VIDEOBLOG DEL PALACETE

CLOSED (Cerrado) by Elnan

2008-04-13T19:42:00.002+01:00

THE 25TH HOUR (La última noche) by Álex

2008-04-07T12:09:00.003+01:00

Bueno, me ha llegado el turno. Estoy poco productivo ultimamente, así que en lugar de ponerme a pensar en alguna peli que me haya marcado, o en algún clásico, os relataré la última peli que me “compré” en la tienda de torrente. “La última noche” (The 25th hour) de Spike Lee.

Lo primero que llama la atención de la peli, siendo de Spike Lee, es que no es una peli de negros. No se me ofenda nadie, no es mi intención. Pero Spike Lee suele hacer peliculas de alta carga política y más alta carga racial. Y forma parte de un género que podríamos denominar “pelis de negros”.

Pues esta peli la protagoniza el gran Edward Norton. Y está secundado por otros grandes actores como Philip Seymour Hoffman, Rosario Dawson o Brian Cox.

El argumento es simple. Monty Brogan (Norton), un camello de Manhattan que ha hecho fortuna con su droguería, está a punto de ingresar en prisión. Tal como empieza la peli, le queda un dia para entrar. Y durante el film, vemos como afrenta el cambio que va a dar su vida y como se despide de sus relaciones y de su vida como ex-camello.

Sus relaciones son pocas. Una novia, Naturelle (Dawson), de la que sospecha que fue quien dio el soplo para que le pillaran. Una relación de pareja que parece bastante anodina, pero que será vital para que el tenga alguna luz al final del tunel de los 7 años de carcel. Sí, solo le han caído 7 años, ¿parece poco, no? Y una mierda, enfrentáos a 7 años apartados de vuestra vida.

Después está Frank (Barry Pepper) Típico broker de Wall Street que ha llegado a tener una posición privilegiada a base de pragmatismo y algún chanchullo que otro. Vamos, lo que se entiende por un broker. Gran dilema al que se enfrenta al final de la película. Pero chaval, si le dices a un amigo que harías cualquier cosa por el; apechuga.

Y el segundo amigo en discordia. Jacob Elinsky (Seymour Hoffman). Gran secundario este personaje. Profesor de literatura en el instituto, enamorado de una de sus alumnas, y con esa pinta de pervertido sexual reprimido que tan bien les sabe dar Seymour Hoffman, que es como un árbitro de futbol, siempre los 2 apellidos. Parece que la carrera de Hoffman ha dado un paso a personajes protagonistas. Mejor, porque entre esta peli y Hapiness, estaba encasillado en pervertidos sexuales.

También aparece la alumna lolita de la que se enamora Jacob, y esta es Anna Paquin. Sí, Pícara, o la niña del Piano. Pequeño papel de calientabraguetas que interpreta bastante bien. ¿Estará acostumbrada a ello?

Y por analizar nos queda al padre de Monty, James Brogan (Cox). Bombreo retirado que regenta un bar de bomberos. Personaje que comprende lo que ha tenido que hacer su hijo, la esposa murió cuando Monty era pequeño y el estaba ocupado con la botella. Así que aunque le disguste lo que va a suceder, se comporta y apoya al joven camello. Además, es el personaje que al final da un poco la sorpresa, que no destriparé aunque tenga ganas, pero que creo es la que le da el título en versión original “The 25th Hour” La hora 25 para aquellos que no sepan que hour es hora.

En resumen, una peli con poca acción. Debivo a que nos narra un solo dia, lo hace lentamente, aunque nunca molesta el ritmo de la película. Si os gusta el cine de Spike Lee, creo que os gustará.

¡No puedo olvidarme de otro protagonista! El perro que Monty salva en la primera escena de la peli, y se convierte en su mascota. Como bien dice el personaje: “Juro que salvarlo es lo mejor que he hecho en mi vida; cada día que ha vivido me lo debe a mí”. El perro saca la parte más humana del camello que es Monty, y aunque es difícil que su papel sea memorable, es uno de los perros que más influyen en la evolución de un personaje.

Toma final.

THE HIDDEN by Doctor Jota

2008-03-23T15:36:00.001Z

the Hidden (Oculto), o todo el esplendor de la serie B

Siempre he sostenido que el auténtico arte cinematográfico, el artesano, el que simplemente se mueve por la pasión y que busca atrapar al público mediante elevadas dosis de entretenimiento puro y duro, se encuentra en los films de serie B. Películas de presupuesto limitado, con actores de segunda fila, un equipo técnico mal pagado pero que, a pesar de todo, destilan un cierto tipo de arte en cada fotograma porque se nota que todos los que intervienen, del primero al último, se lo están pasando en grande. John Carpenter es un maestro en hacer películas de serie B de altas prestaciones (donde la relación calidad/precio alcanza sus cotas máximas), y quizás uno de las películas que más me han hecho comerme el coco sea precisamente su En la boca del miedo, pero como la última vez que pasé por aquí ya hablé de Halloween, su insuperable y sanguinario do de pecho, me remitiré a otra de esas pequeñas perlas que seguro que a muchos les pasó desapercibida en su tiempo pero que ahora es relativamente fácil de recuperar gracias a las modernas tecnologías internáuticas.

Señores, bienvenidos al Los Angeles de The Hidden, un mundo en el que todo es posible y en el que un vulgar delincuente común puede convertirse en el quebradero de cabeza más importante que se ha tirado por la cara el departamento de policía local en lustros. Se abre el telón y tenemos frente a nosotros una de las persecuciones automovilísticas más bestias que hemos presenciado en un cine: un tío atraca un banco a cara descubierta, coge el botín y se larga en un Ferrari rojo recién sisado, volando por las calles de la urbe californiana. Tom Beck (Michael Nouri) es el 'pasma' encargado de echarle el guante. Para ello monta una barrera de coches de policía y aguarda a que llegue el bólido con todo un montón de agentes con el arma desenfundada parapetados tras sus automóviles. Se oye el rugir del motor en la distancia, se palpa la tensión en el ambiente, aparece el Ferrari con el atracador dentro y, haciendo caso omiso de los avisos que le conminan a detener el coche, se estampa contra el dispositivo montado y el coche termina echo una bola de fuego unos metros más allá. Contra todo pronóstico, el delincuente sale del mismo por su propio pie, lanza una mirada de desdén a los hombres de Beck y sigue avanzando. Los policías disparan, él ni se inmuta. Sigue caminando. Otra lluvia de balas. Él sigue a su ritmo, pero al final cae. Lo trasladan a un hospital donde expira en su habitación. Caso cerrado... o no, porque a su compañero de habitación, un cirrósico en estado terminal, le da por levantarse de la cama como si nada, dejar la clínica e irse a... robar otro Ferrari

