elcuervolopez

La despedida

2009-07-06T21:12:00.006-03:00

Gabriel El Cuervo López

He meditado mucho para tomar esta decisión. Ahora, quiero comunicarla a todos los lectores: el blog del Cuervo López no puede seguir sin El Cuervo López. Así es que éste será el último artículo: queda detrás una tarea como pocas se han visto en los blogs. Agradezco a todos quienes se sumaron a este proyecto, como visitantes, como comentadores y como articulistas. A estos últimos sé que Gabriel no sólo agradecía, sino también admiraba. Algunos soñamos con seguir este pequeño gran legado que El Cuervo nos dejó. Espero sea posible. Por ahora, su página queda como un hermoso regalo.
Hasta siempre.

Fernando

P.D.: ACTUALIZACIÓN: el blog elcuervolopez alcanzó los 2 millones de visitas.
Como festejo, he abierto un blog como homenaje a Gabriel.

Y Mahlerite-Shosta ha hecho lo propio.

Gustav Mahler
La despedida
de La canción de la tierra
(Mon-Kao-Yen, Wang-Wei-Mahler)

Dietrich Fischer-Dieskau (barítono)
Bamberger Symphoniker Orchester
Joseph Keilberth

El sol se despide detrás de las montañas.
En todos los valles baja el atardecer
con sus sombras, llenas de frío.
¡Oh, mira! Como una barca argéntea,
cuelga la luna alta en el mar del cielo.
¡Noto cómo sopla un frágil viento
tras los oscuros abetos!
El riachuelo canta lleno de armonía a través de la oscuridad.
Las flores palidecen a la luz del crepúsculo.
La tierra respira llena de tranquilidad y de reposo.
¡Todo anhelo quiere ahora soñar,
los hombres cansados vuelven al hogar
para aprender nuevamente, en el descanso,
la felicidad y la juventud olvidadas!
Los pájaros se encogen tranquilos en sus ramas.
El mundo descansa...
El viento sopla frío por las sombras de mis abetos.
Yo estoy aquí, y espero a mi amigo,
espero su último adiós.
Oh, amigo, deseo fervientemente gozar
contigo de la belleza de este atardecer.
¿Dónde estás? ¡Me dejas demasiado tiempo solo!
Camino de un lado para otro con mi laúd
por campos cubiertos de hierba tierna.
¡Oh, belleza! ¡Oh, mundo ebrio de amor y de vida eternos!
Bajó del caballo, y le ofreció el brebaje
de la despedida. Le preguntó hacia dónde
se dirigía, y también por qué tenía que ser así.
Habló, y su voz estaba anegada en lágrimas:
¡Oh, amigo mío,
la fortuna no fue benevolente conmigo en este mundo!
¿Adónde voy? Voy a errar por las montañas.
Busco la tranquilidad para mi corazón solitario.
Hago camino hacia la patria, hacia mi hogar.
Ya nunca más vagaré en la lejanía.
Mi corazón está tranquilo y espera su hora.
¡La querida tierra florece por todas partes en primavera y se llena de verdor
nuevamente! ¡Por todas partes y eternamente resplandece de azul la lejanía!
Largamente... largaamente... largaamente... largamente... largamente...

Adiós, Cuervo querido

2009-06-26T20:15:00.006-03:00

Habría querido decirle algo más, estrecharlo en un abrazo, pero ya no será posible. Nuestro amigo Cuervo ha fallecido.

