VISIONARY FILM

Película Sudorosa

2008-07-16T21:58:00.004+01:00

Stanley Sunday AKA Davidson AKA David Domingo

PRIMEROS FOTOGRAMAS

Rescates Domésticos. Compilaciones de Cine Experimental en DVD.

2008-07-16T21:14:00.018+01:00

Sección FUGAS de BLOGSANDDOCS

Las tecnologías digitales de la imagen han hecho cambiar sustancialmente la recepción individual del cine experimental. El vídeo doméstico ya trajo en su momento el cine de vanguardia a casa. Sellos como el paradigmático Re-Voir ayudaron a consolidar el consumo particular en VHS. Hoy en día, gracias a la digitalización, el panorama es distinto. La facilidad por descargar y visionar material por internet hace que la selección de piezas audiovisuales a publicar en DVD deba ser más que rigurosa. Muchos son los cineastas (clásicos) del experimental que han visto publicadas sus películas en vídeo digital, por parte de sellos especializados. La vanguardia cinematográfica se ha recuperado mediante ediciones esplendorosas como las del Unseen Cinema (a cargo del Anthology Film Archives), los dos volúmenes titulados Avant-Garde, Experimental Cinema (con filmes pertenecientes a la Raymond Rohauer Collection) y propuestas como la recopilación de cine Dadá publicado por Re-Voir. Por lo que respecta a autores: Criterion Collection realizó una cuidadosa selección del lirismo personal-universal de Stan Brakhage, Fantoma completó las películas místico-satánicas de Kenneth Anger en dos ediciones dobles, Tzadik enlató obras recientes del abanderado pre-cinematográfico Ken Jacobs y así un largo etcétera. Packs voluminosos como los de Werner Nekes, Su Friedrich, Norman McLaren, George Kuchar y Stephen Dwoskin han ayudado a descubrir la magnitud de un cine radical, sugerente hasta el infinito. Estas experiencias han devenido, finalmente, cercanas. La inaccesibilidad ya no sirve como excusa para desentenderse de unos mundos personales, que dejan en ridículo nociones como la de “cine de autor”. La mayoría de estos nombres son el ABC de un cine experimental que resplandeció durante los años sesenta y setenta. Pero, ¿qué es lo que ocurre cuando se trata de delimitar este cine mediante compilaciones de piezas de diferentes autores, bajo parámetros temático o estéticos concretos? ¿De qué modo se equilibra la inclusión de títulos clásicos de hace más de treinta años con otros más recientes? ¿Qué distancia o acercamiento se promueve entre el cine experimental actual y el vídeo-arte? Algunas de las respuestas estan en manos de sellos independientes como Lowave y Other Cinema Digital.

Other Cinema Digital

El cine underground y alternativo en DVD tiene una sede privilegiada en la ciudad de San Francisco. “OCD ofrece una experiencia audiovisual decididamente diferente – ingeniosa, cómica, crítica… peligrosa”, como indica su página web. Detrás de un nombre desmarcado por completo del cine comercial se encuentra el cineasta Craig Baldwin. Este ferviente seguidor del reciclaje de material de archivo tiene en su haber películas pseudocientíficas de argumentos iluminados (“Tribulations 99” y “Spectres of The Spectrum”) e investigaciones musicales sobre la apropiación y los derechos de autor (“Sonic Outlaws”). Durante veinte años Other Cinema ha programado semanalmente sesiones de películas en la A.T.A. Gallery de San Francisco, con la voluntad por dar visibilidad unas obras bajo el ámbito de los Microcinemas. El proyecto de distribución de este otro cine se inicia en 2003 con la publicación de una colección de DVDs. “Celebramos visiones peculiares y sensibilidades al margen, dibujadas desde el underground contemporáneo y de los archivos”.

La revisión macabra, espantosa, ensangrentada, marciana, poética y sugestiva del cine experimental de terror viene recopilada en dos volúmenes titulados Experiments in Terror (Abstract & Experimental Horror) y Experiments in Terror 2. Homogeneizar propuestas dispares, bajo líneas visuales o temáticas parecidas trae una inevitable comparación que también provoca un continuo diálogo, rico en matices. Así encontramos ficciones cafres cercanas al gore (Dawn of An Evil Millennium de Damon Packard), poéticas matéricas apropiadas, con diseños visuales y sonoros atmosféricos (Tuning The Sleeping Machine de David Sherman o The Mesmerist de Bill Morrison, con música de Bill Frisell), cine de horror descontextualizado, hecho de pesadillas psicodélicas, densamente manipuladas (Outer Space de Peter Tscherkassky) y demás películas breves de angustiosa intensidad (The Virgin Sacrifice de J.X. Williams). Noel Lawrance se ha encarga de seleccionar este conjunto de títulos con la asistencia de Craig Baldwin.

También son ellos dos quienes han seleccionado los títulos de Xperimental Eros. El cine erótico de raigambre abstracto trae visiones sensuales y placenteras que no desdeñan el documento carnal y la ficción sexual. Los cromatismos explícitos de la clásica The Color of Love, de la cineasta y performer Peggy Ahwesh, conversan física y matéricamente con Blue Movie de Mark Street y los cuerpos eliminados de Removed de Naomi Uman, una animación hecha a mano, sobre un found footage pornográfico, de naturaleza cómica. La recuperación del filme documental Sneakin’ and Peekin’ de Tom Palazzolo (cine amateur sesentero de naturaleza voyeur, con modelos desnudas al aire libre) y Downs are Feminine de Lewis Klahr (recortables de figuras de tendencia pop, animadas toscamente con movimientos de pelvis algo ridículos, al son de Mercury Rev) completan una selección bizarra que finaliza con una ficción esteticista de (otro) Óscar Pérez.

Anxious Animation recopila el trabajo de animación de autores que practican técnicas como la pixilación, el stop motion, los recortables, pero también el digital. La intención: hallar historias de inventiva fantasiosa bajo parámetros de experimentación estética. La iconografía doméstica del american way of life reaparece de la mano de Lewis Klahr, las narraciones con muñecas y objetos surreales son propiedad de Janie Geiser y las animaciones sin cámara que fabulan sobre la cotidianidad de las bestias forman parte del discurso de Jim Trainor. El ritmo sincopado que provoca el visionado de este DVD es un elemento inherente a las compilaciones de la distribuidora. A menudo son tan desiguales las calidades y las formas de las piezas, que al final el encanto reside en los desniveles de su conjunción. En sus entresijos. Poder encontrarse con rarezas de tal magnitud, entre nombres más o menos reconocidos del cine experimental actual (Morrison, Tscherkassky, Klahr, Uman, etc.), es uno de los grandes motivos por los que adentrarse en el universo cinéfilo-esquizoide de Other Cinema.