Eso le pasa a Beck por no hacer caso de los consejos del agente del FBI Lloyd Gallagher (Kyle McLachlan, a punto de sumergirse en el sórdido mundo de Twin Peaks), que ya le avisó en el hospital que este asunto era mucho más complicado de lo que parecía a primera vista. Como en Fallen, la cosa deriva en la persecución de un criminal que puede ir cambiando de cuerpo a voluntad. Pero así como en el film de Hoblit la cosa iba de versos satánicos, en Oculto quien lleva la batuta maléfica es un extraterrestre con bastante mala uva y un cierto toque de humor negro. Los saltos corporales se completan usando un método que deja a los del Alien de Ridley Scott a la altura de un vulgar juego de niños alienígena, y el humor vitriólico que impregna todo el metraje se debe en gran medida a que el extraterrestre de marras se encuentra en nuestro planeta de vacaciones y con unas ganas enormes de pegarse una farra descomunal por estos parajes (¿y qué mejor manera que ir descuartizando a inocentes ciudadanos, atracar bancos y robar un Ferrari tras otro?). Nuestro amigo el policía al principio no cree en todas estas patrañas, pero el hecho de que su compañero del FBI sea un poco 'rarito' -dicho de otro modo, que no parece de este mundo, y ustedes ya me entienden- le ayuda a comprender mejor la complejidad del caso en el que anda metido, y que concluye con un intento de magnicidio interplanetario.

Film altamente recomendable, marcó un punto de inflexión a peor en la carrera cinematográfica de los dos protagonistas, pues a partir de aquí ya no hicieron nada decente en celuloide (no así en la pantalla catódica). Tampoco es algo achacable a esta película, de todos modos, que se deja ver con el encanto del añejo cine artesanal de finales de los ochenta, y que adquiere una dimensión muy meritoria si tenemos en cuenta que se rodó con cuatro duros y un sobrante de imaginación. De verdad, si pueden no se la pierdan.

Más información en la Wikipedia (inglés).

THE PATRIOT (El patriota) by Emili

2008-03-09T18:36:00.003Z

A mi juicio, una obra maestra del cine contemporáneo sin lugar a dudas. Dirigida por Roland Emmerich,es una producción americana del año 2000 que cuenta con el australiano Mel Gibson como protagonista, encabezando un reparto entre los que figuran el recientemente malogrado Health Ledger, Joely Richardson, Tom Wilkinson o el villano Jason Isaacs. En su Banda Sonora cuenta con la participación del mítico John Williams y su duración es de unos 160 minutos aproximádamente. El tema central de la película gira en torno a la guerra de la independencia norteamericana, suceso acaecido a finales del siglo XVIII. Este es un film bien ambientado en su época y al basarse en hechos históricos le da a su argumento mayor solidez y versemblanza.

Benjamin Martin, es un antiguo héroe de guerra que vive en tierras de Carolina del Sur, cuando de repente se haya inmerso en plena batalla por la independencia americana. La que ahora seria norteamérica es invadida por las hostiles y agresivas fuerzas británicas de los Redcoasts, unos invasores que cuentan con un cabecilla especialmente sádico, un oficial británico sin escrúpulos dispuesto a todo por ganar esa guerra. Benjamin, viudo de un tiempo a esta parte y que vé como su familia es dividida por esta absurda guerra, es un rebelde con espiritu revolucionario, un guerrero que no está dispuesto a mantenerse en silencio ante las hordas represivas llegadas desde el otro lado del Atlántico. Así que recluta una banda de voluntarios reacios que estan dispuestos a dar la vida por su pais, valientes guerreros que no querrán conceder tan fácilmente su tierra al enemigo extranjero. Entre los reclutados por B. Martin (Gibson) incluye a su hijo Gabriel (Ledger) más idealista y patriota si cabe que su padre, para armarse contra los británicos en una lucha paralela en la que encontraremos el contraste entre el amor hacia su familia por un lado y la lucha sin cuartel por la libertad de su pais. Martin descubre en los horrores del campo de batalla como el dolor de la traición, la venganza y la pasión desenfrenada se mezclan con el coraje y el honor de sus leales hombres que lucharán sin ningún temor a las consecuencias motivadas por su rebeldía.

Mientras tanto una nueva América está a punto de nacer.

Este hombre de principios, fiel a sus ideales y un revolucionario con causa, convierte esta guerra de secesión como en algo personal. El hecho de ser un ex-militar británico y colono de Nueva Inglaterra hace más interesante su papel. De hecho "reniega" de los suyos, pasa de héroe a traidor, por ello las tropas inglesas lo quieren ver más que muerto, simplemente por lo que representa su figura más allá de la de un vulgar combatiente. Al principio veremos como se muestra contrario a luchar contra sus "ex" por la colonia americana a la que pertenece mostrándose reacio a la lucha armada y apostando por el diálogo y las negociaciones diplomáticas con el enemigo... Pero vence la decisión de ir a la guerra entre los suyos. Cuando se alistan sus dos hijos en el frente rebelde y vé como delante de su casa el oficial villano de los ingleses mata a uno de sus hijos a sangre fría...entonces Benjamin Martin luchará por dos causas. Os recomiendo tres escenas, la de los hombres de paja engañando a los ingleses, como una bala de cañón le vuela la cabeza a un combatiente... y sobretodo la escena final cuando venga al asesino de su primogénito.

Vengar la muerte de su hijo y conseguir de paso la independencia de los Estados Unidos serán los dos objetivos que centrarán el desenlace final de esta excelentísima película.

TRUE ROMANCE (Amor a quemarropa) by HRubesch

2008-02-25T18:26:00.009Z

Lo que le ocurre al protagonista de este enorme film durante los primeros 15 minutos es lo que yo siempre he soñado: Clarence (Christian Slater), un humilde trabajador de una tienda de comics, se va al cine del barrio a tragarse una sesión triple de pelis de Kung-Fu el día de su cumple. Ahí conoce por casualidad, o no, a una rubia, Alabama (Patricia Arquette), con la que pasará una noche de sexo notable. Resulta que ella es una puta contratada por el jefe de Clarence como regalo de cumpleaños (a ver si las empresas de este país toman nota). Pero entre los dos nace el amor, sí, sí, sí, viva!, y fíjate, deciden unirse para siempre en matrimonio.