LAS QUINCE SINFONÍAS DE DMITRI SHOSTAKOVICH DE PRINCIPIO A FIN. LA INTEGRAL DE B. HAITINK. SINFONÍAS Nº 2 Y Nº 3

2009-06-25T11:13:00.001-03:00

Dmitri Shostakovich: Sinfonía Nº 2 y Sinfonía Nº 3

La Sinfonía Nº 2 en Si mayor Op. 14, subtitulada «A Octubre» de Shostakovich, escrita para conmemorar el décimo aniversario de la revolución de octubre, fue estrenada el 5 de noviembre de 1927 en Leningrado por la Filarmónica de Leningrado bajo la dirección de Nikolai Malko.
La segunda sinfonía fue resultado del encargo realizado a Shostakovich por Lev Shuglin, director de propaganda de la Oficina Estatal de Música (Muzsektor) para la celebración de la efeméride antes citada. La obra debería contener una parte coral con un poema de Alexander Bezymensky titulado Dedicado a Octubre. El encargo resultó muy dificultoso para el compositor, toda vez que, contra la expectativa general, Shostakovich quería abandonar el estilo de la primera sinfonía para adentrarse en nuevos caminos creativos; lo cual quedaba trabado por los condicionantes del encargo. En una carta, anterior al estreno, el autor define el texto a musicalizar como «abominable» y quejándose que las condiciones le restringían la inspiración.
La obra se presenta como un trabajo experimental en un movimiento único, pero se diferencian claramente dos partes. La inicial (Largo – Allegro molto), donde el compositor intenta crear una pieza de «música abstracta», carente de estructura emocional, a fin de conseguir un estilo neo-realista para el discurso. Así, partiendo del caos primordial deriva hacia una polifonía agrupada de instrumentos que van surgiendo del vacío, en una sucesión de efectos sonoros que olvida la melodía y la claridad del contrapunto. La segunda parte es la coral («My shili, my prosili raboty i khleba») musicalizando el poema de Bezymensky. Ya comentamos antes lo poco que Shostakovich apreció el trabajo encargado, pero, aun así demostró en este pasaje sus grandes capacidades como compositor, ya que logró una pieza agitprop (contracción de «agitación» y «propaganda», técnica muy de moda en la Unión Soviética de los años 20) muy de acuerdo con la solicitud que le habían hecho las autoridades culturales. Sin embargo, musicalmente es de un estilo anodino y desganado que culmina en una apoteosis típica; en palabras de Volkov (biógrafo de Shostakovich) esta parte mueve a ser eliminada completamente de un tijeretazo.
La Sinfonía Nº 3 en Mi bemol mayor Op. 20, subtitulada «Primero de Mayo», fue ejecutada por vez primera el 6 de noviembre de 1931 en Leningrado por Aleksandr Gauk al frente de la Filarmónica de Leningrado.
Muy similar a la anterior, es fruto también de una solicitud oficial, toda vez que el departamento de propaganda del Comisariado de Cultura realizaba regularmente encargos de obras de un movimiento sobre tópicos de la revolución. Piezas de corta duración (20 a 30 minutos), estaban dirigidas más a trasmitir un mensaje claro al pueblo que a una orientación puramente musical. Por esto es por lo que solían incorporar poemas de escritores afectos al régimen. En este caso se incluye una parte coral de un poema de Semyon Isaakovich Kirsanov, la loa revolucionaria Primero de Mayo.
Agrupada en un movimiento de aproximadamente 35 minutos, sigue pautas musicales muy parecidas a la segunda sinfonía. La primera parte se suele separar en tres secciones (Allegreto – Allegro; Andante y Allegro-Largo) y denota un poco más que la anterior el estilo compositivo del autor, aunque todavía no definido del todo. Otra vez expone la confusión y el caos en el alma y en la voluntad del ser humano, para proseguir el discurso hacia la parte coral («V pervoye Pervoye maya») en la que de forma rotunda y explícita se indica que la orientación necesaria es la que proporciona el espíritu encarnado por el Primero de Mayo. Según el autor, lo que se quería expresar es una reconstrucción pacífica del espíritu, aunque la oscuridad de ciertos pasajes orquestales parecen contradecir dicha afirmación. Incluso originalmente había una parte para ametralladora, sustituida posteriormente por redobles de tambor.
Tanto en una como otra sinfonía el éxito inmediato en los países occidentales fue para la parte orquestal, mientras en la Unión Soviética lo mas aplaudido fue la panfletaria parte cantada. Pasado mucho tiempo Shostakovich declaró que de sus quince sinfonías, «dos eran completamente insatisfactorias»; aunque no las nombra explícitamente, quedaba claro que se refería a la 2ª y a la 3ª.

Con todo, estas obras poseen una incuestionable vitalidad e incorporan los elementos musicales básicos usados posteriormente por Shostakovich.
A continuación los enlaces a ambas sinfonías por Bernard Haitink y la London Philharmonic Orchestra y Coro.

Fernando León

Sinfonía Nº 2 AQUÍ

Sinfonía Nº 3 AQUÍ

LAS QUINCE SINFONÍAS DE DMITRI SHOSTAKOVICH DE PRINCIPIO A FIN. LA INTEGRAL DE B. HAITINK. SINFONÍA Nº 1

2009-06-22T12:00:00.001-03:00

Dmitri Shostakovich: Primera sinfonía

La Sinfonía Nº 1 en Fa menor Op. 10 de Shostakovich, escrita en el curso 1924-25, fue estrenada el 12 de mayo de 1926 en San Petersburgo por Nikolai Malko dirigiendo la Filarmónica de Leningrado.
Dmitri Dmítrievich Shostakóvich nació en San Petersburgo (Rusia) el 25 de septiembre de 1906 en el seno de una familia de cierto nivel intelectual, comenzó a recibir lecciones de piano de su madre, revelándose muy pronto un niño prodigio, tanto como pianista como compositor. A los 13 años ingresó en el Conservatorio de su ciudad natal, a la sazón dirigido por Alexánder Glazunov, quien avaló la carrera académica del joven músico. Tuvo como profesores entre otros a: Nicolayev (piano), Sokolov (contrapunto y fuga) y Steinberg (composición). Buen estudiante; solo suspendió la asignatura de «Metodología marxista». Su ejercicio de graduación fue una sinfonía: Su primera sinfonía en Fa menor.
Se estrenó cuando Shostakovich contaba con 19 años de edad, y constituyó un tremendo éxito, mostrando lo mucho que el jovencísimo compositor tenía que decir en la música; a la vez que los medios culturales oficiales de la república, exultantes, creían haber encontrado al primer gran autor musical de la nueva Rusia soviética.
Manejando con viveza extraordinaria tanto el drama y la tragedia, como la más fina sátira, la obra se presenta en cuatro movimientos, ejecutándose los dos últimos sin interrupción. En el primero (Allegretto - Allegro non troppo) se desarrolla desde el Allegretto partiendo del diálogo entre fagotes y trompetas hasta desembocar en una jovial marcha entrando de esta manera en el segundo tema a destacar: un vals con motivos que se podrán oír en posteriores composiciones. El segundo movimiento (Allegro) comienza con un frenético scherzo que da paso al piano que ejecuta rápidas escalas antes de llegar a melodías algo mas sombrías; el fagot nos devuelve al motivo (allegro) inicial mientras el piano y los violines inician los acordes finales rodeados por el fondo de los vientos-madera, cuerdas y triángulo.
Con un solo de oboe, algo lúgubre, comienza el tercer movimiento (Lento) que con el soporte continuo de las cuerdas en pianissimo, desemboca en un redoble de tambor que nos introduce con el ultimo movimiento de la sinfonía (Allegro molto - Lento - Allegro molto). Tras un oscuro pasaje de las cuerdas se entra en una melodía muy rápida del clarinete y la cuerdas que va in crescendo hasta alcanzar un furioso clímax, descendiendo después a una calma interrumpida por un fortísimo solo de timbal que nos encamina hacia la coda final, en el que la sección de metales compone fanfarrias sobre los crecientes y virtuosos motivos de las cuerdas.
Cuarenta y cuatro años antes y en la misma sala, había tenido lugar la premiere de la 1ª Sinfonía de Glazunov, cuando éste tenía una edad de 16 años. El paralelismo no tardó en presentarse, los críticos comenzaron a buscar similitudes entre las obras de ambos. Dado el puesto de mentor que ostentaba Glazunov, muchos buscaban en la música del recién graduado alguna referencia hacia el músico consagrado. Nada más lejos de la realidad. Mientras la obra de Glazunov era afín a las de sus predecesores nacionalistas, incidiendo en los procedimientos musicales de compositores como Borodin o, sobre todo, Rimsky-Korsakov; Shostakovich, por su parte mostraba una enorme cantidad de recursos propios, revelando una importante deuda hacia la más pura tradición sinfónica rusa.
El manejo que hace el autor de los elementos orquestales, expresan una maestría inusual en una persona de su edad. Aunque Shostakovich conoció tarde el trabajo de Igor Stravinski (debido al carácter excesivamente academicista del Conservatorio), la primera parte de la obra se nota claramente influenciada por la música del autor de La consagración de la primavera. Algunos entendidos señalan el ballet Petrushka como responsable del tono algo satírico de esta mitad de la sinfonía. Es destacable que el concepto de seres humanos con la libertad coartada por el conductismo y la ingeniería del comportamiento era un tema ampliamente manejado en la época. Pero al entrar en el tercer movimiento Shostakovich cambia de forma sorprendentemente radical el tono de la sinfonía, llevándonos sin aviso previo, desde lo satírico a lo trágico, y virando la influencia estilística desde Stravinski al pleno sinfonismo de Tchaikovsky y Mahler, demostrando en su escritura una sorprendente profundidad.

