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Fotos y primeras repercusiones de los premios Jerry Goldsmith

2008-07-18T13:05:00.006+02:00

Zeltia Montes, recogiendo de manos de Bruce Broughton el premio Jerry Goldsmith al mejor compositor novel. También ganó en la categoría de Música en Formato de Larga Duración por Pradolongo. Noticias relacionadas en La Voz de Galicia, en Xornal, en Galicia Digital, en Anostraterra, en Academia Galega do Audiovisual, en Cultura Galega, entrevista en GZnacion.

Jorge Aliaga, recogiendo de manos de Bruce Broughton el premio a la mejor Música en Documental por Testigos del Silencio. Noticias relacionadas en El Mercurio, en Consejo de la Cultura, en UNIACC, en La Segunda.

Arturo Díez Boscovich, recogiendo de manos de Bruce Broughton el premio a la mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre por Don Quijote. Fueron también ganadores Konstantinos Zacharopoulos y Manuel Riveiro, que no pudieron asistir a la ceremonia de entrega.

Acto final de la ceremonia, con la presencia de los nominados y ganadores asistentes. De izquierda a derecha: Sergi Ramis, Jorge Aliaga, Vicente Carrasco, Jesús Agomar González, Arturo Díez Boscovich, el padre de Sergio de la Puente, Iván Palomares, Andrés de la Torre, Zacarías Martínez de la Riva, Christoph Zirngibl (ganador el pasado año del premio Jerry Goldsmith), Oscar Xiberta (ganador hace dos años del premio Jerry Goldsmith y nominado en esta edición), Zeltia Montes y Bruce Broughton, presidente de Honor del Congreso.

Más fotos del Congreso aquí.

Zeltia Montes gana el III Premio Jerry Goldsmith

2008-07-10T21:00:00.001+02:00

Zeltia Montes se ha hecho con el III Premio Jerry Goldsmith, tomándole el relevo a Oscar Xiberta (que lo ganó en la primera edición) y a Christopher Zirngibl (ganador el pasado año).

III Premios Jerry Goldsmith. Los nominados al premio Jerry Goldsmith

2008-07-10T20:56:00.000+02:00

Konstantinos Zacharopoulos, Jorge Aliaga, Arturo Díez Boscovich, Zeltia Montes y Manuel Riveiro son los finalistas al III Premio Jerry Goldsmith al mejor compositor novel.

En breves minutos se anunciará el ganador.

III Premios Jerry Goldsmith: Manuel Riveiro, mejor Música en Corto de Animación

2008-07-10T20:55:00.001+02:00

Manuel Riveiro ha ganado el premio a la Mejor Música en Corto de Animación, por Man.

El anuncio acaba de hacerse en la gala de los premios Jerry Goldsmith, en el marco del IV Congreso Internacional de Música de Cine de Úbeda. Riveiro es, por tanto, candidato al premio Jerry Goldsmith, que se anunciará al final de la ceremonia.

Puedes escuchar un fragmento del filme ganador aquí:

Los otros candidatos al premio ganado por Riveiro eran:
Casitas. Oscar Xiberta (España)
The Dream of Life (El sueño de la vida). Raúl del Corte (EE UU)
Tadeo Jones y el sótano maldito. Zacarías Martínez de la Riva (España)
Villa olvidada. Sergio de la Puente (España)

III Premios Jerry Goldsmith: Zeltia Montes, mejor música en Formato de Larga Duración

2008-07-10T20:45:00.003+02:00

Zeltia Montes ha ganado el premio a la Mejor Música en Formato de Larga Duración, por Pradologo.

El anuncio acaba de hacerse en la gala de los premios Jerry Goldsmith, en el marco del IV Congreso Internacional de Música de Cine de Úbeda. Montes es, por tanto, candidata al premio Jerry Goldsmith, que se anunciará al final de la ceremonia.

Puedes escuchar un fragmento del filme ganador aquí:

Los otros candidatos al premio ganado por Montes eran:

Destination: Ireland. Arnau Bataller (España)

La mujer del anarquista. Zacarías Martínez de la Riva (España)

Der Ruf der Geckos (El aviso de los Geckos). Markus Lehmann-Horn (Alemania)

Sueño de una noche de verano. Andrés de la Torre (España)

III Premios Jerry Goldsmith: Arturo Díez Boscovich, mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre

2008-07-10T20:35:00.003+02:00

Arturo Díez Boscovich ha ganado el premio a la Mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre, por Don Quijote.

El anuncio acaba de hacerse en la gala de los premios Jerry Goldsmith, en el marco del IV Congreso Internacional de Música de Cine de Úbeda. Díez Boscovich es, por tanto, candidato al premio Jerry Goldsmith, que se anunciará al final de la ceremonia.

Puedes escuchar un fragmento del proyecto ganador aquí:

Los otros candidatos al premio ganado por Boscovich eran:
Efímeros. Jesús Agomar González (España)
Éxodo. David Picken (España)
Relatos que no gustaron a mi mujer. Vicente Carrasco, Miguel Oscar Musso (España)
Santos. Manuel Riveiro (España)

III Premios Jerry Goldsmith: Jorge Aliaga, mejor música en Documental

2008-07-10T20:25:00.000+02:00

Jorge Aliaga ha ganado el premio a la Mejor Música en Documental, por Testigos del silencio.

El anuncio acaba de hacerse en la gala de los premios Jerry Goldsmith, en el marco del IV Congreso Internacional de Música de Cine de Úbeda. Aliaga es, por tanto, candidato al premio Jerry Goldsmith, que se anunciará al final de la ceremonia.

Puedes ver un fragmento del filme ganador aquí:

Los otros candidatos al premio ganado por Aliaga eran:
Birdwatchers in Spain. Iván Palomares (España)
Ensayo 1: una sinapsis. Iván Capillas (España)
Mit den Waffen der Hanse (Con las armas de los Hanse). Markus Lehmann-Horn, Ingo Stefans (Alemania)
El rastre d'un pioner (El rastro de un pionero). Sergi Ramis (España)

III Premios Jerry Goldsmith: Konstantinos Zacharopulos, mejor Música en Corto de Acción Real

2008-07-10T20:15:00.001+02:00

Konstantinos Zacharopoulos ha ganado el premio a la Mejor Música en Corto de Acción Real, por Ta Peristeria.

El anuncio acaba de hacerse en la gala de los premios Jerry Goldsmith, en el marco del IV Congreso Internacional de Música de Cine de Úbeda. Zacharopoulos es, por tanto, candidato al premio Jerry Goldsmith, que se anunciará al final de la ceremonia.

Puedes ver un fragmento del filme ganador aquí:

Los otros candidatos al premio ganado por Zacharopoulos eran:
El árbol seco. José Francisco Ortuño (España)
Catharsis. Iván Palomares (España)
The Lost Toy (El juguete perdido). Bartosz Klimaszewski (Reino Unido)
Rutina. Raúl del Corte (España)

Todo preparado para los III Premios Jerry Goldsmith

2008-07-06T14:02:00.003+02:00

El próximo jueves, 10 de julio, tendrá lugar en el Auditorio del Hospital de Santiago la gala de los III Premios Jerry Goldsmith. Han confirmado su asistencia varios de los nominados (Zacarías Martínez de la Riva, Zeltia Montes, Andrés de la Torre, Iván Palomares, Oscar Xiberta, Sergi Ramis, Jorge Aliaga, Arturo Díez Boscovich, Jesús Agomar González, Vicente Carrasco y, representados, Arnau Bataller y Sergio de la Puente).

Un jurado, compuesto por cerca de 20 personas, han votado a los ganadores de las diferentes categorías. Tres de ellas, han sido votadas por la totalidad del jurado; las otras dos (documental y larga duración) por un grupo más reducido (de 12 y 8 personas, respectivamente). La composición del jurado se hará pública tras el Congreso de Úbeda.

¿Quieres ganar una suscripción anual a la revista Fotogramas?. Basta con que rellenes tus datos y votes quién crees que ganará en cada categoría aquí y lo mandes ANTES del próximo miércoles, 9 de julio, a las 23 horas. Efectuaremos el sorteo entre los máximos acertantes y anunciaremos el ganador pasado el Congreso de Úbeda.

Asimismo, os informamos que los ganadores de estos premios serán anunciados en el blog de modo inmediato y paralelo a la gala que se celebrará el próximo jueves, 10 de julio, de 20 a 21 horas.

P.D.: en este concurso están excluidos los miembros de la Organización y del Jurado.

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Markus Lehmann-Horn

2008-07-06T12:00:00.004+02:00

Nominado en las categorías de Mejor Música en Formato de Larga Duración por Der Ruf der Geckos (El aviso de los Geckos) y de Mejor Música en Documental por Mit den Waffen der Hanse (Con las armas de los Hanse).

Marcus Lehmann-Horn (Munich, 1977), estudió guitarra, piano y, composición en el Consevartorio de Munich. Desde 1987, se dedica a componer para la radio, publicidad, conciertos, documentales y cortometrajes.

Está doblemente nominado en las categorías de Mejor Música en Formato de Larga Duración por Der Ruf der Geckos (El aviso de los Geckos) y de Mejor Música en Documental por Mit den Waffen der Hanse (Con las armas de los Hanse). El primer título está dirigido por Van Phuong La y versa sobre el cruce de caminos de tres personas muy diferentes que se encuentran en un punto del Vietnam, donde se replantean sus existencias. Por lo que concierne al documental, narra el ascenso al poder y la caída de una familia alemana renacentista.

Puedes ver un fragmento del largometraje aquí:

Puedes ver un fragmento del documental aquí:

Página personal de Markus Lehmann-Horn

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en lasmúsicas
En Der Ruf der Geckos, busqué un tema musical que expresara el aroma del país y de la propia película. Se trata de un filme apacible que transcurre en amplios paisajes, así que la música apoyaba la localización y también los sentimientos de los personajes. Trabajé con orquesta de cuerda y las flautas originales añadieron el sonido genuino. En Mit den Waffen der Hanse la música debía tener elementos del período en combinación con sonoridades modernas, para apoyar la historia y el filme. La música subraya los comentariosm y conecta la información dada con la imagen. El reto fue componer para prácticamente toda la película y acentuar el argumento y la imagen sin sacar de quicio al espectador.

2.- ¿Con qué formaciones orquestales has trabajado?
Para Der Ruf der Geckos, con la Bayrisches Symphonieorchester München; en Mit den Waffen der Hanse con diversos solistas.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas de los directores?
(pregunta no respondida)

4.- ¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?
Influencias: adoro a los clásicos y también a los contemporáneos: Mozart, Beethoven, Mahler, Ravel, Debussy, Strawinsky, Strauß, Charles Ives, B.A. Zimmermann, etc. En el cine: John Williams, Jerry Goldsmith, Ennio Morricone, John Barry, James Newton Howard, Thomas Newman.

Mejor Música en Formato de Larga Duración
Destination: Ireland. Arnau Bataller (España)
La mujer del anarquista. Zacarías Martínez de la Riva (España)
Pradolongo. Zeltia Montes (España)
Der Ruf der Geckos (El aviso de los Geckos). Markus Lehmann-Horn (Alemania)
Sueño de una noche de verano. Andrés de la Torre (España)

Mejor Música en Documental
Birdwatchers in Spain. Iván Palomares (España)
Ensayo 1: una sinapsis. Iván Capillas (España)
Mit den Waffen der Hanse (Con las armas de los Hanse). Markus Lehmann-Horn, Ingo Stefans (Alemania)
El rastre d'un pioner (El rastro de un pionero). Sergi Ramis (España)
Testigos del silencio. Jorge Aliaga (Chile)

Nota: Ingo Stefans, coautor de Mit den Waffen der Hanse, no ha querido participar en la promoción de los premios Jerry Goldsmith, por lo que se le excluye de la misma y de todos los beneficios previstos para los participantes.