Lowave

Este sello independiente, fundado en 2002 para dar salida al cine experimental y el vídeo-arte, tiene su sede en la ciudad de París. Publicar DVDs es una más de las facetas en las que están inmersos. Contribuyen a las programaciones audiovisuales de centros artísticos mediante un servicio de distribución. Participan en festivales como el International Short Film Festival de Oberhausenen, Aurora en Noruega y el Different Cinema de la misma ciudad de París. Esta amplitud de miras coincide directamente con la de Other Cinema y su Microcinema, pero de un modo más expansivo y condescendiente con otras plataformas afines. Craig Baldwin y compañía viven encerrados en su mundo, a la defensa de la visión crítica del archivo bizarro. El carácter, a menudo ensimismado, de los de San Francisco contrasta con la gente de Lowave, plenamente interesada en editar vídeos y películas bajo etiquetas como: experimental, vídeo-art, arte contemporáneo, documental, animación/diseño, música/sonidos visuales, arquitectura, etc. El carácter internacional queda ejemplificado en las nacionalidades de los autores que han incluido en sus ediciones: Marruecos, China, Estados Unidos, Francia, Italia, Francia, Irak, etc.

Entre las series de compilaciones que han llevado a cabo destacan los volúmenes dobles titulados Different Cinema (co-editados con el Centro George Pompidou para presentar algunas de las piezas más representativas de Different Fim Festival) y Resistance(s), (dedicado al vídeo-arte y el cine experimental de raíces árabes). Different Cinema Vol. 1 incluye un trabajo del letrista francés Maurice Lemaître y otro del pionero japonés Takahiko Iimura. Entre ellos otros ocho nombres más o menos desconocidos (Rozenn Nobilet, Egbert Mittelstädt, Stéphane Marti, Hugo Verlinde, etc.) que juegan con los materiales en busca de emociones sensoriales. Texturas sonoras ruidosas, imágenes veloces de pocos fotogramas, danzas corporales, esbozos con archivo y diarios personales intuidos son algunas de las variantes. Las formas abstractas de cromática plasticidad se utilizan en Different Cinema Vol. 2 para plantear cuestiones de identidad sin palabras, por parte de artistas como Frederique Devaux, Shiho Kano o Maurice Santini.

La disparidad de búsquedas y resultados de estos dos recopilatorios es completamente opuesta a la impresión de conjunto que da un DVD como Blacklight. Aquí los autores Carole Arcega, Sebastien Cros, Mikaël Rabetrano
y Frédéric D. Oberland parecen haberse puesto de acuerdo para desarrollar unas piezas cinematográficas extremadamente abstractas de cadencias lumínicas y texturas ensombrecidas, en riguroso blanco y negro. El carácter unitario se eleva como el elemento primordial en la selección de estos trabajos. Homogeneidad de intensidad atmosférica. Sonidos encontrados y ambientes cargados acaban de englobar estas cinco piezas, bajo un título más que acertado.

Con este tipo de ediciones las fronteras entre el vídeo-arte y el cine experimental quedan afortunadamente diluidas. Los intentos por delimitar cada uno de los dos terrenos resultan inocuos en la medida en que una presentación en formato DVD rompe las nociones de contexto espacial (sala cinematográfica, espacio museístico, galería de arte) que siempre ha acabado determinando la inclusión de una etiqueta u otra. Colocar una pieza de finales de los sesenta de Peggy Awesh al lado de otra creada durante el nuevo milenio ayuda a explicar la historia del cine de vanguardia y a buscar relaciones y puntos de conexión con los nuevos cineastas. Celebremos pues, este tipo de trabajos de comisariado editorial, y demos la bienvenida a otras nuevas propuestas que acerquen piezas audiovisuales de indudable valor artístico, a un público cada día más receptivo.
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Agradecemos la colaboración de Marcos Ortega en la elaboración de este artículo.

amalgama

2008-07-09T15:50:00.001+01:00

sesiones de cine experimental y videoarte

Viernes 11 de julio a las 21h.
Atelier Sala d'Art

- La Playa, de David Domingo (2001) 1'
- Vivid Obedientes, Vivid, de Hugo Cornelles (2005) 2'
- Pentland’s, de Patrick Danse (2007) 3'
- Wien – Tagebuch (Diari de Viena), de Cristina Giribets (2007) 3'
- Todo tiene su fin, de Armand Rovira (2005) 2'
- Fragmentos, primera impresión en S8, de Oriol Sánchez (1999) 14'
- Texas Sunrise, Lluis Escartín (2002) 20'
- Siete vigías y una torre, Manuel Asín (2004) 30'

Bruce Conner (1933–2008)

2008-07-08T11:01:00.006+01:00

From Artforum 7/7/2008

Bruce Conner, a San Francisco–based artist known for his assemblages, films, drawings, and interdisciplinary works, passed away Monday afternoon. Conner moved to San Francisco in 1957 and quickly found his place within the city’s vibrant Beat community. His gauzy assemblages of scraps salvaged from abandoned buildings, nylon stockings, doll parts, and other found materials gained him art-world attention, as did A Movie (1958), an avant-garde film that juxtaposed footage from B movies, newsreels, soft-core pornography, and other fragments, all set to a musical score. (In 1991, A Movie was selected for preservation by the United States National Film Registry at the Library of Congress.) Conner was active in the Bay Area’s 1960s counterculture scene, designing light shows for Family Dog performances at the Avalon Ballroom, and in the ’70s focused on drawing and photography. Art-world recognition resumed in the ’80s and continued to the present: Conner was included in the 1997 Whitney Biennial, was the subject of a touring survey in 1999–2000, and is featured in the current Carnegie International. At Conner’s request, there will be no funeral.

(Frames de "Report" y "A Movie")

Summer Upside-Down

2008-07-04T19:10:00.007+01:00

From Cohetes Naranjas

Ken Jacobs - Surging Sea of Humanity

2008-07-03T14:51:00.007+01:00

“Stereograph of the crowd at the opening of the U.S. Centennial Exposition of 1893. It turns into a movie. Turns into an enormous rugged and craggy 3-D landscape before people return and the scene is righted again. Some laws surely have been broken here.”—K.J.