La duración de la pieza es de aproximadamente de 30 o 35 minutos. La obra , pese a ser menor dentro del grandioso corpus sinfónico del autor, se suele interpretar con cierta regularidad. En cuanto a grabaciones, la mayoría suelen ser parte de integrales grabadas por un director. Tal es el caso del enlace que proponemos: corresponde a la versión de la integral de Bernard Haitink con la London Philharmonic Orchestra, la cual nos proponemos completar en siguientes entregas.

Fernando León

AQUÍ

MAHLER: SINFONIA N° 7, LA CANCION DE LA NOCHE. SCHERCHEN, SINFONICA DE TORONTO. DESCARGA

2009-06-11T21:58:00.010-03:00

Poco menos de un año antes de morir, el maestro Hermann Scherchen interpretó en 1965 esta vibrante versión de la Sinfonía N° 7, La Canción de la Noche, de Gustav Mahler.

Imprescindible bajarla y escucharla. Con la Sinfónica de Toronto.
Vamos pues.
Alta densidad.
AQUI.

GIOVANNI PAPINI: HISTORIA DE LOS AMORES HUMANOS

2009-06-02T22:35:00.000-03:00

Estaba releyendo hace unos días el Pervigilium Veneris en la armoniosa y grata versión de Catalina Vassalini y me detuve en el primer verso que reaparece varias veces, como un retornelo, en el exquisito y breve poema anónimo "Ame mañana quien no amó nunca y el que haya amado vuelva a amar mañana." Volvió a mi memoria el recuerdo de uno de los quinientos libros que hubiera querido escribir, una Historia del amor humano en sus varias formas y épocas y que hubiera sido muy diferente del que dio el mal recordado senador Mantegazza, precursor del sexualismo contemporáneo, con el título de Los amores de los hombres.
El amor antiguo, del que en el Pervigilium Veneris tenemos uno de los últimos documentos poéticos, es el amor entre hombre y mujer, el amor preferentemente sensual y carnal.
El cristianismo hizo que triunfara en el mundo, al menos en ciertas almas, el amor espiritual, el amor filial hacia el Creador, el amor fraternal hacia Jesucristo y por natural consecuencia hacia todos los hombres. En el Renacimiento se agregó a estos dos amores otra variedad de pasión: el amor hacia la belleza creada por el hombre, el amor por la naturaleza. Entre los siglos XVII Y XIX se afirmó y vigorizó otro amor: el de la búsqueda de la verdad y de las leyes fundamentales del universo.
Hemos tenido, pues, un amor que es voluptuosidad, un amor que es caridad, un amor de lo bello, contemplativo y creador; y un amor que es sabiduría y fuerza.
Estos amores no fueron sucesivos, no se negaron los unos a los otros y convivieron paralelamente durante muchos siglos de alternada hegemonía.
¿Qué nuevo amor surge y florece en nuestro tiempo? No logro verlo ni siquiera presentirlo. Me parece que el amor dominante en las últimas generaciones es el amor de las máquinas, pero no estoy muy seguro de ello. Temo que los hombres ya no amen nada en el sentido fuerte y perfecto de las pasadas épocas: amaron a la mujer, luego a Dios, luego a la belleza, luego a la verdad, todos objeto de amor dignos, en diversa medida, del alma humana. Si el hombre se viese ahora reducido a amar esos ruidosos y aceitados mecanismos de acero que sirven tan sólo para acrecentar la rapidez de los movimientos y por tanto ese "correr hacia la muerte" que es la vida, según Dante, me parece que tendríamos otra razón para no sentimos muy orgullosos de vivir en el presente siglo.

DVORAK: SCHERZO CAPRICCIOSO. KUBELIK. BOOK Y DESCARGA

2009-05-26T23:50:00.000-03:00

Para completar la integral de las Sinfonías de Dvorak, dado que forma parte de la misma, te dejo el delicioso Scherzo Capriccioso.

Rafael Kubelik y la Orquesta de la Radio de Baviera.

Excelente grabación.

Book y alta densidad.

AQUI.

MAHLER: SINFONIA N° 5. SCHERCHEN, ORQUESTA DE LA OPERA ESTATAL DE VIENA. TAPAS Y DESCARGA

2009-05-13T00:46:00.000-03:00

Hay varias Quintas de Mahler grabadas por Scherchen y para los desprevenidos, circula un disco compacto de alto precio pero con el Scherzo cortado, así que a cuidarse y no clavarse con esa compra.

