Martian Shaker

Georgia Russell - Livrés au scalpel

2008-07-20T10:08:00.008+02:00

Livre-anémone de mer, livre vulve solaire, livre hirsute, livre masque primitif, livre dentelle à l'ancienne... je poursuis la série des livres extraordinaires. Après le Livre de Chair d'Artur Barrio, voici le travail au scalpel d'une artiste écossaise, qui dissèque minutieusement les pages de livres pour en faire des ébourrifements de lanières, de plumes et de fibrilles. Georgia Russell répond à la question "Que pouvez-vous tirer de ce livre ?". Elle, en extrait le contenu au sens propre, nous fait accéder, au-delà de leur sage format de pages tassées sur un seul plan, à une beauté nouvelle, tridimensionelle, sauvage et animale.

Georgia Russell is a Scottish artist who uses a scalpel instead of a brush or a pen, creating constructions that transform found ephemera, such as books, music scores, maps, newspapers, currency and photographs. Represented by England & Co, she exhibited recent works in the gallery's December exhibition. She currently has three works included in the Holland Paper Biennial at the Coda Museum. Russell's next major exhibition will be held at England & Co in early 2009, and she will also have some works in the gallery's Summer Exhibition in July/August this year.

Milton Banana Trio - Balancando

2008-07-19T18:44:00.004+02:00

Probablement le meilleur album de ce musicien exceptionnel, qui a façonné le son de batterie dans la bossa nova, et concocte ici, avec un combo pourtant minimal (Cid au piano et Mario à la basse), une mixture irrésistible de classiques bossa nova et de jazz, pulsatile et entraînante. Mon titre préféré : Sao Salvador.

Track List

01 - Cidade Vazia (Baden Powell / Luis Fernando Freire)
02 - Barquinho Diferente (Sergio Augusto)
03 - São Salvador (Durval Ferreira / Aglaê)
04 - Amanhã (Walter Santos / Tereza Souza)
05 - Improviso (Cido)
06 - A Resposta (Marcos Valle / Paulo Sergio Valle)
07 - Sonho de Um Carnaval (Chico Buarque)
08 - Feitinho Pro Poeta (Baden Powell / Luis Fernando Freire)
09 - Aruanda (Carlos Lyra / Geraldo Vandré)
10 - Tristeza (Haroldo Lobo / Niltinho Tristeza)
11 - Ora Bolas (Ian Guest / Zilmar de Araújo)
12 - Encanto Triste (Durval Ferreira / Pedro Camargo)

Jacqueline Lagrange - Le Futur Interdit

2008-07-19T17:13:00.005+02:00

Bonne pioche (dans un vide-grenier de province) que cet ouvrage paru en 1970 chez "Les Productions de la Seine", pour qui l'auteure a traduit de l'anglais un récit érotique (Mémoires d'un libertin du XIXe siècle) et proposé ce texte de sa prose, dont l'amateur de littérature licencieuse en ressortira enchanté. Le Futur Interdit narre les aventures sexuelles de James Moissinac, un grand bourgeois quinquagénaire, coincé et las, déprimé par des lendemains qui vieillissent. Le Docteur Berger, ami fortuné et hédoniste notoire, l'invite sur la Côte d'Azur pour une cure de sorties en mer, avec champagne et belles pépés. Le catalyseur érotique du récit est la rencontre de Domino, une femme fascinante qui vit dans un présent perpétuel (d'où le titre), pour le seul plaisir de savourer chaque instant. On devine que l'épicurisme joyeux de Domino permettra très vite au protagoniste de retrouver sa vitalité. Vu comme ça, le pitch rappelle des dizaines de séries Z érotiques, parfumé ici aux thèses libertaires et sensualistes des années 70, avec travaux pratiques.
Qu'on se détrompe ! Car ce serait compter sans l'originalité d'écriture de Jacqueline Lagrange, ses métaphores audacieuses, sa façon d'exposer les pensées intimes de chacun des protagonistes dans une manière de style indirect libre, qui frappent dès les premières pages et laissent entrevoir quelques vérités inédites de l'âme humaine lorsqu'elle est confrontée à la chair.

Off The Sky - Cumulae Movement

2008-07-11T23:24:00.009+02:00

Composition unique de 27'44" Cumulae Movement, est un OVNI planant de toute beauté, digne d'être rangé entre The Shutov Assembly de Brian Eno et World Receiver de Tetsu Inoué ; car elle ravira les amateurs d'ambient organique et ouatée comme des nuages irradiés de particules sonores, de clics mystérieux, de minuscules bruits environnementaux, d'échos et de filaments de mélodies. Off the Sky est le moniker météorologique d'un certain Jason Corder, avec qui il faut désormais compter. On en reparle bientôt.

FREE ep below
Cumulae Movement

"Cumulae Movement" revolves around the formation of a well-known weather phenomenon know as cumulous clouds. According to Jason he wanted to "create a movement of sound that mimicked the nature of these billowy, slow, shape-shifting atmospheric giants. So this rather long, dense piece simulates the time that Jason spent watching the clouds slowly progress across his field of view.

As a cumulous cloud moves across the sky, its shape is constantly changing, taking on several different forms during its life cycle. Likewise, as you listen, you?ll find that "Cumulae Movement" is an evolving piece consisting of several distinct parts that are interconnected by the same general motif. So find a natural location - an open field, a lake, a beach, a secluded hill or mountain - and enjoy this beautiful, placid ambient symphony. Quotation from spiritualarchives.blogspot.com

Artur Barrio - Livro de Carne

2008-07-09T20:38:00.005+02:00

"Artur Barrio est un artiste vraiment à part. Inspiré par Dada et le surréalisme, il n'a jamais appartenu à aucune école, n'a vraiment suivi aucun courant. C'est sans doute la quête de liberté qui caractérise sa démarche, son acception de la création artistique. Il travaille avec des matériaux précaires, des éléments récoltés de ci de là. Il crée des installations, des univers éclatés constitués de bouts de mots, de morceaux de chair, d'éléments disparates. Ses oeuvres sont des compositions concrètes, des rythmiques spatiales, chaotiques, vis-à-vis desquelles le spectateur ne peut opter pour une rationalité froide, distanciée. L'institution artistique, le contexte muséal lui sont toujours apparus d'une lourdeur incroyable. Il s'en joue. On parle souvent de lui comme d'un provocateur, mais c'est sans doute parce que depuis la fin des années 60, Artur Barrio n'a rien lâché de son exigence de liberté." LG dans la revue Mouvement, Sept-Déc. 2005

