.

Inventare nuovi usi per le parole, usi talvolta assurdi, per aiutare ad allentare la stretta delle forme abituali del linguaggio.

Sentiamo dire, sempre e continuamente, che il matematico lavora con l'istinto (o magari che non procede meccanicamente, al modo di un giocatore di scacchi) ma non riusciamo a percepire che cosa questo abbia a che fare con la natura della matematica.

Il ragazzo Wittgenstein è un genio che ha un po' di spocchia da primo della classe. Qui sta usando la canna (oggi utilizziamo il cosiddetto pointer) come fosse un fucile.

Un trattato di filosofia potrebbe benissimo essere composto da battute umoristiche.

Vi sconsiglio vivamente di diventare filosofi accademici. Tra loro la tentazione del pensiero fasullo è diffusissima.

Senza un po' di coraggio non si può scrivere nemmeno un'osservazione sensata su se stessi.

Compare un marziano verde (Nabil Shaban), che dialoga piacevolmente col ragazzo Wittgenstein. Può significare l'impossibilità di comprendere cosa succede stando dentro e la necessità di vedere le cose da fuori, ad esempio da un altro pianeta.

Ci sono uomini che sono troppo fragili per andare in frantumi. A questi appartengo anch'io.

La sola cosa di me che forse un giorno si spezzerà, e di questo ho talvolta paura, è il mio intelletto.

Ecco Wittgenstein adulto (Karl Johnson) che per un certo periodo voleva dedicarsi all'aviazione. Ha un'aria un po' da asceta e un po' da ortolano.

Una scoperta non è né grande né piccola; dipende da ciò che essa significa per noi.

Il matematico non scopre: inventa.

Non si può dire, dunque, che la matematica ci insegna a contare? Ma se ci insegna a contare perché non ci insegna anche a confrontare tra loro i colori?

Bertrand Russel (Michael Gough), al Trinity College di Cambridge (1911-1914) è il maestro di Wittgenstein di cui scopre immediatamente la genialità. Nella seconda immagine i due stanno discutendo se nella stanza ci sia un rinoceronte. Russel dice di no, Wittgenstein dice di sì. Alla fine se ne vanno da due parti diverse... e da sotto il tavolo sbuca il ragazzo Wittgenstein col corno da rinoceronte.

Anche i pensieri talvolta cadono immaturi dall'albero.

Anche per il pensiero c'è un tempo per arare e un tempo per mietere.

Chi è soltanto in anticipo sul proprio tempo, dal suo tempo sarà raggiunto.

In chiusura di post, due immagini di Lady Ottoline Morrell (Tilda Swinton) che sta leggendo una lettera . E' l' amante di Bertrand Russel. Ed è, sempre splendidamente, l'attrice feticcio di Derek Jarman.

Come si può per tutta la vita viaggiare nello stesso piccolo paese e credere che non ci sia nulla al di fuori di esso!

Con i miei numerosi segni d'interpunzione in realtà io vorrei rallentare il ritmo della lettura. Perché vorrei essere letto lentamente.

Gli animali vengono verso di noi, se li chiamiamo per nome. Esattamente come gli uomini.

P.S. Un'ora fa, il blog ha superato le 800.000 Pagine Viste, a partire dal 15 maggio 2007. Poco più di due anni fa. Potremmo arrivare anche al milione, chissà... Un grazie sentito a chi mi ha aiutato. (s)

La moda nel cinema: Giulietta e Romeo (2)

2009-06-25T22:00:00.002+02:00

Susan Shentall (Giulietta) e Flora Robson (La Nutrice)
Giulietta e Romeo (1954) di Renato Castellani Da "Romeo and Juliet" di William Shakespeare, Adattamento di Renato Castellani Con Laurence Harvey (Romeo), Susan Shentall (Giulietta), Flora Robson La Nutrice), Norman Wooland (Paride), Mervyn Johns (Frate Lorenzo), John Gielgud (Il Coro), Bill Travers (Benvolio) Sebastian Cabot (Capuleti), Lydia Sherwood (Madonna Capuleti), Ubaldo Zollo (Mercuzio), Enzo Fiermonte (Tebaldo), Elio Vittorini (Principe di Verona), Giulio Garbinetto (Montecchi), Nietta Zocchi (Madonna Montecchi), Thomas Nicholls (Frate Giovanni), Mario Meniconi (Baldassarre), Pietro Capanna (Sansone), Luciano Bodi (Abramo), Dagmar Josipovitch (Rosalina) Musica: Roman Vlad Fotografia: Robert Krasker Costumi: Leonor Fini (138 minuti) Rating IMDb: 6.8

Solimano

Il secondo post sul film Giulietta e Romeo (1954) di Renato Castellani, ancora per la vista logica la moda nel cinema, è dedicato a Giulietta, interpretata da Susan Shentall. La scelta dell'interprete fu abbastanza criticata. Mario Gromo fu piacevolmente riduttivo: "Susan Shentall, bionda e paffutella, è un po' sorprendente come veronesina, tanto più sorprendente nella naturalistica cadenza italiana che Castellani ha voluto dare a ogni scena; ma ha accenti genuini, e Laurence Harvey è un elegante Romeo". Guido Aristarco prese le distanze: "E non si capisce, se Castellani vuol dare una storia italiana - e non "italianata" - se cioè egli abbandona la tradizione shakespeariana, per qual ragione sia ricorso a due attori non professionisti e inglesi come Susan Shentall e Laurence Harvey (o meglio si capisce, ma in un altro ambito) ". Mentre Giuseppe Marotta, come gli succedeva non di rado, menò di brutto: "Susan Shentall è una Giulietta sbiadita, allogena, di un biondo non veronese; Laurence Harvey non pecca ma neppure è beatificabile; nei' panni del Principe ho riconosciuto Elio Vittorini, è marmoreo, la solennità rigida e frigida che probabilmente Castellani agognava. Basta. Adesso, care pagine di Shakespeare, venite sulla mia poltrona e sanguiniamo insieme". Ci sarebbe da dire che il Romeo and Juliet è un'opera del giovane Shakespeare, le parole finali di Marotta mi sembrerebbero più appropriate al Macbeth o al King Lear.

Personalmente, la scelta figurativa di Renato Castellani a me sembra la migliore possibile: se penso ad una Giulietta mi viene in mente Susan Shentall prima di ogni altra. L'aspetto figurativo non è secondario, è il più importante per capire che cosa volle fare Renato Castellani. Cercherò di mostrarlo soprattutto nei due post successivi, che faranno parte della vista logica la pittura nel cinema. Se dovessi fare delle critiche al film, che fu tacciato di freddo calligrafismo, ne farei due di altro genere. La prima riguardo la quasi totale soppressione della parte di Mercuzio, perché sono fra le parole che amo di più in Shakespeare. La seconda critica è al doppiaggio italiano, che mi sembra inesorabilmente datato, anche se certamente Castellani utilizzò degli ottimi doppiatori. A volte il rapporto fra l'aspetto figurativo e l'aspetto vocale lo sento stridente, alle mie orecchie di oggi.
Anche in questo post cerco di ordinare le immagini secondo lo svolgersi cronologico del film.

Giulietta in camicia al mattino. Sta parlando con la madre, Madonna Capuleti e con la Nutrice. La madre le parla del suo possibile matrimonio con Paride.

Giulietta con l'abito rosso, sempre con Madonna Capuleti e la Nutrice. La cosa sta andando avanti: Paride ha parlato con Capuleto e stasera sarà al ballo in casa Capuleti. Le tre donne sono contente.

Giulietta, con l'abito del ballo, durante la festa in casa Capuleti, danza con Paride.

Giulietta conosce Romeo, che si toglie la maschera. Poi viene a sapere che Romeo è un Montecchi, la famiglia nemica dei Capuleti.

Giulietta in camicia azzurra, durante la scena del balcone. L'immagine è a profilo perduto.

Giulietta, ancora in abito rosso, parla con Madonna Capuleti in giardino. Frate Lorenzo sta preparando il matrimonio fra lei e Romeo e solo la Nutrice ne è al corrente.

L'aarivo di Giulietta alla chiesa di Frate Lorenzo, poi il matrimonio attraverso la grata. Abito azzurro, manto giallo, velo bianco sul capo.

Il pianto di Giulietta, quando apprende che Romeo ha ucciso Tebaldo. Poi l'addio a Romeo dopo la notte d'amore.

Capuleto vuole che Giulietta sposi subito Paride, Giulietta cerca di ribellarsi, ma né Madonna Capuleti né la Nutrice l'aiutano. Maniche gialle sotto l'abito grigio-bianco, scollo a V, cintura alta. E guardate la pettinatura di Giulietta...

Giulietta è nella cella di Frate Lorenzo che ha trovato una soluzione: Giulietta berrà una pozione da lui preparata e il suo stato di catalessi verrà scambiato per morte. Frate Lorenzo provvederà ad avvertire Romeo, ma le cose non andranno così.

Giulietta è stata portata nel sepolcro con l'abito da sposa che ha indossato prima di bere la pozione. Fra poco si desterà.

Nel film, dal punto di vista figurativo sono presenti tre secoli: Trecento, Quattrocento e Cinquecento. C'è una concordia discors di aspetti storici, pittorici, di luoghi, e ne parlerò in altri post. All'interno delle figurazioni del film ci sono i costumi di Leonor Fini, che si ispirano soprattutto al Quattrocento, non solo italiano ma anche fimmingo (ad esempio per l'abbigliamento della Nutrice e di Madonna Capuleti). Per fare un riferimento figurativo preliminare, il pensiero va alla Camera picta (Camera degli sposi) del Mantegna, agli affreschi di Schifanoia e in genere alla pittura ferrarese. Trovo ammirevole il senso di misura di Leonor Fini: non eccede mai. Ricchezza decorativa, semplicità e fantasia rigorosa procedono insieme. Una grande differenza con altri film cosiddetti in costume in cui l'esagerazione è abituale, direi quasi abitudinara.

In chiusura del post, un quadro di Leonor Fini ed una sua fotografia.

Leonor Fini: Princesse Nawal Toussoun (1952)
Leonor Fini in una foto di Carl Van Vechten (1936)

La moda nel cinema: Giulietta e Romeo (1)

2009-06-24T19:45:00.004+02:00

Giulietta e Romeo (1954) di Renato Castellani Da "Romeo and Juliet" di William Shakespeare, Adattamento di Renato Castellani Con Laurence Harvey (Romeo), Susan Shentall (Giulietta), Flora Robson La Nutrice), Norman Wooland (Paride), Mervyn Johns (Frate Lorenzo), John Gielgud (Il Coro), Bill Travers (Benvolio) Sebastian Cabot (Capuleti), Lydia Sherwood (Madonna Capuleti), Ubaldo Zollo (Mercuzio), Enzo Fiermonte (Tebaldo), Elio Vittorini (Principe di Verona), Giulio Garbinetto (Montecchi), Nietta Zocchi (Madonna Montecchi), Thomas Nicholls (Frate Giovanni), Mario Meniconi (Baldassarre), Pietro Capanna (Sansone), Luciano Bodi (Abramo), Dagmar Josipovitch (Rosalina) Musica: Roman Vlad Fotografia: Robert Krasker Costumi: Leonor Fini (138 minuti) Rating IMDb: 6.8

Solimano

Nel 1954, alla Mostra di Venezia, vinse il Leon d'Oro il film Giulietta e Romeo di Renato Castellani. Furono attribuiti anche quattro Leoni d'Argento: La strada di Federico Fellini, Fronte del porto di Elia Kazan, L'intendente Sansho di Kenji Mizoguchi, I sette samurai di Akira Kurosawa. E in concorso quell'anno c'era anche Senso di Luchino Visconti. Per completezza, aggiungo che in concorso c'erano altri due buoni film, anche se di livello inferiore: La romana di Luigi Zampa e L'air de Paris di Marcel Carné.
Così cominciò un tormentone che non è ancora finito e di cui il film di Castellani ha fatto le spese. In sostanza, per ragioni politiche (la denigrazione del Risorgimento, ma non solo) quell'anno a Venezia non vollero dare il Leon d'Oro a Luchino Visconti e credettero di compensare premiando l'altro film italiano in concorso. Ognuno ha il diritto di stabilire le proprie classifiche: visto con i miei occhi di oggi, il Leon d'Oro doveva andare a I sette samurai.

Il film "Giulietta e Romeo" di Renato Castellani l'ho visto per la prima volta in questi giorni, grazie al meritorio DVD della Ermitage del 2003 (la qualità oggi sarebbe certamente migliore) e ci dedicherò diversi post perché è un film da vedere e da rivedere. Cercherò di spiegarne alcuni dei motivi. I primi due post li inserisco nella vista logica la moda nel cinema. Mi riferisco ai costumi del film, disegnati dalla pittrice surrealista Leonor Fini. Le tangenze con la vista logica la pittura nel cinema sono molte, quindi mi atterrò, nei primi due post, solamente ai costumi indossati dai vari personaggi. Ognuno è in grado di vedere il resto e di cominciare anche a riconoscere qualche luogo. Rispetto, se possibile, lo svolgimento cronologico del film.

Gregorio e Sansone, due della fazione dei Capuleti, stanno per provocare due della fazione dei Montecchi.

Nella rissa perde la vita Abramo, della fazione dei Montecchi. Il Principe di Verona convoca Capuleto e Montecchio, che sono davanti a lui. Il Principe afferma che d'ora in poi non tollererà più queste risse.

Romeo non ha partecipato alla rissa. Si è appartato in riva al fiume e lì lo raggiunge l'amico Benvolio, a cui Romeo confessa i suoi tormenti d'amore per la bella Rosalina.

Alla sera, in casa Capuleti c'è una festa: Giulietta, la figlia di Capuleto, sta per compiere quattordici anni e si prospetta il suo matrimonio con Paride, un parente del Principe. Alla festa partecipano gli invitati, ma è entrato anche Romeo, che spera di incontrare Rosalina.

Tebaldo, nipote di Madonna Capuleti, ha riconosciuto Romeo e lo vuol cacciare, ma Capuleto lo rimprovera aspramente e gli dice di andarsene dalla festa.
Un gruppo di suonatori ed un coro di ragazzi. Quasi tutti gli ospiti stanno ballando.

Mercuzio (anche lui parente del principe) sta deridendo il suo amico Romeo, che non gli dà ascolto: alla festa ha conosciuto Giulietta e ormai si interessa solo a lei, non ha tempo per gli amici.

Si svolgono lavori donneschi in casa Capuleti. Partecipa anche Giulietta (che non si vede nell'immagine). Pensa solo a Romeo, dopo il colloquio notturno dal balcone.

Tebaldo vuol vendicarsi di Romeo, visto che non ha potuto cacciarlo da casa Capuleti. Ma Romeo non gli dà soddisfazione, trattandolo come fosse un amico. Interverrà Mercuzio, infastidito dalla tolleranza di Romeo. Tebaldo ucciderà Mercuzio e Romeo ucciderà Tebaldo.

Dopo la morte di Mercuzio e di Tebaldo, sono tutti di fronte al principe. Parla Benvolio in difesa di Romeo. Parla Madonna Capuleti che chiede la morte di Romeo. Il principe decide: Romeo sarà esiliato ed andrà a Mantova.

Madonna Capuleti è contenta perché Giulietta ha finalmente acconsentito a sposare Paride.

Romeo apprende a Mantova la notizia della morte di Giulietta. Glielo dice Baldassarre. Romeo partirà subito per Verona.

Benvolio e il Principe stanno guardando i corpi di Giulietta e Romeo, che vengono sepolti assieme nella chiesa di San Pietro.

In chiusura di post, due quadri di Leonor Fini.

Leonor Fini: Autoportrait avec Kot et Sergio (1955)
Leonor Fini: Dimanche après-midi (1980)

Un matrimonio all'inglese di Stephan Elliott

2009-06-22T16:01:00.003+02:00

Un film di Stephan Elliott Titolo originale Easy Virtue Con Jessica Biel, Colin Firth, Kristin Scott Thomas, Ben Barnes, Kimberley Nixon, Katherine Parkinson, Kris Marshall, Christian Brassington, Charlotte Riley, Jim McManus, Pip Torrens. Da una commedia di Noel Coward Sceneggiatura: Stephan Elliott, Sheridan Jobbins. Musiche: Marius De Vries. Durata 96 min. - Gran Bretagna 2008, IMDb 6.7/10

Giulia

Larita, un'americana anticonformista campionessa di automobilismo, sposa il giovane John (Ben Barnes) dell'aristocratica famiglia Whittaker. Il ragazzo è da molto tempo atteso a casa dalla mamma che spera possa finalmente prendere le redini in mano della antica, ma molto indebitata villa di campagna: "Noi terremo il focolare acceso - dice alla figlia - fino a quando sua altezza non farà ritorno".
E sua altezza finalmente ritorna: è un telegramma ad annunciarlo, ma non sarà solo. Si è sposato, con una donna che non è certo quella che la mamma sperava: Sara, amica da sempre e figlia di un ricco possidente.