Ken Jacobs es uno de los cineastas clásicos del cine experimental norteamericano de la década de los años sesenta que mejor ha sabido utilizar las técnicas digitales actuales. El cambio tecnológico no ha impedido la puesta en práctica de una búsqueda de las capacidades perceptivas del ojo humano, mediante la apropiación y el reciclaje de imágenes de hace más de un siglo. Este diálogo incesante con su interés por los inicios del cine continúa presente en Rough Ride (2006-07) -recientemente proyectada en el Anthology Film Archive-; de un modo semejante al que caracterizó la célebre Tom, Tom The Piper's Son (1969).
La discográfica Tzadik ha editado en DVD dos de sus películas más recientes: Celestial Subway Lines/Salvaging Noise y New York Ghetto Fishmarket 1903. El primer largometraje cuenta con la música de John Zorn y el lap-top de Ikue Mori, el segundo, del 2007, con el cello de Tom Cora, las voces y aparatos electrónicos de Catherine Jauniaux. La digitalización del fragmento fílmico del New York Ghetto Fishmarket da lugar a un trabajo de reinvención que hace hincapié en la forma y su abstracción, a partir de la repetición y el reencuadre. Esas soluciones acumulativas, no suceden en Surging Sea of Humanity -pieza de diez minutos editada como extra del mismo DVD-. Aquí el método elude el "todo vale" para hallar un sentido unitario. Ken Jacobs se acerca a la impresión tridimensional con la resignificación de una imagen estereoscópica que rompe las leyes de la perspectiva y focaliza otras vías de percepción, algunas de ellas inexploradas..

Olafur Eliasson - Protocinematic Visions

2008-06-25T15:54:00.008+01:00

En el catálogo Take Your Time: Olafur Eliasson no sólo se da con un título revelador de la práctica artística de este autor danés e islandés (la espera, la paciencia recompensada y la percepción del tiempo dilatado), sino que también se formula la idea de obras artísticas de raigambre protocinemática. En uno de los textos incluidos Klaus Biesenbach y Roxana Marcoci trazan relaciones entre algunas de las obras emblemáticas de Olafur Eliasson y las visiones utópicas de El Lissitzky y László Moholy-Nagy, así como el arte lumínico conceptual de James Turrell y el land art cinemático de Robert Smithson (aunque también deben tener en consideración la obra de Dan Flavin y la de Gordon Matta-Clark). Todo ello para establecer una línea de investigación que conecta las instalaciones lumínicas y las series fotográficas de Eliasson cerca de un punto de vista cinematográfico que prioriza y da preeminencia a algunos elementos básicos que lo constituyen, como el de la sala oscura, el foco de luz, el espectador y el tiempo sublimado. Como obra singular mucha más cerca de la videoinstalación o, en este caso, de la videoescultura cabe mencionar TV lamp, donde un pequeño monitor de televisión que transmite los telediarios queda conectado a una circunferencia de cables y pequeños puntos lumínicos activados en función del tono dominante de la imagen electrónica.

La Fundació Miró acaba de inaugurar la exposición La Naturalesa de les Coses, una muestra algo escasa de la obra del artista. El arte participativo de construcciones, los conjuntos de fotografías de estructura conceptual y procesual, la puesta en escena de geometrías lumínicas y la búsqueda incesante del encuentro con las bases de la percepción ocular humana -como el papel de la persistencia retiniana- son algunas de las temáticas aquí presentes. Esta exposición viene acompañada por la que se lleva a cabo en el Centre Cultural Caixa Girona - Fontana d'Or.

Helen Hill - The House of Sweet Magic

2008-06-24T13:24:00.005+01:00

Peripheral Produce ha editado un DVD que recopila algunos de los trabajos más representativos de la directora norteamericana Helen Hill. Esta cineasta experimental especializada en la animación de recortables y el stop motion tuvo un papel relevante en la búsqueda de nuevas técnicas para el cine sin cámara. Este interés por los "hand processing films" de espíritu "do it yourself" quedó convenientemente documentado en el libro-fanzine Recipes for Disaster: a Handcrafted Film Cookbooklet (editado a modo de catálogo epistolar el año 2001 y revisado en el 2004). Su filmografía se inicia con The House of Sweet Magic (1981) y finaliza con A Monster in New Orleans (2006), título que lamentablemente parece anunciar su asesinato el 4 de enero de 2007 en la ciudad de Nueva Orleans. Su desaparición conmovió la escena del cine experimental y movilizó centenares de personas en actos como el Helen Hill Jazz Funeral Parade.

El DVD incluye los siguientes títulos:
Tunnel of Love (1996)
Madame Winger Makes a Film (2001)
Scratch and Crow (1995)
Your New Pig is Down the Road (1999)
The World’s Smallest Fair (1995)
Vessel (1992)
Film for Rosie (2001)
Mouseholes (1999)
Bohemian Town (2004)

EXPERIMENTAL CONVERSATIONS

2008-06-23T21:14:00.004+01:00

Experimental Conversations es una nueva revista online dedicada al cine experimenal, el cine artístico y el videoarte editada por Maximilian Le Cain y configurada alrededor del Cork Film Centre de Irlanda.

El primer número contiene los siguientes artículos y reseñas:

Editorial
AILBHE NI BHRIAIN AT THE BUTLER GALLERY (2008)
AFTERMATH (2007): An Exhibition by Ailbhe Ni Bhriainby Maximilian Le Cain
"IF YOU START THINKING ABOUT YOUR FILM BEING A SUCCESS, YOU'RE FUCKED": An Interview With Vivienne Dick
BETWEEN THE SALON AND THE CONVENT: Losing Face & Gaining Faith in Jacques Rivette's 'Don't Touch the Axe'by Tony McKibben
CINEMA AS SITUATIONS: The 2007 Lucca Film Festivalby Donal Foreman

THE ETERNAL NOW: Warhol and the Factory 1963-'68
Jonas Mekas at the Jameson Dublin Film Festival
Experimental Film Club (Dublin)
Live @ 8 (Galway)
REDACTED (Brian De Palma, 2008)
Three Projection Events in Cork

En las imágenes: Excluded By the Nature of Things (2002) y Rothach (1986) de Vivianne Dick

Marie Menken en DVD

2008-06-20T10:54:00.005+01:00

El sello INDEX acaba de editar Notes on Marie Menken , un documental dirigido por la cineasta austriaca Martina Kudláček. Después de haber realizado un largometraje de investigación, ciertamente ortodoxo, en homenaje a una de las pioneras del cine experimental norteamericano en "In The Mirror of Maya Deren" (2002) -configurado mediante fragmentos de filmes surrealistas como Meshes of The Afternoon, apuntes etnológicos sobre Haiti y entrevistas a personalidades como Stan Brakhage o Amos Vogel-, se dispuso a descubrir el cine de Marie Menken, otra de las cineastas clave de la historia del cine de vanguardia. La música de John Zorn acompaña esta revisión de la pareja de Willard Maas, mostrando una práctica cinematográfica centrada en el lirismo poético; sensaciones visuales y estudios lumínicos en escenarios mitológicos. Los extras del DVD dan cuenta del cine de Marie Menken con piezas ya editadas en el segundo volumen del Avant-Garde 2: Experimental Cinema 1928-1954 (Visual Notes on Noguchi) o disponibles en UBU WEB (Glimpse of the Garden). Arabesque for Kenneth Anger y Lights completan la edición.

