La Gazzetta Belcantista

La bisabuela del rossinianismo

2008-07-07T23:11:00.009+01:00

Hace ya unas semanas que no escribo en el blog. Y es que hasta agosto que no coja vacaciones seguiré con todos mis jaleos diarios, que os puedo asegurar que no son precisamente pocos. Pero como ya he comentado más de una vez tengo la suerte que todo lo que hago me llena plenamente, así que la verdad es que para nada puedo quejarme.

Para sacar al blog momentáneamente de este tiempo de espera he escogido una figura trascendal en el mundo belcantista en general y rossiniano en particular. Y es que esta voz fue la única que se atrevió a lanzar verdadera luz sobre Rossini en una época en la que el compositor pesarense era amenazado continuamente por brumas y nubarrones grises por todos los frentes. Esta voz a la que me refiero no es otra que la gran Conchita Supervia.

Conchita Supervía, catalana de nacimiento, vino al mundo en la capital condal un frío 9 de diciembre de 1895. Con sólo doce años comienza sus estudios de canto. Tantas son las aptitudes que la joven Conchita muestra para la música que el 1 de octubre de 1910 hace su debut sobre un escenario. Sería en una ópera del argentino Stiattesi, “Blanca de Bieulieu” en el breve papel de la Bruja. Así comienza su singladura en pequeños papeles de diferentes títulos hasta que en 1911, con sólo dieciséis años, debuta Rosenkavalier en el papel de Octavian. Al Liceu de Barcelona llega un año más tarde de mano de “Samson et Dalila” y “Carmen”. Y así comienza su despegue hacia el triunfo, que se asentaría con sus interpretaciones de Mignon (rol titular), Maddalena (“Rigoletto”) y Leonora (“La Favorita”).

La Gran Guerra ya había estallado y durante el periodo bélico conoce a Francesco Santamaría, alcalde de Nápoles, iniciando así una relación de la cual nacería su hijo Giorgio. Sin embargo, Santamaría sentía un odio profundo hacia el teatro, lo que propició que la relación se fuera a pique. Ello no impidió que Supervía siguiera conquistando todos los teatros que pisaba, haciendo nuevas creaciones de Carmen, Mignon o Marguerite (“La damnation de Faust”).

El debut en la Scala milanense llega en 1925 con “Hänsel und Gretel”, en la que Supervía se encargaba del rol masculino titular. Un año más tarde regresa a la Scala para estrenar en Italia “El amor brujo” de Manuel de Falla. Al año siguiente retornaría con “Rosenkavalier”, dirigida por el propio Strauss. Repetiría presencia en 1928, año en el que aborda “Le nozze di Figaro” junto al gran Mariano Stabile y estrena “L´heure spagnole” de Ravel.

Los éxitos en su carrera se siguen sucediendo tras su debut londinense en 1930. Allí canta “Carmen”, con Thomas Beecham a la batuta. El carácter de ambos y la concepción que cantante y director tenían del personaje provocan varias discusiones que felizmente acaban resolviéndose. Además de la gitana, Supervía es requerida para cantar “La Perichole” (Offenbach) y “Frasquita” (Lehar), entre otros títulos.

En 1935 Supervía queda de nuevo encinta. Desgraciadamente, la cantante contaba entonces con 40 años de edad y el embarazo era bastante arriesgado. Los días transcurrieron con bastante penuria hasta que se vio obligada a ingresar el 29 de marzo de 1936 en una clínica londinense. Allí daría luz a un hijo sin vida. Una infección generalizada producida por el parto sesgó su vida al día siguiente.

Conchita Supervía es, literalmente, la bisabuela del rossinianismo, una figura esencial para la interpretación de la música del Cisne de Pesaro. Increíble íntérprete del triángulo buffo rossiniano por excelencia (“Il barbiere di Siviglia”, “La Cenerentola” y “L´italiana in Algeri”), su prestación hacia el compositor de Pesaro fue como encontrar un oasis en pleno desierto.

En 1915 presenta en el Liceu de Barcelona su Rosina, papel del que las sopranos ligeras se habían apropiado de forma indiscriminada en aquellos entonces. Supervía devuelve el rol a sus orígenes mezzosopraniles y haciendo uso de la gran vena artística que tenía desde pequeña y de su atractiva voz, embellecida por un vibrato en todo momento controlado, da una gran interpretación.

En 1921 incorpora el segundo vértice del triángulo buffo rossiniano: Angelina (“La Cenerentola”). Al igual que ya había hecho con Rosina, su Angelina es un prototipo de cómo cantar el rol, toda una rareza en la época que cuando se cantaba se sometía a todo tipo de amputaciones y desnaturalizaciones.

En 1925 aborda el tercer y último vértice: Isabella (“L´italiana in Algeri”). Supervía graba además los cuatro números estelares del personaje (la cavatina “Cruda sorte”, el dúo “Ai capricci della sorte”, el rondó “Per lui che adoro” y el aria “Pensa alla patria”). Su interpretación alcanza las altísimas cotas que ya marcó con Rosina y Cenerentola. Sin embargo nos encontrábamos entonces en el limbo rossiniano. El rigor metodológico en lo que a Rossini se refiere brillaba por su ausencia y al compositor se le trataba como un diablo venido a la tierra. Así se criticaba la ópera con motivo de unas funciones en el Liceu con Supervía como protagonista: "El autor de "L´italiana in Algeri" representada estos días en el Liceo es uno de los responsables del descenso del gusto del público durante una larga época. Como otros autores de óperas de un periodo funesto, es culpable de un retroceso de tan malas consecuencias que aún hoy sufrimos sus efectos. ¡Pobre Gluck, que tanto había luchado por regenerar la escena lírica!. Pase como una humorada, si se quiere, la exhumación de esta Italiana indeseable; mas tendríamos que vigilar ahora que no se quede demasiado tiempo a la luz. Nuestro voto es que la vuelvan a enterrar pronto y muy adentro, y la dejen para siempre en reposo"

La audición que os propongo permite obtener una buena idea del arte de Conchita Supervía. Se trata de un recopilatorio titulado "Ópera y música española". Como su propio nombre indica, el disco está dividido en dos partes claramente diferenciadas. La parte operística permite obtener una clara visión de la Supervía operística. Sus legendarios Rossinis junto a Gounod, Thomas, Saint-Saëns y Delibes es el programa que el disco nos ofrece. La segunda parte, dedicada a música española, permitirá obtener una visión de la intérprete y percibir como Supervía pliega la voz al caracter de las diferentes piezas que aborda. El programa completo de este disco es el siguiente (se indica junto a cada pieza el año de grabación):

Arias operísticas

Rossini: L'Italiana in Algeri. Ai capricci della sorte (con Carlo Scattola): 1927
Rossini: Il Barbiere di Siviglia. Una voce poco fa: 1927
Rossini: Il Barbiere di Siviglia. Contro un cor (con Giovanni Manuritta): 1928
Rossini: La Cenerentola. Nacqui all'affanno: 1927
Gounod: Faust. Il était un roi de Thulé: 1931
Thomas: Mignon. Connais-tu le pays?: 1931
Saint-Saëns: Samson et Dalila: Printemps qui commence: 1931
Delibes: Bonjour Suzon: 1930
Delibes: Viens, une flûte invisible: 1930

Música española (Frank Marshall, piano)

El paño moruno: 1930
Seguidilla murciana: 1930
Asturiana: 1930
Jota: 1930
Nana: 1930
Canción: 1930
Polo: 1930
Balomir - Meus Amores (Balada Gallega, en gallego): 1929
Serrano: La Alegría del Batallón. A una gitana preciosa: 1932
Serrano: El Mal de Amores. Canción de la gitana: 1932
De Yradier: La Paloma: 1930
Joaquín Valverde: Clavelitos: 1927

El enlace a este disco es el siguiente:

Recital

Espero que disfruteis del arte de esta gran intérprete, una mujer a la que los rossinianos le debemos mucho.

Tiempo de espera

2008-04-23T19:09:00.005+01:00

¡Muy buenas a todos! Como podeis ver, el blog lleva sin actualizarse unas semanas. Afortunadamente no es por nada malo, sino por todo lo contrario: mis temas laborales y algunos proyectos que tengo entre manos que particularmente me entusiasman no me dejan tiempo para dedicarle al blog y digo yo que también tengo que echar mis ratos de descanso, que uno no funciona con pilas Duracell...

Me gusta crear entradas con información sobre lo que ofrezco en cada una y no dar simples enlaces mondos y lirondos. Sin embargo, crear una entrada con todos los datos lleva su tiempo. Al igual que subir una grabación para posteriormente ofrecerla: editarla cuando se hace necesario o extraerla del CD, convertirla a mp3, empaquetarla y subirla a rapidshare es algo que ocupa tiempo, del cual actualmente no dispongo.

Os invito a pasear por todos los blogs y foros que indico a la derecha de esta página: mientras la Gazzetta vuelve a echar a andar teneis mucho donde curiosear y mirar.

Un saludo a todos y muchísimas gracias por vuestro interés por mi blog

El tercer triunviro

2008-02-20T00:20:00.014+01:00

Tres son los miembros que forman el que yo vengo a denominar el triunvirato belcantista. Gioachino Rossini, el primero de ellos, aparece continuamente en el blog. Gaetano Donizetti también tiene destacada presencia de mano de algunas de sus obras más infrecuentes. Pero, oh sorpresa, el tercer miembro de este musical triunvirato aún no ha aparecido en el blog. Hasta ahora, porque Vincenzo Bellini irrumpe en La Gazzetta junto a la que es su obra capital: Norma.

Bellini es una figura clave para entender el Belcanto. No obstante no estará de más indicar una pequeña biografía del compositor para encuadrarlo histórica y artísticamente en su época. Nacido en el seno de una familia de músicos en Catania el 3 de marzo de 1801 e hijo del organista Rosario Bellini, recibió las primeras lecciones de música de su padre y de su abuelo, Vincenzo Tobia Bellini. Bellini fue un niñó prodigio y cuenta la leyenda que a los dieciocho meses era capaz de cantar un aire de Valentino Fioravanti, que comenzó a estudiar teoría musical a los dos años de edad, piano a los tres y que a los cinco era capaz de tocarlo con soltura. Su primera composición data de cuando tenía seis años. Con una beca que le proporcionó el Duque de San Martino ingresó en Colegio de San Sebastián de Nápoles, donde estudió armonía con Giovanni Furno, contrapunto con Giacomo Tritto y composición con el célebre Nicola Zingarelli. Compuso música sacra (motetes, misas, etc.), de cámara y sinfónica, pero es la ópera el género musical que le dio fama. Compuso para virtuosos del bel canto, expresión lírica que exige una gran precisión y agilidad vocal. Intentó minimizar las diferencias clásicas entre las partes cantadas y recitadas - arias y recitativos -, manteniendo la tensión dramática. El estreno de su primera ópera, Adelson e Salvini, se produjo en 1825. Domenico Barbaja, director del teatro de ópera San Carlo de Nápoles y de La Scala de Milán, se interesó por ella, encargándole varias obras posteriormente. Fallecería en Puteaux el 23 de septiembre de 1835, truncándose así su carrera.

La obra protagonista de hoy fue estrenada en la Scala milanesa el 26 de diciembre de 1831. Felice Romani se encargó de redactar el libreto, basado en la tragedia de L.A. Soumet y L. Belmontet "Norma ou l'infanticide". La pieza clave de la obra es, sin lugar a dudas, la celebérrima "Casta Diva" donde se conjuntan la gravedad clásica con un apasionamiento muy romántico en la expresión, siendo éste uno de los grandes roles para soprano dentro del repertorio. Las grandes sopranos belcantistas se han interesado, y con razón, en dar vida a la desventurada sacerdotisa, llámense Maria Callas, Montserrat Caballé, Joan Sutherland, Leyla Gencer, etc.

Vamos a continuación son el argumento de la ópera, desarrollado en las Galias durante el año 50 a.C. Cortesía de Intermezzo.

Hasta el roble sagrado llega en procesión el pueblo galo, seguido de los druidas, a cuyo frente viene su jefe, Oroveso, padre de Norma. Todos piden a los dioses que les conceda la victoria sobre los romanos y su retirada del país. Entran ahora Pollione y Flavio, oficiales romanos. Pollione, que ha mantenido relaciones ilícitas con Norma, gran sacerdotisa druida, y con la que ha tenido dos hijos, dice que ahora ama a una joven virgen del templo, Adalgisa. Pollione presiente la venganza de Norma, mientras que, en la distancia, se oyen los cantos rituales de los druidas.

Se retiran los romanos y vuelven los druidas, que dan la bienvenida a Norma, la cual anuncia proféticamente la caída de Roma. Después, corta una rama del muérdago sagrado y dirige su plegaria a la Luna: "Casta diva", acompañada por Oroveso y el pueblo. En un aparte, expresa el amor que sigue sintiendo por Pollione. Después, la escena queda vacía.

Entra ahora Adalgisa e invoca la protección de los dioses. Aparece Pollione y la corteja. Adalgisa duda al principio, pero finalmente declara que ella también ama al oficial romano.

Norma, ahora en su morada con sus hijos, revela sus confusos y dolorosos sentimientos. Y pide a Clotilda, su confidente, que esconda a los niños cuando vaya a llegar Adalgisa. Sigue a esto un dueto entre Adalgisa y Norma. La confesión de Adalgisa despierta la comprensión de Norma, ya que ambas quebrantaron el voto de castidad. Pero cuando Norma pregunta el nombre del amante, Adalgisa dice: "Aquí llega", señalando a Pollione, que se acerca. La mutua decepción de las dos mujeres estalla apasionadamente. Finalmente se escucha a lo lejos el sonido del escudo sagrado que convoca a Norma para que hable a su pueblo; así, a las voces de los tres solistas se añade el coro lejano de los druidas, creándose un sobrecogedor final del acto.

Segundo acto. Es de noche. Norma tiene entre sus manos un puñal y contempla a sus hijos dormidos a los que, en su penosa tortura, piensa dar muerte. Pero no se decide a hacerlo y envía a Clotilda en busca de Adalgisa, a la que muestra los niños y pide que se los lleve con ella cuando se marche a Roma con Pollione, porque ella, Norma, va a morir. Adalgisa, sin embargo, ruega a Norma que siga viviendo para sus hijos y le dice que va a devolver a Norma el amor de Pollione. El dueto de las dos sacerdotisas termina en una apasionada confesión mutua.

En el bosque de los druidas, Oroveso y el coro manifiestan su odio hacia los romanos, pero se sienten sin fuerzas si Norma no les aconseja. Esta, en el templo, sabe de labios de Clotilde que Adalgisa quiere renovar sus votos como sacerdotisa, pero que Pollione ha jurado arrancarla del altar. Norma hace sonar entonces, por tres veces, el escudo sagrado y los druidas al oírlo, vienen a escucharla cantando un himno guerrero. Clotilda llega presurosa con la noticia de que un romano que intentaba penetrar en el templo ha sido hecho prisionero. Se trata de Pollione. Norma, toma una daga e intenta darle muerte, pero no es capaz de descargar el golpe.

Norma está ahora junto a Pollione, quien rechaza la súplica de la mujer de que abandone a Adalgisa; entonces Norma jura que ésta será quemada viva por haber quebrantado sus votos.

El pueblo recibe la orden de preparar la pira, pero cuando preguntan a Norma el nombre de la sacerdotisa culpable, responde: "Yo". El pueblo no quiere creerla, pero Norma insiste. Cuando traen a los niños, Norma pide a Pollione que cuide de ellos; pero Pollione no se mueve.

Lleno de angustia, el pueblo prepara el sacrificio de Norma. Arrepentido de su comportamiento y admirado por el valor y el amor de Norma, Pollione marcha con ella a morir en la hoguera.

Y a continuación, pues a lanzarnos a la grabación. No miento si digo que la versión que os ofrezco es una de las cimas en la vastísima discografía existente de la obra. Un ojo a la ficha de reparto puede servir de explicación a mi afirmación:

Norma: Montserrat Caballé
Pollione: Plácido Domingo
Adalgisa: Fiorenza Cossotto
Oroveso: Ruggero Raimondi
Clotilde: Elizabeth Bainbridge
Flavio: Kenneth Collins

London Philharmonic Orchestra

Ambrosian Opera Chorus
Carlo Felice Cillario

Esta grabación de 1972 nos muestra a una Montserrat Caballé en la cima de sus posibilidades. Sin entrar en la eterna polémica Callas-Caballé, sólo hay una Norma que pueda superar a nuestra Montse. Y esa es ella misma, que conseguía en sus representaciones creaciones electrizantes, cuyo clímax se alcanza en el registro live de Orange. Resulta pues baladí decir algo que no se haya dicho sobre la Norma de Caballé, máxime si se tiene en cuenta que es uno de los papeles base de su carrera. A su lado, Plácido Domingo y Fiorenza Cossotto ofrecen un fogoso y pasional Pollione y una inocente pero madura Adalgisa (escúchense los dúos de esta última con Pollione y Norma). Bien Ruggero Raimondi en el no muy lucido rol de Oroveso y más que eficientes Elizabeth Bainbridge y Kenneth Collins como Clotilde y Flavio. El recientemente desaparecido Carlo Felice Cillario, como experimentadísimo director que era en este repertorio, saca todo el jugo a las formaciones londinenses, que suenan particularmente brillantes.

Y para terminar, aqui os dejo los enlaces.

CD1
CD2
CD3

Que disfruteis de esta obra cumbre de la historia de la ópera.

Comentario sobre un comentario

2008-02-16T01:27:00.005+01:00

Un simple comentario: he recibido seis comentarios seis con similar texto en mis seis últimas entradas del blog, firmados por un usuario anónimo que no deja ningún email para poder comunicarse con él. Los he suprimido absolutamente todos, porque de nada sirve tener seis comentarios que no varían ni en una sola palabra, pero quiero dejar constancia de lo que decía dicho comentario. Este es el texto literal:

En vez de subir tanta mierda sin titulo y sin identificacion, mas te valdria perder un par de minutos para hacer las cosas correctamente, idtaguear los mp3's y darles su nombre correspondiente...

sobre todo para obras mas desconocidas, pero aqui son todos unos chupa y lameculos que en vez de decir las verdades, no hace nmas que pelotearte

Para colgar las cosas asi, mas valdria que no nos hicieras perder el tiempo bajando material inidentificado e inidentificable, payaso

Bien, como he dicho en más de una ocasión, el blog está abierto a todo tipo de propuestas de mejora, siempre y cuando se hayan hecho desde la educación. Yo no voy a perder el tiempo ni en rebajarme al nivel de la persona que ha hecho estos comentarios ni muchísimo menos voy a insultarle, aunque esta persona se tome la libertad de llamarme "payaso".