La pièce qui m'a le plus fasciné parmi les créations d'Artur Barrio est une pièce de viande "feuilletée", créée en 1978. C'est d'une simplicité terrible, saisissante et d'une grande richesse de sens. Du surréalisme cette pièce a l'audace et la brutalité poétique de même que, quelques décennies auparavant, la tasse en fourrure de Meret Oppenheim, fouettait la porcelaine froide et civilisée par son odeur de musc et son poil sauvage. Barrio, lui, incarne l'opposition entre nature (la chair) et culture (le livre), réunis en un seul élément : Le Livre, biblos, qui a la couleur rouge du sang de celui qui a donné sa chair pour les hommes. La polysémie du titre, Livro de Carne, évoquant tout à la fois une pièce de 500g (une livre) de viande et un Livre de chair, est là encore un bel exemple de l'humour noir et surréaliste de Barrio. Enfin si l'on veut se donner la peine de se pencher sur les récits d'anthropophagie qui appartiennent aux mythes fondateurs de l'histoire du Brésil... on ne regarde plus un steak de la même façon. Je m'en vais dès demain commander des bifteck au carré, feuilletés et savoureux comme une bonne tranche de littérature !

Skylab#1

2008-07-02T22:07:00.009+02:00

Voici un disque que j'avais acheté en 1994 pour la beauté du graphisme et du digipack cartonné. A l'époque, trip hop et ambient battaient son plein, mais Skylab#1 ne faisait qu'aborder de loin ces courants, car l'album s'écoute plutôt comme une rêverie musicale et poétique inclassable, un ensemble de ballades downtempo imprévisibles, écrites et produites par un certain Howie B, dont on connaîtra davantage les disques parus ultérieurement sous son nom (Music for Babies, Snatch, Mayonnaise). Le rip est chez sleepwalkingdreamweaver.

This album was released in 1994 on Astralwerks. This one of those albums that I bought without hearing or being told about. Have you ever done that? I just saw the album cover, noticed it was on Astralwerks, and bought it. I've discovered a few gems just by looks. That's how I found out about Pizzicato Five, the Tiki Tones, and Pavement. I don't do that so much anymore but back then I was young and could buy whatever since my mom paid the rent. Anyway, back to our album. Here's the rundown. Apparently Mat Ducasse took a lot of acid in his attic and produced tons of mix tapes of weird samples and loops. He mailed them to Howie B who then, with Love TKO (from the Japanese hip hop Major Force label), put them together to create a very trippy and mind expanding movie like album. You could call it downtempo but that word wasn't being thrown around back then. It's like ambient trip-hop. Or ambient breakbeat. It's ambient. It's weird. The song "Seashell" got used on a lot of chill compilations. That song is pretty great but the album is so much more than that one track. The album is an experience. It starts out strong and then gradually slows down by the middle to almost minimal sound and then it slowly builds back up to about the same speed as the beginning. If you've heard Howie B's "Music for Babies" it's probably closest to that as far as his catalog goes. Check it out. Excerpt from MOG - fistula spume's Posts

Stéphane Kiehl - Y a un truc !

2008-07-02T19:43:00.007+02:00

L'illustrateur, graphiste et plasticien Stéphane Kiehl, je l'ai découvert à travers un livre éclatant de couleurs et d'images, Y a un truc !, publié aux Editions du Rouergue.
Le titre, homonyme d'une émission célèbre, est un hommage à Gérard Majax, le magicien qui fascinait les enfants des années 70-80. Stéphane Kiehl y met en scène un magicien moustachu, Bernard Majox, et s'emploie à démystifier son numéro de magie en expliquant, via différentes planches parsemées d'images infantiles, que des petits extraterrestres transparents sont à l'oeuvre pour tromper le public.
Hilarant, coloré, virtuose de graphisme, amateur de personnages de BD, de vieilles réclames détournées et de dessins foutraques, Stéphane Kiehl se paie le luxe d'une double page de blagues régressives assorties d'onomatopées.

Willie Henderson & The Soul Explosions - Funky Chicken

2008-06-30T22:56:00.007+02:00

Très bonne cuvée de funk sur les brisées des J&B's, avec une section de cuivres et des percus bien pêchus, des voix excitées à la Bar-Kays, des choeurs de funkettes délurées qui jouent les répons à Willie Henderson (chanteur et arrangeur chicagoan), quelques titres préfigurant le disco naissant (Break Your Back, Dance Master) ; ajoutez à l'ensemble une bonne dose d'humour, des bruitages de bassse-cour pour l'éponyme Funky Chicken : Funky Chicken... En un mot : les seventies afro-américaines comme si vous y étiez.

A massively-expanded version of Willie Henderson's Funky Chicken album -- with some great bonus tracks! The original record is killer work from one of the funkiest leaders on the Chicago scene -- the force behind some of the city's greatest soul tracks and funky 45s to come out of the Windy City! The set stands like a stack of lost funky nuggets laid back to back -- with lots and lots of bass-heavy grooving from the band, and plenty of instrumental riffing on guitar and horns! Most tracks are instrumental, but often feature some nice shouted or spoken bits -- and the whole thing's stuffed to the rafters with great breaks, beats, and grooves! Titles include "Funky Chicken (parts 1 & 2)", "Off Into A Black Thing", "Soulful Football", "Sugar Sugar", "Can I Change My Mind", and "Is It Something You Got". Plus, this version expands past the original lineup, to include a 2 part previously unissued "Untitled Instrumental" and the singles "Break Your Back" and "Dance Master"! From DusrtyGroove

Lila Jang - Canapé grimpant

2008-06-23T14:28:00.006+02:00

Quelques semaines après avoir publié un post sur Erwin Wurm et ses véhicules déformés - dont le camion "roues au mur", voici que je tombe, dans un magazine de décoration, sur ce très joli canapé de Lila Jang, jeune plasticienne à peine sortie de l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts.
Il faut se rendre à l'évidence que Lila Jang exploite exactement le même concept que Wurm (je ne sais qui des deux a eu le premier cette idée) - et je préfère même imaginer que la similarité est due au hasard, à la même intuition facétieuse d'un tropisme pour les parois. Ce tropisme affecte les équipements, les place sur le plan vertical qu'ils ne fréquentent jamais ; là où les objets font le mur pour passer dans une autre dimension, de l'autre côté du miroir, là où s'annulent l'inflexible rigidité des matériaux et les lois de la gravité. Le canapé se déhanche comme une guimauve, les pieds font le poirier... Ou alors est-ce que notre monde surchargé devient trop petit, au point que les objets doivent occuper un autre plan de l'espace ?

