el blog del comaandante

Junio

2009-06-25T12:19:00.000-07:00

Es tan bonito, imagino que a través de los enlaces se puede acceder a la info que tomo de El País, en el día 24 de Junio de 2009, San Juan, para mas señas; ahora que miles de profesores están ultimando las temibles notas de nuestra progenie, que el sufrimiento, las alegrías, los vanos orgullos y la satisfacción de cierto deber hecho, impregnan las calles de lo que es la vida cotidiana: aprobó, no sé que hacer con este rapaciño, la chica de diez, son la generación ni ni, no puedo concentrarme

Como te vas a concentrar corazón, si el bombardeo es tan brutal.. en fin es bonito, que una zagala vaya a ver al presidente y diga que fue como charlar con un profesor: presi, escuche a los profes...

“Fue como charlar con un profesor"

JOSÉ LUIS ARANDA / ÁLVARO DE LA RÚA

Te adelantamos en vídeo el testimonio de tres españoles que se entrevistaron con Zapatero. “Hablamos de todo, es una persona normal”, explica Isabel, ama de casa

aprovecho para dejar un tema de otro endemoniado grupo escocés, por favor revisen, revisen la historia musical dese cacho tierra, fuente de músicas insoportablemente bellas, de leyendas y de un malta que quita el sentido. Ellos se llaman camera obscura, y me revierten en debilidad: aquí homenajean en plan pelín cursi al también pelín cursi de Lloyd Cole.. quien no gustó de Roy Orbison, plis

AC/DC

2009-06-11T13:56:00.001-07:00

A veces te lo ponen a huevo. Yo había comprometido una asistencia para ver a los AC/DC con mi amigo Manolo (payaso bajo el nombre de Polilla, junto a su hermano Alcánfor (Toño), e irredento fan del rock acdc y derivados) ; pero vaya ud a saber por qué, jajá, esto no se ha hecho realidad.

Mais, hasta el rabo todo es toro, y me lo encontré el otro mediodía en nuestro garito preferido, la bodeguilla de Millán, antigua Casa Paricio, en el Coso Bajo de Zaragoza; yo había tenido la oportunidad de leer el artículo de Manrique en el País, sobre el concierto que oficiaron en Madrid, tras darse una vuelta por Las Ventas (salieron 2 dellos horas antes del acto, enfocados por las cámaras), comentando la visita papal del combo australiano en nuestro país, y me había reído a gusto; cuando apareció Polilla y, tras los muestreos de rigor, le leí dicho escrito, y con él a los parroquianos, incluyendo, no podría ser menos, al tabernero, Millán, gran conocedor del rock, y otros estilos, aparte de todo lo demás.

¡¡¡¡ es un fracasao¡¡¡¡¡ ¡¡¡¡¡es tu amigo¡¡¡¡ ¡¡¡¡comiste con el hace poco¡¡¡ ¡¡¡te honra la amistad, pero estaís ACABAUS¡¡¡

así eran los argumentos de Polilla: lee, le decía yo, da argumentos, ¡¡¡ como hace el escribano¡¡ grande jolgorio

Manolo no reblaba,

los AC/DC son lo mejón, no hay ninguna duda, estais acabaus: hemos terminao.

horas después leí el panegírico que el mismo diario dedicaba al mismo concierto al que, en parte, se refería el maestro Diego A.

ambos aquí, y cada uno que elija el que quiera: yo ya lo hice, creo.

2 caras de la misma moneda
Jueves, 11/6/2009
Cultura

DIEGO A. MANRIQUE
Chapoteando en el lodo
DIEGO A. MANRIQUE 08/06/2009

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Ya ha pasado el circo AC/DC, ya podemos respirar mejor. El grupo australiano posee una mefítica capacidad para multiplicar el número de falsarios, impostores, poseurs. Hablo de gentes cool que se apuntan para darse un baño de primitivismo, junto a los fans militantes. Y de personas de vida reglamentada que sienten la nostalgie de la boue y recuperan un incierto pasado heavy, que ahora se certifica con la compra de unas entradas caras y una camiseta que causará sensación en la próxima barbacoa de la urbanización.

Conviene recordar que el rock troglodita tiene gancho interclasista. A finales de los setenta, cuando se implantaban en España, aquello rompía los esquemas del departamento de ventas de Hispavox: despachaban más copias de AC/DC en el barrio de Salamanca que en Vallecas. No sirve como indicador sociológico pero revela que los bajos instintos son universales.
La estética del rock mantiene una benigna tolerancia hacia ciertos grupos que cultivan el mínimo común denominador: su aliento cazurro ayuda a equilibrar la tendencia a la pretenciosidad. Sin embargo, el fenómeno AC/DC se ha congelado en una patología infantiloide, un chiste simplón que todo el mundo se siente obligado a celebrar. Su hard rock con vetas de blues tiene menos sabor que el de Z. Z. Top, menos locura que Ted Nugent y sus Amboy Dukes, pero su longevidad comercial parece residir en la petrificación, el ideal del encefalograma plano.
Los australianos en general se sintieron orgullosos del fenómeno AC/DC, aunque su entusiasmo se ha enfriado ante la sospecha de que ensalzan penosos tópicos nacionales. Más allá de las letras, consagradas a ardores de la entrepierna, la oferta escénica del grupo ha degenerado en una elemental función de variedades, con muñeca hinchable, cañonazos y pirotecnia. Como si en las antípodas el entretenimiento tuviera que ser tosco y alcohólico, combustible para mineros en desparrame de fin de semana.
Y mejor no indagar en la psicología del guitarrista Angus Young, que provoca orgasmos colectivos al comportarse, década tras década, como el alumno díscolo de un colegio exclusivo. Escuchar, contemplar las creaciones de Angus y Malcolm Young lleva a peligrosas generalizaciones sobre la decadencia generacional del rock: su hermano mayor, George Young, solo logró una mínima fracción de su éxito -con The Easybeats y Flash & the Pan- pero, hagan las cuentas, firmó una cantidad de canciones memorables infinitamente mayor. No estaba sometido a la Ley del Piñón Fijo.

Jueves, 11/6/2009
Madrid

'Rock and Roll' Calderón
AC/DC entusiasma a 55.000 personas en el estadio del 'Atleti'
LINO PORTELA - Madrid - 06/06/2009

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El Vicente Calderón tiene debilidad por los hombres bajitos. Seres de pequeña estatura y gigantes en talento. El estadio colchonero acostumbra a rugir cuando Agüero culebrea con el balón cerca de la portería del contrario. Exactamente lo mismo ocurre si Angus Young se retuerce como un diablo en el centro del estadio bajo una lluvia de confeti mientras toca en calzones un sexual solo de guitarra. En ese momento las 55.000 personas que anoche llenaron el Calderón gritan, cuernos en alto, como si Maradona hubiera metido un gol -con la mano o con el pie- en la final de un mundial.

El guitarrista Angus Young y el cantante Brian Johnson, del grupo AC/DC, anoche en el estadio Vicente Calderón.- ÁLVARO GARCÍA
"Es el único grupo del mundo, con los Ramones, que no tiene una balada"
AC/DC, definitivamente la mayor banda de rock viva de la historia con el permiso de los Rolling Stones, es más que una religión. Unos son del Atleti, del Madrid o del Rayo Vallecano. Hay quien es de AC/DC. Y punto. Sus letras no tienen dobleces ni mensajes profundos. La filosofía de estos australianos se resuelve con una fácil ecuación: mujeres bellas + rock + vivir al límite = diversión y felicidad. Con la fórmula aprendida se dirigía ayer el público al estadio. En sus caras se veía la sonrisa de quién sabe seguro que va a ligar esa noche o tiene el partido ganado.
Petardos, policías a caballo, adolescentes y padres, novias y pandillas se agolpaban en la puerta del Calderón mientras la cerveza se agotaba en los bares de alrededor. Hasta los reventas disfrutaron, al vender algunas entradas a 120 euros. Inciso: desde hace meses en Internet se vendían sobres blancos a 165 euros cada uno. Claro, con un "regalo" dentro: una entrada de pista. Si a eso no se le llama religión, que venga Dios y lo vea."Lo único que le diría a Angus cara a cara es gracias. ¡Gracias y gracias!", decía antes del concierto Jesús Masa, de 29 años, en el paro y con una chupa llena de parches. "Siempre están ahí cuando los necesitas. Y encima son el único grupo del mundo junto con los Ramones que no tiene una balada", gritaba Laura, abogada de 43 años a pocos metros.
A las 22.05 se apagaron las luces. Muchos tenían el recuerdo reciente de su concierto en abril en el Palacio de Deportes, que ganó en sonido pero no en espectáculo. Miles de cuernos de color rojo infierno -que por 10 euros se vendían a la entrada- lucían en el estadio, mientras en las pantallas una locomotora se estrellaba contra el escenario. Explotan los fuegos artificiales y allí estaban. Los dioses: Angus, con su eterno traje de colegial verde, y su hermano Malcolm Young, de 55 y 56 años, con la vitalidad de unos adolescentes. "Puedo oler el rock and roll", dijo Brian Johnson, de 61 tacos, músculos de estibador y voz cascadísima. Caía clásico tras clásico (Dirty deeds done dirt cheap, Shot Down in flames o la potentísima Thundersck), mezclados con canciones de su nuevo disco Black Ice (afortunadamente no sonaron más de cuatro) y el público compuesto, por un 80% de hombres, tan feliz.
"Quiero que saquen los cañones y las campanas. ¡Todo!", decía poco antes del concierto un emocionado Yosi, cantante de Los Suaves, que compartía barra con Bunbury y Fonsi Nieto -que no paró de tocar la guitarra imaginaria-.
La campana apareció. La apocalíptica Hells Bells sonó como un calambrazo. Poco antes Angus acababa de hacer su tradicional streeptease con la blusera The Jack. Esta vez debajo de sus pantalones no había ninguna bandera sino un logo de AC/DC en rojo y gualda.
Luego apareció Rosie, una inmensa mujer de plástico bien entradita en carnes que se inflaba sobre el escenario con Whole lotta Rosie, de fondo. La canción está inspirada en la aventura amorosa real del antiguo vocalista original de la banda, el bueno y malogrado Bon Scott, con una generosa australiana (¿Dónde estará esa mujer? ¿Cobrará derechos de imagen? Si alguien la ve que avise). El concierto llegaba al final y los deseos de Yosi y de la masa se iban a hacer realidad: ¡cañones! Varios punteos de guitarra después y tras la potente declaración de principios Highway to hell, una hilera de cuatro cañones hacían templar el Manzanares. Era el final de un éxtasis de dos horas, que muchos -si la cerveza les conserva los recuerdos- guardarán en la memoria como los goles que este año ha metido Forlán en el mismo sitio donde ayer atronó y triunfó AC/DC.

la palabra

2009-06-02T10:18:00.001-07:00

Enfebrecido, esto es lo primero que se me ocurre tras la lectura, inacabada aún, de Los libros arden mal, una obra tremenda de Manuel Rivas, donde las palabras son el propósito para una historia agridulce sobre La Coruña de posguerra que empieza, mas o menos, con la sobrecogedora escena de la quema de libros que tuvo lugar en esa ciudad a cargo de los patriotas. La quema de libros como símbolo de la intolerancia, de la incultura, del miedo a la libertad. Rivas nos ofrece un fresco de esos años que los mayores de 50 rozamos en medio de una infancia juventud sin saber (hoy eso es lo máximo) al mismo tiempo que ilumina un amor por los perdedores y sobre todo por los poetas, escritores, defensores y huidos del mundo de la no inteligencia.

Las palabras que vuelan, dardos que queman, sublime orgía donde se encuentran los mejores sentimientos de los seres humanos (con permiso de Doña Bibiana Aido), y que al mismo tiempo pueden ser motivo de catarsis neroniana, cristianatalibán o hitleriana. Quien teme a las palabras, a las letras, quienes quieren encerrar la inmensa libertad del pensamiento, son al fin y a la postre, prisioneros de sus propios miedos, de sus propias miserias. Grande Rivas, hermosa obra de no fácil lectura, pero llena de consuelo y amor, de dura crítica también, y de respeto y aquiescencia con lo que nos distingue: nos queda la palabra.

y de muestra un botón, con los fabulosos Diplomáticos de Monte Alto, con los que años ha, gozamos en Zaragoza: vivan os diplomáticos¡¡¡

mas semana santa

2009-04-09T13:19:00.000-07:00

Una entrada fragmentaria, vista la escasez de nuevas ideas y de tiempo y ...