Hoy te dejo esta grabación de Hermann Scherchen con la Orquesta de la Opera Estatal de Viena. Excelente versión con tapas y alta densidad que podés bajar desde → AQUI.

STANFORD: SINFONIA N° 7. VERNON HANDLEY, ORQUESTA ULSTER. TAPAS Y DESCARGA

2009-05-03T22:25:00.000-03:00

Ya disfrutaste, supongo, de las numerosas obras del compositor Stanford subidas al blog. Hoy te traigo la muy bella, por cierto, Sinfonía N° 7.

Dirige el gran Vernon Handley con la Orquesta Ulster.

Tapas y alta densidad.

AQUÍ.

RACHMANINOV: RAPSODIA SOBRE UN TEMA DE PAGANINI. THIBAUDET, ASHKENAZY, CLEVELAND. BOOK Y DESCARGA

2009-04-21T00:30:00.000-03:00

La increíble Rapsodia sobre un Tema de Paganini, de Rachmaninov, siempre cautiva por su vibrante temperamento y sus románticas melodías. Nada más pensar en la Variación N° 18.

Thibaudet al piano y Ashkenazy dirigiendo la Orquesta de Cleveland.

Book y alta densidad.

AQUI.

Barenboim reincide en Mahler

2009-04-10T13:00:00.006-03:00

A propósito del post reciente en el que se hablaba de Daniel Barenboim, y como un modo de demostrar que no estoy de acuerdo con los términos que lo descalifican, publico este gráfico en el que se da cuenta de la relación de Daniel Barenboim con la música de Mahler. La razón se funda en que a partir de este año, el músico argentino-israelí ha comenzado a incluir en su repertorio como director la obra más innovadora del creador de Kindertotenlieder: nada menos que el Adagio de la inconclusa Sinfonía Nº 10.
Recordemos que Barenboim es actualmente el director de la ópera estatal de Berlín y también de la Berlin Staatskapelle (la orquesta estatal berlinesa), una agrupación cuyo presente musical es magnífico, ya que está sonando a un nivel que, en mi opinión la acerca a las más grandes. Recordemos también que la agrupación en la que Barenboim figuró como titular antes de esta orquesta alemana fue ni más ni menos que la Chicago Symphony Orchestra, y en su puesto sucedió al maestro Georg Solti.

[Hacer clic en la imagen para ver en mejor resolución]

Ver también: La Sinfonía Nº 9 de Mahler, por Barenboim.

Fernando G. Toledo

MAHLER: SINFONIA N° 1, TITAN. HORENSTEIN, SINFONICA DE VIENA. TAPAS Y DESCARGA

2009-04-08T23:33:00.000-03:00

Las grabaciones de Horenstein son muy apreciadas por los melómanos mahlerianos. Y no es para menos. Su muñeca ha dejado notables registros como su Tercera y Octava.

Hoy te dejo la Sinfonía N° 1, de Mahler, con Horenstein y la Sinfónica de Viena.

Tapas y descarga.

A disfrutar.

AQUI.

MAHLER: SINFONIA N° 5. BARENBOIM, SINFONICA DE CHICAGO. VIDEO COMPLETO PARA DESCARGAR

2009-04-05T11:08:00.000-03:00

Ahora todos lo ensalzan y alaban. La cantidad de chupamedias snob ridículos son legiones. Gran pianista, sin dudas, pero director de orquesta inflado.

Hace unas décadas, cuando venía a la Argentina esporádicamente, pedía que cuando lo entrevistaban le hablen en inglés pues era su idioma y cuando insistían con su origen argentino, el decía que ser argentino era un accidente y un error, que el no se sentía Argentino.

Pero eso no les importa a los snobs.

En lo artístico, es un popcorn y un salame que se jacta de criticar y opinar sobre la calidad de una obra de un compositor clásico cuando seguro no puede componer ni un Do Sostenido.

Barenboim.

Hay material para vos, claro. Lo que escribo es una simple reflexión barata.

Te dejo un video completo de excelente calidad visual y de audio con EL argentino Barenboim al frente de la Sinfónica de Chicago interpretando la Sinfonía N° 5, de Gustav Mahler.

Pesa 700 Megas y tenés que bajar todas las partes, y con el menú win rar, función extraer aquí sobre la Part 1. Y listo.

AQUI.

MAHLER: DAS LIED VON DER ERDE -LA CANCION DE LA TIERRA-. INBAL, NES, SCHREIER. DESCARGA

2009-04-02T01:10:00.000-03:00

Eliahu Inbal nos ha deleitado con una excelente integral de las sinfonías de Mahler y hoy te dejo el ciclo Das Lied von der Erde, La Canción de la Tierra, que lo compone. Con la Sinfónica de la Radio de Franckfurt y los solistas Jard van Nes y Peter Schreier.

Una joyita.

AQUI.

* * *

Si querés una opinión acerca del «Mahler de Inbal», a propósito de su ciclo integral, leer AQUÍ.

DVORAK: SINFONIA N° 9, DESDE EL NUEVO MUNDO. GEORGE SZELL, CLEVELAND. TAPAS Y DESCARGA

2009-03-27T00:18:00.000-03:00

Sin dudas la sinfonía de Dvorak más grabada y popular. Tiene sus méritos claro y quien no retiene en su memoria el impresionante comienzo del movimiento final (la Octava también tiene un final parecido).

Aunque a mí lo que más me ha impresionado de esta sinfonía es su inmenso y terrífico Largo.

Ominoso e inquietante.

Vamos pues a la siguiente grabación con George Szell y la Orquesta de Cleveland de la Sinfonía N° 9, de Dvorak.

Tapas y alta densidad.

¡A volar!

AQUI.