Puntualizar que tengo una vida personal y profesional que llevar para adelante y todo el contenido de este blog lo escribo en mis ratos de tiempo libre. Ratos que podría dedicar a mil cosas pero que de tanto en tanto me gusta hacerlo compartiendo material infrecuente que tengo y que creo que os puede ser de interés. No tengo todo el tiempo libre que me gustaría tener y el que tengo, me gusta aprovecharlo. ¿Que no "idtagueo" (bonito palabro, vive Dios) los mp3? Pues sí, es cierto, no los "idtagueo". Pero creo que los datos de cada entrada dan suficiente información para saber lo que se va a escuchar. Creo.

A este usuario anónimo, pues simplemente indicarle que si no le gusta el blog, pues nada, mala suerte. Una cosa no puede ser plato de satisfacción de toda la humanidad. Supongo que si no le satisface como ofrezco el material, no volverá a descargarse nada de aqui. Pero vamos, una cosa es el suponer y otra cosa es el hacer. Por la parte que me toca no voy a poner ningún impedimento en ello.

En fin, quede aqui el comentario.

Un saludo para todos

Una Gioconda que no sonríe

2008-02-11T19:32:00.001+01:00

Esta entrada de hoy va con cuádruple dedicatoria: para Mavi, para Cheto, para Juanmi y para Diego. Los tres primeros se van a estrenar en una función operística en directo, y encima a lo grande, en el Real de Madrid. A Diego no lo meto en el saco porque ya ha tenido oportunidad de estrenarse (aunque empezando de manera más honesta en el humilde teatro de cervantino nombre de Málaga) y ya sabe lo que es presenciar una función como un patricio a precio de plebeyo (benditas entradas de último minuto... yo no quiero cumplir nunca los 26). Pueden apuntarse en sus respectivos currículums el logro de hacer que escriba en este blog sobre un estilo que se aleja muy mucho del belcantista que aqui impera. Pero bueno, siempre es buen momento para hacer una excepción y este es uno de ellos. Espero que los componentes del Clan Gorgorito, capitaneado por Rossini y flanqueado por Donizetti y Bellini (que por cierto este último aún no ha aparecido en el blog, tendré que ponerle remedio cuanto antes) no se me enfaden.

Hoy llega al blog una Gioconda sin enigmática sonrisa, una Gioconda sin ambigüedad sexual, una Gioconda sin interesante mirada. Porque La Gioconda que hoy recala en el blog no es la de Leonardo, sino la de Amilcare Ponchielli, desgraciada donde las haya y sufrida como la que más.

Ponchielli vino al mundo en la región lombarda, concretamente en Padernò Fasolaro, un 31 de agosto de 1834. Comenzó a estudiar con su padre, que era organista. A los nueve años ingresó en el conservatorio de Milán. Fue organista en la iglesia de San Hilario en Cremona, donde también fue profesor de música. Fue maestro director de las bandas municipales de Piacenza y Cremona, y para ellas compuso algunas obras. En 1881 fue nombrado maestro de capilla de Santa María la Mayor en Bérgamo. En 1883 entra como profesor en el Conservatorio de Milán. Entre otros alumnos, tuvo a Giacomo Puccini y Pietro Mascagni. Falleció en Milán el 17 de enero de 1886, con tan sólo 51 años de edad, a causa de una pulmonía que contrajo con motivo de su asistencia a una función en Piacenza precisamente de la obra protagonista hoy en el blog.

La Gioconda es, sin lugar a dudas, la ópera que ha hecho que Ponchielli pase a la posteridad. Estrenada en la Scala milanesa el 8 de abril de 1876, contó como libretista con Arrigo Boito, que firmó su obra como Tobia Gorrio. Está basada en el drama de Victor Hugo "Angelo, tyran de Padoue" y en su estreno participó el legendario Julián Gayarre. Ponchielli tuvo problemas con el libreto desde el principio, y a pesar de que el estreno de 1876 fue un éxito, el compositor reconstruyó la obra que se volvió a estrenar en La Scala el 12 de febrero de 1880. Su momento más conocido: la Danza de las Horas, que fue incluso utilizado por Walt Disney para una de las escenas de su mítica Fantasía. Particularmente inspirado resulta el momento cumbre para el tenor, Cielo e mar y el de la soprano, Suicidio!

La partitura requiere seis grandes voces (que no voces grandes) para sus seis roles principales (Gioconda, Cieca, Alvise, Laura, Enzo y Barnaba). De ahí que, en lo que a sus protagonistas se refiere, añadiendo además al director, se necesite un conjunto vocal equilibrado para que los resultados globales sean plenamente satisfactorios.

Vámonos con el argumento de la obra, que cuenta entre sus filas a uno de los personajes más detestables y deleznables de toda la historia de la ópera: Barnaba. Cortesía de la web Intermezzo.

Al comienzo del primer acto nos encontramos en una plaza enfrente del palacio del Dux. En ella está situado el buzón donde se depositan las denuncias anónimas que se hacen al Tribunal de la Inquisición. Un grupo de alegres venecianas y venecianos cantan y bailan contemplados desde un rincón de la plaza por el espía Barnaba, al acecho siempre de que alguien cometa una falta para informar a los inquisidores. Este agente del Santo Tribunal ama a la cantante de coplas conocida en la ciudad con el nombre de la Gioconda. Ésta aparece conduciendo a su vieja madre ciega y Barnaba aprovecha la oportunidad para declararle la pasión que le inspira, mas la muchacha se aleja de él con repugnancia mientras busca al rico genovés Enzo, del que está enamorada. Llega a la plaza el gondolero Zuane, que acaba de ser vencido en unas regatas, y el pérfido espía, para vengarse de los desdenes de la Gioconda, le dice que la vieja ciega le ha echado un sortilegio que con su maléfico hechizo le ha impedido vencer. El gondolero, dominado por la cólera, intenta maltratar a la pobre anciana cuando aparece Enzo y lo impide.

Entran también el juez inquisidor Alvise y su bella esposa Laura, que sostiene secretamente relaciones amorosas con el noble genovés. Laura suplica a su marido que tome bajo su protección a la vieja mujer, la cual, conmovida por este generoso rasgo, hace entrega a la compasiva dama de su rosario, como prueba de gratitud. En tanto, el espía Barnaba ha observado las miradas apasionadas que Laura y Enzo se dirigían, y, para deshacerse de este rival en el amor de la Gioconda, trama una intriga a fin de perderle. Llevándoselo aparte, le dice que Laura le visitará aquella noche en la embarcación que tiene anclada en el muelle veneciano, a cuya noticia el joven aristócrata escapa para preparar un digno recibimiento a su amante. El vil espía informa después de lo mismo a Alvise, dándole cuenta de la hora y lugar exactos en donde podrá comprobar la infidelidad de su esposa. La Gioconda, que oye esta declaración, se ve asaltada por los celos al saber que Enzo ama a otra. Seguidamente aparece el coro de lindas muchachas y mozos venecianos, y bailan en medio de la plaza la famosa danza llamada " furlana", acabando así el acto I.

Comienza el acto II. Puente de un navío amarrado en el puerto de Venecia. El espía Barnaba, disfrazado de pescador, canta en compañía de unos marineros. Después de mandar a uno de ellos a prevenir en su nombre a las galeras de la policía del Dux, se esconde. Llega Enzo a su buque y es saludado con aclamaciones por toda la tripulación. Él se siente feliz entre cielo y mar y cuando aparece su amada Laura la introduce a bordo diciendo que levarán anclas aquella madrugada para zarpar con las primeras luces de la aurora. Pero su dicha es turbada por la llegada de la celosa Gioconda, que disputa el cariño del hombre querido con la rival que se lo arrebata. Extrayendo una daga que llevaba escondida, se dispone a apuñalar a Laura, cuando percibe el rosario de su madre que aquélla lleva al pecho, y al recordar el generoso comportamiento con la pobre ciega, desecha su criminal propósito y se le ofrece como amiga. En aquel momento aborda el buque una de las naves de la policía conduciendo al marido de Laura, y la Gioconda, para salvarla del compromiso en que se encuentra si es sorprendida, la ayuda a escapar. Seguidamente informa a Enzo que los agentes del Dux vienen a prenderle, habiendo sido denunciado por el espía Barnaba. El joven genovés, prefiriendo perder su buque antes que entregarlo al innoble esbirro de los inquisidores, le prende fuego por su propia mano, poniéndose a salvo después. Finaliza así el acto.

El acto III comienza en el salón en el palacio de Alvise. Este inflexible juez, aunque no ha podido comprobar plenamente la infidelidad de su esposo, decide que, para expiar sus aparentes ligerezas, perezca aquella misma noche. Así, pues, le ordena que beba un brebaje que contiene veneno y se libre ella misma de una vida que no ha sabido soportar con dignidad. La sumisa esposa promete obedecerle, mientras la Gioconda, que reconocida por el bien que hizo a su madre vela por ella, substituye el veneno de la copa por un fuerte narcótico. Laura lo ingiere y cae sumida en profundo letargo. Alvise, creyendo que ha muerto ya, abre las puertas del salón a sus invitados, a los que ofrece una gran fiesta en la que se ejecuta la deliciosa "Danza de las Horas". El implacable Barnaba dice a Enzo, que es uno de los convidados, que su amada ha muerto. En su desconsuelo éste trata de desenmascarar al anfitrión acusándole de celebrar un baile en su casa, donde hay una persona de cuerpo presente. Al escándalo que produce esta grave denuncia acuden los guardias, que arrestan a Alvise, el cual, antes de abandonar el salón, descorre una cortina y muestra el inanimado cuerpo de Laura, a la que dice ha dado muerte él mismo. Todos los comensales quedan petrificados de horror. Enzo trata de vengar a la que supone su difunta amada, asesinando al cruel marido, pero varios invitados lo detienen, y mientras los guardias se llevan a Alvise, él queda preso bajo la custodia de Barnaba. Entonces la Gioconda ofrece a éste acceder a su amor si pone en libertad a Enzo, trato que acepta el apasionado espía con la esperanza de poder poseer al fin a la mujer que ambiciona.

El cuarto y último acto comienza en las ruinas de un castillo emplazado en la costa del mar Adriático. Hasta este apartado refugio ha conducido la abnegada Gioconda el aletargado cuerpo de Laura. Una vez ha llegado, dice a los hombres que la han ayudado a evadirse que vayan en busca de su anciana madre, pues teme que sus perseguidores se venguen en la infeliz ciega.

Aparece Enzo y Laura empieza a despertar de su pesado sueño. Los dos amantes se abrazan tiernamente y juran no separarse jamás. La desdichada Gioconda contempla este idilio con tristeza, pues piensa que está condenada a una eterna soledad, y después de ayudar generosamente a los dos amantes a ponerse a salvo, decide morir.

Cuando se dispone a engullir una pócima venenosa, aparece el espía Barnaba que viene a reclamar la promesa que le hizo. Ella finge estar dispuesta a cumplir la palabra empeñada, puesto que él cumplió con la suya, mas aprovechando una distracción del espía, saca su daga y se apuñala el pecho. El cruel Barnaba, viéndola moribunda, aún tiene tiempo de amargar sus últimos instantes de vida, diciéndole pérfidamente que antes de venir en su busca había dado muerte a su vieja madre.

Pues ya sólo nos resta lanzarnos sobre una grabación. La que os ofrezco es para mí la referencia de esta obra. Echándole un ojo a la ficha de reparto os podeis hacer una idea de porque lo digo:

La Gioconda: Anita Cerquetti
La Cieca: Franca Sacchi
Alvise Bedoero: Cesare Siepi
Laura Adorno: Giulietta Simionato
Enzo Grimaldo: Mario del Monaco
Barnaba: Ettore Bastianini
Zuane: Giorgio Giorgetti
Isepo: Athos Cesarini
Un piloto: Guido Pasella
Un cantante: Edio Peruzzi

Orchestra e Coro del Maggio

Musicale Fiorentino

Gianandra Gavazzeni

Como os comentaba esta grabación, de 1957, es para mí una de las mejores que se ha hecho de la obra. Anita Cerquetti, soprano de efímera carrera, da una Gioconda electrizante, con un "Suicidio!" que pone los pelos de punta. Mario del Monaco por su parte es una voz grande que en este registro no consigue ser una gran voz en el ciento por ciento de la partitura. Se echa en falta mayor matiz y menos estentoreidad. No obstante, un derroche vocal como Enzo. En lo tocante a Giulietta Simionato, Ettore Bastianini (que pena de carrera truncada por la muerte en pleno cénit) y Cesare Siepi, simplemente diré que son una Laura, Barnaba y Adorno referenciales, un lujo para la grabación. Emotiva la Cieca de Franca Sacchi y competente el resto del reparto. Gianandrea Gavazzeni deja su particular firma en forma de música al frente de las huestes del Maggio Musicale Fiorentino.

Y para terminar, aqui os dejo los enlaces, editados y fragmentados, como siempre:

CD1, primera parte
CD1, segunda parte
CD2, primera parte
CD2, segunda parte

Y un parrafito para mis dedicados: no os vayais a esperar en esta obra el más mínimo gorgorito. Esto no tiene nada, pero nada, nada, nada que ver con el Tancredi rossiniano. Sin embargo es de esas obras que, correctamente planteada, te hace fijar los ojos en el escenario y dejarte llevar por la música y su argumento. ¡Qué disfruteis del Real!

La obra que inspiró un blog

2008-02-10T15:20:00.000+01:00

Hace poco más de un año me planteaba que nombre ponerle al futuro blog que tenía pensado crear. Se me vinieron a la cabeza varios candidatos pero al final me decanté por el que ya todos sabeis y que aparece presidiendo este blog desde el día que nació. Pues bien, fue una obra de Gioachino Rossini, omnipresente él por estas páginas, el que inspiró el título del blog. Y concretamente una de sus óperas menos conocidas. Os estoy hablando de La Gazzetta, la obra que va a ser hoy protagonista.

Rossini estrenó su Gazzetta en el Teatro dei Fiorentini el 26 de septiembre de 1816, teniendo como libretista a Giuseppe Palomba, que a su vez se basó en "Il matrimonio per concorso" de Goldoni. Sin ir más lejos, "La Gazzetta" rossiniana lleva como segundo nombre el de la obra de Goldoni. Se trata de una obra "menor" del compositor, sobre la cual no puso demasiado empeño por tener entre manos otros menesteres más importantes como era el estreno de su Tancredi en la misma ciudad donde estrenó la obra que hoy nos ocupa. Es por ello por lo que, para su creación, echó mano a piezas de óperas precedentes, abundando pues el autopréstamo en esta obra. De tal manera, a medida que la obra va avanzando, nos vamos reencontrando con la introducción de "L´equivoco stravagante", el terceto entre bajos y tenor que ya podíamos escuchar en "La pietra del paragone", el dúo entre soprano y bajo o la escena al completo del baile de máscaras procedentes directamente de "Il turco in Italia" o piezas varias del "Torvaldo e Dorliska". Si a ello añadimos que la cantidad de recitativo en esta ópera es bastante ingente, concluiremos que hay que comprender que "La Gazzetta" lleve a menudo como coletilla "ópera menor".

Pero maticemos: no asociemos el término "ópera menor" con "ópera mediocre". Porque si bien es cierto que está a larga distancia de las obras maestras del Cisne de Pesaro, escuchándola nos damos cuenta de que la música nueva con la que cuenta es realmente deliciosa. Así, piezas como el dúo del segundo acto entre Filippo y Lisetta o las arias de ambos en este mismo acto son francamente plausibles.

Rossini realizó una distribución vocal variada para los distintos personales de la obra. Así, Alberto es un papel para tenor contraltino. Don Pomponio es un personaje para bajo buffo mientras que el de Filippo es más adecuado para un bajo noble, si bien debe transmitirle al rol un aire burlesco. Los papeles secundarios de Anselmo y Monsù Traversen son roles de carácter cómico para bajo. En lo tocante a la parte femenina, Lisetta y Doralice son dos personajes para soprano y mezzosoprano cómica respectivamente. El secundario rol de Madama la Rose es mezzosopranil y de carácter cómico.

Contemporáneamente, la obra no ha contado con gran difusión discográfica. La primera grabación disponible data del año 1960 (nueva muestra de lo que la pre-Rossini Rennaisance constituyó en el mundo de la ópera por entonces), con un reparto que incluía a un solvente Italo Tajo en la parte de don Pomponio, una impertinente Angelica Tuccari como Lisetta, un elegante Agostino Lazzari como Alberto y un estupendo Mario Borriello como Filippo. A la batuta, Franco Caracciolo. No eran años para pedir peras al olmo y la versión adolece de vida y estilo, pero para ser una recuperación en toda regla lo menos que podemos hacer es agradecerla. Muy probablemente lo que escuchamos en esta versión -en lo tocante a recitativo y música-es lo que debió escucharse en el estreno de la obra en 1816. Posteriormente llegarían dos grabaciones más hasta que el Festival de Pesaro diera un gran empujón a la obra. Y es que en la edición 2001 del rossiniano festival se programó una nueva versión de "La Gazzetta" a cargo de Dario Fo y Philippe Gossett. Si bien la puesta en escena de Dario Fo era un verdadero despropósito, la obra gana bastantes enteros musicalmente, aligerando los recitativos, dando virtuosismo y elegancia a varias piezas e incluyendo -oh, sorpresa- la celebérrima tarantella rossiniana "Già la luna é in mezzo al mare" en uno de los recitativos del acto I. Se creó edición discográfica de esta función y posteriormente esta revisión pesarense se paseó por varios escenarios, incluyendo entre ellos el del Liceu de Barcelona, para recalar nuevamente en Pesaro en la edición del Festival de 2005.