Cuando era niño, en Badajoz, salía de monaguillo en las procesiones de las Descalzas, era una cosa en rojo y blanco, ese rojo religioso pelín apagado, no la vayamos a joder; y allí con un pequeño botafumeiro íbamos atufando la ciudad de ese aroma a incienso tan preciso. Lo mejor de todo era que llevábamos un paquetón de caramelos para los niños que nos íbamos encontrados en las calles, de paso uno podía ponerse morao, como no íbamos a participar...

Yo siempre quise ser nazareno, me daba mucha envidia no poder salir encapuchado: mas tarde, siguiendo las reglas de la cofradía, creo que ascendí a dalmática, unos trajes así como de romanos o tipos de una película rara, con sus bordados. de esto ya me acuerdo lo justo. Luego emigración y finito cofradía

Mas niño aun recuerdo ir con mi padre uno o dos años, a la plaza de la Soledad, la patrona de Badajoz, donde Porrinas cantaba una saeta: y juro que a aquel enano, mas que todo lo que allí se vivió, el silencio, la gente expectante, los austeros trajes negros, la virgen allí en medio, la mano segura de mi padre; mas que todo eso me impresionó ver a aquel hombre en un balcón (la Giralda?), con sus gafas negras en plena noche, un clavel en la solapa, y un cante que transportaba a la personas

A falta de saetas (la hay en una película con Adelfa Soto, en el youtube y..) unos fandandos de este maestro con la guitarra de Paco de Lucía. Ese Porrina, gitano y de Badajoz.

Jorge Reyes

2009-03-12T02:48:00.000-07:00

Muchas veces ignoramos lo que está tan cerca: este país musical sabe mayormente quienes son las "figuras" de la música anglosajona; pero ignora sistemáticamente músicos comprometidos con su obra e ideología, que aúnan calidad y trabajo. es el caso del lamentablemente desaparecido Jorge Reyes, quien realizó un esfuerzo tremendo en buscar y alumbrar las raíces de la música prehispánica, trabajos mucho mas serios y profundos que esos tan famosos de Sacred Spirit (que le deben mucho a Jorge Reyes, mas, ay sin citarlo: basta con oír el premonitorio Comala)

Jorge Reyes está en la estela del gran Brian Eno, y, por señalar, en España se unió a ese monstruo llamado Suso Sáiz. Dejo un vídeo y si alguien quiere oír mas a Jorge Reyes, desde una vuelta por un blog llamado Música Pacheca. Descanse en paz, gracias maestro, por sus enseñanzas.

Dejo un artículo de El economista de México (cuidadíngg, que no es la tele esa de prédicas que hay por ahí) que nos pone las pilas sobre la importancia de este hombre

El músico mexicano Jorge Reyes, quien se dio a conocer mundialmente por difundir y fomentar la música prehispánica, además de alcanzar fama con la legendaria banda de rock Chac Mool, falleció el sábado 6 de Febrero de 2009 a los 56 años de edad.
Jorge Reyes nació en diciembre de 1952 en Uruapan, Michoacán, lugar en el que radicó hasta los 16 años. Desde temprana edad, Reyes mostró su interés por la música al estudiar flauta transversa en la Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).
Fue en los años 60 cuando estudió música clásica, electrónica y jazz en Alemania, además de hacer lo propio en Dharamsala, India, lugar en donde se preparó y profundizó sus estudios en la música tradicional Hindú y Tibetana.
Para 1980, regresó a su país natal y se integró a la agrupación de rock progresivo Chac Mool, cuyo líder era Armando Suárez, etapa en la que mostró sus dotes con instrumentos como la flauta y guitarra, poniendo en practica los conocimientos adquiridos.
Luego de cuatro producciones discográficas que realizó junto a la agrupación, en 1985 Chac Mool se desintegró y Reyes comenzó su etapa como solista, en la que despuntó con su propuesta conformada por la mezcla de sonidos autóctonos y prehispánicos con la tecnología musical de avanzada, en especial los armonizadores, procesadores de sonido y ecos.
El michoacano se caracterizó también por la utilización de una gran gama de instrumentos de origen mesoamericano, tanto de percusión, como tambores, teponaztlis, caparazones de tortugas, piedras y sonajas, así como otros de viento, entre los que destacan ocarinas, tlapizallis, trompetas de caracol y silbatos.
Diversos escenarios de Estados Unidos, Cánada, Europa, y Sudamérica, así como de su natal México, fueron los lugares en los que Jorge Reyes llevó la música de más de una treintena de discos
Entre ellos se encuentran "Tributo a Chano Pozo", "Tonami", "Mexican Music: Prehispanic Rituals", "Mort Aux Vaches", "Comparsa", "Katuwira", " The Serpent's Lair", "Prehispanic Mistic Rites", "PreHispanic", "Vida Méxicana: Mariachi Music & Rancheros", "Pluma de Piedra" y "Todo un poco".
Ademas de "A la izquiera del Colibrí", "Comala", "Ek Tunkul", "Viento de Navajas", "Niérika", "Crónica de Castas", "Tlaloc", "Bajo el Sol Jaguar", "Suspended Memories Forgotten Sons", "El Costumbre", "Forgotten Gods", "Origins", "The Flayed God", "Twilight Earth", y "Herat Island".
Haber trabajado constantemente con indígenas mexicanos, como los huicholes, quienes influenciaron algunas de mencionadas producciones fue resultado de su trabajo al lado de María Sabina, quien aparece en "Comala" cantando varios de sus rituales de curación.
De igual forma Reyes realizó destacadas colaboraciones con artistas de la escena electrónica como el dueto francés Deep Forest ("Comparsa"), el norteamericano Steve Roach ("Origins"), sin dejar atrás su trabajo con cantantes de pop mexicano como Sasha Sokol.
Trabajó además, con el guitarrista español Suso Sáiz, con quien realizó entre otras producciones "Crónica de castas" y "Bajo el Sol jaguar".
Reyes incursionó también en el Séptimo Arte, al escribir bandas sonoras como "La otra conquista", película mexicana estrenada en abril de 1999 y que fue vista por al menos dos millones de espectadores en este país.
En ese mismo ámbito también grabó en Alemania el soundtrack de la película española "Los hijos del viento" y compuso la música para el espectáculo multimedia Nahui Olin, de Ariane Pellicer.
Una producción que resalta en sus títulos es "El camino del jaguar, lo mejor de Jorge Reyes, 1984 al 2001", disco doble y que reúne 26 de sus más grandes composiciones.
En 2001 se convirtió en miembro fundador del Laboratorio de Experimentación Artística Sonora y Radio Educación (LEAS), en donde produjo obras como "Zocaloop", "Epitafio" y "Los proverbios del infierno".
Jorge Reyes se consolidó como un artista mexicano que mira tanto a las cavernas y las pinturas rupestres, como al siglo XXI, ya que no sólo intentó recuperar las tradiciones ancestrales para fusionarlas orgánicamente con las tecnologías del presente y el futuro, sino también con la idea de borrar algunos estereotipos de la cultura mexicana para proponer nuevos puentes y vasos comunicantes de creatividad intergaláctica en el ámbito independiente.

todos somos Marta

2009-02-16T08:36:00.001-08:00

La foto copiada de la edición electrónica de El País, sacude al verla, un miembro de salvamento marítimo recoge el cadáver de una criaturita en Canarias, tras el vuelco anoche de un cayuco....

Camarón de la Isla

2009-02-16T05:34:00.000-08:00

la foto, bien bonita, está tomada de un blog llamado la china-flamenco, una bailaora, La China, de aquellos pagos; y es una rara imagen tomada en Venezuela, donde sale Camarón junto a Pepe Habichuela y un niño llamado Adrián Galia, que hoy es bailaor y profesor de flamenco, yo creo que comiendo algún marisco en cucurucho

Cuando estoy solo me gusta oír el sonido de los cristales rotos, dice una hermosa y triste canción de Nick Lowe; cuando estoy deprimido puedo escuchar a Camarón de la isla y levantarme el ánimo, creo que lo aprendí de Martirio. Quiero hacer un homenaje a Camarón y de paso a un escritor admirable , un prolífico y verdadero crítico de flamenco y rock que habita Sevilla desde tiempos inmemoriales, Luis Clemente, a quien conocí cuando editaba un fancine con singles llamado 27 puñaladas, un agitador prolífico, siempre con una visión distinta y distante, siempre honesto y acertado. El escribió estas cosas sobre Camarón allá por el 1999.

Así que pasen veinte años.
20 muescas de "La leyenda del tiempo" por Luis Clemente.

