Mi Moleskine Arquitectónico

TAIPEI 101. TAIWAN.

2009-12-07T13:12:00.009+09:00

Foto cortesía de fjny

El rascacielos taiwanés Taipei 101 es todavía, oficialmente, el edificio más alto del mundo. Si bien en la práctica el Burj Dubai hace tiempo lo sobrepasó en altura, para los récords sólo se considera “edificio” a “la estructura completa capaz de ser habitada”.
Pero todos sabemos que dentro de unos meses cederá finalmente su trono y pasará a ser el segundo más alto; y tras unos años, aquél edificio coreano lo relegará al tercer lugar. No importa. Taipei 101 siempre será interesante como edificio-símbolo de una nación y como un testimonio de la increíble tecnología constructiva que se requirió para ponerlo de pie.

Fotos cortesía de dans y coolmitch

CONTEXTO

Taipei es la capital de la República de China, o Taiwán para los amigos (no confundir con la República Popular China, cuya capital es Pekín). Desde su fundación como república por Chiang Kai Shek en 1945, la otrora Formosa emprendió un continuo proceso de desarrollo inundando al mundo de productos Made in Taiwan, mientras su gigantesco vecino se sumergía en la pobreza, la hambruna y el atraso de la mano de Mao Zedong. En ese desarrollo le acompañarían luego Corea, Malasia, Singapur, Tailandia y, posteriormente, la propia China.
A fin de no perder protagonismo, a finales del siglo XX se decidió crear un edificio símbolo del progerso y el poder económico de la isla, cuya figura refleje la expresión de la cultura taiwanesa y cuya altura le valga el reconocimiento del mundo como el rascacielos más alto del planeta.

DISEÑO

Resulta irónico que para el Taipei 101 (diseñado en 1995 y construido entre 1997 al 2004), símbolo del ingreso de Taiwán al nuevo milenio, se haya optado por un lenguaje claramente postmodernista, una corriente que perdió actualidad en los 80s. El uso de la simetría, elementos ornamentales, color y la idea de hacer un edificio “en forma de algo” son características típicas de esta corriente.

La razón de ello se entiende por el expresivo simbolismo que este edificio quería transmitir, propio de la cultura china, rica en tradición e iconografía, y que debía ser legible por el ciudadano común. No se quería una caja abstracta, como las Torres Gemelas de Nueva York (en el tiempo del diseño aún de pie) sino algo que transmitiera una imagen de un edificio “auténticamente taiwanés”, una idea influenciada por el carácter islámico que impuso César Pelli a sus Torres Petronás en Kuala Lumpur.

Originalmente la idea consistía en desarrollar un conjunto de edificios comerciales, uno de 60 pisos reodeado de otros de alrededor de 20 pisos, en el distrito de Chang Chong. El proyecto, liderado por el arquitecto C.P. Wang, de C.Y. Lee & Associates. Sin embargo, finalmente se decidió hacer un solo gran edificio de 101 pisos, que se convertiría en el más alto del mundo.

Para la concepción arquitectónica del edificio, el arquitecto se inspiró en algunos elementos tradicionales de la cultura china. El bambú, material constructivo utilizado frecuentemente por su dureza y flexibilidad, la pagoda, símbolo de paz, y la geometría simétrica de una flor abierta.

La fuente Feng Shui, diseñada tras un cuidadoso estudio de esa disciplina

A esto añadió muchos referentes en la numerología, un arte aún muy utilizado en China. El 101, es decir 1 más de cien, y el 8, o sea 1 más de 7, son números propicios para la prosperidad y la buena suerte. Por ello el edificio está compuesto por 8 secciones piramidales invertidas, representando la forma del bambú. Pero además, cada una de estas secciones tiene un fin estructural, cuyo anillo exterior distribuye las cargas del edificio hacia el centro del mismo.

El interior también refleja un estilo ecléctico, incluyendo una serie de elementos ornamentales tomados de la cultura oriental y mezclados con características occidentales.

Voluptuosas formas esculturales adornan el interior del edificio (vamos, muchachos, me refiero a los adornos de la izquierda, arriba)

Detalle de la muestra de arte oriental exhibido al interior del edificio

Al final, Wang logró su objetivo, ya que el Taipei 101 luce distintivamente "asiático". Sin embargo, Herzog & De Meuron y Rem Koolhaas demostraron en Pekín que no es necesario disfrazar a un edificio de pagoda para generar un sentido de identidad en el lugar.

El edificio alcanza una altura de 510 m con sus 101 pisos, además de un pináculo de 60 metros que lo corona. En su base se ubica una plaza, la cual funciona como un gigantesco reloj solar.

CONSTRUCCIÓN

Si bien el diseño arquitectónico de este edificio ha originado controversia, su diseño estructural y su manejo energético sustentable le han valido general aplauso.
El gran reto de Taipei 101 no era sólo construir el edificio más alto del mundo, sino hacerlo en Taiwán, una zona sacudida frecuentemente por dos de las fuerzas más destructoras de la naturaleza: terremotos y tifones. Lo difícil del asunto radica en que la solución que se ha dado respectivamente para estos eventos es contradictoria: los edificios tienden a ser flexibles para soportar mejor los sismos y rígidos para evitar el balanceo que originan los fuertes vientos. ¿Pero cómo lograr las dos cosas a la vez? La respuesta de Taipei 101 es una innovativa maravilla de ingeniería y tecnología constructiva, diseñada principalmente por Evergreen Consulting y ejecutada por Samsung, la misma compañía coreana que construyó el Burj Dubai.

Diseño antisísmico
El terreno de Taipei es poco consistente, compuesto básicamente de arcilla y localizado cerca a una gran falla tectónica.
Para ello, 382 pilotes de concreto se enterraron en el terreno hasta encontrar roca sólida, y sobre ellos se creó una base de concreto de 23,000 m3 sobre la que descansa la torre (nos hemos referido a recursos similares anteriormente en el caso de Potsdamer Platz en Berlín y al Burj al Arab y Burj Dubai, en Dubai)

El edificio debía ser al mismo tiempo resistente y ligero, para que no se hundiera ni colapsara por su propio peso. Para ello, se creó una mega estructura de acero y concreto en el centro del edificio, unida a 8 supercolumnas de acero mediante una trama de arriostres horizontales. Se utilizaron hasta 5 tipos de acero en Taipei 101, cada uno con diferentes especificaciones de dureza y ductibilidad.

Las supercolumnas fueron hechas sobre la base de unas 50 cajas de acero prefabricadas, que fueron ensambladas luego en el lugar de la construcción.

La prueba de fuego de la estructura se dio el 31 marzo del 2002, durante un terremoto de 6.8 grados. Si bien el sismo produjo el colapso de unas grúas que en su estrepitosa caída mataron a 5 personas, la estructura en sí quedó intacta.

Diseño anti-tifones.
Taiwán se halla también afecta al impacto de tifones, principalmente en verano, pero dada la altura del edificio, cualquier viento de mediana intensidad puede ser un factor de riesgo, creando vorágines que hagan oscilar la estructura continua y acumulativamente y ocasionar daños en la misma o cuando menos efectos en sus ocupantes.
Para contrarrestar la fuerza de los enormes vientos, se creó un amortiguador de masa, que funciona como sistema de absorción de vibraciones actuando como un contrapeso gigante, que neutraliza el empuje de los tifones. Es decir, cuando el edificio se inclina hacia un lado, el contrapeso lo hace hacia el lado opuesto, anulando la fuerza del empuje.

Hacer clic en la imagen para ver animación

Para ser efectivo, esta esfera debe ser 1/1000 de la masa total del edificio, lo que significan 6,600 toneladas. Con ese peso era imposible izar la esfera desde el suelo hasta el piso 87, aún con las grúas más poderosas, por lo que tuvo que ser soldado in situ, luego colgarla de 16 cables de acero de 10 cm de ancho, y finalmente sujeta a amortiguadores hidráulicos gigantes. Esta pieza de tecnología es tan interesante en sí, que es mostrada al público en unas salas de exhibición especial.

Adicionalmente, el propio diseño de la fachada, que usa retranqueos en las esquinas del edificio , reduce el efecto dinámico de los vientos en 30 a 40%.

Otros

Además de su portentosa estructura, un edificio de tal magnitud requiere un monumental desarrollo de instalaciones sanitarias, eléctricas, seguridad, aire acondicionado, anti-incendios, etc., todas ellas operadas por computadora con los más altos estándares de calidad. El simple hecho de evacuar un inodoro desde el piso 101 acumularía una fuerza de gravedad que haría estallar cualquier tubería común, por lo que una serie de subestaciones de desagüe van transfiriendo paulatinamente la enorme cantidad de desechos del edificio hacia la red de desagüe subterránea.

Adicionalmente, el edificio acoge los ascensores más rápidos del mundo, viajando a una velocidad de 60 km/h. Cada caja de ascensores está balanceada electrónicamente y presurizada para evitar daños en el oído.

En el piso 91 se encuentra el observatorio, desde donde se domina el perfil chato de la capital taiwanesa y sus montañas circundantes, un paisaje donde el edificio Taipei 101 se yergue imponentemente en solitario.

Aviso en la terraza del observatorio al airelibre, en el piso 91: "No saltar del edificio, bajo pena de muerte"

Atardecer en Taipei

VER TAMBIÉN:

- EDIFICIOS EN ALTURA

¿Quién dijo que todas las producciones "Made in Taiwan" eran de mala calidad? Podrán ser piratas, pero algunas de ellas son extraordinarias.

MUSEO NACIONAL DE COREA, SEÚL.

2009-11-30T13:49:00.281+09:00

El nuevo Museo Nacional de Corea (del Sur, aunque la muestra trata de una sola Corea), en Seúl, es el museo más grande de Asia, y el sexto en el mundo. De su fascinante colección de más de 150,000 objetos sólo se muestran 11,000 a la vez. En cuanto al edificio, inaugurado en el 2005, fue diseñado por el arquitecto surcoreano Chang-Il Kim de Junglim Architects & Engineers Ltd, ganador del respectivo concurso, y presenta un lenguaje contemporáneo, aunque inspirado en elementos de la arquitectura tradicional coreana.

UBICACIÓN

El Museo Nacional de Corea se fundó en 1945 en terrenos del Palacio Gyeonbokgung, aunque tiene antecedentes ya desde 1908, dos años antes de la ocupación japonesa en Corea (1910-45). El museo tuvo otras cuatro locaciones (incluyendo la aborrecida y ya demolida Casa del Gobiernador General Japonés).

A partir del 2005 la nueva sede del museo se estableció en el parque Familiar de Yongsan. Yongsan es una enorme base militar norteamericana ubicada en Seúl. En 1992 se devolvió un área de 30 hectáreas con fines recreativos, que se convirtió en un enorme parque.

El emplazamiento del edificio e el terreno responde a antiguos patrones de la geomancia coreana: montañas visibles en la parte posterior y un estanque de agua en la parte anterior del edificio corresponden a los elementos yin y yang (positivo y negativo, masculino y femenino). De hecho, unos 500 m al sur se encuentra el río Han.

El museo en el 2002, en plena construcción.

El museo en el 2009. Imágenes Google Earth.

Además, el edificio se ubica en la parte posterior del lote, enfrentando al sur, buscando balance y armonía según los principios del confucianismo. Esto permite el desarrollo de una plaza de acceso, en la cual se ha trabajado una aproximación del edificio lateralmente, salvando las diferencias topográficas del terreno.

EL PROYECTO

El museo está desarrollado como una gran barra lineal de 43 m de alto, 186 m de ancho y 404 m de longitud. esta barra recubierta en granito enmarca una plaza techada, cuyo cielorraso ha sido recubierto de una parrilla metálica que encierra instalaciones de iluminación y sonido. En realidad se trata de dos edificios diferentes vinculados por esta plaza: el ala este (que contiene las salas de exhibición y los depósitos) representa el pasado y el ala oeste (que alberga oficinas, áreas de exhibición especial, el Centro de Educación y el Museo de los Niños), simboliza el futuro.

Maqueta del conjunto. Vista delantera.

Vista posterior.

Según los proyectistas, la plaza abierta simboliza el espacio típico de la arquitectura tradicional coreana, llamado maru, de piso de madera y que servía para vincular varios ambientes.

Este gran pórtico urbano que enmarca la vista de la montaña Namsan, atrapa un enorme cono truncado de vidrio que sirve de ingreso al ala este del museo (Kisho Kurokawa también plantéo un cono como ingreso a su Centro Nacional de Arte en Tokio, pero la escala es totalmente diferente). Este cono, tiene una cobertura en forma de cono invertido (y que da la sensación de ser una nave espacial), que permite la iluminación indirecta al espacio.

Fachada posterior, mostrando el cono de ingreso.

El dinámico espacio cónico define un enorme salón de recepción, que además de su porte monumental, distribuye a otros ambientes como boletería, cafetería, librería, etc., y al que balconean algunos ambientes de las galerías.

A partir de ahí una oblonga nave rectangular vertebra las dos alas de exhibición. Este espacio, cuya iluminación estudiada conversa con el suave matiz del mármol color beige que recubre el interior del edificio.

Este lobby alberga dos impresionantes monumentos: una columna de piedra cuya base es una tortuga y la Pagoda Gyeongcheonsa (1348), de diez pisos, también hecha de piedra.

A ambos costados se ubican las galerías, organizadas en tres niveles y vinculadas por puentes.

En el primer nivel se halla la muestra histórica, que abarca diversos objetos de arte coreano, que datan desde el Paleolítico y que recorren miles de años de la historia coreana. Particularmente notables son el área del Neolítico y el Salón dedicado al reino Silla, al cual nos referimos anteriormente en este blog.

En el segundo y tercer nivel están las muestras de Bellas Artes, incluyendo además colecciones de otros países de Asia, como China, India, Japón, Vietnam, Tailandia, etc.

Uno de los objetos que más llamó mi atención fue esta imagen de este Buda proveniente de Pakistán (antes India). Esta es una de las representaciones más antiguas de Buda, cuando la cultura india entró en contacto con la griega a través de Alejandro Magno (antes de eso las representaciones de Buda eran prohibidas). Por eso Buda aparece aquí con rasgos occidentales. Compárese con otros Budas de épocas posteriores (mostrados en este mismo post), de rasgos típicamente asiáticos.

Hacia el oeste se encuentran instalaciones complementarias del museo. El museo de los Niños también presenta una pequeña plaza circular interior iluminada cenitalmente por un lucernario.

Algunos de los recursos utilzados en el vocabulario del edificio, me recuerdan a los de Richard Meier, particularmente el Centro Getty: el manejo de los planos, la secuencia espacial, la superposición de geometrías curvas y rectas, etc.

Además del museo infantil, se encuentra aquí un auditorio, un teatro, un Centro de Educación, Biblioteca y otros equipamientos relacionados con la educación, que suman un área de casi 15,000 m2, en comparación con los 27,000 m2 del área de exhibición.

En cuanto al exterior, ha sido trabajado extensivamente siguiendo los patrones clásicos del paisajismo coreano, incluyendo cascadas, cursos de agua y áreas verdes que buscan expresar, según los autores, un concepto de armonía entre el edificio y la naturaleza.

VER TAMBIÉN:
- MUSEOS DE HISTORIA

Museo Asahi Oyamazaki, Kioto, Japón (Tadao Ando)
Museo de la Madera, Hyogo, Japón (Tadao Ando)
Museo Histórico de Sayamaike, Osaka, Japón. Tadao Ando
Museo Jomon de Mikata, Obama, Japón.