Argumentalmente, la obra narra como el comerciante don Pomponio Storione pone un anuncio en el periódico (la Gazzetta a la que alude el título de la obra), ofreciendo la mano de su hija Lisetta al mejor postor. La llegada a la posada del comerciante Anselmo y su hija Doralice complicarán las cosas, ya que el pretendiente de la hija de don Pomponio, Alberto, confundirá a Doralice con Lisetta. Filippo, dueño de la posada en la que todos se alojan y que ama y es correspondido por Lisetta, padecerá una pequeña crisis amorosa con ésta última por otro nuevo equívoco. Tras varias confusiones y tretas presenciadas por dos personajes más, Monsù Traverse y Madama La Rose, todo acabará felizmente con la reconciliación de Lisetta y Doralice con sus dos molestos padres y la unión de ambas con Filippo y Alberto respectivamente.

Pues ahora, vamos con la grabación. La que os ofrezco es la del regreso de "La Gazzetta" a Pesaro, en la edición del Festival de 2005 que ya os comentaba anteriormente.

Veamos la ficha de reparto:

Don Pomponio Storione: Bruno Praticò
Lisetta: Cinzia Forte
Filippo: Lorenzo Regazzo
Doralice: Francesca Provvisionato
Anselmo: Andrea Porta
Alberto: José Manuel Zapata
Madama La Rose: Manuela Custer
Monsú Traversen: Paolo Bordogna

Orquesta Sinfónica de Galicia
Coro da Camera di Praga · Antonello Allemandi

Estamos ante una muy disfrutable grabación. Bruno Praticò nos da un buen don Pomponio, que mejor es escucharlo que verlo, ya que sobre la escena se mueve torpemente y con bastante poca gracia. Realmente bien Cinzia Forte como una marimandona y consentida Lisetta. Pero los puntos fuertes de la versión son sin dudas José Manuel Zapata (que debutaba en el Festival "grande") y Lorenzo Regazzo, que dan un Alberto y Filippo sencillamente estupendos. Paolo Bordogna canta un muy buen Monsú Traversen (poca responsabilidad para una voz que ha adquirido compromisos mayores en el Festival). Bien Andrea Porta, Manuela Custer y Francesca Provvisionato como Anselmo, Madama La Rose y Doralice. Antonello Allemandi, director de gran bagaje belcantista, dirige competentemente a la Sinfónica de Galicia. La parte coral está defendida, como no, por el Coro da Camera di Praga.

La grabación, procedente de una toma radiofónica de muy buen sonido, va editada y fragmentada en pistas, como es habitual en este blog. Los enlaces, a continuación:

CD1
CD2

Pues nada, a disfrutar de este infrecuente título rossiniano. ¡Hasta la próxima!

Pauline García, Pauline Viardot

2008-02-04T23:44:00.001+01:00

Cuando daba por finalizada la entrada dedicada a García y sus tonadillas os prometía retomar a su familia en la figura de su segunda hija, Pauline Viardot. Pues bien, cumpliendo con lo dicho, en esta entrada me voy, nos vamos a lanzar sobre la vida y un poquito de la obra de esta leyenda del mundo de la lírica.

Pauline García vino al mundo allá en tierra extraña, como diría la canción. Nacida en París el 18 de julio de 1821, fue la segunda de las ilustres hijas del patriarca Manuel García. Su hermana fue la celebérrima Maria Malibrán, fallecida demasiado prematuramente a causa de un accidente. Algo debía tener la Viardot para que fuera ojito derecho de su padre. Y es que nuestra protagonista recibió instrucción musical de su progenitor. Las lecciones que recibiría por parte de diversos maestros forjarían una voz con una extensión entre el FA3 y el DO6.

Su debut concertístico tendría lugar en 1837, cuando Pauline tenía dieciseis años. Dos años más tarde debutaría operísticamente en Londres con la Desdemona del Otello rossiniano, cosechando un clamoroso éxito. En 1840 contrae matrimonio con el director del Théatre Italien de París, Louis Viardot, adoptando pues su apellido.

Y con tan sólo veinte años de edad, la carrera de la Viardot se dispara. Autores como Chopin, Berlioz o Saint-Saëns le dedican diversas composiciones. Una de sus mayores craciones sería la Fidés de "Le prophéte", papel que Meyerbeer compuso pensando especialmente en ella. Pero no despiera admiración tan sólo entre autores musicales: directores, novelistas y escritores se maravillan ante sus dotes vocales. Georges Sand, compañera sentimental de Chopin, la haría protagonista de una de sus novelas: "Consuelo".

La carrera profesional de Pauline no se circunscribe sólo al canto: también ejercería como compositora creando óperas y ciclos de canciones. También posee hablidades idiomáticas, dominando seis lenguas: español, inglés, francés, italiano, alemán y ruso. Precisamente en tierras rusas pasaría tres años de su vida como primera figura de la Ópera de San Petersburgo, entre 1843 y 1846.

En 1863, nuestra protagonista se retira de los escenarios, abandona Francia junto a su familia por su oposición a Napoleón III y traslada su residencia a Baden-Baden. Con la caída del emperador regresa de nuevo a Francia, donde comienza a impartir clases en el Conservatorio de París.

En 1883 fallece su marido. Viardot gozaría aún de veintitrés años más de vida, falleciendo finalmente a los ochenta y nueve años. Fue enterrada en el cementerio de Montmartre, dónde a día de hoy aún reposa.

¿Qué tal si ponemos un poco de música a la figura de Pauline Viardot? Para ello os ofrezco un recital titulado Pauline Viardot and friends, el cual recoge varias canciones de nuestra soprano así como piezas de otros compositores vinculados directamente a su figura. El programa del recital es el siguiente:

Pauline Viardot: Dve rozy, L'Absence, Berceuse, Le Chêne et le roseau, Utës, Die Sterne, Scène d'Hermione, Sinitsa, Indécision, Allein, En mer, Buria, C'est moi, Ici-bas tous les lilas meurent, Zaklinanie, Havanaise; Manuel Garcia: Celos; Gioachino Rossini: La Regata veneziana; Charles Gounod: Chanson de printemps; Giacomo Meyerbeer: Délire; Frédéric Chopin: Berceuse; Hector Berlioz: La Captive, op. 12.

Y cuatro protagonistas: la extraordinaria y rossinianísima soprano Anna Caterina Antonacci, la mezzosoprano Frederica Von Stade, el barítono Vladimir Chernov y al piano, David Harper. Fanny Ardant (sí, la Callas de la famosa película) realiza una introducción a cada una de las piezas para poner al oyente en situación de lo que va a escuchar.

Este recital se celebró en el Théâtre du Chatelet de París el 1 de marzo de 2006. La grabación, procedente de una emisión radiofónica francesa, tiene un sonido extraordinario. Va, como de costumbre, editada y fragmentada en pistas. Os dejo los enlaces:

CD1
CD2

Pues nada, a disfrutar de otra de las figuras clave del clan García.

¡Hasta la próxima!

El Suplemento

2008-02-03T16:11:00.000+01:00

Es costumbre que los periódicos incluyan entre sus páginas algún suplemento que complemente el contenido de la publicación principal, que viene siendo el diario en cuestión. Un periódico que dice estar dedicado al género lírico como verdaderamente es La Gazzetta Belcantista no podía ser menos. Así que a partir de hoy el blog va a disponer su suplemento particular.

Este suplemento pretende constituir un índice general de todo lo que os ofrezco en La Gazzetta. Si bien en el blog teneis disponible un mecanismo de etiquetas y un motor de búsqueda con los cuales podeis bucear por el contenido del blog, es posible que vayais buscando algo en especial. Gracias a este índice general podreis consultar si lo que quereis está o no está disponible en La Gazzetta. Y si está disponible, simplemente con pulsar sobre el enlace que acompañará a cada referencia del índice ireis a parar a la entrada en la que teneis aquello que vais buscando.

Mi intención es que este índice sea de fácil acceso, por lo que he creado para ello una sección a la que he denominado, como se puede intuir de las líneas anteriores, El Suplemento. Esta sección se irá actualizando a medida que vaya publicando nuevos contenidos en La Gazzetta. Tendreis siempre disponible un enlace en la parte derecha de la página, justo encima de la licencia por la que se rige este blog. Así con tan sólo un click podreis consultar el índice.

Pues nada, espero que esta mejora os sea de utilidad y os permita disfrutar de todo lo que podeis encontrar entre las páginas de mi periódico particular.

¡Hasta la próxima!

Manolillo nos da propina

2008-01-30T11:46:00.000+01:00

Últimamente sale a relucir con frecuencia el nombre de Manuel García. En esta entrada va a volver a ser él nuestro protagonista, mediante una cosa a la que, haciendo un alarde de anglicanismo comercial, podríamos denominar "bonus track". Y es que la grabación de "El poeta calculista" que os ofrecía hace dos entradas viene complementada con otras dos piezas que es la que os voy a ofrecer ahora para que tengais el pack completo. Estas piezas son las denominadas Tonadillas.

Como se desprende de su denominación, estas tonadillas son bastante más amables desde el punto de vista de dificultad que su calculista compañero. Estamos ante unas piezas bastante menos ambiciosas y de duración considerablemente menor. No por ello son merecedoras de menosprecio. Todo lo contrario: constituyen buenos ejemplos de la labor compositora de Manuel García en otra faceta musical: a la ya conocida faceta de operista y compositor de canciones ahora se une este otro género.

La primera de las tonadillas incluidas lleva por nombre El majo y la maja. Está dividida en seis números y fue compuesta en 1798. La segunda se titula La declaración. Está divida en cinco números y fue compuesta en 1799. Tanto en una como otra se alternan arias y dúos hasta concluir en el obvio final feliz.

Estas tonadillas, para soprano y tenor, cuentan con la interpretación de la soprano andaluza Ruth Rosique y del tenor Mark Tucker. Exquisita, extraordinaria ella. Correcta labor la de él, aunque por razones obvias carece de esa españolada de la que goza Rosique. Extraordinario Andrea Marcon al frente de la Orquesta Ciudad de Granada.

Aqui teneis el enlace:

CD único

Y no creais que esta va a ser la despedida de la familia García. En la próxima entrada volverán a ser protagonistas, esta vez en la figura de Pauline Viardot. Pero todo a su debido tiempo...

Y Zapata se hizo grande

2008-01-29T18:03:00.000+01:00

El pasado fin de semana os presentaba la tercera función del rossiniano barbiere di Siviglia procedente del Metropolitan de Nueva York. Estas representaciones vienen constituyendo el debut en el más famoso teatro de Estados Unidos el debut de dos figuras del mundo de la lírica: la mezzosoprano Elina Garança y nuestro granadino tenor José Manuel Zapata. Aquella función que os presentaba correspondía a la del día 26 de enero y entonces comentaba que había aspectos en la interpretación de Zapata que podrían haber resultado más satisfactorios, amén de la existencia de puntos vacilantes en varios momentos de su interpretación.

Pues bien, lo que os traigo ahora es otra representación de esta serie de funciones, concretamente la segunda de ellas correspondiente al día 22 de enero. Mantengo exactamente todos mis comentarios que ya expresaba con ocasión de la función del día 26. ¿Todos? Todos no. Los correspondientes a la labor de José Manuel Zapata tengo que variarlos. Porque si en la función del día 26 escuchábamos imperfecciones, en la del día 22 esas inseguridades brillan totalmente por su ausencia. Solamente hay que comparar su "Cessa di più resistere" del día 22 con el del día 26 para comprender de que hablo. Aqui es donde tenemos al verdadero Zapata. Si quereis corroborarlo, escuchadle en plena faena:

Cessa di più resistere, 22 de enero de 2008

Como de costumbre he editado y fragmentado la grabación completa, que además goza de extraordinario sonido como podeis ver en el ejemplo anterior. Si quereis disfrutar de una muy buena función y escuchar a nuestro Almaviva en plena forma, no dudeis en bajarla. Podeis encontrar la grabación en el siguiente enlace:

Función del día 22 de enero de 2008

¡A disfrutarla con salud!

Yo que soy contrabandijjjjta

2008-01-28T20:40:00.000+01:00

En este blog se ha hablado muchísimo de Rossini, de sus óperas y de los cantantes que se encargaron de estrenarlas. En la anterior entrada se hablaba del celebérrimo Barbiere di Siviglia y salía el nombre de Manuel García, el primer Almaviva de la historia. Pues se da la circunstancia de que García, además de haber desarrollado una fructífera carrera como cantante, también desarrolló una destacada trayectoria como compositor. Y para muestra, el botón que traigo hoy al blog: su obra El poeta calculista.

La edición española de Wikipedia es poseedora de una buena biografía de nuestro protagonista de hoy, así que me serviré de la misma para ilustrar biográficamente al compositor. Manuel García vino al mundo en Sevilla, el 22 de enero de 1765. Fue bautizado en la parroquia de Santa María Magdalena y en su partida de bautismo puede leerse que es hijo legitimo de Gerónimo Rodríguez y su esposa María Aguilar. Se discute el origen del apellido García, parece ser que proviene de su abuelo paterno Diego Rodríguez-García, hay que tener en cuenta que en el siglo XVIII aun no estaba estandarizada la norma de adoptar el primer apellido del padre y el segundo de la madre. El segundo nombre del Pópulo procede del convento agustino Santa María del Pópulo situado cerca de su lugar de nacimiento.

A los seis años ingresó en el coro de la Catedral de Sevilla, donde tuvo su primera formación. Se sabe que al menos hasta los 14 años vivió en el hogar familiar junto a sus padres, abuela materna y hermanas Rita y Maria. La Sevilla de su infancia carecía de vida operística debido a una prohibición municipal y eclesiástica que pretendía librar a la ciudad de los pecados que el teatro y la ópera podían traer a los ciudadanos. Así que, a los dieciséis años se traslada a Cádiz. En 1792 debutó en el Teatro de Cádiz con la obra La Tonadilla. En esta ciudad se casa en 1797 con la también cantante Manuela Morales.

En 1798 se trasladó a Madrid junto a su esposa integrándose en la compañía de Antonio Ramos, cantando en el Teatro de los Caños del Peral (actual Teatro Real de Madrid) algunas de las primeras tonadillas de composición propia: El Majo y la Maja y La Declaración. Poco después tras un incidente con la guardia militar del Teatro del Príncipe que le costo una breve estancia en prisión abandona Madrid para dirigirse a Málaga.

Durante su estancia en Málaga (1800-1801) tiene éxito, pero añora Madrid y en 1802 vuelve a la capital de España. Entre sus composiciones más famosas de este periodo están "Quien porfía mucho alcanza", "El criado fingido" y sobre todo nuestro protagonista de hoy, "El ooeta calculista".

En 1807 comenzó una serie de viajes por diferentes países que duraron hasta su fallecimiento, primero París donde tuvo éxito como tenor y compositor.

Entre 1811 y 1816 se instala en Italia donde completó sus estudios musicales y estrenó su ópera "Il califfo di Bagdad" por la que obtuvo gran éxito. Gioachino Rossini lo eligió como tenor principal para el estreno de su Barbiere, como ya os comentaba, además del "Otello" en el rol titular. Las partituras de las dos óperas indican que García tuvo una tesitura de dos octavas, buenas coloraturas y un buen control de respiración en frases largas.

Continuó con su periplo internacional componiendo y representando sus propias óperas, para trasladarse finalmente a Nueva York donde representó varias óperas de composición propia como L'amante artista, asimismo estrenó óperas de Mozart y Rossini inéditas en América.

En 1827 viajó a Méjico donde contribuyó a la difusión del género operístico traduciendo al español obras francesas e italianas para mejorar su aceptación por el público mexicano. En este país aparte de su éxito le ocurrió un desagradable incidente, cuando se dirigía a Veracruz, llegando a un lugar llamado Tepeyagualco, el convoy en el que iba, fue asaltado por unos bandoleros, sus carruajes saqueados, siendo víctima del robo de mil onzas de oro, fruto de todo su trabajo.

En 1830 volvió a Francia dedicándose a la docencia hasta su muerte acaecida en París el 9 de junio de 1832.

Sus hijas María Malibrán (1808-36) y Pauline Viardot-García (1821-1910, apuntad el nombre de esta última, que próximamente aparecerá en el blog) tuvieron grandes éxitos como cantantes de las óperas del bel canto. El hijo Manuel Patricio Rodríguez García (1805-1906) no pudo repetir el éxito de su padre, pero se convirtió en el maestro de canto más influyente del siglo XIX y XX, continuando la escuela de su padre.

Como os comentaba anteriormente, la obra que os traigo se titula "El poeta calculista", estrenada con grandísimo éxito en 1804. Se trata de un "monólogo" de una hora de duración en el que el protagonista y único personaje, el poeta, expone al público cual va a ser la estructura de su nueva ópera mientras fantasea sobre el éxito que ésta va a tener. Y durante estos sesenta minutos podemos ir escuchando música de muy diversa índole, desde la inevitable sinfonía pasando por pequeñas canciones, arias de envergadura, polacas e incluso un dúo del poeta consigo mismo en el que se encarga de interpretar tanto la voz masculina como la femenina. Y entre todas estas piezas una que se haría famosísima, últimamente muy de moda por el último disco de Cecilia Bartoli: "Yo que soy contrabandista". Tan famosa fue la pieza que llegó a olvidarse cual fue su origen, cantándose en innumerables ocasiones. No era raro que en las representaciones de "Il barbiere di Siviglia" la Rosina de turno sustituyera la lección "Contro un cor" por "Yo que soy contrabandista" (más aún si la Rosina era cantada por alguna de las vástagas del patriarca García).

Pues bueno, vámonos con la grabación de esta obrita. La versión que os ofrezco tiene como protagonista a Mark Tucker, tenor especializado en barroco que aqui hace una buela labor, aunque se muestra lánguido en varias ocasiones (una de ellas en "Yo que soy contrabandista", ni punto de comparación con la intensísima lectura que hace Cecilia Bartoli en su disco "Maria"). Entre sus mayores logros, la gran escena "Y entre las arboledas", el dúo "Ha llegado en tanta dicha" y la polaca "Si en tal dichoso instante". La parte hablada es tarea de un genial Pepe Cantero, que recita las reflexiones del poeta de una manera extraordinaria. Andrea Marcon realiza una loable lectura comandando a la Orquesta Ciudad de Granada.

Pues aqui teneis el enlace:

CD único

Si os animais a escucharla os aseguro que la vais a disfrutar mucho. Palabra.

¡Laralarela, laralará!

2008-01-26T23:19:00.000+01:00

Dicen que lo prometido es deuda y hoy voy a cumplir con una promesa que hice en mi anterior entrada. Y es que hoy llega al blog la que con toda certeza es la obra cumbre, universal, imperecedera, eterna... (os invito a que sigais la serie de elogios) de ese compositor pesarense que fue Gioachino Rossini. Me estoy refiriendo, como no, al celebérrimo Barbiere di Siviglia.