MAHLER. SINFONIA N° 1, TITAN. MITROPOULOS, SINFONICA DE MINNEAPOLIS. TAPAS Y DESCARGA

2009-03-21T23:14:00.000-03:00

Todo un testimonio de uno de los primeros (sino fue realmente el primero) difusores de la obra musical de Gustav Mahler.

Mitropoulos y la Sinfonía N° 1, Titán. Grabación de 1940 con la Sinfónica de Minneapolis.

Tapas y alta densidad.

AQUI.

AVISO IMPORTANTE (2)

2009-03-17T16:00:00.006-03:00

Estimados lectores:
Con este pequeño artículo quisiera, primero, agradecerles a todos las palabras que han ido dejando, en forma de comentarios o correos, desde el anuncio oficial de que el blog suspendía sus actividades por la salud de El Cuervo. En segundo lugar, lamento decirles que nuestro querido blogger no está todavía recuperado, ni mucho menos. Junto con la tristeza de ese hecho, también debo decirles que no cabe esperar que la vuelta del Cuervo y de este blog a sus actividades acostumbradas vaya a producirse en un lapso breve de tiempo. Al contrario, en caso de que realmente este blog vuelva a funcionar, ello seguramente no será hasta dentro de muchos, muchos meses.
Me voy a tomar el atrevimiento de publicar, de tanto en tanto, algunos pocos posts que El Cuervo ya tenía preparados. Será lo más parecido a la actividad que antes tenía. Pero, repito, pido a todos que no esperen actualización normal del blog, moderación de comentarios, restablecimiento de enlaces rotos o la realización del concurso. Si no se clausura este blog es sólo en homenaje a todo el trabajo del Cuervo y a la fidelidad que ustedes le profesan.
Lamentando no poder contarles nada más, por respeto a nuestro huésped, los saluda

Fernando

AVISO IMPORTANTE

2009-03-08T22:33:00.003-02:00

Estimados lectores de elcuervolopez:

Debido a problemas de salud del titular de este blog, todas las actividades de la página han sido suspendidas hasta nuevo aviso. Dicha suspensión incluye la publicación de nuevas entradas, la moderación de comentarios y la realización del concurso.
Muchas gracias.

FGT

PUCCINI: TURANDOT. DOMINGO, MARTON, LEVINE. MET 1988, ZEFFIRELLI. VIDEO COMPLETO PARA DESCARGAR CON CARACTERISTICAS DVD. IMPERDIBLE

2009-03-05T00:30:00.002-02:00

Luego de las cuatro introducciones precedentes, vamos pues al excepcional video de la ópera Turandot, la obra maestra de Giacomo Puccini.

La grandiosa y ya legendaria puesta en escena del MET de 1988 de Franco Zeffirelli con el maestro James Levine en la dirección orquestal y los siguientes solistas: Plácido Domingo, Eva Marton, Leona Mitchell y Paul Plishka.

Ripeada y comprimida directamente desde DVD con el sistema RatDvd con lo cual se han preservado los menús y extras, incluso la opción de los subtítulos. Pueden reproducirlo en vuestra PC con el Medial Player, el BSPlayer, KM Player, Zoom Player, etc. con todas las características de un DVD. Para ver el post donde explico el programa RatDvd ver AQUI.

El video está partido en trece (13) partes con el win rar. Hay que bajar todas las partes y luego mouse sobre Part 1, extraer aquí desde el menú del win rar, click y en pocos segundos tenés la película completa.

La enorme ventaja, además de guardar los beneficios de un DVD y ser superior a un Divx, es que el video RatDvd lo podés volver a convertir en un DVD, si querés, en este caso, de doble capa (8 gigas y medio). De esta manera podrías verlo, además, en tu DVD de Mesa. Para esto, hay que instalar el programa RatDvd (Box Cuervodescargas en Sidebar, carpeta Programas), carga el video y optar por pasarlo a DVD.

Una pavada.

Deleitate con esta excepcional ópera y puesta en escena.

Va con el book y tapas.

Y si querés, además, el libreto, podés bajarlo del sitio Kareol. Links con el argumento y apuntes AQUI, AQUI, AQUI y AQUI.

Contame luego. No te pierdas este video.

AQUI.

PUCCINI: TURANDOT (4). ACTO III. ARGUMENTO

2009-03-05T00:27:00.002-02:00

TURANDOT

ACTO III
Cuadro 1
-Jardines del Palacio-
Noche

Los heraldos anticipan el aria del príncipe cuando desvelan la orden de Turandot: "Nadie duerma en Pekín. Pena de muerte salvo que el nombre del príncipe desconocido sea revelado". El aria "Nessun Dorma" es lo más emblemático de esta ópera. Su belleza es reconocida dentro y fuera del mundo de la ópera. Los tres ministros irrumpen (Tu, che sguardi!) con el objetivo de convencerlo de que abandone la idea de tener a Turandot presentándole mujeres bellas, dinero o imperios fabulosos pero el príncipe niega tales bienes ya que sigue queriendo a la princesa mientras que el pueblo, amenazado por ella, se muestra adverso; visto que no es el camino, le traen a su padre- recordemos que es el rey Timur que aparece en el acto I- y a la esclava Liù bajo amenaza de tortura para que el príncipe diga su nombre. Llega la princesa y Ping le cuenta la intención de empezar la tortura (Principessa!).
Este momento es clave en la ópera puesto que Liù se convierte en la verdadera protagonista: declara que sabe el nombre pero niega revelar el secreto puesto que quiere "poseerlo ella sola"; se muestra fuerte ante la tortura y su aria "Tanto amore segreto, e inconfesato", en el que desvela todo el sacrificio dispuesto a realizar por ella, es un ejemplo de la gran serenidad de una persona dispuesta a morir por no decir el nombre del príncipe; eso sí, sin dejar de advertir que la princesa acabaría cediendo al amor del desconocido ("Tu , che di gel sei cinta").
La muerte de Liù, unida al presagio de Timur, cambia la actitud de los tres ministros y del pueblo que, hasta entonces, estaba ofuscado y que deviene compasivo ("Liù, sorgi!, sorgi!"). Cuando todos se han marchado, comienza uno de los más apasionados dúos de amor dentro de la obra de Puccini. El príncipe recrimina el porte frío de la princesa, recordando la sangre derramada ("Principessa di gelo!"), y afirmando rotundamente que todo ese "tu hielo es mentira". Ella le confiesa sus sensaciones cuando le vió por primera vez ("Del primo pianto") y cómo había vencido él, no con la prueba, sino con "esa fiebre que me viene de ti"... pero pidiendo que no siga más con el intento de tenerla en sus brazos ("Vittoria più grande non voler"). Al final, el príncipe acaba resignado y decide revelarle el nombre: "Io son Kalaf, figlio di Timur" mientras suenan las trompetas desde el Palacio.