1. "La leyenda del tiempo" formó un bucle que ayudó a cambiar el concepto de la música flamenca. Lo que se dice romper moldes: los músicos de rock vieron a partir de entonces el flamenco de otra manera y los gitanos, más conservadores, tenían ya la venia para otras expresiones sin rígidez. Un LP monumental, una piedra fundamental (o fundacional) del nuevo flamenco.
2. Grabado en verano de 1979, supone un disco de reforma y transición, a punto estuvieron incluso de mudarse de casa discográfica. Es el disco en el que Camarón abandona el "De la Isla", el primero con barba y con portada diferente: una foto no firmada de Mario Pacheco, quien un lustro después daba rienda a sus Nuevos Medios. En la difuminada contraportada del vinilo aparece Camarón toreando una vaquilla.
3. Con "La leyenda" bajaron las ventas en la carrera de Camarón, y al productor le gusta relatar cómo gitanos viejos iban a las tiendas de discos a devolver el disco porque decían que ése no era Camarón. "Pero esta reacción también le ocurrió a Pansequito y Rancapino, que son amigos y familiares, le decían que se había salido de la línea... Camarón estuvo algún tiempo amargado y me decía: el próximo disco vamos a hacer un disquito flamenco". ¿Cómo consiguió Ricardo Pachón producir a Camarón?
4. "Llevo el no que me distes en la palma de la mano, como un limón de cera, como un limón casi blanco" (letra de Lorca en "Homenaje a Federico") Una vez concluido el contrato de producción con Antonio Sánchez, padre de Paco de Lucía, Manuel Molina mantuvo conversaciones para hacer el nuevo disco a Camarón, pero éste quiso volverse para La Línea. Fue el momento en que Ricardo, que había hecho los discos de Lole y Manuel, aprovechó para ofrecerse y, antes de irse, allí mismo, le cantó el "Romance del Amargo" ("lo primero que compuse").
5. "Camarón estuvo fantástico porque él estaba acostumbrado a otro tipo de grabaciones... se tenía que fumar los porros en el WC. Eran grabaciones muy estándares y constreñidas, en ocho pistas como máximo. Pero aquel estudio era grande y había un ambientazo, siempre lleno de músicos, los Dolores, los palmeros..." (Ricardo Pachón) Pero antes se vieron concentrados en Umbrete, donde meses antes se habían registrado las "Guitarras callejeras" de Pata Negra. Ricardo junta al equipo formado por Camarón, Tomatito, Raimundo (que se acababa de casar y de separar) y Kiko Veneno, con el ínclito Juan el Camas de cocinero: "Lo que más le gustaba -recuerda- era la mojarrita (pescado) frita, que se la traían de San Fernando y freíamos doce kilos; y un guiso de garbanzos con acelgas y su pringá (mezcla de carnes)".
6. Los de Alameda entraban y salían en un ambiente relajado alrededor de chimenea. Estaban en la capital del mosto (vino sin fermentar), en la casa de Ricardo: "Recuerdo que "Los olivaritos" de Kiko era una cosa como dodecafónica. Se sugería un tono y ya los olivaritos se iban haciendo más flamencos. Nos reíamos mucho y el guru era Juan el Camas. Vivíamos allí, en medio del campo, y los Pata Negra robaban naranjas por las fincas de los alrededores y venía la Guardia Civil y..."
7. El que más peso detentaría en el disco fue Tomatito, ese gitano del oriente. Llegó de Almería y, aunque no había grabado hasta entonces, ya llevaba un par de años acompañando en vivo a Camarón, quien le convertiría en tocaor de leyenda, posición desde la que recapitula: "Había llegado la hora de grabar un disco, y cuando veo los temas dije... qué cosa más rara. Yo tenía 19 años y estábamos todos locos porque saliera bien, una cosa moderna". Si el aficionado podía encontrar algunas influencias del "Almoraima" de Paco, se iban diluyendo ante un sello personal... y casi anónimo a su pesar: "En ese momento la gente preguntaba quién era, porque sonaba algo diferente. Pero yo estaba enfadado porque no pusieron mi nombre, ni siquiera salió en la parte de atrás del disco".
8. Tomate ayudó mucho en los ritmos a Antonio Moreno, el Tacita, que antes había puesto su libre batería en el disco de Veneno y aquí, de nuevo, no aparece su nombre (confundido por el de Antoñito Smash); Tacita fue el batería del dilatado primer proyecto Alameda, que poco después grabaría su primer y más exitoso disco. De Alameda eran también bajo y teclados. Y la guitarra eléctrica, del cantante Pepe Roca, punteó en "La tarara" y "Volando voy" (ese mismo año aparece también en "Sombra y luz" de Triana). El que más toca en el disco, detrás de Tomatito, es Manolo Rosa, ese bajista estupendo y exigente. Por último, por mor de Manolo Marinelli, "La leyenda" introduce sintetizador. "Mira, el disco está bien, pero el pito ese que mete al final (por el moog), eso no vale un duro". Eso le dijo Paco de Lucía a Ricardo, que matiza: "El disco le gustó, sí. De hecho yo hablé con Paco antes que con Tomatito y primero me dijo que sí, pero después me dijo que su padre estaba un poco dolido porque después de diez discos Camarón había cambiado de productor".
9. La pieza "La leyenda del tiempo" pone la música a una joya de vellos de punta, el luminoso baile final de "El perro andaluz. Burlerías", del actual Ballet Andaluz de Danza, con coreografía de María Pagés. Por cierto, curiosos arreglos jazzísticos le adapta una big band de Amsterdam, Cauchout, en un disco de hace cinco años.
10. José Antonio Galicia toca la batería y Rubem Dantas la percusión en "La tarara" donde hay un piano desafinado. Se pueden escuchar los cortos y secos rasgueados de la guitarra de Raimundo y la flauta de Jorge Pardo en el "Volando voy" de Kiko Veneno. Galicia, Dantas y Pardo pertenecían al grupo Dolores, que respaldó a Camarón ese verano del 79 en la plaza de toros de Barcelona. El cartel lo completaba Jeff Beck, Weather Report y Stanley Clarke.
11. Guadiana, que acaba de publicar su primer disco, es uno de los siete palmeros que intervienen en la leyenda. Y siempre hay que acordarse del maestro Manolito Soler, cuyo taconeo pone de relieve en "Mi niña se fue a la mar", que firman a medias Kiko y Ricardo: "A partir de unos acordes de un blues que tenía Kiko, lo metí por alegrías y aprovechamos las cantiñas de Pinini".
12. Curiosa la influencia etimológica del grupo Chicago en nombres sureños: En Triana ("Si Chicago son de Chicago y se llaman Chicago, nosotros...") y en el recorte del De la Isla que hizo Ricardo pensando en el Transit Authority. "Camarón de la Isla era muy largo para crear la marca".
13. "Volando voy", que la hacía Veneno en directo, se desenvaina como single. Algún cazaeslogan ha equiparado con el "no future" punkista aquel "volando voy, volando vengo, por el camino yo me entretengo".
14. "Y los cariños en la frontera, me van." Era el primer disco de Tomatito y en él deja algunos de los mejores toques de su vida, como el eléctrico final de "Tangos de la sultana", unos tangos extremeños y de la Repompa de Málaga con letra de Francisco Díaz Velázquez, el primero que publicó el Manifiesto del Borde de Smash.
15. Raimundo y Tomatito se doblan en la versión de Omar Kayan que tenía preparada Kiko, quien aclara: "Era un poeta persa perteneciente a la filosofía sufí del siglo XI, una especie de estoicismo dentro de las tendencias islámicas, un autor que era conocido en los círculos hippies". "Quiero al amante que gime de felicidad y desprecio al hipócrita que reza una plegaria".
16. Del soporte literario, la clave es García Lorca: son suyos los cuatro primeros cortes y el de cierre. También se cogen fragmentos de poemas de Fernando Villalón ("poeta tahúr y señorito", según Juanjo Téllez), cuyo barco de vapor estaba hecho con la idea de que echándole carbón navegue contra marea. Eran las alegrías de "Bahía de Cádiz", que tienen el aire de Enrique Morente, la única música que José llevaba en mente al llegar a Umbrete.
17. Gualberto se quedó solo con Camarón para finalizar el disco con "Nana del caballo grande", aquél que no quería beber porque "el agua era negra dentro de las ramas". Gualberto recuerda: "No pudimos ensayar nada, me fui a Madrid, él se tomó una botella de agua y yo una cerveza con un bocadillo de chorizo porque estaba desmayado del viaje. La grabamos en directo, los dos frente a frente, y un fondito de pedal que hizo Manolo Marinelli. Nos miramos, nos contestamos y fue muy natural. Salió a la primera, ni repeticiones ni recordings ni nada. Había mucha gente en el estudio, pero Camarón estaba muy concentrado, se cuidaba mucho en esa época". "Nana del caballo grande" sería adaptada justo diez años después -mecida con grandilocuencia por la Royal Philharmonic Orchestra- para también poner fin a "Soy gitano", cogida de otra toma diferente, que hizo Camarón con el piano de Marinelli.
18. Dificilísimo de creer: el número de unidades de "La leyenda" vendidas, la cantidad hecha pública cuando murió el cantaor en 1992: ni seis mil. El disco del que hablamos fue considerado el mejor de toda la historia del flamenco por El País de las Tentaciones (agosto 1994), que le dedica una tópica y despistada reseña.
19. Con Ricardo firmó Camarón un contrato en Polygram por cuatro discos: "La leyenda del tiempo", "Como el agua", "Calle Real" y "Viviré". "La leyenda" fue punto de inflexión de discos impares, entre "Castillo de arena" del 77 y "Como el agua" del 81, donde sigue Tomatito y vuelve Paco de Lucía. "Sí, vuelve San Paco y puso la condición de que los temas fueran de su hermano Pepe. A Camarón le pareció bien y a mí me pareció bien." En la grabación de este disco toma heroína por primera vez. Su caché se acercaba por entonces al millón de pesetas, y al final, diez años después, llega a los tres millones.
20. Rocío Jurado lo definió bien: "Este chico tiene un viejo en la tripa". Camarón renace, como cantaba Federico en "Así que pasen cinco años" y él al final de "La leyenda del tiempo": "Y si el sueño finge muros en la llanura del tiempo, el tiempo le hace creer que nace en aquel momento."
Autoretrato retocado.
Rafael Amador no fue a la grabación, y mientras Ricardo minimiza la incidencia de Pata Negra en el disco, Raimundo reivindica su parte: "En "La leyenda del tiempo" el Kiko y yo pusimos bastante de nuestro rollo, aunque Ricardo se ha llevado todos los galones. Incluso yo ensayé mucho para ese disco; muchas veces el Tomatito estaba en Almería y yo seguía allí con Kiko mirando cosas con Camarón, incluso Rafalillo y el Carapapa andaban por allí. Por ejemplo, la bambera (por "La leyenda") a lo primero era un poco cursi, más blandito, y sin embargo le metimos una fusión que no salió de Ricardo. El "Viejo mundo" lo teníamos grabado cantándolo Kiko para que lo aprendiera José, que te meas de risa de cómo lo canta el Kiko, muy gracioso". Según Kiko, Ricardo le llamaba para pedirle ideas y realmente partió de él el croquis de adaptar a Lorca, "que por entonces era un poeta sagrado". Pero Kiko va más allá: "La confluencia de Camarón conmigo, Raimundo y Tomatito joven, en la época pre-heroína, con pildorillas por medio, esa confluencia fue explosiva." Sin embargo, Ricardo afirma que cuando llegó Kiko la banda tenía ya montada el "Amargo" y "La leyenda" ("Lo del Amargo era un romance de soleá por bulería que tenía yo hecho desde hacía diez años"). Pachón llega a renegar de la versión de Kiko de "La leyenda del tiempo" en su último disco en estudio y habla de desfachatez al firmar Kiko la música, que eran dos bamberas -una en tono menor y otra en mayor- que él metió por bulerías. "La música es para el que la trabaja", concluye. "Cuando se hace una adaptación popular, los derechos de autor van al adaptador... por eso podía haber puesto adaptación," matiza Kiko, quien por su parte considera que Ricardo le despidió para componer las segundas partes. Un asunto oscuro para un disco luminoso.
Autorretrato retocado. Seis cortes de "La leyenda del tiempo" se restauran para "Autorretrato", doble recopilatorio publicado en 1990. En las nuevas mezclas se arremolinan las percusiones y palmas nada menos que de Manuel Soler, Tino Di Geraldo, Diego Carrasco y Doctor Kelly; intervienen en las variaciones de "Volando voy" y "La tarara" y mientras en la primera Tino pulsa también hacia el Caribe un bajo apasionado, en la segunda se intercala el taranto de la Gabriela. Si en el original del "Romance del Amargo" se dobla la guitarra de Tomatito, aquí es sustituida por la sonanta de aristas de Juan Manuel Cañizares, que también mete guiños jazzísticos en "La tarara". No se intentaba parchear ni exceder lo superior germinal. Son otras tallas, otras joyas pulidas del modelo inicial.
BISAGRAS ORALES
Camarón: "Lo más parecido al rock que yo he grabado ha sido "La leyenda del tiempo", ahí arriesgué y metí cosas que no son las más habituales en el cante flamenco. (...) Y hay que tener cuidado con lo que se hace, no salirse de los límites del flamenco, que los tiene" (1989).
Ricardo Pachón: "Fue un disco experimental que al cabo de los veinte años se ha convertido en emblemático. Ha sido disco de cabecera para mucha gente joven, de esos discos que se lo han mamado bien. ¿Disco clave? Si clave es bisagra, sí, porque hay un antes y un después de "La leyenda del tiempo". Se trataba de encontrar un nuevo lenguaje para el flamenco y la canción española. El "Blues de la Alameda" de Smash fue también una canción bisagra".
Paco Vargas: "Con Ricardo Pachón, Camarón, toma contacto con otras músicas y otros poetas: abre su corazón y sus oídos al arte sin complejos y desgrana su enorme cabeza musical para ponerla al servicio del cante hecho arte. "La leyenda del tiempo", en este sentido, significó el inicio de una revolución inacabada. Mal que les pese a algunos".
Kiko Veneno: "Me parece exagerado oír lo de disco clave, es la evolución la que va dictando la grandeza... aunque es verdad que a veces los comentaristas tienen mejor visión que los embebidos autores. Eso sí, los gitanos estaban rebelados, les costó mucho trabajo entrar. Fue una cosa underground dentro de la industria musical, por ese disco se coló mucha gente de la música moderna".
José Manuel Gamboa: "La significación de "La leyenda del tiempo" en la historia del flamenco es comparable a la del "Sgt. Pepper's lonely hearts club band" de los Beatles en la del rock".
Gualberto: "Ese disco es como cuando Dylan empezó a tocar con The Band, guardando las distancias porque Camarón no tenía grupo fijo. Camarón era creativo hiciera lo que hiciera, aunque reconozco que lo que más me gusta son los primeros discos con Paco; después gana en fuerza y expresividad, pero allí estaba la semilla y le tengo especial cariño".
Antonio de Miguel: "Un barquito marinero paseándose entre salinas y amplificadores. Navegando más lejos que Smash, con mejor timón que Veneno, con más gracia y sabor que Triana".
El Tacita: "Imprevisible. Nadie podía imaginar en ese momento que iba a tener esta repercusión, de hecho las críticas fueron malísimas al comienzo. El hermano de Paco de Lucía me decía que cómo habíamos hecho aquello, y el hermano de Manolo Sanlúcar me dijo que era lo mejor que había escuchado".
Norberto Torres: "Me molestó el mal sonido y la especie de velo sobre las guitarras que no te permitía adivinar cómo era realmente el toque de Tomatito, porque lógicamente pensaba que debía de tratarse de un nuevo Paco de Lucía cuando Camarón lo elegía como acompañante. A pesar de la extrañeza, desprendía energía y sonaba muy gitano. Había que escucharlo detalladamente".
Juan el Camas: "José transportaba la voz, cogía los tonos difíciles y jugaba con ellos. "La leyenda del tiempo" la hizo un genio y dejó ese mensaje antes de irse. José fue promotor".
Luis Clemente, 1999

Debajo el enlace a un artículo que escribí en los 90, para un fanzine electrónico recomendable, la factoría del ritmo, y mas abajo aún un vídeo para rememorar con Camarón por tangos, sobrao.

mi visión de camarón en la factoría del ritmo

Elis Regina

2009-02-14T05:47:00.000-08:00

Posiblemente la MPB (música popular brasileña) formaría el número 1 en una votación general sobre estilos musicales. Este continente musical que es el Brasil, lleva años sorprendiendo a los melómanos, emitiendo en todas las direcciones, desde las raíces mas africanas hasta los experimentos electrónicos mas gozosos.