Hablando de la obra que hablamos muchos pensareis que no hace falta una presentación, pero como me consta que en el blog entran personas que están iniciándose poquito a poco en este mundillo creo que es necesario hacer el correspondiente estudio (llamémosle así) que hago con todas aquellas obras que aparecen en el blog por primera vez. Así que antes de lanzarnos sobre la grabación, vamos a presentar a Figaro y su troupe.

La ópera número 17 de Rossini vería la luz por primera vez el 20 de febrero de 1816, en el romano teatro Argentina. El libreto es obra de Cesare Sterbini, que ya había colaborado con el compositor en su ópera inmediatamente anterior: Torvaldo e Dorliska (si os interesa conocerla la teneis disponible en el blog). Está basado en la primera parte de la trilogía "figaresca" que escribiera Beaumarchais. La ópera tiene un predecesor musical: la homónima que firmaría el compositor Giovanni Paisiello. De hecho, con el fin de no "enfadar" ni a Paisiello ni a sus adeptos, compositor y libretista optaron por presentar la obra con el título Almaviva, o sia, L´inutile precauzione. Intervinieron en el estreno el español Manuel García en la parte de Almaviva, Geltrude Righetti como Rosina, Luigi Zamboni como Figaro, Bartolomeo Botticelli como Bartolo y Zenobio Vitarelli como Don Basilio. El resultado del estreno fue un verdadero fracaso. Cuentan las crónicas que la mala suerte se alió para que así sucedieran las cosas. Y es que Vitarelli se rompió la nariz antes de salir a cantar, un gato negro se cruzó por el escenario, a García se le rompió la cuerda de la guitarra mientras cantaba su serenata, el público abucheaba y se carcajeaba del compositor, etc. Y así es como una de las obras cumbres de la ópera cosecha un estreno desastroso, cosa que cambió en la segunda representación, que consiguió un gran éxito. Una anécdota cuenta que Rossini se marchó del teatro antes de que concluyera la representación y al rato escuchó como una algarabía se dirigía hacia su residencia. Pensando que querían agredirle por su ópera se escondió, si bien la realidad era bien distinta: lo que el público pretendía era felicitarle por su nueva obra. Y aqui comienza la inmortalidad del Barbiere, única ópera rossiniana que no ha desaparecido de los escenarios desde que nació. Se ha visto tremendamente maltratada y adulterada durante la época del limbo rossiniano (finales del siglo XIX, primera mitad del siglo XX) pero ha sabido resistir el paso del tiempo con la frente bien alta hasta que llegó la anhelada Rossini Renaissance y con ella las voces ideales para la obra que hoy nos ocupa.

Vocalmente la obra se distribuye de la siguiente manera: Rosina es un rol para mezzosoprano cómica. Berta es un papel secundario para soprano y su carácter es cómico. Con el rol de conde de Almaviva se da una situación ambigua: fue ideado para un baritenor y la tradición lo ha convertido en un rol contraltino. Figaro es un excelente ejemplo de papel para barítono cantante. El personaje de don Bartolo es un clásico para bajo buffo, mientras que el de don Basilio es más adecuado para un bajo noble para así conseguir un mayor contraste entre las voces graves. Los secundarios roles de Oficial y Fiorello son roles de carácter cómico para bajo.

Y ahora vámonos a por el entretenido argumento del que goza esta obra: Acto I. Nos encontramos en Sevilla. Aún no ha amanecido. Aparece un grupo de personas que se acerca sigilosamente para no llamar la atención (Coro: Piano, pianissimo, senza parlar). Se trata de una charanga dirigida por un tal Fiorello, criado del conde de Almaviva, que tiene orden de esperarlo en la calle bajo un determinado balcón. Y es que el conde se ha enamorado de una joven que vive justamente allí y, muy poco imaginativo, ha decidido darle una serenata. (Serenata: Ecco ridente in cielo).

El hombre termina de cantar su serenata e ingenuamente espera que su amada salga rauda y veloz al balcón aunque en realidad eso no ocurre. Almaviva se desanima pero es perseverante y lo volverá a intentar de otra forma por lo que paga lo acordado a la charanga, recibiendo un agradecimiento demasiado impulsivo y ruidoso por parte de los músicos (Conjunto: Mille grazie, mio signore).

Cuando al fin se marchan los músicos se escucha al fondo una voz. El conde se pregunta por la identidad del sujeto que se acerca y decide esconderse para observarlo. Enseguida aparece el individuo en cuestión, que resulta ser el famosísimo Figaro, barbero y “factotum” de la ciudad, el cual se vanagloria de todo lo que es capaz de hacer y de lo solicitado que está. Y es que siendo “factotum della cittá” goza de una gran popularidad (Aria: Largo al factotum della cittá!).

Almaviva lo ha reconocido nada más verlo ya que, antaño, lo tuvo a su cargo. Va a su encuentro y Figaro también lo reconoce al instante pero el noble le ruega que no pronuncie su nombre en voz alta. El motivo está bien claro. Le cuenta que está en Sevilla buscando a una joven de la que se enamoró en Madrid mientras paseaba por el Prado. Pero hay un escollo: su padre no permite que nadie se acerque a ella. El conde está de suerte. Figaro le narra que él ejerce el oficio de barbero en dicha casa, y que el hombre con el que convive la joven no es su padre, sino su tutor. Le relata además que a la casa acude un cura a enseñar canto a la muchacha. También viven en la casa Ambrogio y Berta, criados del tutor. El conde atiende con total atención a todo, ya que le conviene recoger toda la información posible, pero pide al barbero que a partir de ahora se dirija a él con el nombre de “Lindoro”. “Lindoro” será primo de Figaro y estudiante pobre. El motivo es que Almaviva pretende que la muchacha se enamore de él de corazón y no por sus riquezas. En este momento, Figaro le propone que le cante una nueva serenata a la muchacha, a lo cual accede (Serenata: S´e il mio nome saper voi bramate). La joven, que la está escuchando, le ruega al concluir la primera estrofa que siga cantando pero al término de la segunda alguien la aparta de inmediato del balcón y lo cierra a cal y canto. No obstante ha tenido tiempo de lanzarle un mensaje por la ventana al conde en el que muestra cierto interés por él.

Ello desespera a Almaviva y ruega a Figaro que le ayude a entrar en la casa. El barbero acepta a cambio de una bolsa de monedas y le propone un plan extraordinario: ha llegado a Sevilla un regimiento y los soldados tienen derecho a alojarse en cualquier casa de la ciudad siempre que presenten la orden oportuna. Se da la feliz casualidad de que Almaviva conoce al coronel de dicho regimiento por lo que será fácil conseguir la orden. Figaro por su parte le proporcionará un disfraz de militar, a la vez que le aconseja que se finja borracho ya quede esa manera el tutor no sospechará nada. Una vez ideado el plan ambos marchan para prepararlo todo (Dúo: All´idea di tal metallo).

Ahora nos trasladamos a una de las habitaciones de la casa y en ella encontramos a Rosina, la joven de la que está enamorado Almaviva. Se ha quedado fascinada con la serenata que el conde le ha dado y nos da una idea detalladísima de cómo es: ella es una muchacha inocente y dócil, pero si alguien le hace algo ya se puede ir preparando la “víctima” porque se puede convertir en una víbora (Aria: Una voce poco fa).

Acto seguido tiene lugar la aparición del doctor Bartolo, que regaña severamente a la pobre muchacha, a la que la tiene totalmente sometida y aislada en su casa. Pero es que el doctor está enamorado de su pupila y quiere casarse con ella. Además, la dote que recibiría en caso de efectuarse el matrimonio sería atractivamente cuantiosa. A continuación entra don Basilio que, además de ser maestro de música y cura, es muy chismoso. Llega con una noticia que pone los pelos de punta al tutor: ha llegado a la ciudad el conde de Almaviva y se rumorea que ronda a la muchacha. Para desprestigiarle propone a Bartolo tramar una calumnia pero el viejo no sabe muy bien de que va su plan. Don Basilio se lo explica de manera harto clara (Aria: La calunnia é un venticello). Al doctor no le convence la idea, ya que lo que quiere es acabar con el tema cuanto antes y la idea de don Basilio va a llevar tiempo elaborarla. No obstante nunca viene de más tener un plan alternativo.

Figaro, escondido, lo ha escuchado todo y una vez que el dúo se ha marchado va en busca de Rosina. Tras adornar el asunto con un poco de intriga, le hace saber a la joven que su primo Lindoro está muy enamorado de ella y que está deseando verla, pero para ello es necesario que le escriba una carta que le sirva como muestra de que ella también está interesada en él. Figaro va en busca de pluma y papel para que la escriba y Rosina, que se las sabe todas, se saca del escote la carta ya escrita. Figaro, sorprendido y maravillado, alaba la astucia de la muchacha (Dúo: Dunque io sono, tu non m´inganni).

El barbero se va corriendo pero llega de nuevo el doctor Bartolo, que no se fía mucho de la muchacha. Le pregunta si ha estado con Figaro, y responde afirmativamente, haciendo hincapié en que es un muchacho muy amable y además muy agraciado. El doctor se percata de que el dedo de la muchacha está manchado de tinta y ésta alega en su defensa que se lo ha manchado a posta para contrarrestar el dolor de una quemadura que se ha hecho. Pero Bartolo sigue desconfiando y se pone a investigar en la habitación. Por una parte descubre que en la mesa tenía seis hojas y ahora sólo hay cinco, pero Rosina, improvisando, comenta que ha usado la que falta para envolver unos caramelos destinados a la hija de Figaro. Don Bartolo se da cuenta ahora de que la pluma está mojada, señal inequívoca de que la ha usado. Rosina le dice que la ha utilizado para dibujar una flor en un bordado que está haciendo. Bartolo no cree ni una palabra y sospecha que hay algo que él no sabe, así que ordena a la muchacha que se encierre en su habitación y no salga de allí para nada, ya que con un doctor de su condición no se puede jugar así (Aria: A un dottor de la mia sorte).

La muchacha obedece al viejo gruñón y Bartolo se va muy enfadado. De repente se escucha tocar a la puerta. Berta va a abrir, y entra un soldado borracho. Ese soldado no resulta ser otro que el conde, que ya ha puesto en marcha el plan de Figaro. La presencia de este soldado desconcierta a Bartolo, pero el supuesto militar le informa de que se quedará a dormir y le enseña la orden que ha conseguido. A Bartolo le incomoda mucho esta situación y refunfuña por ello. Mientras tanto Almaviva busca a la muchacha, la cual, viendo la escena, se pregunta qué harán allí el tutor y un soldado. Se acerca a curiosear y, en un momento de descuido del doctor, el conde le revela que es Lindoro. La muchacha se alarma y le exhorta a tener mucho cuidado.

Bartolo no está dispuesto a que se quede allí un soldado borracho y le hace saber que tiene una patente de exclusión que le da derecho a no acogerle, así que se va a buscarla. Mientras tanto, el conde tira al suelo una carta y pide disimuladamente a Rosina que la cubra con un pañuelo. El doctor, que tiene vista de lince, se da cuenta y va corriendo a ver que ocurre. El conde le impide cogerla pero él está empeñado en ver qué es esa nota. Rosina, muy astuta, consigue cambiar con un movimiento hábil la carta por la lista de la colada y se la da a Bartolo con toda la inocencia que cabe imaginarse. Cuando el tutor observa que en realidad se trata de la lista se queda con un palmo de narices. Mientras tanto, Rosina y Almaviva se ríen de él. En ese momento aparecen don Basilio y Berta, que se quedan extrañadísimos de todo el barullo que se está formando (Quinteto: Ehi di casa!).

Rosina se pone a lloriquear y reprocha al tutor que la tiene oprimida. Almaviva desenvaina su sable y va en busca del doctor diciéndole que va a pagar por lo que ha hecho. “¡Pero si yo no le he hecho nada!”, dice Bartolo. El embrollo es enorme y en ese momento aparece Figaro informando de que tienen armado tal jaleo que se escucha todo desde la calle. Tras un cruce de insultos entre Almaviva y Bartolo se oye tocar a la puerta: se trata de la guardia, capitaneada por un comisario, que acude allí a ver que pasa. Todos dan su versión de los hechos hablando a la vez, lo que desconcierta al pobre comisario. El hombre, para cortar por lo sano, decide arrestar al borracho pero el noble se levanta la solapa del cuello y le enseña la insignia del condado de Almaviva. La guardia, al estar ante un grande de España, se cuadra y ello termina de desconcertar aún más al desdichado Bartolo, que ya está al borde del infarto. (Final: freddo ed immobile).

El pobre hombre consigue sacar fuerzas de flaqueza para preguntar por qué no se llevan al soldado de allí pero no obtiene respuesta. En este momento todos manifiestan el tremendo lío que sienten en su cabeza y en este ambiente de desconcierto general culmina el acto I (Final: Mi par d´essere).

Acto II. Seguimos en la casa de Bartolo. Ya ha atardecido. El doctor comenta que ha ido al regimiento y que nadie conoce al soldado que tantos quebraderos de cabeza le ha ocasionado. Ello le hace sospechar e incluso casi asegurar que ese soldado no es tal, sino un enviado del conde de Almaviva con el objetivo de investigar sobre el terreno. Mientras Bartolo realiza sus elucubraciones alguien vuelve a llamar a la puerta. Abren y entra de nuevo Almaviva, esta vez disfrazado de don Alonso, profesor de música y alumno de don Basilio. “Don Alonso” saluda a mientras le desea que la paz y la alegría estén con él durante mil años, pero tanto insiste en ello que el doctor acaba poniéndose nervioso de tanto escucharlo (Dúo: Pace e gioia sia con voi).

“Don Alonso” narra a Bartolo que don Basilio está enfermo y que él acude a sustituirle para darle la lección de canto a la muchacha. Don Bartolo se calza para acudir a ver a don Basilio inmediatamente pero el conde le para los pies. En este momento, para ganarse la confianza del doctor, e informándole de que don Basilio no sabe nada de lo que le va a contar, le entrega la carta que Rosina le mandó en el acto I. Le dice que se la ha dado el conde y que es muy preocupante que alguien ronde a Rosina de esa forma. Por este motivo propone a Bartolo utilizar la carta para hacer que Rosina se sienta burlada y que acabe en los brazos del tutor. Ante argumentos tan convincentes Bartolo queda convencido y se va en busca de la joven para que comience la lección de canto. Llega la muchacha y al ver a “don Alonso” da un pequeño grito, ya que reconoce al momento a su amado. El doctor se queda extrañado ante la reacción de Rosina, pero ésta sale del paso adecuadamente alegando que se ha hecho daño en el pie.

Comienza la lección de canto y Bartolo se aburre, así que se queda dormido. En ese momento Almaviva aprovecha para decir a Rosina que no tema, ya que él, con la ayuda de Figaro, la rescatará. Bartolo se despierta y terminan con la lección (Aria: Contro un cor). Al tutor no le ha gustado nada el aria que han ensayado y dice que la música en sus tiempos era otra cosa. Para demostrarlo canta un minuetto de un famoso castratto, Caffariello (Arietta: Quando mi sei vicina).

Llega Figaro para afeitar a don Bartolo pero éste se niega porque ese día no toca afeitado y además no le apetece, así que le pide que venga de nuevo al día siguiente. Figaro le responde no va a poder ser porque su lista de espera es muy abultada. Bartolo acepta de mala gana y le da las llaves para que vaya a buscar lo necesario, momento que el astuto barbero aprovecha para robar la llave del balcón de la habitación de Rosina. Figaro, para llamar la atención del doctor, tira todo lo que puede por el suelo. Bartolo marcha raudo y veloz para ver lo que ha destrozado. El conde aprovecha ese momento para informar a Rosina de que Figaro tiene la llave del balcón y que dentro de poco acudirán a raptarla, cosa que llena a la chica de alegría.

Regresa Bartolo blasfemando pestes porque Figaro le ha roto media vajilla. En ese momento llega don Basilio, cosa que pone el corazón en la boca a Rosina, Almaviva y Figaro y hace que Bartolo se extrañe. El doctor le pregunta si ya se encuentra mejor pero don Basilio no sabe qué responder ya que no comprende el sentido de esa pregunta. Almaviva le dice en voz baja a Bartolo que no hable demasiado, ya que el clérigo no sabe nada del plan que tienen entre manos y lo adecuado es que nunca lo sepa porque en caso contrario todo se podría complicar. Por tanto, lo mejor es echarlo de allí lo antes posible. La respuesta de don Bartolo resulta alentadora: “no se preocupe, que ahora mismo lo echo”. Figaro comunica al clérigo que tiene muy mala cara y le diagnostica fiebre escarlatina, ante lo cual todos se horrorizan pero siguen sin conseguir que se marche. Almaviva le da una “bolsa de medicina”, que no resulta ser otra cosa que una bolsa con monedas de oro, y le ruega que guarde cama. Don Basilio, con tal “remedio”, se convence y decide irse para alivio de los allí presentes (Quinteto: Don Basilio! Cosa veggo!).

Figaro llama a don Bartolo al afeitado y comienza su labor. Mientras tanto Almaviva comenta con la muchacha que irán en su busca a medianoche y que no debe temer, porque nadie le reconocerá con su disfraz. Pero por desgracia, el doctor lo escucha: “¿con su disfraz? Bravo, bravísimo don Alonso. ¿Paz? ¿Alegría? ¡Bribones! ¡Majaderos!” son sus palabras. Figaro, Rosina y Almaviva no tienen más remedio que salir corriendo de la sala (Terceto: Orsú, signor Don Bartolo).

Bartolo comprende en ese momento que todo lo que don Alonso le había contado sobre don Basilio era incierto, algo que confirma el propio cura, que ha vuelto al lugar. Viendo que sus planes de boda con Rosina peligran acuerda que se casará esa misma noche con su pupila y pide a don Basilio que acuda a medianoche de nuevo junto a un notario para realizar el enlace.

Todos marchan de allí y aparece Berta afirmando que el amor es un problema. Ella es vieja pero a pesar de su edad también siente ese picorcillo que es el amor (Aria: Il vecchioto cerca moglie).