Junto a Oki, Tomohiko y Chris. Es interesante visitar un museo junto a tres arqueólogos, y supongo que para ellos también llevar a un arquitecto. Así, el interés en la visita adquiere un equilibrio entre el contenido y el continente.

SANTUARIO DE JONGMYO, SEÚL, COREA

2009-11-25T12:21:00.001+09:00

Foto cortesía de José María Areta.

Uno de los aspectos que se ha tratado de subrayar en este moleskine es la importancia del entorno paisajista y cultural de las obras arquitectónicas. Los edificios no son solamente valiosos por sus cualidades estéticas, funcionales y tecnológicas, sino también por la forma como se insertan en su contexto y por lo que significan para la gente que los usa.

En ese sentido, el ancestral santuario real de Jongmyo en Seúl, Corea, es uno de los edificios más interesantes de Asia. La calidad de su fábrica y el estudiado vínculo de la arquitectura con su paisaje bajo los principios del Confucianismo, le han valido ser reconocido como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 1995. Pero a su vez, el Jongmyo jeryeak, una ceremonia ritual que se celebra aquí desde el siglo XIV, ha sido declarado "Obra Maestra del Patrimonio Oral e Intangible dela Humanidad", en el 2001, también por UNESCO.

Para mí, no sólo fue una oportunidad de escapar del bullicio que caracteriza el centro de la moderna capital sur coreana. Fue también interesante descubrir aquí el punto intermedio entre la exhuberante arquitectura china y la sobriedad de la japonesa, el nexo entre la monumentalidad de los jardines del gigante asiático y la tendencia a la miniaturación de los jardines nipones. En suma, un estilo que encaja prolijamente en la lógica a las relaciones culturales en el sudeste asiático.

FUNDACIÓN DE SEÚL

Taejo (1335-1408), el primer rey de la dinastía Joseon, fundó en 1394 la capital Hanseong, a orillas del río Han, la que posteriormente se llamaría Seúl. El trazado de la ciudad se haría de acuerdo a los principios de la geomancia, dado que se hallaba rodeada por cuatro montañas ubicadas en los puntos cardinales, cada una de las cuales asociada a un animal mágico: la tortuga negra al norte, el ave bermellón al sur, el dragón verde al este y el tigre blanco al oeste (anteriormente en este moleskine hemos revisado los principios del Feng Shui para el trazado de capitales como Chang'An en China y Kioto en Japón). La muralla de la antigua ciudad de Seúl se extendía reptando por los contornos de estas colinas.

ORIGEN DE JONGMYO

Jongmyo (o Chongmyo, como se le llamaba antes, dado que la "J" se pronuncia casi como una "CH"), fue construida como un santuario para honrar a los ancestros de los reyes. Esta costumbre propia del confucianismo fue adoptada por la corte, diferenciándose del budismo, que era más popular en la Corea de entonces. El santuario alberga las tabletas de los monarcas y sus reinas, incluso anteriores a la fundación de Seúl, excepto dos de ellos, que fueron destituídos.

Jongmyo cumplía pues, además de un rol religioso, un papel político para apoyar el desarrollo de la nueva dinastía y un símbolo del respeto y los valores filiales a nivel nacional.

Como muchos otros grandes complejos en el mundo, Jongmyo fue construido en varias etapas. La primera de ellas se efectuó entre 1394-95. Posteriormente, en 1410 se agregaron nuevas edificaciones complementarias y se ampliaron las existentes. Luego se añadió un nuevo pabellón, llamado Yongnyongjeon (Salón de la Paz Eterna), por lo que el edificio original pasó a llamarse Jeongjeon (Salón Principal).

En 1592 se produjo la primera invasión japonesa a Corea y como resultado el Jongmyo fue reducido a cenizas. Posteriomente el santuario fue reconstruido en 1608, y se hicieron ampliaciones sucesivas a través de los años. En 1834 ambos pabellones fueron ampliados por última vez.

DISTRIBUCIÓN

El complejo real tenía como centro al palacio Gyeonbokgung (el palacio principal de Corea), mientras que el santuario de Jongmyo (dedicado a la veneración de los ancestros) se situaba a la derecha del trono, y el santuario de Sajik-dong (donde se veneraba a los dioses de la tierra y las cosechas) se ubicaba a la izquierda del mismo.

Algún tiempo después de la fundación de Jongmyo, en 1418 se creó un nuevo palacio a su lado, Changgyoenggung (del que nos ocuparemos en un futuro post y que es también Patrimonio de la Humanidad). Ambos complejos, Jongmyo y Changgyoenggung, santuario y palacio, estaban íntimamente vinculados, siendo parte de la misma unidad simbólica, y asentados sobre una misma colina.

Por eso me llamó mucho la atención que ambos complejos estén separados por una moderna autopista, y vinculados únicamente por un puente peatonal. Era casi irritante aquella falta de respeto hacia un patrimonio tan importante, únicamente para beneficiar el recargado tráfico seulés.

Sin embargo, mientras hacía la investigación para este post, me enteré que tal vía había sido hecha adrede por los japoneses durante la invasión a Corea a principios del siglo XX, con el propósito de dividir ambos complejos y así socavar su importancia, llegando al extremo de convertir al palacio en un zoológico durante la ocupación.

Volviendo a Jongmyo, como dijimos, comprende de dos grandes salones rituales y varias otras estructuras. La orientación de ambos salones está girada hacia el palacio Gyeonbokgung, en dirección noroeste.

Los dos salones están rodeados por una pared que encierra un campo rectangular y se enfrentan a sendas grandes plazas de piedra de 150 por 100 metros, llamadas Woldae, ideales para la realización de ceremonias, y que marcan un notorio contraste con la frondosa vegetación de los alrededores.

Jeongjeon (Salón Principal)

Yongnyongjeon (Salón de la Paz Eterna)

La escala de estas plazas es majestuosa sin ser monumental. De hecho, la proporción de los edicios que las enfrentan no es muy alta, lo que deja ver las montañas detrás como un segundo fondo de la composción (Compárese, por ejemplo, con la escala monumental del santuario de Heian, en Kioto, que es una réplica a 2/3 del tamaño original del palacio imperial en la antigua capital nipona). En el medio de las plazas hay un canal de piedra que va de sur a norte, que es por donde supuestamente discurren las almas de los ancestros.

Jeongjeon (Salón Principal)

Yongnyongjeon (Salón de la Paz Eterna)

Yongnyongjeon, vista lateral

Ambos pabellones están compuestos por una sucesión de cámaras espirituales: Jeongjeon (Salón Principal) comprende 19 cámaras y alberga 49 tablas reales, mientras que Yongnyongjeon (Salón de la Paz Eterna) tiene 16 cámaras y guarda 34 tabletas.

Foto cortesía de Titicat

Complementariamente al Salón Principal, se encuentra Jaegung, un pabellón donde los monarcas se preparaban para ejercer los rituales, y que tenía cuyos ambientes dispuestos simétricamente en torno a una puerta central y dos laterales, acogían tanto al rey como para el príncipe. Aquí entraban los monarcas por la puerta norte, purificaban sus cuerpos y mentes e ingresaban al Jeongjeonpor la puerta este.

Otras estructuras comprenden almacenes para objetos rituales e incienso, cocinas para ofrecer comida, vestuarios, etc. vinculados por una vía sagrada.

El estilo de las estructuras es severo, especialmente si se lo compara con otros ejemplos de arquitectura coreana, como Bulguksa, cerca de Pusan.

JONGMYO JERYEAK

Jongmyo Jeryeak es una ceremonia cortesana que comprende canto, música y baile y que constituye la celebración principal en honor a los ancestros de los reyes. En nuestros días se celebra una vez al año, el primer domingo de mayo, aunque anteriormente se practicaba hasta 5 veces anuales, organizada por los descendientes de la familia real, ya que hoy Corea del Sur es una república.

Su importancia radica en que es uno de los pocos rituales confucianistas que se celebran en el mundo, ya que ni siquiera en China se practican.

El siguiente video explica el ritual de Jongmyo Jeryeak, del cual extraigo algunos párrafos.

"Durante el rito, los sacerdotes, vestidos en indumentaria ritual, con una corona para el rey y diademas para los demás, hacen ofrendas de comida y libaciones de vino en vasijas rituales...

La música, tocada en gongs, campanas, laúdes, cítaras y flautas, y las danzas,ejecutadas por 64 bailarines en 8 líneas, ilustran el balance de las fuerzas de Yin y Yang, tal como se explica en los textos confucianos. La danza Munmu, acompañada por la armoniosa y relajante música Botaepyong, representa logros cívicos de los reyes, y la fuerza de Yang, simbolizada porque el primer paso en la danza es siempre a la izquierda. Mumu, la danza militar, acompañada por música Jeongdaeeop, representa la fuerza del Yin, simbolizada por el primer paso en la danza es siempre a la derecha..."

***

A raíz de su importante simbolismo, el santuario de Jongmy destaca por su estilo austero, simétrica y la composición basada en la repetición de sus elementos.

VER TAMBIÉN
- FENG SHUI EN ARQUITECTURA TRADICIONAL

TRES AÑOS

2009-11-23T13:19:00.005+09:00

Hoy Mi Moleskine Arquitectónico cumple tres años. Ya nos estamos haciendo viejos (me pregunto si habrá algún plan de jubilación para bloggers).

Y bueno, hay muchas cosas que he podido comunicarles en este tiempo, muchas experiencias y lugares visitados en este largo periplo y que hemos compartido a través de este espacio. Un recorrido que ha reafirmado la idea de que no se puede desligar a un edificio de su entorno urbano, de su paisaje físico y cultural y de su contexto histórico. Sin embargo, hay muchas otras más que me gustaría seguir comentándoles, y tal vez ese deseo sea en parte la fuente de energía que alimenta este blog.

La otra gran fuente corresponde a Uds. Porque este blog no habría llegado ni a los 3 meses si no hubiera sido por la respuesta de los lectores, a quienes agradezco sus visitas, sus suscripciones y comentarios. Además, este último año, gracias a la aplicación de Seguidores (a la derecha del blog) y a la página de Mi Moleskine en Facebook, he podido conocerlos un poco más de cerca, saber de sus intereses e inquietudes, y me ha complacido descubrir que varios lectores de este blog no son necesariamente arquitectos (a pesar de que el nombre del mismo sea intimidantemente especializado).

Por mi parte, es interesante comprobar cómo este espacio ha cambiado mi forma de vivir, de investigar, de viajar y de buscar sitios que puedan ser interés para Uds. (¿por qué los arquitectos tienen que hacer sus grandes obras siempre en los lugares más apartados e inaccesibles? ¿dímelo, Frank?¿por qué, Tadao? ). Además, por supuesto, hay siempre que buscar alguna viejita que tome la foto que aparece al final de cada post (o a quien yo pueda alcanzar si sale corriendo con la cámara), y que corresponde a la parte personal en este moleskine.

Aunque, a decir verdad, hace tiempo que éste ha dejado de ser "Mi", para convertirse en "Nuestro Moleskine Arquitectónico".

Muchas gracias a todos.

PIANO, ROGERS, JAHN, ETC: POTSDAMER PLATZ

2009-11-20T16:47:00.005+09:00

En la anterior entrega comenté el proceso de renovación urbana en Potsdamer Platz y su rol en la reunificación de Berlín bajo la pauta del Plan Maestro de Renzo Piano. Pero, como mencionábamos, el conjunto congrega obras de renombrados arquitectos, como el Grand Hyatt Hotel ,diseñado por José Rafael Moneo, la Torre Kolhoff, de Hans Kolhoff o el Banco Berliner Volskbank de Arata Isozaki. Por razones de espacio, en este post quisiera centrarme en tres obras que encuentro interesantes: La Torre Debis, de Renzo Piano, los edificos comerciales y de vivienda por Richard Rogers y el Sony Center, de Helmut Jahn.

Distribución de los edificios en Potsdamerplatz por arquitecto y por uso. A ellos agregar el complejo de Sony Center al norte, obra de Helmut Jahn.

TORRE DEBIS, RENZO PIANO

Renzo Piano ha demostrado su gran destreza para organizar los edificios a través de espacios urbanos (como en el Centro Pompidou en París o el museo High en Atlanta), la eficiente e innovadora tecnología de sus propuestas (como en el aeropuerto de Kansai o la tienda Mansion Helmes en Tokio), sin abandonar la calidez y sensibilidad en el uso de los materiales (como en su propuesta en Nueva Caledonia).

Para el edificio bandera de Potsdamer Platz, Piano plantea una torre de 85 metros que, conjuntamente con la Torre Kolhoff y la Torre de Sony de Helmut Jahn, conforma una puerta urbana al conjunto. Pero el edificio de Piano se distancia del típico rascacielos americano que representan las otras torres.

La descomposición del mismo en elementos secundarios rompe la posible monotonía de la fachada. Al mismo tiempo hacia el sur, Piano reduce la altura en 1/3 de la torre, y le da una escala más proporcionada con respecto a los otros edificios alineados en la Linkstrasse, diseñados por su antiguo amigo Richard Rogers.

De hecho, el planteamiento urbano original en esta calle según el esquema de Hilmer y Sattler era tener un gran bloque de 35 m de alto y 200 m de largo, en cierto modo reminiscente del muro de Berlín. Piano decidió dividir este gran bloque excavando unos retiros en la fachada que le dan apariencia de ser edificios diferenciados.

La torre Debis contiene básicamente oficinas, aunque incluye también comercio y restaurantes en los niveles más bajos.

Plantas 1, 4, 14 y 24 y elevación desde la Linkstrasse.

Las oficinas se organizan en torno a un atrio, que se hizo necesario ya que la ley alemana establece que los trabajadores no deben estar a más de 8 metros de una ventana. El atrio, cuya múltiple altura encierra una especie de plaza interior, sobrecoge por su porte y calidad lumínica, dado que la luz se difumina a través de paneles blancos semitransparentes ubicados en el techo. (Anteriormente en este moleskine hemos visto como Piano utiliza la luz indirecta para dar una iluminación magistral al Museo High, en Atlanta).

También en contraste con el lenguaje de la torre de la Sony, que utiliza vidrio y acero, Piano combina el cristal con un recubrimiento en terracota le da una apariencia cálida, sofisticada y elegante, y que se utilizan ya sea como paneles o como finas varillas. Me gustó mucho la sutileza del juego de luz y la profundidad en el juego de planos que provoca esta parrilla de terracota en tono mate.

La superposición de capas de vidrio con la terracota, particularmente hacia la cuña que conforma el acceso al conjunto, le da una sensación de ligereza a la fachada, como si ésta se estuviera disolviendo hacia la esquina (en realidad más que un efecto estético, la doble pared de cristal obedece a una razón de acondicionamiento térmico). Al mismo tiempo la marquesina ubicada en el primer nivel acrecienta la idea de levedad del edificio.

Foto cortesía de gallinsky

EDIFICIOS COMERCIALES Y DE VIVIENDA. RICHARD ROGERS.

Rogers plantea tres edificios hacia Linkstrasse, cuya altura de 8 pisos conversa con la del edificio Debis de Piano y cuya planta cuadrada responde a la antigua trama urbana berlinesa.

Vista hacia Linkstrasse.

Rogers propone dos edificios simétricos dedicados al comercio, en cuya fachada destaca un cilindro metálico amarillo. Al lado del mismo los pisos se retraen progresivamente para permitir el ingreso de la luz y brindar vistas al interior. Esto también favorece la ventilación natural de los edificios.