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Konstantinos Zacharopoulos

2008-07-05T12:00:00.002+02:00

Nominado en la Categoría de Mejor Música en Corto de Acción Real por Ta Peristeria.

Konstantinos Zacharopoulos (Atenas, 1980). Compositor y musicólogo que se formó en el Conservatorio de Música de Atenas y que ha trabajado en diversos cortometrajes, documentales y que tiene en cartera un largometraje. Fue finalista en las dos primeras ediciones de los premios Jerry Goldsmith, por Elegy y por The Significant Other, ambas en la categoría de Mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre.

Este año opta por tercera vez, pero en la categoría de Mejor Música en Corto de Acción Real por Ta Peristeria (Las palomas), dirigido por Haik Katsikian y que versa en torno al difícil reencuentro de un hombre con su pasado, cuando regresa a su pueblo natal, de donde marchó tras la muerte en accidente de su mejor amigo.

Puedes escuchar parte de la música aquí:

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en la música?
La película se desarrolla en la isla griega de Tinos, en dos períodos de tiempo: el pasado y el presente. Así, por una parte la música intenta evocar algo de la cultura griega (combinado con la música occidental); por otra parte, intenta seguir los acontecimientos narrados de modo a veces dulce (subrayando la inocencia y jovialidad de la infancia en los flashbacks) y a veces dramático (acompasando la madurez de los protagonistas, sus miedos y penas del presente).

2.- ¿Con qué formación orquestal has trabajado?
Toda la partitura ha sido hecha con ordenador, exceptuando una guitarra que sirvió para dar cierto cariz mediterráneo. Exceptuando eso, la música se orquestó con una delicada instrumentación de cuerdas, piano, guitarra y arpa, con ocasional apoyo de instrumentos solistas como el oboe, el clarinete, la flauta y tuba.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas del director?
Para el director, Haik Katsikian, fue importante encontrar a un compositor griego para que aportase el tono musical y cultural al filme. Quería que la música fuese orgánica y de la tierra. Debía acompañar el abanico de emociones de los personajes sin que destacara por encima de ellas y sin condicionar a los espectadores, pero sí explicando los acontecimientos.

4.- ¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?
Diría que mis principales influencias musicales vienen de la música de Hollywood, siendo mi compositor favorito John Williams y muchos otros como Danny Elfman, Elliot Goldenthal, Michael Giacchino etc.. Pero generalmente me gustan muchas otras partituras (americanas o europeas), que me llegan al corazón y me inspiran para seguir con mis sueños como compositor.

Página personal de Konstantinos Zacharopoulos

Mejor Música en Corto de Acción Real
El árbol seco. José Francisco Ortuño (España)
Catharsis. Iván Palomares (España)
The Lost Toy (El juguete perdido). Bartosz Klimaszewski (Reino Unido)
Ta Peristeria (Las palomas). Konstantinos Zacharopoulos (Grecia)
Rutina. Raúl del Corte (España)

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: David Picken

2008-07-04T12:00:00.005+02:00

Nominado en la Categoría de Mejor Música en Fase de Desarrollo/Libre Creación por Éxodo.

David Picken (Brighton, Inglaterra, 1962) vivió su juventud en Suráfrica y Swazilandia, antes de regresar a su país natal. Actualmente reside en las Islas Canarias. Su pasión por la guitarra acústica y por componer le han llevado a escribir sus propias creaciones.

Es finalista en la Categoría de Mejor Música en Fase de Desarrollo/Libre Creación por Éxodo, donde rinde tributo a las víctimas de la persecución nazi. Cuenta Picken que le dedico mi música a toda esa gente que han tenido que huir de sus tierras y dejar todo atrás, perseguida por ser de una raza, religión o simplemente por sus ideas. Éxodo es su canción. Ojalá que podamos vivir y dejar vivir...

Puedes escuchar su música aquí:

TRES PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en la música?

He querido expresar melancolía y tristeza. Un sentimiento de raícess semitas/judíaso en este estilo de música.

2.- ¿Con qué formación orquestal has trabajado?

He trabajado con un piano de cola, cuerdas para el fondo del tema y un Stradivarius, que es el símbolo de la música Hebrea (por lo menos en la gran mayoria de sus éxitos musicales).

3.-¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?

Mis favoritos son muchos, pero mi banda sonora favorita de todos los tiempos es La Lista de Schindler de John Williams. Otras favoritas son Memorias de África (John Barry), Beyond Rangoon y Gladiator (Hans Zimmer), El Bueno, el feo y el malo y La Misión (Ennio Morricone) y La vida es bella (Nicola Piovani). La lista es larga...

Mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre

Don Quijote. Arturo Díez Boscovich (España)

Efímeros. Jesús Agomar González (España)

Éxodo. David Picken (España)

Relatos que no gustaron a mi mujer. Vicente Carrasco, Miguel Oscar Musso (España)

Santos. Manuel Riveiro (España)

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Sergi Ramis

2008-07-03T12:00:00.001+02:00

Nominado en la categoría de Mejor Música en Documental por El rastre d'un pioner.

Sergi Ramis (Barcelona, 1973) cursó estudios musicales y se especializó en percusion corporal y vocal, de la mano de los mejores percusionistas del momento. A partir de ello, inició su trabajo de investigacion y docencia en el campo, publicando partituras y ejercicios de coordinacion para libros de ensenanza musical. Respecto a su labor como compositor, posee una quincena de obras para el medio audiovisual, desde cortometrajes de accion real, animacion y documentales. Fue nominado en los primeros Premios Jerry Goldsmith en la categoría de Mejor Música en Formato de Corta Duración por Silenci si us plau.

Este año vuelve a estar nominado, pero en la categoría de Mejor Música en Documental, por El rastre d'un pioner (El rastro de un pionero), dirigido por Juanjo Sánchez y que versa en torno a la investigación que emprende un anciano sobre un astrónomo que vivió en la Barcelona de los años 20 del pasado Siglo. Cuenta Ramis que ha sido la primera vez que he debido partir de música preexistente. El director me pidió utilizar una partitura compuesta por el mismo J.Comas i Solá (el astrónomo) y, de esta manera, la música estaría más integrada en la historia y daría más información sobre el personaje y su época. Era un vals que únicamente tenía una melodía para voz. Por la letra, parecía haberla escrito para su mujer. Entonces, partiendo de esa melodía, creé dos temas. El primero con base armónica en piano y voz femenina (para los flashbacks del documental); un vals que tenía que ser cantado por una mujer mayor que diera un tono folclórico y que, posteriormente, hicimos que tuviera un sonido sucio y antiguo, como de los años 20. El segundo, el tema del investigador, debía tener un fondo simpático y entrañable, acorde con el anciano que investiga (una mezcla de Sherlock Holmes y Amélie, según palabras del director). La instrumentación de la banda sonora fue: piano, voz femenina, batería, bajo y vibráfono.

Puedes ver un fragmento del documental aquí:

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en la música?
Quise empatizar la música con los rasgos simpáticos y entrañables del protagonista octogenario del documental. Por otro lado, los conceptos de antiguo y folclórico tomaron fuerza para plasmar el recuerdo de una epoca, un lugar y un personaje ya olvidado. En definitiva, quise hacer que la música de tono emocional tuviera un leit motif ,que hiciera resucitar una melodia sepultada por una época ya pasada.

2.- ¿Con qué formación orquestal has trabajado?
El minimalismo y simplicidad con la que quería trabajar me hicieron tomar la decisión de incorporar guitarra, bajo, piano, bateria, vibráfono y una voz folclórica desafinada y quebrada (de la gran Margarita Calatayud), complementados con efectos de sonido como el péndulo de un reloj, un lápiz escribiendo formas geométricas y un gramófono.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas del director?
El director me pidió introducir una partitura antigua, escrita por el astrónomo J.Comas i Sola (personaje al cual se rinde homenaje en el metraje) y, ambientar históricamente las secuencias de la Barcelona antigua. De este modo, creé una partitura compuesta por cuatro temas con un mismo denominador común, un motivo melódico que aparecía en la mencionada partitura y que, de una manera más o menos sutil, se repetía en cada uno de los temas.

4.- ¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?
Estoy abierto a cualquier tipo de influencia que me roce sensiblemente e impacte desde su originalidad e innovación musical. En cuanto a compositores de cine por nombrar una pequeña porción diría Ennio Morricone, Alberto Iglesias, Jerry Goldsmith, Bruno Coulais, Eric Serra, David Giró. Por otro lado, soy ferviente admirador de la música étnica, y soy fan de artistas como Björk, Sting, Peter Gabriel y Ojos de Brujo, entre otros.

Página personal de Sergi Ramis

Mejor Música en Documental
Birdwatchers in Spain. Iván Palomares (España)
Ensayo 1: una sinapsis. Iván Capillas (España)
Mit den Waffen der Hanse (Con las armas de los Hanse). Markus Lehmann-Horn, Ingo Stefans (Alemania)
El rastre d'un pioner (El rastro de un pionero). Sergi Ramis (España)
Testigos del silencio. Jorge Aliaga (Chile)

Fimucité 2008

2008-07-01T21:57:00.008+02:00

Entre los pasados 23 y 29 de junio Santa Cruz de Tenerife acogió la Segunda Edición de Fimucité. A continuación damos cuenta de lo acontecido en la cálida ciudad canaria.

En un primer balance, global y comparativo con la edición del pasado año, ha habido aspectos mejores y otros que han sufrido una seria regresión. Pero en su conjunto, Fimucité ha ofrecido un buen servicio a la música de cine, lo que no es poco.

LOS INVITADOS/LAS CHARLAS

Dos han sido las apuestas claras en la edición de este año: por un lado la obvia, los compositores (Ramin Djawadi, Fernando Velázquez, John Frizell, Reinhold Heil, Johnny Klimek, Joel McNeely, Trevor Rabin y Christopher Young); por el otro, el masivo desembarco de agentes y representantes (Ray Costa, Doug Frank, Cheryl Tiano, Samuel Schwartz -a quien solo vimos un día- Laura Engel, Richard Kraft y Robert Messinger). Junto a ellos, Robert Thompson (Varèse Sarabande), José María Benítez (JMB) y Nancy Knutsen (ASCAP). Una plantilla de gente importante, pero más enfocada a un evento de carácter interprofesional que no lúdico, lo que pudo haber contribuido al nulo interés que despertaron la totalidad de las conferencias entre el público aficionado y no aficionado de Tenerife.

Y es que este segundo año se constató, una vez más, la enorme dificultad que tiene Fimucité para convocar a la gente a sus actos extraconcertistas. No es algo que deba ser reprochado a la Organización, es claro, porque los costes de viajar desde cualquier punto a las islas afortunadas sumado a la estancia de hoteles en temporada alta hacen muy difícil que Fimucité pueda tener mucho margen de convocatoria.

Quizás no sea lo que pretenden, y que no busquen a su público más allá de su Comunidad Autónoma. Porque si lo buscan, erran de pleno: demasiadas horas muertas, sin actividades... demasiados días para cualquiera que no viva en los alrededores. Incluso para este cronista -que estuvo en Santa Cruz a partir del miércoles y hasta el domingo- hubo mucho más no Fimucité que Fimucité en unos días que, de todos modos, pasaron relativamente rápidos. Acercarse hasta Tenerife para ver un solo concierto resulta caro; permanecer cinco días para atender a los cuatro resulta sangrante para cualquier bolsillo modesto (y no modesto).