Ya ha anochecido y Rosina espera con impaciencia la llegada de la hora prevista. Pero don Bartolo acude en busca de la muchacha y le dice que el tal don Alonso no era otro que un enviado del conde de Almaviva, y que de marcharse con él será entregada al libertino noble. Para demostrarlo todo el tutor le da la carta que “don Alonso” le entregó al comienzo del acto. Rosina se siente ultrajada y traicionada. Por ello, confiesa a su tutor el “rapto” que se efectuará a medianoche y consiente contraer matrimonio con él, lo que hace que Bartolo se lleve la primera y única alegría de toda la ópera.

Estalla entonces una tormenta y mientras diluvia vemos como Almaviva y Figaro entran por el balcón gracias a unas escaleras y la llave que antes habían robado. Allí encuentran a la muchacha, que ha acudido para comunicar a ambos que no tiene la menor intención de irse con Almaviva. El conde se alegra por ello ya que comprende que la muchacha realmente estaba enamorada del humilde “Lindoro” y en ese momento descubre su verdadera identidad, lo cual sorprende a la muchacha. Aclarado todo, el terceto decide marcharse de allí, ya que Figaro ha visto dos personas entrando en la casa pero no pueden fugarse porque alguien ha retirado la escalera (Terceto: Ah, qual colpo). Entra ahora don Basilio junto a un notario, que son esas dos personas que el barbero había visto. Almaviva ofrece a don Basilio un anillo… y de paso dos balazos si se niega a hacer de testigo en el enlace entre Rosina y él. Don Basilio acepta sin chistar y se efectúa el enlace.

En ese momento llega don Bartolo acompañado del comisario y le ordena que detenga a Figaro y Almaviva, a los cuales define como ladrones. Pero ya poco se puede hacer: Almaviva confiesa a Bartolo su verdadero nombre y el doctor se queda alucinado. Le pide que cese al fin de resistirse, ya que no puede hacer nada: Rosina es suya y sabrá tratarla mucho mejor. Para contentar al tutor le cede el importe íntegro de la dote (Aria: Cessa di piú resistire). Bartolo reconoce sus faltas y bendice a la pareja, cosa que llena de alegría a todos. Y en este ambiente de alegría general, termina la ópera (Final: Di si felice innesto).

En lo tocante a arias alternativas y añadidas, en el Barbiere encontramos dos casos. Son los siguientes:

La mia pace, la mia calma. Se trata de un aria que sirve como alternativa a “Contro un cor”, lección de canto de Rosina. Rossini consideraba que dicha pieza podría entrañar ciertas dificultades a las intérpretes del rol, motivo por el cual compuso una nueva lección, más sencilla que la primera. En esta pieza, al igual que en la original, Rosina aprovecha la lección de canto para confesarle a Almaviva implícitamente el amor que siente por él. A mitad de la composición, el breve diálogo que mantiene con Almaviva es similar al de la lección original.

Ah se è ver che in tal momento. Se trata de un aria que se añade justamente antes de la escena de la tempestad. Rossini lo compuso cuando cambió la tesitura del papel de mezzosoprano a soprano en honor de la cantante Joséphine Fodor-Mainvielle. Su música fue tomada del aria de Sigismondo situado al final del acto II de la ópera del mismo nombre. El doctor Bartolo acaba de comunicarle a Rosina que el supuesto Lindoro quiere raptarla tan sólo para llevarla ante su señor, el conde de Almaviva. Tras el desengaño la muchacha, que aún desconoce que Lindoro es el propio Almaviva disfrazado, pide ayuda a Dios, espera que todo sea una calumnia y que su amado sea inocente.

En lo que respecta a autopréstamos, Rossini acude a algunas óperas anteriores para idear la música de su nueva obra. Se trata de las que siguen:

La cambiale di matrimonio. El aria de Fanny en La cambiale di matrimonio (“Vorrei spiegar il giubilo”) guarda bastante similitud con la parte de Rosina en su dúo con Figaro en el acto I de Il barbiere di Siviglia (“Dunque io sono”).

La pietra del paragone. La tempestad del acto II de ambos títulos son parecidas.

Aureliano in Palmira y Elisabetta, regina d´Inghilterra. Las oberturas son similares.

Aureliano in Palmira. La melodía que acompaña al coro con el que se inicia Aureliano in Palmira (“Sposa del grande Osiride”) es similar a la que acompaña el aria de entrada de Almaviva en Il barbiere di Siviglia (“Ecco ridente in cielo”). La cabaletta de Arsace en su gran escena del acto II de Aureliano in Palmira (“Non lasciarmi in tal momento”) es similar a la cabaletta del aria de entrada de Rosina en el acto I de Il barbiere di Siviglia (“Io sono docile”).

Sigismondo. El coro con el que empieza el acto II en Sigismondo (“In segreto a che ci chiama”) tiene la misma melodía que el comienzo del acto I de Il barbiere di siviglia (“Piano, pianissimo senza parlar”). El dúo de Ladislao y Aldimira del acto I de Sigismondo (“Perchè obbedir disdegni”) se asemeja en ciertos momento al aria de don Basilio del acto I de Il barbiere di Siviglia (“La calunnia è un venticello”).

Toda esta información (y la correspondiente al resto de las óperas del corpus rossiniano) la podeis encontrar en mi libro "Gioachino Rossini · Más allá de Il Barbiere".

Y hasta aqui toda lo necesario para introducirnos en el meollo del asunto. Ahora si os parece, vamos a lanzarnos con la grabación. Se trata de un registro recientísimo, tanto que es del ya día de ayer. Podeis ver todos los datos en la ficha de reparto:

Rosina: Elina Garanca
Almaviva: José Manuel Zapata
Figaro: Franco Vassallo
Bartolo: Bruno Praticò
Don Basilio: Peter Rose
Berta: Jennifer Check
Oficial: Mark Schowalter
Fiorello: John Moore
Ambrogio: Rob Besserer

Metropolitan Opera Orchestra and Chorus · Frédéric Chaslin

Estas funciones constituyen el debut de José Manuel Zapata en el coso neoyorquino. En esta representación le he escuchado vacilante en algún que otro punto de su interpretación, como por ejemplo en el "Cessa di più resistere". Quitando este "pero", Zapata nos da un sólido y noble Almaviva y sin atisbo alguno de frialdad, cosa que tanto el espectador como el oyente agradece (agradecemos; escuchad a la voz de ya su "Se il mio nome"). ¿Ha habido cosas que podrían haber salido mejor? Sí. Sería faltar a la verdad si se dijera con lo contrario. Los cantantes son humanos y tienen días mejores y días peores. Me aseguran que las funciones anteriores a esta fueron mejor en el terreno vocal. Yo me lo creo a pies juntillas. Elina Garança también debuta en el Metropolitan y literalmente se luce como Rosina. Con eso queda dicho todo. Se dice, se rumorea que estas funciones pueden constituir su despedida del rol... Vozarrón el de Franco Vassallo, aunque he echado en falta más matiz en el rol: en este aspecto a Figaro se le puede sacar mucho partido y no tirar siempre por la faceta más cómica del personaje. Esto es precisamente lo que hace Bruno Praticò con Bartolo. Tengo que decir que cada vez más me recuerda a la sobreactuación que hacía hace cincuenta años Corena en sus grabaciones y funciones de la obra. Y eso no es bueno. Todo lo contrario: es un error. Correcto, pero plano y tosco, Peter Rose como Don Basilio y muy bien Jennifer Check como Berta. Bien el resto del reparto. Y brillante Frédéric Chaslin al frente de la orquesta. Gran concertador: le ha inculcado a la partitura una gran vitalidad.

La toma que os ofrezco ha sido realizada por un servidor. El sonido es extraordinario. La grabación va, como de costumbre, editada y fragmentada en pistas. Aqui teneis los enlaces:

CD1, primera parte
CD1, segunda parte
CD2, primera parte
CD2, segunda parte

¡Pues nada más de momento! Que disfruteis de la ópera cumbre rossiniana.

¡Felicidades, José Manuel!

2008-01-15T01:00:00.000+01:00

Esta entrada está destinada única y exclusivamente a felicitar a uno de nuestros jóvenes tenores más internaciones: José Manuel Zapata. Como recordareis, hace escasamente un mes estaba en Madrid debutando un nuevo rol rossiniano: el Argirio de Tancredi. Terminadas estas funciones, nuestro tenor granadino se embarcó rumbo a las Americas para cumplir el que era uno de sus sueños: cantar en el Metropolitan de Nueva York. Y digo "era" porque el sueño ha dejado de ser tal para convertirse en una realidad: José Manuel acaba de hacer su debut en el coso neoyorquino de mano, como no, de Rossini. El rol: el Conde de Almaviva del celebérrimo Barbiere di Siviglia. Y el estreno ha salido a pedir de boca, con un lleno hasta la bandera y consiguiendo pues nuestro tenor un éxito personal y profesional.

Con estas líneas me gustaría dar mi más sincera enhorabuena a este gran tenor, que sin duda merece este éxito y todos los que le tienen que llegar aún. El próximo día 26 de enero se retransmitirá radiofónicamente este Barbiere en el que Elina Garança, Franco Vassallo, Bruno Praticò, Peter Rose y Frédéric Chaslin acompañan a Zapata. No dudeis en que en cuanto tenga la grabación aparecerá en el blog.

Para los curiosos, en la foto aparecemos Zapata y servidor, durante una merienda en Madrid el pasado seis de diciembre en la que un grupo de amigos disfrutamos de la compañía del tenor.

Belcanteando, que es gerundio

2008-01-13T11:29:00.000+01:00

¿Qué tal las fiestas? ¿Bien? ¿Se ha quedado la cartilla del banco demasiado delgada? Inconvenientes de las Navidades. Pero bueno, dejemos de lado nuestras penurias económicas, que quien más, quien menos todos tenemos (algunos más que menos, pero en fin...) y vamos a darle trabajo al oído, que es la función de este blog. Porque para la primera entrada del 2008 del blog me he decantado por un disco relacionado directamente con el leitmotiv que aqui impera: el Belcanto. Y concretamente en esta ocasión me he tirado por Belcanto del raro. Y es que con un disco titulado Rossini Rival´s ya se intuyen más o menos por donde van los tiros...

Y es que aunque el Belcanto italiano, en líneas generales, se suele decir que es cosa de tres -Rossini, Donizetti y Bellini-, lo cierto es que tras estos nombres hay una lista de compositores con obras que merecen tanta atención como las del triunvirato belcantista. Este recital que hoy os presento recoge algunas de las joyitas de estos compositores no tan considerados pero si tan considerables.

Comienza el disco con la figura de Giovanni Pacini, compositor nacido en Catania el 17 de febrero de 1796 y fallecido en Pescia el 6 de diciembre de 1867 (por tanto, totalmente contemporáneo a Rossini). Considerado como el rey de la cabaletta, la producción operística de Pacini asciende a setenta y cinco títulos. Este recital nos ofrece dos extractos de su ópera Furio Camillo, con libreto de Jacopo Ferreti y estrenada en el Teatro Apolo de Roma el 26 de diciembre de 1839: "Ah, mio prence" y "Io d´Imen m´affretto all´ara" (pistas 1 y 2).

Continuamos con Saverio Mercadante, compositor que ya ha aparecido en el blog, nacido en Altamura el 16 de septiembre de 1795 y fallecido en Nápoles el 17 de diciembre de 1870. A Mercadante lo podemos considerar "pareja de hecho" de Pacini en lo que a temas musicales se refiere. Con dos etapas claramente diferenciadas -una muy influenciada por Rossini y otra mucho más personal-, encontramos aqui un aria de su obraIl desiato ritorno: "Vieni, la barca è pronta" (pista 3)

¿Recordais a los hermanos Ricci? Aparecieron en el blog hace unos meses. Este disco nos trae una obra de Federico Ricci, nacido en Nápoles en 1809 y fallecido en Conegliano Veneto en 1877. La obra que lo representa aqui es Il marito e l´amante, estrenada en 1852. La pieza contenida: "Io di sua cara immagine" (pista 4).

Nicola Vaccai es un compositor que todavía no ha salido en el blog. Nació en Tolentino el 15 de marzo de 1790 y falleció en Pesaro el 6 de agosto de 1848. En 1832escribió un Método Práctico de Canto que fue publicado por Peters y Ricordi. Es autor de una "Giulietta e Romeo" cuyo final, hace unos años, aparecía en las representaciones de los bellinianos "Capuleti e Montecchi" en sustitución de su propio final. Este disco nos trae un aria de su ópera Pietro Il Grande, estrenada en 1824: "Quando è dolce" (pista 5).

Otro autor marcadamente infrecuente que encontramos en este recital es Valentino Fioravanti, nacido en Roma en 1764 y fallecido en Capua el 16 de junio de 1837. Fioravanti contaba con dos admiradores de excepción: Cimarosa y Rossini. Este disco recoge un extracto de su ópera I virtuosi ambulanti, estrenada en París en 1807. Se trata del aria "Sono amabil, son graziosa" (pista 6).

Mercadante regresa al disco, en esta ocasión con su ópera Il posto abbandonato, estrenada en la Scala milanesa el 21 de septiembre de 1822, y por tanto perteneciente a la época más rossiniana del compositor de Altamura. Podeis escuchar aqui el aria "Vieni almeno" (pista 7).

Y para terminar, una obra del celebérrimo Gaetano Donizetti, nacido en Bergamo el 29 de noviembre de 1797 y fallecido en la misma ciudad el 8 de abril de 1848. La obra escogida es Betly, estrenada en el Teatro Nuovo de Nápoles el 21 de agosto de 1836. El aria seleccionada: "In questo semplice" (pista 8).

Y hasta aqui el contenido del disco. La soprano encargada de poner voz a estas piezas es Elinor Amlen, acompañada al piano por Mayne Miller. Por más que el New York Times se empeñe en poner sus dotes vocales por las nubes o el Novoye Russkaye Slovo diga que es poseedora de una gran musicalidad y una bellísima coloratura, lo cierto es que la señora deja mucho que desear en su ejecución. Pero bueno, si este recital es interesante es por el repertorio seleccionado y no por la soprano en sí. Aqui os dejo el enlace:

CD único

Pues nada más de momento. Si quereis disfrutar de rarezas belcantistas, no dejeis escapar este recital. Consejo de belcantista.

¡Feliz 2008!

2007-12-31T14:05:00.000+01:00

A todos los lectores del blog, y a los que no lo son también, que leches, os deseo muy feliz salida de 2007 y aún mejor entrada de 2008. Que lo mejor de este año sea lo peor del que está a punto de entrar:

¡FELIZ AÑO NUEVO!

Reminiscencias de la Reconquista

2007-12-25T19:50:00.000+01:00

Veinticinco de diciembre, fun fun fun. En un día como hoy casi es de obligado cumplimiento poner algo en el blog aunque sea como mera excusa para felicitar las fiestas a todos los lectores de este rinconcito. Podría haber subido a alguna figura de la lírica cantando villancicos, pero me parece que es una cosa tan vista que he decidido tirarme por algo totalmente distinto, algo que de alguna manera tenga que ver con mi persona. Y dejando momentáneamente de lado el leitmotiv que gobierna continuamente este blog, he decidido ofreceros una pieza instrumental de un autor contemporáneo. ¿Y qué hace este muchacho, operístico, belcantista y rossiniano él, ofreciendo algo instrumental y encima de nuestra época? Si avanzais en la entrada encontrareis la respuesta.

Como ya sabeis, servidor reside en la ciudad malagueña de Antequera, cuya Reconquista a los musulmanes, allá por 1410 a manos del Infante Don Fernando (futuro Fernando I "El de Antequera") caló considerablemente tanto en la sociedad del momento como en las manifestaciones artísticas posteriores, ya fueran obras pictóricas, crónicas, romances o composiciones musicales (por si os interesa profundizar un poco más sobre el tema, os remito a esta entrada). Pues bien, tras la Reconquista de la ciudad, los musulmanes residentes en la misma se vieron obligados a emigrar, fundando en las ciudades de Granada y Toledo sendos barrios con el nombre de "La Antequeruela", en recuerdo de la ciudad que un día fue su patria, barrios que a fecha de hoy aún perduran.

Pues bien, el compositor turolense Antón García Abril compuso durante la pasada década un concierto para piano y orquesta de cuerda titulado Nocturnos de la Antequeruela, obra que dedicaría a Manuel de Falla en el 50º aniversario de su muerte. Y antes de hablar sobre la obra en sí, no estaría de más realizar una breve semblanza artística de nuestro protagonista de hoy. Y es que García Abril, nacido un 19 de mayo de 1933, tiene a sus espaldas óperas, obras para orquesta, cantatas, conciertos, ( violín, piano, guitarra, violonchelo, flauta, dos pianos, dos guitarras) y música de cámara. En marzo del 1982 fue elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, en mayo del 1995 correspondiente de la Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis de Zaragoza, nombrándole en enero del 2003, por unanimidad, Académico de Honor de dicha Academia, en 1997 correspondiente de la Academia de Bellas Artes Nuestra Señora de las Angustias de Granada, en 2000 de la Academia Nacional de las Bellas Artes de la República Argentina y en 2001 correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla.

La composición que hoy ocupa la entrada del blog fue estrenada en 1996 en el Auditorio de Galicia, con Guillermo González al piano y la Orquesta Filarmónica de Santiago comandada por Máximo Zumalave en 1996. Según su autor, aspira a ser una descripción poética del encantamiento ante el éxtasis contemplativo de la noche y ante la fascinación magnética del sonoro silencio del firmamento, máxima inspiración de perfección. El compositor se inspira en versos de nuestro cancionero, tales como "Al alba venid, amigo" y de los poetas Rafael Alberti y Ángel González para dar forma a la poética musical de esta composición de estos nocturnos, en los que ha querido evocar el poético misterio de las constelaciones más lejanas de Andalucía. La obra si divide en Introducción, Camino de la noche, Nocturno I, Constelación I, Nocturno II, La plenitud del silencio, Constelación II, Soledad y Caminos de la luz. En total, 30 minutos de dulce y a la par reflexiva música.

La interpretación que os ofrezco corre a cargo de Gustavo Díaz Jerez al piano y de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria dirigida por Gunther Herbig. Interpretación en concierto celebrado en el Auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria el 24de noviembre de 2006. El sonido es muy bueno. Aqui teneis el enlace:

Nocturnos de la Antequeruela

Puede que no sea una audición típicamente navideña, pero permitidme que con estos "Nocturnos de la Antequeruela" aproveche para desearos a todos muy Feliz Navidad y que lo mejor del 2007 sea lo peor que os ocurra a lo largo del ya inminente 2008.