Imágenes cortesía de Richard Rogers & Partners

El tercer bloque corresponde a viviendas, que se organizan en torno a un patio central y cuya fachada sufre un corte en diagonal que permite a las viviendas disfrutar de vistas al parque y de una generosa iluminación. Sin embargo, para controlar el exceso de asoleamiento la fachada cuenta con unas parrillas de aluminio.

"El porcentaje de vidrio obedece a un estudio climático al interior del edificio. Las fachadas noreste y noroeste tienen poco vidrio para minimizar la pérdida de calor durante el invierno; las sureste y suroeste tienen generosas ventanas, con áreas abiertas hacia el jardín".

Imágenes cortesía de Richard Rogers & Partners

El techo de los penthouse se encuentra vidriado en el lado que da hacia el patio, y parasoles computarizados son operados automáticamente para minimizar o maximizar la ganacia de calor o la ventilación según sea la época del año.

Los tres edificios de Richard Rogers & Partners han realizado un riguroso estudio bioclimático, y sus propuestas son eficientes en la conservación de energía.

EL SONY CENTER. HELMUT JAHN

El Centro Sony, diseñado por el arquitecto germano-americano Helmut Jahn, no fue parte del plan maestro de Renzo Piano, aunque se encuentra dentro de lo que se conoce como Potsdamer Platz. De allí su diferencia estilística con el resto del conjunto.

Con sus 103 metros la torre del Centro Sony es la más alta de Potsdamer Platz, y como mencioné en la anterior entrega, me pareció fuera de escala para el tamaño de las plazuelas. Tampoco me sedujo el lenguaje de vidrio y metal de la torre, que otros han coincidido en criticar como frío y "norteamericano".

Sin embargo, vale destacar la plazoleta elíptica, que con sus 4,000 m2 funciona como el espacio púbico más importante de todo el conjunto.

Especialmente cubierta con un toldo en forma radial, que es más un conjunto de velas superpuestas sobre una armadura metálica cónica y desplazada de su eje, un parasol que se convierte, además de su función utilitaria, en un protagonista en la animación de la plaza, particularmente de noche cuando se operan juegos lumínicos.

El cono representa al Monte Fuji, un símbolo de la compañía japonesa Sony.

EL LAGO PIANO.

En el extremo sur del conjunto al lado del canal Landwehr, se halla un espacio triangular donde se ubica el llamado "Lago Piano", cuyo proyecto paisajista ha sido desarrollado por el estudio Deiseitl. Este lago, de una profundidad máxima de 2 metros, no sólo cumple un fin estético sino ambiental, y en él se han desarrollado numerosas especies de plantas, peces, insectos y aves.

VER TAMBIÉN

- OTRAS OBRAS DE RENZO PIANO

- OTRAS OBRAS DE RICHARD ROGERS

Edificio Lloyd en Londres.

BERLÍN DESPUÉS DEL MURO: POTSDAMER PLATZ

2009-11-17T13:39:00.007+09:00

Tras la caída del muro en 1989, Potsdamer Platz renació como el nodo más importante de Berlín, tal como lo había sido antes de la Segunda Guerra Mundial. Pero renació a través de un rosario de obras de maestros de la arquitectura internacional, como pocas veces se ha visto en el mundo. La gigantesca renovación urbana se efectuó de la mano del reconocido maestro italiano Renzo Piano, y cuenta con obras de Richard Rogers, Rafael Moneo, Arata Isozaki entre otras celebridades. Su ejecución requirió convertir a Potsdamer Platz en el más grande campo de construcción de Europa, pero al mismo tiempo tuvo que construirse en la mente de las personas el concepto de que aquél páramo abandonado por 40 años habría de ser nuevamente el centro de Berlín.

La presente entrada estará enfocada en la evolución de Potsdamer Platz como centro neurálgico de Berlín, su fractura y abandono durante la guerra fría y su rol urbano como símbolo de la re-unión de Berlín tras la caída del muro. Además señalaré algunos aspectos de su impresionante y estoico proceso de construcción. En el siguiente post revisaremos algunos de los más importantes edificios de este conjunto, con énfasis en su arquitectura.

HISTORIA

Potsdamer Platz se inició en 1685 como un punto de comercio, justo en el borde externo de la ciudad, al final del camino que conducía a la ciudad de Potsdam, situada a 25 km al sur de Berlín. Más que una plaza era un nodo al que convergían varias rutas en forma radial. Frente a ella se ubicaba Leipziger Platz, esta sí dentro de Berlín. Para 1823 se ejecutó un nuevo diseño que embellecía ambas plazas, y se creó la Puerta de Potsdam.

Posteriormente los ciudadanos más pudientes de Berlín empezaron a construir sus villas y pequeños palacios en torno a Potsdamer Platz. A ellos les seguirían las embajadas.
En 1838 se inaugura una modesta estación de tren que se expandiría con los años hasta ser un importante nodo ferroviario.

Para 1850 Berlín había crecido notablemente, al punto de ser la tercera urbe más importante del mundo después de Londres y Nueva York, y Postdamer Platz era el corazón de la ciudad, lleno de comercios, cafés, hoteles. Al final del siglo XIX el paisaje urbano estaba repleto de caballos, carruajes, tranvías y transeúntes trajinando alrededor de esta zona.

En el siglo XX la aparición del automóvil conllevó a un congestionamiento de este nodo, por lo que se en 1924 instaló aquí el primer semáforo de Europa.

A inicios de los años 30s se completó la tienda Columbushaus, construida en lenguaje moderno, que era una subsidiaria de la francesa Galeries Lafayette. Curiosamente, en el anterior post vimos la versión contemporánea de esta tienda en la Friedrichstrasse, a manos de Jean Nouvel.

Columbushaus poco antes de su culminación en 1932

Potsdamer Platz destruida, con la Columbushaus en ruinas.

Los bombardeos de la Segunda Guerra mundial redujeron a escombros el otrora corazón de la ciudad, que no sería materia de reconstrucción en los años subsiguientes.

Potsdamer Platz antes y después de su destrucción.

Localizadas en el límite de Berlín Oriental y Occidental, tanto la Potsdamer como la Leipziger Platz fueron divididas por el muro y posteriormente la franja de la muerte. Ni siquiera en el lado Oeste la Potsdamer Platz fue recuperado. Era el límite de la ciudad y la tierra de nadie.

INICIO DE LA REHABILITACIÓN

Aunque parezca increíble, la renovación de Potsdamer Platz ocurrió a principios de 1989, cuando nadie se imaginaba que el muro caería ni mucho menos que Alemania se reunificaría. Ese año, la compañía Daimler-Benz había adquirido unos terrenos en el lado occidental de la plaza y planeaba construir una sede allí. Obviamente, tras la caída del muro en noviembre de ese año, los planes de la compañía cambiaron totalmente.

Superposición de Potsdamer Platz con el antiguo trazado del muro

Claramente la Potsdamer Platz tenía el potencial para simbolizar la unión de las dos mitades de Berlín. En 1991 el gobierno convocó un concurso internacional del que surgió ganador el estudio muniqués de Hilmer y Sattler, que favorecía una propuesta de baja densidad, sin rascacielos, parecida al Potsdamer Platz de los años 20. Sin embargo, algunos miembros del jurado, como Rem Koolhaas, criticaron abiertamente la elección, tildándola de “una concepción urbana reaccionaria, provinciana y amateur”. En esto coincidían los principales inversores del sitio, como Daimler-Benz, Sony Berlín Hertie y ABB, así que particularmente contrataron al renombrado maestro ingles Richard Rogers para un nuevo plan. El senado debatió ambas propuestas, y finalmente optó por la de Hilmer y Sattler.

Izquierda, propuesta de Hilmer y Sattler, 1991. Derecha, Plan alternativo de Richard Rogers.

Posteriormente en 1993, se convocó a un concurso internacional para desarrollar el detalle de la propuesta de Hilmer y Sattler en el que participaron, además de Rogers, Renzo Piano, Rafael Moneo, Arata Isozaki, Hans Kollhoff, Ulrike Lauber, entre otros, y en el que resultó ganador en maestro italiano, quien trabajó conjuntamente con Christoph Kohlbecker.

Sketch original de Piano, propuesta ganadora y propuesta corregida en 1993.

PLANTEAMIENTO DE POTSDAMER PLATZ
Potsdamer Platz se asienta un terreno irregular cuyo ingreso principal se encuentra en la confluencia de la Potsdamerstrasse (una avenida que corre de oeste a este y que luego se transforma en la Leipzigstrasse) con la Ebertstrasse, que corre de norte a sur. En la intersección de ambas nace un gran parque lineal vecino a la calle Likstrasse, que define el la fachada este y más importante del conjunto. Hacia el oeste del mismo, se yerguen las llamativas formas del Kulturforum, y hacia el sur el límite es definido por el paseo Reichpietshufer, que acompaña el serpenteante curso del canal Landwehr.

El barrio de 500,000 m2 está compuesto por 19 edificios y 10 calles. La propuesta de Piano incluyó una variedad de usos: 56% oficinas, 19% vivienda, 11% comercio, 9% hoteles y 5% cultural. Para garantizar variedad en el conjunto, se invitó a los otros estudios a que colaboraran con proyectos arquitectónicos.

La propuesta de Piano considera dos piazze al inicio del conjunto, dos espacios trapezoidales que se hallan cerca a la plaza octogonal Leipzig, también restaurada aunque no parte del plan. Precisamente frente a estas plazuelas se encuentran las torres más altas, cuyas agudas esquinas definen el ingreso al conjunto, comportándose como puertas urbanas.

Respecto a las plazoletas de acceso, pienso que son demasiado pequeñas para congregar la función de una plaza, al ser fracturadas por una vía que las atraviesa. En lo personal, pienso que hubiera sido una opción interesante sumergir las avenidas bajo tierra y hacer una sola gran plaza de acceso a Potsdamer Platz, conectada a otra gran plaza en Leipziger Platz (cuyo espacio octogonal también se halla partido en dos, y que funciona como dos grandes jardines, pero no parece congregar una función de parque). Pienso que aquello hubiera sido un binomio interesante entre plaza seca y parque verde, hubiera contribuido notablemente al espacio público en el centro de Berlín, dándole preponderancia al peatón sobre el vehículo, y a su vez, hubiera hecho más proporcional la escala de las torres de entrada, la que por momentos es un poco aplastante. Imagino que la importancia histórica de Potsdamer Platz como nodo vehicular habrá pesado en la decisión de los proyectistas, pero mi percepción es que hay pocas áreas públicas para un conjunto urbano tan importante. En otras palabras, extrañé una buena plaza en Potsdamer “Platz”.

En todo caso, Piano parece haber volcado la experiencia peatonal a la trama de calles trabajada con maestría para hilvanar el tejido urbano con un tratamiento paisajista que brinda calidez y unidad a este variopinto conjunto.

El enorme porte de las torres va aterrizando en una escala más humana en los otros edificios.

Sin embargo, algunos críticos como Werner Sewing han apuntado la ineficiencia de la propuesta en términos de planeamiento de transporte, ya que el área tiende a sobresaturarse de vehículos. También se ha criticado la imagen "norteamericana" del conjunto, tildándola de Disneylandia y de Pequeño Manhattan.

LA CONSTRUCCIÓN

Potsdamer Platz se convirtió en el sitio de construcción más grande de Europa. La reconocida eficiencia alemana permitió culminar este coloso en apenas cuatro años, a pesar de contar con dificultades geológicas, con un suelo arenoso y una alta freaticidad que permitía encontrar agua a apenas 3 metros bajo el suelo, dada la cercanía al canal. No importaba si drenaban el agua del terreno, inmediatamente se volvería a filtrar, por lo que ya que era muy tedioso y complicado trabajar en un terreno pantanoso, decidieron inundarlo todo y trabajar bajo el agua, logrando mayor movilidad. Era entonces muy común ver a los constructores usando equipos de buceo, y sumergiéndose hasta 20 m bajo el agua.

Para ello excavaron lo más posible hasta que el agua se volvió pantanosa, y posteriormente rompieron el muro del canal, creando un lago artificial de 7 hectáreas, que sería parte del paisaje de la construcción por 4 años. Luego, usando barcazas empezaron a perforar el terreno haciendo el lago más profundo. Posteriormente otra barcaza funcionó como una fábrica de cemento, y una tercera barcaza era una perforadora que se utilizó para plantar los pilotes que conformaron la estructura del conjunto. En algunos casos para sostener los edificios de 100 m de alto tuvieron que excavar hasta 230 m hasta encontrar un suelo consistente.

Pero, ¿cómo resolver el problema del enorme acarreo de materiales hasta el sitio de construcción (y al mismo tiempo de los escombros hacia las afueras) sin convertir en un infierno el tráfico de Berlín central?
Para ello se creó una red vial especial subterránea para transporte de materiales de 2.5 km de largo, que permitió un desenvolvimiento del tráfico en vías superiores relativamente normal.
Paralelamente se desarrolló un organizado sistema de entrega de materiales “justo a tiempo”, es decir, sólo en el momento en el que se los necesitaba. Esto evitó el uso de grandes áreas de almacenamiento de material.

***

Es indudable que, a pesar de las críticas, Potsdamer Platz ha resultado un éxito desde el punto comercial y como punto de atracción de la población. Otras actividades complementarias han ayudado a darle un protagonismo aún mayor a nivel internacional. Por ejemplo, el Potsdamer Platz es la sede del renombrado Festival de cine de Berlín desde el año 2000. Es aquí donde, este año, mi compatriota Claudia Llosa obtuvo el Oso de Oro por la película hispano-peruana “La Teta Asustada”.

RECUPERACIÓN DE LEIPZIGER PLATZ
Como complemento, puede verse el video de la Leipziger Platz recuperada y de los edificios que definen su forma octogonal (Presionar aquí si no puede ver el video).

VER TAMBIÉN

- OTRAS OBRAS DE RENZO PIANO

- BERLÍN Y EL MURO

Una de las placas de concreto que formaban el antiguo muro de Berlín en Postdamer Platz se encuentra ahora cubierta de chicles... guácala...

BERLÍN DESPUÉS DEL MURO: GALERÍAS LAFAYETTE

2009-11-12T13:50:00.006+09:00

“Este edificio está a medio camino entre la abstracción y la figuración, entre la luz natural y artificial, un medio escenográfico sutil que crea un juego. Es el motor de la seducción, convirtiendo en interrogante aquello que es revelado y aquello que es oculto, oscuridad y luz, lo inteligible y lo sensible.
El propósito del edificio: encender los primeros fuegos de la regeneración de Friedrichstrasse.”
Jean Nouvel

Como habíamos mencionado en el post anterior, la Friedrichstrasse era una de las calles comerciales más importantes de Berlín al inicio del siglo XX hasta la Segunda Guerra Mundial.

Tras la caída del muro, Berlín comenzó la ardua tarea de reunir sus mitades. Ardua porque tras más de 40 años de régimen comunista el lado oriental lucía vetusto, atrasado, descuidado y desprovisto de vida (aun así las divisiones sociales y políticas han probado ser más difíciles de integrar que las urbano-arquitectónicas).