Quiero rendir hoy un pequeño homenaje a esta magnífica cantante, que con su voz lanzó a numerosos compositores, que puso la bossa a niveles insospechados, que sirvió y sirve de inspiración: el día de su muerte, a la temprana edad de 36 años en el Teatro de Sao Paulo la cola de personas que acudieron a despedirse de ella duró la friolera de 23 horas, la gente cantando sus canciones en un marasmo emocional impresionante

Dejo aquí una, canción fantástica original de Atahualpa Yupanqui, popularizada por la gran Mercedes Sosa; y que en la voz de Elis resulta admirable y estimulante.

eutanasia

2009-02-12T16:40:00.000-08:00

casi un mes sin publicar, casi una vida sin saber el altibajo. En cierto modo no tengo cuerpo de publicaçao, visto lo visto. Todas mis venas están ardiendo, todas las escasas vías que me mantienen con el exterior se van perdiendo, todas las noticias que llegan de puertas afuera y adentro son demoledoras, y me estoy quedando sin respuestas, eu, que creía tener todas las preguntas, eu que pensaba sobrado en las soluciones. Ayer, por poner una fecha, marchó otra alma pura que me sostenía, aunque ni yo ni Berlusconi lo sabíamos. Cómo ante tal tránsito decir, ey, amigos, luce el sol en este casinvierno, ey, chamacos, todo fluye en esperanza de inútiles

paso la calle que no existe, paso los peldaños que nadie inventó, incluso las letras que otros escribieron para darnos soporte o beneficencia,

la virgen del cobre es la que me sonríe y aprieta, y sin ella una cierta melancolía para seguir adelante, casquivano, adelante, en el amor y la no certeza. En viento y en el silencio, esperando por vos, esperando también por mí, esperando una ilusión del día de mañana, del día de mañana

carnaval carnaval

2009-01-17T07:31:00.001-08:00

Vaya por delante que no hay tierra en la que me sienta mas identificado que Cádiz, lo mismo la capital que la costa o la sierra. Cádiz es Cádiz y aquí hay que mamarla. pero junto a toda esa sal y arte, pasan cosas en Cádiz que no son creíbles. El pasado verano, por poner un botón de muestra, yendo en un autobús público de Los Amarillos desde Chipiona hasta Cádiz, justo cuando íbamos a ingresar en el Puerto de Santa María; el conductor recibió -cosa prohibidísima- una llamada al móvil, y le pidieron desde su superioridad que diera la vuelta y volviera a Chipiona. La chirigota que se formó en el autobús nos sirvió de poco: dicho y hecho; dio la vuelta y nos llevó de vuelta a la tierra de Rocío Jurado: esto es cai y hay que mamarla.

La crónica que sigue está publicada en el Diario de Cádiz del sábado 17 de Enero y es impagable.

La presentación en Madrid del Carnaval de Cádiz 2009 resultó un auténtico fiasco. Más de un centenar de personas se quedó fuera del teatro del Centro Cultural Conde Duque, y la presentación organizada por Ismael Beiro provocó un conato de amotinamiento de una parte de las 600 personas que ocuparon un aforo preparado para un máximo de 320. Siendo generoso, la imagen de Cádiz sólo se salvó cuando el coro de Julio Pardo pisó las tablas y arrancó a cantar.

La noche gaditana en la capital de España se comenzó a estropear pasadas las ocho de la noche, cuando el personal de seguridad del Centro Cultural Conde Duque impidió la entrada a unas 300 personas que hacían cola en el patio para acceder a la puesta de largo del Carnaval gaditano en la capital de España. A esa hora, el aforo había sido superado en 120 personas.

Fruto de la tensión creada, con la gente apelotonada en la puerta protestando, un miembro del equipo de seguridad tuvo que ser atendido de un ataque de ansiedad por una ambulancia del 061, que llegó con las sirenas hasta el mismo patio dándole a la noche festiva un toque de crónica de sucesos.

Cuando comenzó la presentación, sobre las nueve de la noche, el aforo del teatro llegó hasta las 600 personas, y los representantes de la seguridad del Centro Cultural se negaron a aceptar que entrara nadie más a pesar de que el delegado municipal de Turismo de Cádiz, Bruno García, intentó infructuosamente convencerles de lo contrario. Más de un centenar de personas optó por marcharse, pero una veintena aguantó hasta las diez y veinte de la noche. A esa hora, tras personarse una dotación de la Policía Local en la puerta y entre protestas, se marcharon.

En una breve intervención en el teatro, la alcaldesa de Cádiz, Teófila Martínez, admitió que el acto se había "desbordado" y asumió toda la responsabilidad del fiasco. En concreto, dijo: "La culpa la tengo yo". Además, tuvo palabras de agradecimiento para casi todos menos para la ministra de Igualdad, Bibiana Aído, que estaba sentada a su lado en primera fila.

Previamente, la alcaldesa atribuyó los problemas surgidos a que mucha gente no cambió las invitaciones por entradas, argumento que no se sostiene ante una afluencia con invitación que superó fácilmente las 800 personas.

Pero si fuera estaba la cosa calentita, dentro se fue calentando a medida que Ismael Beiro, un joven gaditano que saltó a la fama al ganar la primera edición del programa televisivo 'Gran Hermano, fue consumiendo minutos de una presentación que resultó soporífera, salvo el aliño -unos cuantos chistes de Pepito 'El Caja' con guitarra, la interpretación por Manuel Santander del himno oficioso del Cádiz, flamenquito de baile y cante y 'La habanera de Cádiz' de Carlos Cano y Antonio Burgos-, a la versión pop, tuneada con los personajes Cádiz y Carnaval, de la inmortal obra de Moliére 'Médico a palos'.

Sin desmerecer el valor artístico de la compañía teatral hispano-cubana 'Máscara Laroye', la puesta en escena resultó aburrida y, sobre todo, nada carnavalesca a pesar de los tics cuarteros de sus actores. Eso sí, la hermana de Teófila Martínez, sentada en tercera fila, se rió por todo el aforo.

Tan mal se puso la cosa teatral que la representación estuvo a punto de provocar el amotinamiento de una parte de los espectadores que, esgrimiendo los plumeros de Carnaval, urgió la conclusión de la mascarada. Los actores, desde luego, salieron por piernas y no regresaron a saludar.

Con la sala de butacas mosca, la alcaldesa, que es rubia nacional y de tonta no tiene un pelo, se acordó de la ministra de Igualdad cuando le tocó entregarle a Beiro un antifaz de agradecimiento. Muy espontánea ella, tiró de Bibiana Aído para compartir los aplausos en la entrega al alimón.

La ministra Aído, por cierto, apareció por sorpresa, como una especie de arma secreta que los socialistas gaditanos mantuvieron en secreto hasta horas antes. Ella, sin embargo, cuando fue preguntada si su presencia tenía alguna significación política en clave municipal, sonrió y preguntó: "¿No os parece que tengo bastante con lo que tengo?".

Sobre el espectáculo Beiro, ¡y vaya espectáculo!, la versión oficial del Ayuntamiento es que el joven gaditano, un artista de reconocido prestigio internacional, con unas dotes innatas y de una fiabilidad digna de toda confianza, tal como puso de manifiesto en 'Gran Hermano' poniéndose y quitándose la camiseta del Cádiz, lo llevaba todo muy en secreto, y que al equipo de gobierno municipal que lo registren.

Con la imagen de Cádiz por los suelos salió a escena el coro de Julio Pardo, 'La Catedral', y el estado de ánimo del público y el sentido de los plumeros carnavalescos cambiaron radicalmente. El Carnaval en su estado puro continuó fluyendo hasta pasada la una de la madrugada de la mano de la chirigota 'Las pitorrisas', de Quique Remolino; la comparsa 'La Banda del Capitán Veneno', de Juan Carlos Aragón, y el cuarteto 'Taller de reparaciones…".

Entre el público asistente destacaba la presencia de gaditanos, la mayoría residentes en Madrid. También se dieron cita un buen número de concejales de Cádiz: entre otros estuvieron presentes los populares Vicente Sánchez y Bruno García y las socialistas Carolina Camacho, Marta Meléndez, Marisa de las Cuevas y Natalia Álvarez. Acudieron a la cita carnavalesca la presidenta del Parlamento madrileño, Elvira Rodríguez, y dos ediles del Ayuntamiento de Madrid.

Entre el famoseo apareció por allí el humorista Raúl Sénder, los actores Pepe Ruiz, de las series 'Escenas de matrimonio' y 'Los Mata', Máximo Valverde, el futbolista del Getafe Casquero y el presentador José Manuel Parada. En fin, poca cosa. Pero visto lo visto, casi mejor.

y dejo una muestra de ese arte tremendo de Cái, con un vídeo de los Yesterday, grandes, grandes. grandes

hombres

2009-01-10T14:29:00.000-08:00

Esta historia, emocionantey bien escrita, está publicada en El Pais, por José Luis Barbería, y el enlace está debajo. La foto no sé de quien es porque no figura en dicho artículo

1936-1939, 1940, 1941... España contra España, despiadadamente. En el tiempo en el que se desataron aquí todas las furias y el odio se instaló en las conciencias colectivas, hubo también valientes de moral íntegra, gentes de una pieza que enfrentándose incluso a sus propios correligionarios intentaron impedir la degollina. El anarquista Melchor Rodríguez García -Triana (Sevilla), 1893-Madrid, 1972-, militante de la CNT y de la FAI, delegado de Prisiones de la República, es de los que cuando la sangre llamaba a la sangre se jugaron la vida por impedir el asesinato de sus enemigos políticos.

"Si he actuado con humanidad no ha sido por cristiano, sino por libertario", aclaraba Melchor Rodríguez

Con el respaldo del ministro de Justicia, también anarquista, detuvo los traslados de presos a Paracuellos.

La cita es en el Centro para Mayores de Leganés (Madrid). A Ricardo Horcajada, de 81 años, le cabe el raro honor de haber desplegado una bandera anarquista ante los ojos de algunos de los jerarcas del régimen de Franco y no haber sido detenido. "Con el miedo en el cuerpo", como dice él, extendió la enseña rojinegra sobre el féretro de Melchor Rodríguez el 14 de febrero de 1972 en el cementerio de San Justo de Madrid. Fue un entierro multitudinario y tan extravagante que, en plena dictadura, reunió a anarquistas y franquistas en un mismo duelo. "No hubo incidentes. Mi padre rezó, incluso, un padrenuestro por el alma de Melchor sin que nadie le hiciera un mal gesto", apunta Javier Martín, hijo de Javier Martín Artajo, antiguo parlamentario de la Confederación Española de Derechas Autónomas (CEDA) en la República y más tarde diputado por designación del dictador en las Cortes franquistas. De acuerdo con ese testimonio, Javier Martín Artajo vistió durante el entierro una corbata con los colores anarquistas en justa correspondencia con el gesto de besar la cruz que Melchor Rodríguez había realizado en su lecho de muerte. "Vale, ya que te empeñas, yo beso ese trozo de madera, pero tú te comprometes a ponerte una corbata anarquista". Así quedó sellado el trato.