Del resto quando Larita arriva nei pressi della grande casa, e vede dove il suo maritino la sta portando, blocca la macchina e la tentazione è quella di fare dietro front, ma il suo giovane innamorato la dissuade. "Tutto fumo e niente arrosto" la tranquilliza, ma poi aggiunge: "A proposito, fumare non si può. Pare faccia appassire le azalee". Le dà un bacio e con questo tutto passa.

L'intera famiglia è quindi in attesa. "Sorridi" dice la mamma alla figlia che però dichiara di non averne voglia. Il padre, allora, le ricorda: "Sei inglese, mia cara. Quindi fingi".

Mrs Whittaker ha riposto tutte le speranze nel figlio perchè il marito, Jim (Colin Firth), è un uomo distrutto che non si è mai ripreso dalla guerra. Sta, ancora, facendo i conti con un’enorme sofferenza: ha combattuto nella prima guerra mondiale e ha perso tutti i suoi compagni. E' chiuso in se stesso, difficilmente parla o interviene nelle conversazioni, si sente "fuori" e non partecipa alla vita famigliare. Quando parla, però, ogni parola che dice è importante. Si porta dietro il classico senso di colpa dei sopravvissuti: "Sono l’unico uomo della mia età rimasto in questo villaggio’.

Le due figlie sono schierate con la mamma, ma è chiaro il loro senso di frustrazione.

Hilda (Kimberley Nixon) è una ragazza molto infantile e spesso molto irritante. La sua ossessione sono i ritagli di giornale. Capita spesso che per il padre leggere un giornale non sia un'impresa facile tra un buco ed un altro.
Sa, però, perfettamente chi sia Larita perchè ha visto le foto di quando ha vinto il Grand Prix di Monaco. Ecco perché il suo arrivo per lei è molto eccitante!

L’altra figlia è Marion (Katherine Parkinson) una ragazza molto religiosa, ma anche molto ipocrita. Rimane attratta da Larita, perchè tanto diversa e molto emancipata e perchè legge libri irriverenti, come "L’amante di Lady Chatterley", che anche lei divorerà voracemente.

Sono, quindi, tutti felici del ritorno di John, ma non altrettanto dell'arrivo della moglie ad eccezione del padre che sembra subito apprezzarla e, strano a dirsi, anche l'ex fidanzata di John entra subito in sintonia con lei.

John, non badando all'accoglienza freddina riservata alla moglie dalla madre, farà entrare Larita in modo trionfale nella casa, così come si addice ad una donna appena sposata. "Venere di Milo, ti presento la mia Venere di Detroit" dice, rivolgendosi alla statua dell'ingresso.

Non possiamo dimenticare un altro membro a tutti gli effetti della famiglia: la cagnolina che partecipa ad ogni vicenda dicendo la sua o pretendendo la sua parte.

Non farà una bella fine la poverina. Sarà schiacciata proprio da Larita per essersi messa comodamente seduta sul divano. Anche se forse un po' sadica, è una delle scene più esilaranti del film. Larita, appena si rende conto di essersi seduta su di lei, oltre ad essere molto dispiaciuta, non sa più cosa fare e finirà col seppellirla in tutta segretezza in giardino con la complicità del maggiordomo e del giardiniere che hanno nel frattempo imparato ad apprezzarla.

La famiglia Whittaker, anche se in modo diverso per ognuno dei componenti, ha subito le conseguenze della guerra. Forse la loro vita sarebbe stata molto diversa se non ci fosse stata.
Mrs. Whittaker (Kristin Scott Thomas) cerca disperatamente di aggrapparsi ad un mondo che non esiste più. Lei e la sua famiglia vivono in una casa che sta cadendo a pezzi, non hanno più soldi, ma non accettano di fare cambiamenti.
Larita si rende subito conto che Mrs. Whittaker non la vede di buon occhio e che non ne fa mistero. Inizierà una sorta di guerra di nervi tra le due donne.
La prima cosa che non gradisce Mrs. Whittaker è che Larita sia americana.
La seconda è che sia stata già sposata anche se il marito è morto. La terza che fumi.

La quarta che abbia un rapporto con la "servitù" più liberale del suo.

Ma ciò che meno tollera è che voglia andare ad abitare a Londra e non accetti di vivere nella sua stessa casa assogettandosi naturalmente alle sue regole consacrate dalla "tradizione". Insomma è una donna troppo libera, troppo allegra, per lei "troppo sfrontata". Inutili saranno gli sforzi di Larita di dialogare con lei: le distanze sono incolmabili.

Lo scontro tra la madre e la moglie è lo scontro tra due figure femminili (che incarnano due generazioni, due culture, due modi d’intendere la vita). Una tutta proiettata verso il futuro, l'altra avvinghiata ad un passato destinato a morire, ma da cui non si vuole emancipare (o non ce la fa).

Larita rappresenta il nuovo mondo che il vecchio disprezza perchè lo teme, ma è anche una giovane donna che suscita l’invidia e il rimpianto di una donna più anziana, che vede consumate tutte le sue chances. In mezzo sta John, l' oggetto conteso, giovane amante capace di leggerezza, ma figlio amato, unica possibilità per salvaguardare uno status che si sta sbriciolando. Dietro ci sta una vita non realizzata per l'allontanamento e forse il tradimento del marito dopo la guerra.

E alle sontuose cene di famiglia con gli amici di sempre la distanza si farà sentire anche nelle conversazioni più semplici:
"Tu monti vero?" le chiede la cognata
" Su navi, macchine o aerei?" le risponde Larita
"No, cavalli sciocchina".
"Ah, sì cavalli: secondo me hanno uno sterzo difettoso e freni inaffidabili".

E' chiaro che Mrs. Whittaker usi tutti i mezzi per vincere la sua battaglia. La freschezza, il dinamismo, la gioia di vivere che vede in Larita e in suo figlio sono insopportabili per chi si è rifugiata nelle sicurezze della tradizione perchè non ha saputo o non ha potuto costruirsi un vita vera.
Quando Larita entra in casa, in lei non vede solo un avversario che ha intenzione di rubarle il figlio, vede anche qualcuno che vive la vita che avrebbe potuto avere lei.

Larita accetta di stare qualche giorno in visita. Ma presto si accorge che questo tempo tende a dilatarsi sempre di più e sempre di più percepisce quanto lei sia lontana da quel modo di vivere. Il suo fidanzato vorrebbe che partecipasse di più, che giocasse a tennis con lui, ma lei preferisce leggere e appartarsi.

Pian piano si accorge di avere molto più in comune con Jim, il padre del suo sposo, che, pur nella sua amarezza e tristezza, in realtà nasconde una grande umanità. Anche lui non crede più a quel tipo di vita che ritiene falso e ipocrita. Sarà lui e non John a difenderla dagli attacchi sempre più feroci della moglie e delle figlie.

Larita si sente abbandonata dal marito che sottovaluta sempre le battute della madre e delle sorelle. "Sii te stessa - le dice - falle vivere sotto il tuo incantesimo".
E sarà se stessa.
Decide che Gran Bretagna ed America devon andare d'accordo e festeggerà quindi la festa del ringraziamento cucinando un tacchino.
Quando il maggiordomo andrà ad annunciare che "il pennuto" (tacchino) era pronto, Mrs. Whittaker chiederà allarmata: "quale pennuto, giovedi patate e cavoli.. Non ho dato disposizioni..."
e Larita risponderà tutta tranquilla "le ho date io".

Larita accetterà di partecipare alla caccia alla volpe anche se contraria. Si raduneranno tutti in pompa magna davanti alla villa e ci sarà anche lei.

Sempre bellissima e corteggiata spiccherà su tutte le altre. Quando la solleciteranno a salire sul cavallo lei, però, indugia. "Voglio dare un leggero vantaggio alla volpe" si scuserà.

Ha promesso e quindi parteciperà alla caccia. Non manca mai alle sue promesse. Lo farà però a modo suo. Cavalcherà un cavallo a motore.

Con lo scorrere dei giorni la situazione si farà, però, sempre più pesante ed insostenibile per lei.
In tutto il film si gioca fra le due donne una partita senza esclusione di colpi, dunque, in pieno stile inglese, con dialoghi serrati e pungenti. A far da sottofondo alla sfida ci sono grandi classici della musica del tempo (soprattutto il jazz, ma anche il tango o il can can), e diverse canzoni contemporane in salsa retrò composte da Marius De Vries, lo stesso compositore del film Moulin Rouge .
E con un tango si concluderà il film. La madre di John ha scoperto un passato di Larita di cui neanche il marito era a conoscenza: il suo ex era morto, ma non di cancro. Si era suicidato perchè malato e sarà la battaglia finale.
Larita rimarrà nella sua stanza a lungo proprio il giorno della festa tanto attesa.
Poi decide di partecipare, nonostante tutto, e si prepara.

Più bella ed elegante che mai scende quando ormai tutti pensano che non oserà comparire.

Chiede al marito di ballare con lei, quasi lo implora, ma John si rifiuta: ormai è dalla parte della mamma e forse Sara è tornata nei suoi pensieri.

Comincerà allora a ballare da sola un tango, ma Jim la guarda e si avvicina a lei: sarà lui il suo cavaliere.Le riprese del film, durate sette settimane e terminate alla fine di febbraio del 2008, sono state effettuate interamente in vere location situate nel Regno Unito: in magnifiche e maestose residenze, come Flintham Hall a Nottingham, Englefield House, vicino a Reading, nel Berkshire, e Wimpole Hall nel Cambridgeshire.
Il film è una commedia sofisticata che sa essere ironica e divertente, ma sa anche emozionare.
Molto brave sono tutti gli attori, in particolare le due attrici Jessica Biel e Kristin Scott Thomas.
Kristin Scott Thomas al principio era restia ad interpretare questo ruolo. Ma il regista ha saputo convincerla dicendole: "Ti renderò terribile! La prima settimana è stata piuttosto dura per lei, ma poi mi ha detto ‘sai una cosa, lo farò’ e poi ha iniziato a divertirsi molto. Credo che il momento più bello come regista sia stato quando le ho gridato ‘più strega Disney’ ed è scoppiata a ridere dicendo ‘ha detto proprio così?’"

Per quanto riguarda l'attrice Jessica Biel, il regista dice: “La cosa positiva di Jessica è che proprio come il suo personaggio anche lei era come un pesce fuor d’acqua. Non aveva mai fatto niente del genere fino ad ora e deve essere stato alquanto terrificante entrare in una stanza e trovarsi davanti Colin Firth e Kristin Scott Thomas e tutti gli altri, ma lei era molto tranquilla, e in effetti ad un certo punto mi sono chiesto cosa avessi fatto, ma Colin mi ha preso da parte e mi ha detto ‘spaccherà il video’!
“Jessica è incredibilmente spontanea, è come una tela bianca, non mi era mai capitato che un’attrice venisse a dirmi ‘In me non c’è un solo briciolo di cinismo, quindi dovrai insegnarmi tu come fare’. E’ totalmente incapace di parlar male di qualcuno e credetemi ho lavorato con attrici e attori che sono capaci eccome!"

I peccati di gola di Quino

2009-06-20T20:15:00.005+02:00

Solimano

Le immagini di questo post sono tratte dal libro di Quino "Peccati di gola", publicato dall'editore Bompiani nel 1990. E' consigliabile cliccare sulle immagini per poter apprezzare meglio alcuni dei particolari.

Il disegnatore Joaquín Salvador Lavado, conosciuto come Quino, nasce a Mendoza il 17 luglio 1932. Venne chimato Quino per distinguerlo dallo zio Joaquín Tejón, pittore e disegnatore pubblicitario. Nel 1946 vende il primo fumetto pubblicitario ad un negozio di tessuti. Ma solo nel 1954, a Buenos Aires, i suoi disegni vengono pubblicati con regolaritù sulla rivista "Esto es". Così cominciò la sua lunga carriera: i suoi disegni sono comparsi su centinaia di quotidiani e periodici di tutto il mondo.

Il suo personaggio più celebre, Mafalda, nasce nel 1963. Dovevano essere dei fumetti publicitari, ma l'affare non andò in porto. Così nel 1964 la terribile bambina Mafalda comparve su "Gregorio", supplemento umoristico della rivista "Leoplán".
Nel 1968, trenta strisce di Mafalda vengono publicate in Italia nel volume antologico "Libro dei bambini terribili per adulti masochisti". E l'anno dopo uscì il primo libro interamente dedicato a Quino: "Mafalda la contestataria" con la prefazione di Umberto Eco.

Mafalda finisce il 25 luglio del 1973, e Quino dichiara che smette "per essere a corto di idee". Quino si trasferisce a Milano e fno al 1999 publica vignette nel supplemento domenicale del quotidiano spagnolo El Pais.

Si è scritto che scegliere fra Mafalda ed i Peanuts è un po' come scegliere fra i Beatles ed i Rolling Stones. Quino dice: “Non mangio carne tutti i giorni e non ballo il tango”, per sottolineare la sua appartenenza argentina molto relativa, visto che la zona da cui proviene confina col Cile e che c'era stata una forte immigrazione italiana, e spagnola: "Perciò mi sento un mediterraneo".

Ecco alcune tipiche battute di Mafalda:
"Ciao, bella bambina. Vuoi bene ai tuoi genitori?” “Certo. E lei le paga le tasse?"
"Conflitto arabo-israeliano... Tom & Jerry?"
"So che non devo chiederTi cose materiali, ma Ti prego di migliorare lo stato della situazione... o la situazione dello Stato? "
"Capisco che ognuno, per quel poco che faccia, il suo granello di sabbia lo mette. Quello che non capisco è perché mai deve andare a ficcarlo proprio nell’occhio del prossimo."
"La società moderna... o la zoocietà moderna? La sudicità moderna?"

Mafalda è una bambina che fa delle domande imbarazzanti, a cui è difficile rispondere. In questo modo il problema si sposta: non si tratta di striscie su una bambina ribelle, al limite pestifera, ma sulle mancate risposte che ricevono le sue domande, quindi sulle contraddizioni del mondo degli adulti. Singolare il fatto che Mafalda non sia mai stata pubblicata negli Stati Uniti, mentre è stata addirittura pubblicata in cinese. Le è stata dedicata una piazza di Buenos Aires.
P.S. Per capire l'immagine di chiusura del post occorre notare che in alto a sinistra c'è un aereo che si vede appena.

Ritratti di signore: Kathleen Turner

2009-06-17T18:30:00.008+02:00

Kathleen Turner in "Body Heat" (1981) di Lawrence Kasdan
Body Heat di Lawrence Kasdan (1981) Sceneggiatura di Lawrence Kasdan Con William Hurt (Ned Racine), Kathleen Turner (Matty Walker), Richard Crenna (Edmund Walker), Ted Danson (Peter Lowenstein), J.A. Preston (Oscar Grace), Lanna Saunders (Roz Kraft) Mickey Rourke (Teddy Lewis), Kim Zimmer (Mary Ann), Jane Hallaren (Stella) Musica: John Barry Fotografia: Richard H. Kline (113 minuti) Rating IMDb: 7.3

Solimano

Non me n'ero accorto. Meno male che mi sono letto quello che scrisse Giovanni Grazzini sul Corriere della Sera il 20 marzo 1982: "...un corredo spettacolare che stende intorno alla sensualità provocante e al rogo della morale una rete di insinuanti campanelle. Se Ulisse passò senza danno accanto alle Sirene, non si può pretendere che anche un avvocaticchio della Florida si tappi le orecchie..."
Le insinuanti campanelle ci sono concretamente nel film, nella casa di Matty Walker (Kathleen Turner). Sono appese al soffitto, e suonano se le si tocca, ma anche allo stormire del vento (caldo, naturalmente). L'avvocato Ned Racine (William Hurt) le sente suonare la prima volta che entra nella casa di Matty, e ne rimane turbato. Forse si sente preso nella rete. Per capire come la ventisettenne Kathleen Turner (al suo primo film) affrontò il personaggio di Matty, guardate le due immagini qui sotto.