Unter den Linden fue uno de los primeros espacios urbanos en regenerarse, gracias a la impecable restauración de la Puerta de Brandemburgo con su histórica escultura a la victoria (robada de Berlín a París por Napoleón en 1806 y recuperada pocos años después) y al tratamiento de la plaza enfrente. La contundencia de la estructura espacial y el significado de este monumento y el famoso bulevar que preside coadyuvaron a esta pronta recuperación.

El muro se desvanece y la Puerta de Brandemburgo recobra vida. Estas fotos fueron tomadas en paneles frente a la estación de Berlín.

El caso de la Friedrichstrasse era más complicado, y requirió la intervención de un proyecto de regeneración urbana. Para ello, en 1991 se convocó a un concurso internacional para la renovación de tres manzanas a lo largo de esta importante vía comercial, a cargo de tres arquitectos respectivamente. A pesar de ser diferentes, estas tres galerías se comunican subterráneamente. En una de ellas resultó ganador Jean Nouvel, arquitecto francés quien propuso la versión berlinesa de una de las tiendas más famosas de París: las Galerías Lafayette, ubicadas frente la Ópera de Garnier.

Interior de las galerías Lafayette, en París, con su cúpula Art Noveau que data de 1912.

LAS GALERÍAS LAFAYETTE, BERLÍN.

El edificio se ubica en la esquina de Friedrichstrasse y Franzosischestrasse, dos vías importantes en el área central de Berlín.

Las galerías se encuentran a una cuadra de la Gendarmenmarkt, la más hermosa plaza de Berlín.

El entorno de las galerías está compuesto por bloques masivos de tiendas comerciales. La propuesta de Nouvel, un edificio vidriado y transparente, causó controversia pues se esperaba que se respete el carácter sólido de estas edificaciones contiguas.

A primera vista me pareció un poco extraño, en el sentido de alienígena, con su gran esquina curva, impuesto sobre un entorno al que parecía no pertenecer. Pero de noche los vidrios se desvanecen, se hacen etéreos y es como si el espacio interno se extendiera hacia la calle, o viceversa.

Efectivamente, el edificio ha sido concebido como una vitrina gigante, particularmente de noche, cuando el interior de las tiendas es mostrado sin impudicia hacia la calle.

Como hemos visto en otras obras de Nouvel, anteriormente comentadas en este moleskine (como la Torre Agbar, el Instituto del Mundo Árabe o la Torre Doha), este arquitecto tiene predilección por trabajar las fachadas de sus edificios en diversas capas o "pieles". Las Galerías Lafayette no serían la excepción, aunque de una manera más soslayada que en los casos anteriormente mencionados.

La fachada vidriada está compuesta por 3 capas, las dos externas de vidrio irrompible y con una interna de vidrio laminado. Esto permite crear un colchón de aire que permite ventilar efectivamente el edificio (me recuerda a un ardid parecido utilizado por Renzo Piano en su tienda Maison Hermes en Tokio, aunque en el caso de Berlín, Nouvel ha sido mucho más sutil.

INTERIOR

El exterior fue planteado como una gran vitrina, pero es el interior el que llamó la atención de la crítica internacional.

El edificio está organizado en 6 niveles, 2 sótanos y 2 niveles de estacionamiento, sostenidos sobre una estructura de columnas cilíndricas dispuesta en una trama de 8.1 x 8.1 metros. El programa incluye áreas comerciales, oficinas y departamentos de vivienda.

"Una estrategia espacial crea una sinergía entre la expresión de los espacios comerciales y las oficinas. El espacio fluye verticalmente hacia el cielo (admitiendo la luz natural como un elemento arquitectónico) y también se sumerge hacia el interior de la tierra (marcando la ubicación del estacionamiento)."

El evento principal al interior es un grupo de conos acristalados, pensados para introducir la luz al edificio y como elementos visuales atractivos. La luz se refleja y refracta de manera diversa en estos cristales, formando calesidoscópicos efectos al interior, siempre cambiantes de acuerdo a la hora del día.

Foto cortesía de Tobi

Al centro, un atrio circular presenta un gran cono invertido que se comunica con los sótanos inferiores y llega hasta el estacionamiento. Sobre él se ubica otro gran cono suspendido de 50 metros de alto.

Adicionalmente existen otros cuatro conos menores invertidos, por los cuales entra la luz generosamente, al igual que en la gran cúpula de cristal de las Galerías Lafayette en París.

Estos conos cuentan con una doble lámina de protección solar en la azotea y su ápice culmina con es una punta especial de vidrio de 2 cm de espesor, fijada con anillos de metal a la estructura del cono.

La circulación se organiza en torno al espacio central, el cual, si bien impresionante y glamoroso, ha sido criticado por su poca funcionalidad. De hecho, debido al alto costo que presupone el área ocupada, los comerciantes han optado por atiborrar el espacio circundante con sus productos, en lugar de ser de una amplia área de expectación o paseo.

A pesar de estas críticas, las galerías Lafayette se yerguen como el edificio más conspicuo de la Friedrichstrasse. Véase la diferencia con su vecino, un conjunto de galerías desarrollado por Henri Cobb. Este edificio en apariencia siguió un patrón más convencional y similar a su entorno, aunque durante la noche sale del closet y se torna aún más escandaloso que la propia versión de Nouvel.

El siguiente video muestra un análisis de las galerías, en inglés.

VER TAMBIÉN

- BERLÍN Y EL MURO

- OTRAS OBRAS DE JEAN NOUVEL.

- COMERCIO.

Junto a Marco Ramos, hábil arquitecto y un gran amigo, disfrutando de la comida (y bebida) típica alemana.

BERLÍN Y EL MURO, 20 AÑOS: UNA VISIÓN ARQUITECTÓNICA

2009-11-09T09:48:00.012+09:00

La Puerta de Brandemburgo en tiempos del muro.

El mundo conmemora hoy los 20 años de la caída del muro de Berlín. Obviamente, este hecho merece ser analizado desde sus implicancias políticas y económicas (el fin de la Guerra Fría, la caída del comunismo, el desmoronamiento de la Unión Soviética, el inicio de la globalización, el impulso a la Unión Europea, etc). Sin embargo, en el presente post quisiera esbozar algunas consideraciones acerca de lo que significó para Berlín esta separación desde el punto de vista espacial urbano y de la evolución en el diseño y la construcción de la muralla. En su paisaje urbano pueden verse aún muchas cicatrices de aquella dolorosa fractura.
Complementariamente,en las siguientes dos entregas de Mi Moleskine Arquitectónico mostraré sendos exitosos ejemplos del escabroso y a la vez entusiasta proceso de reunificación de esta ciudad: las Galerías Lafayette en la Friederichstrasse y el desarrollo en Potsdamer Platz. Porque Berlín después del muro es también uno de los ejemplos más interesantes a nivel mundial de regeneración urbana a gran escala.

BERLÍN ANTES DEL MURO

Resulta paradójico que Berlín iniciara sus días como una ciudad amurallada, durante el medioevo (1237). Era, sin embargo, una muralla inclusiva, cuyo fin era proteger a la ciudad de los ataques externos y que ofrecía (como en la mayoría de ciudades amuralladas de la época), un sentido de identidad y seguridad a sus habitantes.

En el siglo XVII se construyeron dos distritos adicionales, cuyas tramas ordenadas se distinguen del laberinto medieval: Friedrichstadt, al suroeste y Dorotheenstadt al noroeste. La calle Friedrichstrasse se convirtió en una vía conectora principal entre ambos sectores.

En 1734-36, cuando la ciudad se expandió hacia Friedrichstadt, se hizo una nueva muralla, marcada por grandes puertas. La más monumental de ellas, la Puerta de Brandemburgo (1788-91) fue construida como una gran entrada a la ciudad, enmarcando el soberbio bulevar Unter den Linden, perpendicular a la Friedrichstrasse, y el cruce entre ambas vías se convirtió en uno de los nodos más importantes de Berlín, representando el auge de la Prusia de entonces.

Bulevar Unted den Linden en 1691, casi 150 años antes que los que Haussmann hiciera en París. Fuente Wikipedia.

Aquella importancia comercial no disminuyó con los años. En 1882 se inauguró la estación de Friedrichstrasse, una obra maestra de la arquitectura de hierro, que por entonces simbolizaba el progreso industrial y la modernidad.

Estación de Friedrichstrasse en 1900s

Unter den Liden, 1907

En décadas subsiguientes se añadieron más de 30 cines, y esta vía se convirtió en el centro de producción cinematográfica de Alemania.

Cruce de Unter den Liden y Friedrichstrasse en 1913

En los años 20 el paisaje urbano se modernizaba, dando cuenta de la proclividad vanguardista berlinesa.

Izquierda: edificio de Mendelsohn en Friedrichstrasse. A la derecha Unter den Linden en los años 20s.

Uno de estos edificios es esta joyita, un edificio de oficinas obra de Erich Mendelsohn, que encontré cerca de la Friedrichstrasse.

Al inicio de los años 30, tras ascender Hitler del poder, los comerciantes y empresarios judíos que vivían en la zona fueron removidos por la fuerza. Unter den Linden fue decorada como un monumental paseo, flanqueado por águilas imperiales y esvásticas nazis (aún así, Hitler odiaba Berlín y planeaba fundar una nueva capital, Germania, un plan que fue abandonado al estallar la guerra).

Posteriormente, entre 1944-45, el bombardeo aliado (británico, norteamericano y especialmente soviético) devastó Berlín, que fue ocupada por los rusos en abril de 1945.Tras la capitulación germana, Alemania fue dividida en 4 partes: británica, francesa, norteamericana y soviética (otros países sufrieron similar suerte: Corea y Vietnam fueron divididos en partes comunistas y democráticas. Japón se salvó por poco). En 1949 el lado este se convirtió en la República Democrática Alemana y el oeste en la República Federal Alemana.
Berlín, la joya de la corona, se encontraba en lo profundo de Alemania del este, cerca de Polonia, pero fue también dividida en 4 partes por los aliados. Los soviéticos tenían la parte más grande, aproximadamente el 40% de la ciudad y el 30% de su población (1.2 de un total de 4 millones de habitantes).

División de Alemania y de Berlín por los aliados

El lado Este contenía los edificios más importantes: la municipalidad, la Puerta de Brandemburgo, la universidad, la biblioteca nacional, museos, la catedral, el teatro nacional. Sin embargo, los habitantes podían circular libremente, y servicios como los trenes y el correo funcionaban tranquilamente a ambos lados de la ciudad.

Berlín en 1949, aún con grandes áreas destruidas por los bombardeos.

EL PRIMER MURO

Numerosas crisis antecedieron a la construcción del muro, como el bloqueo soviético de Berlín Occidental en 1948 o la revuelta de obreros en Alemania del Este en 1953. Pero a pesar de la tensión se hablaba de una sola ciudad, virtualmente dividida en dos sectores, este y oeste. Debe haber sido extraño, sin embargo, en aquellas épocas de tensión en la guerra fría, el cruzar una calle y entrar a otro país, a otra sociedad, a otro mundo.

La presencia de una isla "occidental" en medio del país germano oriental resultaba incómoda para el gobierno comunista como para sus "camaradas" soviéticos. Era una especie de "cáncer capitalista", que interfería con su modelo de sociedad y sus fines políticos. A ello se sumaba la fuga en masa de talentos que fugaba hacia Alemania Occidental: en una década 2.5 millones de alemanes orientales, mayormente técnicos y profesionales formados en ese país, salían para Berlín del Oeste y nunca volvían a casa.

Desde el punto de vista de Alemania del Este, la construcción del muro era la única alternativa para contener eficazmente este éxodo. Aún así, nadie en Occidente anticipó una movida de tal naturaleza.

La medianoche del 13 de agosto de 1961 se inició el sorpresivo alambrado de la ciudad, montado sobre postes de concreto. La respuesta de occidente no pasó de un enérgico reclamo y el punto más tenso de la crisis se dio el 27 de octubre de 1961, cuando tanques norteamericanos se estacionaron frente a frente en el Punto de control C (Checkpoint “Charlie”), ubicado sobre la Friederichstrasse. El mundo sería otro hoy si a alguno de ambos frentes se le hubiera escapado un tiro.

Alta tensión en Checkpoint Charlie, 27 de octubre de 1961.

Pero Kennedy no quería una guerra, especialmente cuando el poderío militar del bloque comunista cuadruplicaba el de las potencias occidentales. Con esta anuencia entonces se inició la construcción de la primera generación del muro de Berlín.

Este primer muro se construyó con todo lo que hubiera a mano en la ciudad, aún repleta de escombros tras los bombardeos. La división fue tan brutal, ciega y represiva que no respetó edificios, iglesias, bulevares, parques, líneas de ferrocarril, puentes y todo lo que tuviera en frente. Pero lo más doloroso es que dividió familias, amigos, vecinos, padres de hijos, a los que incluso se les prohibía saludar a lo lejos a sus parientes en el oeste.

Puerta de Brandemburgo con el muro.

Uno de los casos más tristemente célebres es el de la calle Bernauer, donde se erigía un edificio de vivienda justo en el límite del muro. Como menciona el pastor Manfred Fischer, la gente viviendo al interior del edificio que asomaba por la ventana tenía la cabeza en el lado oeste y los pies en el este. Poco después las ventanas en 87 edificios en la Bernauerstrasse fueron tapiadas. Posteriormente los edificios fueron demolidos para dar paso a la segunda generación del muro.

LA SEGUNDA GENERACIÓN DEL MURO

El primer muro de Berlín probó ser ineficiente en su intento de controlar los intentos de escape de la gente. Era relativamente fácil pasar por encima o debajo (ni siquiera tenía cimientos), o hasta destruirla embistiendo algún camión contra él.

En 1963 la segunda generación del muro se edificó tirando la antigua improvisada pared y reemplazándola por una serie de bloques de concreto apilados horizontalmente, de manera que pudieran resistir el embate de vehículos. Para 1965 el diseño del muro de Berlín evolucionó en un sofisticado sistema, que consistía en dos tapias de concreto de 3 a 4 metros de altura coronadas con alambre de púas, separadas entre 30 a 40 m entre sí.

El cuadrado rojo corresponde a Checkpoint Charlie. La línea roja y azul definen la franja de la muerte. Friedichstrasse es cortada perpendicularmente por el muro.

Entre ellas se hallaba la franja de la muerte: una malla metálica adicional con alambre de púas equipada con alarmas, una zona de minas terrestres, ametralladoras y, para los que pensaban escapar en vehículo, barreras antitanque hechas de rieles y diques. El terreno era periódicamente rociado con químicos para evitar que crezca hierba.

Numerosas torres de vigilancia y búnqueres de concreto completaban el sistema. Las condiciones en estas últimas eran muy duras: sin baños, calefacción o cocinas.

TERCERA GENERACIÓN DEL MURO

Fue construida en 1968 basándose en bloques de concreto armado, entrelazados con vigas de acero, sobre los que se pusieron alambres de púas. Se añadieron también equipos de escucha subterránea que pudieran detectar túneles subterráneos y se minaron los desagües.

CUARTA GENERACIÓN DEL MURO

En 1975 se ideó una forma de hacer el muro más eficiente, pero añadiendo un efecto "estético" que disminuyera la imagen de campo de concentración que tenía el cerco. Para ello se instalaron 45,000 bloques de concreto en forma de L, resistentes a la intemperie y la contaminación, que reeplazaron las antiguas paredes.

Cada bloque tenía 1.2 m de ancho por 3.6 m de alto. La base de la L se extendía 1.8 m para resistir posibles embates. En el tope de los muros se retiró el espantoso alambre de púas para reemplazarlo por una sección tubular de concreto, similar a un tubo de desagüe.