INDEX DVD 030

NOTES ON MARIE MENKEN (2006) 97 min
VISUAL VARIATIONS ON NOGUCHI (1945) 4 min
GLIMPSE OF THE GARDEN (1957) 5 min
ARABESQUE FOR KENNETH ANGER (1958-61) 4 min
LIGHTS (1964-66) 6:30 min

EL EXPERIMENTO! Curso Teórico y Práctico de Cine Experimental

2008-06-17T07:55:00.009+01:00

ESTUDIODECINE
Del 7 al 30 de julio de 2008
Lunes, miércoles y viernes de 19:00 a 22:00 (33 horas)
Profesores: Antoni Pinent y Albert Alcoz

Taller intensivo de cine experimental centrado en una revisión histórica y teórica que permita la consecución de una práctica individual en soporte videográfico, realizado con criterio y conocimiento de causa. Las obras cinematográficas de las vanguardias artísticas, la animación abstracta, el cine sin cámara, el cine lírico, el diario filmado, el found footage... serán algunos de los ejes de un temario contrastado con visionados específicos.

Más información: www.estudiodecine.com

Views From The Underground

2008-06-07T16:41:00.007+01:00

by Cohetes Naranjas

LOOP BARCELONA 2008

2008-06-05T16:00:00.008+01:00

VIDEOARTE SIN PAUSA
Publicado en el número 18 de blogs&docs

La sexta edición del LOOP, el festival de videoarte celebrado en la ciudad de Barcelona, ha consolidado su propuesta mediante el aumento del número de espacios involucrados, autores mostrados y eventos confeccionados. Este punto de encuentro entre artistas e intermediarios centrados en el desarrollo del vídeo como Arte ha contado con un número inabarcable de galerías, museos y centros artísticos. Las conferencias, el espacio de stands (distribuidoras y medios escritos) y la muestra en las habitaciones del Hotel Catalonia Ramblas han servido para cuestionar, analizar, desarrollar y exhibir las prácticas del vídeo de creación. La existencia de la plataforma LOOP 2008 ha planteado el estado actual de una práctica artística al alza que a nivel nacional e internacional ve como proliferan los desarrollos tecnológicos de sus herramientas (la imparable digitalización del medio) y se incrementa el interés de las instituciones y el mercado del arte.

Esa inquietud por ampliar los espacios de visibilidad ha quedado mermado por los criterios de selección, la falta de información y, sobretodo, las condiciones de visionado. La dificultad por establecer unas pautas mínimamente adecuadas para la muestra de piezas videográficas ha sido, una vez más, una de las cuestiones pendientes a solucionar. El festival Loop ha ratificado esa desidia general por parte de galerías y centros artísticos que, pese al empeño, devalúan la fuerza estética y el poder significante del trabajo de los artistas, negándose a ensalzar sus piezas audiovisuales con un entorno adecuado, convirtiendo los vídeos en meros productos decorativos, en mercancía de valor económico en detrimento del artístico. El vídeo monocanal continúa enfrentándose a la ardua tarea de adaptarse a unos espacios que, por lo general, no contemplan las condiciones lumínicas y sonoras adecuadas. El amplio despliegue de medios que cada espacio expositivo ha llevado a cabo (proyectores de vídeo, monitores, equipos de áudio, etc.) ha devenido insulso, en más de una ocasión, por las disposiciones de unos elementos que al final el espectador ha debido sortear. Resulta paradógico constatar que el espacio más adecuado para la proyección monocanal continúe siendo la sala cinematográfica -hecho que se demostró con las sesiones dedicadas a Eija-Liisa Athila en los cines Casablanca-Kaplan-. La videoescultura y la videoinstalación no han tenido presencia y ello también ha perjudicado la percepción de la conjunción entre la obra y el espacio expositivo.

Por lo que hace referencia a las conferencias, éstas han debatido la fronteras artísticas del videoarte y sus relaciones con el net-art, los videojuegos y la animación por ordenador; han sugerido nuevas perspectivas estéticas del medio a partir de la baja definición de las capturas de los móviles y la exhibición instantánea de internet, y han cuestionado las condiciones de conservación y las limitaciones intrínsecas de los soportes videográficos y digitales. De todos los invitados fue Pip Laurenson (conservadora de la Tate Gallery de Londres) quien mejor y más didácticamente puso en cuestión la conservación del soporte videográfico, atendiendo a las particularidades de los diferentes formatos (U-Matic, Betamax, MiniDV, DVD, Blueray, etc.), la progresión tecnológica y el papel de las multinacionales involucradas. La intervención del artista Issac Julien sobre el comisariado de una exposición dedicada al cineasta inglés Derek Jarman fue una más de las ponencias aportadas por gente especializada en el medio como Barbara London, John Thomson o Laura Baigorri.

El programa Imágenes a pie de calle comisariado por Neus Miró y acogido por una de las estancias del FAD-Foment de les Arts i del Disseny, mostró obras imperecederas de John Smith y Alicia Framis. Museum Piece del primero continúa su búsqueda diarística en habitaciones de hotel mediante planos secuencia regidos por guiones irónicos y perspicaces, altamente improvisados, que sitúan la presencia del autor en una posición privilegiada. Secret Strike-Bank Netherlands de Framis utiliza un particular dispositivo: travellings por estancias de un banco holandés donde las numerosas personas que aparecen lo hacen absolutamente estáticas. No son efectos digitales, es la puesta en imágenes de una decisión previa donde los actores interpretan una quietud que esconde algún parpadeo y unos ligeros temblores en los brazos y en las manos. El funcionamiento de la maquinaria (ascensores, ordenadores, teléfonos, etc.) contrasta con las acciones congeladas de los trabajadores, revelando así una curiosa relación de dependencia hombre-máquina, aquí confrontada.