Queste immagini nel film non ci sono. Fanno parte di un breve episodio che il regista Kasdan non inserì in fase di montaggio. Matty, per tenere su di giri Ned, gli fa uno scherzo. Quando lui arriva da lei, Matty non si fa trovare. Compare poco dopo travestita da hostess, pronta a servire il cliente che è a bordo. La disinvoltura, la malizia erotica, l'intelligenza di Kathleen Turner, qui compaiono appieno, anticipando (in un film noir!) i ruoli dei film avventurosi degli anni dopo.
Dal suo punto di vista, Kasdan fece bene a togliere questo episodio: voleva fare un film noir, una sua versione di "Double Indemnity" di James Cain. Come sceneggiatore stava ottenendo un grande successo: le sceneggiature de "L'impero colpisce ancora", "I predatori dell'arca perduta", "Il ritorno dello Jedi" sono sue. Lawrence Kasdan è un artigiano curioso e colto, forse troppo preciso e coerente: la vita non è un teorema. Ecco due esempi della bravura di Kasdan come sceneggiatore (Oscar è un poliziotto e Stella una barista):

Oscar: Whatcha got for pie today, Stella?
Stella: I got cherry, cherry and cherry.
Oscar: Well, what do you recommend?
Stella: I like the cherry.
Oscar: Bring it on.
...
Ned: How's the cop business, Oscar?
Oscar: Real good. Always starts hopping in weather like this. When it gets this hot, people try to kill each other.

In "Brivido caldo" Kasdan viene aiutato dalla irruenza recitativa della Turner, che è il centro del film, una dark lady del tutto particolare. Matty ha un progetto, l'aveva da quando era al college (lo si capisce nell'ultima scena del film) e persegue il progetto con intelligenza, lucidità e cinismo, in perfetta allegria realizzativa. Chissà perché alcuni asseriscono che si tratta di un film misogino. Misantropo, semmai, guardate il povero Ned Racine come è imbarazzato, a trovarsi fra le braccia cotanta hostess.

Ned non è stimato, nel suo lavoro. Così gli dice un giudice durante un processo e così gli dice Peter (Ted Danson) un poliziotto che cerca di essergli amico, finché può:

Judge: Mr. Racine, the next time you come into my courtroom I hope you've got either a better defense, or a better class of client.
...
Peter: I think I've underestimated you, Ned. I don't know why it took me so long. You've started using your incompetence as a weapon.
Ned: My defense was evolving. You guys got scared.

Ma Ned non si preoccupa: ha deciso di supplire con la furberia (almeno, lui la crede tale) alla intelligenza ed alla competenza che gli fanno difetto. Piace generalmente alle donne, nel film due o tre gli girano intorno, e si è costruito un efficace bigino mentale per sedurle. Il suo bell'aspetto lo aiuta. Quando tenta l'approccio a Matty, sembra che tutto possa andare a buon fine:

Ned: You can stand here with me if you want but you'll have to agree not to talk about the heat.
Matty: I'm a married woman.
Ned: Meaning what?
Matty: Meaning I'm not looking for company.
Ned: Then you should have said I'm a happily married woman.
...
Matty: This is a blouse and a skirt. I don't know what you're talking about.
Ned: You shouldn't wear that body.

A Ned sembra che Matty, oltre a gradire, gli dia l'innesco per farsi spazio:

Ned: Can I buy you a drink?
Matty: I told you. I've got a husband.
Ned: I'll buy him one too.
Matty: He's out of town.
Ned: My favorite kind. We'll drink to him.
Matty: Only comes up on weekends.
Ned: I'm liking him better all the time.

E ancora, quando Matty si macchia la camicetta:

Matty: Would you get me a paper towel or something? Dip it in some cold water.
Ned: Right away. I'll even wipe if off for you.
Matty: You don't want to lick it?

Ma come mai, se tutto sta procedendo, per due volte Matty se ne va lasciando perdere le sue tracce? Ned va a bagnare il tovagliolo di carta. Quando ritorna pimpante, Matty non c'è più, e lui comincia a girare per Pine Haven, il quartiere dove sa che abita Matty:

Matty: What are you doing in Pine Haven?
Ned: I'm no yokel, I was all the way to Miami once.

Matty, dentro casa sua, guarda Ned, che è per strada. Non gli apre la porta. Finché Ned, per entrare, romperà un vetro della terrazza. Apparentemente è un atto di forza, ma Matty sa che è debolezza. A Ned sembra che tutto vada bene, con Matty. C'è finalmente riuscito, anche se non è stato facile. Ora tutto è in discesa, solo che sebbono vedersi di nascosto, perché Edmund Walker (Richard Crenna) il marito di Matty, è pericoloso.
Intanto si conoscono meglio, e Matty lusinga Ned:

Matty: My temperature runs a couple of degrees high, around a hundred. I don't mind. It's the engine or something.
Ned: Maybe you need a tune up.
Matty: Don't tell me. You have just the right tool.
...
Matty: You aren't too smart, are you? I like that in a man.
Ned: What else do you like? Lazy? Ugly? Horny? I got 'em all.
Matty: You don't look lazy.
...
Ned: I need someone to take care of me, someone to rub my tired muscles, smooth out my sheets.
Matty: Get married.
Ned: I just need it for tonight.

Quando due fanno l'amore, non è che facciano l'amore e basta. Si raccontano delle cose, per sfogarsi e per conoscersi meglio. Ned lo fa, e non ha molti argomenti, a parte la sfiga generalizzata che lo perseguita. Soldi pochi e poco successo sul lavoro. Per lui la vita è come la scala di un pollaio: corta e piena di merda che ti sgocciola addosso.
Un giorno, entrando da Matty, Ned vede una donna di spalle. Crede che sia Matty, ma è Mary Ann (Kim Zimmer), amica di Matty da quando erano al college insieme:

Ned: Hey lady, ya wanna fuck?
Mary Ann: Gee, I don't know. Maybe. This sure is a friendly town.
...
Matty: Ned, this is Mary Ann.
Mary Ann: We were just meeting. Ned made me feel very welcome.

Matty racconta di più, specie sul marito e sul testamento. Odia il marito, ma non sa come fare, perché se divorziasse resterebbe senza un soldo. Ci sono delle clausole testamentarie per cui l'eventuale eredità andrebbe a Roz Kraft (Lanna Saunders), la sorella del marito. Quindi non intravede vie d'uscita: a loro due toccherà vedersi poco e sempre in segreto. Questa situazione senza via d'uscita fa salire l'irritazione di Ned, proprio come vuole Matty.

Sarà Ned a decidere che la via d'uscita c'è, ed è di uccidere Edmund, che intanto ha conosciuto. Ha capito che è realmente pericoloso e che lo disprezza. Edmund ragiona in questo modo: "Preferisco giocare a carte scoperte quando frego qualcuno" e Ned ha capito che parlava proprio di lui. Organizza un piano, in cui, per predisporre degli esplosivi, coinvolge un giovane con trascorsi penali, Teddy Lewis (Mickey Rourke), che Ned ha aiutato in tribunale. Il giovane sa come è fatto Ned, difatti gli dice così:

Teddy Lewis: I got a serious question for you: What the fuck are you doing? This is not shit for you to be messin' with. Are you ready to hear something? I want you to see if this sounds familiar: any time you try a decent crime, you got fifty ways you're gonna fuck up. If you think of twenty-five of them, then you're a genius... and you ain't no genius. You remember who told me that?

Ned uccide Edmund e fa in modo che il corpo bruci in una rimessa vicino alla spiaggia, utilizzando il dispositivo che gli aveva preparato Teddy. Si tratta solo di aspettare per un po' di tempo, ottenendo i soldi di un testamento falso che Ned ha predisposto. Il testamento divide l'eredità in parti uguali, metà a Matty, metà a Roz, la sorella di Edmund.
Ma è qui l'inghippo: proprio da alcuni errori testamentari di Ned, Matty ha avuto l'idea che ora, per mezzo di Ned, ha messo in pratica. Il marito è morto, ma tutta l'eredità va a lei, perché il testamento è fasullo ed in assenza di testamento i beni vanno tutti alla vedova. E non si trovano gli occhiali di Edmund. Dove saranno gli occhiali, che hanno certamente le impronte di Ned?

Pian piano Ned scopre quello che è veramente successo: è stato usato proprio per la sua incompetenza, ed ora serve come possibile colpevole. E' stato scelto non come amante, ma come capro espiatorio. Ned ci arriva pian piano, la prova definitiva l'avrà quando non servirà più a niente, perché Ned è in prigione da tempo. Ned ottiene un plico che contiene informazioni su un o anno scolastico del college di Matty e di Mary Ann. Le ragazze esprimevano i loro desideri, e compare la fotografia di Matty, allora studentessa, con sotto il suo desiderio: "Essere ricchissima e vivere in un paese esotico". Proprio quello che voleva e che ha ottenuto, come si vede nell'ultima immagine del film. C'è qualcuno con Matty, non si capisce se si tratti di un uomo o di una donna. Non ha importanza, basta che ci sia lei.

Mary Kathleen Turner è nata il 19 giugno 1954 a Sprinfield, Missouri. Figlia di diplomatici di carriera, ha vissuto i primi anni nel Canada, a Cuba, nel Venezuela ed in Inghilterra. Praticava la ginnastica artistica (non ha mai accettato controfigure) e cominciò a studiare recitazione a Londra durante le scuole superiori.
Poi studiò nelle Università del Missouri e del Maryland. Nel 1978 cominciò a recitare in una soap opera: occorreva un personaggio femminile di alta statura (la Turner è alta 178 centimetri) e con la voce roca. Ma fu licenziata l'anno dopo perché "non sufficientemente attraente". Ha partecipato come ospite a Friends e a I Simpson. In teatro, ha avuto la parte della Signora Robinson (Anne Bancroft nel cinema) nel Laureato e della protagonista di Chi ha paura di Virgina Woolf (Elizabeth Taylor nel cinema). Paragonata frequentemente a Laureen Bacall, quando la incontrò le disse: "Hi, I'm the young you."

Nel 2005 ha deciso di vivere in Inghilterra ed in Italia. La residenza italiana è ad Alatri. Ha una figlia. Soffre per artrite reumatoide ed è sotto terapia per alcoolismo. Sostiene attivamente Amnesty International ed il Partito Democratico.
Il cantante austriaco Falco ha composto una canzone negli anni Ottanta: "The Kiss of Kathleen Turner".

I film di cui inserisco le immagini sono ordinati cronologicamente.

"Romancing the Stone" (1984) di Robert Zemeckis

"Crimes of Passion" (1984) di Ken Russel

"Prizzi's Honor" (1985) di John Huston

"The Jewel of the Nile" (1985) di Lewis Teague

"Peggy Sue Got Married" (1986) di Francis Ford Coppola

"The War of the Roses" (1989) di Danny DeVito

"V.I.Warshawski" (1991) di Jeff Kanew

"Serial Mom" (1994) di John Waters

"A Simple Wish" (1997) di di Mitchael Ritchie

"The Virgin Suicides" (1999) di Sofia Coppola

"Marley & Me" (2008) di David Frankel

George Bailey e "La vita è meravigliosa"

2009-06-15T14:00:00.001+02:00

Titolo originale:It's a Wonderful Life; anno:1946; durata:130 min; regia: Frank Capra; interpreti: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymore, Thomas Mitchell, Henry Travers.

Barbara

Non ho mai capito perchè diano sempre questo film a Natale, come se fosse una favola piena di speranza e di ottimismo.
Io lo trovo crudo e realistico, non voglio dire pessimista, ma amaro sì e quanto di più lontano ci possa essere dal sogno americano.
Eppure George Bailey è uno dei miei eroi preferiti.
Beh, mi rendo conto che non si possa facilmente definire eroe un uomo che, la prima volta che lo vediamo, sta per buttarsi da un ponte.
Magro e un po' insulso, senz'altro disperato, che cos'ha mai di speciale?

Una cosa molto semplice: quest'uomo ha rinunciato a tutti i suoi sogni per senso del dovere, responsabilità e amore. Non riesco a immaginare cosa si possa dare di più.

Noi spettatori riviviamo la storia di George Bailey attraverso un lungo flash back che parte dall'infanzia. E' San Giuseppe a mostrarcela, perchè vuole spiegare all'angelo Clarence il motivo dell'intervento divino, del perchè c'è bisogno che il Cielo mandi qualcuno a far cambiare idea a quel piccolo omino.
Il sogno di George era sempre stato solo uno: "scrollarsi dalle scarpe la polvere di questa piccola cittadina e girare il mondo". Andarsene. Vedere posti esotici, altri modi di vivere, paesi lontani e misteriosi, luoghi migliori.
Chi non lo ha mai sognato alzi la mano.
Chi non si è mai sentito insofferente della propria realtà non può capire quanto questo sogno possa essere vitale per un giovane.

Eppure, tutta una serie di eventi sfortunati porteranno George Bailey a rimandare, rimandare e rimandare fino a rinunciare definitivamente.
Prima la morte del padre, poi una possibilità importante per il fratello e infine il rischio di un crac dell'azienda di famiglia lo costringeranno a rinunciare perfino al viaggio di nozze. Si sposerà con la ragazza che ama e con lei metterà su famiglia, ma lo farà proprio in quel paesino che tanto gli va stretto.
George Bailey non se ne andrà mai da Bedford.

La trama del film si snoda tra i vari eventi così che noi spettatori possiamo vedere come George aiuterà molti suoi concittadini a mettere su casa tenendo aperta la piccola cooperativa "Bailey costruzioni e mutui" (fondata da suo padre) e fronteggerà spesso il vecchio e avaro Henry Potter, una specie di perfido Ebenizer Scrooge sempre pronto a infierire e a mettere il guadagno sopra ad ogni cosa.
Alla fine però la goccia logora le montagne, e il vecchio avaro riuscirà a rubare ai Bailey una grossa cifra proprio nel giorno in cui questa doveva essere pagata.

George crolla, è per questo che lo vediamo sopra quel ponte all'inizio del film che da qui in poi prende la piega di una favola e parrebbe giustificare quella messa in onda natalizia a cui accennavo sopra. L'angelo Clarence fa vedere a George come sarebbe stato il mondo se lui non fosse nato e cosa sarebbe accaduto a tutte le persone che ha aiutato negli anni se lui non ci fosse stato. Questo fa capire al nostro protagonista che la sua vita non è stata un completo fallimento, che le sue rinunce hanno avuto un perchè.
Quando George torna a casa, ritrova tutti i suoi concittadini che hanno fatto una colletta per permettergli di pagare il debito.

Ribadisco la mia idea che ci troviamo di fronte ad un film crudo: anche il lieto fine, se ci pensiamo bene, non è poi così tanto consolatorio come sembra. Il cattivo non viene scoperto, non c'è una punizione per lui che possa fornire a noi spettatori una catarsi. Non ci viene permesso di dire: "gli sta bene!". La sua punizione sta nell'essere solo, ma a lui non sembra pesare.
George invece avrà accanto tutti quanti quelli che gli vogliono bene ma il furto non viene scoperto, la verità non trionfa e -se ben ci pensiamo - che gli amici lo aiutino non era il minimo dopo tutto quello che lui aveva fatto per loro?
Mi sono interrogata spesso sul significato del titolo, che forse sarebbe stato meglio non tradurre.
La vita è meravigliosa perchè se ci impegnamo e restiamo uniti possiamo fronteggiare le enormi difficoltà e le terribili rinunce che questa ci mette davanti? E' meravigliosa perchè possiamo affrontarla?
Forse il film non vuole dire che la vita è meravigliosa, ma che ad essere meravigliosa è la vita di chi ce la mette tutta.
Anche a costo dei propri sogni.

Frank Capra e James Stewart in una foto di set

E la vita continua

2009-06-11T13:00:00.005+02:00

Un film di Abbas Kiarostami. Con Farhad Kheradmand, Puya Paevar Titolo originale: Zendeg edamé dârad. durata 91 min. - Iran. 1992 - IMDb 6.4/10

Giulia

E' il terremoto che suggerisce l'idea ad Abbas Kiarostami di girare il film "E la vita continua". Un terremoto nel 1990 ha devastato e ha fatto decina di migliaia di vittime nella regione del Gilan in Iran, proprio dove era stato girato "Dov'è la casa del mio amico?".
"Nei miei film la morte e' spesso presente. - dice Kiarostami - Mi e' rimasta negli occhi dopo il terremoto del ' 90. I sopravvissuti stendevano teli sui cadaveri, quasi a coprire la morte, a cancellarla. Ma la vita, prepotente, spunta ovunque e, come dice un' altra poesia, di Omar Khayyam, va colta e gustata come una coppa di vino".
Morte e vita sono il filo conduttore del film e si mescolano: si pensa a ciò che è stato distrutto, a chi è si è perso, ma nello stesso tempo si guarda la vita che continuamente rinasce.
Il regista (impersonato dall'attore Farhad Kheradmand) decide di recarsi a Koker assieme al figlio Puya: cerca i due bambini protagonisti del film "Dov'è la casa del mio amico". Parte con una vecchia Renault gialla e il suo sarà un lungo viaggio nelle terre dove il sisma ha maggiormente colpito.