Además como parte del maquillaje estético se removieron las ametralladoras y las barras antitanque.

A fin de poder contrastar mejor posibles fugitivos las paredes fueron blanqueadas, lo que en Berlín Oeste se convirtió en una irresistible y prolífica fuente de graffiti.

LA CAÍDA

Al cumplirse los 25 años del muro en 1986 se hicieron planes para crear un muro con la última tecnología disponible: microondas, sensores electrónicos y de calor.

Pero para entonces el suelo político se sacudía bajo su base. A la Perestroika de Gorbachov siguió la independencia de hungría, que se convirtió en una puerta de escape para cientos de miles de alemanes que fugaban a través de Checoslovaquia. Cuando el borde checo se cerró Alemania del este se conmocionaba con millares de gente protestando, demandando libertades y el fin de la opresión. El gobierno comunista se caía a pedazos.

El 9 de noviembre de 1989 se declaró la libertad de tránsito entre Berlín del Este y el Oeste. Fue todo tan rápido que no lo podíamos creer. Miles de berlineses se lanzaron a demoler las paredes, o tal vez a quedarse con un pedazo de ellas.

En poco tiempo la muralla fue destruida, aunque quedan algunos tramos como muestra del horror y la opresión y el horror de aquellos años.

Muchos berlineses ayudaron a echar abajo el muro. Solo queda una huella marcando su antiguo trayecto.

Las siguientes fotos las tomé en el tramo que está al lado de otro escenario horrorifico: los restos del cuartel de la Gestapo. Esta zona se ha llamado Topografía del Terror.

Mientras tanto, Checkpoint Charlie se ha convertido en un museo, y en la Friedrichstrasse puede verse la caseta de control , con la foto de un soldado soviético hacia un lado y de uno americano al otro.

A partir de 1990, mientras amigos y familias se reencontraban, quedaba la gran tarea de unir dos pedazos de ciudad, que durante 28 años habían evolucionado de forma diferente. Tal como en muchos otros países del bloque comunista, la arquitectura moderna, en su variante más funcionalista e impersonal, había contribuido crear un paisaje taciturno y anodino, a cercenar rasgos de personalidad e individualidad entre sus habitantes. Muchos de estos bloques fueron demolidos, reciclados hasta crear paisajes irreconociblemente vivaces. Sobre ellos trataremos las próximas entradas.

Vientos de Cambio, por Scorpions, una canción representativa de aquella época.

VER TAMBIÉN

- BERLÍN Y EL MURO

- MURALLAS Y DIVISIONES

La Alhambra, Granada (1238)

Fortaleza de Jaisalmer, India

Fortaleza Mehrangarh, India.

Gerona, España

Gran Muralla China

Isla del Corregidor, Filipinas

Óbidos, castillo y muralla. Portugal.

Pingyao, China

Foto cortesía de Mr. Glen

RIETVELD + KUROKAWA = MUSEO VAN GOGH

2009-11-04T13:16:00.005+09:00

Foto cortesía de Le Kizz

Cuán estimulante resulta que en el museo del genial y atribulado Vincent Van Gogh, tal vez el más importante pintor holandés después de Rembrandt, hayan confluido la mano de dos maestros de la arquitectura: Gerrit Rietveld, máximo exponente arquitectónico del movimiento holandés De Stijl o neoplasticismo y el recordado japonés Kisho Kurokawa, maestro del metabolismo y posteriormente la simbiosis arquitectónica. A ellos se han sumado otros profesionales que han tratado los espacios exteriores hasta convertir el Museumplein en el núcleo museístico más importante de Holanda.

SOBRE VAN GOGH

Ver una reseña de Vincent Van Gogh (1853-90) en Anécdotas de Moleskine.

El presente video, con la canción Vincent de Don Mclean es un homenaje a Van Gogh, y muestra muchas más obras del pintor que el limitado espacio en este post me permite. Aquí otra versión con subtítulos en español.

RIETVELD Y EL NEOPLASTICISMO

El Neoplasticismo o De Stijl fue un movimiento artístico holandés desarrollado entre 1917 y 1931, promovido por el artísta, crítico y teórico Theo Van Doesburg. De Stijl fue el nombre de la publicación académica en la que Van Doesburg fomentaba las ideas de este movimiento.

Piet Mondrian: Composición en rojo, amarillo, azul, negro y gris.

Nacido en la pintura, el neoplasticismo se basó en la abstracción de todas las formas a líneas y planos ortogonales, y de todos los colores a los primarios, el blanco y el negro. Mientras Piet Mondrian (1872-1944) es el exponente pictórico más conocido de este movimiento, Gerrit Rietveld (1888-1964) lo fue en arquitectura.

Rietveld se inició como diseñador de muebles, y en 1917 creó su famosa "Silla Roja y Azul", que es una expresión tridimensional de los conceptos del neoplasticismo.

Silla Roja y Azul y Silla Zigzag, dos creaciones de Rietveld

Su primera y más famosa obra arquitectónica, la casa Schröder, espacializa en tres dimensiones las ideas pictóricas y aglutina líneas y superficies en una composición magistral, al punto que la casa ha sido declarada patrimonio de la UNESCO.

El neoplasticismo fue una gran influencia para la escuela Bauhaus y posteriormente para el desarrollo del movimiento moderno en la arquitectura.

EL PRIMER MUSEO DE VAN GOGH

Rietveld empezó a diseñar el museo de Van Gogh entre 1963-64. Luego de la muerte del arquitecto en 1964, el proyecto fue completado por sus discípulos J. Van Dillen y J. van Tricht y culminado en 1973. Adicionalmente, en 1999 Martien van Goor añadió un ala de oficinas que permite una mejor comunicación entre los diferentes bloques del conjunto.

Fachada principal desde la calle Paulus Potterstraat.

Fachada posterior hacia el Museumplein. Nótese la adición contemporánea.

La composición volumétrica consta de tres cajas superpuestas a diferentes alturas, en una secuencia escalonada, y organizadas en torno a un patio central. En este espacio, iluminado cenitalmente, la escalera es el elemento protagonista.

Fotos cortesía de Jan Tito

El ingreso, que se da por la calle Paulus Potterstraat, está jerarquizado por una plataforma horizontal que cubre un área de espera elevada medio nivel respecto de la calle. Esta especie de "elemento flotante" es muy común entre los diseños de Rietveld.

INTERVENCIÓN DE KUROKAWA.

Gracias a una donación de la Japan Foundation se llevó a cabo una ampliación hacia las espaldas del museo original de Rietveld, que estuvo a cargo del maestro japonés Kisho Kurokawa en 1999.

Kurokawa, quien comparte con Rielveld su apego por las formas geométricas, marca una distancia al plantear un edificio basado en líneas curvas, basándose en el trazo de una elipse. De esta manera Kurokawa plantea el concepto de la simbiosis, un diálogo entre dos entidades diferentes, cada una con personalidad propia pero que buscan un bien común. Se plantea pues una simbiosis entre el oriente y el occidente, entre lo recto y lo curvo, el orden y el caos.

En un gesto de hunildad, Kurokawa enterró 3/4 partes de su edificio, conectándose con el edificio antiguo mediante un pasaje subterráneo, a fin de minimizar el impacto visual que tuviera sobre el entorno. No obstante su peculiar forma curva y su techo de titanio son el primer contacto que tiene el visitante con el museo.

El volumen ovalado recubierto en granito es cortado diagonalmente, definiendo un espacio que es ocupado por una plaza de piedra que eventualmente se llena de agua, lo que vendría a ser una abstracción de un jardín japonés.

En la pared recta del museo sobresale un cubo metálico girado, que enfatiza la predilección del japonés por incrustar formas geométricas puras sobre superficies planas, como lo hizo también en el Centro Nacional de Arte, en Tokio, obra que hemos revisado anteriormente en este moleskine.

Al interior, la luz se filtra rasante por el techo curvo y se distribuye por las paredes de fibra de vidrio y los pisos de madera.

Foto cortesía de MorBCN

Foto cortesía de temp13

Dos espacios son claramente legibles: el área curva a doble altura y el cubo suspendido, que encierra la colección de Van Gogh de arte japonés de Ukiyo-e, como Kitagawa Utamaro y Katsushita Hokusai.

El ciruelo en flor y La cortesana (Hiroshige)

MUSEUMPLEIN

Tal vez la pregunta que todos nos hacemos al acercarnos al museo por la generosa explanada del Museumplein es... ¿por dónde se entra al museo? Y es que originalmente, como dijimos, el edificio enfrentaba a una calle, y daba la espalda a otra calle que unía el Concertgebouw (Sala de Conciertos) con el Rijksmuseum, el más importante museo de arte en Holanda.

La calle frente al Concertgebouwen 1902

Entre 1996-99 se llevó a cabo una intensa remodelación de esta área, incluyendo parqueos subterráneos, una extensa explanada de césped, tiendas, cafés, una pileta-pista de patinaje, la relocación de áreas verdes y un monumento a las mujeres muertas en el Holocausto. El diseño correspondió al notable arquitecto paisajista sueco Sven-Ingvar Andersson, quien integró estas funciones culturales dentro de un espacio público.

Actualmente es uno de las zonas más concurridas por habitantes y visitantes, y a menudo se ofrecen exposiciones al aire libre, como esta muestra fotográfica.

Actualmente se vienen efectuando remodelaciones en los museos, pero en pocos años se espera que éste sea uno de los principales núcleos culturales de Europa.

***

Es estimulante a su vez recordar que Van Gogh influenció notablemente el arte moderno en Holanda, incluyendo el De Stijl, y que a su vez Vincent se vió influenciado por el arte japonés. El mundo es un pañuelo...

VER TAMBIÉN

- OTRAS OBRAS DE KISHO KUROKAWA

- MUSEOS DE ARTE

Benesse Art Museum, Naoshima, Japón (Tadao Ando)

Centro de Arte en Yamaguchi, Japón. (Arata Isozaki)

Centro Getty, Los Ángeles, EEUU (Richard Meier)

Chichu Art Museum, Naoshima, Japón (Tadao Ando)

Museo De Arte Islámico, Doha, Qatar. (I. M. Pei.)

Museo de Arte Moderno en San Francisco, EEUU. (Mario Botta)

Museo de Louvre, París, Francia (Palacio, reyes de Francia)

Museo Louvre (Remodelación), París, Francia. (I.M. Pei)

Museo High, Atlanta, EE.UU. (Richard Meier)

Museo High, Atlanta, EEUU (ampliación). (Renzo Piano)

Museo Miho, Shiga, Japón (I. M. Pei)

Museo Nacional de Arte, Osaka, Japón (César Pelli)

Museo Suntory, Osaka, Japón (Tadao Ando)

Museo Tate Modern, Londres, Inglaterra (Herzog & De Meuron).

Sainsbury Center of Visual Arts, Norwich, Inglaterra. (Norman Foster)

Watari Um, Tokio, Japón (Mario Botta)

Con Eric, Techi y Rafaelito.

RENZO PIANO EN ÁMSTERDAM: CENTRO NEMO

2009-10-29T17:37:00.015+09:00

Foto cortesía de Bart van Damme

Ya desde el siglo XI los holandeses ganaban tierra al mar haciendo diques. No en vano a este territorio plano y en gran parte ubicado debajo del nivel del mar se le llama Países Bajos. De hecho, Ámsterdam significa "el dique en el (río) Amstel". Esa familiaridad con agua permitió crear ciudades de ricos y variados frentes ribereños y ayudó a convertir a los holandeses en la primera potencia mundial de comercio marítimo en el siglo XVII, por encima de España o Inglaterra. Por ejemplo, Holanda fue la única potencia europea que comercializó con Japón durante su ostracismo, creando el puerto de Dejima, en Nagasaki.

El celebrado arquitecto Renzo Piano parece haber tenido en cuenta estas consideraciones al diseñar el Centro Nacional de Ciencias NeMO, completado en 1997.

Foto cortesía de Brian Pririe

ENCONTRANDO A NEMO

El Museo escogió el nombre de NeMO (National Center for Sience and Technology) en honor al célebre capitán ideado por Julio Verne. Aquel enigmático personaje bajo el seudónimo de Nemo (que en latín significa nadie), utilizó su genio científico y su pericia de navegante para efectuar fabulosos descubrimientos a bordo del submarino Nautilus, en la premonitoria y adelantada novela "20,000 leguas de viaje submarino". De esta forma se busca incentivar en los visitantes el espíritu de aventura y curiosidad que caracterizan a la ciencia (curiosamente también, la película de Disney "Finding Nemo", podría traducirse como "Encontrando a Nadie").

UBICACIÓN

Localizado en el área de Oosterdok -una serie de muelles al este de la Estación Central de Ámsterdam- el edificio se emplaza sobre un túnel que se sumerge bajo el agua, el llamado IJ.

El NeMO se asienta sobre una pequeña plaza, la cual a su vez se comunica a la estación por un puente peatonal.

Enfatizando el rol histórico de la navegación en Holanda, al lado del museo se ubica una réplica de una nave de la VOC (Verenigde Oostindische Compagnie, o Compañía de las Indias Orientales Holandesas), poderosa compañía que tenía el monopolio de las especias del oriente.

Foto cortesía de Frank F.

CONFIGURACIÓN

El edificio destaca por su contundente forma de barco. Piano fractura el masivo volumen por la mitad y lo vincula a una rampa que asciende en la misma pendiente de la cubierta del edificio, usando una sutil composición que trata de implicar su pertenencia al terreno.

Foto cortesía de James Grimmelman

Como contrapunto un volumen vertical color ladrillo se yergue como la abstracción de un mástil, y se comporta como un tótem de bienvenida al conjunto.

Recubierta en cobre, su fachada se ha tornado verde con el tiempo, destacando en el paisaje urbano de la zona. La fachada, sólida y de pocos vanos, enfatiza la sensación de estar flotando al hacer su rimer nivel transparente.

La cubierta inclinada ha sido tratada como una gran plataforma escalonada, la cual es usada como una plaza pública en pendiente.

En verano, la gente trae sus sombrillas para asolearse, ero en cualquier época del año se ueden disfrutar de las magníficas vistas de la capital de los Países Bajos.

EL INTERIOR

Al interior, el edificio se organiza en 5 plantas, en las que van acomodando diversas muestras tecnológicas y científicas.

Distribución

El espacio se desenvuelve fluidamente y de forma muy flexible, caracrerísticas que heredara del famoso Centro Pompidou en París, diseñado por Renzo Piano y Richards Rogers. Ubicando los espacios de escaleras en el centro, es posible percibir la integredridad de edificio, el cual a pesar de su solidez exterior, interiormente es transparente.

A diferencia de los museos de arte o historia que son básicamente contemplativos, el concepto de este edificio es la interactividad con el usuario. Particularmente este tipo de museos me parecen muy divertidos, ya que buscan la participación activa del visitante, especialmente de los niños, siguiendo la regla de "está prohibida la frase NO TOCAR", algo que lo destaca de los otros tipos de museos.

El programa incluye un teatro, un cinema, restaurantes y varios espacios de descubrimiento, que van desde los más científicos (como "Tú, Yo y la Electricidad" que explora de manera interactiva divertidos efectos eléctricos o "Un viaje a través de la mente" que muestra una investigación del cerebro) a los lúdicos para niños pequeños (como el interesante "Reacción en cadena" o simplemente hacer enormes burbujas).

