Espejo pintado

Críticas: Tropa de élite

2008-07-22T17:59:00.003+02:00

El hijo bastardo

Entender Tropa de élite como un reducto más del cine social brasileño resulta no captar ni la dimensión de su propuesta ni la fusión de las formas comerciales del cine mainstream con la brisa que supone su denuncia social. José Padilha ha navegado ya por el cine documental y ha escrito siempre los proyectos que ha dirigido pero su experiencia en la ficción se desvirga con en esta película consiguiendo un saldo francamente positivo: el mayor galardón en la Berlinale 2008, pasando por encima de Pozos de ambición de Paul Thomas Anderson y de las nuevas películas de Hong Sang-soo, Mike Leigh, Johnnie To y Wang Xiaoshuaio. Ante tal hiperbolesca presentación las expectativas eran altas. Y lo que nos encontramos al enfrentarnos al visionado fue, ante todo, confusión.

Berlín es uno de esos festivales preocupados por el calado social de sus películas y así lo ha demostrado año tras año. No cabía duda de que este año la ganadora iba a tener un alto componente político en el seno de su propuesta pero lo que sorprende al respecto de Tropa de élite son sus formas, no su contenido. Que el mensaje crítico está ahí es algo que nadie duda (aunque algunos lo han tildado de fascista sigue siendo un mensaje crítico) porque es la moneda a pagar para hacerse un hueco en muchos de los festivales europeos, pero la propuesta de Padilha se acerca en su estética más al cine de acción que al documental del que el director proviene. Entonces, ¿ante qué nos encontramos en lo que respecta a Tropa de élite? Sobre todo ante una película prácticamente inclasificable a la que posiblemente le costará encontrar a su público. Su fusión de conceptos enfrenta a los amantes del cine más visceral (poco dados a los mensajes concretos y más cercanos a la bipolaridad de los buenos contra los malos; y a los del cine social más light, nada acostumbrados a la violencia física y al dinamismo frenético de la cámara en mano). El resultado final acaba siendo una propuesta harto valiente destinada a incomodar a la gran mayoría y con un índice de batacazo comercial importante.

A pesar de esa mezcla que convierte a la película en una obra resbaladiza e interesante, a Padilha se le pueda recriminar un falso compromiso con su contenido. La superficialidad con la que trama el conflicto en las favelas se deriva de la amplitud de frentes que abre, trazando un mapa simplista y cerrado con respecto a los bandos implicados en la guerra del narcotráfico y sumándose al sentir posmoderno de la multiplicidad de puntos de vista y de la relatividad de las culpas/responsabilidades. Tropa de élite busca exponer más que analizar, señalar más que opinar y mostrar más que solucionar. Denuncia una realidad sin juzgar a los implicados y lo hace dando a prácticamente todos los personajes una psicología funcional que sorprende gratamente en una película de estas características (a excepción del esbozo del líder de la favela del cual Padilha se distancia sin miramientos y de la caricatura de los estudiantes burgueses). El resto, los tres protagonistas del BOPE, gozan de la buena salud humana que todo personaje con evolución y psicología bien trazada debe tener en una película.

En la contra de un guion clínicamente trabajado, encontramos una dirección gratuita (¿por qué algunos directores contemporáneos le tienen tanto miedo a la cámara estática? – pienso también en Leterrier con El increíble Hulk, por citar otro caso reciente-) con pretensiones altaneras de acercarse al realismo documental con el uso de una cámara en mano que dota de dinamismo a la acción pero que acaba por demostrar la escasez de recursos de su director. Sumado a esto, encontramos el machaque de una voz en off que supera los límites de lo aceptable al convertirse en un subrayador y en una herramienta facilona para llegar a aquello a lo que otros ámbitos de la producción no consiguen. Una lástima para una película que venía rompiendo esquemas por todos los lados y que podría haber sido el hijo bastardo del cine de acción-social, algo que suena casi a chiste pero que podría ser fruto de heredar de papá el ritmo frenético y la buena salud práctico-comercial, y de mamá la conciencia social y una fuerte personalidad.

Reflexiones: Aproximaciones a un remake

2008-07-14T16:36:00.009+02:00

Con la segunda versión de Funny Games el título de la película acaba siendo doblemente sarcástico al traspasar la intencionada ironía adherida a la trama argumental para sumarse el componente bizarro causado por la extraña situación de que un director como Michael Haneke haya decidido ponerse tras las cámaras para repetir, plano por plano, el que ha sido considerado su mejor trabajo hasta la fecha. La versión US que nos presenta ahora es prácticamente un calco de la versión austríaca que nos congeló la sangre por allá finales de los ’90 y detrás de este ejercicio de mímesis no nos queda otra cosa que pararnos a preguntar: ¿por qué?

El resto del artículo en Séptimo vicio.

Reflexiones: El arte del remake

2008-07-07T16:59:00.006+02:00

Hollywood lleva años escaso de ideas y sólo hace falta darse una vuelta por cualquier cartelera para darse cuenta de que los productos que nos llegan de la factoría americana no son de la calidad a la que los grandes estudios nos tenían acostumbrados. La renovación de cara al futuro de Hollywood pasa ya por reciclar a los guionistas de la televisión (metidos de llenos en una expansión creativa que pone en entredicho la supuesta descalificación que este medio representa frente a la pantalla grande) o beber de cinematografías exteriores para salir del vacío creativo en el que están sumergidos. Aunque del primer caso queda por llegar al cine mainstream algún ejemplo significativo (dentro del independiente encontramos los casos de Michael Cuesta, Miguel Arteta o Rodrigo García) el remake en Hollywood se está convirtiendo en los últimos años casi en un subgénero que resulta cómodo y barato para los estudios por el poco riesgo que comportan.

El artículo completo lo podéis leer en La finestra digital... en su versión original en catalán ;)

La aguja en el pajar: La Jetée

2008-06-16T17:41:00.003+02:00

La Jetée (1962), de Chris Marker

La memoria es frágil en cuanto a su roce constante con el tiempo, que la hace erosionar limándola hasta convertir los recuerdos en simples ideas de lo que realmente fueron. Algo así como las sombras de la caverna de Platón, aquello que sucedió queda en la memoria reducido a una silueta carente de detalles a lo que curiosamente nos aferramos como verdades absolutas. El cine es el arte del tiempo, añade a la fotografía la dimensión del movimiento: acción enlazada con su duración creando la (falsa) ilusión de (re)vivir momentos ya caducos. Bazin hablaba de las primeras percepciones del cine comparándolas con el embalsamiento de los muertos en el antiguo Egipto. Se trata de mantener al muerto en algún tipo de fisicidad más allá de lo efímero del retrato de la memoria, y con el cine llegó la posibilidad de capturar al ser querido en pleno movimiento, con sus gestos y sonidos, dejando atrás a la fotografía, los retratos de pintura, la escultura...