"E la vita continua" può essere considerato un road movie: lo spettatore assiste, seduto al fianco del conducente, al cinema del mondo esterno: il finestrino non è altro che lo schermo cinematografico attraverso il quale scorre il mondo. La Renault con cui il protagonista attraversa la regione è quindi metafora dello strumento cinematografico, con esso il regista indaga la realtà, ma allo stesso tempo ne mantiene le distanze.

Il racconto non ha una trama definita, si lascia condurre dagli incontri: esseri umani che si affacciano al finestrino o paesaggi che scorrono lungo il tragitto.

Il regista viaggia attraverso macerie, cumuli di detriti, tendopoli dove chi non è morto cerca il modo per soppravvivere a tanto disastro. Le immagini scorrono una dopo l'altra e ci testimoniano la desolazione, ma nello stesso tempo anche la voglia di ricominciare, nonostane tutto, a vivere.

Il viaggio si dipana fra colline spoglie, alture rocciose, strade polverose, piantagioni di ulivi, greggi di pecore. La natura è sempre molto presente nei film del regista che a questo proposito dice:"La natura ha un ruolo determinante nella mia vita, nel mio occhio, nel mio cinema. Per questo mi piace la fotografia, per questo le mie fotografie ritraggono solo scenari, squarci di paesaggi, cieli, viottoli, ruderi. I rapporti metropolitani mi sembrano sempre più faticosi. "
La natura sembra non essere toccata dagli eventi, segue il suo corso indifferente a quello che capita agli uomini.

La nostra vita è fatta di tanti piccoli episodi che si inanellano l'uno con l'altro e di cui a volte non scorgiamo il significato perchè non ci soffermiamo a guardare e a riflettere. Ogni evento può diventare insignificante se lo guardiamo con indifferenza o tutto può acquistare significato se ci soffermiamo, se lo guardiamo con occhio attento. E' quello che sa fare Puya, un bambino curioso, capace di meravigliarsi, un bambino che vuole scoprire la vita e che la vita interroga continuamente. In tutto il film la sua voglia di sapere sarà al centro dell'attenzione e il papà risponderà pazientemente alle sue domande come può, ma a volte dovrà semplicemente dire: "non so" soprattuttto trovandosi di fronte ad eventi che lasciano sempre sgomenti e che suggeriscono domande e non risposte. "Qule strada prendiamo, papà" "Non lo so, ma una la troveremo". Il bambino non ha bisogno di risposte certe, ma deve aver fiducia in chi lo sta guidando.

Vuole fare pipì Puya e chiede al padre di fermarsi. Preso dal pudore, si nasconde dietro l'unico albero appena nato in quella collina desolata. Un gesto innocente che fa sorridere il padre e noi con lui. L'occhio ironico e attento ad ogni dettaglio di Kiarostami è presente in ogni film. I bambini sono spesso i soggetti che privilegia.

Puya non ha fretta di tornare in macchina, guarda la vita, quella che la natura offre sempre al nostro sguardo. Insegue una cavalletta che cattura e porta in macchina. Ho ricordato quanto anche io fossi affascinata da questo piccolo insetto capace di saltare così in alto in mezzo all'erba. Mi fermavo a guardarlo e cercavo invano di afferrarne uno.
Quindi Puya riesce a catturare la cavalletta e, contento, la porta in macchina. Vorrebbe tenerla con sé, ma il padre non lo lascia. Le cavallette appartengono come ogni animale alla natura e là devono stare. Il bambino, un po' a malincuore, le restituisce la libertà. Imparerà, però, che ogni essere vivente ha il suo ambiente da cui non bisogna separarlo.

Poi è il regista a scendere dalla macchina ed entrare in un bosco. Lì trova un bambino solo che piange. L'uomo si impietosce e si ferma a cullarlo. Il bambino si calma. Più in là compare la mamma che è andata a raccogliere legna. Il regista sente il proprio figlio che lo chiama e corre da lui. La mamma si affretta dal suo piccolo e lo culla amorevolmente. E' di nuovo il richiamo della vita che sollecita l'attenzione e la presenza vigile dell'adulto.

Ogni sequenza ha un legame con l'altra, ma ognuna potrebbe anche avere una sua unità narrativa.
Il viaggio prosegue, ma si rivela ben più difficile del previsto: l'unica strada è impraticabile e l'automobile con i due protagonisti a bordo è costretta a innumerevoli deviazioni fra colline e macerie.
La tortuosità del tragitto è a suo modo iniziatica, prova dopo prova, deviazione dopo deviazione, ripetizione dopo ripetizione, blocco dopo blocco: così è anche la vita che non scorre quasi mai lungo una linea retta.
Kiarostami ci porta pian piano ad osservare, ad ascoltare, a guardare con spirito di partecipazione tutto ciò che incontra. La morale di "E la vita continua" è ben spiegata dal suo titolo, ma ogni immagine, ogni dialogo è vissuto con quella partecipazione discreta che aiuta coloro che incontrano ad aprirsi.
Incontrano gente che cammina alla ricerca di un luogo dove fermarsi perché le loro case, i loro villaggi sono rimasti distrutti. Ognuno di loro ha perso qualcosa e qualcuno. A una donna il regista chiede la strada, ma lei ha un groppo in gola e racconta la propria desolazione e samrrimento.
"Ho perso 16 persone, - gli dice - sono rimaste intrappolate sotto le macerie. Mi rimane solo una casa distrutta". Il dolore entra prepotente dentro la macchina e ci lascia senza parole: solo il silenzio può accogliere una sofferenza a cui non c'è risposta né rimedio. Ma la donna non chiede consolazione, solo ascolto.

"Dio sia con voi", la saluta il regista visibilmente commosso e prosegue la sua strada.
Le strade. Nella poesia classica iraniana, hanno a che vedere con l'andare, il migrare, il distacco, sono il simbolo della vita stessa, con il suo trascorrere tra gioia e dolore, tra serenità e smarrimento: le strade attraversano montagne impervie e dolci colline.
"Il mio cinema è pieno di strade. Hanno un significato profondo nella poesia iraniana perché alludono alla nascita e alla morte. Nella nostra vita, quando affrontiamo i momenti difficili, è come se superassimo delle colline, delle strade irte e difficili". Ogni strada, sostiene Kiarostami, “è colma di storie e di esseri umani che le hanno attraversate”.

Della vita e della morte parla Ruhi, il vecchio falegname del film precedente che adesso è impegnato a trasportare un gabinetto: “chi è morto è morto, ma chi è sopravvissuto avrà bisogno di questo prezioso strumento” egli dice al regista e al bambino che gli hanno offerto un passaggio. "La verità è che questo disastro ci ha colpito come un lupo affamato che attacca un gregge di pecore, alcune le lacera con gli artigli, altre le risparmia".

Il bambino ascolta in silenzio, poi ricorda a Ruhi che nel film "Dov'è la casa del mio amico?" era più vecchio e aveva la gobba e gli chiede il perchè. "La colpa è di questi gentiluomini, - gli risponde - ma a dire il vero non mi piaceva. Che arte è mostrare le persone più vecchie e più brutte di quello che sono? Se riesci a trasformare un vecchio in un giovane, quella è arte!".
"Grazie al cielo siete vivo e più giovane" ribatte il regista.
"Nessuno apprezza la vita prima di essere morto. - continua il vecchio - Se uno potesse tornare in vita dalla tomba, certamente vivrebbe meglio".
Della morte parla a Puya una mamma che ha perso la più grande di quattro figli perchè era andata a far visita alla nonna: "Dio ha voluto così". Ma il bambino rifiuta questa idea e risponde che Dio non può volere questo. Se Dio ha fermato la mano di Abramo che stava uccidendo suo figlio, come poteva voler la morte di una bambina? Puya parla a lungo alla donna e per convincerla usa argomentazioni che ha imparato dai libri e dagli adulti, in particolare da Ruhi. Alcune cose però "le ho pensate da solo" dice con orgoglio.
"Se non è stato Dio, chi allora?" chiede la donna. E il bambino con molta semplicità risponde : "Il terremoto".
Nessuno teme di parlare della morte come un bambino. E il bambino man mano impara ad accettarla e a viverla come una realtà necessaria, ben presente.

C’è anche chi, a causa del terremoto, ha deciso di affrettare i tempi delle proprie nozze, è il caso di una giovane coppia incontrata a Poshteh: “quelli che sono morti non sapevano che stavano per morire, godiamo di una nuova vita finché possiamo, potremmo morire nel prossimo terremoto” dice il marito.

E la moglie dal balcone annaffia le piante, anche loro chiaro simbolo della vita che si riproduce e di cui bisogna prendersi cura.

La sete è simbolo del desiderio di conoscenza che guida i protagonisti e che è uno dei temi che attraversa l’intero film: sin dall’inizio Puya, durante il percorso in macchina, chiede al padre di fermarsi a comprare una bibita e quando finalmente prende una coca-cola da un chiosco abbandonato si accorge che è troppo calda e non lo disseta abbastanza.

Il bambino darà un po' della sua coca cola ad una donna che gliela chiede per suo figlio. Piccoli gesti di condivisione in un momento in cui tutto scarseggia.

Nemmeno il signor Ruhi riesce a dissetare il ragazzo. Quando, infatti, il vecchio avrà finalmente trovato l'acqua e la tazza in cui contenerla, Puya ha già deciso di cercare altrove l’acqua da bere.

Si aggirerà in silenzio e solitudine tra le macerie delle case e raccoglierà tutto ciò che è rimasto intatto.
Puya si disseterà ad una fontana da cui sgorga l’acqua della sorgente e poco dopo farà la stessa cosa anche suo padre ed entrambi si chiederanno come mai l’acqua della sorgente esca da una fontana. La risposta è nell’uomo che con il suo lavoro riesce a stabilire un legame tra la fonte della vita e la sete di conoscenza.

Il regista parlerà col vecchio e con una donna che è sola. Ha perso tutti nel terremoto e non ha chi la possa aiutare. Tutti hanno i loro problemi e non possono stare dietro a lei. Il regista la aiuterà a recuperare tra le macerie il suo bricco per farsi il the.

E' solo adesso il regista: il suo sguardo è perso nei suoi pensieri. C'è bisogno di silenzio, per sedimentare le parole, le immagini, i gesti, per ritrovare la forza di continuare il suo viaggio. Saranno ancora vivi i bambini? o il terremoto se li è portati via?
Poi quasi a cercare pace e consolazione i suoi occhi cadono sulla finestra di una casa diroccata: si apre su un prato verde illuminato dal sole. Il regista salirà su quel resto di casa a contemplare quella natura che sola può donare un po' di serenità necessaria per ritrovare il senso della vita.

Guarda poi un manifesto appeso alla parete. E’ un’ immagine emblematica del contadino felice molto diffusa in tutte le case iraniane. Con la sua tazza di tè, un pezzo di pane, un po’ di carne, la sua pipa o più precisamente la sua chopoq. Nell’immaginario della gente è l’immagine ideale del contadino nel momento più felice della sua vita.
Anche se nel terremoto ha perso tutto, il regista dice: “il suo stato d’animo è rimasto lo stesso. E’ per questo che in Iran questa immagine è stata il manifesto del film sulla quale avevo aggiunto: ‘la terra ha tremato, ma noi non abbiamo tremato'”

"Io non penso mai che sto rappresentando la mia cultura o il mio paese. Ma sarebbe strano che il risultato non sia questo. Ogni artista ha il dovere di rappresentare la sua realtà e il suo tempo, ma senza proporselo come fine. I sentimenti umani vanno oltre i decenni e non appartengono a una sola terra. I problemi immediati non hanno molta importanza; materia per l' artista è l' uomo con i suoi problemi profondi, non quelli della superficie del vivere".
"Raccontando i piccoli episodi e i piccoli dolori della vita quotidiana, io parlo dei problemi più profondi dell' uomo".
Se la prima sosta del regista e di suo figlio è stata a Poshteh, la seconda è nell’accampamento in cui hanno trovato rifugio gli abitanti di Koker completamente distrutta dal sisma. A portare sul posto i due protagonisti è ancora una volta un personaggio del film precedente, si tratta di Mohammad Rezâ Parvâne il bambino che soffriva il mal di schiena.
Anche lui non sa niente degli altri due bambini. Ma racconta la sua tragedia personale:
"Eravamo andati dallo zio per vedere la partita di calcio alla televisione. C'è stato il terremoto. Siamo corsi fuori, i muri del cortile hanno cominciato a crollare. Una polvere spessa ci ha sommerso, era così spessa che non potevamo vedere niente. Sapevamo che lo zio stava dormendo e siamo andati a cercarlo. Abbiamo rimosso mattoni e le travi di ferro sopra di lui. Ma sapevamo che era morto".
"Hai potuto vedere la partita dopo il terremoto?" Chiede curioso Puya.
"No, ogni cosa era distrutta". I due bambini cominciano a parlare di calcio e a scommettere su chi vincerà il campionato: Brasile o Germania? Appunto, la vita continua.

Nell’accampamento Puya chiede di poter fermarsi all'accampamento dove stavano allestendo tutto per poter assistere ad una partita del mondiale di calcio e lascia suo padre continuare da solo.
Non sappiamo se il regista arriverà a raggiungere la meta del suo viaggio: è tipico di Kiarostami lasciare la conclusione del film aperta. Nella scena finale assistiamo agli sforzi dell’automobile e la fatica a salire su una strada molto ripida si fonde perfettamente con la musica (Concerto per due corni di Vivaldi) e con la calma ristabilita della natura. Kiarostami forse vuol dirci che natura, ricerca, lavoro e arte formano un insieme meraviglioso: “la ricerca è inesauribile, conosce soste, ripensamenti, nuovi tentativi, slanci, e il mancato raggiungimento dell’obiettivo preposto produce un disorientamento fecondo di possibilità. Per noi non è importante la meta che si vuole raggiungere, ma il percorso che si deve compiere”.

I ragazzi non vengono ritrovati, anche se forse appaiono in lontananza, un po’ controluce,
Inquadrata dall'alto, mentre sta per intraprendere una salita ripidissima, l'automobile del protagonista arranca, si arresta, va avanti, accelera, retrocede, scivola giù, risale. Intorno a lei, un luogo desolato. Un uomo aiuta il regista a spingere la macchina, poi riprende il suo cammino.

Un condannato a morte è fuggito

2009-06-10T10:15:00.003+02:00

Un condamné à mort s'est échappé ou Le vent souffle où il veut di Robert Bresson (1956) Dal racconto autobiografico di André Devigny, Sceneggiatura di Robert Bresson Con François Leterrier, Charles Le Clainche, Maurice Beerblock, Roland Monod, Jacques Ertaud, Jean Paul Delhumeau, Roger Treherne, Jean Philippe Delamarre, César Gattegno, Jacques Oerlemans, Klaus Detlef Grevenhorst, Leonhard Schmidt, Roger Planchon, Max Schöndorff Fotografia: Léonce-Henri Burel Musica: Kyrie dalla Grande Messa in Do minore K427 di Wolfgang Amadeus Mozart (99 minuti) Rating IMDb: 7.9

Solimano

Cinquanta anni fa, e l'emozione è la stessa. Per cinquant'anni non l'ho rivisto, ma appena ho fatto partire il DVD sono tornato il ragazzo che ero, in quello scomodo cinema parrocchiale gestito da un prete intelligente. A bocca aperta per un'ora e mezzo. Con qualcosa di meno, perché il tempo non passa impunemente, ma con una grande cosa in più, che dico alla fine.

Il tenente Fontaine (François Leterrier) fa parte della Resistenza francese all'occupazione tedesca. Viene catturato dalla Gestapo e l'immagine mostra la macchina mentre lo portano in prigione. Fontaine guarda quello che succede per strada, come traffico, passaggio di tram, attraversamento di persone, perché vuol tentare la fuga appena la macchina rallenta.

Infine ci prova, ma lo riprendono subito e un tedesco, sulla macchina, lo colpisce in viso col calcio della pistola. Bresson non mostra il colpo, come non mostra tutti gli altri atti di violenza che accadono nel film: si capisce che ci sono da altre cose (fischi, urli, spari, sguardi). Si vede il volto insanguinato di Fontaine quando arriva alla prigione.