Sorprendentemente para este tipo de museos "familiares" hay algunos temas de educación sexual como "Hechos de los adolescentes" que, muy a la manera holandesa, se explican sin prejuicios, aunque no explicitamente.

Demasiado joven para estar interesado en un beso francés.

Particularmente, me gustó la muestra "Lo Bizarro y lo Bello", que muestra la diferentes forma en la que los humanos hemos buscado embellecernos a través de las diferentes culturas, desde los tatuajes africanos a los de los rockeros, desde los vistosos trajes tailandeses a los trajes de luces de los toreros.

Dos vistas de la muestra "The Bizarre and the Beautiful"

***

El desarrollo del NeMO ha sido definitivamente un éxito, tanto desde el punto de vista del paisaje urbano amsterdamés, como de su desarrollo interior, por lo que es uno de los edificios más apreciados por los neerlandeses. Además, me resulta sorpredente la versatilidad de Piano para realizar obras tan diferentes y tan exitosas como el Museo High, el aeropuerto de Kansai o la tienda de Hermes en Tokio.

VER TAMBIÉN

- OTRAS OBRAS DE RENZO PIANO

Con mi querida amiga, la arquitecta Teresa Valdez.

BOUDHANATH STUPA , NEPAL

2009-10-25T13:59:00.008+09:00

La estupa Boudhanath es uno de los templos budistas más sagrados de Nepal, y pa ra algunos el equivalente de la Meca en el Budismo en el Mundo. Ubicado a unos 10 km del centro de Katmandú, Boudanath atrajo principalmente a muchos monjes tibetanos que escaparon de China tras la revolución de Mao, y cuyas túnicas carmesí destacan en un vecindario surrealista, repleto de monasterios, tiendas, bandeloras multicolores, muchedumbres y cánticos, fragancias de incienso y alguna que otra vaca sagrada. Este crisol cultural, histórico y religioso es Patrimonio cultural de la UNESCO desde 1979.

Vistas del vecindario que rodea al monumento.

LAS ESTUPAS

Una estupa o stupa es un monumento budista que proviene de un montículo de tierra, forma que tenían las antiguas tumbas en Asia. Y es que en las primeras estupas se guardaban las reliquias de Buda, y hoy se siguen guardando de manera simbólica. Las primeras estupas se construyeron en el siglo III a.C. por el rey indio Ashoka, y de allí se expandieron por el Asia.

Una estupa está compuesta de 5 elementos, cada uno de los cuales representa uno de los elementos cósmicos: una base cuadrada (tierra), una cúpula semiesférica (agua), una aguja cónica (fuego), una luna creciente (aire) y unos discos concéntricos o chakras. Se dice que también era una forma abstracta de representación de Buda coronado y meditando sobre un trono, ya que en un principio y hasta el contacto con Alejandro Magno y la cultura helénica, las representaciones antropomórficas del Buda estaban prohibidas (ver un ejemplo de una escultura temprana de Buda aquí, en el Museo Miho, Japón).

En China, Corea y Japón la estupa evolucionó como pagoda, que aunque con forma diferente comparten los 5 elementos simbólicos.

En este moleskine hemos reseñado anteriormente algunas estupas importantes, como en Ayutthaya, Tailandia y en Borobudur, Indonesia. Esta última comparte con Boudhanath el patrón geométrico del mandala.

HISTORIA DE BOUDAHNATH

La más grande estupa de Nepal tiene un origen incierto, pero la mayoría la datan del reinado del rey Manadeva (464-505) o Sivadeva (590-604). Cuenta la leyenda que una pobre mujer se acercó al rey a pedirle un terreno para hacer una estupa. El rey le dijo que le daría el terreno que quepa dentro de una piel de búfalo. La mujer, entonces, cortó la piel de búfalo en delgadas tiras y con ellas circundó una gran área donde ahora se asienta Boudanath.

Este lugar se encontraba en la ruta entre el Tibet y Katmandú, por lo que históricamente ha habido una gran relación entre ambos pueblos. Luego de la invasión del Tibet en 1959, miles de tibetanos huyeron a Nepal y muchos se asentaron en esta zona, que se halla repleta de monasterios.

Vistas del vecindario. Coloridas casas rodean al monumento.

CONFIGURACIÓN

Boudhanath presenta la configuración de una estupa tradicional. Como es común en las mandalas tibetanas, Boudanath presenta cuatro Budas en los puntos cardinales, además de un quinto ubicado en el centro. Esto es también representativo de los 5 elementos.

La base está compuesta por tres grandes plataformas en forma de cruz que van decreciendo en tamaño, como una pirámide escalonada.

Luego, dos plataforma irculares soportan la gran cúpula de la estupa.
Recorrer esta blanca semicircunferencia fue para mí una experiencia inusual, ya que en la mayoría de estos monumentos el acceso está restringido (en casi todas las religiones).

Alguna vez caminé sobre la cúpula de una iglesia, pero fue una experiencia diferente. Era como estar "fuera" de algo, y no "en" algo. Además, aquella vez era obvio de que se trataba de una situación excepcional, y requerí del permiso del párroco. Aquí era sin embargo una experiencia cotidiana, algo que todo el mundo puede hacer, y se espera que lo haga. Las enormes proporciones de la estupa permiten recorrer sus superficie, sentarse, contemplar el entorno construido o las majestuosas montañas nepalís, o simplemente acercarse y tocar el pináculo sagrado.

Vista desde la gran semiesfera, desde donde se pueden ver otras estupas menores. Sobre el vecindario se proyecta la gran sombra del monumento.

Precisamente esta torre es el elemento más distintivo de Boudhanath, un gran monolito de color dorado, decorado con representaciones simbólicas.

En la base cúbica que sostiene a esta torre piramidal se halla la omnipresente figura de un para de ojos azules, que miran no sé si son severidad o con placidez, y que se repiten en las cuatro caras de la caja. Entre ellos, en vez de nariz, y con la forma de una oreja o un signo de interrogación, se encuentra el carácter que en nepalí significa "1" y que representa la unidad.

Luego se yergue la pirámide dorada de 13 pisos, simbolizando la escalera a la iluminación.

La torre es coronada con un baldaquín dorado, revestido de telas de colores, principalmente amarillo.

Finalmente el monumento se corona, a 36 m de altura, con una aguja dorada, que como dijimos, simboliza el éter.

Del baldaquín nacen radialmente una serie de banderolas multicolores, que si bien en un principio sugieren un aire de fiesta patronal, no tarda uno en darse cuenta de que cumplen un propósito más que decorativo: estas piezas de tela contienen mantras y oraciones, tan importantes como los vitrales en las catedrales góticas.

Foto cortesía de James Wainrwright

Foto cortesía de lsprasath

El impacto urbano de la estupa en su vecindario y en el propio paisaje es enorme, aunque al acercarse peatonalmente por la entrada ubicada al norte no se perciba en su real magnitud.

Vista de la entrada desde la estupa. Nada fuera de lo común.

En una rara y afortunada ocasión, tuve la oportunidad de fotografiar a Boudanath desde la ventana del avión, que es una perspectiva que seguramente los boddhisattvas o ángeles celestiales deben disfrutar a menudo.

VER TAMBIÉN

- ARQUITECTURA BUDISTA

- ARQUITECTURA EN NEPAL

Bhaktapur Darbar

LOCSIN: LA FORMA MODERNA EN FILIPINAS

2009-10-20T12:44:00.008+09:00

El Centro Cultural de Filipinas, con sus adornos de Navidad

Leandro V. Locsin (1928-94) fue el arquitecto moderno más importante de las Filipinas, el equivalente en ese país de lo que fue Kenzo Tange en Japón. Además de arquitecto, Locsin fue diseñador de interiores, artista y con una formación de músico, y en 1990 fue nombrado Artsta Nacional de las Filipinas por la recientemente desaparecida Corazón Aquino, además de haber recibido el Premio a la Cultura Asiática en Fukuoka.

De lo poco que pude ver personalmente de su extensa obra, me impresionó su habilidad en el uso del concreto, y su limpieza y contundencia de sus volúmenes, los que, al mismo tiempo, parecen estar levitando, dando al mismo tiempo una sensación de masividad y ligereza. Estudios más profundos, sin embargo, han analizado un vínculo importante entre el trabajo de Locsin y la arquitectura tradicional filipina.

Monasterio Benedictino de la Transfiguración. Malaybalay, Bukidnon, obra póstuma, 1996.

En esta entrada presentaré dos de sus obras más representativas.

IGLESIA DEL SANTO SACRIFICIO

La primera obra de Locsin, en 1955, fue una iglesia (paradójicamente, su última obra también lo fue, la capilla en Malaybalay que mostramos anteriormente), la parroquia del Santo Sacrificio, en la Universidad de las Filipinas, Manila (aunque originalmente fue diseñada para la Victorias Milling Co., en Negros Occidental, tierra original de Locsin).

Se trata de una iglesia de planta circular, la primera de este tipo en las Filipinas. El altar se encuentra en el centro de la planta, un gesto que, en posteriores iglesias, Locsin corrigió ya que no era muy propicio para el rito de la misa católica.

Gráficos cortesía de Caryn Paredes-Santillan

Destaca en la iglesia un gran domo de concreto, ubicado sobre muros transparentes y sostenido sobre pilares ubicados a los lados de la iglesia, que la gente ha bautizado como el "platillo volador", de alguna manera subrayando la ligereza de la forma.

Algunos investigadores han subrayado el paralelo entre esta concepción y la arquitectura perhispánica en las Filipinas, especialmente en los bahay kubo, generalmente con techos de paja inclinados y ligeras paredes levantadas sobre postes de madera.

El domo se separa ligeramente de las columnas inclinadas, enfatizando esa sensación de estar flotando y permitiendo mayor ingreso de luz al interior, la que se complementa con un lucernario circular en la cúspide de la cúpula.

La arquitecta Caryn Paredes-Santillan, presentó en la II Conferencia Internacional de Arquitectura y Fenomenología, un estudio sobre las manifestaciones de la liminalidad en las iglesias de Locsin. La liminalidad es un concepto que se utiliza en semiótica para definir un estado intermedio entre dos ámbitos, a menudo caracterizada por su ambigüedad y por su complementareidad con ambos espacios.

Paredes distingue, en su análisis de varias iglesias de Locsin, tres tipos de espacios: los primarios (las funciones principales del edificio, como el altar), los espacios secundarios (espacios auxiliares, como baptisterio, coro, confesionario) y los espacios liminales, que conectan ambos, que son "barreras psicológicas que delinean los diferentes grados de integración dentro de un espacio y que sirven como un rito del pasaje entre el exterior y el interior".

Para ello Locsin utiliza algunas técnicas como el rodear un espacio por otro espacio, la separación de los techos y el uso de la luz.

Piso diseñado por Arturo Luz

Además de Locsin, el diseño de la iglesia contó con el concurso de otros destacados profesionales: el piso fue diseñado por Arturo Luz, las Estaciones de la Cruz por Vicente Manansala y Ang Kiukok, y el crucifijo doble así como la base del altar por Napoleon Abueva, todos ellos hoy reconocidos como Artistas Nacionales.

Altar y crucufijo doble (mostrando a Jesús muerto y resucitado) diseñados por Napoleon Abueva

CENTRO CULTURAL DE LAS FILIPINAS

CCP o Sentrong Pangkultura ng Pilipinas es la obra más reconocida de Locsin, culminada en 1969, durante el gobierno de Ferdinand Marcos. En realidad, su trabajo se centra principalmente en el Teatro de Artes Representativas.

Antigua vista de Manila Bay, con el CCP al fondo

El CCP se encuentra frente al agua, en un terreno de 77 hectáreas ganado a la bahía de Manila. Precisamente durante mi visita se estaba llevando a cabo un proyecto de recuperación del frente ribereño, que había sido abandonado por décadas y que ahora era un centro interesante de intercambio social. El CCP es el punto de partida de este largo boulevard.

La idea era hacer de este complejo la Meca artística de Asia, y por ello alberga cuatro teatros, un museo de etnografía, galerías y una biblioteca de arte y cultura.

El teatro principal es compone de un enorme bloque de concreto recubierto en mármol que conforma la fachada del edificio y que se proyecta 12 metros gracias a unas poderosas columnas en arco, que dan la impresión de que este bloque estuviera flotando.

Se accede al edificio mediante dos rampas que se despegan del piso y que convergen en el centro de la fachada, un recurso que Locsin ha utilizado al algunas de sus obras.

Frente al bloque se ubica un estanque con fuentes, que permite una interesante percepción del edificio durante la noche.

Gerard Lico, en su libro "Poder, Mito y la Arquitectura Estatal de Marcos" ha criticado la monumentalidad de este complejo como un derroche cuyo fin principal era servir de propaganda y demostrar el poder del dictador. Lo cierto es que muchas de las dictaduras latinoamericanas optaron por obras grandilocuentes para dar a entender su poder y su visión de nación, por lo que Marcos probablemente haya usado esta monumentalidad como una máscara para ocultar los problemas de corrupción que aquejaron a su mandato.

Si bien en Ilocos Norte hay mucha gente que lo venera (tuve la oportunidad de ver su cuerpo embalsamado, aunque parece una estatua de cera), pero hay muchos otros que lo culpan de la enorme deuda externa que su gobierno dejó y que gracias a sus excentricidades, aún hoy los filipinos tienen que pagar. Después de todo, después de la guerra, el plan de EEUU era hacer de Filipinas el nuevo líder de Asia, en vez de Japón. ¿Qué pasó?

Interior del edificio. Detalle del techo, cortesía de elzhear

VER TAMBIEN/SEE ALSO:
- ARQUITECTURA MODERNA.

- ARQUITECTURA EN FILIPINAS.

Muchas gracias a los primos Visaya, por ser tan excelentes anfitriones en Manila... maraming salamat!
(Esta torre a menudo sale en las películas filipinas como una nave espacial)

CASA-ESTUDIO DE FRIDA KAHLO Y DIEGO RIVERA

2009-10-13T13:48:00.001+09:00

La casa-estudio de Frida Kahlo y Diego Rivera es uno de los edificios contemporáneos más importantes de México, no sólo por haber sido la residencia y el taller de dos de los más importantes exponentes laninoamericanos de la pintura del siglo XX, sino por tratarse de la primera construcción del movimiento moderno funcionalista en el continente Americano.

SOBRE DIEGO Y FRIDA

Si bien hoy en día la obra de Frida Kahlo (1907-54) es más conocida internacionalmente, en vida Diego Rivera (1886-1957) fue mucho más célebre que su consorte. De hecho, podría decirse que es el artista mexicano más importante del siglo XX.

Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez tuvo una producción tan extensa como su nombre, tan vasta como su figura, tan apasionada como su apetito por las mujeres.
La obra de Kahlo, de paleta intensa, exhuda el sentimiento de profundo dolor físico que le causaba su postración a causa de un accidente de tranvía, y la rabia y frustración que le producían las aventuras amorosas de su esposo.

"El elefante y la paloma", canción de Pedro Guerra, dedicada al amor de Diego y Frida.
Agradezco a mi buen amigo Rafo Gómez por enviarme la canción.

El amor de Frida y Diego, lleno de pleitos y reconciliaciones, es uno de los más célebres del mundo artístico moderno, pues a diferencia de Dalí y Gala, Kahlo no fue sólo una inspiración sino tuvo una producción pictórica propia, a pesar de la enorme influencia de su maestro, esposo y amigo.