Eveline Notter comisarió una selección de vídeos alrededor del fenómeno de la climatología extrema titulado Climax Redux, proyectado en el Cosmocaixa. El super 8 formalmente expresionista hecho de manchas, rayaduras y polvo sobre la emulsión de Vesa Puchakka; el plano secuencia desde un telesilla en una estación de esquí, hacia el blanco de la niebla, realizado por Paul Rooney y los puntos negros parpadeantes y matéricos del Message from Andrée de Joachim Koester fueron algunos de los trabajos presentados. Entre ellos destacó la pieza de Darren Almond llamada Arctic Pull en la que un excursionista situado en el ártico tira de una cuerda, al que va atada una vídeocámara colocada sobre un trineo, documenta un trayecto nocturno físicamente angustioso al límite del frío, el viento y la oscuridad.

Del programa Visión:a comisariado por Javier Duero cabe ensalzar el clip The Toro’s Revenge de la genial archivera María Cañas, por el montaje corrosivo y críticamente lúdico, el diseño digital de -VID de Arturo Fuentes y la documentación de cuerpos en acción de Alejandro Vidal. La Fundació Joan Brossa se centró en un videoclip en celuloide (optical print y juego temporal con los fotogramas) y una documentación de encuentros entre intelectuales en Manhattan, realizados por Tom Jarmusch (hermano de Jim); una ficción nocturna a lo Collateral de un joven medio perdido en NYC de Bear-McClard y un cortometraje de James Clauer, sobre los dilemas vitales de una joven en el barrio de Harlem. Foto Colectània presentó una selección algo inconexa que contaba con la vídeodanza esteticista con cuarteto de orquesta de Sam Taylor Wood (Strings) y la animación digital titulada Limbo de Magnus Wallin, cerca de las formas 3D del videojuego. La sala Nivell Zero de la Fundació Suñol proyectó principalmente vídeos documentales seleccionados por Hilde Teerlinck, de entre los cuales cabe mencionar Sportfrei de Anna Klamroth por la planificación documentalista en 16 mm acerca del uso de una piscina abandonada.

Entre lo que uno no pudo atender por falta de tiempo cabría enumerar, por el interés que suscitaba, el conjunto titulado Recent Irish Films from the Imma Collection, los vídeos de Femlink y la sesión comisariada por Montse Badia titulada Six Degrees of Separation. Hecho que demuestra lo inabarcable del festival y la inevitable selección que debe aplicar cada uno en base al conocimiento previo o a lo leído en el programa. Todo ello remite otra vez al uso de la palabra loop como término insignia de una práctica artística de la imagen electrónica y digital, que exhibida del modo que se hace aquí presupone espirales infinitas de vídeos proyectados como figuras de moebius que se repiten hasta la saciedad. “La imagen electrónica se teje y se desteje como las “tijeras” de Penélope porque es una imagen en permanente formación. El haz electrónico recorre, barre una superficie y nunca tenemos una imagen completa” (1). Ahí el barrido del haz electrónico continúa su proceso incesante de lectura incluso en el frame detenido. El bucle persiste incluso en la pausa.
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(1) Afirmación de Román Gubern en el libro colectivo editado por José Ramón Pérez Ornia El Arte del Vídeo. Introducción a la historia del vídeo experimental. RTVE y Ediciones del Serbal. Barcelona, 1991.

(Imágenes de "Tänään (Today)" de Eija-Liisa Ahtila, "I am not going to America" de Paul Rooney y "Secret Strike - Bank Netherlands" de Alicia Framis)

Home Movie Holes

2008-06-04T13:08:00.011+01:00

8mm frames

Home Movie Holes es una pieza audiovisual que analiza una serie de fragmentos de películas amateurs hechas en 8mm durante los años setenta. Partiendo del uso de cinco planos, y la desfragmentación de los seis fotogramas de cada uno de ellos, se propone una nueva mirada a unas imágenes acompañadas con los sonidos de una improbable conexión telefónica. Confrontar la imagen estática con la imagen en movimiento, evidenciar los círculos lumínicos, las ausencias y los vacíos de unas películas familiares (que por lo general esconden más de lo que muestran) y relacionar la artificialidad de todo ello mediante el desglose del ruido analógico de un fax, son algunos de los motivos de ser de un vídeo que no comunica. Se queda en un intento vacuo de transmisión nostálgica de un tiempo pasado, ciertamente ajeno.

MÁRGENES: ACONTECIMIENTO Y PRAXIS

2008-06-02T19:45:00.006+01:00

Spanish Contemporary Avant-Garde Cinema, Happening & Interventional Art
12-25 june 2008, Dublin

This Is Not A Shop and National Gallery of Ireland presents a month of Contemporary Spanish Art featuring a series of experimental film screenings, multiple sound-screen environments, expanded cinema event, and interventions in the landscape.

An initiative of Spanish curator living in Dublin Esperanza Collado.
Film-programs curated by Albert Alcoz and Antoni Pinent.
Vídeo-Installations works curated by Oriol Sánchez.
Artists: Reivaj Yudato, Isaac Gimeno, Oriol Sánchez, Marta Fernández Calvo.

(En las imágenes: Profanacions de Oriol Sánchez, Fog de Marta Fernández Calvo, Abismo Proximo de Reivaj Yudato, Trayecto(s) de Isaac Gimeno y Farce Sensationelle! de Laida Lertxundi)

KINETIC LANDSCAPES

2008-06-02T19:19:00.012+01:00

Jueves 12 de junio, National Gallery of Ireland
(Márgenes) Spanish art and experimental cinema

La Playa, de David Domingo (2001)
Vivid Obedientes, Vivid, de Hugo Cornelles (2005)
Pentland’s, de Patrick Danse (2007)
Wien – Tagebuch (Diari de Viena), de Cristina Giribets (2007)
Todo tiene su fin, de Armand Rovira (2005)
Fragmentos, primera impresión en S8, de Oriol Sánchez (1999)
Texas Sunrise, Lluis Escartín (2002)
Siete vigías y una torre, Manuel Asín (2004)