Cuadro 2
-Palacio-

Tras la aclamación del pueblo al Emperador llega el momento en el que Turandot debe desvelar el nombre del príncipe extranjero: "Il suo nome è ...Amor", dice ella. El pueblo se muestra exultante de que la princesa haya alcanzado el amor y lo celebra ("Amor! O sole!, vita!, eternità!") en un final bastante emotivo donde a toda orquesta y coro se entona mediante la melodía del Nessun Dorma la alegría del pueblo.

PUCCINI: TURANDOT (3). ACTO II. ARGUMENTO

2009-03-05T00:15:00.002-02:00

TURANDOT

ACTO SEGUNDO
Cuadro I
-Pabellón cercano al palacio del Emperador-

Quizás es el acto en el que se note más esa musicalidad oriental, bien en la conversación entre los tres ministros del emperador, bien en esa escena impresionante del palacio del emperador en lo que es el segundo cuadro. La conversación de Ping, Pang y Pong (Olà Pang, olà Pong!) consigue aligerar la tensión del final del primer acto con un tono melódico bien diferenciado según el momento. De esta forma, podemos apreciar una parte de diálogo ágil (O China, o China) en el que van recordando el destino terrible de China desde que nació Turandot, los diferentes pretendientes "peculiares" (O Mondo!) y, entre ambas escenas, la evocadora "Ho una casa nell'Honan" en un sublime trío en el que los ministros van recordando sus respectivas zonas de descanso y sus deseos de volver... Si no fuera porque debían mantenerse en Pekín por la princesa. La culminación del primer cuadro llega de la mano de ese "Addio, amore, addio, razza!" en el que los tres ministros cantan al unísono imaginando un feliz desenlace, cómo prepararían los esponsales y deseando que el amor devuelva la paz a la China ("Gloria, gloria al bel corpo discinto"... Gloria al bello cuerpo desnudo). Desde el Palacio Verde les llaman para que se presenten para el "enésimo suplicio" con lo que sirve de nexo para dar lugar al segundo cuadro.

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Cuadro II
-Palacio del Emperador-

Llegan los tres ministros al palacio donde les recibe el público expectante por la resolución de los enigmas ("Gravi, enormi ed imponenti"... graves, enormes e imponentes). El Emperador, aclamado por el pueblo, trata de convencer al príncipe desconocido para que renuncie a seguir con esa locura "que ensucia de sangre su cetro" y por el que no quiere "cargar con el peso de su joven vida". El mandarín, como algo rutinario, repite la cantinela del principio de la obra, recordando que aquel que no supere los enigmas deberá poner su cabeza debajo del hacha. Turandot, que no ha aparecido en toda la ópera salvo para sentenciar con un gesto al príncipe de Persia al principio del acto I, tiene su primera intervención con un aria que revela su carácter duro y frío ("In questa Reggia"... En este palacio) donde revive el dramático fin de la princesa Lou-Ling, violada por un extranjero, y que, ahora, Turandot quiere vengar. En un aria imponente, de gran fuerza dramática, la colaboración del coro es secundaria pero no le quita belleza sino que la complementa. El príncipe, que escucha como Turandot le pide que "no tiente la fortuna", insiste en su intención de resolver los tres enigmas; uno a uno, el príncipe los va resolviendo ante el aplauso del público presente ("Gloria,gloria, o vincitore"). Cuando se resuelve el tercer enigma surge la sorpresa: la princesa pide que "no se le entregue en los brazos del extranjero" como una "esclava, muerta de vergüenza"; todo esto es acompañado por la gran belleza de la melodía pucciniana en la que la voz de la soprano se une formando una gran armonía y un soberbio contrapunto con la masa coral. El príncipe, que prefiere que la princesa no se muestre hostil, le sugiere que resuelva un enigma: si dice su nombre antes del alba ("Tre enigmi m'hai proposto"... "Dimmi il mio nome"... Tres enigmas me has propuesto... Dime mi nombre), él morirá. Ella acepta esta solución mientras que el Emperador, harto de tanta muerte, le desea suerte.

PUCCINI: TURANDOT (2). ACTO I. ARGUMENTO

2009-03-05T00:10:00.003-02:00

ACTO PRIMERO
En las afueras del Palacio Imperial

La ópera comienza con el edicto leído por un funcionario del palacio, un mandarín, que nos desvela la trama de la ópera ("Popolo de Pekino"... Pueblo de Pekín) donde se establece que la princesa se casará con aquel príncipe que sea capaz de desvelar los tres enigmas que ella propondrá; en caso contrario, morirá. Una vez dicho esto, el mandarín informa que el último pretendiente, el Príncipe de Persia, morirá con la salida de la luna. El pueblo acude con insospechada alegría al palacio ("Muoia, sì, muoia"). Entre toda la gente reunida se ve a un anciano ciego acompañado de una guía; dicho ciego cae y, ante los gritos de auxilio de ella para que la ayuden a levantarlo, aparece alguien que lo reconoce como su padre ("O padre, sì, ti ritrovo").