Entonces empieza lo bueno. Siguiendo las órdenes del fantasma de Elvis Presley (val Kilmer), Clarence se va a casa de del chulo de Alabama (Gary Oldman) para recoger sus efectos personales y rescindir el contrato que les une profesionalmente. Como el chulo no atiende a razones, se lía una de hostias brutal, donde sólo sale vivo Clarence, pero se lleva una maleta equivocada. En lugar de los tangas de la rubia, la maleta está llena de coca. Y además el gilipollas de Clarence se deja el carnet de conducir en el lugar de los hechos.

Los recién casados deciden largarse a Hollywood pues saben que ahí la gente, además de aire, agua y pan, necesitan coca para subsistir. La intención es sacarse de encima todo el cargamento a buen precio, y con la pasta montar un nido de amor lejos de allí. En un momento dado proponen Cancún como destino final, lo que me hace suponer que si la acción se hubiese desarrollado en la piel de toro, el destino hubiese sido Marina d'Or. Este dato es importante para hacerse una idea de la calaña de esta gente.

Como la cantidad de coca que llevan encima es tremenda, a nuestros amigos les persigue la mafia y sus sicarios (Christopher Walken, James Gandolfini). Además en L.A., la poli (Chris Penn, Tom Sizemore) se entera de que se llevará a cabo una transacción de droga de tamaño bestial. O sea, que el día de la compraventa se dan cita nuestros 2 protas, sus amigos y contactos con el mundo de Hollywood, el productor de cine (Saul Rubinek) que va a comprar la coca, famoso por su peli "Vietnam me mata", los gorilas gilipollas de éste, la poli y finalmente una colla de mafiosos. Los únicos que consiguen salir vivos de la orgía de sangre y fuego son Clarence y Alabama, que, con la pasta y lo puesto, consiguen su objetivo final. El amor ha triunfado.

A mí me encantó. El ritmo es trepidante, y la estructura de la peli consigue combinar diferentes estilos de manera exitosa: amor, acción, mafia, road movie, etc. El guión es del amigo Tarantino, cosa que se nota en algunos detalles muy curiosos: las hamburguesas (después de cargarse a Oldman, nuestro prota se come una, como Vince Vega y Jules al principio de Pulp Fiction) y Sonny Chiba, el protagonista de las 3 pelis de Kung-Fu es el mismísimo Hattori Hanzo de Kill Bill.

Además, la peli cuenta con un montón de actores que hacen pequeños papeles pero de gran calidad. Una de las mejores escenas del film es el interrogatorio al que es sometido el padre de Clarence (Dennis Hopper) por parte de uno de los jefes mafiosos (Christopher Walken). Igualmente notable la interpretación de asesino despiadado de Gandolfini, y un colgado muy colgado Brad Pitt.

Gran trabajo el director Tony Scott, ese hombre que se hizo especialmente famoso por otra joya del séptimo arte como es Top Gun.

EL LAGO ASUL by General Fórceps

2008-02-04T12:47:00.000Z

Conmovedor cortometraje que se alarga más de lo debido.
Si no me traiciona la memoria, 266 pasajeros salen de Sydney dirección a Los Angeles cuando el avión pierde el culo en pleno vuelo y se precipita al vacío (donde ya estaba igualmente pues era un avión en vuelo).

La galleta tiene lugar en una isla del Pacífico, y sobreviven unos 50 tios. Se las apañan para encontrar agua, vino, ciruelas, y todo tipo de instrumental para sobrevivir, esperando que les rescaten pronto, cosa que no va a ocurrir pues la gente no-perdida está para otros menesteres. Hasta aquí se parce mucho a LOST.

La diferencia es que un amanerado chaval y Brooke Shields, por la noche, matan a todos los supervivientes con saña y alevosía. Una vez se han comido los cadáveres de todos los tios y se han montado un columpio con sus huesos, se dedican a foshá como jabatos.

Desde un punto de vista estrictamente técnico, la actitud del chaval es comprensible (había mucha competencia) pero Brooke Shields debió haber tenido más tacto y follarse a todos los machos y embarcarse en juegos lésbicos con las supervivientas en vez de matarles a todos. Tema controvertido.

En cualquier caso, no recuerdo el final. Diría que viene un barco pirata, viola y abusa de Brooke Shields, y tortura y ejecuta al rubiales amanerado. Pero no estoy seguro: quizá se esconden al ver el barco y se quedan foshando para siempre, si bien supongo que a la larga, caso de confirmarse este final, el tio también se aburriría de Brooke Shields y la ejecutaría.

No: diría que Brooke Shields se salva y regresa pues se pasó por la piedra a André Agassi hace años, luego en la isla no se quedó. Me pregunto donde andará el tio...

EL HOMBRE TRANQUILO by Pe

2008-01-13T22:08:00.000Z

Me toca otra vez...y ahora elijo mi película favorita de todos los tiempos.

Un film de 1952...horror...una peli antigua!!!...pero si os digo que el director es John Ford...y que los protagonistas son John Wayne y Maureen O’Hara ? Cambia eh!

Una película de John Ford que no es un western...una historia situada en pequeño pueblecito irlandés: Innisfree.

Nos habla de un ex-boxeador Sean Thornton (Wayne) que vuelve al pueblo de sus padres (y donde él nació) para quedarse a vivir, después de haber pasado casi toda su vida en Estados Unidos.

Al llegar, conoce a una guapa pelirroja, Mary Kate Danaher (Maureen O’Hara) de la que se enamora y con la que se casa.

El problema viene cuando el hermano de ella (un gran Victor McLaglen) se niega a dar la dote que corresponde a su hermana...y mientras que a Sean no le importa lo más mínimo, Mary Kate monta en cólera ante la pasividad de su reciente marido para reclamar lo que es suyo.

Lo que ella no sabe es que Sean oculta un secreto en su pasado que le impide pelear...

La historia discurre entre las discusiones de un matrimonio que a pesar de estar locamente enamorados son incapaces de ser felices por puro orgullo...y todo un pueblo que asiste al espectáculo, no sólo como meros espectadores sino que tratan de ayudarlos a resolver sus problemas.

Porque en Innisfree nadie vive aislado, todos sus habitantes saben de la vida de los demás...todos se interrelacionan...si hasta el hijo del pastor protestante (que no tiene ni un feligrés, pero al que todos quieren) se hace católico y ayuda al sacerdote católico del pueblo.

La película es un gran collage de personajes entrañables, con diálogos cargados de humor (hay que estar atentos a esos diálogos socarrones) y unos paisajes como sólo los hay en Irlanda.