Le mystère Jacques Vergès

2008-06-18T23:03:00.003+02:00

En allant voir le film « l’avocat de la terreur », le documentaire de Barbet Schroeder sur Jacques Vergès, j’espérais y trouver une réponse à mes questions sur ce personnage, sur le mode de ‘qu’est-ce qui peut pousser un type à défendre systématiquement tous les plus grands criminels, et surtout, surtout, Klaus Barbie ?’. Or, à la sortie du film, le mystère n’était en rien dissipé, bien au contraire.

J’avais eu droit à un panorama passionnant sur le terrorisme dans les années 50 à 80, les guerres de décolonisation et le soutien de Vergès à ces causes. Comment le petit Jacques, fils d’un diplomate français et d’une institutrice vietnamienne, élevé à La Réunion, avait ressenti l’oppression coloniale dès son enfance. Comment, jeune avocat, il avait défendu de nombreux indépendantistes en Afrique du Nord. Ainsi, en 1956 en Algérie, il invente, pour le procès de Djamila Bouhired, la ‘défense de rupture’ – au lieu de ‘sympathiser’ avec les juges, représentants du pouvoir colonial, l’avocat utilise la provocation, se présente lui-même en ‘victime’ d’un tribunal injuste et utilise l’opinion internationale pour faire pression sur le gouvernement français, notamment via des manifestations de sympathie à l’égard de Bouhired, à Paris et en Europe.

Les années suivantes il va régulièrement défendre des mouvements indépendantistes, voire terroristes – les Palestiniens dans les années 60 ou Carlos à partir des années 70. Il disparaît de 1970 à 1978, des rumeurs circulent sur son engagement au côté des Khmers Rouges, dont il connaissait très bien certains dirigeants, ou sur une possible activité d’espionnage. Interrogé sur cette période, Vergès nie tout engagement avec les Khmers ou les Palestiniens, mais dit qu’il était avec des gens très discrets, et ne peut donc nous en dévoiler plus. A un autre moment du documentaire, il affirme que les Khmers Rouges n’ont pas voulu tous les massacres survenus au Cambodge, que ce sont les événements et les circonstances qui se sont enchaînés ainsi.

Ces petites phrases résument bien le personnage : mélange de mystère et de provocation, s’exprimant avec douceur mais soutenant des mouvements ultra-violents, il donne l’impression d’être un chat jouant avec sa proie. Avocat de la terreur, il va défendre des causes terroristes qui ont des fins indépendantistes, mais aussi tous ceux qui veulent déstabiliser la société occidentale, le modèle triomphant de la deuxième moitié du XXe siècle. Généreux et humaniste quand il soutient ses amis d’Algérie – revoyant d’anciens terroristes algériens, il leur dit qu’il n’aurait alors pas hésité à aller tirer lui-même sur le Général Massu (dirigeant la force d’occupation française) si l’un de ses clients avait été exécuté. Ambigu et mystérieux quand il évoque le procès Barbie, qu’il décrit presque comme une revanche personnelle, où lui l’Eurasien a appelé en renfort, face aux 39 avocats de la partie civile, deux avocats, l’un noir et l’autre arabe, face à cette assemblée bien-pensante, unanimement d’accord sur l’horreur des crimes pratiqués par le ‘raciste’ Klaus Barbie. Utilisant la scénographie et la théâtralité propre à tout procès, il va donc démontrer par de subtiles techniques de manipulation de l’opinion que Barbie n’est pas si raciste, puisqu’il est défendu par un asiatique, un noir et un arabe. Il va aussi utiliser le procès fait à la torture nazie pour dénoncer celle employée par la France en Algérie durant la guerre d’Indépendance. Cette démarche illustre bien le côté ambivalent du personnage – utilisant l’abjection d’une situation pour en dénoncer une autre, mais aussi pour manipuler les jurés, quelque chose comme ‘l’Etat français dénonce ici des méthodes qu’il a lui-même employées ailleurs’, façon ‘que ceux qui n’ont jamais fauté lui jettent la première pierre’, des méthodes de manipulation de l’opinion auxquelles Vergès excelle.

Tout accusé a droit à une défense. Mais pourquoi systématiquement défendre ceux qui sont accusés des crimes les plus extrêmes ? Est-ce devenu une spécialisation de fait, car son indéniable talent dans la défense de cas terroristes dans les années 50, 60 et 70, en aurait fait l’avocat le plus recherché des grosses ‘pointures’, les Carlos etc… Peut-être. Ou bien est-ce par sympathie, comme un moyen de s’investir personnellement dans ces causes, de leur faire une publicité supplémentaire ? Eventuellement. Ou est-ce parce que de défendre ces personnages unanimement rejetés lui apporte une grande publicité, ainsi que de confortables honoraires ? Ce documentaire en tout cas ne fait que rendre ces points plus troublants, les déclarations de Vergès ajoutant encore à la confusion. Il se serait lié avec des Soviétiques, et même avec un nazi suisse… Et quand on regarde la liste de ses clients, on y trouve un grand nombre de dictateurs africains, des terroristes arabes ou occidentaux, la Fraction Armée Rouge (RAF), le terroriste international Carlos, Slobodan Milosevic, Saddam Hussein… tous accusés de la mort d’un nombre considérable de personnes. On peut même se demander si Vergès, généreux avocat anti-colonialiste défendant avec talent ses frères opprimés d’Afrique du Nord dans les années 50, ne serait pas devenu lui aussi, à partir des années 60 une sorte de ‘terroriste’, en rupture avec l’Occident, tant ses clients représentent le rejet de la culture occidentale de l’époque. Cette époque où les pays d’Europe de l’Est, du Moyen et d’Extrême-Orient, d’Amérique Latine étaient, au pire, diabolisés, au mieux présentés comme des pays ‘sous-développés’, cette époque où le libéralisme à l’américaine représentait le but ultime d’épanouissement de l’homme. Vergès, l’avocat de la « terreur », ou l’avocat d’une société post-coloniale qui rejette la domination du monde par les Etats-Unis ?