Ricardo Horcajada sostiene que la actuación del delegado de Prisiones de la República frente a la muchedumbre que el 8 de diciembre de 1936 pretendió asaltar la cárcel de Alcalá de Henares fue un hecho extraordinario porque pocas veces en la historia se ha logrado contener con la palabra a una turba herida cegada por el dolor y el odio y lanzada a vengar la muerte de sus hijos. "Hay que tener en cuenta", subraya, "que unos días antes otra multitud había pasado por las armas a 319 de los 320 presos en la cárcel de Guadalajara". Le pregunto qué discurso es capaz de detener a una masa iracunda y armada, y me dice que su amigo tenía carisma y un talento natural para la oratoria.

El archivo de la familia de Javier Martín Artajo, hermano del que fuera ministro de Exteriores en el franquismo Alberto Martín, guarda un escrito con el que el propio Melchor Rodríguez describió con detalle ese episodio. "La muchedumbre, aterrorizada por los incendios provocados y las víctimas causadas por la aviación rebelde, se amotinó rabiosa y, juntándose con las milicias y hasta con la propia guardia militar que custodiaba la prisión, se dispusieron a repetir el hecho brutal realizado cinco días antes en la cárcel de Guadalajara". Según su relato, fueron más de siete horas de enfrentamiento dialéctico, insultos, amenazas y forcejeos contra una muchedumbre enfurecida que tras penetrar en la prisión pretendía rebasar el rastrillo de acceso a las galerías de los presos. "¡Qué momentos más terribles aquellos! (...) Qué batalla más larga tuve que librar hasta lograr sacar al exterior a todos los asaltantes haciéndoles desistir de sus feroces propósitos. Y todo ello ante el tembloroso espanto de mi escolta, que, aterrados y sin saber qué hacer, se limitaron a presenciar aquel drama".

Salió físicamente indemne de la prueba, aunque con algún desgarro en la camisa y un gran costurón en su hasta entonces rendida confianza en el comportamiento de las masas. Entre los 1.532 presos sospechosos de simpatizar con los facciosos que aquel 8 de diciembre de 1936 salvaron sus vidas había nombres y apellidos: Agustín Muñoz Grandes, Raimundo Fernández Cuesta, Martín Artajo, Peña Boeuf, Luca de Tena, Boby Deglané, Serraño Súñer, el falangista Rafael Sánchez Mazas, Fernando Cuesta, el general Valentín Gallarza..., que más tarde aparecerían incrustados en los tuétanos del régimen franquista. La leyenda del "ángel rojo" y la maledicencia del "traidor Melchor" nacieron simultáneamente ese día, en Alcalá de Henares: la primera, del terror que rezumaban las celdas donde se agolpaban los detenidos, y la segunda, de la ira frustrada de los vengadores que clamaban contra el cielo, impotentes ante las bombas criminales de los aviadores alemanes e italianos.

Durante los cuatro meses -noviembre de 1936-marzo de 1937- en los que se mantuvo en el puesto, el delegado de Prisiones de la CNT se multiplicó tratando de parar las "sacas" (excarcelaciones previas a los fusilamientos) masivas, en un pulso continuo con la Junta de Defensa de Madrid, controlada por los comunistas José Cazorla y Santiago Carrillo. Salvó miles de vidas, luchando contra el reloj y el pésimo estado de las carreteras -"deprisa, deprisa, todavía podemos llegar a tiempo"-, para aparecer cuando el pelotón de fusilamiento estaba ya formado y los condenados esperaban la fatídica descarga. Con el respaldo del ministro de Justicia, también anarquista, Juan García Oliver, detuvo los traslados de presos a Paracuellos, el paraje de la sierra madrileña donde, siguiendo la consigna de "limpiar la retaguardia", sugerida por los asesores soviéticos, fueron abatidos miles de detenidos.

El libertario que no creía en las cárceles restituyó la autoridad de los directores y funcionarios de prisiones encargados de la custodia de los 11.000 presos políticos y reforzó el control en un momento en el que la celda era el mejor refugio contra el secuestro, el simulacro de juicio de los 10 minutos y el asesinato. En ese empeño, sacó a los milicianos de los recintos penitenciarios, ordenó que ningún preso pudiera ser excarcelado sin su permiso entre las seis de la mañana y las ocho de la noche, extendió avales y salvoconductos a gentes de derechas que podían ser denunciadas y ajusticiadas. Para cobijar a los perseguidos se incautó en Madrid del palacio del Marqués de Viana, una mansión que, terminada la guerra, fue devuelta a su propietario con sus enseres intactos. "No falta ni una cucharilla", admitió el marqués Teobaldo Saavedra. Se enfrentó también al pistolerismo anarquista de una parte de la Federación Anarquista Ibérica (FAI), donde habían recalado aventureros y resentidos sociales de toda laya, además de delincuentes comunes que encontraron en esas siglas la cobertura ideal para sus fechorías. Melchor Rodríguez portó siempre una pistola al cinto, aunque, por lo visto, la llevaba descargada porque nunca echó mano de ella, ni siquiera en las situaciones más comprometidas.

"Se puede morir por las ideas, pero no matar por ellas", predicaba, ante la incomprensión de muchos de sus compañeros que creían saber, y no se equivocan, que también los franquistas eliminaban a los disidentes o sospechosos de disidentes. Melchor Rodríguez formó parte de una corriente ácrata, humanista, integrada en Los Libertos, grupo libertario celoso de sus principios que trató de poner coto a los desmanes.

"Con la cantidad de veces que estuvieron a punto de matarle, la verdad es que no me explico cómo pudo morir sin creer en Dios", comenta hoy su hija, Amapola Rodríguez. Ella sí cree en Dios y también en el anarquismo de su padre. "Antes de que estallara la guerra me llevó a ver la obra de teatro ¡Abajo la guerra! Le gustaba mucho la naturaleza. Me puso Amapola porque decía que es una flor rebelde que nace sola en el campo sin tener que sembrarla". Aunque a sus 87 años goza de una memoria excelente, la hija del anarquista se muestra remisa a abordar ese terrible pasado. Cede, finalmente, ante la insistencia del periodista, pero sólo para recitar, de corrido, una de las poesías escritas por su padre:

"Anarquía significa:

Belleza, amor, poesía,

Igualdad, fraternidad

Sentimiento, libertad

Cultura, arte, armonía

La razón, suprema guía,

La ciencia, excelsa verdad

Vida, nobleza, bondad

Satisfacción, alegría

Todo esto es anarquía

Y anarquía, humanidad".

A Amapola no le gustan la manera con que algunas voces hablan de la Guerra Civil ni tampoco el aire de enfrentamiento y revanchismo que percibe en el actual clima político. "No es partidaria de este proceso de recuperación de la memoria histórica; prefiere que las cosas se queden como están", apunta su hijo, Melchor Leal.

Como indica el escritor y cineasta Alfonso Domínguez, autor de una novela biográfica y de un guión de cine sobre Melchor Rodríguez que espera llevar a la imprenta y a la pantalla, la figura de este libertario cobra cuerpo y se agiganta con la perspectiva de los años, a medida que se profundiza en el estudio de la guerra y resurgen las sacas, los paseos, las checas (centros de detención y tortura) y los fusilamientos masivos, impíos, interminables, de los ya vencidos que no encontraron oposición en el clero franquista, ni siquiera una vez terminada la guerra.

Hijo de un maquinista del puerto de Sevilla y de una obrera de una fábrica de cigarros, Melchor Rodríguez dejó los estudios y se puso a trabajar a la muerte de su padre, cuando tenía sólo 10 años. Trabajó de calderero, de carrocero en la industria del automóvil y de ebanista, antes de tentar la suerte en las plazas de toros. Su carrera de novillero se frustró tras una cogida en Madrid y tuvo que volver a la industria del automóvil, donde su fama de chapista extremadamente fino discurría en paralelo con la de, a ojos de sus patrones, exagerado perfeccionismo. Fue encarcelado tantas veces por sus actividades anarquistas, más de una treintena, que cuando Amapola le echaba en falta y preguntaba por él, su madre acostumbraba a responderle: ¡Pues dónde va a estar, hija mía, en su casa, en la cárcel! En la cárcel asumió el compromiso personal de contribuir a que se respetaran los derechos de todos los presos, y allí y en la calle aprendió lo que la falta de escuela le había hurtado. "La lucha contra la ignorancia nunca es una batalla perdida". Lo decía con pleno conocimiento de causa.

En sus esfuerzos por asimilar la figura de Melchor Rodríguez, los franquistas que le debían la vida trataron siempre de explicar su comportamiento adjudicándole un soterrado "espíritu cristiano". Tuvo que aclararlo en más de una ocasión. "Si he actuado con humanidad, no ha sido por cristiano, sino por libertario". Y también protegerse de sus agradecidos benefactores franquistas a los que había salvado la vida. Rechazó un puesto en el sindicato vertical franquista y devolvió tachado e inutilizado el caritativo cheque de 25.000 pesetas que le habría ahorrado muchos agobios económicos.

Finalizada la guerra -a él le cupo protagonizar el traspaso simbólico de la capital española a los golpistas vencedores; "Amapola, he entregado Madrid", le dijo a su hija entre lágrimas-, fue condenado, primero a cadena perpetua; luego, a 20 años, y finalmente, a cinco, gracias a la intermediación del general Agustín Muñoz Grandes, pieza clave del Ejército y mano derecha de Franco durante años. Con el respaldo de dos millares de firmas que solicitaban clemencia para el reo, Muñoz Grandes hizo durante el consejo de guerra una encendida defensa del "ángel rojo" que explica la clemencia de la condena. A la salida de la prisión, él continuó desarrollando sus actividades políticas y fue nuevamente detenido y encarcelado por difundir propaganda política ilegal.

Siguió también ocupándose de los presos aprovechando el ascendente moral adquirido sobre las personalidades a las que había salvado la vida. Ricardo Horcajada lo conoció así. "Cuando detuvieron a mi padre, me dijeron que en la calle de la Libertad, una muy estrechita que está detrás de la Gran Vía madrileña, había una persona que podía ayudarme. Era Melchor. Pese a su apariencia pulcra y cuidada, vivía muy pobremente en un piso diminuto que compartía con un antiguo banderillero y su mujer". El anarquista de verbo fácil y vehemente que se malganaba la vida vendiendo seguros se había separado de su mujer. De los testimonios familiares se deduce que Melchor Rodríguez fue una persona respetuosa con las creencias religiosas de su mujer y sumamente cariñosa con su hija. Y también que el héroe anarquista estaba hecho de la misma pasta que el resto de los mortales: soberbio y vanidoso, irascible e intransigente en ocasiones, pero nunca codicioso ni interesado. Aborrecía el dinero como si fuera un invento satánico, aunque aceptaba el trueque y los regalos, una camisa, por ejemplo, siempre que se la entregaran con los puños cortados. Sostenía que mostrar los puños de la camisa por debajo de la chaqueta era "propio de burgueses".

Según Ricardo Horcajada, en la última etapa de su vida vivió de la suma de dos miserias: la que le correspondía de jubilación y la resultante de su pobre cartera de clientes en la compañía de seguros La Adriática, donde trabajó. Él cree saber de qué materia estaba hecho Melchor Rodríguez. "Yo no he conocido ningún santo, pero supongo que, si existen, deben ser como Melchor, seres inocentes que pueden alcanzar cierto estado de gracia, en este caso civil; gentes infantiles, sin malicia, aunque rebeldes, como lo son la mayoría de los niños". Piensa que su amigo fue siempre un inadaptado para la vida y los negocios, un idealista que descubrió en el anarquismo la utopía de los hombres justos y santos y quiso ser uno de ellos.