La parte final es una interminable pelea entre Thornton y su cuñado Danaher a la que se añaden multitud de vecinos mientras recorren la población entre puñetazos y apuestas.

No es una película ñoña, es una película amable...divertida y que nos ofrece el choque entre la visión moderna de un hombre criado en Estados Unidos y las tradiciones, casi que podemos decir ancestrales, de ese pequeño pueblo irlandés.

John Wayne logra una de sus mejores interpretaciones y a Maureen O’Hara (además de ser una gran actriz) no la he visto más guapa en otra película.

Dos curiosidades:

Cuando acaba la película, podemos ver a todos (y cuando digo todos, son todos) los actores en grupos de dos o tres saludando y despidiéndose del espectador.

Y una canción que se va repitiendo durante gran parte de la película: Wild Colonial Boy...dan ganas de salir a buscar un pub irlandés...

A alguien le apetece una pinta?

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Notas mentales para un post post-navideño post-post de Pe... a ver si alguien lo entiende por que lo que soy yo...

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... Feliz año a todos... con algo de retraso... sí, vale, lo reconozco llevamos 13 días del nuevo año y ya es un poco tarde para hacerlo, pero más vale tarde que nunca... o eso dicen...

¿Por donde iba?... Ah! Sí... decía...De nuevo estamos aquí para que podais leer y comentar sobre nuestras películas favoritas.

Era mi intención...bueno... lo pensé antes de las fiestas pero fue pasando el tiempo y se quedó en el cajón... comoibadiciendo... quería colgaros un post durante la Navidad hablando de alguna película relacionada con dichas fechas, al estilo de las películas de Semana Santa como "Ben-Hur", "Los diez mandamientos", películas de la vida de Cristo y peplums varios.

La película no es otra que... "¡Que bello es vivir!"... creo que la ponen cada año en alguna cadena... y si no lo hacen... deberían. Es un peliculón de Frank Capra y con James Stewart y Donna Reed en los papeles protagonistas. Amenudo criticada por ser muy... digamos... azucarada... está entre las mejores obras de su director... y tambien entre las mejores de James Stewart. Ambientada en Nochebuena, es optimista ... al menos a mí me lo parece y ... bueno... la veis... si no lo habeis hecho ya... y vosotros mismos...

La cuestión es que la falta de tiempo por motivos laborales de todos conocidos me han impedido siquiera sentarme a escribirlo... la verdad es que el poco tiempo libre que he tenido lo he dedicado a yacer viendo pelis y me ha dado mucho palo ponerme...

Esta languidez mental ha provocado tambien que deje aparcada para otro momentos la idea de poneros las películas favoritas de la Junta... ¿queda para mejor ocasión?

Así que para paliar mi vagancia os dejo un par de enlaces... buscados en 5 minutos... sobre "¿Qué bello es vivir?"... sí, lo he puesto con interrogantes...por si hay alguien que no lo pilla...

La web del cine clásico

Fragmento final de la película

Enotrordendecosas... en el lateral teneis el orden en que os toca escribir sobre vuestra elección... creo que hasta un niño de cinco años podría entenderlo... vamos que no creo que haya muchas dudas... aunque nunca se sabe las mentes preclaras que nos leen.

Hoy empieza Pe... a partir de ahí podeis iros preparando la que querais para vuestra fecha.

Sabeis que no estamos cerrados a ningún género ni sub-género así que no os corteis...

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EXITO A CUALQUIER PRECIO by KAFCAR

2007-11-26T10:21:00.000Z

"Glengarry Glen Ross: Éxito a cualquier precio"

Año: 1992
Género: Drama
País: Estados Unidos
Formato: Color
Duración: 100 minutos
Título Original: Glengarry Glen Ross
Dirección: James Foley
Producción: Jerry Tokofsky / Stanley R. Zupnik
Guión: David Mamet
Fotografía: Juan Ruiz Anchía
Música: James Newton Howard

Intérpretes:
Jack Lemmon (Shelley Levine)
Al Pacino (Richard 'Ricky' Roma)
Ed Harris (Dave Moss)
Alan Arkin (George Aaronow)
Jonathan Pryce (James Lingk)
Kevin Spacey (John Williamson)
Alec Baldwin (Blake)

Les presento Glengarry Glen Ross, una película que vi siendo muy joven (ruego no hagan cuentas), a la que la publicidad y la fama no le hicieron suficiente justicia. Ignoro los motivos, pues el reparto es inmejorable- (nótese que he escogido cuidadosamente esta palabra), la dirección, impecable, y el guion, firmado por el ex-gurú del gafapastismo David Mamet, y basado en una obra de teatro de cosecha propia, está construido a partir de diálogos brillantes y escenas memorables.

Mi única hipótesis es que, al tratarse de una historia pequeña, ni el estudio, ni la distribución apostaron por ella, y el boca-oreja no funcionó por ser una película que al finalizar dejaba más preguntas que respuestas y, en cierto modo, obligaba al espectador a completar la experiencia, fuera de la sala, mediante debate o su propia reflexión.

Pero vayamos a lo que si funcionó:

Se trata de un retrato del mundo de las ventas que no oculta sus orígenes teatrales: poco más de cinco escenarios, ocho personajes y un único tema a partir del cual se van construyendo los personajes, dejando la trama en algo accesorio o meramente funcional: el éxito; y por contraposición, el fracaso.

El fracaso impregna en todo momento el ambiente de la película, magníficamente recreado por la fotografía de Juan Ruiz Anchía y unos escenarios siempre cerrados, oscuros, gastados, en que todo elemento huele a fracaso y describe un trasfondo intimista, melancólico y crepuscular, habitado por perdedores.

Desde la primera escena (significativas llamadas telefónicas simultaneas de Lemmon y Harris), y a cuentagotas, se nos van mostrando los perfiles de cada uno de los personajes entre los que se cuentan un Lemmon, vendedor de la vieja escuela que languidece, Harris, outsider siempre en negativo, atribuyendo a los demás sus propias carencias (no nos dan buenas fichas ni apoyo; así es imposible vender!), Arkin, gregario y pusilánime, Spacey, el mediocre director de la oficina, burócrata sin autoridad, y Pacino, supuesto triunfador al que, en el fondo, lo único que le diferencia de los demás es su cifra de ventas.