Pero liquidemos lo que de peor ha tenido Fimucité para luego deleitarnos en sus elementos positivos. Las charlas han sido, lisa y llanamente, un desastre de convocatoria, planteamiento y, en bastante menor medida, de contenido. La convocatoria, ya hemos dicho, ha sido nula: apenas 10 o 15 personas por sesión, que eran gratuitas. En muchas de ellas, se incluyeron en el cómputo de asistencia a los propios invitados. La impresión que percibí entre los invitados era de cierto desconcierto, puntual bochorno y cierta sensación de ridículo. Algo, por otra parte, absolutamente lógico cuando, tras la sorpresa llega la evidencia que se reitera en desgracia una y otra vez. ¿Es responsable la Organización de ello?. No y sí. No, claro, porque no hay forma humana de atraer a la gente si esta no quiere venir; sí, porque los responsables se quedaron de brazos cruzados, sin mover ficha, y se empeñaron en mantener a toda costa un programa hundido, obligando además a los invitados a tener que pasar una y otra vez por los penosos pasillos vacíos. ¿No se les ocurrió cancelar o, en su defecto, unificar?. Lo grave es que sucedió lo mismo el pasado año, y parece que nada ha cambiado desde entonces.

Hablemos claro: por los motivos expuestos, Fimucité nunca podrá tener la capacidad de convocatoria (desde luego, entre los aficionados) que sí tienen Soncinemad y Úbeda. Que no cuenten con ello, y que cambien la perspectiva de lo que quieren ofrecer, o año tras año estaremos hablando de ridículo. Porque no vale consolarse ni consolarles con lo de lo habéis intentado. ¿Van a seguir trayendo a gente desde lejos para que hablen ante una sala vacía?. ¿Todo vale por hacerse con una lettre de sérieux?.

Mi sugerencia (modesta): que se olviden de pretender repetir los modelos Soncinemad y Úbeda, agrupen a los invitados en un máximo de tres o cuatro mesas redondas (y en un solo día) y se centren en los menesteres concertistas. Un fin de semana sería muchísimo más provechoso que una semana imposible. No somos los peninsulares los que les han dado la espalda en las charlas: son los isleños. Que reflexionen.

Los contenidos de las charlas no pueden tampoco escapar de las críticas: cuando haces desembarcar a la flor y nata de los agentes y los representantes, no puedes sino esperar lo que uno se encontró: que se hable de lo mismo una y otra vez. ¿Fue interesante?: sin duda. ¿Pero para quién?. En otros lugares, esas charlas estarían llenas (básicamente de compositores), pero en Tenerife no cuajaron. Sé perfectamente que no fui engañado, pero me senté en una mesa redonda donde el tema era Creando la banda sonora perfecta y todo lo que se habló (hasta que estallé) fue de negocios y de industria (puedes leer una crónica del Diario de Avisos aquí). Insisto en que el temario era interesante, pero seamos sinceros: para cuatro gatos y el ratón. Y todo ello, en un marco de grandeur del que más adelante hablaré.

Aunque ante prácticamente nadie se explayaron los compositores invitados, en charlas mucho más amenas. Singularmente brillantes estuvieron Christopher Young y Trevor Rabin, así como el binomio Klimek/Heil y Fernando Velázquez. No presencié las charlas de John Frizzell ni de Joel McNeely, que por referencias fueron también muy interesantes.

LOS CONCIERTOS

Siguiendo en la línea de lo anteriormente comentado, el organizar cuatro conciertos resulta muy atractivo sobre programa pero, también por sus fechas (miércoles, viernes, sábado y domingo), hace prácticamente imposible la asistencia de quien viva fuera de las islas: entre otras cosas, porque hubo un día sin concierto (el jueves) y el concierto del sábado era más local, como explicaré. En un contexto como el de las islas canarias, tampoco ayuda mucho, en tanto pocos son los que pueden o quieren comprar entradas -caras- para los cuatro eventos, y se les obliga a elegir. Resultado: un aforo aproximado del 25% en el primer concierto, alrededor del 40% en el segundo y, menos mal, cerca del 60% en el cuarto. En todos ellos, con mucha gente invitada. No asistí al tercero, pero la presencia de los padres de los jóvenes intérpretes musicales contribuyó a mejorar la asistencia. Esperamos, de todos modos, las cifras oficiales que la Organización tenga a bien proporcionarnos.

¿Critico que haya 4 conciertos?. Nada más lejos de mi intención, por supuesto. Pero ninguno tuvo lleno práctico, como sí los dos del pasado año. Y son cifras que a la larga -si no hay replanteamiento- pueden resultar muy negativas... y más cuando hay dinero público por medio. De nada sirve, insisto, celebrar como una adoración al becerro de oro la existencia de 4 o 10 conciertos si estos resultan deficitarios de público (seguro que también de dinero), porque los excesos se acaban pagando. ¿No hubiera sido mejor, en todo caso, juntar los tres conciertos de interés general (el primero, el segundo y el cuarto) en días consecutivos (jueves, viernes y sábado) y dejar el de los meritorios estudiantes de música para el domingo?. O con las combinaciones que sean, pero juntar los tres conciertos que a más gente podrían atraer. Cierto es, todo hay que decirlo, que los jóvenes intérpretes tienen todo el derecho a tocar en su propia ciudad un sábado, y que habla mucho y muy bien el que se les haya reservado un hueco en Fimucité, entre otras razones porque fui informado -desde diversas fuentes- que son realmente buenos. Todo esto, es claro, mirado desde una perspectiva ajena a la de Tenerife: es decir, para los tinerfeños una gozada sea cual sea el orden de los conciertos; pero si hay pretensiones de convocar a gente de fuera, no resulta muy práctico. Pero si se piensa en lo segundo, ¿no se satisface también a lo primero?.

En todo caso, fueron cuatro conciertos, y todos ellos rozando lo magnífico.

El primero -el miércoles- fue abierto por Fernando Velázquez (persona encantadora donde las haya) que dirigió dos magníficas suites de Bosque de sombras y de El Orfanato, ejemplarmente arreglada para la ocasión, y que encandiló a los compositores extranjeros. Le siguió John Frizzell con un programa, también muy bien resuelto, en el que incluyó The Reaping, The Prize Winner of Defiant Ohio, Ghost Ship y la espectacular Gods and Generals. Joel McNeely dirigió con apabullante maestría suites de Iron Will, Lover´s Prayer, I Know Who Killed Me, Pooh’s Heffalump Movie y Shadows of the Empire. Cerró Diego Navarro dirigiendo la música de Ramin Djwadi (quien tocó en la orquesta la guitarra eléctrica) para Fly Me to The Moon, Prison Break e Iron Man. Fue la parte más artificiosa del concierto, seguramente la menos interesante, pero con mucho ritmo.

El segundo -el jueves, tras un miércoles más bien obviable- estuvo dedicado a Christopher Young y al tándem Klimek/Heil, en ambos casos dirigidos por un Diego Navarro algo excesivo. De Young sonó muy bien Spiderman 3, Murder in the First (la incluyo porque siempre me la piden, aunque ya me cansa que solo me pidan esa, comentó jocoso en su charla unas horas antes) y menos bien -pero bien- The Shipping News y Bless the Child. La segunda parte, The Perfume: Story of a Murder, del simpático alemán Heil y del excesivamente tímido Klimek. Los comentarios respecto a la misma fueron dispares, pero personalmente creo que fue una buena selección.

Aunque no asistí al tercero (el del sábado), no quiero dejar de mencionar que la Arsenio Martins Ensemble, dirigida por José Luis Cebolla, agrupa a jóvenes que aman la música y que al parecer salieron airosos del reto de interpretar piezas de John Williams, Patrick Doyle o Henry Mancini.

Aunque el cuarto concierto (domingo) sonó a la par que España se alzaba con la Eurocopa, el impacto negativo que podría tener sobre el aforo no fue excesivamente duro. Sí lo fue escuchar la mediocre versión del 2001 de Alex North que desacertada y desangeladamente resolvió Diego Navarro. Le siguió un espléndido (con puntuales excepciones) Joel McNeely, que celebró los 30 años de Varèse Sarabande con clásicos de John Barry (memorable su interpretación de Somewhere in Time y menos brillante en Body Heat), Bernard Herrmann (apabullante Fahrenheit 451), Franz Waxman, John Williams o Jerry Goldsmith, entre otros. Cerró el concierto -y Fimucité- Trevor Rabin (Armageddon, Deep Blue Sea y una anunciada premiere que no llegó a escucharse). No estoy muy convencido que fuera el compositor idóneo para cerrar el festival, pero a esas alturas el expediente concertista de Fimucité 2 ya estaba sobradamente aprobado, por lo que tampoco tiene mayor importancia.

Una breve conclusión

Aunque no mejor que en su primera edición, en términos globales Fimucité se salda con un resultado bastante positivo. Desconozco si la Organización querrá atender o no lo que aquí he escrito, si le servirá o lo ignorará. Creo que, teniendo los medios y ganas, se pueden hacer las cosas muy bien, y progresar considerablemente. Ha habido cosas abiertamente mejorables (algunas no corresponde mencionarlas en esta crónica, pues sustancialmente son corporativas) y otros aspectos sobre los que, quienes encabezan el proyecto, deberían reflexionar. Fimucité no es ni podrá ser Úbeda o Soncinemad, aunque haya claras imitaciones, y un replanteamiento puede resultar muy beneficioso. Lo que importa, lo que verdaderamente importa, es que Tenerife tenga este espacio, para que lo disfruten, cuando menos los canarios. Ojalá se puedan abrir otros espacios, los de la colaboración franca y sincera con los demás eventos españoles.

Preguntas... ¿sin respuesta?

Nota: apartado frívolo

¿Por qué Christopher Young es tan extremadamente simpático?. ¿Cuanto dinero gana para poder invitar siempre a comer a sus fans?. ¿Por qué si yo le invito a una cerveza se toma un sorbo, la deja y corre a abrazar a sus fans?.
¿Por qué mi colega Joan Padrol a veces se descuelga con preguntas tan frikis como la dirigida a Christopher Young?: ¿le ha condicionado o marcado en su carrera el llevar el apellido de alguien tan insigne como Victor Young?. La respuesta de Young, Christopher, memorable: Hoy en Hollywood nadie, absolutamente nadie sabe quién es Victor Young.
¿Por que llevaron arriba y abajo a los compositores en sendas limusinas que daban tanto el cante?. ¿Es Fimucité una versión europea de los Oscar?. Entonces, ¿donde estaban las masas para recibir a los compositores?
¿Por qué los agentes y representantes (que uno se imagina que solo piensan en dinero y más dinero) son tan amables y dicharacheros?
¿Por qué a Johnny Klimek le da tanto apuro que la gente se le acerque?
¿Por qué el alemán Reinhold Heil me aseguraba que Alemania ganaría la Eurocopa?. ¿Por qué no aposté?
¿Por qué Fernando Velázquez es más crack cada día que pasa? Esperen a Úbeda...
¿Por qué el copresentador de los conciertos, Andrés Brito, es tan pastosamente relamido y cursi?
¿Por qué, por segundo año consecutivo, los vídeos de acompañamiento durante los conciertos en el Angel Guimerà están tan rematadamente mal hechos y los del concierto del Auditorio están tan bien trabajados?
¿Por qué quién esto firma -que no es fotógrafo ni periodista- no ha podido poner en esta crónica fotografía alguna? (no vale la respuesta: porque no las has pedido. La respuesta válida: porque en la web de Fimucité no aparece ninguna que poder descargarse).