‘Jacques Vergès, l’avocat de la terreur’ film de Barbet Schroeder (2007).
‘La justice est un jeu’, conférence de Jacques Vergès, Ecole des Mines de Nancy, 1997.

The Kenny Clarke & Francy Boland Big Band - Latin Kaleidoscope

2008-06-17T21:33:00.003+02:00

Encore disponible chez l'excellent Orgyinrhythm (précipitez-vous !), cette galette est probablement le summum du raffinement latin jazz autour du duo fondateur d'un des plus somptueux big bands des sixties (Clarke à la batterie et Boland au piano) ; de l'élégance chaloupée, des arrangements au cordeau, et pour nous servir toute cette beauté tropicale, une pléiade de virtuoses : Sabu Martinez (le conguero mythique de Jazz Espanole et Afro Temple), Sahib Shihab, Gary Mc Farland, et plusieurs autres pointures. C'est vrai ce qui disent nos copains américains là dessous : Crepusculo y Aurora est une merveille ; et ce qu'ils ne disent pas c'est que Gilles Peterson a attiré l'attention des amateurs sur cet album rare en compilant le très swingant Un graso de Areia.

One of the great latin jazz lps of the 60s and featuring who else but Sabu Martinez.Latin Kaleidoscope is comprised of two suites, with the band swinging on well-written parts to a panoply of well-used percussion elements. Boland recruited drummers Kenny Clare, Al "Tootie" Heath" and Sabu Martinez to add their percussion talents. Gary McFarland’s six-part "Latin Kaleidoscope" is a joy to discover – much as it was to first hear his solo creations and offers much evidence of his gifts. Boland, who added his own touches to this suite, never takes a solo throughout and is occasionally heard on harpsichord; a sensitive touch to sensitively considered music. And excellent solos are taken by Sahib Shihab ("Duas Rosas"), Ronnie Scott ("Uma Fita de Tres Cores") and Aki Persson ("Othos Negros") Francy Boland’s "Cuban Fever" is like a musical postcard of Cuba: powerful, colorful, exciting, where the unexpected is approached at every corner. The innate skill of Boland’s craft is most apparent here. Like the great jazz arrangers, he’s a scenarist, a master painter. Here the brasses cover more of the thematic canvas. But it is often the reeds that take solo honors (a nice contrast) – with the exception of the beautiful finale, "Crepusculo y Aurora" that benefits by a resonant Benny Bailey trumpet solo (Clarke’s clever shifting patterns are much in evidence here too).

Erik Samakh - Au bord de l'eau

2008-06-05T23:32:00.012+02:00

Sans le connaître, les Parisiens habitués du parc de la Villette ont déjà entendu il y a quelques années d'étranges sonorités diffuses dans certains jardins du parc ; c'était lui, Erik Samakh, artiste discret, comme son oeuvre, presque invisible. Il réalise notamment des installations sonores interactives avec des matériaux naturels ou électroniques (technologie minimale et écologique de capteurs et flûtes solaires) pour magnifier la vitalité des éléments : l'eau, le vent, la lumière, le scintillement des étoiles, le chant des grenouilles. Elles nous rendent sensibles à la beauté des grandes et petites émissions de la nature, ces sons qui interagissent avec notre imaginaire.
Si vous aimez les field recordings, le travail d'artistes de la nature tels que Andy Goldsworthy ou Gilles Clément, vous vous régalerez de la monographie que lui consacre l'Abbaye de Maubuisson et le Conseil Général du Val d'Oise. On y trouve un long entretien avec Colette Garraud, qui éclaire en profondeur le travail de l'artiste, une série de photos de ses installations ainsi qu'un CD regroupant 4 prises de son ambiantes.

Ci-dessus la pièce N°4, Les joueurs de flûte, enregistrée le 18 juin 2004, dans la forêt du Pays de Barr et du Bernstein ; où l'on peut entendre ces flûtes naturalistes, aux sons toujours assez brefs et qui ont des tonalités différentes, parce que chaque module, avec l'énergie autonome de son capteur solaire, souffle de l'air dans une flûte d'un modèle unique. Comme il y a une vingtaine de flûtes, le jeu d'harmoniques comporte des combinaisons étendues. La source d'énergie solaire introduit une modulation d'intensités suivant les rayonnements lumineux. Ces deux paramètres contribuent ensemble à un renouvellement sonore permanent, jusqu'au silence durant la nuit.

Erik Samakh's work is founded on a constant dialog between man and nature. Tuned in to its noises and sounds, colors, and various species, he proceeds like a surveyor. For some twentyfive years he has been capturing, recording, and restituting in museum spaces what he perceives as a veritable artistic material that he installs and diffuses in all places suited to discovery. The surrounding space, formerly devoted to the power of images thus becomes a «listening space», but just as readily a space of silence, and transforms our perceptive and perceptible approach to reality. Samakh also intervenes in the landscape and incites it to react by grafting different instruments of his own design onto it.
Erik Samakh is not so much an acoustician, but an artist of the present day, committed to offering experiences and sensations that go beyond the visible... Bernard Blistène

Jean Rollin - La Petite Ogresse

2008-06-04T21:47:00.005+02:00

J'aime beaucoup (plus que ses films cheap) les fictions textuelles de Jean Rollin - cette capacité, comme chez Marcel Béalu, à faire affleurer le fantastique dans le banal. Car il suffit d'une rencontre... Celle d'un homme au bord du suicide et d'une petite fille venue de nulle part, qui pleure sur les marches d'un escalier parisien, pour que l'univers tout entier bascule. Qui est-ce personnage auquel son désintérêt pour la vie ouvre les portes d'un ailleurs peuplé d'ogres radieux, d'attachants nécrophages et de nains féroces ?
Jean Rollin parvient à exalter dans ses récits, avec des mots simples et sans détour, une certaine poésie du macabre. Je veux parler de sa prédilection pour les vampires, fantômes, ogres et autres monstres, qui sous sa plume s'animent dans des aventures malsaines et passionnantes.
La Petite Ogresse est un de ses meilleurs textes, qu'on dévore à belles dents, étonné à la fin d'avoir éprouvé si peu de dégoût pour la petite Alice au pays des horreurs.