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El ciego, antiguo rey exiliado llamado Timur, le comenta que, tras perder la batalla, ella fue su guía y mendigaba por él; ante tal gesto noble, el príncipe preguntó a la esclava el porqué de esos actos a lo que ella responde que todo se debe "a que un día me sonrió en el palacio". Aquí ya tenemos la primera intervención de Liù donde destaca su bondad y generosidad.
En ese momento, el pueblo asistente clama fervientemente "sangre" ("Gira la cote") y pide que surja la luna ("Perchè tarda la luna?") en un tono más coral donde los tenores se van intercalando con sopranos, bajos...hasta que aparece el verdugo Pu-Tin- Pao. Sin embargo, la reacción del pueblo muta con la visión del príncipe de Persia y pide piedad para el joven (O giovanotto! Grazia, grazia... O jovencito, gracia, gracia). A ellos se une el príncipe desconocido (a partir de ahora llamaré así al hijo del rey ciego Timur) a la hora de pedir piedad para el condenado pero la aparición de Turandot cambia las maldiciones del príncipe ("ch'io ti veda e ch'io ti maledica") por unas exclamaciones de alguien completamente enamorado (O divina bellezza! O meraviglia!). Tanto su padre como la esclava tratan de quitarle la idea de optar por ella. Ni siquiera el grito del condenado llamando a Turandot en la hora de su muerte convence al príncipe desconocido para abandonar. Cuando está dispuesto a golpear el gong las tres veces le cortan el paso los tres ministros del Emperador (Fermo! Che fai? T'arresta!..., Alto, ¿qué haces? párate). Este se trata de uno de los tantísimos geniales efectos teatrales de esta ópera dónde los ministros aparecen de improviso al mismo tiempo que se sacude un efecto sonoro que los acompaña.
Los tres ministros -Ping, Pang y Pong- tratan de convencerlo de que no vale la pena arriesgar la vida por Turandot cuando, al fin y al cabo, es una "mujer con una cara, dos brazos y dos piernas como el resto". Como una especie de tregua ante semejante repertorio de "motivos" para evitar que el príncipe desconocido siga con la idea de Turandot aparecen las doncellas de Turandot pidiendo silencio (Silenzio, olà) así como las sombras de los condenados por el amor de la princesa de hielo en las que se nota el tono más pausado. Liù se une, a petición de Timur, para pedirle al príncipe que reconsidere su idea (Signore, ascolta!) en un aria que se apodera del oyente tanto por el dramatismo como por la belleza musical. El príncipe desconocido le responde (Non piangere, Liù) en el que le pide a ella que no abandone a su padre mientras ella no puede evitar que él esté magnetizado por la fuerza de Turandot (Nessuno più ascolto!... no escucho a nadie). El brillante final (ah, per l'ultima volta!, exclama Timur) acaba, pues, con el célebre "¡Turandot!" exclamado por el príncipe hasta tres veces y golpeando el gong otras tres y que le convierte en el candidato al amor de la princesa ante el pueblo aglomerado. Los guardias imperiales se llevan al extranjero al interior del palacio. Mientras los tres ministros ríen a carcajadas llamándo loco y Liú llora abrazada a Timur.

PUCCINI: TURANDOT (1). INTRODUCCION, GENESIS Y APUNTES HISTORICOS

2009-03-05T00:05:00.002-02:00

TURANDOT

TURANDOT es la última ópera de Puccini, cerrándose con ella su valiosa producción de 12 títulos para la lírica. En diciembre de 1918 Puccini había estrenado en Nueva York, e inmediatamente en Roma, el llamado “Tríptico”, conformado por las óperas “Il Tabarro”, “Suor Angelica” y “Gianni Schichi”.
En la búsqueda de temas para una nueva ópera fue que Puccini pidió a Giuseppe Adami, libretista en dos partes del “Tríptico”, y a Renato Simoni que se abocaran a ese trabajo. Simoni era un estudioso de la vida y la obra de Carlo Gozzi y, como tal, era autor de un libro basado en ese escritor veneciano del Siglo XVII. Fue así, entonces, como el tema para la nueva ópera de Puccini surgiría de una de las fábulas dramáticas de Gozzi, llamada “Turandot”, la cual estaba inspirada en antiguos cuentos orientales. La gestación de la ópera fue lenta, con un trabajo codo a codo, pero no siempre grato, entre los libretistas y el compositor.
Este trabajo comenzó en enero de 1921.