Fontaine viene torturato, lo si capisce perché viene trasportato a braccia nella cella. Poi rimane abbandonato sul pagliericcio. La cella è molto piccola, tre metri per due, Bresson non ce la mostra mai nella sua interezza. Sul set era presente André Davigny a cui Bresson chiedeva non di spiegare i ricordi autobiografici, ma di disporsi col corpo come aveva fatto nei vari momenti della prigionia e della evasione. Poi Bresson agiva inesorabilmente su François Leterrier, l'interprete. Che si svuotasse di sé, che divenisse Fontaine, quindi Davigny. Così con gli altri, generalmente attori non professionisti.

Fontaine viene tenuto in manette anche in cella. Appena si riprende, cerca di stabilire dei contatti con mondo esterno, specie con gli altri prigionieri. Lo fa in due modi. Verso la cella contigua, picchiando sul muro, parlando a voce bassa e anche scrivendo alcune parole che gli vengono dette. Ma il vicino di cella è un vecchio ormai scoraggiato. Ha tentato di impiccarsi senza riuscirci. Anche si riuscisse a fuggire, fuori non lo aspetta nessuno.

L'altro modo che usa Fontaine è quello di guardare attraverso l'inferriata in un cortile erboso del carcere. Così riesce a parlare con un vecchio prigioniero che cammina con altri due. Fontaine vuole mettersi in contatto con la sua famiglia perché ha una informazione capitale da far sapere ai compagni nella Resistenza: i tedeschi hanno scoperto il codice che i resistenti utilizzano.

Fontaine è determinato, ha una forza interiore che lo sostiene, perché altrimenti sarebbe facile lasciarsi andare. Lui lo sa benissimo, ma è costretto ad esitare prima di decidere, perché i problemi sono due. Può fidarsi, delle persone con cui viene in contatto? E le azioni che vuole intraprendere, hanno possibilità di riuscita? Nelle immagini si vede il foglio su cui scrive Fontaine e il modo che trova per comunicare col vecchio prigioniero, che ha una figlia che ogni tanto lo viene a trovare. In questo caso Fontaine ha deciso di fidarsi: gli va bene, ma non aveva nessuna altra alternativa.

Fontaine è quasi sempre in cella. Le occasioni per uscire sono solo tre.
La prima è quando viene condotto a qualche interrogatorio, che si svolge sempre in carcere, salvo una volta, verso la fine del film, in cui Fontaine viene condotto in macchina in un altro posto. Qui gli viene comunicata la condanna a morte, che sarà solo questione di pochi giorni.
La seconda è quando i prigionieri debbono lavarsi. Lo fanno insieme, in un lavatoio. Non potrebbero parlare fra di loro, ma in qualche modo riescono a farlo, stando molto attenti che fra di loro non ci siano delle spie. Fontaine entra in contatto in particolare con due persone: un prete, che lo spinge alla fuga e lo rafforza in qualche momento di scoraggiamento e un altro prigioniero, Orsini, che è stato tradito e denunciato dalla moglie e che sta preparando un suo modo per evadere, in parallelo a quello su cui sta operando Fontaine.
La terza, è quando i prigionieri in fila debbono vuotare il bugliolo che ognuno ha in cella. Per Fontaine è un momento importante perché con la scusa del bugliolo riesce ad eliminare dei residui del suo lavorìo che altrimenti resterebbero in cella, sempre a rischio di ispezione.

Il film coinvolge in modo totale, ma non con i mezzi a cui siamo stati abituati in questi anni da diversi film (anche belli) sulle prigioni e sulle evasioni. Quello che viene chiamato giustamente l'ascetismo di Bresson è intessuto di piccole e concrete cose. Il carcere non è un modello di efficientismo, i guardiani, che si vedono appena, sembrano degli impiegati che fanno un mestiere sgradevole, come ce ne sono tanti. La crudeltà -esistente- ha un sapore burocratico. Fontaine è determinato, ma non è che inventi fantasiosamente un nuovo metodo per evadere. Con lucidità procede verso quello che dentro di sé sente di volere: evadere, salvare la sua vita. Quindi cerca di utilizzare le opportunità, specie un cucchiaio che diventa un coltello. E' molto di più il tempo che impiega a far sparire i residui del suo lavorìo che il vero e proprio lavoro sulla porta di legno della cella. Quindi, si potrebbe dire che il film è realistico, ed è del tutto vero. Solo che la quotidianità che usa Bresson ha in sé qualcosa che attraverso la quotidianità si esprime, ma non è la quotidianità. Non sto dicendo che la quotidianità è un mezzo, senza la quotidianità non c'è neppure il resto. Ma cos'è il resto? Con parola ormai oggi del tutto disusata, il resto è la Grazia. "Tutto è Grazia!" sono le ultime parole del curato di campagna di Georges Bernanos, che Bresson riprende nei suoi film. Non è un discorso di atei o credenti: l'esperienza della Grazia è trasversale alle religioni ed alle credenze. Credo che in qualche modo la sperimentiamo tutti, nella nostra vita. Nel film interviene -senza apparire, se no non sarebbe Grazia- almeno quattro volte.
Quando a Fontaine si rompe il primo cucchiaio. A lui servono cucchiai di ferro, non di stagno, e ne trova uno uscendo un po' a caso dal lavatoio. Il cucchiaio quasi gli capita in mano.
Quando non sa più dove trovare stoffa per costruirsi le corde, e gli arriva un pacco dono della famiglia con dentro delle lenzuola.
Quando Orsini tenta la fuga, e Fontaine sa in che modo proverà. Orsini fallisce e viene fucilato, ma Fontaine capisce che il modo che ha adottato Ordini non va bene, e ne trova un altro, mentre prima stava per tentare l'evasione proprio col modo di Orsini.
Quando, proprio alla vigilia del tentativo di evasione, mettono in cella con lui Jost (Charles Le Clainche) un ragazzo di sedici anni che indossa una giubba da tedesco. A Fontaine sembra crollare il mondo. Pensa che Jost sia una spia, ma infine si decide a coinvolgerlo nell'evasione. E si accorgerà che se non erano in due, l'evasione non sarebbe riuscita. Da solo era impossibile riuscirci. Inserisco ora delle immagini in sequenza cronologica sull'evasione, a partire dalla preparazione delle corde in cui si vedono sia le mani di Fontaine che quelle di Jost. Le immagini si raccontano da sole, ma in questo caso inserisco dei brani di alcuni scrittori e registi che evidentemente hanno sentito profondamente la forza unica del modo rappresentativo di Bresson. Fra l'altro cercano di ribellarsi a Bresson, specie Truffaut, che è diviso fra ammirazione sconfinata e presa di distanza (perché era diversissimo da Bresson). Ma prevale l'ammirazione.

François Truffaut:
"Il film di Bresson è puramente musicale, il ritmo è la sua ricchezza essenziale. Un film parte da un punto per arrivare a un altro. Ci sono quelli che fanno delle deviazioni, quelli che si fermano compiaciuti per il piacere di gustarsi una scena gradevole, quelli ai quali mancano dei pezzi, ma colui che imbocca la strada dritta fende la notte al ritmo di un tergicristallo: le dissolvenze incrociate spazzano regolarmente sullo schermo la pioggia delle immagini alla fine di ogni scena. Ecco uno di quei film di cui si può dire che non contengono una sola inquadratura inutile, non un’inquadratura che si possa spostare o raccorciare; in breve ecco il contrario di un film "fatto al tavolo di montaggio".
Un condamné à mort s’est échappé è tanto libero e poco sistematico quanto è rigoroso. Bresson non si è imposto che le unità di luogo e d’azione; non solo non ha cercato che il pubblico si identificasse con Leterrier, ma ha anche reso questa identificazione impossibile. Noi siamo con Leterrier, accanto a lui, ma non vediamo tutto quello che vede (solamente ciò che si riferisce al soggetto, vale a dire l’evasione), ma non vediamo mai più di quello che lui stesso vede".

Georges Sadoul:
"Bresson si serve di attori non professionisti, ma li dirige con lo stesso rigore con cui dirigerebbe dei veri attori, facendoli provare cento volte prima di poter cogliere una espressione o un'intonazione, precise ma stilizzate. Caratterizza inoltre i suoi personaggi in un modo diverso dalla realtà: nonostante il passare delle settimane, il protagonista continua a indossare la stessa camicia sporca di sangue e la sua barba è sempre una barba di due giorni. "Ho evitato ogni effetto drammatico voluto - ha detto Bresson - nel senso della maggiore semplicità, affinché la commozione scaturisca dal movimento generale dell'azione più che dai particolari". Servendosi continuamente della litote, dicendo il meno possibile per esprimere il massimo, il film, con mezzi minimi, ha saputo rendere con verità rara l'atmosfera della Francia occupata e lo spirito della Resistenza, e soprattutto il rapporto metafisico d'un uomo con l'idea di libertà".

Filippo Sacchi:
"Noi vediamo soltanto un muro, o la porta, o il soffitto, o l’angolo del pagliericcio, o l’inferriata della finestra, ma mai la cella intera, di maniera che ogni gesto di quell’uomo, a cui la continua apprensione dà un’intensità quasi allucinata, ogni suo movimento finiscono per presentarsi con l’oppressiva angoscia dell’asfissia. Tutto è asfissiante nella sua quasi monomane precisione: il cucchiaio pazientemente affilato sul pavimento, il raspio lento, di giornate intere, per scalfire gli interstizi tra asse e asse della porta, la raccolta a una a una delle scheggette e dei minuzzoli, il lavoro infinito per turare le fessure e mimetizzare il legno, il meticoloso intrecciare le striscioline di stoffa che serviranno da corda. Viste là, in quella cieca segregazione, staccate da tutto il resto del mondo e senza nessun apparente addentellato con possibilità reali, tutte queste operazioni acquistano alla lunga l’automatismo della fissazione, la futile concentrazione innocente della pazzia.
E finirebbe per essere un unico, insistente, monocorde, monotono tema, se non fosse per i riflessi che arrivano dal mondo di fuori. Sono appena frammenti di immagini, voci interrotte, suoni sconnessi, ma è proprio la loro presenza, il modo profondo e poetico in cui sono intrecciati, e quasi si può dire orchestrati entro quell’unico tema, che fa l’inconfondibile vita e potenza del film".

Il film ha due autori. Basterebbe ed avanzerebbe uno, Robert Bresson. Ma ce n'è un altro, che non avrebbe mai immaginato che sarebbe esistito il cinema. Si tratta di Wolfgang Amadeus Mozart. L'unica musica che si sente nel film è sua: il Kyrie dalla Grande Messa in Do minore K427. Scelta impeccabile di Bresson, perché Le vent souffle où il veut. Chi non conosce il Kyrie di Mozart lo ascolti qui.
Fra i tanti commenti in YouTube ne ho trovato uno apparentemente ingenuo. Lo condivido.
"tears roll every time - and i dont even understand the words. i used to be an atheist - until i found mozart and understood true love. Something so truly perfectly beautiful can not be chance. The power of love is my god. Music is my love."

Le coppie nel cinema: Baci e abbracci

2009-06-08T12:45:00.004+02:00

Isabella Cecchi (Annalisa) e Francesco Paolantoni (Mario)
Baci e abbracci di Paolo Virzì (1999) Sceneggiatura di Francesco Bruni, Paolo Virzì Con Francesco Paolantoni (Mario), Massimo Gambacciani (Renato), Piero Gremigni (Luciano), Samuele Marzi (Matteo), Paola Tiziana Cruciani (Tatiana), Daniela Morozzi (Ivana), Isabella Cecchi (Annalisa), Emanuele Barresi, Rosanna Mazzi, Emiliano Cappello, Maria Grazia Taddei, Martino Cecconi, Sara Mannucci, Edoardo Gabbriellini, Carlo Virzì Fotografia: Alessandro Pesci (104 minuti) Rating IMDb: 6.0

Solimano

A Mario (Francesco Paolantoni) va tutto storto. Ha aperto un ristorante chiamandolo "L'antica macina", un nome adatto a clienti selezionati che però in Val di Cecina non ci sono. Per Mario il ristorante dovrebbe essere un posto in cui si va ogni tanto, mentre gli altri ristoranti puntano sullo zoccolo duro di quelli che una sera alla settimana vogliono mangiare fuori casa. Sostiene che l'ideale è "un piatto tradizionale però improvvisato", al che un ragazzo che fa parte del gruppo musicale degli Snaporaz (bravi ragazzi che si lavano poco) risponde che praticamente si tratta di una "jam session". Mario vuole troppo e lo vuole nel posto sbagliato. Oltre tutto è salernitano e cosa ci fa lì in Toscana, in quella Toscana brutta?

Mario è separato dalla moglie e vorrebbe mantenere un buon rapporto con il figlio, ma non si ricorda che tiene per la Juventus e gli regala la maglia interista col nome di Ronaldo. Il figlio gliela mostra desolato. Nel ristorante, Mario viene avvertito dall'unico cameriere del fatto che stanno entrando due clienti. In realtà si tratta di due pignoratori, che cominciano col portar via il frigorifero. In banca, si presenta con un cesto di regalo per il direttore, ma lo buttano fuori. E' l'ora delle grandi decisioni: Mario mette in mano il cesto regalo a un Babbo Natale di passaggio e prova a suicidarsi. Prima con i gas di scarico dell'automobile, ma finisce la benzina, poi sui binari della ferrovia, ma il treno si ferma in stazione. Scambiato per un altro Mario, che è assessore regionale, viene portato in un posto sperduto: il Casino di terra nel Podere del Moccia, dove tre ex operai hanno avviato l'ASA, Azienda Struzzi Associati. Si tratta di Renato Bacci (Massimo Gambacciani), Tatiana Falorni (Paola Tiziana Cruciani) e Luciano Cecconi (Piero Gremigni).

Annalisa (Isabella Cecchi) è una ragazza di vent'anni, l'unica impiegata dell'ASA. Sa due parole di inglese e di francese, chi meglio di lei per i rapporti internazionali? Presto occorrerà pensarci, ai mercati esteri. Nel frattempo, Annalisa è l'amante di Renato e nelle immagini si vede la finezza con cui l'accoglie Renato appena Annalisa arriva al Casino di terra. Nessuno dovrebbe saperlo, ma in realtà lo sanno tutti, anche Ivana (Daniela Morozzi), la moglie di Renato, che le dice: "è un po' appariscente, ma parla inglese e francese". Ivana risponde: "l'avete raccattata sui viali della stazione?"

Sembrerebbe che la parte di Annalisa sia quella che abbiamo visto in altri film: la svampita, l'oca giuliva, la bonazza che approfitta del suo aspetto per farsi strada. Non è così: Annalisa è una buona ragazza che crede veramente che Renato per lei lascerà la moglie. Lo ha già creduto con altri e l'hanno regolarmente delusa. E' sessualmente disponibile, ma s'innamora regolarmente di quelli che la portano a letto. Al Casino di terra si verifica una situazione strana. Credono che Mario sia l'assessore che può fargli ottenere il finanziamento regionale. Tutti i mezzi sono buoni, compresa Annalisa. Si accorgono che Mario è impressionato dalle forme quasi debordanti di Annalisa. Quella che si dà più da fare è proprio Ivana, la moglie di Renato, che rimane un po' così, ma il finanziamento è troppo importante, meglio abbozzare.

Così si crea un rapporto fra Mario ed Annalisa, che per tutto il film non passano a via di fatto, ma pian piano sentono, prima di pensarlo, che hanno qualcosa in comune: sono due persone ferite dalla vita, potremmo dire due persone sfigate, ma hanno in sé una gentilezza, una generosità che li indebolisce nei fatti concreti, ma che mantiene in loro una pulizia interiore. Indifesi sì, ma puliti. E quando Mario, del tutto casualmente, vede Annalisa in bagno, lei, attraverso lo specchio, vede lo sguardo di lui, che non è il solito sguardo a cui l'hanno abituata.

C'è da andare a prendere la legna in paese. Sempre Ivana mette i suoi buoni uffici (mentre Renato comincia a preoccuparsi), così sulla macchina guidata da Annalisa (che guida veramente da cani) prende posto anche Mario, e i due si conoscono meglio. Lei cerca di tenersi su, ma alla fine scoppia a piangere propio mentre guida, complicando ulteriormente la situazione della viabilità. Salta fuori che Annalisa ha un problema al pancreas, un rene solo e mezza vescica. E che sa benissimo che Renato con lei sta solo prendendosi dei passaggi.

Così, poco dopo, Renato ha il classico sogno rivelatore. Tutto normale, all'inizio. Mario e sua moglie Patrizia si sposano nella chiesa di una Toscana bella, finalmente. Dopo la festa di nozze (tutti vestiti benissimo) vanno verso la camera da letto. Mario e Patrizia si fermano sbalorditi sulla porta, perché sul letto ci sono Mario e Annalisa che fanno l'amore.