La figura del delegado de Prisiones de la República brilla con un fulgor propio ahora que historiadores, políticos y propagandistas se aplican a la exhumación del periodo de la guerra y la posguerra civil. Ejemplos como el suyo -no hay, que se sepa, un Melchor Rodríguez en el campo franquista- emergen de los barrancos y cunetas de nuestro pasado con una fuerza aleccionadora tan poderosa que debería bastar para impedir que el sectarismo meta sus manos sucias en la memoria histórica.

el pais

y en homenaje a este hombre dejo aquí un pequeño video de ese otro grandísimo hombre, tambien enredado en los vaivenes de la guerra civil, vean la película soldados de salamina, Chicho Sanchez Ferlosio. Salud, companys

Oi gnostoi agnostoi atenas en el corazón

2008-12-16T11:50:00.000-08:00

Hijos, no estáis solos, la rabia va lentamente inundando nuestros corazones, el camino va a ser duro, que nadie piense de otra forma, la lucha de la libertad siempre fue así, con sangre; pero no estáis solos, seguro

Mensaje enviado a los medios de comunicación en
Grecia por jóvenes – amigos del asesinado Alexandros.

::Fuente y traducción: Indymedia Madrid

Queremos un mundo mejor. Ayudadnos.

No somos terroristas, "encapuchados" , "gnostoi-agnostoi" *
Somos vuestros hijos. Ellos, oi gnostoi-agnostoi…

Soñamos – no matéis nuestros sueños.

Tenemos empuje – no paréis nuestro empuje.

Recordad. Una vez fuisteis vosotros también jóvenes.

Ahora perseguís el dinero, os preocupáis solo por el "escaparate" ,
habéis engordado, os habéis quedado calvos, os habéis olvidado.

Esperábamos que nos apoyarais, esperábamos que os interesarais,
Que nos hicierais sentirnos orgullosos por una vez.

En vano. Vivís vidas de mentira, habéis agachado la cabeza, os habéis
bajado los pantalones y esperáis el día en que moriréis.

No imagináis, No os enamoráis, no creáis. Solo vendéis y compráis.

Lo material en todas partes. Amor en ninguna parte. Verdad en ninguna parte.

¿Donde están los padres?
¿Dónde están los artistas?
¿Por qué no salen a la calle?
Ayudadnos a nosotros los hijos

PS: No nos arrojéis más gases lacrimógenos.
Nosotros lloramos por nuestra cuenta.

* conocidos/desconocidos

ariel sharon

2008-12-08T10:16:00.000-08:00

A principios de enero del 2009 este hombre alcanzará 3 años out. Sufrió, nos contaron, algún tipo de cosa vascular mala y quedó en coma, tan bien atendido que casi 3 años después sigue vivo de alguna manera. lo asombroso es que pregunto por él y la gente piensa: está muerto, realmente??, no sabemos.............

Perravida, asombro de asombros, el que, imagen canta, arrolló Chabra y Chatila, está en el limbo de los justos, el Señor pesando en balanza sus actos.

Ariel, que mal te ves, que poco dices, tú que fuíste vara de hierro, ahí, en ese hospital, tus hijos cada día yendo a verte, ariel, mereció la pena?

Pío Font Quer

2008-11-15T03:18:00.001-08:00

Cuando se habla de Franco, la represión y toda esa mierda que tuvimos que tragar se hace referencia, para lustrarlo, a García Lorca y a los poetas, escritores, famosos de la cultura....

No seré yo el que ponga eso en duda, pero siempre me he fijado mas en la pérdida tan terrible que fue para nuestro país la emigración, la represión o la muerte de científicos e investigadores que militaban en las filas de la inteligencia. No se me enfaden, pero es abrumadora la mayoría de científicos que simpatizaban con la república, y que por lo tanto fueron represaliados. Intente usted explicarle (cuando entonces) a Millán Astray o a Queipo de Llano la importancia de recolectar flores en la sierra de Teruel o analizar pacientemente el agua de un determinado río y verá lo que le contestarán esos hijos de malamadre. (Para entender esto basta con que haber escuchado al hijo natural de toda esta tropa, nuestro expresi Chemari, cuando se pone a hablar de ciencia o con el morrico caliente como animando a conducir cocido pues a el nadie le iba a coartar su libertad de beber, faltaría plus)

Un ejemplo de esto que digo es D. Pío Font Quer (Manresa 1888-Barcelona 1964), un químico y botánico acojonante, que sufrió en sus carnes la represión por, digámoslo con sorna, encontrarse en el sitio equivocado.

Este catalán manresano, despojado en 1939 de sus escuelas y cargos en el Instituto Botánico, en la Escuela de Farmacia..., que, en cambio recibió honores y cargos en Francia, doctor Honoris Causa en Montpellier en 1959, fue acusado de traición porque la guerra le cogió en la sierra de Teruel, herborizando, es decir, recogiendo plantas para su estudio posterior. Publicó mas de doscientas obras.

Las obras escritas de Font Quer son maravillosas, en nuestro idioma escribió un diccionario de Botánica que es santo y seña de esta materia, y un libro de Plantas Medicinales cuya lectura ha provocado esta entrada. Obras, estas y otras, por las que habría que hacerle un monumento al saber, pero también a la lengua. En una institución normal de Academia de la Lengua, Font Quer debería ser académico de número, tal es la precisión y fluidez con que escribe y describe las plantas, su historia, sus usos, su mitología.. Por si todo fuera poco tradujo al castellano la Botánica de Gola, Negri y Capeletti, y el Tratado de Strasburger, ambas obras cumbres y referenciales de la Botánica mundial

El Dioscórides renovado, que es el apodo con que se conoce a su libro de Plantas Medicinales es un lujo de exactitud, de utilidad, de placer lector, que, no en vano sigue siendo reeditado (yo tengo la 12 edición de 1990, de editorial Labor) desde su aparición en 1961

Y como homenaje al doctor, esta bella canción de Stevie Wonder, de su album La vida privada de las plantas

Doc Watson

2008-11-15T01:42:00.000-08:00

Doc Watson estaba predestinado a la música, pues su padre es el General Watson, un clásico del banjo en los Apalaches, y su madre Annie cantaba temas tradicionales y de gospel. A causa de una infección perdió la vista a temprana edad, y pronto comenzó a tocar, primero el banjo y luego la guitarra, en la que ha desarrollado un estilo que ha influído en toda la música americana posterior. Oyéndole a el entendemos mejor a Bob Dylan o a Neil Young, pero también a Calexico, a Wilco, a Mercury Rev o a los alucinados Flaming Lips

El es una de las vértebras de lo que conocemos como música popular americana, una música que se reconoce en la tradición irlandesa, judía, africana un meltin' pot (olla de potaje) de las gentes que poblaron esa tierra en los últimos 200 años.

Ganador de 7 grammys (ahora que nos comen la cabeza con ellos y se dice de tal o cual que tiene un grammy, preferiría que tuvieran un gramo, ya puestos, por favor la lista de los grammys latinos de anteayer es para vomitar con gusto), con decenas de discos a su espalda, tanto originales, como con su hijo Merle -que falleció en los ochenta- y uno de los pilares del clásico Will the circle be unbroken. Recopilaciones en Folkways, o Southern Music

Aunque nació en 1923, actualmente aún sigue actuando (en estos momentos se recupera, esperamos), de una operación de cáncer de pulmón

web oficial

king kong

2008-11-14T11:34:00.000-08:00

Bren Stirto, sudafricano, primer premio World Photo Press 2008 en la categoría de asuntos contemporáneos; sobre una matanza bastante caprichosa de gorilas.

Asombroso el tamaño y poderío, a la par que la indefensión que muestran estas fotos. Están hechas en la zona del Virunga, en el Congo; en la región que inmortalizaran con la película de Gorilas en la niebla

mas fotos de la matanza pinchando aquí

world press photo

estudiantes

2008-11-12T05:49:00.000-08:00

Ya lo amenacé en su día, pero la santa pereza ha ido dejando el blog como si fuera un páramo, así que tiro de lo mas socorrido, las cosas que me manda mi amigo cárdeno, desde su atalaya de la CHE allá por los pantanitos de Tamarite. Si quieres agua, cuida a Cárdeno o cerrará el grifo.

Estas curiosidades son de exámenes de matemáticas, y uno llega a dudar si son vaciladas del alumno o convencimiento. Yo, por mi experiencia, no me atrevo a decir una cosa u otra.

me da mucha pena

2008-11-12T04:18:00.001-08:00

Pues eso, vas por la calle y me da pena leer en un cartelito donde dicen que se ha perdido una perrita blanca, que responde al nombre de lili, y que es de una niña. Ese mismo día sale en todas las radios que hay una nenita inglesa llamada Hannah (que dios te bendiga corazón) que se quiere morir en paz, y casi la obligan a que se haga un trasplante, vamos que la poli iba a ir a su casa para llevarla, imagino que esposada, al hospital, pero ella habló con el jefe del asunto y lo ha convencido. Esta mártir de nuestros días llevaba desde los 4 años sufriendo en los hospitales.

Ya tuvo su dosis de paño de lágrimas, y ahora solo quiere que la dejen en paz. Nos dejarán en paz alguna vez??

Pero ese mismo día (o a lo mejor dos días antes) la gran esperanza negra, Obama, se ha reunido con los que mandan, es decir con la CIA, ha sido su primera reunión, se supone que para disolverla, ja; y Botín (un banquero con el apellido tan bien puesto como sus tirantes) deja claro en la foto con Zapatero quien manda aquí, en mi pueblo que es Zaragoza, alguien ha comprado una mesa de 180.000 euros (30 kilates, có) pero nadie sabe quien lo ha hecho, parece ser que la mujer de la limpieza.

algunas ideas

2008-09-03T11:48:00.001-07:00

Como bitácora y lamentando,otra vez, tanta ausencia quiero reparar el lapso y con ello y la pereza que dieron estos días calurosos, amén de la consabida agitaçao, me limito es esta entrada a dar nombres y lo que venga al terabyte. Cuando todos sufren el síndrome posvacacional yo tengo mi (pequeño) resquicio de playa

Cormac McCarthy

Ya en el nombre se aprecia un estilo, esa trilogía de la frontera promete, sephard, dylan, peckinpah, calexico, faulkner, ford… un largo etcétera. Este escritor está en esa línea huraña de algunos escritores norteamericanos, que se esconden del público y afloran incontenibles. Te engancha porque sus personajes van y vienen sin un propósito aparente. Incluso en la descarnada la carretera, a modo de viaje a Ítaca moderno y demoledor: el resultado final de esta garrapata que es el hombre: lobo para sí mismo y el planeta

John Connolly

Se lee ligero (pura novela negra), aunque es recomendable empezar por el principio, donde la forma aún no tiene todo el fondo que desarrolla. Charlie Parker es su detective, un apocalíptico Bogart que deja un reguero de sangre donde quiera que va y que descubre la maldad, aun cuando esta estremece en un cierto olor a sobrenatural. Usar ketamina para matar lentamente a las víctimas, desollarlas y que estas sean conscientes de ello mientras mueren es una forma alarmante de ver a la mente humana, pero está ahí, lo tremendo es que está ahí: solo un botón de este irlandés que escribe cada vez mejor.

Flamenco antiguo

Si tienes tiempo escucha a la Niña de los Peines, Tomás Pavón, Caracol, Terremoto, Chocolate, Borrico, Talega, Lebrijano, Mojama, Rancapino, Bacanes, Perrates, Zambos, Diego del Gastor, Fernanda, … así a brote pronto porque hay mas y mas. Y en estos tiempos en que se llama maestro a tanto gorgorito implacable, desde Pitingo a Poveda, pasando por la saga Morente; es reconfortante ver que existe otro flamenco, a fe de que me llamen talibán, flamencólico o lo que quieran. Come carne y dejáte de yogur. Amén.

realidad virtual

2008-08-07T13:10:00.001-07:00

Un tipo que iba comiendo por los mejores restaurantes de las guías, especialmente la afamada Michelín desaparece cuando estaba papeando en El Bulli, la bromas señalan que emulsionado.