¡Hasta la próxima!

Tancredi en el Real

2007-12-19T15:30:00.000+01:00

Durante este mes de diciembre se está representando en el Teatro Real de Madrid una obra que a los veintiún años catapultó a la fama a un joven compositor italiano. Ese compositor era Gioachino Rossini. La obra en cuestión: Tancredi.

Tuvo alguien la feliz idea de representar las dos versiones más conocidas de la obra -Venecia y Ferrara- con todas sus variaciones correspondientes y no ciñiéndose tan sólo al final -feliz vs trágico-. Y para mayor lucidez la idea se vio rematada con rodear tanto a una versión como otra de un reparto competente en materia rossiniana -Barcellona, Ciofi y Sledge vs Podles, Cantarero y Zapata-. Todo ello hacen que estas funciones del Tancredi en el Real hayan conseguido un nivel de interés entre los aficionados al Belcanto en general y a Rossini en particular.

Pues bueno, el que firma esta entrada ha tenido la oportunidad de asistir a las funciones de ambas versiones, pero como la protagonista de la grabación de hoy va a ser la versión Ferrara me centraré exclusivamente en la misma. Antes de continuar, os voy a remitir a esta entrada para todo lo referente a argumentos, autopréstamos, versiones y demás familia, no sin antes mostrar mi deseo particular que algún día podamos ver sobre un escenario la tan curiosa versión milanesa, con todos los cambios que ésta implica.

La grabación que os ofrezco corresponde a la función del día 18 de este mes, emitida en directo por Radio Clásica.

El reparto completo es el siguiente:

Tancredi: Ewa Podles
Amenaide: Mariola Cantarero
Argirio: José Manuel Zapata
Orbazzano: Giovanni Battista Parodi
Isaura: Marina Rodríguez-Cusi
Roggiero: Marisa Martins

Orquesta Sinfónica de Madrid
Coro del Teatro Real de Madrid · Riccardo Frizza

Estamos ante una función increiblemente cohesionada en sus voces principales. Ewa Podles es la única contralto auténtica que existe, la única que nos puede dar un Tancredi realmente "contráltico", valga el palabro que me acabo de inventar. Ello se traduce en una extensión inusitada, unos graves rotundos y una capacidad estilística asombrosa. Es un Tancredi de referencia y de impecable presencia escénica, comprobado en vivo y en directo por un servidor. Para dejarse las manos aplaudiendo. Mariola Cantarero es una delicia de Amenaide. Perfecta a nivel vocal e interpretativo, empasta exquisitamente con Podles en los dúos. Da toda una lección dramática, sin conocer el significado del término "frialdad". Se echa de menos un poco más de "pirotecnia" en su segunda aria del acto II, pero lo compensa su desempeño a lo largo de toda la partitura. José Manuel Zapata luce un despampanante Argirio, otorgando -¡por fin!- una ambivalencia dramática al aria de Argirio "Pensa chi sei mia figlia", tan propensa por parte de otros tenores a ser simplemente cantada pero no interpretada. Es una pena que la versión Ferrara omita la gran escena "Ah, segnar invan io tento" del acto II: Zapata podría haber tenido otra oportunidad de lucimiento. Y es que estamos ante un tenor rossiniano al cien por cien (y encima, de bellísimo timbre). Rossini debe estar muy contento por tenerle entre su legión tenorística. Giovanni Battista Parodi por su parte resulta bastante rudo y tosco como Orbazzano y no termina de convencer. Marina Rodríguez-Cusí cantó una buena Isaura en esta función (mejor que la que yo le escuché en la función del día 9). Bien Marisa Martins como Roggiero. Y muy bien Riccardo Frizza al frente de las formaciones del Real.

Además de la ópera os voy a dejar también las entrevistas que José Luis Pérez de Arteaga realizó a Riccardo Frizza, Mariola Cantarero y José Manuel Zapata. No es por ponerme tiquismiquis, pero llama la atención que un locutor de Radio Clásica se entere en vivo y en directo de que Zapata cantará en quince días Almaviva en Nueva York, que Mariola Cantarero NO debuta Amenaide en el Real o que la ópera de Manuel García "Il califfo di Bagdad" va a salir próximamente en CD. ¿No se supone que por ser su trabajo debería estar al tanto? Dejo la pregunta en el aire.

Pues lo dicho, que aqui van los enlaces. La grabación tiene buen sonido y va editada y fragmentada en pistas, como de costumbre:

CD1
CD2

Entrevistas

Muy disfrutable función, vive Dios.

Trío de hecho

2007-12-17T16:24:00.000+01:00

Durante estos once meses de blog siempre he ofrecido obras completas pero nunca me he centrado en ningún intérprete en particular. Pues bien, para cubrir el hueco de los recitales en La Gazzetta, hoy os voy a ofrecer un extraordinario concierto a cargo de tres grandes del mundo de la lírica: Marilyn Horne y Joan Sutherland dirigidos por él marido siamés de esta última, Richard Bonynge. Misión (casi) imposible ver a Sutherland y Bonynge por separado: donde va una (casi) siempre va el otro.

Bueno, vamos a echarle un vistazo rápido a estas dos voces del mundo lírico. Marilyn Horne nació en Bradford, Pennsylvania, en 1934. Estudió con William Vennard y Lotte Lehmann antes de hacer su debut operístico como Háta en La Novia Vendida, en Los Ángeles. Su histórica Adalgisa, junto a la Norma de Joan Sutherland, la llevó al Metropolitan de Nueva York, donde también ha representado a otros personajes importantes. En 1957 emprendió la carrera teatral en la ciudad alemana de Gelsenkirchen. En esta fue contratada por tres temporadas, durante las cuales cantó, entre otras obras, La Fanciulla del West y Wozzeck, ópera que supuso su debut en la Opera de San Francisco (1960) y en el Covent Garden (1964). De excepcional predisposición técnica y estilista para el repertorio rossiniano, es junto con la Sutherland, la más autorizada depositaria de los secretos del bel canto, que se evidencian no sólo en la flexibilidad de la vocalización y en la precisión y ductilidad de las florituras y los ornamentos, sino también en la posesión de un mordiente y arrebato típicos del canto "di bravura", apoyado en un excepcional sentido del estilo y en una gran musicalidad (cortesía de epdlp.com)

Joan Sutherland nació en Sidney en 1926. Estudió con John y Aida Dickens en Sidney hasta 1950. En 1950 gana el Mobil Quest y sigue su formación en Londres con Clive Carey. Su carrera cambió drásticamente cuando conoció al pianista Richard Bonynge, con quien se casó el 16 de octubre de 1954. Él estaba convencido de que Joan tenía una voz adecuada para ser soprano de bel canto y le ayudó a desarrollar esta capacidad. Su debut operístico tuvo lugar en el Covent Garden en 1952 como Primera Dama en La Flauta Mágica. Esta presentación fue seguida por una interpretación de Clotilde en Norma de Bellini con María Callas en el rol titular. En los años posteriores cantó roles secundarios en La Walkiria y en Elektra, así como en 1955 participó en el estreno mundial de Midsummer Marriage de Tippet y en el estreno inglés de El Diálogo de las Carmelitas de Poulenc. Pronto el Covent Garden se dio cuenta de su potencial como soprano bel cantista y le encomendó roles en Emilia de Liverpool de Donizetti y Alcina de Haendel. El 17 de febrero de 1959 Joan Sutherland saltó a la fama tras realizar su primera versión de Lucia di Lammermoor. Según su carrera iba en ascenso, Joan debutaba en obras que luego serían lo más famoso de su repertorio: Elvira en Los Puritanos (24 de mayo de 1960) y Norma (17 de octubre de 1963). En la última compartió escena con la igualmente legendaria mezzosoprano Marilyn Horne. Rápidamente fue considerada la principal soprano dramática de coloratura de la época y debutó exitosamente en Italia, Francia, Estados Unidos y Austria abordando el repertorio Rossini-Bellini-Donizetti. Tras su debut italiano en La Fenice en 1960 fue conocida como La Stupenda. En los años posteriores apareció en La Hija del Regimiento (2 de junio de 1966), Rosalinda en El Murciélago (8 de septiembre de 1973) y Anna Glavari en La Viuda Alegre (22 de abril de 1976). También logra fama por sus roles en obras de Haendel y el constante rescate de óperas olvidadas, las que también lleva al disco junto a su marido el director Richard Bonynge. Obras que renacen en sus versiones son Beatrice di Tenda, Rodelinda, Esclarmonde, Le Roi de Lahore e I Masnadieri. Otro hito en su carrera fue la interpretación de los cuatro roles de soprano en una versión de Los Cuentos de Hoffmann realizada en el Sidney Opera House. En 1979 fue nombrada Dame y en 1990 se retiró de la ópera después de casi cuatro décadas de carrera. Su última actuación en una ópera completa fue durante una versión de Los Hugonotes montada en la Opera de Sidney en octubre de ese año. Su despedida final fue en la Escena de la Fiesta del acto segundo de El Murciélago en la gala de Año Nuevo 1990-91 en el Covent Garden. El 6 de mayo de 1998 fue declarado el Día de Dame Joan Sutherland en la ciudad de Nueva York por el alcalde Rudolph Giuliani (cortesía de radiobeethovenfm.cl).

El recital que os ofrezco se celebró el 12 de junio de 1985 en Sidney, con la Elizabethan Sidney Orchestra bajo las órdenes del ya mencionado Bonynge, competente él como siempre. Vais a escuchar a una Marilyn Horne esplendorosa vocalmente, como era costumbre en ella. Joan Sutherland acusa ya un marcado desgaste vocal, pero quien tuvo retuvo. El programa del recital es el siguiente:

01. Händel – Semele "Iris, hence away"
02. Händel – Alcina "Tornami a vaneghiar"
03. Rossini – La donna del lago "Mura felice"
04. Rossini – La cambiale di matrimonio "Vorrei spiegarvi"
05. Rossini – Semiramide "Serbami ognor si fido il cor"
06. Delibes – Lakmé "Viens, Malika, les lianes en fleurs"
07. Offenbach – Les contes d´Hoffmann "Les oiseaux dans la charmielle"
08. Saint-Saëns – Samson et Dalila "Mon coeur s´ouvre a ta voix"
09. Auber – Fra Diavolo "Non temete Milord"
10. Meyerbeer – Les Huguenots "Non, vois n'aurez jamais le gage"
11. Bellini – Norma "Mira, o Norma"
12. Offenbach – Les contes d´Hoffmann "Belle nuit"

En definitiva, un concierto de lo más disfrutable. Aqui os dejo el enlace a la grabación, fragmentada y de buen sonido:

CD único

¡A disfrutarlo!

Rossini bíblico

2007-12-15T23:02:00.000+01:00

Entre los numerosas fuentes literarias a las que los libretistas echaban mano para la elaboración de los libretos de las futuras óperas que posteriormente tendría que componer el músico en cuestión se encontraba el libro de los libros: la Biblia. Cientos de historias de carácter bíblico que, siendo más o menos fiel al original, podían ser la base de un buen libreto. La obra protagonista del día se basa en la celebérrima huída de Egipto de Moisès. El título: Mosè in Egitto. Su compositor: Gioachino Rossini.

"Mosè in Egitto" es una de las obras que pueden encuadrarse dentro del grupo que bien podría llamarse de las óperas napolitanas. Su libreto es obra de Andrea Leone Tottola, siendo esta la primera colaboración con el compositor de Pesaro (luego llegarían "Ermione", "La donna del lago" y Zelmira"). Tottola adoptaría como fuente literaria el drama "L´Osiride", de Ringhieri (que a su vez se basaría en el oríginal bíblico). Rossini estrenó la obra en el napolitano Teatro San Carlo el 5 de marzo de 1818. El resultado del estreno: un fracaso propiciado por la patética puesta en escena, rematado por el absurdo montaje de la escena final (el paso del Mar Rojo). Musicalmente la obra goza de momentos de gran intensidad dramática combinados con otros de relativa calma que será el preludio a escenas de considerable envergadura argumental. Sirva por ejemplo la pacífica plegaria "Dal tuo stellato soglio", que precede a la intensísima, monumental, emocionante escena del paso del Mar Rojo.

Vamos a pasar al argumento de la obra, donde no puede faltar la correspondiente parejita y sus historias de amor. Acto I. Palacio real de Egipto. Allí encontramos a Faraone, Amaltea, Osiride y al pueblo egipcio. Todos ellos se lamentan porque Mosè, ante la negativa de Faraone de dejar marchar a su pueblo, ha sumergido a Egipto en la más profunda oscuridad (Coro: Ah, chi n´aita). Esta situación se ya se ha dilatado durante demasiado tiempo, así que el rey requiere la presencia de Mosè, que llega acompañado de Aronne. Faraone concederá la libertad al hebreo y su pueblo a cambio de que devuelva la luz a su país. Mosè acepta el trato, así que eleva una plegaria a Dios (Invocación: Eterno! Inmenso!). Milagrosamente la luz vuelve en cuanto Mosè termina su oración, ante la sorpresa e incredulidad de los egipcios, que comentan estupefactos el milagro. Mosè ha cumplido su parte del trato: ahora le toca a Faraone cumplir la suya (Quinteto: Celeste man placata).

Se marchan todos y se queda solo Osiride. En ese momento aparece Elcìa, una joven hebrea. Ambos mantienen un amor secreto, pero Elcía tiene el corazón partido en dos: por una parte no desea marchar porque ama a Osiride pero por otra quiere a Mosè y a su pueblo y si no marcha con ellos no se podrá considerar hebrea. La pobre muchacha debe ser fuerte y despedirse de su enamorado a pesar de la insistencia de éste en dejarla (Dúo: Ah, si puoi così lasciarmi).

Osiride está dispuesto a impedir la partida de Mosè y su pueblo, y por tanto, la de Elcía y espeta a su padre, con muy mala intención, que dejar marchar a Mosè es muestra de debilidad. Faraone que no está dispuesto a que su honor quede mancillado, decide ir tras Mosè y los hebreos y traerlos de nuevo a Egipto, para disgusto de Amaltea, que sí desea la marcha de éstos (Aria: Cade dal ciglio il velo).

En la siguiente escena vemos a Mosè y su pueblo haciendo un descanso antes de salir de Egipto. Unos cantan, otros bailan... reina la felicidad (Coro: All´etra, al ciel). Pero Faraone y Osiride llegan al lugar con sus tropas echando a perder la fiesta. El rey ordena a Mosè que regrese y éste se encoleriza e invoca de nuevo a Dios, azotando a Egipto con una lluvia de bolas de fuego, culminando así el acto I (Final: Alla idea di tanto ecceso).

Acto II. Faraone, ante la lluvia de bolas de fuego, no ha tenido más remedio que volver a dejar en libertad a Mosè y los suyos. Osiride entra abatido y deprimido. Faraone nota la tristeza de su hijo y le pregunta el motivo de sus preocupaciones, pero el príncipe no le cuenta a su padre absolutamente nada de su amor con Elcía lo que hace que Faraone se preocupe aún más ( Dúo: Parlar, spiegar non posso).

En otra dependencia encontramos a Amaltea sola. Mosè, antes de partir, le hace una breve visita para agradecerle todo su apoyo. La reina se alegra por la marcha de Mosè y su pueblo y anhela que por fin desaparezcan las desdichas de Egipto (Aria: La pace mia smarrita).

Ahora nos trasladamos a otra estancia, a la que llega Elcía conducida por Osiride. Éste le va a hacer una embarazosa proposición: deben quedarse allí escondidos hasta que Mosè y su pueblo se marchen. Una vez que hayan partido, ellos dos podrán seguir unidos. En principio Elcía se muestra vacilante pero al final acaba aceptando (Dúo: Quale assalto, qual cimento). Sin embargo sus planes quedan truncados ya que Amaltea (que iba buscando a su hijo) y Aronne (que iba buscando a Elcìa) descubren a los jóvenes abrazados. El amor de la pareja se descubre y ambos quedan muy sorprendidos. Naturalmente esa unión no puede ser para nada posible, así que son separados de inmediato (Cuarteto: Mi manca la voce).

Debido a este infortunio, Mosè y su pueblo son de nuevo apresados y Faraone se regocija ante el hebreo diciéndole que no piensa dejarlos marchar bajo ningún concepto. Mosè le responde que se ande con cuidado, ya que las tornas pueden cambiar... (Aria: Tu de ceppi m´agravvi la mano).

Justo en ese momento entran los sacerdotes egipcios, que se mofan de Mosè y de los hebreos (Coro: Se a mitigar tue cure). Mosè pide por las buenas a Faraone que les deje marchar, pero la negativa de Faraone es tajante. Por tanto, el líder hebreo vuelve a pedir ayuda a Dios y éste, mediante un rayo exterminador, fulmina a Osiride ante la vista de todos. Sus padres quedan totalmente aturdidos, el resto de los allí presentes no pueden creer lo que han visto y Elcìa entra en pleno estado de shock, finalizando de esta forma el acto II (Aria: Porgi la destra amata).

Acto III: Faraone, aturdido por todo lo ocurrido, ha dejado de nuevo marchar a los hebreos. Nos encontramos a las orillas del Mar Rojo. Antes de partir, todos entonan una plegaria (Plegaria: Dal tuo stellato soglio).

Culminan el rezo y en la lejanía se escucha un rumor. Se trata de las tropas egipcias, capitaneadas por Mambre y el propio Faraone, que van en busca de Mosè y los suyos. No están dispuestos a que los hebreos y su líder marchen victoriosos después de todas las penurias que han causado en Egipto, así que van en su busca. El pueblo se alarma, pero Mosè les pide que confíen en Dios, levanta su báculo, y ante el estupor de los hebreos las aguas del Mar Rojo se abren. Todos comienzan a cruzarlo.

Faraone, Mambre y sus tropas llegan a tiempo para presenciar el milagro. Ante tal visión, el rey queda totalmente sorprendido. Mambre le pregunta si se va a dejar amilanar, a lo que Faraone responde negativamente, comenzando así la persecución. A medida que los hebreos van llegando a la otra orilla las aguas se van cerrando, engullendo a los egipcios: la fuga ha sido un completo éxito. Tras dar gracias a Dios, emprenden sus cuarenta años de camino por el desierto (Final: Son fuggitti, oh ciel, che miro!).