La mente humana tiene la capacidad de crear movimiento de la constante sucesión de fotogramas que conforman una película, o mejor dicho, tiene la incapacidad de percatarse de que lo que está viendo no es más que un sinfín de fotografías pasadas una detrás de otra a la velocidad suficiente para que el ojo humano no perciba los vacíos. Esos huecos quedan rellenados por el cerebro humano en una acción inconsciente, pero todo lo que vemos no queda registrado en nuestra mente y será el tiempo, en forma de memoria, quien se encargue de hacer una selección (a veces caprichosa) de lo que merece ocupar un espacio en nuestra mente. Esos instantes quedan grabados no como planos secuencias o montajes paralelos o encadenados, sino en su estado inicial que no es otro que la fotografía. Podríamos decir que la memoria acaba por registrar los recuerdos en forma de imagen estática especialmente cuanto más lejano es el momento a evocar.

En 1962, Chris Marker hacía una importante incursión en el mundo de la ciencia ficción con su mediometraje La Jetée, sin duda alguna la obra más conocida y apreciada del autor y que ha conseguido unir a todos los sectores de la crítica ante su originalidad y valor. Algunos destacarán en ella su factura visual, otros sus recursos narrativos y otros el atrevimiento de ir en contra de lo establecido; pero es precisamente en la suma de todo eso donde la magia y la grandeza de La Jetée empieza a acercarse a lo que significa enfrentarse, por primera vez, a su visionado. Marker retrata (nunca mejor dicho) con sus fotografías estáticas una historia de ciencia ficción en la que la memoria nos hace de guía al mundo de un personaje que se entera, al mismo ritmo que nosotros, de lo que ocurre en su caótico presente. Las fotografías no son más que los recuerdos de ese ser humano, la voz en off es la conciencia que les da forma y los espectadores pasamos de ser simples voyeurs a acompañantes de un ser del que poco sabemos pero al que tenemos el privilegio de acercarnos mediante su mundo más intrínseco. La constante presencia de la memoria en el cine de Marker se torna casi asfixiante en esta rica historia, que convierte todas las preguntas del film en argumentos abiertos para el espectador. Una película que se atrevió a romper con la idea del cine-es-movimiento y que usó algunas técnicas propias del documental para dar veracidad a una historia de ciencia ficción, llevando más allá su experimento visual. Una película que merece, más allá de lo que haya inspirado, ser reconocida como una obra independiente y valorada como tal. Sin duda, una de esas agujas por las que vale la pena rebuscar en el pajar.

De festival: MICEC 2008

2008-05-28T16:58:00.006+02:00

A finales de esta semana se pone en marcha el MICEC, la muestra internacional de cine europeo que recoge en poco más de una semana una variedad notoria e interesante de lo que ocurre por nuestro continente a nivel cinematográfico.

La selección de películas innovadoras, la presencia de algunos de los directores y las charlas debates alrededor del cine europep contemporáneos de mano de algunos de los más interesantes críticos de cine actuales, son sólo algunas de las propuestas que harán que nos acerquemos por la sede del CCCB y la sala del Renoir Floridablanca en los próximos días para disfrutar de una nueva propuesta de cine alternativo.

Más información en la web del MICEC'08 . La programación de las proyecciones está en este link y de las conferencias y debates en este otro.

De festival: El desenlace BAFF 2008

2008-05-06T22:19:00.004+02:00

Afrontamos la recta final del festival con la mente sumergida en la bifurcación creada por “aprovechar a ver películas nuevas” y “aprovechar a ver en pantalla grande películas de otros años”. Ante la duda, y sólo de cara a los últimos días, optamos por la premisa de recuperar aquellas películas que gracias a la sección BAFF 10 podemos disfrutar en su totalidad en unas circunstancias adecuadas y alejadas de los limitados píxels del monitor. Así haremos un repaso a The mission de Johnnie To, Oasis de Lee Chang-Dong y Goodbye, Dragon Inn de Tsai Ming-Liang.

La cita con The mission tuvo como añadidura la visita que el director hizo a la ciudad para presentar en la clausura del festival su nueva película Sparrow. Esto nos dio la oportunidad de disfrutar de algo más de 15 minutos de encuentro con el público en el que To se mostró paciente ante preguntas poco interesantes y salidas, en su mayoría, de la poca información previa sobre la película o la filmografía del director. Aún así, To habló de su forma de trabajo con los actores (a los que pedía clavar las escenas en una o dos tomas para evitar gastar el presupuesto) y sobre el ambiente que genera en sus rodajes, algo muy parecido al de los guardaespaldas de la película, en los que la amistad es la base para el trabajo entre otras cosas para ahorrar tiempo en explicaciones. Con The mission pudimos comprobar que el humor y la acción son dos atributos reiterativos en el cine del hongkonés, quien aprovechó la ocasión para dar el “pésame” a los culés por la derrota ante el Manchester.

Con el cuerpo preparado, continuamos nuestro flashback por el cine oriental con Oasis, película de Lee Chang-Dong quien competía en la sección oficial con Secret Sunshine la cual se hizo con el premio Cinematk que le asegura la distribución en nuestro país. Decimos lo de “con el cuerpo preparado” porque enfrentarse a Oasis puede provocar insomnio, dolores de cabeza, malestar general o incluso un estado de inexorable enfado constante. La película parte de una premisa ya llamativa: un joven disminuido psíquico que acaba de salir de la cárcel por atropellar a una persona, se enamora de la hija de su víctima que además padece una parálisis cerebral. Lee es amante de las historias dramáticas y siempre consigue llevar a sus personajes al extremo de la desgracia, algo que puede resultar interesante para la leer entrelíneas sus tramas pero que también usan sus detractores para minimizar el impacto de su cine. Guste o no, Oasis es una película muy radical en su concepción que sirve al director para hacer una crítica a la institución familiar y a las políticas de protección a los desfavorecidos, lo cual no deja de ser interesante a pesar de las diez vueltas de tuerca que le da Lee Chang-Dong. Al final, y después de mucho meditarlo, queda la sensación de que Oasis cumple aquello de “mucho ruido y pocas nueces” lo cual nos lleva a desestimar la posibilidad de ver su nueva película pese a haber resultado la ganadora. Al fin y al cabo, la podremos ver cuando se distribuya en España.

Totalmente diferente es la sensación que nos deja Goodbye, Dragon Inn, la mejor película que vemos en este BAFF (si me permiten pecar de extrema sinceridad egocéntrica) y que nos hace recuperar a un director tan interesante como Tsai Ming-Liang. Poco o nada podemos decir al respecto de la película o de su director, sencillamente que podemos situar su cine en las antípodas del de Lee Chang-Dong, por su inteligente manera de tratar los dramas personales y especialmente por el suave humor que incorpora en sus películas, algo que las aligera entre los numerosos planos secuencia que tanto desconcierta a cierta parte del público que no sabe contenerse cuando un director le apela a la paciencia y la reflexión. Simplemente una obra maestra (espero que el compañero José Barrena no me llame la atención por el uso de esa expresión tan mal utilizada en tantas ocasiones) digna de ver en pantalla grande para disfrutar del trato que hace del sonido Tsai (algo que tiene magna importancia en su cine, como se puede comprobar también en El sabor de la sandía) y de cómo éste marca el ritmo, el devenir del tiempo y el acercamiento del fin: el de la película y el del cine.