La representación paisajística en el campo de la pintura ha sido uno de los temas que se han considerados como menores a lo largo de la historia del arte occidental. Es a partir del Romanticismo cuando los artistas capturan la esencia de la naturaleza y expresan el poder evocador de esas visiones desde posturas eminentemente subjetivas. La mirada trascendente del pintor ante espacios naturales extremos deja paso al estudio lumínico de entornos civilizados con la llegada del impresionismo. Mientras tanto la fotografía otorga una importancia al paisaje inédita en el ámbito artístico hasta ese momento. La posibilidad de documentar entornos lejanos, algunos de ellos inhóspitos, le da un valor añadido que la cinematografía configura plenamente gracias a la capacidad por capturar el movimiento y reconfigurar el tiempo. La representación paisajística en el terreno fílmico destaca en el campo de las primeras vanguardias con autores europeos como Joris Ivens o Alexander Dovjenko y norteamericanos como Herman W. Weinberg o Robert Flaherty. Las vistas de esos espacios naturales son sólo una muestra de las innumerables ramificaciones que admite la idea del paisaje. Las sinfonías urbanas es una muestra de ello. El paisaje de la metrópolis se acelera hasta elaborar un ritmo dinámico done las imágenes se yuxtaponen y se encadenan hasta romper la perspectiva tradicional y las relaciones espaciales de los elementos que forman las composiciones. Dziga Verov, Walter Ruttman, Paul Strand y Charles Sheeler son algunos de los directores que producen una obra cinemática, que se desplaza acorde con las sinergias de la gran ciudad.

El programa Kinetic Landscapes defiende la idea del paisaje como un tema visual que admite tanto la naturaleza como la urbanización. El campo y la ciudad van intercambiando el protagonismo en cada una de las piezas audiovisuales presentadas. Pero en cada una de ellas la percepción de los espacios naturales y de los lugares urbanizados varían en función de las miradas y las inquietudes de los autores. El programa alterna estructuras que experimentan formalmente con el formato super 8, mediante las práctica del frame by frame, con otras muestras que por su naturaleza se acercan más al formato documental y al ensayo. Así La Playa de David Domingo condensa un día de playa en poco más de un minuto desde un punto de vista prácticamente cenital, mientras Vivid Obedientes, Vivid de Hugo Cornelles se centra en la velocidad de los transportes públicos, los lugares de tránsito de la ciudad y el ansia por la videovigilancia. Pentland’s de Patrick Danse se sirve de los versos de un poema inglés para documentar un espacio montañoso progresivamente oscurecido. Wien – Tagebuch (Diari de Viena) de Cristina Giribets traza un recorrido en primera persona por la capital de Austria mediante filmaciones y refilmaciones que desvelan travellings y visitas culturales, mientras esconden estados de ánimo. Todo tiene su fin de Armand Rovira es un juego subversivo de imágenes donde la presencia paisajística queda relegada a un segundo plano, al entorno de un monasterio románico. Fragmentos, primera impresión en S8, de Oriol Sánchez expone un viaje hacia tierras andaluzas hecho con perseverancia, sensibilidad y oficio. Cada fotograma queda convertido a un sólo plano. Las continuidades que se suceden entre ellos dibujan un paisaje frenético que la percepción de cada uno acaba de elaborar. Texas Sunrise de Lluis Escartín es un monólogo tremendamente lúcido de un vagabundo norteamericano al que el realizador da voz. Imágenes de no-lugares, de espacios vacíos y abandonados del sud de los Estados Unidos ilustran el discurso, redefiniendo el espacio público. Siete vigías y una torre de Manuel Asín cierra la sesión con un planteamiento metódico que viene a documentar las esculturas al aire libre del escultor vasco Jorge Oteiza. El dispositivo utilizado para revelar la fragilidad y la fuerza de las piezas escultóricas resulta ser el del encuadre estático realizado a lo largo de todo un día, con la ayuda de los intervalos de tiempo.

(En la imagen: Fragmentos, primera impresión en S8, de Oriol Sánchez)

"PAUSA"

2008-04-26T20:54:00.001Z

Recomendaciones para el día del libro...

2008-04-23T11:13:00.006Z

Where is the place?

2008-04-12T14:54:00.011Z

First frames of a 16mm film

Las costumbres religiosas y sociales de Darrical (Almería)

2008-04-11T09:19:00.009Z

"Las fiestas patronales de Darrical, en la alpujarra almeriense, se celebran siempre el segundo fin de semana de Agosto, mientras que la fiesta del socio se celebra el tercer fin de semana del mismo mes. En las fiestas patronales se ofrecen degustaciones a todo aquel que lo visite. Además las procesiones en honor al Santo Angel Custodio, San Isidro y la Virgen María destacan sobremanera. Como es costumbre, el sábado de fiestas salen en procesión el Santo Angel Custodio en hombros de los hombres, y la Virgen María en hombros de las mujeres. Las cuestas muy pronunciadas de las calles no evitan que se lleve en volandas a ambos tronos. El domingo de fiesta los pasos que salen son el de San Isidro Labrador y el de La Virgen María. Durante las procesiones, destaca el momento cumbre cuando desde el mirador de la "era" se elevan los tronos y desde el río se lanzan centenares de cohetes a los acordes de la música.
Años después de filmarse esta bobina de super 8 mm se anunció la construcción de una presa en Benínar, por la que debían dejar el pueblo todos sus habitantes, aunque nunca lo hicieron realmente porque el agua no llegó para inundarlo." Jorge Tur

Imagen años 70: Miguel Sánchez
Telecinado y edición: Albert Alcoz / Jorge Tur
Propiedad de los derechos de las imágenes: Jéssica Sánchez
Categoría: Cine y animación
Etiquetas: darrical almeria alpujarra documental etnografico años 70 super8 mm

Walden de Henry David Thoreau y Jonas Mekas

2008-04-04T18:23:00.029Z

Publicado en el número 16 de B LOGSANDOCS

“La humildad, como la oscuridad, revela las luces del cielo.”
Henry David Thoreau