La casa-estudio aparece en la película Frida, con Salma Hayek y Alfred Molina.

LA CASA

El diseño de la casa corresponde a Juan O'Gorman, arquitecto, pintor muralista y amigo personal de Rivera. Mexicano de origen irlandés, O'Gorman introdujo a México ideas vanguardistas de Le Corbusier y basó sus proyectos en conceptos funcionalistas.

Bocetos de la casa, cortesia de Andres Moya

El arquitecto había comprado un gran lote en una esquina de la Colonia San Ángel de la ciudad de México, y le ofreció a su amigo Diego diseñarle una casa con una función ad-hoc para el pintor (algo completa y revolucionariamente inusual a inicios de los años 30's) y construirla de la forma más eficiente y económica posible.

Perspectiva de la casa por Juan O'Gorman

Para ello, O'Gorman concibió dos casas por separado, pesando en la individualidad de cada artusta. El arquitecto incorporó en el diseño de ambas los 5 elementos que había experimentado Le Corbusier en sus casas Citröen (1927) y Savoye (1929): la planta libre, los pilotes, la ventana corrida, la fachada libre y la terraza-jardín.

A ellos añadió algunos elementos propios y de carácter mexicano: el color, los isos, una escalera caracol, un techo aserrado que recuerda una fábrica, un puente y un cerco perimétrico hecho de cactáceas.

La propuesta está constituida de dos bloques cúbicos, uno rojizo para Diego, tal vez idealizando su apasionado ímpetu, y otro azul para Frida, quizás simbolizando su melancólica tristeza.

Como se dijo, ambas casa estaban vinculadas por un puente, tal como la relación de los esposos, que requería su espacio propio, pero que se mantenía unida por amor.

Acorde con los principios corbuserianos de la vivienda como una máquina para vivir, O'Gorman puso gran énfasis en la función, diseñando una casa especial para una pareja de artistas, con amplios talleres y con un estudio de iluminación notable, ya que permite una dispersión uniforme de la luz, ideal para la pintura.

Imagínese el impacto en el veciendario cuando esta casa fue construida entre 1931-32. En esta casa vivieron juntos 5 años, hasta que él se acostó con su hermana, lo que motivó que Frida se mudara a su antigua Casa Azul en Coyoacán y se divorciara de Diego, una separación que sólo duró un año. Cuando se re-casaron optaron por vivir en la Casa Azul. Sin embargo, Diego volvió a su casa estudio luego de la muerte de Frida.

A pesar del relativo corto uso de la casa-estudio, sus muros y sus terrazas, sus planificados ambientes fueron testigos del nacimiento de algunas de las obras más famosas de Kahlo: aquí pintó "Lo que el agua me dio", "Las dos Fridas", o "el suicidio de Dorothy Hale" entre otros.

"Las Dos Fridas", por Frida Kahlo, 1939.

Por su parte, Diego Rivera, quien vivió en esta casa hasta su muerte en 1957, produjo más de 3000 obras, algunas de ellas, como las calaveras Judas (un homenaje a la prehispánica tradición mexicana de venerar a los muertos), se exhibe en el museo.

Colección de arte precolombino de Diego Rivera

Las calaveras Judas. A la derecha, los zapatos de Diego.

Vista de la casa ahora como museo. Al fondo se aprecia el retrato de la diva mexicana Silvia Pinal.

En cuanto a O'Gorman, prosiguió construyendo extensamente en México y trabajando como muralista, pero en la madurez de su carrera abandonó las ideas del funcionalismo riguroso, para acercarse más a la arquitectura orgánica, inspirado en la arquitectura tradicional mexicana y en la obra de maestros como Frank Lloyd Wright.

No obstante esta casa es su obra más famosa, y es considerada Patrimonio Artístico de la Nación.

VER TAMBIÉN

VIVIENDA UNIFAMILIAR

El arquitecto Paco Pérez y su esposa Carla, quienes no sólo me llevaron a esta casa, sino que amablemente me explicaron su historia y detalles, algunos de los cuales he incluido en este post.

JARDINES AMERICANOS: MIDDLETON PLACE

2009-10-06T17:23:00.000+09:00

Si bien la anterior entrada sobre los jardines en Suzhou pretendía señalar las semejanzas y diferencias entre los jardines chinos y japoneses, el presente post intenta mostrar el contraste entre el paisajismo occidental con el asiático, en términos de su concepción, composición y distribución espacial.

UBICACIÓN

Middleton Place es una plantación que se localiza en Carolina del Sur, a 25 km de Charleston, en EEUU, en un terreno ligeramente elevado, en medio de una planicie pantanosa frente al río Ashley.

BREVE HISTORIA

Middleton Place es el jardín más antiguo de Norteamérica, y uno de los mejor logrados en EEUU, cuyas raíces datan del apogeo de las plantaciones del sur estadounidense. Inspirado en el paisajismo británico y en el estilo de André Le Nôtre (el diseñador de los jardines de Versalles), Henry Middleton quiso demostrar que los habitantes de las colonias americanas no tenían nada que envidiar a sus contrapartes europeas.

A partir de 1741 (cuando Henry Middleton se casó con Mary Williams y obtuvo como dote la propiedad de la hija del dueño original de la plantación), y por varias generaciones, los Middleton (o más bien sus esclavos) se dedicaron a transformar este terreno hostil y pantanoso de 20,000 hectáreas en un gigantesco complejo salpicado de estanques, jardines y edificaciones.

Los Middleton tuvieron también rol protagónico en la historia de la nueva república americana. Arthur, el hijo de Henry, fue uno de los firmantes de la Declaración de Independencia, por lo que fuera encarcelado por tropas británicas (curiosamente, la rendición de los britanicos en 1783 se firmó en Middleton Place). El nieto de Arthur, Williams, fue uno de los firmantes del Acta de Secesión, que condujo a la guerra civil americana en 1861. Al final de la guerra en 1865, cuando el general Sherman arrasó con el sur de EEUU (particularmente con Carolina del Sur), las tropas de la Unión destruyeron y quemaron la casa de los Middleton, y las pocas ruinas que sobrevivieron se vinieron al suelo durante el terremoto de Charleston en 1886.

Estado de la casa luego de ser incendiada por las tropas de la Unión al final de la Guerra de Secesión. Posteriormente, colapsarían durante el terremoto de Charleston.

Luego de varias décadas de abandono, John Julius Pringle Smith (tatara tataranieto de Henry Middleton) llevó a cabo un proceso de restauración a finales de los años 20. Para 1941, el Club de Jardines de EEUU llamaba a MIddleton Place "los jardines más interesantes e importantes de EE.UU."

DISEÑO

La concepción de los jardines en Middleton Place es una expresión de la cosmogonía de los grandes hacendados de aquella época. Compárese la tortuosa articulación de espacios en los jardines asiáticos, destinada a la contemplación y meditación, con el orden geométrico y proporcionado que caracteriza jardines occidentales como el que nos ocupa. O nótese los panoramas y grandes vistas simétricas del jardín en Middleton y compáreselo con la sucesión de vistas aisladas, demarcadas, usadas en China o Japón, y que eventualmente pueden incorporar elementos del exterior como "paisaje prestado".

La organización de Middleton Place se basa en un esquema geométrico de un triángulo rectángulo de 45 grados trazado sobre la topografía, y se inspira en el tratado de Dezallier d'Argenville, "La Teoría y Práctica de la Jardinería".

El cateto vertical (Este-Oeste) corresponde al eje de composición de la casa, que originalmente estaba simétricamente definido por la casa principal y dos casas de huéspedes al norte y al sur (hoy en día sólo sobrevive el ala sur), que se erguían majestuosamente sobre un gran engramado.

Tras la casa, la vista se extendía en un magnífico panorama del río Ashley, una vista ininterrumpida que aprovecha la topografía de la colina.

En el extremo del terreno, sobre este eje, se ubican también simétricamente dos estanques llamados los "Butterfy Lakes", llamados así por su semejanza a las alas de una mariposa. En un extremo de ellos se ubica el molino de arroz, el cual tiene su propio estanque.

Vista desde la casa al Estanque el Molino de Arroz

Antiguo molino de arroz.

El cateto horizontal (Norte-Sur) está definido por una enorme y alargada Poza rectangular, llamada la Poza de Reflexión.

Esta poza sirve también de dirección compositiva predominante en las caminerías en los jardines que se encuentran frente a ella, así como también de una poza menor que se ubica perpendicularmente, llamada el Estanque de las Azaleas.

La estatua de "la ninfa del bosque", obra de Schadow, es el punto focal en que remata la caminería que enfrenta perpendicularmente al Estanque de las Azaleas.

La hipotenusa es más que nada un eje visual, enfatizado por arboledas y arbustos, que conecta varios jardines y se pierde en los bosques.

El primero de ellos, es un jardín octogonal, donde se dice que los jóvenes aristócratas jugaban a las bochas. Le sigue un "Reloj Solar" definido por camas de rosas. El eje culmina en un pequeño promontorio, sobre el cual antiguamente se erguía un pequeño pabellón desde el que podía admirarse el río.

Hay sin embargo, una pequeña influencia japonesa en este jardín americano: la inclusión de las primeras Azalea Japonica, traídas al nuevo continente, alas que se suman algunas magnolias japonesas. Estas son sólo una parte de la rica flora y fauna que puebla este importante jardín.

El concluir la visita, me queda un sabor agridulce. Por un lado es interesante comprobar cómo las plantaciones no fueron sólo centros de producción sino supieron combinar elementos estéticos y paisajísticos, inspirándose en los palacios europeos pero desarrollando una identidad propia de acuerdo al territorio y el lugar. Por otro lado, no puedo evitar conmoverme al pensar que esta fue la obra de cientos de esclavos que dejaron en ella sangre, sudor, lágrimas y hasta su vida por transformar aquellos pantanos, plagados de sabandijas, en tierras aptas para el cultivo del algodón, el índigo, el arroz y el desarrollo de la jardinería. Sobre ellos he escrito algunas notas en Anécdotas de Moleskine.

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- JARDINES ISLÁMICOS

- JARDINES CHINOS

Jardines en Suzhou

- JARDINES JAPONESES

* Periodo Heian (794-1185)

* Periodo Kamakura (1185-1333)

* Periodo Muromachi (1333-1573)

* Periodo Edo (1603-1868)

* Periodo Meiji (1868-1912)

Los Jardines de Heian/ Heian Shrine Gardens

JARDINES CHINOS EN SUZHOU

2009-10-01T12:23:00.001+09:00

Dile a un chino que conoces la Gran Muralla y te dirá "Ah, qué bien" (después de todo es el monumento que todo turista en China debe conocer). Pero dile que conoces Suzhou y sus jardines y entonces abrirá inmensamente sus ojitos y dibujando una enorme sonrisa, exclamará "¡Oh, qué hermoso!".

No le faltará razón. Porque China ha influenciado el diseño paisajista de jardines en todo el sudeste asiático, y Suzhou es el lugar donde se halla una gran concentración de jardines, valiosos por su antigüedad y calidad. De hecho, en contraste con los jardines al norte de China, los del sur suelen ser más elegantes, gráciles, ligeros y abiertos.

Foto cortesía de iNeo

ACERCA DE SUZHOU

Suzhou 苏州 es una ciudad en la provincia de Jiangsu, a dos horas de Shanghai (de hecho es buena idea pasar la noche allí para evitar los enormes precios de los hoteles en Shanghai). Su proximidad al río Yangtze como al lago Taihu le ha proveido históricamente de agua en plenitud y por tanto es uno de los más tempranos asentamientos en esta zona, datando de hace 2500 años.

Sin embargo, empezó a tener un carácter estratégico en la región luego de completarse el Gran Canal de China (518-618)que la unió con Pekín. A través de los siglos fue consolidándose como una ciudad industrial y comercial, particularmente durante la dinastía Song (960-1279), cuando se convirtió en un centro prominente de sericultura (producción de seda).

Templo Beisi

Por sus diversos canales Marco Polo llamó a Suzhou "la Venecia del Oriente".

Dicha bonanza económica se manifestó en la construcción de más de 200 jardines, alrededor de 70 de los cuales sobreviven hasta hoy.

El taxiciclo, una forma común de transporte en China.

LOS JARDINES: EL PARAÍSO EN LA TIERRA

Si bien algunos de los jardines datan de la época de las Primaveras y Otoños (770 a.C. - 476 a.C), pero la mayoría corresponde a las dinastías Qing (1368-1644) y Ming (1644-1911).

Jardín de la Armonía, Suzhou

Los jardines incluyen diversas técnicas como Jie Jing, paisaje prestado (también usada en los jardines japoneses con el nombre de shakkei). De esta forma el espacio parece ampliarse, al incorporar visualmente al jardín hitos localizados a distancia.

El Jardín del Administrador Humilde usando la técnica del paisaje prestado, incorpora la imagen del templo Beisi

El uso de la roca es frecuente en los jardines, tratando de representar la leyenda de un pescador que perdido en su barca dio con una pequeña cueva de roca, y al traspasarla, se encontró con un fabuloso mundo pleno de duraznos en flor (esta leyenda fue también usada por I. M. Pei para la concepción de su Museo Miho en la prefectura de Shiga, en Japón).

Muchos jardines utilizaron rocas traídas del lecho del lago para representar escarpadas montañas. Unidas con junturas de hierro, las porosas rocas podían adquirir cualquier forma que el diseñador quisiera darles. Esa es una de las diferencias más saltantes con los jardines japoneses, que si bien usan rocas lo hacen a menor escala, en tamaño natural, representando paisajes en miniatura (compárese por ejemplo, con el tamaño de las rocas en el jardín de Ryoan ji)

UNESCO declaró estos jardines chinos clásicos como Patrimonio de la Humanidad en 1997, pues "reflejan la profunda importancia metafísica de la belleza natural en la cultura china en su meticuloso diseño". Entre ellos, he escogido reseñar con más detalle el siguiente:

EL JARDÍN DEL ADMINISTRADOR HUMILDE

También llamado Zhuozheng Yuan es el jardín más grande de Suzhou y es considerado el más importante del sur de China (uno de los tres mejores de todo ese enorme país).

Originalmente el jardín de un templo, debe su peculiar nombre a que en 1513 un administrador llamado Wang Xianchen adquirió este terreno y lo convirtió en una villa privada con jardines. Cansado de la política y los quehaceres burocráticos, escribió un verso diciendo "cultivar el jardín y vender mis vegetales es la política de un hombre humilde".

El enorme jardín de 52,000 m2, se organiza en torno a un lago, alrededor del cual se organizan, en diálogo fluido, la vegetación, rocas y construcciones.

El terreno, en forma de T alberga la mayoría de edificaciones en su parte central, mientras que el jardín discurre en 3 zonas: este, medio y oeste.

- El jardín del Este

Se encuentra contiguo al acceso al jardín. Apenas ingresamos nos recibe el Salón de la Orquídea de Primavera, un elegante espacio de madera rojiza laqueada que impide una vista frontal, conduciendo al visitante hacia una caminería lateral

Sorpresivamente se abre el jardín, extenso, y el visitante se topa con un pequeño edificio al lado del lago, de aleros puntiagudos y rodeado por una baranda, el llamado Pabellón del Loto.

A unos pasos de este, otro pabellón, esta vez de dos pisos y de planta octogonal, el de la Primavera Celestial. Se dice que la razón por la que los aleros terminan en punta hacia arriba es porque esto permite el fluyo más fácil de los espíritus hacia el cielo.