Annalisa sarà la prima a sapere che Mario non è l'assessore, e quando la verità verrà fuori, e Renato darà in escandescenze cercando di picchiare Mario, sarà Analisa a sbloccare la situazione, tirando un ceffone a Renato di fronte a tutti. Il momento risolutivo, perché dovranno accettare l'evidenza di quello che sapevano nascostamente. Renato se la prenderà con gli struzzi: che c'entrano loro, povere bestie?

Ecco Annalisa impegnata a servire il vino ai componenti del complesso musicale degli Snaporaz. Siamo durante la catarsi gastronomica che chiude il film: Mario, tornato sé stesso, che prepara un magnifico pranzo per tutti. Annalisa adesso è seria e tranquilla. Sta parlando con Mario, e in chiusura di post metto l'immagine del baciamano di Mario ad Annalisa. Al Casino di terra del Podere del Moccia una cosa del genere non s'era mai vista, forse neppure in tutta la Val di Cecina! C'è sempre una prima volta, anche per il baciamano.

William Hogarth: La campagna elettorale (2)

2009-06-05T18:00:00.006+02:00

Solimano

Ho pubblicato ieri il post su due quadri della serie "La campagna elettorale" di William Hogarth. I titoli sono "Il banchetto" e "L'opera di convinzione" (che noi chiamiamo normalmente propaganda). Oggi pubblico il post sugli altri due: "La votazione" e "Il trionfo dell'eletto". I quattro dipinti sono stati eseguiti fra il 1754 e il febbraio del 1755 e sono attualmente al Soane's Museum di Londra.

La votazione si svolge su una piattaforma all'aperto, sormontata da due bandiere, una rossa ed una azzurra, che servono a distinguere i due contendenti, quello del "Nuovo interesse" e quello del "Vecchio interesse". Sotto la tettoia della piattaforma i contendenti assistono alla votazione, li vedremo nei particolari. In primo piano si vede la scala attraverso la quale si accede alla piattaforma. In fondo c'è un ponte, percorso da un corteo festante.

Sulla scala salgono faticosamente uno zoppo con le stampelle ed un cieco tenuto per mano da un bambino. Il cocchio mezzo sfasciato è l'allegoria della Gran Bretagna: il cocchiere non tiene le redini in mano ma sotto i piedi, e gioca a carte col valletto. E' del tutto incurante della padrona, che dall'interno della carrozza tira il cordone. Si sono rotte le cinghie e la carrozza sta per rovesciarsi.

In cima alla scala i casi pietosi: un moribondo con la testa fasciata portato a braccio. Un episodio vero, Hogarth conosceva il dottor Barrowby, che persuase un paziente a votare, e il paziente morì subito dopo. Un minorato sta prestando giuramento, solo che non si ricorda la formula e gliela sussurra all'orecchio un altro dottore, John Shebbeare, che ha le catene ai piedi perché nel 1754 fu imprigionato per reati di opinione. La donna con la cuffia bianca sta mostrando una ballata gallese con l'effige di un impiccato.

Un uomo, privo di una gamba e di un braccio, presta giuramento appoggiando l'uncino sulla Bibbia. Dietro, un disegnatore fa la caricatura al proprio candidato, evidentemente contento. L'altro candidato si gratta la testa perché si è accorto che sta perdendo.

Nell'ultimo dipinto, Il trionfo dell'eletto, Hogarth sceglie come modello George Bubb Dodington, barone di Melcombe, un ricchissimo liberale. La scelta è ironica: Dodington fu l'unico a perdere il suo seggio nelle elezioni del 1754. Il corteo è in questo momento fra la casa di un avvocato a sinistra e il cimitero a destra.

Davanti al corteo, cammina un violinista cieco che non si rende conto che attorno a lui sta succedendo di tutto: un orso alla catena sta frugando nel barilotto portato dall'asino, e il padrone dell'asino (e del barilotto...) bastona l'orso, che ha sulle spalle una scimmia vestita da soldato, compreso il fucile.

Il padrone dell'orso è un marinaio in camicia blu e con la gamba di legno. Si sta picchiando con un contadino in camicia bianca. E qui sorge il dramma per l'eletto, perché il contadino colpisce con il suo arnese uno dei portatori. Quindi l'eletto rischia di cadere dalla poltrona trionfale. Ma non finisce qui: una grossa scrofa, presa dal panico, fugge con i suoi piccoli, di cui uno è caduto nel fosso (ma sta nuotando, non c'è da preoccuparsi). Però la scrofa ha fatto cadere una donna con le calze azzurre.

Eccolo, l'eletto! Sta per cadere, ma in alto, nel cielo sopra di lui vola un'oca, tale e quale le aquile rappresentate sopra Alessandro Magno da Pietro da Cortona e da Charles Le Brun. E' presente anche la dama del candidato (vorrei vedere che non ci fosse!). La poverina sta per svenire, e la sorregge una serva negra, mentre un'altra donna le passa i sali sotto il naso. Sul recinto del cimitero, dietro il teschio, ci sono due spazzacamini, uno dei quali mette un paio di occhiali al teschio mentre l'altro orina sulla scimmietta-soldato sottostante.

Dietro la casa sulla sinistra sta per sbucare un altro corteo. Lo si capisce dall'ombra che si staglia sul muro, sicuramente un altro eletto trionfante (speriamo meno a rischio). In primo piano, un militare si spoglia per un incontro di pugilato. All'interno della casa si sta svolgendo un banchetto, infatti i domestici entrano in fila con le vivande. Alcuno convitati si sporgono dalla finestra per vedere il corteo, quello con la sciarpa a tracolla potrebbe essere il duca di Newcastle.

Ma sulla parete della chiesa c'è una meridiana col motto: "Pulvis et umbra sumus". E su una pietra miliare l'indicazione geografica: "XIX miles from London". Tutto questo nel 1754, più di duecentocinquanta anni fa.
Mi è stato utilissimo il testo di Gabriele Mandel nel volume dedicato ad Hogarth nei Classici dell'Arte Rizzoli edito nel dicembre 1967.

In apertura del post, la dama dell'eletto e gli spazzacamini. In chiusura, i convitati alla finestra.

William Hogarth: La campagna elettorale (1)

2009-06-04T07:15:00.000+02:00

Solimano

"La campagna elettorale" è una serie di quattro dipinti di William Hogarth, eseguiti fra il 1754, che è l'anno in cui avvennero le elezioni a cui si riferiscono, e il febbraio del1755, quando vennero stampate le incisioni relative ai dipinti. Attualmente queste opere sono al Soane's Museum di Londra.
Due riflessioni preliminari.
Anzitutto, Hogarth, più di duecentocinquanta anni fa, dipinge una campagna elettorale, ambientata nella cittadina di Guzzledown. I nomi sono tutti di fantasia, ma con diverse corrispondenze con i nomi reali. Allora era impensabile in ogni paese, ancor più in Italia.
Poi, confrontiamo quello che ci racconta Hogarth con quello che accade oggi. Siamo in campagna elettorale, no? Confrontiamolo dal punto di vista di ciò che accade, ma -soprattutto- dal punto di vista della libertà intellettuale che aveva William Hogarth a metà Settecento rispetto alla libertà intellettuale che hanno oggi i giornalisti della TV e della stampa. C'è da vergognarsi.

I partiti in lotta sono due, il "Nuovo interesse" (i liberali) e il "Vecchio interesse" (i conservatori). Il primo dipinto è intitolato "Il banchetto". Ci sono i candidati ed i galoppini del "Nuovo interesse" che stanno banchettando in una locanda. Attorno a due tavoli, uno rettangolare ed uno rotondo, tredici commensali che in qualche modo richiamano il Cenacolo di Leonardo da Vinci. Succedono tante cose, in quella locanda.

I candidati del "Nuovo interesse" sono riconoscibili dalle coccarde gialle. Quello più giovane, sir Commodity Taxem, deve subire il bacio dell'ostessa, mentre l'oste unisce le loro teste e una bambina ruba l'anello dal dito di sir Commodity. Sulla bandiera c'è il motto "Liberty and Loyalty". Il candidato più anziano è tampinato da un ubriaco col viso graffiato e da un ciabattino. Il trio ricorda gli apostoli Giuda, Pietro e Giovanni del Cenacolo. C'è un altro ubriaco che brinda alla bandiera, ma sua moglie accetta un dono e un biglietto amoroso da un ufficiale.

A sinistra c'è un grassone in abito talare, poi c'è l'orchestra: una vecchia violinista cieca (si chiamava Fiddlingham) che imbraccia il violino con la destra, un suonatore di cornamusa, un contrabassista e un violinista, a cui un nobile fa ganascino. Poi tre persone che ridono, perché sir John Parnell (un personaggio reale) usa il proprio pugno come un burattino, per la ballata An Old Woman Clothed in Grey. Fuori dalla finestra si intravede il tumulto del partito avversario, con lo striscione "Marry and Multiply", però un sostenitore del "Nuovo interesse" versa dalla finestra il contenuto di un vaso da notte. Insomma: lotta dura senza paura. In alto, sulla parete, è sfregiato il ritratto di Guglielmo III, di cui Hogarth ammirava l'arte del buongoverno.

In primo piano, sulla sinistra, il quacchero Abel Squat, con doni destinati alle signore, legge un biglietto contenente una promessa di pagamento. Un ragazzo sta preparando in un mastello un gigantesco ponce (un fatto reale, accaduto in casa di un ammiraglio).

Quelli del "Vecchio interesse", non scherzano, guardate l'immagine in apertura di post. Arrivano mattoni dalla finestra. Il segretario, che stava svolgendo un conteggio fondamentale su un libro mastro, distinguendo i voti sicuri (Sure votes) dagli incerti (Doubtful), ha appena preso una mattonata in testa e cade per terra, mentre il mattone è ancora in volo. Sicuramente il George Herriman di Krazy Kat conosceva questo quadro.
Nell'immagine qui sopra, anche il sindaco, gran mangiatore di ostriche, è messo male. E' svenuto e un barbiere lo sta salassando. Sulla destra, un galoppino elettorale offre del denaro ad un sarto metodista che non si lascia convincere, malgrado le proteste della moglie e del figlio. Le testa di cervo sopra alla porta forse allude al sarto.

Il secondo quadro è intitolato L'opera di convinzione. Siamo nella periferia di Guzzledown. A destra c'è una birreria. A sinistra, l'osteria della Quercia reale, favorevole al "Vecchio interesse". In fondo, l'osteria della Corona, vicina al "Nuovo interesse". Davanti a a questa osteria le due fazioni si stanno accapigliando.

Anche i candidati hanno un cuore. Infatti vediamo che il candidato sta guardando in alto, verso il balcone da cui si sporgono due dame, a cui intende fare dei doni. Sulla porta dell'osteria, la padrona conta delle monete, avendo vicina una polena di nave con un leone che azzanna un giglio (guerra anglo-francese). Un granatiere guarda le monete sul grembo dell'ostessa e attorno al candidato si affannano due persone: un venditore ambulante ebreo e un facchino.

C'è un cartellone elettorale diviso in due registri. In quello sopra, l'allusione è alle tasse: un carro sta caricando sacchi di denaro davanti al Ministero del Tesoro, e sullo sfondo si scorge Whitehall. In quello sotto, l'allusione è alla corruzione: il "Punch candidate for Guzzledown", distribuisce denaro a manciate in compagnia della moglie (sembra che si trattasse del duca di Newcastle).

Il centro del dipinto è riservato al dubbio amletico del fattore appena giunto in città. I padroni delle due osterie gli offrono denaro ed inviti a pranzo. Lui risolve il dubbio accettando tutto da entrambi, sia denaro che inviti. Qui il richiamo ironico di Hogarth è al tema di Ercole che deve scegliere fra la strada del vizio e quella della virtù. Inserisco la singolare rappresentazione che di "Ercole al bivio" dette il pittore senese Girolamo di Benvenuto. Il pannello (diametro 57 cm) è attualmente alla Galleria Franchetti, Cà d'oro, Venezia.

Scriverò un secondo post sugli altri due dipinti di questa serie di Hogarth. Mi sta aiutando il testo di Gabriele Mandel nel volume dedicato ad Hogarth nei Classici dell'Arte Rizzoli edito nel dicembre 1967. Inserirò questi post sia con vista logica Fumetti 2009 che con vista logica La pittura nel cinema: Hogarth si muove mirabilmente fra narrazione realistica e invenzione fantasiosa. Non è per caso che abbia costituito un modello per alcuni film ambientati nel Settecento inglese, in particolare Tom Jones (1963) di Tony Richardson e Barry Lyndon (1975) di Stanley Kubrick.
In chiusura di post, ingrandisco l'unico particolare vermente galante: le due dame che si sporgono dal balcone.
(continua)

Milk

2009-06-03T01:00:00.002+02:00

Un film di Gus Van Sant. Con Sean Penn, Emile Hirsch, Josh Brolin, Diego Luna, James Franco, Alison Pill, Victor Garber, Denis O'Hare, Joseph Cross, Stephen Spinella, Lucas Grabeel, Brandon Boyce, Zvi Howard Rosenman, Kelvin Yu, Jeff Koons, Ted Jan Roberts, Robert Boyd Holbrook, Frank Robinson, Allan Baird, Tom Ammiano, Carol Ruth Silver, Hope Goblirsch, Steven Wiig, Ashlee Temple, Wendy King, Kelvin Han Yee, Robert Chimento. Sceneggiatura: Dustin Lance Black. Fotografia: Harris Savides. 128 minuti. - Produzione USA 2008. - IMDb 8.0/10

Giulia

Sui titoli di testa scorrono immagini di repertorio: mute scene in bianco e nero di retate di omosessuali alla fine degli anni Sessanta. E poi la voce di Sean Penn che, nei panni di Harvey Milk, affida al registratore la propria storia: l'uso del racconto è strumento essenziale per la tenuta della struttura narrativa non facile da controllare, se si pensa al periodo di tempo trattato e alla quantità di avvenimenti.

"Questo nastro deve essere ascoltato solo nell’eventualità che io venga assassinato.
Durante una delle mie prime campagne mi venne di aprire il discorso con una frase che sarebbe diventata una sorta di firma: 'Sono Harvey Milk e voglio reclutarvi tutti!'

Se il pubblico davanti a me era vagamente ostile, magari per lo più eterosessuale scioglievo la tensione con una battuta: 'Lo so non ve l’aspettavate, ma i tacchi a spillo li ho lasciati a casa'

Mi rendo perfettamente conto che sono una persona che lotta per quello che crede. Un attivista, un gay che fa di sé un bersaglio per qualcuno che è insicuro, spaventato, con le sue fobie, disturbato mentalmente e questa è un’eventualità molto concreta perché a San Francisco abbiamo rotto l’argine del più grande pregiudizio di questo paese. Vorrei avere il tempo di spiegare tutto quello che ho fatto, che ho fatto per lo più con l’occhio rivolto al movimento gay”.
Il film ripercorre quindi gli ultimi 8 anni della vita di Harvey Milk, il primo gay dichiarato eletto in una funzione pubblica.
Il giorno del suo quarantesimo compleanno Milk abita ancora a New York ed incontra per la prima volta il suo compagno Scott Smith (James Franco). Tra loro nasce un grande amore, il più grande amore della sua vita. Un amore tenero, passionale, gioioso.

Fino a quel giorno Harvey Milk aveva nascosto la sua identità sessuale come tanti altri, ma proprio quel giorno decide di dare una svolta alla sua vita, di accettare la sua identità e viverla alla luce del sole. Decide, infatti, di trasferirsi a San Francisco nel quartiere di Castro dove vive il suo amore con Scott.
Negli anni Settanta la California era il luogo dove tutto era possibile, dove c'era l'opportunità di far rinascere l'american dream attraverso le battaglie per i diritti civili.

Milk trova un locale dove aprire un piccolo negozio di fotografia, il Castro Camera, che, col tempo, diventerà un punto di riferimento per tanti giovani omosessuali.

In quel quartiere approdano centinaia di omosessuali e da quel quartiere partirà il suo impegno politico. "Era la nostra isola, il nostro quartiere. La polizia ci odiava e noi odiavamo loro. Arrivavano, ci pestavano per puro divertimento, ma questo non ci avrebbe fermato."
Molti, anche residenti e commercianti del distretto eterosessuali, frequentano il negozio. Danny Nicoletta, il fotografo che ha documentato questo periodo con i suoi scatti, osserva: “Alimentato dall’impegno politico dell’epoca, il quartiere Castro era un epicentro socio-artistico del movimento, molto vitale. Il negozio di fotografia ne era il riflesso. Potevi entrare a lasciare un rullino, e poi fermarti a parlare di opera o di politica, o ad affiggere un volantino con su scritto ‘Entra e iscriviti per votare’.”