A partir de aquí nada normal, luego la cobertura sobre el asunto ha ido ampliándose y hemos ido conociendo detalles, de si había desaparecido antes, de que había un mecenazgo, del galo ese que lo había recomendado.

Para colmo ahora declaran haberlo visto en Ginebra (dónde si no). Mientras que los Mossos de Esquadra lo buscaban y se encontraron dos fiambres (perdón por la grosería culinaria) a los que nadie reclamaba: siempre hay un pobre mais pobre que vos.

Entretanto El Bulli, a consecuencia de la crisis ha despertado del letargo, el tipo realmente creemos que no existe y que está junto al cura ese brasileño que se subió a tropecientos globos y desapareció sin que volvamos a saber de él, o el hombre que siendo mujer, pueda que fuese al revés quedó embarazado con toda la barba y parece ser que hasta dió a luz: oh prodigios

Esto y el chupacabras, los expedientes X, la muchachada nuí, el milagro de Calanda y la mujer barbuda. Serpientes de verano y de invierno, leyendas urbanas, chikilicuatres que aparecen y desaparecen, y el nombre de Uri Geller resonando en los procaces oídos frikis y adolescentes.

A este paso necesitaremos que Chuck Norris venga y dé una patada giratoria que ponga orden en tanto desorden

afotos 1

2008-08-06T01:08:00.000-07:00

estoy vago, así que hago como los periódicos de estos días, que valen lo mismo que en invierno, pero llevan la mitad de hojas, y como estamos en agosto y tantísima gente de vacances pues pongo unas fotitos de lo mas curioso para su libre interpretación. Las recibí de mi amigo Cárdeno, que mientras echa un ojo a los microembalses de la zona de Tamarite, le echa otro al internete y nos envía correos de los mas variado: ese cárdeno, oé

El gran hermano

2008-08-02T10:03:00.000-07:00

Ya era hora de escribir algo en este blog, pero el jaleo ha sido mucho en los últimos tiempos, habiéndose juntado el hambre con las ganas de comer

En medio del marasmo de televisiones, contenidos, opciones y griterío al que ya nos hemos ido acostumbrando, surgen las pantallas en las casas como grandes hermanos de las no vidas familiares. A todas horas el impenetrable sonido, y la luz que emite la plasmapantalla ó la LCD de millions and millions de pulgadas. Es en verano, cuando al salir en las primeras horas de la noche a las calles se puede ver y oír ese fenómeno: los nichos de vivos que son nuestros bloques de viviendas, estrategicamente repartidos unos encima de otros los meaderos, los folladeros, y cómo no el oratorio del bicho que emite y emite y emite.

Recuerdo hace unos años cuando aquí, en nuestro país teníamos escasas cadenas, un amigo mío alemán de Colonia, me decía que el tenía muchísimos canales, y yo siempre le contestaba que como podía verlos todos (a la vez)- No sé si entendía mi chiste.

La televisión llegó para quedarse y provocar un caos generalizado: los quince minutos de fama que prometió Warhol.

No he salido mucho en la tele, algunas veces en programas de carácter local: es asombroso que incluso al aparecer en las localias mas locales, al otro día había gente que te decía : ayer te ví en la tele: que poderío de medio, leche-

Detesto cada día mas el aparato, por la esclavitud, por la necesidad: vite anoche… conversaciones manidas sobre hechos aparentemente de importancia nacional; shares de la inopia, del vivir en permanente corrección de actualidad

Me gusta bajarme pelis, señor Ramoncín, poderlas ver a cachos, en subtítulos, y también series. Roma, Deadwood, los Soprano...

En realidad ahora que me quedan 4 o 5 capítulos para terminar Los Soprano, bajados pacientemente con la mulita; descubro que me gusta esa forma de usar el parato; a mi bola y ritmo, una serie, esta de los mafiosos de segunda fila, en la que no paran de comer, donde la tristeza del ser humano y sus paranoias se ven reflejadas en un potaje que por exótico parece inverosímil, y ese es uno de los grandes aciertos de la misma; al final se mueren de cáncer, por tiroteos, por necesidades de un guión salvaje, por pura desidia: quizá una de las historias mas deprimentes es la del niño huérfano cuyo padre fue asesinado brutalmente solo por ser homosexual, y claro el niño ha salido al padre y la solución es mandarlo a una escuela tipo chaqueta metálica; la soledad incluso con el dinero de por medio, la ambición y la falta de escrúpulos: una gran virtud de la película es que en un entorno mafioso pone sobre la mesa los asuntos que conciernen a la mayor parte de la gente: hijos, familia, demonios interiores, amistad….

saban bajramovic

2008-06-10T05:04:00.000-07:00

Hace dos días, el domingo 8 de Junio, falleció Saban Bajramovic, un cantante de origen gitano que vivía en Serbia, un hombre con un metal en su voz tan impresionante que con razón era llamado el rey de los gitanos.

Un caracter libre le llevó a malvivir, como tantos otros, en sus últimos días. Mi amigo Milos Jovanovic me informó de su fallecimiento ayer (había sido ingresado hace poco tiempo, este año de 2008), y el gobierno serbio acababa de aprobar una pensión para paliar su mala situación económica. Ahora le pondrán una calle en su poblado.

Saban, cuando apenas tenía 20 años huyó de sus obligaciones con el ejército por el amor de una mujer; y estuvo escapado hasta que le echaron el guante. Fue a prisión y allí hizo una de sus ilusiones, jugar de portero de fútbol, una profesión a la que le hubiera gustado dedicarse. Le apodaban la pantera negra, pues coincidió con el famoso ruso Yashine, al que Marcelino marcó el afamado gol (mas en estos días de eurocopa futbolera)

Poco después comenzó su andadura como cantante, siempre libre yendo y viniendo, libre, no importándole el dinero que lo mismo perdía en el juego que repartía entre su gente.

Hubiera pasado desapercibido para el mundo payo sino hubiera sido por Bregovic y Kusturica. Uno y otro tomaron prestadas canciones suyas y las popularizaron. Como consecuencia de esto hubo quien reclamó derechos para Saban, pero este pasó de todo, libre una vez mas. Si escuchas a Goran y luego a Saban sabes perfectamente donde está el corazón, y donde la inteligencia, ja.

Milos hizo un documental con el grupo Mostah Sevdad Reunion, un tributo donde se puede entender la filosofía de este rey, y donde se le puede escuchar cantando, dirigiendo a los músicos, y quejándose a Dios porque no le dió patria a los gitanos. Llévame contigo señor, canta al principio, porque estoy cansado de buscar mi tierra

Grande Saban, ahora podrás encontrar ese latcho drom por el que suspirabas.

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sabanología

José Oto

2008-05-10T09:06:00.000-07:00

Tengo ya los años justos como para pensar que de todo este engaño que es la vida ya lo conozco todo, al mismo tiempo no soy aragonés, nunca amé la jota, siempre me pareció un estilo franquista, reflejo de la tristeza de un país caínita.

Pero no sé cuando, ni como, será cosa del emule, me topé con José Oto, y ya nada fue igual: una voz, una vida, una forma de cantar que me arrebatan, que me ponen las lágrimas en los ojos y me llenan de vida, de una energía tremenda.

José Oto es un resumen de calor, de hombre con decencia, Treinta partes de franqueza, veinte de desinterés, y cincuenta de nobleza, eso es un aragonés. Desde ese día, desde que oí a este monstruo inalcanzable para tanto gorgorito baturro, ya no puedo mas que inclinar la testuz y gritar a pulmón herío que nadie teme a la fiera

No te rompas la cabeza en cuestión del matrimonio, quelque se empeña se casa, y el que se casa sempeña.

Y como siempre prefiero transcribir artículos de los que saben mas que yo: en este caso de ese jalegomaño tan hermoso y galán que es Antón Castro:

De los cinco cantadores míticos, que cubren la historia de la jota -el Royo del Rabal, Juanito Pardo, Cecilio Navarro, José Oto y Jesús Gracia-, José Oto es, sin duda, el que recoge una práctica unanimidad en cuanto a su excelsitud. Al ser tan variadas y numerosas sus excelencias, lo que mejor lo caracterizaría sería la voz", dice Javier Barreiro acerca del gran cantador zaragozano, nacido un seis de septiembre de 1906, en la calle Casta Álvarez, hace ahora un siglo. Otro gran experto como José Luis Melero, coautor con el escritor citado del LCD "La jota. Ayer y hoy" (Prames, 2005), afirma: "José Oto es el gran jotero moderno, el auténtico número uno de la historia de la jota aragonesa. Es el espejo en el que todos han querido mirarse para aprender y mejorar, es el hombre que subió a los altares uno de los estilos más bravos, el de la "fiera", que llegó a grabar sin respirar en los dos últimos versos". Demetrio Galán Bergua dice que los cantantes más importantes del siglo XX fueron José Oto y Pascuala Perié, "eran baturros por antonomasia", y recuerda el multitudinario homenaje que les rindió Zaragoza el día de su muerte: ambos, de alguna manera, hicieron recordar el no menos masivo entierro de Joaquín Costa.

Alfonso Zapater, que llegó a bailar en Albalate y Alcañiz con Carmen Bringuis mientras cantaba José Oto, dice: "Oto poseía una voz espléndida, poderosa, era un estilista que no precisaba de calderones (adornos) para engatusar al público. Entonces no se utilizaban micrófonos: cantaba en plazas públicas, en plazas de toros, y su voz atronaba. También cantaba en salas de fiestas y en locales de variedades. Y tenía algo que me parecía realmente conmovedor: era un personaje de un gran calado popular. Poseía carisma. Recuerdo que en el año 1947 o 1948 vino a cantar a Urrea de Gaén (Teruel), en cuyo molino vivían mis padres. Yo tendría 15 o 16 años y pasamos el día juntos. Me sorprendió que toda la gente quería estar con él, que lo adulaba, que lo admiraba, y él se comportaba con campechanía y con aquel tic que tenía algo de coquetería: se ajustaba una y otra vez la faja. Ya estaba un poco grueso".

La formidable voz del Gancho (1906-1961)

José Oto nació en la calle Casta Álvarez, en el barrio del Gancho. Empezó a interesarse por la jota a los siete años, gracias a las enseñanzas de su padre, que "cantaba con buen estilo y excelente voz", según Galán Bergua. Sin embargo, ingresó como tañedor de guitarra y bandurria en la rondalla del maestro Calabia, que le enseñó también solfeo. Uno de los momentos de revelación de su talento se produjo, a los pies de la estatua de Alfonso el Batallador, en el Parque Grande: de golpe, se arrancó cantando fragmentos de las zarzuelas más conocidas del momento y tonadas. Miguel Asso lo oyó, se quedó fascinado y decidió incorporarlo de inmediato a su cuadro de jota. Oto hizo su presentación en la plaza de toros en compañía de la gran jotera Jacinta Bartolomé. Más tarde se integró en la rondalla del maestro Orós, y con ella asistió a la Exposición Internacional de Barcelona. Allí cantó un día ante Alfonso XIII, que escuchó por primera vez, con perplejidad y embeleso, esta estrofa tan patriótica: "Quien oyendo un "¡Viva España!" // con un "¡Viva!" no responde, // si es hombre, no es español, // y si es español, no es hombre". Realizó distintas giras por Francia y Alemania y por todo el territorio español. Allá donde iba triunfaba con su "voz clarísima y limpísima", como dice José Luis Melero.

Iba de primera figura en los cuadros de jota de Isabel Zapata, Mariano Cebollero y Pese Esteso, entre otros. En Barcelona, por ejemplo, según recuerda Galán Bergua, "formó cuadro con Camila Gracia, Gregoria Ciprés y Felisa Galé", que acabaría siendo su novia. Además, cantó las coplas de "La Dolores", en la comedia "Rondalla" de los hermanos Quintero o en "La muerte del ruiseñor". Un cantador republicano Encadenó triunfos constantes, y participó en una gira por Andalucía con "La gitana embrujada". En 1927, se presentó por primera y única vez al Certamen Oficial de jotas y ganó el máximo galardón. "Mi padre, Alfonso Zapater Cerdán, que fue un gran bailador y venció siete veces en el certamen, me decía siempre: "Vámonos ya, Alfonso. El premio de baile es para ti y el de canto es para mí". Siempre tuvieron una gran relación, Oto le pedía a mi padre que bailase con él. Se entendían a la perfección. Venía mucho por nuestra casa, con Felisa Galé o solo. Pasaban el día juntos, y ensayaban estilos nuevos. Mi padre tañía muy bien la guitarra y la bandurria, y les he visto atacar estilos de una vez", recuerda Alfonso Zapater.

