El Rincón

It's aliveeeeeeee!

2008-01-01T21:50:00.000-06:00

Acá, de nuevo el ejercicio de recapitulación anual. El 2007 fue bueno con mis pasiones melómanas y viajeras. Chequen. (con esto espero que reviva el Rincón...)

Enero

Nada. Sólo me enteré de que el mito es cierto, lo experimenté en carne propia: existe un Jazz que es de una sola nota.

Febrero

Gran mes. Los jueves de jazz en el Séptimo Piso, de maravailla. Inició el mes con el maestro Eugenio Tossaint acompañanado de Gabriel Puentes en la batería y el señor Agustín Bernal al contrabajo. Un concierto casi privado, gran compañía, yo con una botella de tinto en las venas.

El ocho tocó ver a Penguin Bop. Excelente combo que hace un estilo de scat tradicional con algo que lo coloca en el tercer milenio.

El jueves de quincena fue para el guitarrista Eduardo Piastro, uno de los más pulcros exponentes del jazz nacional.

Viernes 16. Mi primer día en una Universidad de verdad…

El día 22 bailamos, o al menos eso intentamos, con el señor del contrabajo, Israel Cupich. Conocí mucha gente, lo malo es que para estas fechas ya había sido yo echado de Radio Universidad…

23 de febrero. Ah, qué concierto. Medeski, Martin & Wood en el Teatro de la Ciudad. Acá la reseña del evento. Placer auditivo puro, una banda y no payasadas.

Marzo

De nuevo, el mes inició con jazz en el Séptimo Piso. Los Dorados y su ego nos hicieron bailar, y eso que los pesos estaban escasos y no había muchos para cerveza.

Martes 6. Roger Waters en el Foro Sol. Uno de los mejores conciertos del año. Sin palabras. Sin palabra. Sin palabr. Sin palab. Sin pala. Sin pal. Sin pa. Sin p. Sin . Sin. Si. S. .

Viernes 16. Juan Brujo y compañía en el Cultural Roots. ¡Cuánto quiere ese coyote! Lo malo de este concierto fue la pésima organización, el lugar pequeñito y sin salidas de emergencia, las cervezas inalcanzables y las bandas abridoras (qué es eso de poner a Garrobos a abrirle a Brujería). Este fue el primer concierto de Brujería en México (sin contar su participación en el Vive Latino 06)… y también coincidió con el último concierto de The Gathering en México… snif. ¿Por qué no se puede estar en dos lugares a la vez?

Lunes 19-Miércoles 21. Días de playa. Merecidísimos.

Viernes 23. Kimmo Pohjonen, Pat Masteloto y Trey Gunn: KTU en el Teatro de la Ciudad. ¡Ay cabrón! Definitivamente la nueva cara del progresivo. Un concierto que a ratos caía en el aburrimiento del progresivo y sus pasajes académicos interminables, herencia del paso de dos de sus miembros (Gunn y Masteloto) por King Crimson. Pohjonen, con ese genio que sólo poseén aquellos que no exponen sus neuronas a tanto sol, es el elemento sopresa del trio: vaya forma de devastar el acordeón.

Sábado 24. Alquimista de las seis cuerdas, Fred Frith en el Teatro de la Ciudad. Más de sesenta minutos de improvisación y ruido. Fred, su guitarra, y todo su background neoyorquino. Arte dirían algunos, yo me reservo el comentario.

Miércoles 28. Del bajo mundo inglés, canciones oscuras e instrumentos inusuales, el crastati criminal, un sólo de bebé (así es, y también de chipote chillón) y la imagen decadente de tres músicos extraodinarios: The Tiger Lillies en el Teatro de la Ciudad. Maravilloso, toda una inspiración...

Abril

La primera semana, completita, la pasé en el norte. Viajé a Los Mochis, me subí al Chepe y dormí en Creel. Pasé Jueves Santo en San Ignacio, una comunidad Tarahumara cercana a Arareko, volví en la cajuela de una troca a Creel y, de nuevo en el tren Chihuahua Pacífico, recorrí la sierra hasta la capital del estado. Calor-frío extremos. La Yaquesita en las costas de Topolobampo. Cerveza Carta Blanca. Buenas pláticas y el mejor compañero de viaje. Lugares exóticos y narcocorridos, muchas tejanas, botas, camionetonas bien fiteadas y narcos, muchos narcocorridos.

Mayo

Viernes 4. The Easy Star All Stars en el Salón México. Nada como escuchar el legendario Dark Side of The Moon y el épico Ok Computer al ritmo de reggae y dub. Una noche como pocas se han vivido en el centro del DeEfe.

Sábado 12. Luis María Pescetti nos dijo a toooodos los asistentes al Teatro de la Ciudad (en especial a los niños) que somos el perfecto público de porquería.