Gradualmente Harvey Milk scopre di avere la tempra di combattente, un forte istinto politico e una grande capacità carismatica.
Riorganizza la Castro Village Association formata dai commercianti locali e diventa famoso come “il Sindaco di Castro Street”.
In quel negozio si ritrovano tanti gay che hanno voglia di lottare per rivendicare il diritto ad esistere. Lì nasce un movimento forte e tenace.
Harvey Milk decide quindi di candidarsi alla carica di consigliere di San Francisco.

E comincia la sua prima campagna elettorale. Lui e i suoi amici andranno nei negozi, nelle strade a fare conoscere il loro programma ed il loro movimento. Parlano con tutti, si fanno conoscere, discutono con la gente che incontrano. In questo modo ottengono la simpatia di molti.

La sua carica umana e il suo impegno conquistano gente anche fra gli eterosessuali. Harvey Milk è ironico, paziente e dialettico e sa farsi accettare ed ascoltare. Inizia così la sua battaglia. Naturalmente combatte per vincere, ma soprattutto per dare voce a tutte quelle persone che da sempre rimangono nascoste e non hanno mai visto riconosciuto il diritto ad una vita normale.

All'inizio Scott sarà al suo fianco, anche se, quando arrivano le prime minacce, comincia a temere e cerca di convincere il suo compagno a fare un passo indietro.

Milk si presenterà alle elezioni quattro volte e per tre volte perderà. "Vincere non è il mio forte" afferma ironicamente, ma non per questo si arrende. Ritiene che comunque sia importante esserci, diventare un punto di riferimento, aiutare uomini, donne e ragazzi ad uscire da una vita nell'ombra per lottare così come fa lui. Far uscire un ragazzo dalla prostituzione per unirsi a lui e al movimento, dare la forza a dei ragazzi che gli telefonano anche da lontano chiedendogli aiuto è per lui già una vittoria. A tutti dice "Tu non sei sbagliato, tu non sei malato e Dio non ti odia".

Scott, però, pian piano si allontana. Non lo seguirà più, non condivide i rischi che lui sta correndo e se ne va.

Harvey Milk non mollerà mai. Al gruppo che lo sostiene e milita con lui si unisce per la prima volta una donna: "Una donna che ama un'altra donna" così la presenta agli altri Milk. Ci sono immediatamente delle resistenze più o meno esplicite e la ragazza, molto determinata, chiederà a tutti: "Le mie amiche mi hanno detto che a voi non piacciono le donne, ma c'è posto per noi in questa storia? o avete il sacro terrore delle ragazze?"
"Ho sempre detto ad Harvey che ci serviva un vero maschio" "Bè, adesso ne hai uno" le risponde ironicamente la ragazza.

L'avversario userà contro i gay le motivazioni di sempre. La cantante Anita Bryan (una specie di Sarah Palin dell' epoca), nota per la pubblicità di un succo d'arancia, si batte con grande fervore religioso per fare abrogare una legge che protegge gli omosessuali nel loro diritto ad un lavoro e alla casa e dichiara: "Sono davvero convinta che oggi più che mai le oscure forze del male sono qui intorno a noi, anche se si presentano travestite da cose buone e vogliono, invece, abbattere le nostre fondamenta, l'unità della famiglia, quella che tiene unita l'America. Se agli omosessuali vengono concessi dei diritti civili, allora anche alle prostitute, ai ladri, a chiunque altro bisognerà concederli. E' Dio a porre i limiti della morale, non io". Mi vien da dire, quante cose si fanno decidere a Dio per non assumersene la responsabilità!

Questo movimento verrà chiamato "Defend our children", ma mi chiedo: difendere i nostri bambini da chi? perchè vittime di questo pensiero sono proprio quei ragazzi che si scoprono omosessuali e sanno che per questo saranno emarginati, denigrati o addirittura picchiati.

Contro questo movimento cristiano fondamentalista vengono organizzate marce di protesta che rischiano di causare disordini.

Milk è un abile oratore, ma soprattutto sa mobilitare la gente, comunica quell'entusiasmo che raccoglierà intorno a lui un gruppo di giovani militanti che lo aiuteranno a portare avanti la causa.
"Noi dobbiamo lottare. Anita Bryan ci ha fatto diventare uniti e ci ha fatto diventare un movimento. Un movimento nazionale dei Gay. Noi dobbiamo dare a tutti quelli che ci guardano e che si sentono mortificati da una politica che li vuole escludere, dobbiamo dare una speranza".
La sua marcia per conquistare il seggio di consigliere continua con tenacia e determinazione e il consenso nei confronti di questo movimento aumenta.

Nel frattempo Milk inizia una relazione con Jack Lira, un ragazzo latino fragile, insicuro e po' sbandato che si aggrappa a lui e che lui cerca di aiutare, ma che in seguito purtroppo si suiciderà.

E finalmente per Harvey Milk arriverà il successo tanto desiderato: viene, infatti, eletto consigliere per il 5° Distretto, diventando il primo gay dichiarato ad assumere una carica istituzionale negli Stati Uniti.

Alla festa in suo onore incontra Scott che dimostra di amarlo ancora e che, anche se non si rimetterà più insieme a lui, seguirà il suo cammino da qui alla sua morte.

Quando i mass media gli chiedono se sarà il consigliere di tutti, lui risponderà di sì, che ascolterà i problemi di tutti "perchè i problemi che affligono la nostra città affliggono tutti noi".

Giurerà quindi come consigliere della città e della contea di San Francisco.

E anche questa volta non tratterrà la sua ironia: "Anita Bryant ha detto che sono stati i gay a portare la siccità in California. Bè, a me sembra che stia, invece, finalmente cominciando a piovere".

Harvey, insediatosi nel suo posto di consigliere, conosce il conservatore Dan White (Josh Brolin), veterano del Vietnam ed ex pompiere. Nonostante le differenze di pensiero, tra i due si instaura all'inizio un buon rapporto.

Ma White per appoggiare la causa di Milk, pretende che voti contro la nascita di un centro psichiatrico nel suo distretto. Milk non può accettare, il rapporto tra i due inizia ad essere teso e White diventa sempre di più ostile.

Tra le iniziative che Milk promuove nel periodo in cui resta in carica ci sono programmi sociali a favore degli anziani; l’istituzione di macchine per il voto comprensibili e accessibili a tutti i cittadini e nuove norme per i proprietari di cani sull’obbligo di raccogliere i bisogni dei loro animali.

Nel paese imperversa la crociata ultra conservatrice dell'ex cantante Anita Bryant che, in alcuni stati, riesce a far abolire la legislazione a favore dei diritti civili: "Io non odio gli omosessuali, - afferma in una conferenza - ma come madre, devo proteggere i miei figli dalla loro influenza negativa".
Sfruttando il successo della Bryant, il Senatore della California John Briggs propone“Proposition 6”, una legge che avrebbe consentito il libero licenziamento degli insegnanti dichiaratamente omosessuali perchè "pervertiti e pedofili".
Harvey Milk si rifiuta di far politica alla vecchia maniera, fatta solo di alleanze e compromessi. Si rivolge direttamente alla gente, sta in mezzo al loro e decide di preparare una grande manifestazione in cui tutti i gay escano allo scoperto e si rendano visibili: "Dobbiamo uscire dal ghetto. Dobbiamo fare in modo che ognuno di quelle persone là fuori si riconosca come uno di noi". Tutti, insomma, devono trovare il coraggio di dichiararsi agli altri, alla propria famiglia, ai propri colleghi, ai propri amici... Se tutti capiranno di conoscere almeno un omosessuale, alla fine potranno votare per loro, perchè non ne avranno più paura.
Ci sarà allora un passa parola, un tam tam che riuscirà a radunare migliaia e migliaia di persone.

E la grande manifestazione ci sarà e sarà un gran successo.

Milk in quell'occaisone afferma con forza: "Sulla dichiarazione d'indipendenza c'è scritto tutti gli uomini sono uguali e dotati di alcuni inalienabili diritti. Non potrete mai cancellare quelle parole dalla dichiarazione di indipendenza".
Riesce poi ad ottenere un dibattito pubblico col senatore John Briggs che appare molto agguerrito:
"Vogliono insegnare perchè vogliono che i nostri figli diventino come loro" dice al pubblico "E come si insegna l'omosessualità, come il francese? Io sono nato in una famiglia eterosessuale, da insegnanti eterosessuali e in una società eterosessuale. E detto senza offesa, ma se fosse vero che i bambini imitano gli insegnanti, avremmo un numero incredibile di suore in giro", risponde con la sua solita ironia.

Ma i sondaggi, nonostante la bravura nei dibattiti di Milk, fino all'ultimo danno per vincente la parte avversaria. Ma, meno male, non sempre hanno ragione.
Il 7 novembre, infatti, la Proposition 6, al di là di ogni previsione, viene sconfitta grazie proprio alla campagna e alle manifestazioni organizzate da Milk, cui aderiscono il Governatore della California Jerry Brown e il Partito Democratico dello stato, i repubblicani del Log Cabin (circolo gay del partito), e il Presidente Jimmy Carter. E non ci crederete, ma tra quelli contro c'era anche Ronald Reagan!
"Da quando abbiamo deciso di dichiararci a molti è apparso chiaro che qualcuno di noi lo conoscono e ora molti sanno che non siamo malati, percepiscono che non siamo sbagliati, che ci deve essere, ci dovrebbe essere un posto per noi in questo grande paese, in questo mondo. Un messaggio di speranza è stato mandato a tutte quelle giovani persone, a tutti coloro che hanno avuto paura di questa ondata di odio, a tutti coloro che hanno perso la loro casa, la loro città natale. Questa sera sappiamo con chiarezza che esiste un posto per noi. Miei fratelli e sorelle: possiamo tornare di nuovo a casa!"

Ma purtroppo l'ascesa di Harvey Milk finisce. Il 27 novembre, infatti, sale per l'ultima volta le scale del municipio.

Il suo avversario White spara a Milk e al Sindaco Moscone. George Moscone (Victor Garber), abbastanza aperto da capire il potenziale di quest'uomo che in pochi anni ha unito sindacato, anziani e gay, morirà insieme a lui.

La notte prima di morire Milk aveva telefona a Scott:
"Guarda fuori sta sorgendo il sole" gli dice
"Voglio che tu sappia che sono fiero di te" gli risponde l'amico

Ricorda poi cosa aveva detto il giorno del suo quarantesimo compleanno: "Ho 4o anni e non ho fatto ancora una cosa di cui sentirmi orgoglioso. Non arriverò mai a cinquant'anni". No, non ariverà ai cinquant'anni, ma lascerà a tutti il suo testamento spirituale:
"Ieri sera ho ricevuto una telefonata dala Pennsylvania. La voce era molto giovane e quella persona ha detto: grazie. Dovete eleggere persone gay, in modo che quel giovane e le migliaia e migliaia di giovani come lui possano sperare in una vita migliore, sperare in un domani migliore. Io chiedo questo che, se dovesse esserci un omicidio, in cinque, in dieci, in cento, in mille siano a levarsi in piedi. Se una pallottola mi trapasserà il cervello che serva a distruggere ogni muro dietro cui ci nascondiamo, io chiedo che il movimento continui, perchè non è questione di guadagno personale, non è questione di individualismo e non è questione di potere: è questione dei "noi" là fuori e non solo i gay, ma i neri, gli asiatici e gli anziani e i disabili, "i noi". Senza la speranza i noi si arrendono, so che non si può vivere solo di speranza ma senza la speranza la vita non vale la pena di essere vissuta. E quindi tu, e tu, e tu dovete dar loro la speranza, dovete dar loro la speranza".

Quella sera, oltre 30.000 persone marciano da Castro al Municipio in una veglia pacifica e silenziosa a lume di candela: i "noi" sono andati a onorare un uomo coraggioso.

Le bare di Milk e Moscone restano esposte in Municipio per diversi giorni, omaggiate da una processione continua di persone.
Per aver ucciso lui e il sindaco, il consigliere Dan White, ex pompiere, scontò meno di cinque anni di prigione!

Milk è un film bello e appassionante. Il regista Gus Van Sant sa stabilire un buon equilibrio tra la vita pubblica e quella privata dei protagonisti. Sean Penn interpreta un personaggio bellissimo senza alcuna retorica.
Sean Penn, che ha conquistato il suo secondo Oscar grazie a questo ruolo, dice: "Milk è un racconto corale, non un assolo. Non avrei potuto aderire a ogni sfumatura del mio personaggio se non avessi avuto al fianco gli altri. La nostra, durante le riprese, è diventata una comunità. Per me Milk è davvero un eroe americano".

E il regista "Con gli attori abbiamo visto e rivisto "The Times of Harvey Milk" che vinse l'Oscar nel 1984. Ciò che ho cercato di aggiungere a quello splendido lavoro è la verità umana, fatta di luci e ombre, di ogni carattere. Alcune persone che hanno conosciuto e lottato con Milk sono venute spesso sul set, regalandoci frammenti di ricordi".
Una cosa rende orgoglioso il regista: «È stato fantastico l'aiuto che la città di San Francisco ci ha dato. Migliaia di volontari hanno voluto partecipare alla scena di uno dei comizi di Milk. Penso che l'America e il mondo siano pronti, al di là di tante negazioni dei diritti civili ad alcune comunità, per vedere e discutere il nostro film, 'Speranza e cambiamento, hope and change', diceva Harvey".
Ricevendo la statuetta come miglior attore protagonista, Sean Penn ha lanciato un appassionato appello a favore delle unioni gay: "Credo che sia giunto il momento per chi ha votato contro i matrimoni gay di sedersi e riflettere, e di cominciare a provare la propria vergogna e quella che ci sara' negli occhi dei propri nipoti se continua su questa strada. Dobbiamo avere gli stessi diritti per tutti".
Penn se l'è presa anche con gli attivisti che fuori dal Kodak Theatre avevano manifestato contro i matrimoni gay, che a novembre sono stati messi fuori legge in California con un referendum. "Fa tristezza perché dimostrano la vigliaccheria emotiva di chi ha paura di accordare a un altro uomo i diritti che vorrebbe per sé"

Tutti gli attori si sono documentati, ognuno per il ruolo che impersonava, e il costumista Glicker racconta: "Non vedevo l’ora che gli attori venissero da me con qualche nuova idea.
Alcuni hanno indossato oggetti o indumenti appartenuti alle persone che interpretavano. Per esempio, in molte scene Alison Pill porta un orecchino che Anne Kronenberg portava tutti i giorni, all’epoca; Lucas Grabeel ha indossato uno dei gilet di Danny Nicoletta; e la cosa più commovente, forse, è stata che il figlio del Sindaco Moscone, Jonathan, ha portato sul set una delle cravatte del padre perché Victor Garber potesse indossarla nella scena della nomina di Harvey a consigliere comunale.”

Aggiungo alcune fotografie del vero Harvey Milk di Danny Nicoletta.

Visitatori maggiolini

2009-06-01T12:45:00.005+02:00

Brigitte Bardot e Dirk Bogarde nel film
"Doctor at Sea" (1955) di Ralph Thomas
Solimano

Ecco la classifica dei dodici post attualmente presenti nel blog e più visitati nel mese di Maggio 2009.

Primo: Le sirene nel cinema con 2199 richieste per pagina. In aprile era al primo posto con 2623 richieste. Un calo di oltre quattrocento richieste.

Secondo: Racconti incantati con 752 richieste. Il mese scorso era al secondo posto con 670 richieste.

Terzo: Star Trek con 645 richieste. Il mese scorso non era in classifica.

Quarto: Romeo e Giulietta (la scena del balcone) con 329 richieste. Il mese scorso era nono con 186 richieste.

Quinto: La felicità porta fortuna con 271 richieste. Il mese scorso era ottavo con 189 richieste.

Sesto: La bella scontrosa (le coppie nel cinema) con 261 richieste. Il mese scorso era quarto con 288 richieste.

Settimo: Sophie Marceau (ritratti di signore) con 224 richieste. Il mese scorso era sesto con 248 richieste.

Ottavo: Caravaggio (i modi di vedere -1) con 217 richieste. Il mese scorso non era in classifica.

Nono: Romeo e Giulietta con 201 richieste. Il mese scorso era settimo con 201 richieste.

Decimi: Amici miei (Firenze nel cinema -2) con 189 richieste. Il mese scorso non era in classifica. Candy Candy con 189 richieste. Il mese scorso era quinto con 272 richieste.

Dodicesimo: Cary Grant (ritratti di signori -1) con 187 richieste. Il mese scorso non era in classifica.

Entrano in classifica: Star Trek, Caravaggio, Amici miei, Cary Grant.