Y tras las explicaciones, vámonos con la grabación, encabezada por nombres rossinianos al cien por cien. Se trata de un directo de 1994 procedente de Londres. A continuación, la ficha de reparto:

Mosè: Ruggero Raimondi
Faraone: Simone Alaimo
Elcia: Anna Caterina Antonacci
Osiride: Bruce Ford
Amaltea: Jennifer Rhys-Davies
Aronne: Justin Lavender
Amenofi: Patricia Bardon
Mambre: Philip Dohgan

Orchestra and Chorus of the Royal Opera House,
Covent Garden · Paolo Olmi

Mosè y Faraone, enemigos íntimos aqui encarnados por Ruggero Raimondi y Simone Alaimo, que se estimulan mutuamente para dar lo mejor de sí. Serio y seco Mosè el de Raimondi, tal y como debe ser. Omite, ¡ay!, la pequeña pero significativa aria del acto II "Tu di ceppi m´agravvi la mano". La verdad es que se echa en falta. Como contrapartida, ambivalente, indeciso Faraone el de Alaimo. También como debe ser. Vocalmente se nota cierto declive en Raimondi. Alaimo está espléndido. Rossini destinó el papel de los enamorados a Isabel Colbran y a Andrea Nozzari. Anna Caterina Antonacci y Bruce Ford bien pueden considerarse alter ego de sus colegas del XIX (sobre todo la primera). Sopranos Colbran auténtica en nuestra época solamente hay una, y esa es Antonacci. Con eso queda dicho todo (y si no queda todo apuntalaré que lo que pretendo decir es que su Elcia es una gozada). Por su parte, Bruce Ford se encontraba en una época dorada y para nada acusaba el desgaste que acusa hoy día. Jennifer Rhys-Davies sustituía a una indispuesta Ann Murray. Su Amaltea, conciencia de Faraone, es muy disfrutable. Bien Justin Lavender, Patricia Bardon y Philip Dohgan en sus respectivos cometidos (destaquemos la labor del primero). Paolo Olmi saca bastante jugo de las huestes corales y orquestales del londinense Covent Garden (escúchense los números de conjunto).

Y para terminar, aqui os dejo los enlaces. La obra, como siempre, va editada y fragmentada y el sonido es realmente bueno:

CD1
CD2

¡Hasta la próxima!

La dura vida de un farmacéutico

2007-12-12T23:06:00.000+01:00

Bueno, tras un fin de semana en Madrid viendo Tancredi por partida doble, se supone que debería estar contando que tal han ido las funciones y ofreciendo la grabación correspondiente, tal y como ocurrió allá por marzo con las funciones de Cavalleria Rusticana y Pagliacci del Real. ¿Pero qué pasa? Pues que hasta la semana que viene no tendré grabación (gratia aeternam a RNE, Radio Clásica). Así que mientras llega el día, vamos a dejar a Rossini descansar unos días y vamos a centrar la atención en uno de sus colegas, Gaetano Donizetti, y concretamente en una obra compuesta en unas circunstancias muy particulares: Il campanello.

Situémonos en Nápoles, allá por 1836. Donizetti se muere de aburrimiento por una epidemia de peste que está asolando la ciudad. Y para matar tanto hastío, al bergamasco no se le ocurre mejor idea que crear una nueva ópera. Y cuando digo crear me refiero tanto a la elaboración del libreto como a la composición de la música. Así es como nace "Il campanello", una ópera buffa en un solo acto que sería estrenada en el Teatro Nuovo de Nápoles el 1 de junio de 1836. Para el libreto, Donizetti adoptaría como fuente literaria la obra "La sonnette de la nuit" de Léon Lévy brunswick, Mathieu-Barthélemy Troin y Victor Lhérie.

Argumentalmente estamos ante una obrita divertidísima. Al levantarse el telón vemos como un coro celebra el transcurso de una boda. Los novios no son otros que el farmacéutico Annibale Pistacchio (un hombre ya entrado en años) y Serafina (bastante más joven que el contrayente). Aunque la diferencia de edad es más que notoria, hay amor en la pareja y ha sido autorizada por la madre de la muchacha, Madama Rosa. Annibale Pistacchio canta feliz y le chorrean babas pensando en la cantidad de Pistachitos que pulularán por Nápoles dentro de poco. La fiesta continúa y se presenta Enrico, antigua pareja de Serafina y ahora tremendamente celoso por su enlace con el farmacéutico. Aprovechando que la muchacha se queda momentáneamente sola intenta cortejarla pero Serafina se encarga de pararle los pies. Viendo que todos regresan, Enrico disimula haciendo un brindis. Posteriormente se retiran todos: Annibale necesita descansar ya que a las cinco de la mañana deberá partir hacia Roma por temas de negocios. Enrico, puesto que no ha podido recuperar a Serafina, decide tomarse venganza particular contra Annibale. Y la venganza escogida no puede ser más adecuada: le hará la noche imposible al pobre farmacéutico. Total, que se marcha para al cabo de poco regresar disfrazado de cantante afónico. Entra a la farmacia pidendo auxilio y un somnoliento Annibale sale a atenderle. Y es que el "cantante" debuta al día siguiente un importante papel y por culpa de una inesperada afonía no podrá hacerlo, por lo que le pide a Annibale alguna pastilla para curarle. Annibale se la despacha y milagrosamente el "cantante" comienza a realizar todo tipo de gorgoritos. Cuando consigue hacer que Annibale se desespere, se marcha, no sin antes agradecerle mil veces el tremendo favor que le ha hecho. Una vez que el "cantante" se ha marchado, Annibale vuelve a la cama. Pero no tarda en regresar Enrico a seguir dándole por ahí. Y es que esta vez llega disfrazado de anciano. Annibale se ve obligado de nuevo a levantarse y el "anciano" le pide que le prepare una receta interminable a base de ingredientes de lo más exóticos. Y es que la mujer de este "anciano" tiene enfermedades para llenar un catálogo. Si la desesperación de Annibale con el cantante era grande, la de ahora es superlativa. Tras conseguir que el "viejo" se marche, Annibale regresa a la cama para descansar un poco... pero...¡oh infortunio!, dan las cinco y Annibale debe prepararse para marcharse. Enrico ha conseguido pues su propósito: lograr darle la noche a Annibale. Para terminar, el farmacéutico coge la diligencia tras conseguir de Serafina el juramento de serle fiel. No obstante Enrico ahora tendrá la oportunidad de volver a cortejarla, finalizando así la operita.

Bueno, pues vamos a pasar a la grabación. Se trata de un directo de 1976 procedente de Bregenz, con un reparto de campanillas como puede verse en la ficha que viene a continuación:

Serafina: Mariella Devia
Don Annibale: Giuseppe Taddei
Enrico: Leo Nucci
Madama Rosa: Biancamaria Casoni
Spiridione: Carlo Gaifa

Bregenz Festival Orchestra & Chorus
Bruno Amaducci

Como salta a la vista, estamos ante un terceto protagonista insuperable. Mariella Devia borda su número más importante, el dúo con Enrico, y se convierte en una referencia de como cantar el papel. Y de libro resultan las interpretaciones de Giuseppe Taddei y Leo Nucci, particularmente divertido este último en los dos dúos como el desgraciado farmacéutico. Biancamaria Casoni y Carlo Gaifa completan adecuadamente el reparto dando vida a sus dos secundarísimos roles (no lo he dicho antes pero Spiridione es el criado de Annibale). De oficio Bruno Amaducci al frente de las huestes orquestales de Bregenz.

Aqui os dejo el enlace a la grabación, de buen sonido y fragmentada en pistas como es costumbre:

CD único

Si no conoceis la obra, a animarse, que os aseguro que no os vais a arrepentir.

El retorno de La Gazzetta

2007-12-06T15:15:00.000+01:00

Este es mi primer post en el blog después de casi dos meses. Un ingreso de cuarenta días de un familiar ha tenido la culpa, pero afortunadamente eso ya es agua pasada: a finales de noviembre nos dieron el alta y todo va estupendamente bien. Pero por si acaso, no volveré a publicar un Réquiem en el blog, que la cosa ha resultado ser lagarto lagarto :-p . Para celebrar que las vacaciones hospitalarias forzadas ya han pasado, voy a dedicar esta entrada al eterno protagonista del blog, Gioachino Rossini. Y concretamente a una de las óperas más divertidas del compositor: La pietra del paragone.

Si recordais, hace ya una temporada traía al blog una versión extraordinaria, referencial diría yo, de la obra: la grabación procedente del Festival de Pesaro, con un reparto extraordinario. Sin embargo la versión que os traigo en esta ocasión es interesantísima en su planteamiento musical, ya que adopta un prisma historicista de mano de uno de sus paladines como es Jean-Christophe Spinosi, que comandando el Ensemble Matheus y con la colaboración del Coro del Teatro Regio di Parma logra una lectura muy conseguida, viva, chispeante y hasta la fecha insólita de la partitura rossiniana. Basta con escuchar partes como la obertura, el cuarteto del primer acto o la escena de Clarice del segundo para percatarnos de ello.

Vámonos con la ficha de reparto de estas funciones, procedentes del parisino Theatre du Chatelet y fechada el 18 de enero del presente año:

Marchesa Clarice: Sonia Prina
Conte Asdrubale: François Lis
Cavalier Giocondo: José Manuel Zapata
Pacuvio: Christian Senn
Macrobio: Joan Martin-Royo
Baronessa Aspasia: Jennifer Holloway
Donna Fulvia: Laura Giordano
Fabrizio: Filippo Polinelli

Ensemble Matheus
Coro del Teatro Regio di Parma · Jean-Christophe Spinosi

Sólido reparto que saca de cada uno de los roles la esencia que requieren. Dominan el panorama la representación española presidida por José Manuel Zapata -próximo Argirio en los Tancredis del Teatro Real- y Joan Martin-Royo. Extraordinario el primero en el rol de Giocondo, extravertido y gracioso cuando el papel lo requiere e íntimo y enamorado cuando toca. Escuchar su aria del acto II es toda una delicia para los oídos, un ejemplo de como ser interpretada, con dulzura, delicadeza, interiorizada y sentida en todo momento. Sin duda para dar una gran ovación en el salón de nuestra casa. El segundo nos pinta un versátil Macrobio, nunca sobreactuado, siempre bien cantado. Deberíamos estar satisfechos por contar entre nosotros con voces tan aptas para interpretar la música del Cisne de Pesaro. Sonia Prina nos da una Clarice muy disfrutable, quizás un poco bastante barroca, una visión hasta entonces desconocida de la Marquesa, lo que no significa que no sea una encarnación totalmente válida. Un poco tosco sin embargo el Asdrubale de François Lis (el Asdrubale de otras funciones de la producción fue el genial Michele Pertusi, siendo sustituido en estas funciones parisinas por Lis), pudiendo haber sacado más "chicha" de un rol que por lo general es serio pero tiene episodios cómicos (escúchese el terceto del acto III). Divertido el Pacuvio de Christian Senn y realmente bien los secundarios en voz de la bellísima Laura Giordano, Jennifer Holloway y Filippo Pollinelli. Respecto a director, orquesta y coro, a mis anteriores comentarios me remito.

Aqui os dejo los enlaces. La grabación va como de costumbre editada fragmentada en pistas. El sonido es extraordinario:

CD1
CD2
CD3

En resumen estamos ante un Rossini distinto pero desde mi punto de vista, extraordinario. Recientemente ha salido a la venta un libro-DVD de estas mismas funciones. Un buen regalo para hacerse ahora que llegan las Navidades, ¿verdad?

Pues nada, que encantado de volver a escribir en el blog. Espero no tener que volver a dejarlo aparcado durante tanto tiempo por temas como el que ahora me han obligado a hacerlo. Por muchísimos años.

Un réquiem para Rossini

2007-10-12T22:14:00.000+01:00

A las 23.15 de un ya lejano viernes, 13 de noviembre de 1868, Rossini fallecía en su villa de Passy. La noticia no tardó en conocerse y las muestras de condolencia se fueron sucediendo una tras otra. Entre los colegas de profesión, la muerte del pesarés causó en general gran pesar.

A Giuseppe Verdi se le ocurrió una idea para honrar al maestro: coordinar la composición de un réquiem colectivo a cargo de los músicos más destacados del momento y una vez terminada, ponerla sobre un escenario para así rendirle homenaje a Rossini. Y efectivamente el proyecto se llevó a cabo: Verdi fue contactando poco a poco con distintos compositores y la obra fue tomando forma a lo largo de lo que quedaba de 1868 y 1869.

En el verano de 1869, la obra colectiva ya estaba terminada. Se procedió pues a editar la partitura, quedando el corpus de números del Réquiem de la siguiente manera:

1. Requiem, compuesto por Antonio Buzzolla. Para coro.
2. Kyrie, compuesto por Antonio Buzzolla. Para coro.
3. Dies Irae, compuesto por Antonio Joseph Bazzini. Para coro.
4. Tuba Mirum, compuesto por Carlo Pedrotti. Para barítono solista y coro.
5. Quid sum miser, compuesto por Antonio Cagnoni. Para soprano y mezzosoprano.
6. Recordare Jesu, compuesto por Federico Ricci. Para soprano, mezzosoprano, tenor y bajo.
7. Ingemisco, compuesto por Alessandro Nini. Para tenor y coro.
8. Confutatis, compuesto por Raimondo Boucheron. Para coro.
9. Oro supplex, compuesto por Raimondo Boucheron. Para bajo y coro.
10. Lacrimosa, compuesto por Carlo Coccia. Para coro.
11. Amen, compuesto por Carlo Coccia. Para coro.
12. Domine Jesu, compuesto por Gaetano Gaspari. Para coro.
13. Quam olim Abrahae, compuesto por Gaetano Gaspari. Para soprano y coro.
14. Hostias, compuesto por Gaetano Gaspari. Para soprano, mezzosoprano, tenor y bajo.
15. Quam olim Abrahae, compuesto por Gaetano Gaspari. Para soprano y coro.
16. Sanctus - Hosanna, compuesto por Pietro Platania. Para soprano y coro.
17. Benedictus - Hosanna, compuesto por Pietro Platania. Para soprano y coro.
18. Agnus Dei, compuesto por Lauro Rossi. Para mezzosoprano.
19. Lux aeterna, compuesto por Teodulo Mabellini. Para tenor, barítono y bajo.
20. Libera me - Dies Irae, compuesto por Giuseppe Verdi. Para soprano y coro.
21. Requiem aeternam - Libera me, compuesto por Giuseppe Verdi. Para soprano y coro.

Para su estreno se pensó el 13 de noviembre de ese año de 1869, coincidiendo pues con el primer aniversario de la muerte del maestro. La partitura colectiva ya estaba editada y lista para ser interpretada, pero por diversas circunstancias el estreno acabó orillándose y las diferentes partes del réquiem se entregaron a sus respectivos compositores para que cada uno les diera el uso que quisieran (Verdi utilizaría su parte para su Réquiem). Como homenaje al fallecido, en lugar de esta misa colectiva se interpretó el Stabat Mater del propio Rossini.

Quizá penseis que una obra compuesta por trece plumas diferentes puede adolecer de cohesión. Pues nada más lejos de la realidad. Y para demostrarlo os invito a escuchar la siguiente grabación, procedente de Montpellier y fechada el 31 de julio de 1998, tal y como debería haber sonado el 13 de noviembre de 1869:

Veamos la ficha de reparto:

Soprano: Luana De Vol
Mezzosoprano: Phylis Ponchella
Tenor: Rockwell Blake
Barítono: Stefano Antonucci
Bajo: Felipe Bou

Orchestre Philharmonique de Montpellier-Languedoc-Rousillon
Choeurs de la Radio Lettone · Enrique Dimecque

Homogéneo y cohesionado quinteto que goza de una intensa y matizada dirección por parte de Enrique Dimecque. A destacar la labor de Rockwell Blake durante el extenso "Ingemisco", el poderío vocal de Luana De Vol en el "Libera Me" y la elegancia de Stefano Antonucci en el "Tuba Mirum".

La grabación, procedente de una grabación radiofónica y de muy buen sonido, va fragmentada en pistas como es costumbre. En el primer CD se incluye desde el "Requiem" de Buzzolla hasta el "Amen" de Coccia. El segundo CD recoge desde el "Domine Jesu" de Gaspari hasta el "Requiem aeternam" de Verdi.

Y para terminar, aqui os dejo los enlaces:

CD1
CD2

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Que disfruteis de este sincero homenaje a un grande como lo fue Rossini.

Cómo conseguir el libro

2007-10-07T14:06:00.000+01:00

Pues bueno, tras contaros de que va mi libro, me gustaría plantearos las diferentes vías para adquirirlo, para que así, si os interesa, os acojais a la que más cómoda os parezca.

En principio el libro lo vende la propia editorial desde su página web a todo el mundo. Lo mismo da que se pida desde España, que desde Argentina que desde el Japón, ya que la editorial lo sirve sin problemas. La forma de pago es mediante dos vías: o tarjeta de crédito o paypal. Os puedo decir de primera mano que el servicio es totalmente fiable (yo lo he probado).

Para que llegue a otros lugares todavía falta tiempo, ya que esta semana ha comenzado el proceso de distribución por plataformas como Amazon o Barnes&Noble. Sin embargo, yo como autor y propietario de los derechos, tengo acceso a todos los ejemplares que quiera.

¿Qué os quiero decir con ésto? Pues muy fácil: si os interesa el libro en sí pero por alguna razón no quereis hacer la compra a través de la editorial, no os convence el pago con tarjeta, no sabeis de qué va eso del paypal o lo que sea, podeis decirme el número de ejemplares en los que estais interesados, yo me encargo de solicitarlos y una vez los tenga os los hago llegar vía postal.

Mediante esta vía os ahorraríais dar datos bancarios, pudiendo elegir entre pago contra reembolso o ingreso en cuenta. Vamos, aqui cada uno elige la forma de pago. ¿Qué os gusta el contra reembolso? Pues se os manda contra reembolso. ¿Qué prefieres un ingreso en cuenta? Pues se indica un número de cuenta y haceis el ingeso.

Y existe una vía más: yo voy a estar en Madrid para el Tancredi el primer fin de semana de diciembre. Si no os convence la opción de la compra online vía editorial o el de solicitud directa a un servidor, pues siempre nos quedará Madrid. Si optarais por esta opción necesitaría saber quienes estaríais interesados para pedir las copias con tiempo.