Junio

Viernes 22. Pasaron muchas cosas. La primera, la menos importante, cumplí veintitrés años. Las otras dos son igual de importantes en mi vida. Una es un golpe impresionante, demoledor, pues por primera vez en mi vida reprobé un examen. La otra fue una de las cosas más importantes del año: nació el Panóptico.

Julio

(vacío)

Agosto

Jueves 16. Ingresé a Cetin Techonologies como un obrero más. Trabajo informal, pero al menos no es aburrido y me dejan seguir estudiando. Actualmente, lo paso bien.

Sábado 18. Buena fiesta en la boda de Susy. Yo triste, no por ella, pero triste al fin. En fin.

Septiembre

Sábado 1. Luego de que nos dijeran (a Arturo, Barra y a mí) que somos unos nacos y nos negaran la entrada al fresísima Mancera Lounge para ver la presentación de la ReacTable, nos lanzamos a La Victoria a ver a Explosions in the Sky. El 2007, entre otras cosas, me dejó el post rock. Todo un viaje.

Viernes 28. Luego de mucho esperar, finalmente Katatonia se presentó en el Circo Volador. Una de mis bandas favoritas, lástima del audio tercermundista.

Octubre

Sábado 6. Porcupinte Tree en el Metropolitan. Otro conciertazo. Nada que agregar, las palabras sobran, en serio.

Noviembre

Jueves 22. Orphaned Land en Puebla… ajá. En lugar de eso tuvimos a los hermanos Toussaint (Sacbé).

Diciembre

Sábado 8. (Clic aquí, nada más)

Para terminar (25-28), Guanajuato y sus callejones son perfectos…

-
A ver qué nos depara el 2008. Todo apunta hacia Iron Maiden (para empezar)… y nada sería más perfecto que verlos dos veces… Ojalá.

Nomás un puño de tierra...

2007-06-20T12:02:00.000-05:00

(1919-2007)

Cantando voy por la vida

nomás recorriendo el mundo,

si quieren que se los diga

yo soy un alma sin dueño,

a mi no me importa nada

pa' mi la vida es un sueño.

Yo tomo cuando yo quiero

no miento soy muy sincero,

y soy como las gaviotas

volando de puerto en puerto,

yo se que la vida es corta

al fin que también la debo.

El día que yo me muera

no voy a llevarme nada,

hay que darle gusto al gusto

la vida pronto se acaba,

lo que pasó en este mundo

nomás el recuerdo queda,

ya muerto voy a llevarme

nomás un puño de tierra.

Мстислав Леопольдович Ростропович

2007-04-28T01:29:00.000-05:00

Por fin tu reencuentro con Shostakovich.
Yo sé, Dios dirá: por favor, el concierto no. 1.

Descansa en Paz.

Mstislav Rostropóvich

1927-2007

Forma I. Morir por tus ideas.

2007-04-18T14:52:00.000-05:00

¡Dios! ocupaciones,

(tomé decisiones equivocadas en los peores momentos)

aversión y repulsión,

arrastrado:

guarda esos ojos.

soy soberbio,

despectivo

No sabes decir otra cosa:

tus ideas…

murió por sus ideas.

j.AlfonsoValencia.

18 abril 2007.

El día que conocí el lado oscuro de la luna...

2007-03-14T00:21:00.000-06:00

Luego de que Albert Hofmann lograra, por accidente, llegar a un estado de conciencia nuevo e inexplorado, las artes, sobre todo la música, se volcaron hacia una nueva estética: introspectiva y de resultados complicados para los sentidos.

La historia de las artes del siglo XX (sino es que toda la Historia) puede dividirse en antes y después del LSD.

Aunque la música siempre ha tenido una relación muy íntima con las drogas, el LSD ha sido su amante predilecto. Surgieron los géneros más plásticos jamás imaginados por los puristas del sinfonismo. Germinó una nueva música, instrospectiva, dedicada completamente a la nueva categoría de viaje: el interior, llamado así porque la nave ideal no es siquiera el cuerpo, sino la química que resulta de la interacción corporal con sustancias concebidas para ampliar los horizontes y umbrales de la percepción.

Así las notas se convirtieron en agravantes de esa exploración química alucinante. La música se convirtió en motivo y sustancia para la experimentación en otros terrenos artísticos. La música y la experiencia tecnológica del estéreo se volvieron por una época inspiración per se de artistas en todas las disciplinas.

La música se volvió de colores, y más que formar parte, provocaba y producía los viajes más vertiginosos, los más reales, los más profundos.

Hay un orquestador. Un líder, un guía en toda la expresión de la palabra. Él ha logrado confeccionar y rediseñar el viaje. En un ejercicio de impecable aplicación de las nuevas tecnologías audiovisuales, ha logrado crear las más aguzadas alucinaciones y experiencias extra-sensoriales… y sin necesidad alguna de utilizar sustancias prohibidas: no fue preciso el psicotrópico de Hoffman.