A todo esto, mientras que una se vendía a su lado más melancólico y optaba por olvidar el riesgo en su selección de películas, compañeros y amigos acudían a otras salas para disfrutar (o no) de otras propuestas. Entre conversaciones en la cola, encuentros fortuitos en las salas y posteriores charlas llegamos a la conclusión de que nos hemos dejado por ver las siguientes películas interesantes: Ploy de Pen-Ek Ratanaruang, Asyl: park and love hotel de Izuru Kumasaka, Wonderful town de Aditya Assarat, The beautiful washine machine de James Lee y Bamboo shoots de Jian Yi. Lo nuevo de Kim Ki-Duk, Aliento (éxito de público en el festival), queda como mera película estimable, algo que se veía venir tras las últimas incursiones del director.

Los premios concedidos en esta edición del BAFF:

Premio del público: Om Shanti Om de Farah Kahn (seguida de cerca por Aliento de Kim Ki-Duk y Foster child de Brillante Mendoza).

Premio Cinematk otorgado por el jurado: Secret Sunshine de Lee Chang-Dong

Premio Durián de Oro otorgado al mejor director con menos de tres películas: Jeon Soo-il por With a girl of black soil

Premio D-cine: Bamboo shoots de Jian Yi.

Y tras estos diez días, el BAFF cierra sus puertas hasta el próximo 30 de abril de 2009 en el que volverá a sorprendernos como hasta ahora. En esa ocasión Japón será la filmografía invitada, así que se aceptan ya apuestas para acertar la selección de películas/directores. Por ahora, nos queda un año para poder acabar de ver la enorme propuesta que ha hecho el festival en su décimos aniversario e informarnos mejor de aquellos directores que nos han presentado. El año que viene seremos más y mejores así que a falta de vernos en los cines, nos vemos en el próximo BAFF.

Agradecimientos: a todos los que con su compañía han alegrado mis sesiones solitarias en este festival: Salva, Carles, Cris, Covi, Sergio, Mar, Manu y… Soraya (aunque sólo compartiera la sala con ella en forma de rumor fantasmal).

De festival: El nudo BAFF 2008

2008-05-01T14:20:00.007+02:00

Días IV, V y VI. El nudo.

Después de las casi inmejorables sesiones del fin de semana, tomamos el consejo de críticos experimentados y seleccionamos la película Night train de Diao Yi Nan para empezar la semana. La historia de una carcelera que toma el tren de la noche para acudir a una agencia matrimonial en busca de la comprensión y cariño de una pareja, pero que se topa con machismo, violencia y soledad. Un retrato de la alienación e incomunicación dirigido por el que fue guionista de La ducha y Spicy love soup (ambas dirigidas por Zhang Yuan) y que después de su debut (Uniform, 2003) nos entrega (especialmente en el tramo final de película) un séquito de imágenes cargadas de simbolismos y belleza que nos acercan a las emociones del personaje principal encarnado por Liu Dan. Una película dura que lejos de sentimentalismos hace el retrato de unos personajes que viven confundidos en un espiral de bipolaridad emocional.

Tras lo intenso de la experiencia con Night train, esperamos encontrar en With a girl of black soil de Jeon Soo-il un golpe de aire fresco para aligerar la noche. Entramos por segunda vez en el día en los cines Aribau Club y descubrimos sorprendidos que compartiremos (literalmente) codo a codo la proyección con Tran Anh Hung (director de, entre otras, El olor de la papaya verde) que en esta edición del BAFF ejerce de jurado en la sección oficial. La película que nos ocupa, ganadora del premio del público en el festival de Las Palmas, nos acerca la historia de un minero que tras ser diagnosticado con una enfermedad, se queda en el paro con la posterior consecuencia de caer en una depresión. La incapacidad del padre de familia de tirar adelante hará que su hija menor tome las riendas de la casa y acabe por ser el único personaje fuerte de la película. Un drama contado sin florituras y tremendamente sobrio que desprende una mirada crítica sobre la falta de autosuficiencia de un país como Corea del Sur que no es capaz de salir adelante por sus propios medios. Aun así, With a girl of black soil resulta una de las más flojas propuestas vistas en este BAFF, película que tras su disfraz de cordero esconde un auténtico lobo ante el sinfín de interpretaciones que de ella se pueden desprender y al jugar sus bazas argumentales de una forma tan descaradamente sentimental.

En la siguiente sesión del BAFF decidimos estrenarnos con el auditorio del CCCB y la sección D-Cinema que presenta películas filmadas con pocos medios. La elegida es This world of ours de un jovencísimo director japonés llamado Ryo Nakayima, que debuta con esta obra filmada en digibeta. Nakayima escoge el retrato generacional para su primer largometraje codeándose, aunque sea a nivel intencional, con los primeros trabajos de los directores de las nuevas olas del siglo XX. De esta forma, Nakayima trabaja con actores no profesionales, con grandes dosis de improvisación, escenarios y luz naturales pero se escapa del espíritu de las nuevas olas en su oda a la libertad. Los personajes de This world of ours son herederos de la democracia y la libertad y es en lo amplio de esas delimitaciones donde pierden el rumbo. Presionados por una sociedad que les llama a conseguir un éxito que cada vez es más difícil de alcanzar, se sumen en un caos emocional que les lleva a coquetear con el suicidio, la violación o el asesinato. A través de diferentes personajes se entrelaza este retrato generacional que a medida que avanza el film se aleja de su concepción más documentalista para convertirse en una auténtica fiesta de dramatismo griego, llegando a un final que parece salido de una serie de dibujos manga haciendo gala de una no-creíble esperanza descompensada totalmente con el resto del film. Las primeras escenas del film, con una selección de música clásica excelente, hacen que la experiencia valga la pena a pesar del atropellado casi happy ending.

Al enfrentarnos a las propuestas del miércoles apostamos por una película de una cinematografía que aún tenemos por descubrir y que en esta edición tiene más presencia de lo que nos tiene acostumbrada. Foster Child de Brillante Mendoza, es la elegida película filipina (ante la otra propuesta que era Tambolista que finalmente nos quedamos sin ver) que elegimos, un film muy interesante en su primera mitad, en la que las secuencias largas nos acercan a una realidad abierta a observar más que a dirigir, pero que hacia la mitad del metraje se convierte en un embudo que sólo permite filtrar parte de lo inicialmente propuesto. Lo que en un principio era amplio se acaba por convertir en un corsé destinado a enviar el mensaje que el director pretendía y el viaje a la vida cotidiana de los habitantes del pueblo se convierte en una odisea personal de una madre temporera que cuida de niños que van a ser dados en adopción a familias ricas. Una historia que no deja de ser interesante pero que sabe a poco después del despegue inicial y que nos deja un regusto agridulce tras el visionado. Aun así, la película contiene escenas brillantes (la ternura que despliega la escena del baño del niño es de una sencillez y naturalidad impagables) y a pesar de esa mal llevada segunda parte, nos quedamos con el placer de sus primeros 45 minutos.

De festival: Primeras sesiones BAFF 2008

2008-04-29T08:51:00.009+02:00

Primeros días...