LOVE, PEACE & TRANCE

2008-05-28T23:23:00.005+02:00

Cela faisait quelques années que je n'avais pas remis les oreilles sur ce CD, produit par Haruomi Hosono, en 1995 et devenu, comme tant d'autres, quasiment introuvable. Le pape de l'ambient asiate est derrière les manettes, au devant les voix précieuses de Mimori Yusa, Miyako Koda et Mishio Ogawa. Bien que la pochette, avec son kaléidoscope psychédélique et ses midinettes en tenue indienne, ait de quoi laisser sceptique, elle représente assez bien deux des influences majeures chez Hosono, qui infusent largement dans ce disque. La première (la plus ancienne - avec Cochin Moon, Tropical dandy - préexistante à l'époque YMO) est une fascination pour les ambiances exotiques, héritées de Martin Denny. Après le maître américain qui réinventait une improbable musique des îles du Pacifique, Hosono s'est intéressé à l'écoute occidentale des stéréotypes folkloriques de son pays - en les retravaillant à l'aide de synthétiseurs (The Tale of Genji) ; d'où ces chansonnettes au parfum un peu kitsch, portées par un instrumentarium décalé. La seconde (plus récente) est une inspiration puisée aux sources du chamanisme indien et de ses vertus médicinales ou hallucinatoires, qui marque son retour sur la scène ethno-ambient avec Medicine Compilation from the Quiet Lodge. Ici, les morceaux sont souvent développés en choeur. Individuellement ce sont des mélismes intimistes accompagnant une cithare, de graciles enluminures sur des carillons cristallins. Yasuaki Terada oriente ses relectures vers un format techno-pop, Mammal Mamma (admirablement séquencé) et Dawn sont les plus réussis dans ce genre. Kim Cascone, dans un style proche de sa période Heavenly Music Corporation, ajoute aux mélopées fantomatiques une légère pulsation (Solaris). Souffles ténus, invocations et drones ; c'est peut-être là, dans ces zones fusionnelles transcendant les emprunts indiens pour brasser des échantillons d'origines ethniques diverses, qu'Hosono fait son miel et donne son unité à l'ensemble.

Yeelen (HH)
Dreamtime Lovers (HH)
Solaris (dip in the pool)
Mammal Mama (HH)
Kokoro Da (Killing Time)
Dawn (d.i.p.)
Whispers in the Dark (Thomas Newman)
Hasu Kriya -single mix (Moro Fukuzawa)
Hush - A Mandala Ni Pàli (Moro Fukuzawa)
Aina (HH)

They are Mimori Yusa ("Love"), Miyako Koda ("Peace"), and Mishio Ogawa ("Trance"). Hosono gets to be the "&", I kid you not. Tracks 3-5 were mixed by Kim Cascone of Heavenly Music Corporation (who pointed out to me when I left his name off this page, no slight intended, good work). Kay (Something Wonderful) Nakayama does additional production on several tracks. First rate production and material. Cover art by Yokoo. If you want something hyper look elsewhere (NDE). Very relaxing but not boring.

Luke Vibert - Receiver

2008-05-25T22:51:00.006+02:00

Ce n'est pas que le morceau soit musicalement génial, et il y a d'autres pièces bien plus appréciables de Luke Vibert, alias Wagon Christ ; mais bon... Receiver est le seul titre du CD Musipal qui nous soit proposé en version vidéo et cette poursuite dans un univers machinique sci-fi, un peu loufoque un peu inquiétant, est une vraie réussite.

Dispositif de publicité

2008-05-22T19:59:00.005+02:00

Toujours chez Tchoum, dans l'inénarrable ouvrage intitulé "Brevets d'invention tout à fait insolites", on trouve p. 21 cette invention de Robert Oropéi Martino, enregistrée en 1960, qui "consiste essentiellement à faire porter de la publicité par les poissons d'un aquarium et elle vise en outre à titre d'articles publicitaires les poissons pourvus de corselets ou équivalents susceptibles de comporter une telle publicité."

Cette invention me laisse à la fois amusé et terrifié. Amusé parce qu'elle est passablement improbable et surréaliste. Terrifié si je tente de me projeter dans un monde où le règne du vivant tout entier serait susceptible de devenir un support publicitaire. Un bon auteur de SF contemporain (prenez Robert Reed) ferait une merveille à partir d'une telle trame. 2027, les 18 derniers ours de la Terre sont des stars affublées de publicités pour des organismes écologiques ; les caméras, qui les suivent à la trace, alimentent une saga animalière en forme de feuilleton de télé-réalité, dopé par les paris sur la durée de survie des protagonistes. Terrifiant, non ?

EQUIPMENT - Selection from the Ambient Works of NEWSIC

2008-05-18T11:20:00.009+02:00

Newsic est une collection produite au Japon par Spiral et le Wacoal Art Center. Plusieurs disques ont été édités dans les années 90, afin de faire connaître le travail de musiciens avant-gardistes, mais Newsic n'a jamais été distribué dans les circuits grand public en France. La compilation "Equipment" (achetée à l'époque auprès de l'association Crystal), est plutôt inouïe dans nos contrées et vaut le détour. Elle permet de découvrir les jolies structures musicales cellulaires pour flûtes, basse, piano et instruments à maillets de Motohiko Hamase (influencé par Steve Reich et John Adams) ; les plages environnementales de Yoshio Ojima, destinées à s'inscrire dans un ensemble sonore domestique ; la musique répétitive de Yoshiaki Ochi, pour percussions, choeurs et battements d'eau ; Mich Live, formé par Mitsuru Sawamura (saxophone alto) et Reiko Sato (piano), est basé sur d'amples échanges entre le duo, parsemés de marimba et de guitare ; enfin deux morceaux de Satsuki Shibano, pianiste de formation, qui interprète des compositions pour instruments-jouets de Pascal Comelade, en y adjoignant quelques ambiances bruitistes sophistiquées et des textes dadaïstes en français.
Texte inspiré de Nouvel Age au Soleil Levant, de Bruno Heuzé, dans la revue Crystal Infos, Automne 1993.