José Luis Melero aporta una noticia no muy conocida: "Tras la proclamación de la II República, José Oto grabó jotas republicanas. Existe en Aragón una gran tradición de jotas republicanas, y él tiene varias en un disco. La misma relación con Felisa Galé, tan libre, tan escandalosa en una ciudad como Zaragoza, invita a pensar en eso: en su condición de hombre de izquierdas y republicano". Como sucedería con Felisa Galé, Miguel Fleta se quedó asombrado ante sus cualidades, y le recomendó con insistencia que se dedicase a la zarzuela e incluso a la ópera. Había razones objetivas para ello. Señala Galán Bergua: "La voz de José Oto, que empezó siendo tenor, llegó a alcanzar tan amplia tesitura que muy bien pudo dominar los más extensos registros del barítono atenorado. Voz excepcional, clara, potente, gratísima y muy afinada". Del éxito al abandono y la pena Otro experto en el mundo de la jota como Fernando Solsona, autor de "La jota cantada" (Zaragoza, 1978), lo define así: "Colosal cantador de jota y símbolo aragonés entre 1930 y 1960". Esos treinta años fueron los de su absoluto liderazgo, aunque algo cambió en 1948 tras la muerte de su novia Felisa Galé.

Un jovencísimo Emilio Lacambra, que era tañedor en la rondalla Bretón, coincidió con él en dos fiestas del Pilar a mediados de los años 50. "Era un niño de apenas ocho o nueve años y tengo una visión más bien difusa. Eran los tiempos de la rivalidad entre Manolo Garcés y Jesús Gracia. Nos mandaban de rondalla por los barrios, parábamos en una taberna y los joteros decían aquello: "A las puertas de … // hemos venido a beber". Él bebía mucho. Lo recuerdo muy abrigado, con bufanda y muy gordo. Colorado. Coincidiendo con el estreno de "El último cuplé", con Sarita Montiel, también pasaron "Por los caminos de la jota", una película de unos 20 minutos, que se abría con un plano cortísimo sobre el corazón de mi guitarra, luego la cámara se iba alejando y se veía toda la rondalla. Aparecían Isabel Zapata, Pepe Espeso, pero ahora no estoy seguro si aparecía José Oto o no". Desde 1948 hasta su muerte en 1961, José Oto sucumbió al dolor y al alcohol. Alfonso Zapater recuerda su pasión excesiva por la cerveza y sus paseos, tambaleante, por El Tubo, de garito en garito. Javier Barreiro también ha indagado en esta dirección: "Efectivamente, sus últimos años fueron tristes. Vivía, creo, en una pensión y paupérrimamente. Y bebía mucho, frecuentemente incitado por los tasqueros o por los propios parroquianos que le invitaban para que animara y cantase". Consta que nunca tuvo ambiciones personales y que se atrevió a abordar los estilos más difíciles, entre ellos, también, las denominadas "femateras".

Fernando Solsona recuerda: "Hizo de la "fiera antigua", la "fiera zaragozana", la creación máxima de la jota y su disco de ella se escucha siempre con la máxima devoción". Barreiro añade: "Su importancia en la historia de la jota es capital, en cuanto a que se le considera el iniciador de la jota moderna. ¿Sucesor? Creo que no lo ha tenido respecto a su forma de cantar; en cuanto a importancia y protagonismo en la historia de la jota, evidentemente, sería Jesús Gracia Tenas". Su producción discográfica fue más bien generosa con casi una veintena dediscos. En su despedida final, lo acompañaron hacia Torrero alrededor de cien mil personas. Manuel Lahoz escribió un romance, que culminaba así: "Hoy ha salido un baturro // de ronda hacia los luceros. // Hoy ha muerto el ruiseñor // de las orillas del Ebro".

UNA BELLA Y DRAMÁTICA HISTORIADE AMOR CON FELISA GALÉ
Los amores de Felisa Galé y José Oto fueron públicos. Felisa Galé nació en Zaragoza en 1912 y era nieta de jotero y tañedor. Pronto empezó a dedicarse al canto y en 1929 debutó en el Teatro Principal. Obtuvo el Primer Premio en el Festival de Jota en 1931, y a partir de entonces inició una gran carrera que la llevó a viajar por distintas ciudades españolas y a triunfar con todos los honores en Madrid. Demetrio Galán Bergua destaca en ella su "voz clara y gratísima", así como su condición de jotera simpática y atractiva, de suaves maneras y un carácter más bien dulce. El propio Miguel Fleta, que se había iniciado en la jota sin demasiada fortuna, quiso llevársela a Madrid y él mismo se ofreció para pagarle la carrera de canto. Al parecer, Felisa Galé contestó de manera inesperada: "Yo no dejo Zaragoza por nada del mundo". Quizá para entonces ya le hubiese echado el ojo a un cantador seis años mayor que él, no demasiado conocido y enjuto aún, que poseía una voz prodigiosa.
Demetrio Galán Bergua dicen que "formaban la pareja obligada, la que más sugestionaba al público". Cantaban cualquier copla de jota, cualquier estilo; ambos poseían facilidad, dominio y una continua inspiración. El periodista de HERALDO y escritor Alfonso Zapater recuerda aquella relación: en algunos casos la vivió desde cerca, en otros se la contaron sus propios padres. "Eran compañeros sentimentales. Novios. Pero además fueron compañeros de cantos. Recuerdo perfectamente sus canciones de picadillo. Eran un dúo genial, imprescindible. Felisa Galé llevaba la voz cantante, y Oto desarrollaba la voz de bajo. Tenían una gran complicidad".
En 1946, Felisa Galé enfermó gravemente. Y dos años después, durante las fiestas de San Roque falleció. Era el año 1948. Tenía 36 años como la citada Asunción Delmás. José Oto se quedó absolutamente desencajado. "El bache le duró mucho tiempo. Cada vez que iba a cantar se emocionaba excesivamente. Siempre la tuvo presente", recuerda Alfonso Zapater. Unos días después del fallecimiento de Felisa Galé, José Oto debía cantar en Caspe. Intentó hacerlo: salió al escenario, entonó, pero rápidamente el llanto y el dolor le atoraron la garganta. Inerme, miró a la gente que lo había oído cantar muchas otras veces con aquella garganta arrolladora, con aquella energía que hacía temblar la plaza al aire libre. Los caspolinos prorrumpieron en una cerrada ovación. A nadie se le escapaba su estado de orfandad amorosa. Javier Barreiro, que está preparando un ciclo de charlas sobre Oto para Ibercaja, señala: "Efectivamente es lugar común que la muerte de Felisa Galé le afectó muchísimo".
Escribe Demetrio Galán Bergua, en su inexcusable "El libro de la jota aragonesa" (1966), que José y Felisa estaban a punto de casarse. Felisa Galé, además, tenía una gran habilidad para escribir cantas de jota. Una de ellas fue ésta: " No hay Virgen como mi Virgen, // ni tierra como Aragón, // ni mañica que me quite // al maño que quiero yo".

LA JOTA DE "LA FIERA"O UN INCIDENTE EN BARCELONA

Cuenta Demetrio Galán Bergua una de las mejores anécdotas del cantador: "En cierta ocasión, en una sala de fiestas de Barcelona, José Oto cantaba maravillosamente sus célebres estilos de jota que provocaban repetidas ovaciones. En una de las primeras filas estaba un individudo de tipo achulado y gesto de matón. Y cuando Oto llevaba cantadas media docena de tonadas, al terminar la última, el necio, cretino y salvaje espectador, lanzó al escenario una moneda de cobre que cayó a los pies de nuestro jotero. (...) Oto sí que acusó la gamberrada y, con mucha tranquilidad, se agachó, recogió la moneda, la levantó a la vista del auditorio, la arrojó con fuerza hacia los bastidores y, mirando fijamente al imbécil, exclamó dirigiéndose a la rondalla: "Allá va mi despedida..." Y con los ojos echando fuego (...) espetó la famosa copla y el siguiente estilo: "No tires piedras, cobarde //, que el tirar es cobardía;// saca tu navaja en mano, // que yo sacaré la mía".

*Este artículo apareció ayer en "Heraldo de Aragón". Javier Barreiro me escribe y me dice que son casi 50 los discos grabados por José Oto.

Pongo lo único que he encontrado en youtube de este monstruo, pun montaje donde canta la jota del besico al jalón, pero si alguien encuentra las imágenes donde canta la fiera o la de los aragoneses, le agradecería me la hiciera llegar

Rancapino

2008-04-21T10:36:00.000-07:00

Aunque nunca ha dejado de cantar, su proyección ha sido oculta por las luces de los que están en las cercanías del poder flamenco, ese que se cuece en Madrid y en Sevilla, al calor de los jerifaltes de la cosa esta , fué tras la edición (hace ya unos años) de su segunda grabación, en la que el afamado pintor Miquel Barceló realizó la portada, que muchos descubrimos su voz afillá y su profundo conocimiento del cante.

Este disco, en el que Paco Cepero lo borda -qué grandísimo guitarrista-, tiene un sonido impecable, una grabación muy cercana, de la que el propio Rancapino está muy contento. Tiene un aire sencillo, pero de una densidad aplastante: malagueñas, fandangos, soleares, siguiriyas. El disco se cierra con una zambra preciosa, y se abre con unos tangos tremendos.

Es en estos últimos años cuando su presencia en los festivales españoles ha sido constante y como cabeza de cartel: Almería, Cartagena, Madrid, Sevilla, El Escorial, etc

Crecido, aunque mayor de edad, a la vera de Camarón; ya desde joven fue tapado por la sombra del de La Isla. Como tantos otros cantaores gaditanos su aprendizaje es familiar, con su padre Orillo del Puerto y su familia. Se le considera discípulo de Aurelio, aunque en su forma de entender el flamenco existen unos ecos caracoleros muy acusados.

Se inició con Camarón en la Venta de Vargas; y se curtió en los años sesenta en los tablaos madrileños; así como en giras por Francia y Japón.
Tras ganar en 1977 el premio Enrique El Mellizo, en el concurso de Córdoba, ha cantado en numerosos festivales andaluces. Destaca en muchos estilos, pero sobre todo en siguiriyas, soleares y malagueñas. Es muy apreciado por sus compañeros de profesión. Realmente se puede decir que hoy lleva la vara del cante. Aunque otros metan mas ruido, Rancapino es la esencia y la tradición.

La voz de Rancapino es dulce, profunda, con un rajo gitano tremendo y un respeto enorme por las formas clásicas. La malagueña la interpreta de una forma muy emotiva, y escucharle por soleá es algo catártico. Es muy simpático y sonríe continuamente. Como tantos otros cantaores (verdaderos artistas) es tremendamente humano y atento con los aficionados.

SOBRE SU APODO
"Yo era muy chiquitillo y siempre estaba corriendo en cueros, y un gitano que le decían El Mono, al verme así me decía: ¨Dónde vas que pareces un pino quemao? Y de eso viene lo de Rancapino"

SUS GRABACIONES
Tan sólo 2 discos tiene este hombre: uno, editado recientemente por Ariola y que es la reedición de su primer trabajo, allá por los setenta. También este trabajo se puede obtener con el fascículo correspondiente de la Enciclopedia flamenca de Angel Alvarez Caballero (crítico flamenco de El País). La otra grabación es la que lleva en la portada un retrato hecho por Barceló. (Por cierto que Rancapino con guasa decía que era horroroso, que aunque él se considera feo, lo de la portada lo supera. Tan gracioso es, que le decía a Barceló que hacía cuadros muy grandes para no venderlos. No imaginaría el gitano que esos cuadros grandes los compran para sitios grandes, en lugar de para un cuartito de estar de una casa cualquiera)