Enseguida se va desarrollando una sutilísima reflexión sobre el reparto de poder que otorga el éxito, que curiosamente tiene su punto álgido al principio de la acción, en los, quizás, cinco minutos más memorables del metraje. Se da con la aparición del pez gordo interpretado por Baldwin, estelar en la mejor interpretación de su carrera. Cinco minutos de intenso monologo, salpicado con interacciones con Lemmon, Harris y Arkin, que, con un discurso intimidatorio y maniqueísta (pero no por ello menos valido), establece las diferencias entre éxito y fracaso, entre el palo y la zanahoria, entre vender y ser prescindible. Quedan de ese discurso no menos de una docena de frases para el recuerdo (recomiendo seguirla con un lápiz y un bloc), entre las que destaco la que mejor resume el speech de Baldwin: “Y usted deje ese café donde estaba. El café es solo para los que venden.” No deben perderse, tampoco, el detalle del coche que aparece aparcado en la calle la primera vez que Lemmon se dispone a entrar en las oficinas.

Finalizada la escena de Baldwin, vemos como lo que él ha puesto de relevancia de modo altisonante, es el día a día en las relaciones entre los vendedores y entre ellos y su jefe. Si vendes eres dios; Si no vendes, nadie. Lo que es explicito en el discurso de Blake, y que todos cuestionan (cuando Blake se ha ido), subyace implícito en su comportamiento cotidiano: Roma, el líder en la pizarra, actúa como si tuviera patente de corso, incluso con el policía. Levine, pasa del conformismo inicial a mendigar a Williamson, para, después de conseguir una buena cifra, mostrarse desafiante y displicente con él, y en la escena final, suplicante, y, ya sin ventas, derrotado y carente de toda fuerza. Williamson, que no vende, es tratado por todos como un mal innecesario, como un obstáculo en su desempeño, un títere en el que descargar su frustración, un cero a la izquierda a quien pisar. En un mundo donde las ventas dan poder, ni la jerarquía ni la capacidad de impartir normativas dan a ese personaje el menor crédito a ojos de los demás. Su incapacidad hace el resto, situándole como el ultimo en el escalafón. Destacar la bien llevada (por un magnifico Spacey) hijoputez de éste personaje, que aprovecha cualquier situación que le confiera un poder exógeno para devolver a los demás, en momentos de debilidad, las humillaciones que recibe (fíjense como se pone detrás de Blake durante el discurso o cómo le explica a Levine porqué no va a sacarle las castañas del fuego al final de la película). Siempre el fuerte maltrata al débil.

Para terminar, algunas de las escenas cumbres de la cinta:

-La última mirada de Levine a Roma. Su conversación anterior, sobre la raza en extinción que son los vendedores, hace que cuando se ve reencarnado en Roma, que ésta al teléfono, vendiendo, se dé cuenta de que está acabado; entonces, desiste y entra al despacho. Esa mirada es una vida que se extingue. Genial Lemmon.

-Aaronow a Roma: “¿Han cogido ya al tío que ha robado en la oficina?” Roma: “ –No… No lo sé”: ¿Realmente Roma no lo sabe? ¿No es la última llamada un intento de evitar trabar conversación con el fracasado Levine, de manera similar a como Levine y él intentaban evitar que Pryce anulara la venta? ¿Lo sabe Levine, teniendo su última mirada otro significado?

- Jonathan Pryce excusándose a Roma: Nuevamente, la relación de poder que otorga el éxito: Roma, aparente triunfador, es descubierto engañando al personaje looser de Pryce. Este, totalmente carente de poder, pues está supeditado a las decisiones de su mujer, lejos de cabrearse, pide disculpas a Roma por no haberse dejado estafar. “por favor, no me sigas” es su ultima y significativa frase.

-Moss y Aaronow planeando el robo: Chispeante dialogo. ¿Tarantiniano? No sería el único. Observar ciertas similitudes con Reservoir dogs, lanzada el mismo año, durante toda la película.

Y para los melómanos: efectiva banda sonora con buen jazz. ¿Stan Getz en los créditos iniciales? Por favor, confirmar.

AMADEUS by MJ

2007-11-19T20:05:00.000Z

FICHA TÉCNICA

Director: Milos Forman

Guión: Peter Shaffer

Estreno: 1984

Género: Drama

Interpretación: F. Murray Abraham (Antonio Salieri), Tom Hulce (Wolfgang Amadeus Mozart), Elizabeth Berridge (Constanze Mozart), Simon Callow (Emanuel Schikaneder), Roy Dotrice (Leopold Mozart), Christine Ebersole (Caterina Cavalieri), Jeffrey Jones (Emperador José II), Charles Kay (Conde Orsini-Rosenberg), Kenneth McMillan (Michael Schlumberg).
Premios: 8 Oscars, incluyendo mejor película, mejor director y mejor actor principal.

Por culpa de “Amadeus”, me pasé muchos meses tatareando el Réquiem de Mozart. “Dies irae, diiiiies irae...” cantaba yendo al colegio (porque por entonces, yo era muy joven). “Confutaaaatis malediiictis, flammis acribus addictis...” berreaba mientras limpiaba los platos. Tan impresionada estaba que hasta la primera dirección de e-mail que tuve se la dediqué a tan magna obra: KV626 (el código de clasificación del Réquiem) más una M (por Mozart, claro), en Hotmail. Sí, ya de adolescente era bastante repelente, yo.

“Amadeus” era una visión muy irreverente a la vida de un genio: se nos presentaba a Mozart como un jovenzuelo inmaduro, egoísta y alocado. Yo creo que, en el fondo, todos estábamos con el otro personaje principal: el pobre envidioso de Salieri, el músico mediocre pero dedicado que ve llegar a la corte a un niñato genial que no es consciente en absoluto de que los demás sudan mares por conseguir un ápice de lo que a él le sale de manera totalmente espontánea. En una de las escenas iniciales, Mozart llega a la corte austriaca y Salieri toca al clavicordio una cancioncilla que ha compuesto para darle la bienvenida. Mozart suelta algo así como “no está mal, pero se puede mejorar”, se sienta ante el instrumento e improvisa una pieza basada en la canción de Salieri, pero mejorada unas cien veces. La cara que pone el pobre mediocre, mezcla de admiración y pura envidia, es un poema...

Ya de por sí, el retrato de Salieri (un ser a veces detestable, pero muy humano) me haría darle a esta película un sobresaliente. Pero es que había mucho más: la risa loca que le pusieron a Mozart (y que traté de imitar, pero creo que nunca me salió), el vestuario (¡ah, me encantan las películas de época!), y la descripción del proceso creativo tras algunas de las óperas de Mozart. Y qué decir del trágico tramo final de la película, cuando un Mozart muy enfermo recibe el encargo de escribir un réquiem y acaba creyendo que lo está componiendo para sí mismo…

Aquella dirección de hotmail no funciona desde hace mucho y han pasado años desde que vi “Amadeus” por última vez. Pero sigo recordando la película casi al detalle... y el Réquiem aun me pone la piel de gallina.