1 Motohiko Hamase - Pascal (7:45)
2 Yoshio Ojima - Glass Chattering (5:54)
3 Satsuki Shibano - Rayures Venitiennes (3:26)
4 Mich Live - Safety Room (4:22)
5 Yoshiaki Ochi - Woods From The Sea (3:45)
6 Motohiko Hamase - Notes Of Forestry (6:13)
7 Yoshio Ojima - Evocations 2 (7:10)
8 Mich Live - Once (7:01)
9 Satsuki Shibano - Distant Piano (3:38)
10 Yoshio Ojima - Sealed (5:50)

H. Harrison et J. Burns - Planète Story

2008-05-17T00:15:00.012+02:00

Encore une merveille de récit SF illustré, trouvée pour une bouchée de pain chez un bouquiniste. Planète Story, traduit de l'américain en 1979, a été publié chez Denoël en un beau livre plein d'images fantastiques, de vaisseaux, de monstres, d'humains coriaces et de sensuelles aventurières aux justaucorps trop étroits. Le format carré et l'hyper-réalisme du dessin, pourléché à l'aérographe, explosent le cadre et le rendu chromatique médiocre de mon scanner.

Le ton est à la fois sérieux et coquin, au second degré (comme on le voit rarement en SF - sauf chez Philip José Farmer). L'ensemble respire à plein nez cet esprit libertaire des seventies, mélange d'humour, de notations sexuelles et de délire graphique. Car les illustrations de Jim Burns, somptueuses, valent à elles seules les quelques euros de cette épopée jubilatoire sur la planète Strabisme.

Un avant goût avec un extrait des premières pages.

On trouvera une bio assez complète de Harry Harrison sur le site Imaginales.

Condom Song - Telugu

2008-05-15T22:06:00.005+02:00

En un pays qui compte plus d'un milliard d'habitants, dont la natalité reste plus importante qu'en Chine (la population indienne augmente d'environ 19 millions d'habitants par an, conséquence d'un taux global de fécondité de 2,7 enfants par femme - contre 1,7 pour la Chine - dixit Wikipédia), à quoi peut ressembler une campagne d'information sur le préservatif ?
A un message visuel simple, symbolique et pédagogique, compte tenu de niveaux d'instruction très inégaux ; un message qui peut paraître naïf, mais qui au final, avec sa musique et sa mise en scène assez drôles, n'en est pas moins efficace.

Beaumont Hannant - Texturology

2008-05-05T21:25:00.011+02:00

Après un premier album qui alternait de belles plages ambient et des titres électroniques plus durs, quasi-industriels, l'électronicien anglais au patronyme de Louisiane a atteint avec Texturology sa plus belle belle maturité d'expression. Des mélodies riches et plus affirmées, d'étonnantes inventions de rythmes, des développements harmoniques de toute beauté. Il y a un souffle quasi symphonique qui s'exhale ici, qui écharpe les froides sonorités des machines et fait de ce disque un monument mésestimé d'electronica. Teqtonik, rapide et acéré, reste très proche du travail d'un Aphex Twin. Pour ma part j’ai un faible pour Shades of Haze, une progression lancinante au violon ; et pour Vague, où l'ami Beaumont Hannant maîtrise pleinement son art de la sculpture électronique. Texturology est un album d’une élégance sombre et envoûtante, qui surprend par son esprit classique et son sens de la composition.
C'était en 1994, sur le label GPR. Trois ans, quelques disques et remix plus tard, il disparaissait de la scène electronica, laissant une production courte et inspirée.

Tracks
1 Teqtonik
2 Vague
3 Shades of Haze
4 Crouton
5 Mind Colours
6 A Summer Spent
7 Oblique
8 Woven Textures
9 Morphous
10 Latur

Beaumont Hannant is a musician, producer and DJ from York, England. His music and contributions extend to ambient techno, IDM, hip hop and indie rock. Hannant has received positive critical reviews and was named one of "The Faces of '94" by music magazine Select.
Thirteen years after its release, this and the contemporary, comparable "limited" issue still sound like the future, the past and the present. Picking elements that work in various musical subgenres while ditching their dodgy parts, Hannant blends the leftovers into a combination that, in theory, has limited chances of success. Nonetheless, "trance" melodies, "electro" programming, "industrial" percussions, "ambient" soundscapes all mix and create something else, uncategorisable, that must have confused music reviewers of the mid-nineties who had to make up new terms to define this kind of things.
IDM it became, then, and the name does not do the music justice too well: Music, yes; Dance, not necessarily, as it at least as suitable for armchair listening; Intelligent, well, it is not of the brainless kind and does tend to leave the mind wander about freely, that is for sure, but to call it intelligent seems quite pompous and gives the composer pretentions they might not have had. The even vaguer 'electronica' is perhaps more appropriate.
Anyway, the content mostly oscillates between dreamy, hypnotic and eerie with a clever rhythmic drive and, one can imagine, would be an ideal soundtrack for night driving or, more poetically, sleepwalking. The production is enormous and the attention to detail that permeates throughout Beaumont Hannant's work is certainly here at its peak.
One of those relatively unknown albums that would deserve a recurrent mention in the "which records would you take on a desert island" polls.