Resumiendo y concretando:

* Opción de compra online
Debeis ir a esta dirección o pulsar sobre y seguir los pasos que se van indicando.

* Opción de compra vía autor
Indicadme mediante mediante email a netdominguez@hotmail.com el número de ejemplares en los que estais interesados, datos personales y forma de pago y yo me encargo de solicitar las copias y de hacerlas llegar a vuestra casa vía postal.

* Opción Madrid (7, 8 y 9 de diciembre)
Indicadme mediante un comentario a esta entrada o mediante email a netdominguez@hotmail.com el número de ejemplares en los que estais interesados y yo os los llevo a la capital del reino.

Pues lo único que me queda ya es agradecer a todos las numerosas muestras de cariño e interés que he recibido y estoy recibiendo. Para cualquier duda que os surja, por aqui o por email me teneis.

¡Hasta la próxima!

Con ustedes... ¡mi libro!

2007-10-03T22:22:00.000+01:00

Os hablaba hace unas semanas sobre mi libro y os contaba que próximamente saldría a la venta, pero no os decía cuando. Pues bueno, en este momento puedo decir, para satisfacción mía, que el libro ya está disponible para todos los que esteis interesados en la vida y producción operística del Cisne de Pesaro. Pero antes de indicar donde lo podeis conseguir, precio y demás, os cuento exactamente qué es con lo que os vais a encontrar por si quereis haceros con él.

El número exacto de páginas es de 241 y está organizado en seis capítulos y tres anexos, precedidos de un índice, una nota liminar y un prólogo. Os voy a ir explicando de qué trata cada una de las partes.

· Índice, nota liminar y prólogo. Viene siendo la bienvenida al libro. La nota liminar está escrita por un servidor y en ella hago una declaración de intenciones y motivos que me llevaron a redactar el libro. El prólogo está escrito por ese gran tenor rossiniano que viene siendo José Manuel Zapata. Todo un honor para mí que aceptara escribir el prólogo para el libro y que vino a ser la guinda que corona el pastel.

· Capítulo I: ¿Quién era Rossini?. Un libro monográfico sobre un compositor, desde mi punto de vista, debe ir encabezado por una biografía del protagonista. El capítulo biográfico, para fomentar el orden y la organización de su vida, lo subdivido en seis apartados, que vienen siendo los siguientes:

- Los años de estudio (1792-1809)
- Viaje hacia la gloria sin escalas (1810-1814)
- Un periodo de mucho trabajo (1815-1823)
- Londres y París (1824-1829)
- Cinco duros lustros (1830-1854)
- La última etapa: paz y tranquilidad (1854-1868)

· Capítulo II: Las óperas rossinianas a lo largo del tiempo. Consideré que podría ser interesante un apartado que sirviera como exposición a la suerte que han corrido las óperas rossinianas desde el momento que salieron de la pluma del compositor hasta nuestros días. Como en el capítulo anterior, éste también lo subdivido, en esta ocasión en cuatro apartados:

- Introducción
- La popularización de la música rossiniana
- Los años en el limbo
- La Rossini Renaissance

· Capítulo III: Las óperas de Gioachino Rossini. Aquí me meto de lleno en la redacción argumental de todas y cada una de las óperas y pasticcios rossinianos, 41 en total. Antes de zambullirme en las narraciones, hago una pequeña introducción aclaratoria y una clasificación del corpus operístico rossiniano en tres categorías: óperas cómicas, serias y semiserias. Ya en las narraciones, antes de comenzar con cada argumento, indico los datos referentes a libretista (y si se da el caso, obra en la que se basó), fecha de composición y estreno de la ópera, ñugar de estreno, personajes y categoría vocal a la que pertenecen y nombre de los intérpretes que participaron en el estreno de la ópera Tras la narración de los 41 argumentos, termino con un apartado dedicado a las óperas inconclusas y proyectos, es decir, aquellas óperas que pudieron ser y que finalmente no fueron.

· Capítulo IV: La vocalidad rossiniana. Como se desprende del título, este capítulo está destinado a profundizar en los aspectos relativos a la vocalidad rossiniana, tanto masculina como femenina. Para facilitar la exposición, subidivido el capítulo en los siguientes apartados:

- Introducción
- Vocalidad masculina. Aquí comento las características vocales de tenores, barítonos y bajos rossinianos
- Clasificación de los roles masculinos de las óperas de Rossini. Aquí clasifico todos los roles rossinianos masculinos, tanto principales como secundarios, de la producción operística íntegra del compositor. Si en el capítulo III indicaba la cuerda vocal a la que pertenecían, aquí ya afino e indico exactamente de que tipología estamos hablando (si es contraltino, baritenor, etc).
- Vocalidad femenina: Aquí comento las características vocales de sopranos, mezzosopranos y contraltos rossinianas
- Clasificación de los roles femeninos de las óperas de Rossini. Aquí clasifico todos los roles rossinianos femeninos, tanto principales como secundarios, de la producción operística íntegra del compositor. Como en vocalidad masculina, aquí ya afino e indico exactamente de que tipología estamos hablando (si es cómica, seria, músico, etc).

· Capítulo V: Los autopréstamos rossinianos. En este capítulo recojo los autopréstamos que nos encontramos en toda la producción operística rossiniana. Tras una introducción, voy indicando ópera por ópera aquellas reutilizaciones que vamos encontrando. Os pongo un ejemplo del proceso que sigo en la exposición:

Torvaldo e Dorliska

Recibe música de:

1. L´equivoco stravagante. La melodía de la última sección del terceto entre Ernestina, Buralicchio y Gamberotto al final del acto I de L´equivoco stravagante (“Volgi le amabili”) guarda cierta similitud con el final del acto II de Torvaldo e Dorliksa (“A tal contento”).

2. L´occasione fa il ladro. El final del dúo entre don Parmenione y Ernestina (“Quel gentil, quel vago oggetto”) guarda una considerable similitud con el final del dúo entre Dorliska y Carlotta del acto I de Torvaldo e Dorliska (“Oh via, signora mia”).

3. Tancredi. La cabaletta del aria de Argirio con la que comienza el acto II de Tancredi (“Perdonate questo pianto”) se asemeja en ciertos momentos a la cabaletta del aria de Torvaldo en el acto II de Torvaldo e Dorliska (“Ah, potessi il braccio mio”). Los compases que dan inicio al coro de guerreros del acto II de Tancredi (“Muore il prode”) son similares a los que dan paso al dúo de Dorliska y Torvaldo en el acto II de Torvaldo e Dorliska (“Quest’ultimo addio”).

4. Sigismondo. El aria de Sigismondo del acto II (“Alma rea, il più infelice”) guarda similitud con la cabaletta del aria de Dorliska en el acto II de Torvaldo e Dorliska (“Ah, morir per caro sposo”).

· Capítulo VI: La música rossiniana alternativa y añadida. Rossini compuso puntualmente nuevas piezas que añadiría o las haría alternativas a otras en sus óperas. En este capitulo me dedico a exponer todas estas nuevas composiciones, indicando además aquellas referencias discográficas donde podemos encontrar grabada dicha pieza. El capítulo culmina con un apartado dedicado a los finales alternativos existentes en Tancredi, Otello, Maometto y Guillaume Tell. Os pongo un ejemplo para que veais como hago la exposición:

LA GAZZA LADRA

Acto I

Deh, lasciate... Beviam, tocchiamo a gara. Se trata de un aria que sirve de alternativa al brindis de Pippo “Tocchiamo, beviamo” y su música fue tomada del aria de Siveno situado al comienzo de Demetrio e Polibio. Rossini compuso esta pieza para las primeras representaciones de la obra en 1818 (un año después de su estreno en Milán) en el Teatro Nuovo de Pesaro (actual Teatro Rossini) con motivo de la inauguración de dicho coliseo. En este brindis, Pippo manifiesta su alegría por el regreso de Giannetto (hijo de los terratenientes del lugar) de unas contiendas
militares e invita a todos a celebrarlo con una buena copa de vino.

Discografía

Marilyn Horne. Arie alternative. Orchestra Sinfonica della RAI de Torino /
Alberto Zedda. Fonit Cetra. 1983.

· Anexo 1: Índices temáticos. A lo largo del capítulo III ya indicaba, previo a la narración argumental de cada una de las óperas de Rossini, los datos referentes a libretista/s de la ópera, primeros intérpretes de sus roles y teatro que acogió el estreno de cada una de las obras. No obstante pensé que podía ser de utilidad al lector unos índices temáticos que aunaran estos datos y permitan obtener una visión general de la vinculación profesional del compositor con libretistas, intérpretes y teatros responsables de presentar sus títulos. Por ejemplo, si queremos ver todas las óperas que Rossini estrenó en la Scala, con irnos al índice temático de teatros y mirar la referencia correspondiente a la Scala podremos verlo. Si queremos ver cuantos roles estrenó Filippo Galli, bastará con irnos al índice temático de intérpretes y buscar a Galli para ver cuales fueron. Si queremos ver cuantos libretos rossinianos escribió Tottola, nos vamos al índice temático de libretistas, lo buscamos en el listado y asunto arreglado.

· Anexo 2: Discografía básica. Aquí indico una referencia discográfica de cada una de las óperas rossinianas que vienen a constituir una discografía básica del compositor. No hago comentarios críticos ya que no pretendo convertir el anexo en una suerte de crítica discográfica, sino indicar al lector grabaciones de las óperas para así poder facilitarle la búsqueda.

· Anexo 3: Referencias de interés. Aquí indico bibliografía y direcciones webs interesantes relacionadas con el protagonista del libro.

Y con eso llegamos a la página 241 y final del libro.

Ahora os cuento lo referente a cómo encontrarlo, precio y demás. En principio lo podeis encontrar en la propia editorial, que tiene servicio de venta directa. Podeis encontrar el libro AQUI. También teneis un botón de acceso directo a la derecha del blog, bajo la portada del libro. ¿Por qué digo eso de “en principio”? Pues muy fácil. El libro acaba de salir a la venta y hasta que llegue a las tiendas todavía tiene que pasar por el correspondiente proceso de distribución. En la página podreis encontrar también el número de ISBN.

Sobre el precio. Yo no voy buscando beneficios, entre otras cosas porque no he tenido que hacer una inversión. Por tanto mi prioridad no es sacarle rentabilidad al libro, sino llegar al lector. He intentado que el precio sea lo más bajo buenamente posible. Al final se ha quedado en 14,30€

Pues nada, así culmina una aventura que inicié en julio de 2005 y que termina dos años y pico después. Para terminar, os dejo con el párrafo con el que termino la nota liminar del libro, que viene a reflejar lo que he intentado con este periplo particular en el que una buena madrugada de verano decidí embarcarme:

Gaudenzio, personaje de “Il signor Bruschino”, hace su entrada en la ópera afirmando que en el teatro del gran mundo todos buscan su fortuna. Mi búsqueda ha consistido en intentar que el aficionado se acerque un poco más a la música del Cisne de Pesaro. Si ese “gran mundo”, del que usted es parte, experimenta dicho acercamiento, este trabajo no habrá sido en vano y habré sabido hallar mi “fortuna” particular.

¡Un saludo para todos!

Una furtiva lagrima...

2007-10-01T22:48:00.000+01:00

Antes de comenzar, un pequeño aviso: los enlaces del Otello rossiniano con Von Bothmer y Zapata ya están de nuevo publicados, así que si os interesa la grabación la podeis encontrar en la anterior entrada.

Bueno, pues tras este breve apunte, vamos a lío. Hay obras que saben resistir estoicamente el paso del tiempo. Y no sólo lo resisten con dignidad, sino que también lo hacen con orgullo. Lo cierto es que de no muchos títulos se puede decir que pueden encontrarse grabaciones referenciales tanto hace cincuenta años como en la actualidad. Nuestra obra protagonista de hoy es una de las que puede presumir de ello. Me estoy refiriendo a L´elisir d´amore, una de las óperas buffas más famosas de todo el repertorio operístico salida de la grandiosa pluma de ese compositor bergamasco que fue Gaetano Donizetti.

Y es que "L´elisir" tuvo el sino a su favor desde el mismo momento de su estreno. Aquel 12 de mayo de 1832, el Teatro della Cannobiana de Milán fue testigo de una premiere apoteósica. Donizetti pudo gozar de lo lindo ante las multitudinarias aclamaciones dirigidas a su persona tras los finales de acto. Como guinda del pastel, la crítica se encargó de difundir en la prensa el tremendo éxito cosechado por este nuevo título. Y a partir de ahí, la inmortalidad de una ópera predestinada a no abandonar los escenarios. Algo tuvo que ver el magnífico libreto que firmó Felice Romani, basado en uno anterior titulado "Le Philtre", obra de Eugene Scribe.

Aunque estamos ante un título celebérrimo, no estará de más recordar su argumento, que os ofrezco con la cortesía de Intermezzo, web del ya mencionado en el blog Rafael Torregrosa.

Primer acto. La rica y bella Adina se mofa de los tímidos intentos de Nemorino, que está enamorado de ella, y prefiere leer en voz alta la historia de Tristán e Isolda. Los aldeanos que la escuchan desearían poseer un elixir de amor como el de Tristán. Belcore, un sargento que está al frente de un destacamento, entra en escena y requiebra a Adina, con la desesperación de Nemorino.

Una trompeta entre bastidores anuncia la llegada de un carro dorado; sobre él viene el Doctor Dulcamara, un charlatán que proclama elocuentemente sus mercancía: "Udite, o rustici". Los lugareños quedan impresionados. Cuando Nemorino pregunta por el "elixir que conquistó a la reina Isolda", Dulcamara afirma que él lo tiene y le entrega una botella que no contiene sino vino de Burdeos, al mismo tiempo que confiesa que nunca vio a nadie tan simple.

Nemorino bebe el vino de la botella y canta feliz pensando que pronto conquistará el amor de Adina con aquella poción mágica que se supone hará su efecto pasadas veinticuatro horas. Ensimismado en ello no hace caso a Adina, que entra en escena, lo que, por supuesto, extraña a la chica, que comienza a poner interés en Nemorino.

Belcore recibe la orden de partir con su destacamento, y pide a Adina que se case con él ese mismo día, petición a la que ella aparenta acceder para dar celos a Nemorino. Éste se llena de desesperación, al pensar que el elixir no hará su efecto hasta el día siguiente y ya será demasiado tarde. Suplica entonces a Adina que retrase la boda un día, pero ella rehusa y, mientras todo el pueblo piensa alegremente en la celebración, Nemorino siente que se han esfumado todas sus esperanzas. Finaliza así el primer acto.

Comienza el segundo acto. En la granja de Adina todo está preparado para la boda. Después de un alegre coro, Dulcamara presenta la última canción llegada de Venecia, una barcarola que trata de una bella joven sin fortuna que rechaza las pretensiones de un anciano senador. La cantan Dulcamara y Adina, entre el aplauso de los presentes: "Io son ricco, e tu sei bella".

Los invitados salen para presenciar la firma del contrato matrimonial, dejando a Dulcamara, que está acabando de comer. Entra Nemorino y Dulcamara le ofrece otra botella de "elixir" que hará su efecto inmediatamente. Mientras tanto, Adina ha retrasado la firma del contrato. Nemorino, para conseguir el dinero necesario para pagar la nueva botella, se alista en el regimiento de Belcore, quien ha entrado de nuevo, y ambos cantan un dueto: "Venti scudi".

Otra vez en la plaza del pueblo. Giannetta cuenta a los lugareños que el tío de Nemorino ha muerto, dejándole heredero de una gran fortuna, aunque Nemorino todavía no sabe nada de ello. Ahora las muchachas colman de atenciones a Nemorino, y él lo atribuye a los efectos del "elixir". Adina, por su parte, se emociona al saber que Nemorino se ha alistado por su culpa, en tanto que éste, gozoso con su nueva situación, se marcha con las muchachas. Dulcamara le confiesa a Adina que ha vendido a Nemorino un elixir de amor, pero ésta dice, y Dulcamara está de acuerdo, que ella posee un elixir más poderoso: el de su belleza.

Sale de nuevo a escena Nemorino, que ha notado un evidente cambio en la actitud de Adina hacia él, y su amor surge impetuoso: "Una furtiva lacrima". Regresa Adina, que ha rescatado el compromiso de Nemorino con el ejército, le entrega el documento y declara que también está enamorada de él.

Belcore, que vuelve con los soldados, se encuentra con la nueva situación, pero se consuela pronto pensando que el mundo está lleno de mujeres jóvenes. Dulcamara, entretanto, hace un negocio redondo con el elixir, que no sólo ha traído amor, sino también dinero. Los felices lugareños muestran su entusiasta agradecimiento a Dulcamara, que se marcha en su carro dorado, con lo que la ópera concluye.

Y tras la explicación de rigor, vamos con la grabación que en esta ocasión os ofrezco. Se trata de la función celebrada en el Teatro Villamarta de Jerez el 29 de abril de 2004 a cargo de un reparto en el que veteranía y juventud se unen para dar una representación muy disfrutable:

Vamos con la ficha de reparto:

Adina: Mariola Cantarero
Nemorino: Ismael Jordi
Belcore: Marco Moncloa
Dulcamara: Carlos Chausson
Giannetta: Leticia Rodríguez

Orquesta Filarmónica de Málaga
Coro del Teatro Villamarta de Jerez · Francesc Bonnin

La gran triunfadora de la representación fue Mariola Cantarero, extraordinaria Adina que hace que el respetable se venga abajo tras su aria conclusiva. Muy buen ejemplo de como cantar un papel como el que nos ocupa. Ismael Jordi hace lo propio con Nemorino: tuve la suerte de verle en directo en unas funciones de Málaga y os puedo asegurar que su actuación vocal va de la mano de su actuación dramática. Su "Una furtiva lagrima" es realmente deliciosa. No todo lo bien deseable resultó el Dulcamara de Carlos Chausson, pero una afección vocal hizo que no rindiera al 100%. Infravalorado en España, sin dudas Chausson merece mayores compromisos en teatros de mayor envergadura. Bien Marco Moncloa como Belcore y muy bien Leticia Rodríguez en el poco agraciado rol de Giannetta. Correcta orquesta y coro a cargo de Francesc Bonnin.

Y para terminar, aqui os dejo los enlaces. Se trata de una grabación realizada en el propio teatro, aunque su sonido es bueno. Va editada y fragmentada en pistas, como viene siendo costumbre:

CD1
CD2

A disfrutarla.