Un año más Barcelona se rinde ante la propuesta de los organizadores del BAFF en la que es ya su 10ª edición trayendo a la capital catalana el cine más arriesgado de los países de Oriente. Si bien el festival ejerce de espejo del creciente interés del público por las cinematografías de ojos rasgados, el BAFF recoge en su cartel una variedad de estilos que abarcan del documental filmado con cámara digital hasta la última producción de género pasando por el cine de autor más radical. Una heterogénea selección que hace pensar que un año más cada espectador encontrará su película entre las propuestas.

En su estreno del viernes el BAFF inauguró el festival con Assembly de Feng Xiaogang, una mega-producción que se alza con el título de la película más cara de la historia cinematográfica china, algo que si bien resulta curioso en un inicio, pronto se convertirá en insuficiente para el disfrute de la película. No deja de ser llamativo a nivel teórico el esfuerzo que han hecho los estudios chinos para llevar a cabo esta película de (perdónenme los puristas por la siguiente aberración) un clasicismo estilístico y una occidentalización sorprendente, pero lo interesante acaba en la teoría y cuando llega la práctica nos encontramos ante un film que si bien sigue los cánones del cine de género bélico no consigue que la historia transgreda lo aparatoso de la puesta en escena. El resultado final se queda en un castillo de fuegos artificiales sin emoción ni interés más allá de las entramadas secuencias bélicas.

La sesión del sábado del BAFF presentaba algunas de las propuestas que ya a priori resultaban más interesantes. Por un lado pudimos ver la última película de Shinji Aoyama, Sad Vacation presentada, en un encuentro de última hora, por el propio director: “Una historia sobre la familia, no sólo la de uno mismo sino la del vecino y la de los amigos”. La película es un retrato familiar del Japón 2008 en el que el desarraigo y la destructuración familiar están tratadas con un capa gruesa de ironía en lo que parece ser una respuesta generacional al cine familiar del maestro Ozu (no en vano en una de las escenas más divertidas de la película Aoyama coloca su cámara a la altura del tatami, uno de los ra

sgos distintivos de Ozu, y nos muestra una conversación entre dos familiares de diferentes generaciones). La distancia con la que mira a sus personajes y el humor que incorpora en la película hacen de Sad Vacation una película irreverente y fresca a pesar de lo dramático de su trama.

A continuación pudimos disfrutar de la nueva película de Jia Zhang-Ke, uno de los directores más esperados del festival que, esta vez con un documental de algo menos de hora y media, hace en Useless un repaso al made in China de la moda. Después del éxito cosechado con películas como The world o Naturaleza muerta, el director decide despojarse de la dualidad ficción/realidad que marca su carrera hasta el momento y se adentra en el documental para trazar un fino vínculo argumental con sus otras películas tratando uno de sus temas recurrentes: el cambio en la sociedad China. En Useless vemos al Jia más directo: en la primera mitad de la película vemos el proceso de la moda desde el punto de vista consumista (fábricas a gran escala, cadenas de tiendas, consumidores) y de manera seguida una joven diseñadora que sobrevive en la moda gracias a su empeño y confianza en la creatividad. La última parte del documental nos acerca a un mundo más rural en el que el papel del sastre es el de arreglar rotos y descosidos, una sociedad en la que la necesidad prioriza al consumo. Jia Zhang-Ke nos muestra el proceso de capitalización que está sufriendo China a través del ejemplo de la moda, del mismo modo que lo hacía en Naturaleza muerta a través del cambio paisajístico. Sin duda, una de las más interesantes propuestas de este BAFF y uno de los directores más completos de las cinematografías orientales (y occidentales).

En la tercera cita con el BAFF, no pudimos sino caer en el poco fortuito deseo de acudir a los cines Maldà para disfrutar en pantalla grande y en compañía de los desconocidos que abarrotaban la sala, la película que presentó Apichatpong Weerasethakul en la pasada edición del BAFF. En la sección de BAFF 10, Syndromes and a century ocupa el lugar de una de esos films que, por su marcado interés, han sido seleccionados para volver a ser proyectados en el marco del festival. No hace falta decir que el interés que despierta en un sector del público nuestro amigo (permítanme aquí pecar de idiota) Api es inversamente proporcional a la descolocación que a gran escala provoca su cine, pero Syndromes and a century es una película rica, interesante y que confirma a Apichatpong Weerasethakul como uno de los directores más personales e interesantes del panorama internacional. De nuevo nos enfrentamos a una estructura dividida en dos, y de nuevo la misma historia explicadas en diferentes contextos paisajísticos, los cuales harán que los rumbos argumentales tomen caminos distintos. Podría parecer repetitivo si se conoce la filmografía del director pero en esta ocasión se trata de ir más allá y tratar de captar a través de cada parte y su puesta en escena, las diferencias de personalidad de los progenitores del director, algo que si bien no es necesario para disfrutar de la experiencia ayuda a entender algunas decisiones. Un auténtico placer poder recuperarla en pantalla grande.

Para acabar esta tercera jornada, en los Aribau Club coincidimos con amigos críticos y blogueros conocidos en la proyección de The rebirth, la ganadora del Leopardo de oro en el pasado festival de Locarno y que supone una apuesta personal de su director, productor, guionista e intérprete Masahiro Kobayashi. The rebirth trata la soledad y la alienación del individuo en una película basada en la repetición de la rutina diaria de sus dos personajes haciendo del filme una búsqueda y captura de las 7 diferencias para que el espectador pueda, a través de esas pequeñas variaciones, avanzar una trama que no necesita de diálogos ni de grandes momentos dramáticos para sostenerse. Una de las sorpresas de este festival que, pese a no convencer en su tramo final, resulta más que interesante.

Retrospectiva: Tiempos Modernos, de Charles Chaplin

2008-04-23T21:56:00.003+02:00

La doble batalla de Chaplin

La batalla de Charles Chaplin contra el cine sonoro (o en pro del cine mudo) es una de esas luchas constantes que se puede apreciar en cada una de las películas que el director realizó desde la aparición de El cantor de jazz (1927). Ya en el inicio de Luces de la ciudad (1931) la única incursión del diálogo sonoro es usada como mofa del poder político de la ciudad pero es en Tiempos modernos (1936) y El gran dictador (1940) donde Chaplin pone todas sus herramientas cinematográficas en favor del cine mudo.

El uso del sonido en Tiempos modernos corresponde en su gran mayoría a una intención cómica que ayuda a los gags que conforman la película. En ese aspecto, Chaplin no duda en aprovecharse de los avances del cine para reforzar a través de los efectos sonoros sus chistes expresivos o para basarse en ellos, como es el caso de la escena en la que Charlot, sentado junto a la mujer del alcalde, sufre de gastroenteritis. Es en momentos como éste cuando nos damos cuenta de que, a pesar de la aparente negativa de Chaplin al cine sonoro, es consciente de que también él puede sacar provecho de algo que no tiene por qué ser tan nocivo para el cine como en un inicio se pensaba.