Con especial afecto a Daniel, Manuel y Sagrario.

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Zacarías Martínez de la Riva

2008-07-01T12:00:00.001+02:00

Nominado en las categorías de Mejor Música en Formato de Larga Duración por La mujer del anarquista y de Mejor Música en Corto de Animación por Tadeo Jones y el sótano maldito.

Zacarías Martínez de la Riva (Barcelona, 1972) se formó en la Berklee College of Music, donde estudió una graduación doble en Composición y Film Scoring. A su vuelta a España empezó a colaborar con jóvenes directores y compuso sus primeros trabajos para diferentes cortometrajes, siendo su primera película Jaizkibel (Ibón Cormenzana, 2001). Ha trabajado como orquestador en películas como El maquinista, Al sur de Granada, 800 balas o La gran aventura de Mortadelo y Filemón, entre otras muchas, ha compuesto la música de La monja (Luis de la Madrid, 2005) y de documentales.

Está nominado por partida doble, en las categorías de Mejor Música en Formato de Larga Duración por La mujer del anarquista y de Mejor Música en Corto de Animación por Tadeo Jones y el sótano maldito. La primera es una coproducción hispano-germana dirigida por Marie Noelle y Peter Sehr sobre las desdichas de una joven cuando, en plena dictadura franquista, una mujer queda desamparada y hostigada. Cuenta Martínez de la Riva que para mí esta película ha significado el poder hacer mi primera banda sonora en el terreno romántico-dramático. Y eso lo disfruté muchísimo. Predomina el uso de una orquesta de cuerdas no muy grande con el apoyo de maderas y arpa. Y el uso de la guitarra y el piano casi como instrumentos solistas.

Puedes escuchar un fragmento de la banda sonora aquí:

Por lo que respecta al cortometraje Tadeo Jones, ganador de numerosos premios y con un aventurero de protagonista, dice que ha sido mi segundo trabajo para la saga de Tadeo Jones. Fue un verdadero reto el grabar en Praga. Mucha música (unos 17 minutos), una orquesta grandecita (67 músicos) y un sola sesión. La música está compuesta/orquestada al estilo de las películas de aventuras de Hollywood y es homenaje al maestro de maestros John Williams.

Puedes ver el Making Of de la banda sonora aquí.

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en las músicas?
La mujer del anarquista es un drama romántico con el trasfondo de la guerra y posguerra civil española. Lo más importante era conseguir reforzar con la música la historia de amor entre los dos protagonistas, pero desde el punto de vista de ella: su lucha por su familia, la búsqueda de su marido capturado y su reencuentro con él. Tadeo Jones es un especie de Indiana Jones a la española, con todo lo que eso implica a nivel musical. La idea era recrear musicalmente en la medida posible ese cine de aventuras, con algunos momentos muy cómicos y otros más tiernos. Usando el leitmotiv y un sonido lo más orquestal y grande posible para darle el tamaño que yo creía necesitaba el corto.

2.- ¿Con qué formaciones orquestales has trabajado?
Para La mujer del anarquista flauta, oboe y clarinete casi como solistas, arpa, guitarra, piano, soprano solista y cuerdas (más samplers varios). El piano destaca por encima de los demás y se turna con las cuerdas para llevar el peso emocional de la película. La guitarra, aunque no tan relevante como el piano, representa el hogar y la soprano representa el vacío que queda cuando el protagonista no está en ese hogar. En Tadeo Jones, maderas a dos con el apoyo de clarinete bajo y contrafagot, 4 trompas, 2 tropmpetas, 3 trombones y tuba, timbal y cuerdas. Y mucho apoyo de samplers. Aprovecho para agradecer el estupendo trabajo que hicieron Claudio Ianni con las orquestaciones y José Vinader con las mezclas. Tuvimos muy poco tiempo para hacer la banda sonora, y sin su ayuda no hubiéramos podido acabarla con un resultado tan bueno.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas de los directores?
La directora de La mujer..., Marie Noëlle, tenía algunos puntos musicales muy claros y marcados ya en el primer montaje que ví. Un aria de Pelleas et Melissande y otra de La verbena de la Paloma tenían importancia en la relación entre los dos protagonistas. También quería utilizar la voz de una soprano y el sonido de una guitarra como elementos importantes dentro de la banda sonora. Esas fueron las ideas básicas y el punto de partida para la composición. Después de haber trabajado con Enrique Gato en la primera parte de las aventuras de Tadeo Jones, en esta segunda entrega todo fue coser y cantar. Lo de decidir dónde había y no había música fue muy fácil: el corto tiene música de arriba a abajo (prácticamente). Y tras un sentada decidimos los tempos/estilos/atmósferas de cada escena y algunos puntos claves que él quería remarcar especialmente con la música. Y también recuerdo que Enrique tenía un momento en el corto para el que me dió indicaciones explícitas. Es el momento de fábrica de hamburguesas para el que quería algo totalmente diferente a la música del corto, como una especie de polka.

4.-¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?
Difícil pregunta y no me gustaría extenderme demasiado. Algunas de mis influencias musicales pueden ser Beethoven, Debussy, Shostakovich, A.C. Jobim, Oscar Peterson y Police. Y dentro del cine, John Williams, John Williams y John Williams.

Página personal de Zacarías Martínez de la Riva

Mejor Música en Formato de Larga Duración
Destination: Ireland. Arnau Bataller (España)
La mujer del anarquista. Zacarías Martínez de la Riva (España)
Pradolongo. Zeltia Montes (España)
Der Ruf der Geckos (El aviso de los Geckos). Markus Lehmann-Horn (Alemania)
Sueño de una noche de verano. Andrés de la Torre (España)

Mejor Música en Corto de Animación
Casitas. Oscar Xiberta (España)
The Dream of Life (El sueño de la vida). Raúl del Corte (EE UU)
Man. Manuel Riveiro (España)
Tadeo Jones y el sótano maldito. Zacarías Martínez de la Riva (España)
Villa olvidada. Sergio de la Puente (España)

Nominados II Premios Jerry Goldsmith: Sergio de la Puente

2008-06-30T11:50:00.003+02:00

Nominado en la categoría de Mejor Música en Corto de Animación por Villa Olvidada.

Sergio de la Puente (Granada, 1975), comenzó sus estudios en la Escuela de Juventudes Musicales de Granada, ingresando mas tarde en el Real Conservatorio Superior de Música Victoria Eugenia de Granada. En 1996 comenzó su carrera como concertista de piano que le llevará por numerosos puntos de la geografía española y en 1998 entró a formar parte de la Orquesta de Cámara Pablo Picasso actuando en numerosas salas del país y estrenando algunas de sus composiciones. En 1999 editó su primer trabajo discográfico, El fuego vivido, con aires minimalistas cercanos al New Age y a las bandas sonoras cinematográficas, con colaboraciones de artistas granadinos consagrados como Supervivientes, Orquesta de Cámara Pablo Picasso o José Ignacio Lapido. Acaba de editar su segundo trabajo, Bajo la Ciudad, un CD+DVD ambientado en el metro y grabado a lo largo de seis meses en diez estudios diferentes de tres países (España, Irlanda y Eslovaquia), con diversidad de estilos (música sinfónica, funky, Bossa Nova o Flamenco). En la actualidad compone trabajos para cine, teatro, televisión y publicidad, asícomo músicas corporativas del Canal Metro Madrid y Barcelona, Telemadrid. Entre sus últimos trabajos caben destacar bandas sonoras de largometrajes (Seres Extravagantes, Clandestinos), obras de teatro y música para programas de Tele 5, Canal Sur y Telemadrid.

Está nominado en la categoría de Mejor Música en Corto de Animación por Villa Olvidada, dirigido por Miguel López. Se trata de una historia con toques de humor negro, moderadamente macabros, ambientada en una población de peculiares habitantes a la que llega una niña con una extraña maldición: a quien ella toque, morirá. Dice De la Puente que Villa Olvidada es un corto que llega directamente al corazón del espectador y por eso para mí ha sido un cuento musical, un viaje por los sentimientos de los personajes que pueblan este pequeño pueblo. La sonoridad que he buscado ha sido clásica por la formación y el color musical, y a la vez mágica dotando a la historia de alma propia. Para mi la música es un personaje mas de este cuento.

Puedes ver el trailer del filme aquí:

Y escuchar parte de la música aquí:

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en la música?
Esta es la historia de una ciudad oscura, lugubre y misteriosa, y sobre todo un lugar donde sus habitantes son mas especiales de lo que ellos piensan. Así es como también podría definir la música de este corto porque es un personaje más de la historia, para mí más que aportar convive con la imagen y la trama. Con la partitura quiero introducir al espectador en ese mágico mundo, con unos temas muy reconocibles, sencillos y directos como lo que es, un cuento para niños. Una trama tan simple pero a la vez tan directa requería de entrada un tratamiento musical muy infantil pero si caer en tópicos aunque siempre quise plasmar la melancolía de la historia.

2.- ¿Con qué formación orquestal has trabajado?
Con el tema de la instrumentación, siempre soy partidario de utilizar formaciones meramente clásicas. En este caso he utilizado secuenciadores emulando una formación de cuerda basica para crear el ambiente y a cada personaje le he asignado un instrumento diferente; para la protagonista (la celesta), hombre del cuchillo (clarinete), las profanadoras (coro) y el chico del globo (interferencias). Algunos instrumentos están desafinados adrede solo para hacer que sonaran diferentes, como su protagonista, una chica que piensa que desentona en este lugar.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas del director?
Me dio bastante libertad a la hora de trabajar sobre la imagen, eso es un acierto y respeto por parte de algunos los realizadores cuando trabajan con música de encargo, el no meterse demasiado en el terreno del compositor. Pero Miguel Lopez me dio los pilares de la historia (Villa Olvidada, el laboratorio, la protagonista y la oscuridad) y fundamentalmente que es un corto de animación, así que la música tiene que estar mucho más presente en la historia que si fuese acción real.

4.-¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?
Desde siempre y como cualquier compositor el nombre de John Williams ha sido el referente en mi vida musical desde los comienzos aunque con los años o las fases siempre he tenido un grupo de compositores infalibles en mi discoteca: Herrmann, Morricone, Goldsmith, Elfman, Nyman Iglesias... pero desde siempre en mi estantería han convivido todo tipo de música, soy amante del buen rock (Pink Floyd, Dire Straits...), música instrumental (Oldfield, Mertens, Enya...) sobre todo el New Age de finales de los 80. Pero en general la buena música.

Página personal de Sergio de la Puente

Mejor Música en Corto de Animación
Casitas. Oscar Xiberta (España)
The Dream of Life (El sueño de la vida). Raúl del Corte (EE UU)
Man. Manuel Riveiro (España)
Tadeo Jones y el sótano maldito. Zacarías Martínez de la Riva (España)
Villa olvidada. Sergio de la Puente (España)

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Vicente Carrasco y Miguel Oscar Musso

2008-06-29T12:00:00.006+02:00

Nominados en la categoría de Mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre por Relatos que no gustaron a mi mujer.