WILD AT HEART by Lula

2007-11-11T18:00:00.000Z

This whole world's wild at heart and weird on top.......

Ficha técnica

Director : David Lynch

Guión : Barry Gifford / David Lynch

Estreno : USA – 17 de agosto de 1990 / España – Octubre 1990 Festival de Cine de Sitges

Reconocimientos :

Diane Ladd – Nominada al Oscar a la mejor actriz de reparto (1991)

Nominada a la Mejor Banda Sonora de los premios BAFTA (1991)

Palma de Oro para David Lynch en Cannes (1990)

Nominada a la Mejor Película en Fantasporto (1991)

Diane Ladd – Nominada al Globo de Oro a la mejor actriz de reparto (1991)

Premio a la Mejor Fotografía en el Independent Spirit Awards (1991)

Willem Dafoe – Nominado al mejor actor de reparto en el Independent Spirit

Awards (1991)

Reparto :

Sailor Ripley Nicolas Cage

Lula Fortune Laura Dern

Bobby Peru Willem Dafoe

Marietta Fortune Diane Ladd

Johnnie Farragut Harry Dean Stanton

Perdita Durango Isabella Rossellini

Juana Durango Grace Zabriskie

Marcelles Santos J.E. Freeman

Cousin Dell Crispin Glober

Reggie Calvin Lockhart

Banda Sonora :

1. Im Abendrot ( Excerpt) - Gewandhausorchester Leizpig

2. Slaughterhouse - Power Mad

3. Cool Cat Walk - Angelo Badalamenti And Kinny Landrum

4. Love Me - Nicolas Cage

5. Baby Please Don't Go - Them

6. Up In Flames - Koko

7. Wicked Game - Chris Isaak

8. Be- Bop A Lula - Gene Vincent And The Blue Caps

9. Smoke Rings - Glen Gray And The Casa Loma Orchestra

10. Perdita - Rubber City

11. Blue Spanish Sky - Chris Isaak

12. Dark Spanish Symphony Angelo Badalamenti And Kinny Landrum

13. Dark Spanish Symphony (50's Version) - Rubber City

14. Dark Lolita - Angelo Badalamenti And Kinny Landrum

15. Love Me Tender - Nicolas Cage

TRAILER

Seguramente no es la obra maestra del maestro Lynch y seguramente los maravillosos actores que aparecen en ella han hecho mejores interpretaciones, sin duda muchos de vosotros ni siquiera habréis oído hablar de ella, algunos la detestareis, pero tengo la esperanza de que a alguien le haya gustado.

Este post podría ser una excusa para hablar de Lynch, al que idolatro desde... bueno, desde siempre creo. Pero tengo claro ya tenéis una idea respecto de él y su obra y lo que yo pueda decir resultaría innecesario y obviable.

La primera película que me atrajo de Lynch fue The Elephant Man aunque no entendiera nada y me acabase dando yu-yu, estrenaron Eraeserhead y tendréis que creerme si os digo que era demasiado pequeña para enterarme... supongo que con Los Rescatadores tenía bastante, tampoco me perdí Blue Velvet, cruda y lírica a la vez, pero desde luego Wild at Heart es una de las películas de mi vida. Tal vez La Película.

Es la película que más veces he visto, en el cine, (los dvd’s no cuentan) en v.o., doblada, en sesión de tarde, de noche y golfa, acompañada, en grupo y sola.

Y no me cansaría de visionarla una y otra vez, de perderme en ese mundo irreal (o hiperrealista) en el que Sailor y Lula recorren el camino de baldosas doradas en busca de un lugar donde ser felices.

Todas y cada una de las escenas son destacables y es difícil señalar una por encima de otra : la salida de la cárcel de Sailor, la madre de Lula, el accidente de coche, la visita de Bobby Peru, la galeria de secundarios bizarros que nunca puede faltar, la mirada turbia de Perdita en medio del desierto, la cerilla que se enciende una y otra vez, los excelentes diálogos, la chaqueta de piel de serpiente, la música, el hada buena…

Dando un giro de tuerca a la novela de Barry Gifford para encajarla en su sobrecogedor imaginario, Lynch crea una de sus obras más románticas y tiernas, un love-story con final feliz, sin traicionarse a si mismo.

Así es como yo la entiendo.

Pero también podría catalogarse de road-movie, con sexo explícito y violencia gratuita. En España se le colgó el cartelito de ‘mayores de 18’, en EUA directamente se cortaron escenas.

En fin, para aquellos que a veces preguntaban, ahora ya sabeis quien es Lula.

NOTA DE LA JUNTA

Si quereis incluir fotos en el post no las añadais en el texto que enviais. Enviadlas aparte e indicad en que lugar del texto deben ir. Si no no se podran incluir.

EL DIA DE LA MARMOTA (Atrapado en el tiempo) by Patty

2007-11-04T20:02:00.000Z

“Groundhog Day”

Título en Europa : “Atrapado en el tiempo”

Título en Latinoamérica: "El día de la marmota".

AÑO: 1992

GUIÓN: Danny Rubin & Harold Ramis (Historia: Danny Rubin)

REPARTO: Bill Murray, Andie MacDowell, entre otros..

GENERO: Comedia romantica????

Ya dispuesta a escribir algo de esta película y preguntando al tío google sobre sus generalidades, lo primero que encontré es que estaba catalogada como “comedia romántica”, género habitualmente emparentado a productos de marcado carácter tontorrón o supérfluo, woooow realmente soy despistada (¿ó no?), yo nunca la hubiera clasificado así.

No crean que todo lo aquí expuesto es producto de mi cerebrito, en parte sí pero no todo, pero mi objetivo es que después de leerme les den deseos de verla (si es que no lo han hecho ya).