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El acto primero fue compuesto entre marzo y noviembre de 1922, no teniendo aún Puccini libreto para los actos siguientes. A comienzos de 1923, y ya con el texto listo, completó su primer esquema del acto segundo y, cuando comenzó con el tercero, pidió a los libretistas que revisaran textos que no le satisfacían. A fines de 1923, el proceso iba en la orquestación del acto segundo.
Fue en esa época cuando Puccini comenzó a tener problemas de salud: un simple dolor de garganta y una persistente tos pronto se presentarían de modo mucho más preocupante. En aquél tiempo Puccini retomó contacto y revivió una antigua amistad con Arturo Toscanini, quien sería el director del estreno de “Turandot”, programado para abril de 1925. En septiembre de 1924, “Turandot” estaba casi completa, con la excepción del dúo de amor del tercer acto y la escena final.
La enfermedad a la garganta de Puccini había avanzado ya a un nivel tal que le resultaba casi imposible seguir trabajando. Un severo cáncer le fue descubierto. Fue operado, pero las aplicaciones de radio a que fue sometido el compositor complicaron su corazón. Puccini falleció el 29 de noviembre de 1924. Así, su muerte dejó la ópera “Turandot” sin terminar, por lo cual la fecha original que estaba programada para su estreno, (abril de 1925), tuvo que ser pospuesta. Era muy importante buscar una mano idónea que terminara la ópera y, barajando nombres, la familia de Puccini conjuntamente con Arturo Toscanini acordaron entregar la misión a Franco Alfano.
Este demoró seis meses en completar la ópera y “Turandot” finalmente fue estrenada en La Scala de Milán, el 25 de abril de 1926, cerrándose así un proceso de gestación de más de cinco años. Ese estreno fue dirigido por el maestro Arturo Toscanini, quien en la primera de las ocho funciones que ofreció La Scala se permitió suspender la interpretación en el justo momento que marcaba el fin del trabajo de Puccini.
En aquella ocasión Toscanini bajó sus manos y dando la cara el público señaló “Aquí termina la ópera dejada incompleta por el Maestro, quien murió en este punto”.
“Turandot” representa el trabajo más maduro y logrado de toda la producción pucciniana, y al mismo tiempo una recopilación de su itinerario creador. Dos características llaman mucho la atención en “Turandot”. Por una parte está el tratamiento del coro. De elemento bastante secundario y casi inexistente en buena parte de su producción anterior, el coro pasa a ser totalmente protagónico, con escenas de gran opulencia sonora.
Por otra parte está el exotismo, no sólo planteado por los aspectos visuales sino también por la música misma, en forma muy marcada. En “Madama Butterfly”, ambientada en Japón, Puccini había dado el primer paso, ciertamente más sutil. Ahora, con “Turandot”, emplazada en la China milenaria, se incorporan a la partitura auténticos temas chinos y abundancia de motivos pentatónicos.
"Turandot" es sin dudas la ópera de gran espectáculo que da lugar a representaciones fastuosas y brillantes, plena de lirismo y escenas románticas, suspenso, comedia y un final a todo esplendor. Quizás "Aida", de Verdi o "Sanson y Dalila", de Saint-Saens puedan asemejársele en dimensión escénica y coral.

En lo personal, es mi ópera favorita y a veces me ha hecho pensar en esa regla rara vez vulnerada que la mejor obra de un autor es aquélla que no ha llegado a concluir en vida.
En la siguiente entrada se comentará el argumento del Acto 1ro. culminando luego del Acto 3ro. con el video de la puesta en escena del Metropolitan Opera House (MET) en una de las mejores y más glamorosas versiones (1988) con Plácido Domingo, Eva Marton y Leona Mitchell en los papeles principales, la dirección de Franco Zeffirelli y la batuta a cargo del maestro James Levine directamente desde DVD comprimido en RatDVD.

elcuervolopez

MAHLER: DES KNABEN WUNDERHORN. HERREWEGHE. TAPAS Y DESCARGA

2009-03-05T00:01:00.001-02:00

Ya hemos constatado que los arreglos orquestales e interpretaciones de Philippe Herreweghe son de notable y muy cuidada factura. Lo hemos escuchado con el Réquiem de Fauré y Das Lied von der Erde, de Mahler, en el arreglor que hiciera para conjunto de cámara Schoenberg.

Hoy lo tenemos aquí con Des Knaben Wunderhorn, de Mahler.

Con los solistas Sarah Connolly y Dietrich Henschel y la Paris Champs-Élysées Orchestra.

Tapas y alta densidad.

No creo que te lo pierdas... ¿o sí?

AQUI.

CAVILACIONES SOBRE ANTON NANUT, UN DIRECTOR DESCONOCIDO PERO MUY APRECIADO Y ESCUCHADO; POR WALTER RAVANELLI, COLUMNISTA INVITADO

2009-03-04T01:12:00.004-02:00

Me quedé cavilando sobre los comentarios vertidos en el Blog acerca de la figura de Antón Nanut y se me ocurrió hacer este sencillo y humilde aporte.

Antón Nanut nació en la ciudad de Kanal, en Eslovenia, el 13 de septiembre de 1932. Estudió en la Academia de Música de Ljubljana y estableció su carrera como conductor estable de la Orquesta de la Ciudad de Dubrovnik. Durante su permanencia en ese cargo, hizo giras como director de orquestas en Londres, Praga y Varsovia, y junto a su orquesta en Hungría, Italia y Austria.
Después de ello, Nanut se convirtió en director de la Orquesta Filarmónica de Eslovenia, con sede en la ciudad de Ljubljana, y fue el conductor del Departamento de Música de la Academia de Música de esa misma ciudad. Con esta Filarmónica visitó Italia, Austria, Bélgica, Alemania, Polonia, la U.R.S.S. y los Estados Unidos.
En 1981, Nanut se convirtió en el director de la Orquesta Sinfónica de la Radio Eslovena, y realizó grabaciones para la radio y la red televisiva de ese país. También realizó giras con esa orquesta, por Italia, Austria, Polonia, Bulgaria, México, Alemania, Suiza y Hungría.
En sus viajes, tuvo ocasión de ponerse al frente de otras orquestas, tales como la Staatkappelle Dresden, la Sinfónica de Radio Berlín y la Filarmónica de la Ciudad de México.
Más recientemente, Nanut condujo la Orquesta Sinfónica de la Radio Eslovena en la grabación de más de 150 discos compactos, de amplia distribución mundial.
Nanut ha recibido numerosos premios, tales como el premio Milka Trnina, el premio Slobodna Dalmacija por su interpretación del Réquiem de Mozart, el premio Zupancik, el premio Preseren, el premio de la Sociedad de Artistas de Yugoeslavia, la medalla Carnegie, la medalla Smetana y la medalla Golden Milano.

Por último, refiero una anécdota personal que aplico por analogía. Marko Munih era también para mí un director de grabaciones y existencias dudosas, sin perjuicio de lo cual contaba con registros magníficos que se le atribuían.

Y un buen día, con el auspicio de la comunidad eslovena local -yo vivo en la provincia de Mendoza, Argentina-, viene Marko Munih en carne y hueso.

En fin...

Walter Ravanelli