Vicente Carrasco (Huéscar, Granada, 1980) estudió de niño solfeo y saxofón en la Banda Municipal de Música de Huéscar. Tras finalizar Magisterio en la Universidad de Granada, especialidad de música, comenzó los estudios de saxofón en el Conservatorio Profesional de Música Ángel Barrios de Granada, aunque pronto los abandonó para centrarse en la prueba de acceso a grado superior en la especialidad de composición. Además de seguir tocando en la banda de su pueblo y en una orquesta local, colaboró en distintas bandas de la provincia, como la de Montefrío, en donde han estrenado la mayoría de sus obras y arreglos. Además de sus composiciones para banda de música, destacan también obras para quinteto de viento, fantasías para piano o corales. Por su parte, Miguel Óscar Musso (Huétor Vega, Granada, 1976), comenzó tocando, de niño, el bombardino en la Banda de Música de su pueblo, en la que sigue actualmente. Licenciado en Ciencias Físicas por la Universidad de Granada, en 1998 ingresó en el Real Conservatorio Superior de Música Victoria Eugenia de Granada donde obtuvo el Título Profesional de Tuba y posteriormente el Título Superior de Música especialidad de Composición. Es miembro y colaborador de varios grupos musicales con los que ha realizado numerosas actuaciones por toda España y giras por Europa. Como compositor tiene un amplio catálogo y varios estrenos, así como diversos premios internacionales. Como director, ha estrenado obras propias y ajenas de diferentes géneros y estilos estéticos, siendo director titular y director invitado de varias formaciones musicales.

Ambos están nominados en la categoría de Mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre por Relatos que no gustaron a mi mujer, una selección ecléctica de temas que escribieron para acompañar la lectura de un libro homónimo, vendido junto a la música.

Puedes escuchar un fragmento aquí:

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué habéis querido plasmar/expresar en la música?
Al componer música para estos relatos nos hemos visto inmersos directamente en las historias que nos contaban, con una fuerza inspiradora que sorprende con la sencillez con la que los textos están narrados y con la que hemos intentado crear esa música. Pero lo mejor de todo, después de componerlo y grabarlo, es saber que hay personas, aunque solo sea una, a las que nuestra música ha conseguido emocionar y hacerle despertar sentimientos quizás olvidados. Ahí es donde encontramos sentido, y nos identificamos, con este apasionante mundo de la música de cine.

2.- ¿Con qué formación orquestal habéis trabajado?
Relatos que no gustaron a mi mujer tenía una fecha de presentación que no podía retrasarse, y la confirmación para grabar la música nos llegó con un plazo relativamente corto. Así que nos tuvimos que poner las pilas para acabar de componer algunos temas y buscar músicos que pudieran participar y hacer más humana una música que cuenta con algún que otro elemento informático, como puede ser la cuerda en casi todas las pistas. Con todo esto, nos pusimos a trabajar con sencillez, aunque con las complicaciones que todo esto conlleva. Finalmente, pudimos contar con grandes amigos que nos ayudaron a grabar la mayoría de las melodías que se pueden escuchar, interpretadas con flauta, saxofón alto y soprano, trompeta y clarinete. Gracias a todos ellos.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas del escritor?
El escritor es en definitiva el creador de esta idea a la que le debemos tanto. Juan Santos, que además es músico y gran amigo, nos dio plena libertad en cuanto a la creación de melodías, estilos o instrumentación. Él siempre aboga más por una música sencilla y melódica, y dado el carácter de sus relatos, sobre todo nos pidió eso, sencillez. Así lo trabajamos en la mayoría de los temas musicales, consiguiendo que él el primero, y otra gente después, se sorprendiera y emocionara.

4.- ¿Cuáles son vuestras principales influencias musicales? ¿Vuestros compositores de cine favoritos?
Nuestras influencias musicales son numerosas, unas provenientes de nuestra formación y otras como fruto de nuestra pasión por la música de cine. Podríamos citar desde los más clásicos y románticos como Bach, Mozart, Beethoven o Mahler, pasando por compositores contemporáneos, precursores algunos de ellos de la música de cine como Debussy, Stravinsky, Shostakovich o Arvo Pärt, hasta llegar a compositores de bandas sonoras más actuales como John Williams, Hans Zimmer, John Debney, James Horner, Alan Silvestri o los maestros españoles como Diego Navarro, Alberto Iglesias o el genial Roque Baños, con el que tuvimos el placer de hablar en el congreso del año pasado.

Mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre
Don Quijote. Arturo Díez Boscovich (España)
Efímeros. Jesús Agomar González (España)
Éxodo. David Picken (España)
Relatos que no gustaron a mi mujer. Vicente Carrasco, Miguel Oscar Musso (España)
Santos. Manuel Riveiro (España)

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Iván Palomares

2008-06-28T12:00:00.003+02:00

Nominado en las categorías de Mejor Música en Corto de Acción Real por Catharsis y de Mejor Música en Documental por Birdwatchers in Spain.

Iván Palomares (Madrid?, 19??) estudió Comunicación Audiovisual, Arte Dramático y Traducción e Interpretación), asi como composición en el Conservatorio Superior de Madrid con Teresa Catalán y orquestación con el compositor de Hollywood Hummie Mann. Ha desarrollado diversos proyectos para cine, teatro y tv y actualmente ultima un proyecto de documentales para TVE y la Expo de Zaragoza sobre los mundos de agua.

Está doblemente nominado en las categorías de Mejor Música en Corto de Acción Real por Catharsis y de Mejor Música en Documental por Birdwatchers in Spain. Rodada en Berlín y hablada en alemán, Catharsis confronta la visión que una pareja de ancianos tienen entre sí, a modo de entrevista individual. Dice Palomares que se trata de mi primera incursión en el terreno romántico y es además el trabajo con el que menos tiempo he contado (2 días) a la hora de componer, de producir y de entregar una banda sonora. A pesar de que el cortometraje tiene una clara estética europea, decidí acercarme progresivamente hacia el lenguaje romántico americano, utilizando una orquestación y unas armonías más jazzísticas, con la idea de que la historia evolucionara desde su inicio (más cercano a un documental) hacia un final más cinematográfico. El reto, ante tales circunstancias, era conseguir por encima de todo una banda sonora todo que funcionara a nivel narrativo. La enorme sensibilidad que desprende tanto el guión como la dirección de este cortometraje le ha llevado a recibir muy buenas críticas en los principales festivales de cortometrajes y ¡espero que mi contribución haya podido estar a la altura!.

Puedes ver el cortometraje aquí:

Birdwatchers in Spain es un documental promocional en torno al turismo ecológico y la belleza de paisajes y fauna de aves en las marismas andaluzas. Cuenta Palomares que se trata de mi primera incursión en la música documental. El proyecto era realmente interesante, encargado por el ministerio de turismo, con el fin de fomentar el turismo de aves en España. El objetivo, a nivel musical, era crear una identidad española sin caer en los típicos clichés pero a la vez utilizando elementos guitarrísticos y flamencos típicos españoles. Consideré que la única manera de hacerlo era adaptando ideas temáticas, rítmicas y armónicas a la propia narración y montaje del documental para darle continuidad, desarrollo y evolución. Naturalmente, el primer paso consistió en empaparme de los Maestros Turina, Falla y Granados y de toda la herencia musical flamenca que pude absorber. Disfruté enormemente haciendo este trabajo, aunque, casualmente, me impidiera por ello asistir al festival de Úbeda del año pasado, razón por la cual valoro enormemente esta nominación.

Puedes ver unos fragmentos aquí:

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en las músicas?
Catharsis fue un reto difícil, pues me encontraba inmerso en otro proyecto musical que me tenía completamente absorbido. La posproducción tuvo muchos retrasos y tuve un plazo de dos días para hacerlo todo. Por lo tanto, mi principal preocupación era conseguir una música funcional, que sirviera a las necesidades del discurso. Sin embargo, algo sucedió en el proceso y me dí cuenta de la enorme sensibilidad que tenía el cortometraje, escrito y dirigido por Daniel Chamorro. El cortometraje tiene una clara evolución, partiendo desde una visión más típica de un documental y finalizando con un guiño a las clásicas películas románticas de siempre. Busqué, por lo tanto, la manera de plasmar esa evolución estilística, partiendo desde elementos muy simples, detallistas, dejando que crecieran hacia un romanticismo más cinematográfico y conteniéndolos inmediatamente después para evitar romper la magia de toda la historia. Para Birdwatchers in Spain belleza, aventura, sensibilidad, bienestar general… el documental necesitaba dejar un buen sabor de boca y una identidad española que no fuera demasiado evidente ni cliché pero que fuera a la vez directa y funcional. Al mostrar tantos paisajes, elementos e información en tan poco tiempo, creí necesario dar cierta coherencia musical al conjunto a través del uso de un tema principal cuyo motivo principal iría apareciendo en momentos precisos, al igual que el protagonista de la historia y, paralelamente, hacer cada escena personal y única en su concepto pues expresaba en cada ocasión algo nuevo. El reto era que todo ello generara una simbiosis lo más perfecta posible con la imagen y que el resultado fuera, ante todo, fluido.

2.- ¿Con qué formaciones orquestales has trabajado?
Para Catharsis prácticamente con librería orquestal, recurriendo, para algunos momentos de la orquestación, a una librería privada que grabé hace tiempo. En Birdwatchers trabajé principalmente con librerías y en particular, para la parte más sinfónica, utilicé una librería privada orquestal que grabé hace un tiempo. Para los elementos más españoles, grabé y toqué algunas percusiones y tuve el placer de trabajar con Tuti Fernández, un guitarrista y compositor especializado en Flamenco y Jazz, quien dio vida a mis maquetas (¡es imposible conseguir una guitarra acústica con samples que suene bien!) y entendió perfectamente el toque que necesitaba en cada escena. Aportó muy buenas ideas al proyecto y consiguió exactamente lo que yo buscaba, el crear un diálogo vivo entre los elementos orquestales, rítmicos y percusivos y darle esa alegría tan difícil de plasmar con elementos electrónicos.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas de los directores?
Dani (Catharsis) y yo hemos trabajado en varias ocasiones y tenemos un código común de trabajo, durante el cual discutimos sobre el estilo que necesita la película y sobre cómo ir adaptándolo a las necesidades de cada escena. Dani tiene una enorme visión musical y mucho talento tanto como actor, director, guionista, montador y también como compositor; sabe perfectamente lo que quiere y lo que no, por lo que el resultado es una síntesis entre proposiciones, descartes y distintos cambios en la música que le fui proponiendo. En Birdwatchers básicamente que el documental diera ganas de ir a España. El director, Aurelio del Portillo, es una persona con las ideas muy claras y una enorme sensibilidad, y se mostró muy abierto a las distintas posibilidades musicales que le iba proponiendo y que fuimos adaptando durante todo el proceso. Fue un placer trabajar con él.

4.-¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?
Bach, Beethoven, Stravinsky, Berg, John Adams, Albéniz-Falla, Prokofiev, Rachmaninov, George Crumb, etc. En cine, John Williams, Ennio, Goldenthal, Poledouris, Alberto Iglesias, George Fenton, Craig Armstrong.

Mejor Música en Corto de Acción Real
El árbol seco. José Francisco Ortuño (España)
Catharsis. Iván Palomares (España)
The Lost Toy (El juguete perdido). Bartosz Klimaszewski (Reino Unido)
Ta Peristeria (Las palomas). Konstantinos Zacharopoulos (Grecia)
Rutina. Raúl del Corte (España)

Mejor Música en Documental
Birdwatchers in Spain. Iván Palomares (España)
Ensayo 1: una sinapsis. Iván Capillas (España)
Mit den Waffen der Hanse (Con las armas de los Hanse). Markus Lehmann-Horn, Ingo Stefans (Alemania)
El rastre d'un pioner (El rastro de un pionero). Sergi Ramis (España)
Testigos del silencio. Jorge Aliaga (Chile)

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Zeltia Montes

2008-06-27T12:09:00.004+02:00

Nominada en la categoría de Mejor Música en Formato de Larga Duración por Pradolongo.