Escono di classifica: Inkheart, La mandragola, Lea Massari, Rosso come il cielo.

I post al disopra delle cento richieste sono stati 50 contro i 39 di aprile.

Ecco la classifica che tiene conto del numero delle richieste solo dei post con tempo di permanenza medio superiore al minuto.

Sophie Marceau (ritratti di signore): 224

Romeo e Giulietta: 201

Amici miei (Firenze nel cinema -2): 189

Cary Grant (Ritratti di signori -1): 187

La mandragola (I modi di vedere): 170

Lea Massari (Ritratti di signore): 158

Inkheart: 154

Gran Torino: 148

Romeo e Giulietta (I luoghi nel cinema): 125

Quattro blog insieme a Brera: 114

Gli argonauti (2): 111

Audrey Hepburn (Una donna che faceva sognare): 111

Le richieste dall'estero sono state il 13.12% del totale, superiori a quelle del mese scorso, che erano state il 12.50%. Stati Uniti 324, Francia 297, Germania 219, Svizzera 215, Regno Unito 166, Spagna 126.

Richieste per pagina nei diciotto mesi di statistica:

2007
Dicembre: 18364

2008
Gennaio: 31312
Febbraio: 31400
Marzo: 38818
Aprile: 35817
Maggio: 34794
Giugno: 38705
Luglio: 37776
Agosto: 41145
Settembre: 44553
Ottobre: 43989
Novembre: 43768
Dicembre: 44000

2009
Gennaio: 45852
Febbraio: 33947
Marzo: 52612
Aprile: 49918
Maggio: 43350

Le richieste per pagina sono calate sensibilmente rispetto a quelle di aprile, ma nella classifica per blog siamo più saliti che scesi. La mia interpretazione è che ci sia stato una calo generale legato alla buona stagione. Sono curioso di vedere come andrà il mese di giugno su cui non mi sento di fare previsioni.

P.S. Le immagini. Il film Doctor at Sea di Ralph Thomas è del 1955. Gli interpreti principali sono Dirk Bogarde, Brenda De Banzie, Brigitte Bardot, James Robertson Justice. E' un film leggero, gradevole e spesso divertente. Ma vedere insieme una coppia di innamorati come Dirk Bogarde e Brigitte Bardot è la cosa che mi diverte di più, vista la storia professionale ed umana dei due interpreti. Bogarde nel 1955 aveva 34 anni, la Bardot 21, per loro il futuro doveva ancora incominciare. Le strade sarebbero state completamente diverse.

Firenze nel cinema: Incompreso

2009-05-30T15:00:00.009+02:00

Incompreso, 1966. Regia di Luigi Comencini. Dal libro di Florence Montgomery Sceneggiatura di Leonardo Benvenuti, Piero De Bernardi, Lucia Drudi Demby, Giuseppe Mangione. Musiche di Fiorenzo Carpi. Interpreti: Anthony Quayle, Stefano Colagrande, Simone Giannozzi, John Sharp, Adriana Facchetti, Giorgia Moll, Graziella Granata. Durata: 105 minuti. Rating IMDb: 8.0

Ermione

I luoghi che fanno da sfondo al film Incompreso sono quelli di una Firenze che, a più di quaranta anni di distanza, è rimasta intatta. Il Ponte Vecchio, i lungarni, la stazione di Santa Maria Novella sono oggi uguali ad allora, e solo le automobili anni sessanta e gli abiti delle donne ci suggeriscono che siamo nel '66.

Così è in una delle scene iniziali, quando Andrea esce dalla scuola,con il Ponte Vecchio sullo sfondo, le cinquecento e le seicento che passano, le donne con lo chignon.

E come avrebbe potuto mai cambiare il Ponte Vecchio, il ponte più antico di Firenze, l'unico che i tedeschi non fecero saltare durante l'occupazione?
Oggi come ieri, quando Andrea e Milo scendono a Firenze per comprare un regalo al babbo, il ponte è sempre affollato, pieno di gente che guarda le vetrine dei gioiellieri, di turisti che si fanno una foto ricordo; come il piccolo Milo che sorride al fotografo.

La città che si intravede dai finestrini mentre il console Duncombe guida è riconoscibilissima: qui siamo in piazza del Duomo, in cui all'epoca si poteva transitare in auto e addirittura parcheggiare lungo le fiancate del Duomo e del Battistero!

Chi non sapesse dov'è il Camposanto degli Inglesi rimarrebbe stupito nell'apprendere che si trova in un piazzale proprio all'interno dei viali di circonvallazione, tra le auto che sfrecciano veloci.

Quando si cominciò a costruirlo, il cimitero si trovava fuori delle mura della città, oltre Porta Pinti - che adesso non esiste più. Successivamente, durante i lavori per Firenze capitale, nel 1865, l'architetto Giuseppe Poggi fece demolire le mura e fece costruire un piazzale, al cui centro si ergeva, su una montagnola, il cimitero. Da allora questo si trovò ad essere all'interno della città, che nel frattempo si era allargata, e fu chiuso.
Oggi appare come una piccola oasi di silenzio e di pace oltre la cancellata che lo separa dal traffico dei viali. Ed effettivamente, quando Andrea si aggira mostrando le tombe allo zio Will, sembra di essere in un giardino ombroso e pieno di verde.

La stazione di Santa Maria Novella, da dove parte lo zio Will, rimane ancora una delle più belle stazioni d'Italia: lineare, semplice eppure ricca coi suoi marmi e le sue vetrate, luminosa e chiara.

Ho trovato su Wikipedia alcune notizie che riporto.

Nel 1932 il Comune di Firenze dovette bandire un concorso per la nuova stazione: ne risultò vincitore un gruppo, il cosiddetto Gruppo Toscano, formato da Pier Niccolò Berardi, Nello Baroni, Italo Gamberini, Sarre Guarnieri, Leonardo Lusanna, Giovanni Michelucci, i quali crearono una delle opere più importanti del cosiddetto Razionalismo italiano. Secondo tale stile, teorizzato solo in seguito, la struttura di un'opera doveva riflettere la sua funzione. Essa rappresentò il primo esempio in Italia di stazione eretta secondo una logica di funzionalità moderna. Sebbene l'opera non fosse in linea con le tendenze architettoniche improntate al trionfalismo di stampo fascista, l'opera ricevette il plauso dello stesso Mussolini. Nonostante ciò, la sua realizzazione divise il mondo della cultura fra conservatori insoddisfatti (capitanati da Ugo Ojetti) e modernisti entusiasti, come i giovani intellettuali del Caffè Le Giubbe Rosse di Piazza della Repubblica fra i quali Elio Vittorini, Alessandro Bonsanti e Romano Bilenchi.

Molto accurata e attenta fu la scelta dei materiali: pietra forte e travertino per gli esterni, marmi policromi e rame per i ricchi interni; e poi vetro, per le grandi vetrate della facciata, dette "cascate di vetro", e per il grandioso soffitto della biglietteria.

Anche se la stazione fu opera collettiva degli architetti del Gruppo Toscano, a Firenze si dice "la stazione di Michelucci".
Giovanni Michelucci è stato uno dei maggiori architetti del '900, ed è anche, fra l'altro, l'ideatore di quella cosa straordinaria che è la chiesa di San Giovanni Battista, la famosa "chiesa dell'autostrada".

Questa costruzione si trova infatti allo svincolo tra la Firenze-Mare e l'Autostrada del Sole, e fu eretta per celebrare i tanti operai morti sul lavoro durante la costruzione della A1.
E' un'opera ardita, assolutamente originale, che ricorda nelle forme quelle di una enorme tenda: il tetto a vela è fatto di lastre di rame, che col tempo ha assunto quella splendida colorazione verde-azzurro, mentre il corpo portante è costruito da blocchi di pietra rosa e pietra forte, con aperture a feritoia che ricordano quelle delle chiese romaniche.

Nei fervidi e creativi anni Sessanta, quando questa chiesa "rivoluzionaria" fu ideata e costruita, molti furono i critici ed i detrattori, un po' meno gli estimatori. Si parlava di "architettura delirante", di sintesi non riuscita tra pietra e metallo, ci sono voluti decenni per accettare definitivamente quest'opera così nuova e particolare.

Personalmente ne rimasi affascinata fin da piccola quando, sulla Fiat 1100 di mio padre, si infilava la Firenze-Mare per andare al Forte dei Marmi. Mi sembrava qualcosa di celestiale, e insieme di assolutamente terreno. Una chiesa diversa e strana, bellissima.

Riccardo Mannelli

2009-05-29T20:20:00.002+02:00

Solimano

I disegni di Riccardo Mannelli che inserisco in questo post provengono da quattro numeri di Cuore (settimanale di resistenza umana...) del 1991. Precisamente i numeri del 22 aprile, del 29 aprile, del 6 maggio e del 13 maggio. Il titolo che Riccardo Mannelli dette a questa serie di disegni fu "Viaggio al termine degli gnocchi".
Mi è stato d'ausilio in questa ricerca il sito "Una mano lava l'altra" e il link rimanda direttamente alla pagina delle scansioni di alcuni numeri di Cuore. Le scansioni non riguardano solo i disegni ma anche i testi, perché non dimentichiamo cha a Cuore diretto da Michele Serra collaborarono Staino, Vauro, Vincino, Altan, Ellekappa, Disegni e Caviglia, Beppe Grillo, Stefano Benni, Domenico Starnone, Lia Celi, Andrea Aloi, Piergiorgio Paterlini, Alesandro Robecchi ed altri.

Alcune rubriche di Cuore divennero mitiche: Botteghe Oscure (diventa anche tu delatore: fotografa il negozio della tua città con l'insegna più stronza), Niente resterà impunito, Mai più senza, Cronaca di Cuneo, E chi se ne frega. E i titoli! "Scatta l'ora legale, panico tra i socialisti", "Salvo Lima come John Lennon, ucciso da un fan impazzito", "Aiuta lo Stato: uccidi un pensionato"...
Alla fine del 1993, in coincidenza all'avviso di garanzia a Bettino Craxi, Cuore arrivò a 160.000 copie. In totale uscirono 297 numeri, e Michele Serra, il giorno della chiusura, disse: "I giornali satirici sono come lo yogurt. Hanno la scadenza sull'etichetta già quando nascono". Però Cuore durò molto a lungo, considerato anche l'inizio come inserto gratuito dell'Unità: quasi otto anni.

Riccardo Mannelli nasce a Pistoia il 20 gennaio 1955 e comincia giovanissimo; le prime mostre sono del 72/73. E' un autodidatta che fa di tutto: pittura, pubblicità, scenografia, teatro, animazione di strada. Anche l'animatore culturale all'ospedale psichiatrico di Pistoia, ai tempi dell'attuazione della legge Basaglia.

Non ama né il termine satira né il termine fumetto, anche se ha collaborato (dopo essersi trasferito a Roma) con "Il Mago", "Alter Linus", "Il Male" e a tanti giornali: "Manifesto", "Messaggero", "La Stampa", "La Repubblica". I ritratti che ha pubblicato per anni su "La Repubblica" li abbiamo visti tutti. Fino al 1985 ha collaborato anche con Playmen, anche in virtù delle sue grandi capacità di rappresentazione del nudo.
Inoltre copertine di libri e di dischi, manifesti per il teatro e per il cinema, illustrazione di racconti e poesie...
Una attività frenetica: Mannelli è molto veloce nell'esecuzione, ma sempre di elevata qualità grafica, disegnativa, pittorica.
Dal 1995 è il coordinatore del dipartimento di "Illustrazione e Animazione" all' Istituto Europeo di Design di Roma,dove tiene il corso di "Anatomia e Disegno dal vero".

Di lui scrive Fabio Norcini:
"Se fosse possibile pensare uno sponsor per Mannelli non c'è dubbio che dovrebbe essere soltanto Bic. È infatti la casa francese che gli fornisce i principali strumenti della sua attività artistica: accendino e penna a sfera. Il primo per mettere a fuoco sogni e desideri, la seconda per ricavare dai piccoli fuochi straordinarie carte geografiche dell'inconscio, visioni memorabili e fotogrammi implacabili. Cenere e inchiostro, schizzi e sigarette, funziona così l'impressionante macchina mannellica, ordigno che spara disegni in forma di poesia o aforisma, che travasa satira in malinconia, saggezza in follia e viceversa. Per lui disegnare è come respirare e a chi, come chi scrive, resta sbalordito dalla straordinaria mano, dalla formidabile facilità di esecuzione e domanda come ciò sia possibile risponde, con un'alzata di spalle, che perfino le galline avrebbero imparato dopo miliardi di disegni. E, viene spontaneo chiedere, se dovessi risognare tutte le facce che hai ritratto? "Sarebbe un incubo, una sorta di giorno del giudizio, di valle di Giosafat".

Quando Forattini se ne andò per la prima volata da Repubblica, indicò in Mannelli il suo possibile erede. Ci furono diversi salti mortali per mettersi d'accordo con Eugenio Scalfari, perché Mannelli non amava la singola vignetta, voleva raccontare delle brevi storie, esattamente come aveva fatto su Cuore, anche per questo "Viaggio al termine degli gnocchi".
Il viaggio si svolge in Emilia, fra Bologna e Ferrara, ed è assolutamente datato nel 1991. Ricordo benissimo, quando ci fu l'invasione di prostitute nigeriane a Bologna. Viaggiavano in treno da luoghi fuori mano per essere sui posti di lavoro alla notte. I posti di lavoro erano ubicati lungo tutta la circonvallazione del centro storico di Bologna. Le prostitute stavano a non più di cinquanta metri l'una dall'altra e naturalmente alle spalle c'era una organizzazione ben oliata, sia in Nigeria che in Italia. Sembra che dovessero pagare un preciso riscatto, prima di poter smettere e rientrare in Nigeria: le famiglie avevano contratto dei debiti, per tirare avanti, e questo era il sistema con cui riuscivano a pagarli.
Dopo alcuni mesi le nigeriane sparirono, non so come andarono veramente le cose, ma rimasi sbalordito una sera, percorrendo la circonvallazione di Bologna, solitamente tranquilla (a parte il traffico), vedendo una invasione a suo modo dignitosa. Non facevano gesti strani, adescamenti. Stavano lì, seminude, ad aspettare che le automobili si fermassero. E si fermavano.
Gli altri disegni sviluppano lo stesso concetto, quello dell'erotismo mercenario, ampliandolo in tutte le direzioni. Colgono anche l'atteggiamento postribolare di tutto quel mondo qualunquista, sordido, che se la prendeva regolarmente con i politici senza avere nessuna voglia di guardarsi in faccia. Mannelli abbina strettamente la componente erotica a quella moralistica, ed utilizza l'esatta ubicazione geografica per aggiungere credibilità. Nessuna distinzione fra riccastri e poveracci, fra operai e studenti, tutti assatanati dalla novità di quegli anni: potere fare sesso spendendo poco. Le extracomunitarie venivano da noi era perché si sapeva che le strade erano piene di possibili clienti. Però, come si nota nell'immagine che metto in apertura di post, già allora c'erano simili aspirazioni nelle giovani con lavoro insoddisfacente. Pensavano alle scorciatoie praticabili per cambiare la loro vita.
Cosa è cambiato, in questi anni? Un discorso analogo a quello che ho fatto per Altan. Un cosa fondamentale: quella che era la sordidezza provinciale è diventata la sordidezza di palazzo, officiante la TV commerciale, che proprio allora produsse quegli spettacoli in cui era normale la ripresa dal di sotto e dal di dietro. Ma il peggio sarebbe venuto successivamente: i reality, che hanno trasformato modi disinvolti di far denaro in modelli di vita. I partecipanti e le partecipanti ai reality sono divenuti una specie di eroi contemporanei. Non c'è soltanto il desiderio di sfuggire ad una situazione umana insoddisfacente, c'è, paradossalmente in positivo, desiderare per sé, oltre che un miglioramento sociale, che da un certo punto di vista sarebbe o comprensibile, ma desiderare proprio di far parte di quel mondo, visto come il migliore dei mondi possibili. Un bel passo in avanti, che Gabriele Muccino ha rappresentato nel film "Ricordati di me".

Da sempre, sono affascinato dallo stile grafico, dall'immediatezza, dalla forza rappresentativa di Riccardo Mannelli. Lo trovo paragonabile, eppur diverso, ad altri due grandi artisti: Heinrich Kley (tedesco del primo Novecento) ed Enric Siò, catalano, che è esattamente l'opposto di Mannelli come produzione (ha disegnato poco) ma alcune sue storie pubblicate su Linus e Alter Linus sono memorabili. Sia Kley che Siò sono già stati inseriti in questo blog.