“I make home movies therefore I live.”
Jonas Mekas

Walden tiene entidad en sí mismo, existe como espacio físico. Walden Pond es un lago situado a pocos kilómetros de Concord, Massachusetts. Cerca de él se retiró el escritor Henry David Thoreau en 1845, a lo largo de dos años, dos meses y dos días. Su intención fue la de descubrir la riqueza de la naturaleza, estudiar las necesidades básicas del ser humano y plantear un modo de vida sereno y metódico que, poniendo en cuestión la posesión de bienes y rechazando el beneficio económico, proponía la soledad para enfrentarse a la búsqueda de sí mismo y la observación del mundo para hallar su lugar en él. Todas su reflexiones quedaron brillantemente narradas en un libro autobiográfico titulado Walden; or Life in the Woods. En él explica detalladamente su experiencia desde una posición intelectualmente privilegiada. Centrado en un método empírico, exhaustivamente descriptivo, Henry David Thoreau conecta sus nuevos quehaceres, y los pensamientos que de ellos se desprenden, con las conclusiones de escritores clásicos de la literatura griega y latina. Su punto de partida es el deseo por conocer la Naturaleza y hallar la profundidad de su alma alejado del mundanal ruido, del inevitable proceso de industrialización de la época (1). Su posición queda justificada en uno de los pasajes iniciales de este diario retrospectivo e introspectivo: “Con un poco más de deliberación en la elección de sus objetivos puede que todos los hombres se volvieran en esencia estudiosos y observadores pues, ciertamente, su naturaleza y destino interesan a todos por igual.” (2)

Walden también existe como un refugio al que abandonarse para tratar de descubrir las razones esenciales de la existencia. O al menos es lo que parece desvelarse finalmente de un texto tan lúcido y coherente como el de Henry David Thoreau. El mito creado alrededor de la obra escrita ha convertido la palabra Walden en un vocablo que admite la posibilidad de una vida plena, al margen de la sociedad, considerando el entorno natural como el contexto verdaderamente adecuado para conocerse a uno mismo y desentrañar el misterio de la vida. Un ecologismo avant la lettre sin un ápice de ingenuidad. “Pero al mismo tiempo que intentamos explorar y aprender, deseamos que todo siga misterioso e inexpugnable, que la tierra y el mar sean infinitamente salvajes, ariscos e insondables, puesto que en realidad tal son.” (3) La voluntad por desentrañar lo inquietante y a la vez continuar manteniendo esa capacidad de expectación ante las sorpresas que reserva la vida es una de las razones primordiales que sustentan el discurso de Henry David Thoreau. Una visión poética anclada en un romanticismo humanista que el autor explicita cuando rememora aquellos que le han visitado: “Pero era un poeta quien venía a mi refugio desde más lejos, salvando las nieves más densas y las tempestades más estremecedoras. Un labrador, un cazador, un soldado, un periodista e incluso un filósofo podían ceder al temor; pero nada intimida al poeta, pues es el amor lo que le mueve. ¿Quién puede predecir jamás sus idas y sus venidas?” (4)

En el año 1968 el cineasta y poeta lituano Jonas Mekas compiló cerca de tres horas de material cinematográfico rodado en 16 mm que abarcaban sus primeros años de estancia en la ciudad de Nueva York (5). Las filmaciones de espíritu amateur (en el amplio sentido de la palabra: tanto el de afición ociosa como el de estimación y encantamiento por el medio) documentaban su vida cotidiana, eventos como representaciones circenses o banquetes de boda, excursiones a ciudades como New Jersey o Buffalo y encuentros con otros cineastas, teóricos, poetas y músicos como Stan Brakhage, Tony Conrad, Beverly Grant, Peter Kubelka, P. Adams Sitney, Allen Gingsberg, John Lennon y Yoko Ono, entre otros. El conjunto de escenas fue titulado Diaries, Notes and Sketches, pero también se le conoce como Walden, ya que los intertítulos que ayudan a contextualizar los momentos documentados introducen a menudo este término (6). Walden sirve para anunciar imágenes filmadas en el Central Park y para dar final a cada uno de los rollos que completan la obra. El paralelismo entre The Lake, el principal lago del parque de Manhattan, y el lago Walden Pond, del que tanto provecho vital supo sacar Henry David Thoreau, queda evidenciado en la película por el uso de los títulos y por las filmaciones ilegibles de algunos fragmentos del libro, que van sucediéndose a lo largo del metraje. Si en Henry David Thoreau el retiro al lago resulta ser una opción de vida temporal, en la que se asumen todas las consecuencias vitales que se presuponen de ese nuevo modo de vida, en Jonas Mekas los paseos por el parque de la ciudad son instantes que permiten un efímero retorno a la naturaleza, la que el agitador cinematográfico vivió en Lituania durante su juventud. Un momento vital interrumpido por el exilio forzado hacia los campos de concentración nazis. Las home movies parpadeantes de estilo inconfundible, estéticamente impresionista, del fundador de la revista Film Culture, la New York Filmmakers Cooperative y el Anthology Film Archives capturan el entorno natural con una inefable sensibilidad lírica que transmite una nostalgia hacia su pasado. Esos glimpses, esas miradas fugaces se corresponden frenéticamente con el montaje en cámara, haciendo vibrar una sucesión incesante de escuetos tiempos presentes, libremente yuxtapuestos. Son los títulos escritos que anuncian los esbozos diarísticos y las reflexiones en voice-over de Jonas Mekas los que introducen una visión retrospectiva que describen las situaciones y analizan con posterioridad lo que de ello se sugiere. “Imágenes al fin y al cabo” dice Jonas Mekas hacia el final de Walden. Rastros, marcas, huellas de un pasado que quedaran embalsamados para la eternidad si el paso del tiempo no deteriora el celuloide.