Don Sebesky - The Distant Galaxy

2008-04-27T10:44:00.015+02:00

Tromboniste de talent, Don Sebesky a aussi fait des merveilles en tant qu'arrangeur pour d'autres musiciens de jazz, créant de belles enluminures entre cuivres et cordes, que l'on entend notamment dans From the Hot Afternoon de Paul Desmond (chroniqué dans ce blog) ou l'album Bumpin' de Wes Montgomery.
The Distant Galaxy est un maillon mineur dans la chaîne d'albums qu'il a créés ou auxquels il a participé - si l'on en juge par l'extrait biographique anglais ci-dessous. Ce disque est un melting-pot de standards (Lady Madonna, The Blue Scimitar) en version lounge, par endroits groovy (Water Brother et Soul Lady), par endroits orientalisant (Mr Tambourine man, Sounds of Silence et un Guru-Vin plutôt réussi). Les morceaux sont entrecoupés de courts interludes électro-acoustiques, sacrifiant (tardivement) à la mode space-age, et histoire de justifier le concept intergalactique de l'album - mais ces transitions apparaissent assez incongrues. The Distant Galaxy vaut pour le sympathique mélange d'influences indiennes et de grooves bien ficelés.

Sebesky trained in trombone at the Manhattan School of Music. In his early career, he played with Kai Winding, Claude Thornhill, Tommy Dorsey, Warren Covington, Maynard Ferguson, and Stan Kenton.[1] In 1960 he began devoting himself primarily to arranging and conducting; one of his best-known arrangements was for Wes Montgomery's 1965 album Bumpin'. Other credits include George Benson's The Shape of Things to Come, Paul Desmond's From the Hot Afternoon, and Freddie Hubbard's First Light. His 1973 release, Giant Box, hit #16 on the U.S. Billboard Jazz Albums chart.[2] He won three Grammy awards in the 1990s: Best Instrumental Arrangement for "Waltz for Debby" (1998) and "Chelsea Bridge" (1999), and Best Instrumental Composition for "Joyful Noise Suite" (1999).[3] Sebesky has also written a book, The Contemporary Arranger (1975).

Edward John Trelawney - Mémoires d'un gentilhomme corsaire

2008-04-27T08:57:00.011+02:00

On comprend assez aisément que les aventures de Trelawney aient été mises en images pour la BD (Alfonso Font et Richard Marazano pour Pif Gadget) : les 400 pages de ces Mémoires condensent une incroyable saga qui ne peut qu'exalter l'imaginaire et susciter l'identification des plus jeunes lecteurs. Je présume que les auteurs en ont expurgé les passages les plus cruels. Car Trelawney vit dans un XIXème siècle où l'Orient et l'Inde sont les contrées exotiques avec lesquelles l'Angleterre et la France entretiennent un commerce florissant - mais dans un environnement menacé par de nombreux dangers terrestres et maritimes : guerres, pirateries, pillages, invasions, esclavage....
Edward John Trelawny (ou Trelawney), né à Sompting, cadet d'une famille d'aristocrates ruinés, est l'enfant rebelle de l'inflexible Royal Navy, qu'il déserta à dix-sept ans, pour se faire contrebandier, pirate et sultan des mers. Tendu vers un seul but, un seul horizon : vivre libre, Trelawney ne recule devant rien ni personne. Sa rencontre avec De Ruyter, puissant commerçant hollandais, écumeur des mers dans l'Océan Indien, à l'occasion corsaire navigant sous pavillon français, pirate lorsqu'il croise une proie transportant des cargaisons à piller, fut déterminante. Il devient son second d'abord et son associé ensuite lorsqu'il est en mesure de commander son propre schooner. Marié à Zéla, une jeune arabe qu'il a sauvé de l'esclavage et qu"il installe à son bord, il sillonnera l'Océan Indien des îles Maurice et Bourbon (son port d'attache) jusqu'aux abords de la Malaisie et de la Chine, traquant les jonques pour piller "les nids d'alcyons" s'attaquant aux navires de la Cie des Indes (l'anglais est l'ennemi !), naufrageant ici..., se battant férocement contre des indigènes sauvages, ou bien encore, chassant le tigre dans des moments de loisirs.
Parfumé de poudre et de sang, animé d'une violence épique, ce récit tourmenté met en scène un personnage unique et profondément attachant.

Paddy McAloon - I Trawl the Megahertz

2008-04-17T20:50:00.015+02:00

Il faut croire que la cécité inspire de grandes symphonies ambient. Après Simon Fisher Turner, dont l'oeuvre musicale culmine avec l'illustration sonore du film Blue (voir le post sur Derek Jarman), voici la merveille orchestrale (passée inaperçue) de PaddyMcAloon, chanteur et compositeur des défunts écossais Prefab Sprout. En 2003, affecté d'une maladie de la vue, il s'attache à son poste radio et tire de ses syntonisations aléatoires des bribes d'histoires dont il compose une fresque qui tient à la fois de la musique classique, des musiques nouvelles et des ambiances de jazz. Mais de tout cela Caroline Bodin parle beaucoup mieux que moi chez Fluctuat.net.

"Temporairement aveugle, retranché chez lui, il se raccroche au monde qui l'entoure en écoutant la radio. De cette expérience étrange est sorti un album unique, à mi-chemin entre le jazz, la musique contemporaine (on pense parfois à Gavin Bryars ou John Tavener) et certains courants musicaux vaguement assimilés au trip-hop dont font partie Craig Amstrong ou Alpha. Le premier morceau, I Trawl the Megahertz, est une entrée en matière qui se passe de commentaire. Plus de 20 minutes, voilà la durée de cette plage à la fois répétitive et envoûtante. Une actrice récite, d'une voix quasi monocorde, les phrases lapidaires de la solitude ordinaire que McAloon a recueillit sur les ondes, des bribes de poésie involontaire qu'il a merveilleusement su mettre en valeur. Les cordes glissent et l'on retient son souffle pour écouter, hypnotisé par ce journal intime musical, série de rencontres faîtes à tâtons, frôlements imperceptibles d'existences froissées qui se répètent, encore et encore : « I'm telling myself the story of my life…happiness is only an habit…forgive me, I'm sleepwalking »…

Le talent du compositeur surprend, l'énigme personnelle prolonge l'écoute et l'album, entièrement basé sur le principe de la musique répétitive, se révèle être une expérience fascinante, et presque muette, si l'on exclut le monologue de la comédienne. Une fois, une seule, Paddy McAloon chante, sur le magnifique et crépusculaire Sleeping Rough qui annonce la fin de l'album. On mesure alors la somme de ses angoisses, l'étendue de sa peur face à la mort et au temps qui s'enfuit. Mais comme le faisait la Selma du film, c'est l'oreille tendue et les yeux tournés vers le ciel que l'homme continue son chemin, vers la lumière."