Zeltia Montes (Madrid, 1979) comenzó a estudiar piano a los 4 años de edad, ingresó en el Conservatorio Federico Chueca poco después y empezó a componer a los 9 años. Recibió su Título de Profesora de Piano del Conservatorio Profesional de Música de Madrid, y más tarde el Título Superior de Solfeo, Teoría de la Música, Transposición y Acompañamiento, del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid en el año 2002. Posteriormente estudió música moderna en la Escuela de Música Creativa de Madrid donde se especializó en Armonía y Composición moderna, piano latino y voz. En 2005 se trasladó a Boston para estudiar Música para Cine en la Berklee College of Music, donde se graduó dos años después con Summa Cum Laude. Ha sido elegida compositora de la nueva orquesta Berklee Contemporary Symphony Orchestra para la temporada 2007-08, y de la prestigiosa Orquesta de Música Contemporánea ALEA III, dirigida por el maestro griego Theodore Antoniou. Acaba de finalizar la música para la cabecera de la serie de documentales El Camino del Cid para TVE. Desde mayo de 2008 reside en Los Angeles.

Está nominada en la categoría de Mejor Música en Formato de Larga Duración por Pradolongo, filme gallego dirigido por Ignacio Vilar sobre la lucha de un joven por conservar de la explotación industrial un paraje natural dedicado al pasto de la ganadería. Cuenta Montes que escribir la banda sonora de Pradolongo ha sido un auténtico placer ya que la temática de la película me resultaba especialmente atractiva. Trata los sentimientos puros y temores del primer amor y la lucha por defender el campo gallego que tanto amo. Para reflejar tantos matices decidí crear una melodía tierna y sencilla y acercarla al paisaje mediante una utilización muy poco convencional e incluso delicada de instrumentos tradicionales gallegos tales como gaitas, arpa celta, zanfona, flautas y percusión. La guitarra acústica, aportando tanto calidez como frialdad, también lleva el peso de la banda sonora junto con las cuerdas de la Orquesta Sinfónica de Galicia que utilicé para un mayor dramatismo y profundidad.

Puedes ver el trailer del filme aquí:

CUATRO PREGUNTAS

1.-¿Qué has querido plasmar/expresar en la música?

En Pradolongo confluyen fundamentalmente tres sentimientos universales: el amor, la amistad y la relación con la naturaleza. Esto me llevó a decidir crear tres temas que me permitiesen suficiente versatilidad para poder plasmar todos los matices presentes en cada sentimiento y otorgarles la importáncia que merecían. Necesitaba poder expresar con la música la ternura e inocencia del primer amor con su pureza y sinceridad, pero también la complejidad del amor a los diez y ocho años, una época llena de dudas y contradicciones. Para ello utilicé una melodía muy sencilla que me otorgase naturalidad y me permitiese ir de la alegría desbordante hasta el dolor del desengaño pasando por la timidez o la traición. Para tratar de reflejar algo tan complejo como la amistad, quise dotar a la música de cotidianidad utilizando guitarra acústica para poder retratar la felicidad efímera y nostalgia de las tardes de juegos en la laguna que la madurez irremediablemente se llevará. Mi otra prioridad era mostrar la belleza del paisage gallego, que en la película es casi un personaje más, y el amor por la tierra que tiene el protagonista, Martiño, a través de la utilización de instrumentos tradicionales y líneas melódicas puntuales con influencias celtas.

2.- ¿Con qué formación orquestal has trabajado?

Tuve la extraordinaria suerte de poder contar con músicos profesionales del más alto nivel tanto para los instrumentos tradicionales gallegos como para las cuerdas, vientos y metales. La mayor parte del peso de la banda sonora recae en el arpa celta, interpretada por Alba Barreiro, las flautas tradicionales (principalmente requintas y whistles) interpretadas por Xan Cerqueiro, la guitarra acústica, interpretada por Michel González, y las cuerdas interpretadas impecablemente por la Orquesta Sinfónica de Galicia dirigida por David Ethève. Además usé zanfona, gaitas y percusión tradicional, esencialmente panderetas y bombo, pero con un tratamiento poco convencional. Utilizados comúnmente en bandas al aire libre, con melodías fuertes y rítmicas, decidí usarlos para melodías sutiles y románticas, llegando a cambiar en algunos casos la forma de ejecución. La banda sonora fue mezclada exquisitamente por Xavier Ferreiro, contó con la producción musical y experiencia de Nani García, y se grabó íntegramente en A Coruña durante el mes de diciembre.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas del director?

Trabajar con Ignacio Vilar fue maravilloso desde el principio. Primero, porque me dio libertad plena para elegir la formación instrumental, y después porque siempre comprendió la importancia de grabar con músicos profesionales y no con instrumentos virtuales, y supo valorar lo que esto podía hacer por su película. En las primeras conversaciones ya me hablaba de que quería acercar al espectador a la tierra pero de una forma sutil, utilizando instrumentos tradicionales con un tratamiento distinto. Para él era también muy importante que hubiera un tema principal reconocible, a modo de leitmotif, que tuviera una melodía sutil que encarnara los sentimientos de los protagonistas. Desde el momento en el que optamos por una orquesta mayoritariamente de cuerdas, quiso que tuvieran un peso importante. Una vez elegidos los temas centrales me permitió total libertad durante la creación de la banda sonora.

4.-¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?

Necesitaría mucho tiempo para contestar a esta pregunta adecuadamente. Tendría que remontarme por lo menos al Renacimiento para poder nombrar los compositores que han dejado huella en mi vida. Para hacer un viaje ultra-rápido tengo que retroceder como mínimo hasta Bach. Su música es de las pocas que me gusta escuchar cuando me levanto porque siento que me limpia y me da paz interior. Otros que me han marcado han sido Debussy, Sibelius, Falla o Shostakovich. Me gusta escuchar de todo, siempre que me transmita algo, así que he escuchado bastante pop y canción de autor en mi adolescencia, luego jazz, música cubana y world music. Se me ocurren nombres como Thelonious Monk, Jobim, Keith Jarrett, Bobby McFerrin o Chavela Vargas (en directo). La música para cine llegó a mí más tarde pero no deja de asombrarme la capacidad y riqueza de este género. Me han impresionado especialmente Steiner, Herrmann, Rózsa, Mancini, J. Goldsmith, Broughton, Morricone, Thomas Newman, Santaolalla y Alberto Iglesias.

Página personal de Zeltia Montes

Mejor Música en Formato de Larga Duración

Destination: Ireland. Arnau Bataller (España)

La mujer del anarquista. Zacarías Martínez de la Riva (España)

Pradolongo. Zeltia Montes (España)

Der Ruf der Geckos (El aviso de los Geckos). Markus Lehmann-Horn (Alemania)

Sueño de una noche de verano. Andrés de la Torre (España)

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Arturo Díez Boscovich

2008-06-26T11:54:00.003+02:00

Nominado en la categoría de Mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre por Don Quijote.

Arturo Díez Boscovich (Málaga, 1979), estudió en el Conservatorio Superior de Música de Málaga composición y orquestación. Se especializó en dirección orquestal y repertorio lírico y ha sido director musical en diversas obras clásicas. Entre sus próximos compromisos está la dirección de la obra Pedro y el Lobo de Prokofiev y conciertos didácticos con la Orquesta Filarmónica de Málaga. Actualmente es director del musical de estreno El diario de Ana Frank en el teatro Calderón de Madrid. Como compositor ha compuesto diversas obras de concierto, para orquesta sinfónica, coro, piano, etc. En el apartado cinematográfico ha escrito bandas sonoras para cortometrajes, una partitura alternativa para el filme El gabinete del Dr. Caligari, y ganó el premio a la Mejor Banda Sonora en el Festival Curt Fictions (2004), celebrado en Barcelona, por la música del cortometraje Los Perros de Pavlov (Kike Maillo), por la que fue también nominado a la Mejor Música en Formato de Corta Duración en la I edición de los premios Jerry Goldsmith.

Dos años después vuelve a ser finalista, ahora en la categoría de Mejor Música en Fase de Desarrollo/Libre Creación por Don Quijote, un poema sinfónico que escribió por encargo del Festival Delle Nazioni (Citta di castello, Italia), en septiembre del 2007. Se trata de una obra que, según cuenta Díez Boscovich, siendo la novela Patrimonio de la Humanidad, ha supuesto para mí desde mi infancia una fuente de inspiración y fantasía, que gracias al festival Cittá di Castello pude dar vida en forma de poema sinfónico, con el propósito de llevar al espectador a una recreación visual del texto, introduciéndole en la historia, y fomentando su imaginación a través de la música.

Don Quijote tiene, entre otras virtudes, la de condensar en poco espacio un temario bien definido y coherentemente entrelazado. Puedes escuchar un fragmento de la interpretación en directo de la música aquí:

TRES PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en la música?
Con esta obra he querido reflejar musicalmente diferentes episodios del caballero Don Quijote y los distintos personajes y situaciones (usando el recurso del leitmotiv). La música es totalmente tonal y descriptiva y está concebida para narrador y orquesta. El narrador tiene parte activa en el discurso musical. Ya en la obertura aparecen los diferentes motivos. Una fanfarria para la majestuosidad del espíritu del caballero, el tema de amor de Dulcinea, una marcha para el fiel escudero del famoso hidalgo: Sancho Panza, un leitmotiv para los libros y su influencia onírica para el Quijote (un pasaje caleidoscópico), etc... Se trata de un trabajo para mí cinematográfico en su concepción y en la forma en que he abordado el material temario, pero con las libertades que ofrece la música de concierto.

2.- ¿Con qué formación orquestal has trabajado?
El encargo de esta obra me lo hicieron para una orquesta de cámara. Una lástima, pues la concepción que yo tengo del drama requeriría un orquesta sinfónica; aun así, estoy contento de los recursos que saqué en la orquestación, creo que no pude aprovechar más la instrumentación de que disponía. Un cuarteto de cuerda, pianoforte, percusión, un clarinete, dos trompetas y un trombón. La estoy reorquestando ahora para gran orquesta, creo que así tendrá su aspecto final.

3.-¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?
Mis influencias en el campo clásico son Ravel (soy un amante de su obra), Profofiev y William Walton. En la música cinematografica mi favorito siempre ha sido el maestro John Williams. Pero he aprendido y amado a Herrmann, Goldsmith, Korngold, Rózsa (que está muy presente en mi obra Don Quijote).

Mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre
Don Quijote. Arturo Díez Boscovich (España)
Efímeros. Jesús Agomar González (España)
Éxodo. David Picken (España)
Relatos que no gustaron a mi mujer. Vicente Carrasco, Miguel Oscar Musso (España)
Santos. Manuel Riveiro (España)

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Raúl del Corte

2008-06-25T12:00:00.004+02:00

Nominado en las categorías de Mejor Música en Corto de Acción Real por Rutina y Mejor Música en Corto de Animación por The Dream of Life.

Raúl del Corte (Castellón, 1970) reside en Santa Cruz de Tenerife desde hace unos años. Tras cursar sus estudios musicales compatibiliza su labor profesional docente con la creación musical para cortometrajes, vídeos promocionales, televisión, etc. Ha editado un disco con su música, Yaralaya, y el pasado año fue doblemente nominado a los premios Jerry Goldsmith en las categorías de Mejor Música en Fase de Desarrollo por Ocaso y de Mejor Música en Formato de Corta Duración por Las reglas del Sol. Este año vuelve a estar doblemente nominado, en esta ocasión en las categorías de Mejor Música en Corto de Acción Real por Rutina y de Mejor Música en Corto de Animación por The Dream of Life.