A pesar de esos usos del sonido, en Tiempos modernos también encontramos diálogos hablados tras los cuales se esconden las opiniones de Chaplin sobre el nuevo cine de la palabra. En su gran mayoría las voces en off que aparecen a lo largo del film provienen de máquinas (la radio, el aparato de la comida, etc.), esos entes mediante los cuales estamos deshumanizando al hombre y que reducen al ser humano a puros artefactos capaces sólo de hacer un gesto en pro de la producción mal llamada evolución. A través de la introducción de la voz hablada en Tiempos modernos, Chaplin consigue llevar más allá su crítica al Taylorismo y relacionar el proceso industrial con el de la sonorización que sufren las películas. Su punto de vista acerca de ambos queda claro: ninguno de los dos beneficia al hombre y lleva a la insensibilización continua de la persona y del cine.

Chaplin ve en el cine sonoro la muerte de la capacidad expresiva que tanto le ha costado conseguir en pantalla y cree que serán las películas habladas las que conviertan a los actores en simples bustos parlantes limitados a recitar unas líneas y coaccionados en su expresión. Se trata, pues, de reducir la expresividad en el actor y limitar la interpretación tal y como hasta entonces se conoce en el cine. Del mismo modo, la revolución industrial busca reducir los movimientos que el obrero hace en su puesto de trabajo para sacar más provecho del tiempo en fábrica. Ambos procesos se asemejan ya que ponen límites a las capacidades humanas y es por eso que la crítica del sonido en la filmografía de Chaplin toma especial relevancia en Tiempos modernos.

A pesar de esa negativa al cine sonoro, y aceptando que la música y los efectos sonoros son una aportación de valía a la expresividad de la película, Chaplin incluye a dos únicos personajes que utilizan el diálogo: el jefe tirano y el propio Charlot. El primero de los personajes respalda la dualidad de la crítica a la industria y al cine sonoro al encarnar al jefe tirano que no duda en explotar a sus empleados y usar su voz para expresarse. El segundo de esos personajes puede resultar paradójico si no fuera porque la (única) incursión de Charlot en el mundo de la voz la hace cantando y en un idioma ininteligible. De esta manera Chaplin usa su humor para reforzar su idea sobre los talkies y enviar un mensaje a todos aquellos que le quieren ver en el mundo del sonoro: si Charlot pudiera hablar, dejaría de ser entendido.

De festival: BAFF 2008

2008-04-15T18:16:00.006+02:00

10ª edición del BAFF: del 25 abril al 4 de mayo.

Con el mes de abril llega de nuevo a la ciudad condal el Festival de Cine Asiàtic de Barcelona en esta su 10ª edición. Abrirá sus puertas del 25 de abril al 4 de mayo y traerá una selección muy interesante de películas del continente asiático distribuidas en sus diferentes secciones. En la oficial, el BAFF de este año apuesta por el cine oriental como un hueco de libertad creativa a salvo de las tendencias occidentales que apuntan a la globalización (o transnacionalidad, como se prefiera) del cine y desdoblan los premios dando el Durián de Oro a aquellos autores que con menos de tres películas apuntan a formas renovadoras del cine, y el Cinematk que asegurará el estreno en las carteleras españolas a la ganadora del galardón, una apuesta firme del festival hacia un cine que en los últimos años ha conseguido crearse un público del que es muestra clara los 10 años que lleva ya en su haber este festival.

En la sección Asian Selection los responsables del BAFF nos guían a través de las filmografías tan lejanas de países como China, Japón o Tailandia y con su excelente visión crítica nos acercan hasta las pantallas del BAFF obras que de otra manera no llegarían a su público. Entre otras destaca Useless la nueva película de Jia Zhang-Ke, viejo conocido del festival y de los seguidores del cine chino que tienen en el BAFF la oportunidad perfecta para ver la última creación del director de The world o Naturaleza muerta; o la ganadora a la mejor ópera prima en la Berlinale: Asyl: Park and love hotel de Izuru Kumasaka.

En la sección D-cine el BAFF reafirma su apuesta por los cineastas que con el uso de videocámaras y sin equipo de rodaje se lanzan a la captura desnuda de la realidad como documentalistas. La mayoría son debutantes pero también encontramos a sospechosos habituales como James Lee que repite en el BAFF después de The beautiful washing machine, esta vez con Waiting for love.

Completan el festival la sección Espai anime; el apartado que el BAFF dedica este año a la filmografía nacional de Hong Kong con películas de directores como Johnnie To, Herman Yau o David Lam; y la sección conmemorativa a los 10 años de trayectoria del festival (BAFF 10) en la que recuperan films de directores presentes en las ediciones anteriores como Naomi Kawase, Apitchapong Weerasethakul o Hou Hsiao-Hsien, nombres que si ahora nos resultan familiares es sin duda gracias al trabajo que el BAFF lleva diez años desempeñando.

Para todos aquellos que quieran ir preparando la agenda para las dos semanas que dura el festival, en la web oficial ya se puede consultar la programación al completo además de tener información sobre las películas y directores de los que podremos disfrutar en la presente edición. Sin duda, una propuesta más que interesante para pasarse unos días por Barcelona.

Nos vemos, como no podría ser de otra manera, en el BAFF.

Crítica: Rebobine, por favor

2008-04-14T21:10:00.003+02:00

De pasados fantásticos

Muchos dirán que Gondry está empeñado en demostrar que tras el éxito de ¡Olvídate de mí! se escondía no sólo un guionista tan popular y reconocido como Charlie Kaufman (uno de los pocos guionistas que sirven como gancho para una película) sino un director con personalidad propia que puede cargar también con la parte de escritura de una película. Ya lo hizo con la personal y poco apreciada La ciencia del sueño en la que aprovechaba su vida y sueños para trazar una historia tierna y dulce a la par que naïve y ahora con Rebobine, por favor repite esquema creativo volviendo a firmar el guión y tirando de su biografía para crear una película algo menos íntima pero con gran carga de sentimentalismo (no barato). Y es que si bien ¡Olvídate de mí! continúa siendo la mejor película de Gondry, el director ha demostrado que tiene un estilo, tiene personalidad y tiene una forma de hacer cine que si bien coquetea con registros del cine comercial tiene una marca autoral muy clara.

El cine de Gondry mira a lo retro en su estética y rebusca en el lado infantil del espectador para describir un mundo en el que el romanticismo y la inocencia son las características básicas, creando un universo casi onírico que en ocasiones (especialmente en esta Rebobine, por favor) resulta inverosímil. Pero Gondry no se esconde tras la marca autoral para colocar incongruencias aleatorias en sus películas sino que consigue insertar en sus tramas “realistas” altas dosis de ese imaginario del que hace gala y que resulta el gran atractivo de un director que, en plena escena cinematográfica en la que los efectos especiales son el reclamo necesario para toda película, él se lanza sin paracaídas a la aventura del “háztelo tú mismo”. Eso es precisamente lo más interesante de Rebobine, por favor, una película con una trama demasiado al uso que acaba siendo sólo el esqueleto y excusa de las verdaderas joyas de la película: las cintas de vídeo que los protagonistas deberán regrabar para contentar al vecindario y mantener a flote el videoclub. Gondry, con Jack Black a la cabeza, convierte su película en una reivindicación de la imaginación por encima de la tecnificación lo que hace que a nadie le cueste, tras ver sus últimas películas, imaginarse al director francés como a un niño soñador que sigue con el tente mientras sus compañeros juegan a la Wii.