RESUMIENDO

Phil Connors (Bill Murray), hombre del tiempo de una cadena de televisión, es enviado un año más a Punxstawnwey, a cubrir la información del festival de El día de la marmota(*). En el viaje de regreso, Phil y su equipo se ven sorprendidos por una tormenta que les obliga a regresar a la pequeña ciudad. A la mañana siguiente, al levantarse, Phil escucha en el radiodespertador el mismo programa que la mañana anterior, ¡oh,sorpresa!, al día siguiente vuelve a ser 2 de febrero… Al principio todo parece una coincidencia, todo se repite exactamente igual. Asustado y confuso Connors pretende regresar a la gran ciudad cuanto antes, pero la tormenta de nieve se lo impide (obviamente, ya le había pasado). Y aunque piensa que todo es un mal sueño, sus peores pronósticos se hacen realidad al despertar y ver que es 2 de febrero, otra vez. Y lo peor de todo es que sólo él recuerda que ha vivido ya ese día, el resto del mundo no es consciente de que se está repitiendo un bucle continuamente.

En resumen de eso se trata, del bucle infinito en el que un hombre común y corriente se ve atrapado, es ahí donde empieza lo interesante y lo que la hace una de las mejores películas de los 90´s. (en mi opinión claro está).

Despedazemos al personaje central de la historia…

Phil Connors (Bill Murray) es un tipo egocéntrico, narcisista, petulante y superficial, uno de esos tipos que van por ahí creyendo que el mundo gira entorno a ellos, y que sólo para cuando a ellos les parece mejor.

En el transcurso de la película la transformación del personaje resulta, por momentos, demasiado sutil, en ella se percibe con meridiana claridad los consabidos cinco estadios de incertidumbre por los que pasaría cualquier individuo racional, a saber: negación, enfado, negociación, depresión y aceptación.

En los tres primeros vemos a un Phil tan lleno de odio y frustración consigo mismo que siempre termina recurriendo al ataque cínico para defenderse de los demás, incluida la mujer con la quiere practicar un sexo meramente egoísta y de salvación (MacDowell). A la vista de sus continuos fracasos con Rita (Simpática y sincera actuación de la fantástica MacDowell que, además de empapar la pantalla con su belleza, lo hace con su pasmosa naturalidad), Phil va acumulando un melancólico resentimiento que “estallará” en la fase depresiva y de suicidio. Aquí el Phil que hasta ahora habíamos visto en pantalla se disuelve gracias a un doloroso —y largo— viaje emocional que le obliga a enfrentarse consigo mismo.

Más adelante, en la memorable secuencia de la cafetería, donde un sosegado Phil le relata a Rita los pormenores de su tragedia existencial, puede advertirse cómo éste se ha despojado, por fin, de todos los artificios sociales que lo carcomían (estadio de aceptación). Phil ha logrado reconstruirse desde su fragilidad y se ha vuelto hermoso porque ya no huye de sí mismo. Es transparente. Es agua. Ya está listo para afrontar el mañana.

En último lugar, y a parte de destacar el montón de enormes gags que contiene, así como la originalidad para llevar a termino ciertos instantes de lo más humorísticos, también cabe resaltar ese loable intento de no vulgarizar ni ridiculizar el curso de la vida (el momento del vagabundo es un contundente y rotundo acierto, brillante), amen de la portentosa interpretación de un Bill Murray en un arranque de genialidad.

Como podrá apreciarse, "Groundhog Day" no oculta en ningún momento su carga moralista; sin embargo, la diferencia respecto a otros productos norteamericanos radica en que aquí el contenido ético no se encuentra ligado a un sistema bíblico-teológico, sino kantiano. De este modo, el último Phil no termina siendo un buen samaritano para contentar a un hipotético Dios, sino porque su propia razón como sujeto reconstruido así se lo exige.

CONCLUSIONES

Si, como Phil, tuviéramos la oportunidad de vivir el mismo día infinidad de veces, ¿cómo afrontaríamos la situación, sabiendo que una y otra vez nos despertaríamos en el mismo día, en el mismo lugar, con la misma gente y los mismos sucesos y acontecimientos repetidos continuamente? ¿Si supiéramos que eternamente vamos a vivir ese día? ¿Qué haríamos?
Lo que más me ha fascinado ha sido el hecho de que se muestra una gran verdad acerca del ser humano: que es el único ser vivo que tropieza dos veces con la misma piedra. Y no sólo dos veces, y tres veces, y montones de veces antes de comprender el verdadero significado de la existencia, de todos esos pequeños detalles que marcan la diferencia entre una vida mediocre, superficial y vana, y una vida plena, honesta y feliz.

En definitiva, hermosa, bellísima, magnífica, brillante, preciosa, dulce, lúcida, intensa, mágica, graciosa y un montón de adjetivos que me dejo, en el fondo, y que no harían más que seguir señalando lo que ya he dicho hasta ahora.

REFERENCIAS DEL DIRECTOR (Harold Ramis)

La película de Ramis es rebosante de referencias para todos los gustos:

- Eticas (la evolución desde el egoísmo más recalcitrante al altruismo más loable)

- Metafísicas (el dúo inmortalidad - eternidad)

- Literarias (¿Quién no rememora al Mr. Scrooge de “Cuento de Navidad” de Charles Dickens en la figura de Phil)

- Cinéfilas ( Bill Murray reencarnando una singular versión de James Stewart en “¡ Qué bello es vivir !” )

- Mitológicas (el castigo de Sísifo).

(*)¿En que consiste el día de la marmota? Tirando de WikiPedia veremos que dicha fiesta consiste en:

La más famosa se celebra en el pueblo de Punxsutawney, sito en el Estado de Pennsylvania; una pequeña población en la que cada 2 de febrero se intenta predecir la duración del invierno por el comportamiento de una marmota,

EL GRAN LEBOWSKI by Joan CG

2007-10-14T23:20:00.000+01:00

Hay películas cuyo inicio ya me atrapa y El Gran Lebowski es una de ellas.

EL GRAN LEBOWSKI (Inicio)

Bueno, pues para ese uno por mil que todavía no ha visto esta peli de los Coen, hecha en el 98, o que si la ha visto ni la recuerda (¡pecadores!), eso va de una triller-comedia, por decir algo (porque no es fácilmente clasificable), en la que tres desubicados de la vida cumplen ese triste papel que mi madre definía como “són al mòn perquè hi hagi de tot”.

Todo y que yo exijo que una película sea por encima de todo una buena historia bien contada, la verdad es que el argumento se aguanta con hilos y es solo una excusa para ir escupiendo imágenes dibujando extraordinariamente, con delicadeza y humor, un clima y unos personajes entrañables.

Ese gueto social de la bolera……..

Esos frikis felices (o quizá no tanto) pasando las horas tumbando bolos y sobando sus bolas….

Ese Los Angeles cálido y mastodóntico en el que puede pasar de todo….

Ese encontronazo entre el mundo del dinero, las trampas, la violencia y la sofisticación con el mundo de tres zumbados sin más intereses que el puro vegetar……….