Rutina es un cortometraje sin diálogos, protagonizado por una mujer ahogada en su propia rutina diaria, y que al final logra dar un giro. Cuenta Del Corte que quise que la música ahondara en la psicología emocional del personaje, en sus sentimientos más profundos. Durante los créditos iniciales hay una intención ambiental: un profundo y apacible sueño con el mar de fondo, un escape de la realidad, logrado con colchones sintéticos y una flauta armenia. Más tarde, durante el resto del filme, la intencionalidad es un drama contenido que alcanza su cenit en los créditos finales. La música establece un nexo de unión entre la intencionalidad realista del director: la nota que siempre se repite al piano (así comienza y así termina la rutina de la protagonista), y los sentimientos, que subyacen a esa rutina: alrededor de esa nota rutinaria que siempre se repite, comienza a surgir una orquestación cuya finalidad es transportar al espectador a terrenos abstractos de conciencia vividos por el personaje, tales como soledad, resignación y un cierto toque de esperanza. La verdadera empatía musical se logra en los créditos finales, donde los sentimientos más profundos de la protagonista afloran sin ninguna contención rutinaria.

Puedes ver unos minutos del cortometraje aquí:

En segundo lugar, The Dream of Life es un brevísimo cortometraje de animación experimental, norteamericano, sobre el que Del Corte afirma que he seguido el método Stalling, puesto que a mi entender las escenas del corto de animación requerían sincronización de la música con los movimientos de los personajes. Con ello, he tratado de dinamizar la acción. A pesar de su corta duración, ha supuesto una gran dificultad técnica, puesto que he pretendido compaginar la sincronización milimétrica, sin perder el carácter melódico, armónico y envolvente de la banda sonora. Destacaría la contundencia de las percusiones utilizadas, en coordinación con la sutileza de una orquestación con coros y una voz étnica, que permiten crear un clima envolvente y mágico.

Puedes ver el cortometraje íntegro aquí:

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en las músicas?

Rutina es tan intimista y tan cruda al mismo tiempo... el malestar de la protagonista sólo dura unos instantes. Se pone la máscara y sigue como si no hubiese pasado nada. La sociedad, el ritmo, la competitividad no nos dan ni un respiro para escucharnos a nosotros mismos, para reclamarnos un minuto al día, y eso es terrible. La música trata de acompañar con sutileza, sin destacar por encima de las imágenes: es sencilla, rica armónicamente, con cambios de tempo, dinámica, fraseada… En The Dream of Life mi objetivo prioritario fue dinamizar la acción, con sincronización milimétrica pero sin perder ni la continuidad de la melodía y ni la evolución armónica. Me he basado en Carl Stalling.

2.- ¿Con qué formaciones orquestales has trabajado?

Tengo mi propio estudio de grabación y yo mismo hago las programaciones. En el caso de Rutina, la plantilla orquestal fue, resumidamente, Vientos (Duduk y Clarinete en Sib), Percusiones (Triángulo y Glockenspield), Cuerdas (Piano, Violines, Violas, Violonchelos, Contrabajos), Voces (Niño y Contralto) y Sintetizadores analógicos. Para The Dream of Life, Vientos (Duduk, Trombones, Cornos.... los trombones, combinados con los Cornos, logran dar un carácter muy épico), Cuerdas (Arpa, que ayuda a recrear un ambiente eléctrico, guitarra eléctrica, guitarra española, violines), Voces (dos niños, 1 Contralto étnica, Coros Bajos y Coros Tenores), una amplísima percusión y cuatro sintetizadores analógicos.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas de los directores?

En Rutina tuve mucha libertad para recrear la parte emocional. En The Dream of Life la única consigna del director fue utilizar exclusivamente sonidos de la firma EASTWEST, empresa americana dedicada a fabricar sonidos. La finalidad del corto es promocionar los sonidos de dicha empresa. Pensé que cuanto más efectista e impactante, mejor.

4.-¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?

Legión. Pero de cine hay tres: Ennio Morricone, Jerry Goldsmith y Vangelis.

Página personal de Raúl del Corte

Mejor Música en Corto de Acción Real
El árbol seco. José Francisco Ortuño (España)
Catharsis. Iván Palomares (España)
The Lost Toy (El juguete perdido). Bartosz Klimaszewski (Reino Unido)
Ta Peristeria (Las palomas). Konstantinos Zacharopoulos (Grecia)
Rutina. Raúl del Corte (España)

Mejor Música en Corto de Animación
Casitas. Oscar Xiberta (España)
The Dream of Life (El sueño de la vida). Raúl del Corte (EE UU)
Man. Manuel Riveiro (España)
Tadeo Jones y el sótano maldito. Zacarías Martínez de la Riva (España)
Villa olvidada. Sergio de la Puente (España)

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Arnau Bataller

2008-06-24T12:00:00.006+02:00

Nominado en la categoría de Mejor Música en Formato de Larga Duración por Destination: Ireland.

Arnau Bataller (Alzira, 1977) obtuvo el título profesional de violín en el Conservatorio Profesional Mestre Vert de Carcaixent y el título de Bachelor’s Degree en composición con especialización en música para cine, por la University of Southern California de Los Ángeles, con la calificación de Magna Cum Laude. Estudió con Christopher Young, Jack Smalley, David Raksin y Joe Harnell. Ha trabajado en los diversos géneros cinematográficos, desde el drama hasta la comedia, pasando por el terror y el thriller hasta llegar a la música más experimental, siempre intentando aportar su punto de vista personal. Ha compuesto música para telefilmes como Omar Martínez (Premio Tirant 2006 en la categoría de Música Original) o La madre de mi marido, series documentales como Furtivos de la Historia, Castillos en el Tiempo, documentales (Sandra o Luis, Piedra sobre Piedra) y, junto a Xavier Capellas, la banda sonora del largometraje Ouija, así como publicidad, unos 20 cortometrajes, obras de teatro y música de concierto. Además, ha orquestado la banda sonora de las películas Fútbol: el nacimiento de una pasión, Hormigas en la boca, Perder es cuestión de método, Ouija, Eyengüi, el dios del sueño, Bala Perdida, Cota Roja y Beyond Re-animator. Ha realizado diversas grabaciones en los estudios Paramount de Los Ángeles.

Es finalista por el cortometraje dirigido por Carlos Alfayate Destination: Ireland en la categoría de Mejor Música en Formato de Larga Duración (al que opta al tener una duración de 30 minutos). Es la historia de tres hermanos que, preparando un viaje a Irlanda donde quieren regentar un restaurante, repasan y resuelven algunos cabos sueltos en sus vidas. Cuenta Bataller que ha sido uno de esos trabajos que ha conllevado conocer el universo del director Carlos Alfayate, en el que son básicos los sentimientos de los personajes, la trascendencia de los acontecimientos y la carga emotiva de las imágenes, resaltando a través de la música todos estos aspectos, y planteándome retos tan distintos como ambientar tanto escenas cómicas como otras muy dramáticas, que transcurren en sitios tan dispares como una discoteca o un cine donde se proyectan películas orientales y de terror. Además, hemos grabado con una orquesta de gran calidad, la Orquesta Sinfónica de Bratislava. Ahora, el público tiene la última palabra sobre si hemos conseguido llegar al destino que nos propusimos...

Aquí puedes ver el Making Of de la emotiva banda sonora:

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en la música?
La música de Destination: Ireland tiene diversas funciones. Para mí la más importante ha sido la de potenciar los sentimientos de los personajes. Por una parte tenemos a David, un joven aficionado al cine, optimista, lleno de vitalidad, que vive la magia del Séptimo Arte, pero que tiene que convivir con la difícil relación que hay entre sus hermanos. Por otra parte tenemos a Fran y Albert, dos hermanos que no se llevan muy bien y que discuten contínuamente. Así la música ha tratado de ser cercana a los personajes pero además envolverlos con una sonoridad que fuera más allá del realismo para entrar en el terreno de sus anhelos y deseos.

2.- ¿Con qué formación orquestal has trabajado?
La música fue grabada en una sesión con la Orquesta Sinfónica de Bratislava. Para la ocasión contamos con 50 músicos y con su director titular, David Hernando. Aunque estaba un poco preocupado por la cantidad de música que teníamos que grabar en sólo una sesión, la verdad es que todo salió muy bien y acabamos sin problemas grabando todos los temas necesarios.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas del director?
La suerte de trabajar con Carlos Alfayate es que es un gran aficionado a las bandas sonoras y por tanto sabe comunicar, aunque no utilice términos musicales, qué es lo que espera de la música. En un principio dedicamos algo de tiempo a definir el lenguaje y el estilo de la música que mejor se acoplaba a lo que él tenía en mente. Después sí que me pidió que, aparte de destacar diversos elementos dramáticos, la música aportara un toque casi mágico, de película a los personajes y a la historia en sí.

4.-¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?
Me considero un compositor muy ecléctico en cuanto a gustos. Aunque no dispongo de mucho tiempo para poder escuchar música, tengo diversos estilos en el mp3, que van desde la música de concierto, desde la más clásica a la más experimental, a la música de cine pasando por la música electrónica. Respecto a mis compositores de cine favoritos, no puedo negar mis influencias juveniles de Basil Poledouris, Jerry Goldsmith o Danny Elfman. Actualmente valoro mucho el trabajo de Tomas Newman, James Newton Howard y John Corigliano, además de los españoles Pepe Nieto y Alberto Iglesias, entre otros.

Página personal de Arnau Bataller

Mejor Música en Formato de Larga Duración
Destination: Ireland. Arnau Bataller (España)
La mujer del anarquista. Zacarías Martínez de la Riva (España)
Pradolongo. Zeltia Montes (España)
Der Ruf der Geckos (El aviso de los Geckos). Markus Lehmann-Horn (Alemania)
Sueño de una noche de verano. Andrés de la Torre (España)

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: José Francisco Ortuño

2008-06-23T12:00:00.002+02:00

Nominado en la categoría de Mejor Música en Corto de Acción Real por El árbol seco.

José Francisco Ortuño (Sevilla?, 19??) estudió en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, pero se decantó por la dramaturgia como alternativa profesional. Así, sus obras teatrales se han representado en numerosas salas dentro y fuera de España. Obtuvo el Premio Miguel Romero Esteo del Centro Andaluz de Teatro por su obra Atrapado. En esa misma convocatoria otras dos obras suyas obtuvieron el Primer y Segundo Accésits del mismo premio. Ha obtenido el Premio ASECAN a la Mejor Labor Informativa sobre Cine en Andalucía por sus programas cinematográficos en radio y televisión. Para televisión ha escrito más de un centenar de programas y series además de haber trabajado como realizador y guionista tanto en cine como en publicidad. Su labor musical, que mantiene en su segundo plano profesional, le supuso en 2006 el premio Jerry Goldsmith en la categoría de mejor Música en Formato de Larga Duración por su partitura para filme de animación Palomita Mía. Ha compuesto música para videojuegos, documentales, cortometrajes, programas de televisión y montajes teatrales. Además, es profesor de guión y dirección en la Escuela Andaluza de Cinematografía.

Este año vuelve a optar al premio, pero dentro de la categoría de Mejor Música en Corto de Acción Real por El árbol seco, dirigido por Olmo Figueredo y Manuel Hidalgo. En la película, un niño intenta evadirse de la realidad que le rodea cuando el asentamiento de chabolas en la que vive va a ser derrumbado. Descubre un árbol seco e intenta devolverle la vida. Cuenta Ortuño que trabajar en El árbol seco supuso una experiencia única ya que se trataba de recrear musicalmente un género que no se suele emplear en este tipo de obras: el western. Así, usando como referencia la música de Ennio Morricone para los westerns de Leone, se trabajó en una partitura que mantuviera las constantes de este estilo: banjos, silbidos, guitarras, etc. Algo que no te encargan todos los días. Además, supuso el reencuentro con Pedro Vázquez, quien ya dirigió la orquesta de Palomita mía.