¿Qué es lo que llama la atención a Jonas Mekas de Walden y le seduce hasta realizar un homenaje explícito a esta obra escrita, una de las más reconocidas de la literatura norteamericana del siglo XIX? Los paralelismos y las paradojas expuestas por Jonas Mekas en su diario fílmico, en referencia a la obra de Henry David Thoreau, ayudan a explicar dos visiones en dos contextos diferentes; dos posturas diferenciadas sobre la vida y la entereza de la propia obra autobiográfica. Jonas Mekas hereda el vitalismo de Henry David Thoreau, captura la esencia de sus palabras y lo interpreta a su manera, mediante una obra fílmica, de mirada individual que abre los brazos a una escena artística consolidada o a punto de hacerlo (poetas beat, pop-art, música pop, cine experimental norteamericano, cine estructural, arte conceptual, etc.) El espíritu humanista que prevalece en cada uno de los filmes del lituano, se expone cuando describe su vida en función de una postura particular conectada con lecturas románticas (7). Las primeras imágenes de Walden muestran al propio Jonas Mekas despertándose del sueño y afirmando el extrañamiento que le produce encontrarse en esa nueva metrópolis, después de haber vivido en un pequeño pueblo de Lituania. El yo hace acto de presencia tal y como lo hacía en el inicio del texto de Thoreau, quien defendía un uso de la primera persona del singular, como la única voz verdaderamente honesta y condescendiente aplicable al medio escrito. “Es corriente olvidarse de que, a fin de cuentas, es siempre la primera persona la que habla. Y yo no diría tanto de mí si hubiera quien conociera mejor.” (8) Un yo que se detiene y observa. Un yo que se niega a discernir lo trivial de lo sustancioso porque todo lo que le rodea despierta su interés. La presunción es abarcar toda la complejidad, admitiendo la limitación que entraña la selección de un punto de vista, y la inevitable traducción de todo ello a un medio concreto. El carácter ensayístico de Walden hace acto de presencia a lo largo de las reflexiones en primera persona sobre la propia práctica autobiográfica, sobre el uso de las palabras en Henry David Thoreau y la combinación de imágenes y sonidos en Jonas Mekas. La humildad, la bondad y la libertad son términos que identifican tanto al escritor como al cineasta. La creencia humilde en las home movies, la asumida soledad inicial en Nueva York y la voluntad de liberar el cine de la industria para elevar el estatus del cine underground, independiente y vanguardista, para otorgarle la libertad romántica con la que el poeta sugiere sus estados anímicos, son algunas de las mayores constantes del trabajo llevado a acabo por Jonas Mekas. Y Walden de Henry David Thoreau es el mejor punto de partida posible, pese a que la situación vital de Jonas Mekas no es en medio de los bosques sino en el centro artístico mundial de finales de los años sesenta. Trasladar las inquietudes expuestas en Walden y traducirlas en un modo de vida personal, aunque sea en un contexto histórico y geográfico diferente, es una razón de peso para creer en uno mismo y las infinitas posibilidades que se le abren ante su convicción. Los consejos que escribe Henry David Thoreau para sí mismo y para sus lectores parecen haber hallado en Jonas Mekas uno de sus descendientes más consecuentes. Parece como si Jonas Mekas haya tomado al pie de la letra algunas de las múltiples sentencias esperanzadoras de Walden y haya visualizado el mensaje del escritor a nivel cinematográfico y a nivel vital. “A medida que simplifique su vida, las leyes del universo se le revelarán menos complejas, la soledad dejará de ser soledad; la pobreza, pobreza; la debilidad, debilidad. Si has levantado castillos en el aire, tu trabajo no tiene por qué ser vano; ahí es donde debieran estar. Ponles ahora los cimientos.” (9)

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(1) “Thoreau’s decision to leave Concord and live at Walden Pond for two-plus years in the hope that the privacy and serenity offered there would allow him to plumb the depths of his soul was an attempt to defend his psychic health from what he saw as the incresingly pervasive tendency in modern man to have “no time (in his life) to be anything but a machine,” a human machine at the mercy of the larger machine of industrialization.” MacDonald, Scott. The Garden in the Machine. University of California. Los Angeles California, 2001.
(2) Henry David Thoreau, Walden. Parsifal Ediciones. Barcelona, 1989. p. 96.
(3) Thoreau, Walden, Op. cit., p.267.
(4) Thoreau, Walden, Op. cit., p. 228.
(5) Atendiendo al gráfico Jonas Mekas: The Major Diary Films presente en la compilación de textos To Free The Cinema. Jonas Mekas and The New York Underground. Editado por David E. James. Princeton University, 1992, Walden contiene imágenes del período 1964-1969 y fue editado a lo largo de dos años, entre 1968 y 1970. Otros textos citan el período sucedido entre la primavera de 1965 y el verano de 1968 como el de la filmación de imágenes. El primer esbozo de la película se proyectó en la Albright-Knox Gallery de Buffalo en 1968.
(6) A la película se la conoce principalmente con los títulos Walden y Diaries, Notes and Sketches pero también el conjunto de los dos: Walden. Diaries, Noes and Skecthes y Diaries, Notes and Sketches; also known as Walden.
(7) “Mekas’ sensibilities are those of a Romantic. In three of his films he portrays himself reading books; in Guns of the Trees, it is Shelley’s Prometheus Unbound that opeens and closes the film; throughout the abandoned Rabbitshit Haikus (1962-63), wich he made while on the set of his brother’s Hallelujah on the Hills, he is reading Blake; in Diaries, Notes and Sketches, subtitled Walden, it is Thoreau.” P. Adams Sitney. Visionary Film. The American Avant-Garde, 1943-1978. Oxford University Press. Oxford, 1974.
(8) Thoreau, Walden, Op. cit., p. 21.
(9) Thoreau, Walden, Op. cit., p.271.

Eyes Upside Down - P. Adams Sitney

2008-04-04T18:13:00.005Z

"With Eyes Upside Down, P. Adams Sitney reconfirms his position as the dean of American film historiography. His recasting of the canon as the elaboration of an Emersonian Orphism will transform our understanding of American culture as a whole, not just of its cinematic avatars. The largesse of his critical intelligence, of his erudition, and of his sensitivity to both poetry and film reaches 'peaks of perfect exhilaration' as remarkable in their own way as those in the films he illuminates."--David James, University of Southern California

"P. Adams Sitney is not only the preeminent historian of the American avant-garde film; he is one of the finest critics and theorists of the cinematic image and form working today. In Eyes Upside Down Sitney does more than supplement and extend his seminal work Visionary Film, widely recognized as the canonical account of American avant-garde cinema. In this new volume Sitney not only deals with many filmmakers that were not treated in his earlier book, he also provides a new profound approach to the American avant-garde film as part of an Emersonian tradition. In addition, Sitney offers a deep, and deeply moving, expansion of his work on Stan Brakhage, a profound tribute of the critical imagination to one of America's richest and least appreciated masters of modern form."--Tom Gunning, University of Chicago

Avant-Garde Animation and Popular Music

2008-04-01T21:07:00.003Z

Norman Mclaren - Oscar Peterson
"Begone Dull Care"

Len Lye - Red Nichols & his Five Pennies
"Color Flight"

John & Faith Hubley - Ella Fitzgerald
"The Tender Game"

Jeff Scher - Xavier Cugat
"Reasons To Be Glad"

Brian Eno 77 Million Paintings

2008-03-26T16:34:00.004Z

"One of the things that is interesting in this, and about generative work in general, is that the artist doesn’t actually know exactly what the result is going to be. So when I look at this I see things I didn’t predict because I can’t possible have seen 77 million combinations yet, and I’ll probably never will do…"

Brian Eno

URB

2008-03-14T19:12:00.009Z

SUPER 8 FRAMES