To many Prefab Sprout is Paddy McAloon; the driving force, songwriter, guitarist and predominant singer in the band. But 'I Trawl The MEGAHERTZ' is a first shift away from the band concept. Instead he uses an orchestra. This is an area McAloon has dabbled in before, resulting in the glorious 'Hey Manhattan!' and 'Nightingales' singles plus the sumptuous arrangements on 1997's 'Andromeda Heights' album. This time, however, McAloon's distinctive vocals feature only once and even then only briefly. Unquestionably the highlight of this first "solo" album is the title track; a sprawling Debussy-inspired classical piece, laden with gorgeous string arrangements and topped off with narration from the hitherto unknown Yvonne Connors. The words are based on radio talk shows which became something of an enforced hobby for McAloon whilst he underwent eye surgery; his reading and writing obviously hindered to a large extent. Connors delivers the lines so well that when phrases like "Your Daddy loves you very much; he just doesn't want to live with us anymore" are spoken - set against a wash of supreme arrangement - the effect is genuinely heartbreaking. It's no surprise, therefore, that the remaining eight - considerably shorter - tracks have no way near the same effect. Granted, 'Espirit De Corps' maintains a wonderful almost-Disneyesque feel but pieces like 'We Were Poor...' and 'Fall From Grace' keep a seamless flow together but pass by pleasantly and '49' is a polite imitation of the lead-off track. For 20 blissful minutes though, McAloon is inspired.

Erwin Wurm - Misconceivable

2008-04-13T12:29:00.013+02:00

J'avais apprécié (puis oublié) l'humour de la "fat car" il y a quelques années, je redécouvre il y a peu d'autres créations d'Erwin Wurm... Chapeau bas !. Cet artiste autrichien, né en 1954, a trouvé en partie son inspiration dans le surréalisme mais surtout dans le courant Fluxus ; avec cette démarche qui consiste à chercher l’art dans le mouvement même de la vie. Une des plus belles déclinaisons en est à mon sens sa relecture improbable de quelques moyens de locomotion. De là naît un nouvel univers, où les objets seraient souples, vivant de leur propre vie, un univers plus proche du dessin animé que du réel. La rigidité industrielle des véhicules s'amollit. Ici elle se gonfle (la voiture obèse, une Christine surgavée, métaphore géniale de l'opulence occidentale), là elle s'incurve (le van VW qui tourne en rond - métaphore frappante de la répétitivité de nos déplacements ; le bateau prêt à plonger dans l'estuaire fluvial de Saint-Nazaire). Enfin le camion, roues tendues au mur comme un transformer prêt à bondir de ses starting blocks.
Au-delà de l'incongru, ce qui force l'admiration dans ces oeuvres c'est l'ingéniosité et le mystère des techniques investies par l'artiste pour obtenir ces formes contre "nature" - ou plutôt contre-fonctionnelles, puisqu'elles viennent contrarier les lois de la locomotion.

Jacaszek - Treny

2008-04-12T12:36:00.007+02:00

L'album Treny, de Michal Jacaszek et de son groupe est une des plus jolies choses qui soient arrivées à l'ambient en ce premier semestre 2008. Ce compositeur polonais travaille essentiellement une base acoustique et vocale, tissant une ambient précieuse, néoclassique, où l'on trouve, dans une narration subtile et parfaitement ordonnancée, des chants quasi liturgiques émanant de temples lointains, de la harpe, des violons et violoncelles joués par Jacaszek lui-même et ses comparses : Maja Sieminska, Anja Smiszek-Wesolowska, avec des arrangements de cordes impeccables de Stefan Wesolowski. Pas de samples, juste une riche matière acoustique que Jacaszek retravaille en y ajoutant de fines granulations électroniques, créant une tonalité d'ensemble à la fois mélancolique, minimale et majestueuse. Les commentaires dithyrambiques que l'on trouve à son endroit sur de nombreux sites ne sont pas volés.

JACASZEK - author and producer of electroacoustic music, combinig electronically prepared sounds with acoustic instruments. "My music is an ambitious plan: I want to create my own, personal and recognizable musical language, in which electronic manipulation of recorded sound is going to enrich traditional acoustic instruments. The motivation of these experiments is discovering the hidden and universal beauty. DISCOGRAPHY/PROJECTS Jacaszek/Milka , "MAPA". (OFFMUSIC Rec 2001) Jacaszek "LEM konzept" Jacaszek "Lo-Fi Stories " (GUSSTAFF REC.2004) Jacaszek/Milka "SEQUEL" (GUSSTAFF Rec 2006). Wesolowski/Jacaszek "Kompleta" 2006 Jacaszek "TRENY" (MIASMAH/GUSSTAFF 2008) Boomkat review: Marsen Jules, Arvo Part, Zbigniew Preisner’s soundtrack work for Krzysztof Kieslowski, Deaf Center, Max Richter, Erik Satie, Alberto Iglesias - if you are familiar and in awe of any or all of these names then this latest album on the exceptional Miasmah label will no doubt end up on your essential listening pile for the foreseeable future. Jacaszek has managed with "Treny" to assemble an album so heart-stoppingly beautiful and personal that we’ve been stunned into silence for its entire 55 minute duration. With string arrangements provided courtesy of Stefan Wesolowski, the foundations of the album are set with Cello and Violin painting fragile outlines coloured by subtle electronic manipulations, harp, piano and reduced, haunting operatic voices. Unlike so many of his contemporaries, Michael Jacaszek doesn’t make use of any samples, with everything on the album assembled by the musicians on hand (notably Maja Sieminska, Anja Smiszek-Wesolowska and Wesolowski and Jcaszek themselves) - and the subtle grandeur of the album is almost impossible to take in over one sitting, even if the impact is absolutely immediate. This is the kind of album that you just cannot believe a bijou imprint like Miasmah is able to lay its hands on - such is the scale of its success that it feels like a hugely important piece of work, far outweighing almost anything else we’ve heard in the modern classical field these last eighteen months. Cinematic without ever feeling contrived, "Treny" is surely one of the most impressive, mystical and astonishing albums of the year.