Entrar en el universo Gondry es perdonarle todos los defectos formales y de guión a unas películas que llaman a la sensibilidad de una manera casi imperceptible. Es creer en que sus personajes existen, por muy lunáticos que nos puedan parecer; es poner fe en que todo es posible si se trabaja con la imaginación; es creer en un mundo que hace tiempo dejó de existir y al que Rebobine, por favor reclama a través de las ya obsoletas cintas de VHS y de unos personajes que hacen de una mentira la razón de ser de su existencia. Rebobine, por favor es algo más que una película con humor y gags, de la misma manera que es algo más que una forma original de hacer “refritos” de películas que forman parte de la vida cinéfila de todos. Gondry nos propone a través de cada una de sus películas un esfuerzo de memoria para entendernos a través de lo que fuimos. De la misma manera que los personajes de ¡Olvídate de mí! eran incapaces de eliminar sus sentimientos borrando su memoria, los personajes de Rebobine, por favor encuentran el qué de sus vidas en recrear unas películas que forman parte de sus vidas y que les lleva a intentar salvar un edificio emblemático: de nuevo la memoria (histórica o personal). Todo esto hace que Rebobine, por favor se convierta en una comedia que juega a la superficialidad pero que emana emociones a través de cada uno de sus fotogramas sin caer en la sensiblería de fácil alcance.

Gondry es, en definitiva, un autor personal que sobrevive marcado por el peso de un pasado que se filtra en sus films como le ocurría a Fellini con su cine. La eterna mirada hacia la infancia en busca de esa pureza infantil que nos lleve a reconocernos como personas únicas y no como un conjunto de circunstancias venidas del exterior, y la lucha de la inocencia pura en contra de la corrupción de la sociedad, algo que si bien se lee muy entrelíneas en las películas de Gondry le une en su trato onírico al genio italiano.

Retrospectiva: Alemania año cero, de Rossellini

2008-04-06T22:16:00.010+02:00

La Alemania adolescente de Rossellini

Adolescencia: edad que sucede a la niñez y que transcurre
desde la pubertad hasta el completo desarrollo del organismo.
RAE

Estamos en Alemania en lo que se conoce como el año cero, entendiendo el concepto de cero no como un sinónimo de vacío o nulidad sino de silencio tras las bombas, de paz tras la guerra, de pausa tras el derroche de movimiento. El cero como sinónimo de inflexión para un país que toma tiempo para pensar, detenerse y respirar. Para crearse, en definitiva, una identidad que resurja cual ave fénix de las cenizas. Alemania se tiene que reinventar, tomando del pasado lo que le sirva pero mirando hacia el futuro. Mirando de reojo a lo que fue en otras épocas con la intención de no olvidar que sus actos tuvieron consecuencias, y echando mano del valor para enfrentarse a la evolución natural que se le cierne encima.

Situando ya desde el título el lugar y tiempo de la película, Rossellini deja clara su intención con un doble inicio semi-documental a través de un texto y de una voz en off en forma de declaración de intenciones. Alemania año cero toma de la mano al joven Edmund para seguir con él su paso de la niñez a la adolescencia en una metáfora constante acerca del punto cero en el que se ve sometido el país. Este proceso de maduración que es la adolescencia es el momento en el que Edmund deberá empezar a crear su propia personalidad dejando atrás (o siendo dejado atrás por) todo aquello que formara parte del niño que antes fue, ya fueran juegos de pelota o juegos inocentes con chicas. Ese instante en el que Edmund empieza a dejar de ser un niño (algo que visualmente va acompañado durante la película con un cambio de vestuario y de cierta oscuridad en los planos de la segunda mitad del film) es afianzado no sólo por sus actos (como matar a su padre en una muestra edípica de confusión adolescente o negarles una caricia a sus familiares) sino por el trato que recibe por parte de los demás. Las chicas le ven como un niño al igual que su familia, pero unas y otros le piden que haga cosas de adultos. Ese mundo intermedio en el que Edmund está sometido es a la par el mundo de las dudas en el que vivía Alemania durante el periodo de la confusión, cuando nazis y aliados debían convivir en un estado en el que nadie sabía ya qué era el norte y qué el sur.

“Antes éramos nacionalsocialistas, ahora sólo somos nazis”, le dice un personaje al profesor en un momento de la película. Antes y ahora. Asumir lo que se fue para asumir que ya no se es. Reinventarse, en definitiva. Edmund lo hace, o al menos lo intenta. Alemania debe hacerlo, o eso es lo que opina Rossellini. En esa constante nos sumerge Alemania año cero. La vida reapareciendo entre las ruinas, la evolución no espera y ahí están esos trenes, constantes durante toda la película, que parecen recordarle a todo un país que el tiempo pasa y no espera. Una instantánea en movimiento del momento que representa el final de una era y el inicio de otra. El cero hecho historia.

Curiosidades: El oráculo de Bacon

2008-04-05T19:25:00.004+02:00

Frikada, sí... ¿pero quién no alucinó con el oráculo de Kevin Bacon?

Hay una teoría que dice que todos los humanos estamos interconectados y que podemos llegar a cualquier persona mediante la suma máxima de tres enlaces entre conocidos. Tomando esta teoría y haciéndola matemática, la Universidad de Virginia ideó un oráculo que tenía como centro a Kevin Bacon. Usándolo como punto de partida son capaces de ligarlo a cualquier actor/actriz del mundo a través de compañeros de trabajo.

Podéis echarle un vistazo al oráculo en la página de la UVA y a continuación os dejo alguna de mis últimas búsquedas en este curioso oráculo:

Actor de destino: Biel Durán
Enlaces: Biel Duran trabajó en Coronel Macia, El (2006) con Pep Molina
Pep Molina trabajó en Gaudi Afternoon (2001) con Marcia Gay Harden
Marcia Gay Harden trabajó en Rails & Ties (2007) con Kevin Bacon

Actor de destino: Fabián Vena
Enlaces: Fabian Vena trabajó en Viento se llevo lo que, El (1998) con Jean Rochefort
Jean Rochefort trabajó en Pret-a-Porter (1994) con Forest Whitaker
Forest Whitaker trabajó en Air I Breathe, The (2007) con Kevin Bacon

Actriz de destino: Setsuko Hara
Enlaces: Setsuko Hara trabajó en Chushingura - Hana no maki yuki no maki (1962) con Toshiro Mifune
Toshiro Mifune trabajó en Winter Kills (1979) con Eli Wallach
Eli Wallach trabajó en Mystic River (2003) con Kevin Bacon