Puedes ver el trailer del cortometraje aquí.

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en la música?
Se trataba de mostrar a través de una estética de western contemporáneo el desafío de un niño con un objetivo infantil, pero muy simbólico: pretendía, en medio de un entorno de marginalidad, hacer renacer un árbol seco. El banjo, instrumento en muchas ocasiones solitario, representa a este niño.

2.- ¿Con qué formación orquestal has trabajado?
He trabajado con una orquesta sinfónica a la que hemos añadido instrumentos inusuales a ésta como el banjo, la guitarra eléctrica o la armónica.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas de los directores?
Los directores querían sobre todo plasmar esa estética western que ellos habían logrado a través de la dirección artística y la fotografía.

4.-¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?
En este caso, claramente, la música de Ennio Morricone para los westerns de Sergio Leone.

Música en Corto de Acción Real
El árbol seco. José Francisco Ortuño (España)
Catharsis. Iván Palomares (España)
The Lost Toy (El juguete perdido). Bartosz Klimaszewski (Reino Unido)
Ta Peristeria (Las palomas). Konstantinos Zacharopoulos (Grecia)
Rutina. Raúl del Corte (España)

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Jorge Aliaga

2008-06-22T12:00:00.001+02:00

Nominado en la categoría de Mejor Música en Documental por Testigos del silencio.

Jorge Aliaga (Chile, 1968) comenzó sus estudios de piano en el Conservatorio de Música Izidor Handler de Viña del Mar, continuando en la Universidad Católica de Valparaíso, donde obtuvo el grado de Licenciado en Ciencias y Artes Musicales. Completó formación en la Ecole Normale de Musique de Paris durante un período de 2 años. Durante este tiempo complementó sus estudios en Orquestación junto a Patrice Mestral y Dirección de Orquesta con Dominique Rouits. Sus obras están casi en su totalidad inspiradas en el movimiento físico y la narrativa visual, creando principalmente piezas destinadas al cine, teatro y televisión. Ha escrito la música de películas como Cielo Ciego (Nicolás Acuña, 1998) o El Regalo de Silvia (Dionisio Pérez, 2003). Actualmente se ocupa de la postproducción del largometraje Schopsui (Edgardo Vierek, 2008).

Está nominado en la categoría de Mejor Música en Documental por Testigos del Silencio, dirigido por Mario Kreutzberger, un popular presentador televisivo chileno que rememora el sufrimiento de su padre, y de otros de su generación, bajo el yugo nazi. Puedes ver un fragmento de su emotivo trabajo aquí:

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en la música?.
La música de Testigos del Silencio se sitúa con profundo respeto en acompañar un camino lleno de dolor que es revivido y conmemorado cada año por miles de judíos, La Marcha por la Vida, camino lleno de transformación, conciencia y renacer de vivencias que apuntan a seguir en amor la vida, llenando de esperanza el presente y ayudando a convivir con el pasado. Este respeto de la partitura no extrema, ni amplia la necesidad narrativa de la obra, la muestra en su naturaleza pura y simple, traduciendo los movimientos internos de sus personajes, quienes en su condición de personas se adentran en este viaje interior, en el cual la música, con verdad, compromiso y sensibilidad, los envuelve dándoles la intimidad necesaria para transmitir los distintos estados del documental.

2.- ¿Con qué formación orquestal has trabajado?
La formación instrumental pasa por distintas texturas, hay solos, dúos, tríos, cámara y orquesta, dependiendo del tratamiento particular al cual aplican. La formación completa es Flauta Traversa, Oboe, Corno Ingles, Clarinete Sib, en vientos; Guitarras, Piano, Arpa, y Vibráfono; solistas en cuerdas Vln, Vla, Vc, más una sección de cuerdas virtuales, sumado a algunos fondos de diseño sonoro y bases rítmicas. Los momentos solistas direccionan el relato a un espacio intenso y dramático, en donde la emoción esta más desarrollada, ejemplos son el Violoncelo solo con relación a la muerte y el dolor, la Flauta Traversa en la humedad de un lluvioso día en los campos de concentración, a su vez las texturas orquestales se sitúan más en la organicidad del todo, van dando el nexo en este viaje, por medio de un estado más abierto melódicamente, como a su vez dibujan culturalmente el documental en donde el Clarinete es protagónico. Algo trascendente al proyecto era tomar la humanidad del intérprete, su respiración, fuerza, pasión y crudeza, elementos con los cuales se da vida a la partitura.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas del director?
Inicialmente el proyecto se baso en conceptos, desde los cuales se dio un primer paso en la creación de temas. Estos conceptos, el dolor de la muerte, el viaje interior a un lugar desconocido, la reflexión ante la contemplación de un lugar lleno de significado donde aún vive el pasado, la alegría por un futuro lleno de esperanza, la nostalgia por el padre y el recuerdo de sus vivencias, son algunos de los conceptos básicos que dieron inicio a la partitura, en el camino se sumaron nuevos estados, por medio de las correcciones y de nuevas propuestas de mi parte. Ya en el montaje se sumaron nuevos estados y sincronizaciones que dieron la mirada definitiva a la partitura, terminado este proceso se procedió a la grabación y mezcla de las músicas. Jaime Sepulveda, director del documental siempre considero que la propuesta fuese noble en su sonoridad, con algunas referencias a la cultura judía.

4.-¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?Siempre he sentido influencias de toda música escrita desde un autor-compositor consciente, al cual en todo momento intento leer en su narrativa individual, cada sensación generada en esas audiciones son materia de estudio y análisis, luego con relación a la escritura para cine mi mayor influencia es haber aprendido a ver más allá de lo externo y ha valorar las líneas internas de un relato, ser sensible ante la intervención inicial y final de toda música, la Escuela Europea. Los compositores favoritos, más que favoritos, son maestros en sus respectivas particularidades, adoro el sentido de sincronización sensible y orquestación de planos con que Ennio Morricone sitúa sus músicas para con la imagen, como a su vez el tratamiento global psicológico y minimalista con que sitúa sus partituras el compositor Zbigniew Preisner, la maestría de aquellos que impusieron una identidad, Michel Nymann, Yann Tiersen, Gustavo Santaolalla, Bernard Herrmann, y de los compositores españoles, mención especial para dos, Lucio Godoy y Alberto Iglesias.

Página personal de Jorge Aliaga

Mejor Música en Documental
Birdwatchers in Spain. Iván Palomares (España)
Ensayo 1: una sinapsis. Iván Capillas (España)
Mit den Waffen der Hanse (Con las armas de los Hanse). Markus Lehmann-Horn, Ingo Stefans (Alemania)
El rastre d'un pioner (El rastro de un pionero). Sergi Ramis (España)
Testigos del silencio. Jorge Aliaga (Chile)

Nominados III Premios Jerry Goldsmith: Manuel Riveiro

2008-06-21T12:08:00.017+02:00

Nominado en la categoría de Mejor Música en Corto de Animación por Man y en la categoría de Mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre por Santos.

Manuel Riveiro (Catoira, Pontevedra, 1974) inició sus estudios musicales a los 7 años de edad y más tarde en los Conservatorios Martín Millán de Vilagarcía y en el Conservatorio de Santiago, en los que estudió piano. Amplió estudios, se graduó en música moderna, y se desplazó a Boston para estudiar en el Berklee School of Music. Ha escrito música para varias obras de teatro, un documental y cortos.

Está doblemente nominado a los premios Jerry Goldsmith, en las categorías de Mejor Música en Corto de Animación por Man y en la de Mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre por Santos. Por lo que concierne a Man, se trata de un relato sin diálogos dirigido por Xoan Carlos Abraldes junto a Luis Farañon, inspirado en la historia real del artista Manfred Gnädinger, quien vivió como un anacoreta entre las rocas de la costa gallega, hasta que las olas negras del desastre del Prestige destrozó su obra y su vida. Todo el relato se apoya en la evocadora e intensa creación del compositor. Puedes ver un fragmento aquí:

En lo que respecta a Santos, se trata de un largometraje en fase de preproducción que, en clave de comedia, relata la llegada de unos seres extraterrestres a un planeta Tierra donde no todos los humanos son humanos. Aquí la música es paródica y también intensa. Puedes escuchar la suite presentada:

CUATRO PREGUNTAS

1.- ¿Qué has querido plasmar/expresar en las músicas?
Man se trata de una historia visual donde la música se encarga en gran medida del discurso narrativo sonoro puesto que no existe diálogo ni voz narrativa. Intenta sintetizar de alguna forma los distintos estadios por los que transcurre la historia. Equilibrio natural, miedo y destrucción, tristeza, solidaridad, recuperación y miedo ante la vulnerabilidad del equilibrio todavía reciente. En Santos la historia puede resultar una mezcla un tanto ecléctica, por lo que la música se verá influenciada por esta combinación de géneros. Según su director, se trata de una comedia romántica sobre el fin del mundo. Si a esto le añadimos unos cuantos superhéroes y algo de dramatismo, nos sale una mezcla un tanto variopinta. La música, a priori, no define el carácter cómico de la historia en si, sino que juega justamente en el bando contrario, desde el interior de los personajes, que aunque viven muchas veces situaciones aparentemente absurdas, y que el espectador pudiese juzgar como cómicas, la verdad es que se las toman muy en serio, y la música debe defender ese punto de vista, aunque a veces juega un papel que podría resultar un tanto irónico.

2.- ¿Con qué formaciones orquestales has trabajado?
Man es una obra compuesta para gran orquesta, que ha sido grabada por la Real Filarmonía de Galicia. Santos está escrita para dos flautas, un oboe, un clarinete en Bb, un fagot, tres trompas, dos trompetas, dos trombones tenores, arpa, piano, celesta, marimba, timbales, bombo, platos, percusiones étnicas y sección de cuerda.

3.- ¿Cuáles fueron las indicaciones básicas de los directores?

En Man marcamos tres o cuatro puntos de giro importantes en el primer visionado, pero después, lo cierto es que me dieron bastante libertad para crear. Respecto a Santos, las palabras textuales del director fueron: tienes que componer una música más grande que la vida misma, algo épico.

4.-¿Cuáles son tus principales influencias musicales? ¿Tus compositores de cine favoritos?

Trato de escuchar y analizar todo lo que puedo, sin ningún tipo de prejuicio, desde Bach a Ligeti, pasando por Stravinsky, Shostakovich, Gershwin, Chick Corea, Rem, Sigur Rós… en fin, de todo. En cuanto a compositores de cine, admiro y he aprendido de muchos, Max Steiner, Korngold, Herrmann… y cómo no, al maestro John Williams.

Mejor Música en Corto de Animación
Casitas. Oscar Xiberta (España)
The Dream of Life (El sueño de la vida). Raúl del Corte (EE UU)
Man. Manuel Riveiro (España)
Tadeo Jones y el sótano maldito. Zacarías Martínez de la Riva (España)
Villa olvidada. Sergio de la Puente (España)

Mejor Música en Fase de Desarrollo/Creación Libre

Don Quijote. Arturo Díez Boscovich (España)

Efímeros. Jesús Agomar González (España)

Éxodo. David Picken (España)

Relatos que no gustaron a mi mujer. Vicente Carrasco, Miguel Oscar Musso (España)

Santos. Manuel Riveiro (España)