Diagonalmente hacia el noroeste se ubica otra construcción rectangular, el Salón del Arroz de la Dulce Fragancia.

- El Jardín Medio

Es la zona más majestuosa de todo el complejo. Al inicio de esta zona se ubica el Pabellón Wuzhuyouju. Aquí encuentro otro elemento recurrente en la arquitectura china, el vano circular. La técnica Lou Jing permite al visitante enmarcar la vista del jardín a través de un vano, como si se tratara de un cuadro vivo dentro de una pared.

El Salón de la Fragancia Distante (Yuanxiang Tang) está compuesto de dos ambientes dispuestos en L y que definen una pequeña placita, ideal para la contemplación del lago.

Un poco más al sur se halla una pared cuyo perfil ondulante evoca a un dragón o una serpiente, y que se caracteriza por tener un ingreso circular, llamada la Puerta de la Luna. Esta pared define un jardín de orquídeas.

La puerta de media luna se encuentra en muchos otros pabellones a lo largo del jardín.

Foto cortesía de Y. Peter Li

En muchos tramos el lago es atravesado por puentes, algunos de ellos cubiertos, los cuales tienden a no ser rectos, sino siguen formas zigzagueantes o en arco (y es que los malos espíritus sólo pueden moverse en línea recta). Xiaofeihong, o el Puente del Pequeño Arcoiris es un ejemplo.

Este puente conduce a la Isla Xiangzhou, que es más bien una península, y que, a diferencia de los jardines japoneses donde las islas suelen tener formas naturales, en el caso chino tiene una forma más geométrica.

Uno de los edificios más significativos en medio del lago es el Jianshan Lou, una estructura de dos plantas, cuyas ventanas, especialmente visibles en el segundo nivel se hallan trabajosamente decoradas con motivos geométricos (me recuerdan algunos vanos de Frank Lloyd Wright). Si bien obedece a una geometría racional, su dirección se alinea con la orientación del lago en esa zona.

- El Jardín Oeste

En esta zona destacan numerosos edificios de características similares a los que ya hemos mencionado. Por ejemplo, el Sanshiliu Yuanyang Guan, o Salón de los 36 Patos Mandarines, o el gracioso Pabellón del Jade Flotante, ubicado en una posición prominente.

Uno de los más peculiares es el pabellón "Con Quién me Siento", cuya planta y una ventana tienen la forma de abanico. Debe su nombre a un antiguo verso

"¿Con quién me sentaré?
La luna brillante, una brisa ligera y yo mismo."

Foto cortesía de Lithia

Los interiores han sido decorados con elegancia, pero relativa sobriedad (sobre todo si se la compara con la decoración de los templos), con una amplia relación con el exterior, con paredes blancas desnudas, ventanas talladas y recubrimiento de madera vista sin pintar. El mobiliario incluye objetos de las dinastías Ming y Qing. Es interesante comparar diferencias estilísticas entre estos ambientes y aquellos desarrollados por comerciantes en la ciudad de Pingyao.

Estas son algunas de las partes más resaltantes de este jardín, que alberga 48 edificios. La visita coincidió con la estación del florecimiento del loto, una flor que tiene un carácter sagrado para muchas filosofías orientales, como el budismo, confucianismo y taoísmo, y cuya configuración ha servido de inspiración para diversas obras artísticas, decorativas, arquitectónicas y hasta urbanísticas.

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- JARDINES ISLÁMICOS

- JARDINES JAPONESES

* Periodo Heian (794-1185)

* Periodo Kamakura (1185-1333)

* Periodo Muromachi (1333-1573)

* Periodo Edo (1603-1868)

* Periodo Meiji (1868-1912)

Los Jardines de Heian/ Heian Shrine Gardens

JARDINES JAPONESES: KENROKUEN

2009-09-25T13:07:00.000+09:00

Todos los jardines japoneses hasta hoy presentados en este moleskine han estado circunscritos a Kioto, la antigua capital imperial nipona. En esta oportunidad me referiré a Kenrokuen, uno de los tres más famosos jardines en Japón, ubicado en Kanazawa, en la prefectura de Ishikawa.

Foto cortesía de julianol

Kenroku-en 兼六園, significa "el Jardín de las 6 cualidades", y debe su nombre a que cumple con las 6 características que -según el libro de la dinastía china Song, Rayuko Meienki- todo jardín debiera tener: amplitud, aislamiento, aire de antigüedad, artificio, flujo de agua y vistas. En efecto, pese a ser un asiduo trajinante de jardines, he visto pocos que ofrezcan tal diversidad de sensaciones al visitante como Kenroku (tal vez el de Katsura sea uno de ellos). A las mencionadas características, añadiría un impresionante manejo del paisaje sonoro, particularmente del agua, que acompaña la definición espacial de un ámbito para darle un carácter particular, desde el estrépito al murmullo.

ANTECEDENTES

Este jardín pertenece al periodo Edo (1603-1868), una época en la que el poder de la corte imperial en Kioto era meramente figurativo, ya que éste estaba en manos del shogun, que los distribuía entre damyo o señores feudales. En 1583 la familia Maeda se instaló en Kanazawa y construyó su castillo en esa ciudad, ubicando el jardín en las afueras de la fortaleza.

A fin de no despertar sospechas sobre su verdadera riqueza, los Maeda escogieron realizar grandes jardines privados, en lugar de suntuosos e impresionantes palacios. Así pues, la construcción de Kenrokuen se inició en 1676.

Los Maeda construyeron también un sistema hidráulico que transporta el agua desde el río Saigawa, tanto para alimentar los estanques del jardín como para eventuales incendios.
Sin embargo, el castillo se consumió bajo las llamas en 1881 y no fue reconstruido, únicamente se preservan unas torres de vigilancia y un pabellón adyacente.

EL JARDÍN

El éxito de Kenroku en como jardín tirdimensional radica en que está desarrollado en dos niveles.

a) Estanque Hisago. b) Kasumi ga Ike. c) Lámpara de piedra Kotoji. d) Pino Karasaki. e) Villa Seisokaku.
Ilustración de Tan Hong Yew, tomada de la colorida publicación de David y Michiko Young, The Art of the Japanese Garden.

El nivel inferior se ubica más próximo al castillo, es la zona más antigua del jardín. Contiene un estanque llamado Hisago, con un islote en el medio, que simboliza el monte Horai. A él desemboca una cascada de 7 metros, la Midoritaki (cascada verde), particularmente alta, lo que es inusual en jardines japoneses (en muchos casos, como en Tenryu-ji, se utiliza más bien una versión simbólica de las cascadas, utilizando rocas y arena).

El nivel superior contiene otro estanque, el Kasumi ga ike (estanque brumoso), que es la más grande de las pozas del jardín. Aquí se ubica el Gankobashi, cuyas piedras adosadas evocan el vuelo de una manada de gansos salvajes.

Un detalle interesante es encontrar aquí una lámpara de piedra llamada kotoji, la que se halla sostenida en un arco, una de cuyas patas descansa en la tierra y la otra en el agua (es la que puede verse en la primera foto de este post).

Desde aquí se gozan magníficas vistas del entorno, el Mar de Japón, la Península Noto y el Monte Yamazaki.

Un tercer estanque presenta la fuente más antigua de Japón, que llega a surtir hasta 3 m de altura, y funciona únicamente por gravedad.

En un extremo se encuentra una pequeña hermita de paja sobre una colina, desde donde puede contemplarse el jardín, la casa de té más antigua del Japón en un jardín (Yugao-tei) y un pozo sagrado llamado Kanazawa (pozo de oro), y de donde viene el nombre de la ciudad.

El sistema de caminos permite no solamente comunicar diversas zonas del jardín que transmiten particulares sensaciones, sino hacerlo de manera fluida y muy natural, tanto que estos cambios son casi imperceptibles.

La primera vez que visité este jardín fue en invierno, cuando estaba completamente cubierto de nieve, y los árboles se hallaban protegidos por una serie de cuerdas llamadas yuki-turi, que evitaban su colapso de las ramas ante el peso adicional.

Foto cortesía de shockatz

El enorme jardín tiene cerca de 8750 árboles, de 183 especies diferentes. Kenrokuen, con sus 11.4 hectáreas, fue designado Lugar Especial de Belleza Escénica en 1922.

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- JARDINES JAPONESES

* Periodo Heian (794-1185)

* Periodo Kamakura (1185-1333)

* Periodo Muromachi (1333-1573)

* Periodo Edo (1603-1868)

Villa Imperial Katsura

* Periodo Meiji (1868-1912)

Los Jardines de Heian/ Heian Shrine Gardens

Junto al Prof. Chris Gillam y Tom Matsumori

Cerca al castillo de Kanazawa, esta amable abuelita prepara unos almuerzos deliciosos.

LAS TORRES DE DOHA, QATAR

2009-09-21T12:11:00.004+09:00

Opuesto al Museo de Arte Islámico, en la bahia de Doha, se halla el centro financiero de la capital qatarí. Poco a poco el paisaje urbano se va poblando de rascacielos, algunos de los cuales presentan formas novedosas, muy diferentes a la caja de cristal o concreto que ha caracterizado este tipo de edificios. Ante esta competencia por quién hace el rascacielos más original, vistoso y escultórico, los criterios formales parecen primar sobre los funcionales y económicos, ya que ciertas formas caprichosas acarrean un sobre costo a la hora de su concreción constructiva.

Entre estas propuestas sui géneris, hemos seleccionado 4 para compartir con los lectores.

DOHA OFFICE TOWER. JEAN NOUVEL

Este edificio del arquitecto francés es un cruce entre su proyecto de la Torre Agbar en Barcelona y el Institut du Monde Arabe en París.

Torre Agbar, Barcelona, por Jean Nouvel.

El edificio en forma de un proyectil cilíndrico (otros han sugerido similitudes más freudianas) de 44 niveles, 232 metros de altura y 45 m de diámetro y culminante en una cúpula. El arquitecto redunda en el uso de una "piel", y en este caso la fachada es recubierta con una filigrana metálica típica de las construcciones islámicas, llamado mashrabiyya (asociación que fue usada por Nouvel anteriormente en el Instituto del Mundo Árabe.

Para Doha, Nouvel ha superpuesto diversas tramas geométricas de aluminio (el patrón básico es una mariposa) en diferente orientación: 25% hacia el norte, 40% al sur, 60% al este y oeste. Esta trama deberá generar interesantes efectos de luz y sobra al interior del edificio.

El interior es un núcleo vacío que alcanza los 112 m. Una estructura principal cruza diagonalmente la fachada formando rombos, lo que recuerda poderosamente el famoso Gherkin de Norman Foster en Londres.

Da la impresión que Nouvel se levantó con pereza para diseñar una propuesta novedosa y recurrió a algunas de sus propuestas pasadas.

TORNADO TOWER

La Torre Tornado, originalmente llamada QIPCO Office Tower fue construido en el 2008, pensado en convertirse en un icono en la zona.

Nótese un sistema constructivo común es estas torres. Un cilindro macizo de hormigón al que se engarzan las losas sostenidas por vigas de acero, sin columnas intermedias. De esta forma es posible darle al edificio una forma muy flexible. Aquí el edificio Tornado y el Al Bidda Tower en plena construcción.

Se trata de una torre de 52 niveles, desarrollado por un consorcio de arquitectos alemanes SIAT en colaboración con la firma qatarí CICO. De forma convexa, su hiperboloide pareciera semejar un cilindro con una sensual cintura.

La estructura de acero en forma de canasta, que forma una malla exterior, permite que las plantas interiores se vean libres de columnas. Un detalle adicional es que en las juntas de la malla se han ubicado luces que le dan un efecto más dramático durante la noche.

AL BIDDA TOWER

La idea de este edificio es presentar una torre sufriendo un fenómeno de torsión. Como si esto no fuera ya suficiente dolor de cabeza para los ingenieros, la planta triangular va incrementando su área conforme el edificio va ganando en altura.
Utilizando también una malla diagonal como muro cortina forrada de vidrio reflejante.
El proyecto pertenece a GHD, quienes han concebido este edificio como "una joya que refleja la luz en varias direcciones".
El edificio de 43 niveles alcanza una altura de 215 m. El efecto se logra con un núcleo cilíndrico de concreto que contiene los ascensores en el que se arriostran las losas de cada nivel.

QATAR SPORT CITY. ASPIRE TOWER

Aunque no se encuentra en la zona de la bahía sino más bien en la Ciudad de los Deportes de Doha (construida especialmente para los juegos Asiáticos 2006) esta es una de las torres más notorias en Qatar.

Fue diseñada por el arquitecto Hadi Simaan, en colaboración con la firma AREP, y cuando fue culminada en el 2007 fue la torre más alta de Qatar.

Simán la denomina "una celebración de la tierra y el cielo" en la que "la estructura de acero que abraza la estructura actúa a la vez como fuerza visual que genera la energía radiando del centro en una elevación centrífuga".

La forma se asemeja a la de la Torre Tornado, aunque destaca por el dramático sesgo que lo corona.

El sistema constructivo, como en otros casos, utilizó también un núcleo de concreto en el que se anclaron las losas sostenidas por vigas de acero, lo que permitió el uso de los ambientes de forma más flexible, sin columnas intermedias.

Es interesante el diferente nivel de transparencia alcanzado en diferentes alturas del edificio, el cual deja entrever el núcleo de concreto. Destaca también el uso de luces LED que permiten un espectáculo nocturno.

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- TORRES, RASCACIELOS, MONUMENTOS

INAUGURAN EL METRO DE DUBÁI

2009-09-11T22:12:00.011+09:00

El pasado 9 de setiembre (09/09/09) a las 09:09:09 de la noche se inauguró en Dubái el impresionante y avanzado sistema de metro, concluido en apenas 49 meses.

Fotos cortesía de Buddy de la Cruz

Cuando visité la ciudad hace unos meses parecía imposible alcanzar esa meta. Una vez más esta increíble ciudad nos sorprende entregándonos uno de los sistemas de metro más modernos del mundo, y de hecho el primero en el Golfo, y uno de los pocos en Medio Oriente. Para cumplir con ese plazo, los trabajos se han realizado día y noche, y ante la escasés de demanda laboral imagino que los abusos no han debido ser poco frecuentes. No debe ser muy grato trabajar a presión en los meses del tórrido verano.

Como lo mencionamos anteriormente, este proyecto obtuvo prioridad sobre otros menos relevantes, dada la crisis económica mundial.

El sistema de metro inaugurado anteayer cubre 52 km, uniendo 10 estaciones, y espera ampliarse a otras 19 más. Es también amigable con el ambiente, con cero emisiones de carbono.

Foto cortesía de Saharsh

Me llamaron mucho la atención las estaciones futuristas en forma ovoide, recubiertas en dorado, un color escogido por su majestad el Sheikh Mohammed bin Rashid Al Maktoum, que es vicepresidente de los Emiratos Árabes y es el emir de Dubai (un personaje muy popular, su rostro está en todos lados, en fotos y pinturas... ¿no que el Islam prohibía las representaciones humanas?)

Enhorabuena por los dubaitís, quienes a pesar de tener una de las gasolinas más baratas del mundo, apuestan por un sistema de transporte masivo, eficiente y ambientalmente sustentable.

A continuación el video oficial de la inauguración. Está en árabe con traducción al inglés y ofrece una visión general de Dubai. La explicación del metro comienza a partir del minuto 5:40.

Y este es un viaje por el metro.

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