La aguja en el pajar: El paraíso de Hafner

2008-03-31T17:42:00.007+02:00

El paraíso de Hafner, de Günter Schwaiger

En el pasado festival de cine internacional de Gijón tuve la oportunidad de ver el documental de Günter Schwaiger El paraíso de Hafner en el que el director austríaco sigue con su cámara la vida cotidiana en la actualidad de un ex oficial de las SS alemanas. Hafner, que en la actualidad vive en Madrid, goza de una gran salud física y psíquica y a sus 84 años hace deporte, juega al ajedrez y disfruta de la lectura y la música. Un hombre intelectual y culto que sin embargo niega la existencia del holocausto y añora los tiempos del Tercer Reicht, además de creer que Hitler es una de las grandes figuras a reivindicar del siglo XX. Sin duda alguna, sólo la propuesta de sentarse a escuchar y ver a este hombre resulta a la vez interesante e insultante, pero aseguro que una vez superado el rechazo inicial que genera Hafner, el documental ofrece una visión distinta de lo que sucedió en Alemania durante la IIGM sin ponerse, en ningún momento, del lado de los verdugos. El gran trabajo de Schwaiger detrás de la cámara no se centra sólo en saber hacer un documental sino de saber mantenerse al margen como persona para captar en su totalidad la forma de pensar de alguien que le es tan alejado políticamente como Hafner. El paraíso de Haffner da otra perspectiva de un mismo conflicto dándole voz a uno de los verdugos pero sin darle derecho a voto: Hafner se sabe criticado y analizado, y Schwaiger sabe captar la fachada y el fondo de su protagonista. Durante el festival tuvimos la ocasión de hablar con Schwaiger que nos explicó la experiencia vivida durante el rodaje:

Conociendo a Hafner…

Estaba preparando un documental sobre la ligazón del franquismo con el nazismo cuando en una de las entrevistas con ex refugiados austríacos salió el nombre de Hafner. Conseguí contactar con él y me concedió una primera entrevista en la que quedé perplejo por la desfachatez y claridad con la que exponía su ideología. Como director tuve que dar lugar a la confianza y traté de no saltar ante lo que me estaba diciendo, y fue un acierto porque así llegué a ver cómo funcionaba Hafner a nivel psicológico y conseguimos establecer una comunicación fluida. Después de la tercera entrevista me centré en ese aspecto psicológico de Hafner y quise darle cara al nazismo haciendo su retrato, trabajar con él fue dar forma a algo que hasta entonces sólo había sido un concepto. Me costó mucho no saltar ante sus afirmaciones, sobretodo porque yo venía de hablar con muchas víctimas del holocausto y soy austríaco. Tuve problemas para sacar el proyecto adelante ya que muchas personas (algunas de ellas ahora se suman al carro de la colaboración en el documental) no querían que diera voz a los verdugos por miedo a que creara empatía con el espectador, pero consideré que el público a estas alturas ya sabe quiénes eran los nazis y me pude ahorrar las premisas didácticas o tutelar a un público que creo que ya sabe de antemano de qué estamos hablando.

Preguntas complejas

En muchas ocasiones creí que la relación se iba a romper, en un principio por mí, porque una parte del estudio de producción no apoyaba el proyecto y también porque en algunas ocasiones me vi incapaz de seguir con el documental, Hafner era una persona muy desafiante. Luego pensé que se acabaría por él, sobre todo después del viaje a Marbella en el que todos sus amigos se negaron a recibirle y también tras el visionado de la película sobre el nazismo. En esta ocasión me negó una entrevista y pensé que ahí se acababa todo. Más tarde, tras las entrevista conjunta con Landauer (un ex refugiado del campo de concentración en el que estuvo Hafner) se cambió el teléfono para que no lo localizara, y cuando nos encontramos me negó la palabra. Sólo nos volvimos a ver cuando le enseñé la película. Siempre tuve miedo de que Hafner me utilizara a mí y a la película para hacer propaganda, por eso nuestros encuentros eran siempre como un duelo.

La víctima y el verdugo

Conocía a Hans Landauer de haber contado con él para otros documentales sobre nazismo que había hecho. Hans había estado refugiado en el campo de Dachau y al enterarse de que estaba haciendo entrevistas a un ex oficial que había estado en Dachau me llamó y me propuso un encuentro entre él y Hafner. Durante la entrevista conjunta estábamos todos muy nerviosos pero Hans Landauer estuvo tremendo, en ningún momento entró al trapo y aguantó estoico las negaciones del holocausto que hacía Hafner. Los nazis se hacen las víctimas cuando se hace referencia al holocausto y lo tildan de propaganda, y Hafner buscaba eso, provocaba a Landauer sin conseguirlo.

Conclusiones sobre Hafner: ¿hipócrita o idealista naïf?

Posiblemente las dos cosas. Desde su punto de vista él estuvo allí y vio todo lo que tenía que ver, así que se construye una realidad en la que la Historia no tiene lugar. Conoce la verdad pero la ha erradicado de su cabeza a través de la voluntad, justo lo que les enseñaban a hacer en las SS: ejercer la represión de la verdad a favor de la voluntad. Y con voluntad, uno se puede creer cualquier cosa.

Este documental está siendo exhibido en el ciclo Documentalistes austríacs d’avui en la Filmoteca de Catalunya durante estos días: Lunes 31 a las 19:30 y el martes 1 de abril a las 22:00.

Y si os interesa el tema, es de recomendado visionado Shoah (1985), de Claude Lanzmann, un documental que recoge testimonios de primera mano sobre el holocausto sin incluir ningún tipo de ayuda de archivo. Una joya del cine documental y del cine sobre el holocausto.

Crítica: Joe Strummer, vida y muerte de un cantante

2008-03-30T20:20:00.002+02:00

Más allá del icono

La carrera de Julien Temple como cineasta saca a colación la palabra música como tema constante de su filmografía. El director inglés ha dedicado buena parte de su trayectoria no solo a la dirección de videoclips sino también a los documentales sobre estrellas de la música como los Sex Pistols en La mugre y la furia (2000) o el cantante de The Clash Joe Strummer, en en el documental que llega ahora a nuestras pantallas Joe Strummer: Vida y muerte de un cantante. Sin duda alguna el fuerte de Temple como director de largometrajes ha sido siempre narrar historias de personajes reales partir de la reconstrucción en su sentido más amplio, ya sea haciendo uso del documental con videos de archivo y entrevistas, ya sea a través de una historia ficcionada como hizo en Vigo, historia de una pasión (1999) en la que retrataba la historia del director francés Jean Vigo. En la película que nos ocupa, Temple opta por la aproximación documental haciendo uso de imágenes de archivo del grupo The Clash, videos personales de Strummer y entrevistas actuales con los componentes del grupo, amigos del cantante y otras figuras del mundo del espectáculo que aportan al documental todos los requisitos necesarios para trazar un retrato poliédrico del fallecido Joe Strummer.

Hacer una película musical centrándose en una figura específica tiene muchos peligros, especialmente cuando se trata de un documental post mórtem que retrata a alguien tan variable y complejo como Joe Strummer, una figura de la música que si bien triunfó con The Clash vivió años después sumergido en la creación de bandas sonoras alejado (parcialmente) del ambiente y filosofía que le habían consagrado en sus inicios de contracultura. Temple no huye del reto y lo afronta con pulso firme otorgando el mismo peso a la parte más conocida de Strummer (como impulsor de The Clash y el punk rock) que a la parte más personal y polifacética del músico inglés, en la que se nos acerca el lado más familiar (pre y post The Clash) del cantante además de presentar los diferentes proyectos a los que dedicó su tiempo tras la separación del grupo que le convirtió en un icono.