Esos tripi-sueños………

- Jeff Bridges: El Nota, anclado en cuerpo y alma a los 60, veterano activista, vago, bebedor compulsivo de ruso blanco, ritualista del porrete en la bañera (con velitas) y del tripi ocasional, que se ha puesto el mundo por bolera y vive y deja vivir pero, eso sí, capaz de enfrentarse a todo y a todos por recuperar su bien más preciado: su alfombra (simplemente “porque daba ambiente a la habitación”).

- John Goodman: Walter, un hombre de orden (el suyo), primario y sometido intelectualmente a El Nota, sin otra agarradera al mito y a lo trascendente que el barro en la guerra de Vietnam y el haber estado casado algún día con una hija del pueblo de Israel.

- Steve Buscemi: Donny, callado, gregario y feliz de ser un infelizote que no molesta a nadie.

- John Turturro: ¡Jesús!, el latino/chulo/pederasta/macarra, en un par de escenas de las más delirantes que en cine yo haya visto. Increíble que un tipo de Broklyn como Turturro sea capaz de meterse en los zapatos de Jesús con aquella naturalidad…..

- El regordete vecino del Nota, un casero en pantalón corto, zapatos y calcetines, amante del ballet contemporáneo.

- Y los “nihilistas “: mamporreros y chapuceros alemanes, con castor cometrancas; uno de ellos Flea, de “Red Hot Chili Peppers”.

- Y un genial Ben Gazzara en su papelito de filósofo de la pornografía y del “desatascador”.

Y muchos más, oigan, como en la tómbola.

Todos ellos personajes entrañablemente próximos, inocentes y cotidianos, como los croissants o el tortellet con nata al salir los domingos del vermouth de las doce, campando por una historia con poca historia, pero haciéndose querer.

En fin, que ustedes la vean y pasen un buen ratito con esta peli ligera y espumosa, cometiendo la grosería de reír, que de eso se trata

LA SIRENITA, by SUBCOMANDANTE ANTONIO

2007-10-07T22:01:00.000+01:00

(Contiene spoilers sobre pelis porno)

Cineblog de Palacete da hoy una vuelta de tuerca (tour of the tuerk, en inglés) y tratará no sólo un filme en particular si no un género en general:

EL PORNO.

Oh, el porno.

Decía el otro día Raimon, haciéndose voluntario merecedor de la colleja más sonora jamás dada: "vista una, vistas todas”.

Y una mierda.

Nunca dio para tanto un bucle tan definido como: uno, limpieza de sable; dos, amorramienta al pilón; tres, trufada de pavo; cuatro, ensanchamiento y rotura de maletero; y cinco, lechazo in the face (nótese así mismo la contribución del género al Thierry Henryquecimiento del léxico castellano).

Pongo en ON el modo Subcomandante cebolleta y les cuento que, a la temprana edad de diez o doce años, mi vecino (de mi misma edad, ojo) vino un día a mi casa contándome que se había hecho con una cinta vhs muy sospechosa de la habitación de su hermano.

Poco imaginaba yo poraquelentònses que el título de aquella cinta iba a quedar tatuado para siempre en mi memoria:

Dos mujeres y un marido.

El plan trazado fue de lo más urdido y concienzudo (nótese la nula originalidad del autor a la hora de adjetivar "plan")

Aprovecharíamos una ausencia de sus padres para verla.

Llegado el momento, lo que vi aquel día fue una de las experiencias más paranormales de mi vida: ¿realmente ESO podía hacerse? ¿Por qué aquel tío la tenía como mi brazo? Y, lo más grave, ¿por qué yo la tenía como su meñique?

A fuerza de visionados y desgaste de cabezales, una realidad algo distorsionada se fue forjando en mi mente:

a) bastaba con guiñarle el ojo a una chica para follársela y

b) los preliminares son milongas de la COPE.

Pajote aquí, pajote allá, el tiempo fue pasando, hasta que una nueva puerta se abrió ante mi generación para facilitarnos enormemente la vida y evitar riesgos innecesarios:

Internet.

A servidor le pilló en su apogeo pajerístico: los dieciséis. Recuerdo como, con mi modem 33600 y una conexión más lenta que un central negro del Barça, esperaba pacientemente a que se cargara la foto de un chochamen en primer plano, talega en ristre. Luego llegarían las primeras pelis en CD, que aceleraron enormemente cualquier proceso oNaNístico.

Por otro lado, la educación sexual en las escuelas debería palidecer de vergüenza al compararse con las virtudes pedagógicas del porno. Yo, como todos, no pensaba precisamente en "introducir pene y glande en vagina y fecundar óvulo " con la novieta de turno.

Tres meses de gilipolleo y algún "te quiero" más tarde, llegaría el gran día, aquel en que pondría en práctica las enseñanzas de tantas y tantas pornacas y pondría a Lucía mirando a Cuenca.

El plan era facilísimo, a priori: nos empezaríamos a besar en el sofá mi habitación (como en "Indiana Jones Y El Rabo Maldito"), me empujaría contra la cama (como en "Fue a por trabajo y le comieron lo de abajo"), me arrancaría los gallumbos a bocados (como en "El Conejo De La Bruja De Blair") y se amorraría al cimbrel mirándome a los ojos (como en "Si Yo No Soy Curro Jiménez, Qué Hago Con Este Trabuco")

Seguidamente, le haría una limpieza de bajos (como en "Soy puta y mi coño lo disfruta") para, momentos después, chachannn, empujármela (como en "Mujeres Al Borde De Un Ataque De Miembros"). Con un poco de suerte, habría sexo anal (como en "Arma Rectal") y finalmente, happy end (como en "El Cid Porculeador").

Lo que pasó realmente, en otro post.

En fin, que desde aquí agradezco tantos buenos ratos y mando un fuerte abrazo a toda la industria porno, y especialmente a Silvia Saint, culpable sin embargo de mi artritis crónica en la muñeca de mi mano de las pajas.

Y, a los chavalines que nos leen (haberlos háylos), decirles que no saben la suerte que tienen de poder ver porno incluso en sus Ipods, en la intimidad y cobijo de su habitación, lejos del riesgo contínuo que corríamos mi generación, con una oreja puesta en la pornaca y otra en la cerradura de la puerta de la calle, por si venían los papis.

Y eso sin contar el pavor que daba sólo imaginar que algún día la cinta podía quedarse enganchada en el vídeo. De hecho, ¿quién no tiene un amigo al que le haya pasado?