Joe Strummer: Vida y muerte de un cantante responde no tanto a la necesidad de hacer un documental más sobre el icono punk que era el líder de The Clash sino a la necesidad de hacer justicia a la figura de la persona, del ser humano que era Joe Strummer antes y después de convertirse en un ídolo de masas. Temple nos acerca a la vida que tuvo el cantante antes de ser miembro de The Clash y cómo esos acontecimientos (la vida alejado de su familia o el suicidio de su hermano) le llevaron a sacar su rebeldía a través de la música, además de mostrarnos el rumbo que tomó Strummer tras la separación del grupo. Temple consigue trazar un retrato transversal a lo largo y ancho de la vida del cantante a nivel personal y profesional, dejando muy claro que su objetivo principal es rendir homenaje no al icono sino a la persona.

En una playa en plena noche alrededor de una hoguera, un grupo de amigos y ex compañeros de Strummer rememoran viejos éxitos de The Clash y otras bandas coetáneas al ritmo de sus guitarras. Esta escena tan hippie rinde tributo durante la segunda parte del documental a un cantante y músico que tras su estancia rebelde se dedicó a otros menesteres sin olvidar su pasión por la música. Temple reivindica la etapa más hippie de Strummer con esa imagen tan mágica en la playa acallando las voces que lo tildaban de traidor al punk. Las entrevistas que acompañan a ese momento incluye a compañeros de The Clash como Mick Jones, o a figuras conocidas del mundo de la música y el cine, como Bono o Johnny Depp, que aportan al documental visiones íntimas del cantante (en el caso de Jones) o más externas, como es el caso de Depp que recuerda lo que para él significó The Clash y Strummer durante su juventud. Esta amplitud de miras hace de este documental un retrato interesante no sólo para los asiduos seguidores de Strummer sino para quienes quieran ver el buen hacer de un director como Temple, experto ya en la reconstrucción cinematográfica de la vida más personal de grandes personajes del mundo artístico. Todo un homenaje al hombre que fue Strummer de la mano de quien supo ver más allá del icono.

Crítica: Seda

2008-03-16T21:44:00.002+01:00

El lirismo fallido de occidente

Escondida tras las caras de Michael Pitt (semi-muso de cierto cine indie americano) y Keira Knightley (la actriz británica abanderada del cine europeo comercial) llega a nuestras pantallas una nueva dosis de cine de co-producción europea (con colaboración canadiense) en un intento de sacarle dientes al cine de los estudios de Hollywood. Ya desde su concepción Seda está marcada por una demanda de mestizaje cultural ya que se basa en una novela del escritor italiano Alessandro Baricco que cuenta la historia de un recién iniciado comerciante francés que viaja a Japón por temas de negocios y acaba prendado de una mujer oriental. Tanta diversidad de nacionalidades en la trama de la novela no podía tener mejor representación en su estructura comercial cinematográfica que un contingente de director, actores y productores formado por la variedad cultural de las coproducciones europeas. Así, entre japoneses, italianos, canadienses, americanos e ingleses acaban formando un plantel variado que podría ser llamado a gritarle a Hollywood que Europa, Japón y Canadá se han unido para plantarle cara.

Tras el éxito cosechado con El violín rojo, el videoartista canadiense François Girard se queda a medio camino entre la interpretación superficial de la obra de Baricco y la mala adaptación al formato cinematográfico de una novela que requería algo más que seguir al pie de la letra el argumento. El resultado se queda en una película fallida con grandes pretensiones de poética narrativa, debido en parte a una más que mala interpretación y adaptación de la novela original que es responsabilidad del propio Girard y de Michael Golding. Siendo este un proyecto en el que Girard se involucra en la dirección y el guión, y en el que cuenta con cierta libertad artístico-creativa, no se entienden las malas decisiones tomadas en Seda por el que es su máximo responsable. La elección de Michael Pitt para el papel principal, la música subrayadora de Ryuichi Sakamoto que no hace sino denotar falta de creatividad y fuerza en la parte direccional de la película, y la terrible decisión de poner el tema comercial (con la elección del elenco anglosajón) por encima de la verosimilitud al hacer que unos personajes franceses hablen inglés (algo que será inapreciable en su versión doblada), son muestra de las malas directrices que hacen de Seda una película de postales paisajísticas con apenas calidad argumental y artística.

La historia queda desnuda ante un personaje principal mal manejado por su actor (al que hacen sombra excelentes secundarios como Alfred Molina) y ante la incapacidad del guión por involucrar al espectador más allá de la muestra de escenarios impresionantes y viajes exóticos hacia la cultura japonesa. El hilo argumental queda reducido a cenizas al perder en su traspaso de la novela a la pantalla la calidad sensorial y de sugestión de Baricco que hace de una historia tan sencilla como esta una delicia que saborear en sus detalles. En su versión cinematográfica Girard no ha sabido manejar el fuerte lirismo más allá de mostrar paisajes espectaculares dejando desprotegida a una trama llana que se debería sostener por el apartado artístico del film, con lo cual Seda se convierte en un pase de diapositivas bonitas sin cohesión ni interés narrativo. Posiblemente la sutileza y la contención de esta novela tan poco “italiana” hubiesen tenido una mejor versión cinematográfica si un director como Wong Kar Wai se hubiera puesto tras las cámaras. Al fin y al cabo, él ya nos dio una lección magistral sobre cómo ser sensual y sugerente en su magnífica In the mood for love, obra de requerido visionado para las almas frustradas que, como una servidora, quedaron desencantadas con Seda.

Crítica: La guerra de Charlie Wilson

2008-03-10T14:30:00.003+01:00

Lo real como excusa

La inquietud y desconfianza que está creando entre su propio pueblo la política exterior estadounidense hace ya un tiempo que ha retomado protagonismo en las carteleras con películas de muy distinta índole que han tratado la guerra de formas muy diversas. Desde el díptico de Eastwood (Banderas de nuestros padres (2006) y Cartas desde Iwo Jima (2006)) hasta el drama familiar de Paul Haggis (En el valle de Elah (2006)) la guerra y la política están siendo tratadas por los directores americanos como banderas de concienciación social una vez superado aquello de “el movimiento antibélico es antipatriótico”. El resultado es un suma y sigue de películas que tienen la guerra como pretexto para ahondar en el pesimismo que crea el sinsentido de los conflictos bélicos, del que ahora nos llega La guerra de Charlie Wilson ejemplificando un cine progre hollywoodiense que si en algo se diferencia de las anteriormente mencionadas es en la ironía y superficialidad con la que toca el tema. No se trata de que La guerra de Charlie Wilson sea un alegato antibélico pero sí hace un intento final de sumarse al carro de un cine de denuncia que a Nichols le queda muy muy lejos.

Leer crítica al completo en Contrapicado

o mi otra crítica a esta película en ReQmana.