Roger Waters, artífice, mente única, creador erudito de alucinaciones: un radio antiguo, gigantesco, una botella de whisky, un vaso y Chuck Berry de las bocinas. Una escena casual: la botella de algún patrocinador y la música para pasar el rato. Las luces se apagan y suena Roll Over Beethoven. Se ilumina el escenario y su escenografía. Una mano gigantesca aparece para girar el dial del radio en busca de otra estación… Check Berry se desvanece y se escucha la estática de un radio mal sintonizado. Suena más rock n’blues y la mano aparece para llevarse el vaso. El vaso regresa vacío y entonces toma la botella para rellenarlo. La escena burlaba los sentidos: ¿oye, está en dos o tres dimensiones? Ahora estábamos, los cerca de cincuenta mil asistentes, atrapados, hipnotizados… elevados.

Martillos marchando, recorridos por la galaxia… ¿Alguna vez han volado a través de una nebulosa? Un cerdo gigante y la consigna, el grito de una generación revolucionaria que hace link (que no vínculo) con los más jóvenes: Cerdo Bush tira el muro de la frontera… Risas más allá del estéreo (esas de Syd Barret al encontrar problemas en la sinapsis), helicópteros y cincuenta mil personas de pie, ovacionando al director de esa alucinación: Rogelio.

El momento paroxístico de la noche perfecta. La tecnología láser llevada a terrenos del arte: un prisma recibía por uno de sus lados luz blanca para descomponerla en los siete colores primarios… una escena impresionante, idéntica a la portada del disco interpretado, de pe a pa, The Dark Side of the Moon. Luego el prisma gigantesco giraba ofreciendo el rayo de luz blanca a la última fila del Foro… al dar la vuelta el abanico hepticolor, enorme, recorrió y atravesó a todos los asistentes, revelando a todos el secreto, descubriendo nuevos significados al mito del tesoro al final del arcoiris.

Todo marcó la perfección. En la pantalla se mostraba el lado oscuro de la luna y el cielo, raro entre tanta polución, nos regalaba la redonda brillantez de la luna y el único lado que le conocemos. Estrellas en el cielo y en la pantalla alargadas a la velocidad de la luz, mutadas en listones de colores recorriendo la inmensidad de la galaxia.

Así pues, el coro de miles de mexicanos interpretó majestuosos temas de los cuales jamás olvidaré Mother, Shine on you crazy diamond, Wish you were here, Sheep, el Dark side of the moon completito, Another brick in the wall, y el final, paroxístico, increíble: Comfortably Numb.

Así pues, esa noche descubrí que el lado oscuro de la luna es más brillante que el que conocemos. Aquellos que lo han visitado no me dejarán mentir.

Medeski, Martin & Wood: El escenario

2007-02-27T18:15:00.000-06:00

A veces los escenarios se convierten en museos. Lugares, paredes, espacios donde cada pieza debe ser colocada con exactitud para lograr los efectos y sentidos que la galería, la exposición intencione. En ocasiones los curadores prefieren la luz, otras veces optan por el discurso directo y muchas otras por la meticulosa retórica de la imagen. En todo caso, en todos, la galería trata de innovar y llevar la obra más allá del mero y simple discurso artístico onanista. Es en la galería donde la obra adquiere su verdadero valor: es ahí donde se exhibe, se muestra, donde ciertamente nace.

Y realmente, los escenarios, esos lugares misteriosos donde por momentos los mortales son endiosados, cuando son tomados por la gente correcta se convierten en museos, en galerías, en fastuosos lugares de contemplación. Equivocadamente (gracias a pelafustanes que se dicen artistas) se cree que los escenarios son lugares de reproducción. Gran error. Son el lugar ingobernable de la creación musical. Es en ellos donde los grandes crean, inmortalizan los efímeros momentos de su obra construida en el momento, creada del silencio y el dominio absoluto de los instrumentos y sus notas.

John Medeski, Billy Martin y Chris Wood o Medeski, Martin & Wood. Incuestionables creadores, el viernes 23 de febrero convirtieron el Teatro de la Ciudad en un escaparate de arte, colores y texturas. Monumentos dedicados a la imaginación y al buen gusto fueron elaborados y colocados majestuosamente uno tras otro. El trío ejecutó las artes de la museografía en su concierto. Iniciaron llevando la música a los únicos límites válidos para los genios: esos de la fantasía, del límite sin límite. Una larga experimentación sobre ondas que fluctuaban sobre una cama de ruidos metálicos, un músico en el piso, como jugando golpeando metales y otro girando perillas y presionando botones mientras el último atacaba las cuerdas de su bajo ya sea con los dedos veloces, ya sea con el arco quejumbroso.

El concierto inició con el paroxismo de la experimentación, la improvisación, esos experimentos que sólo pueden hacerse en los escenarios porque el espacio en los cd’s es muy pequeño y voluble. Esas estructuras que sólo pueden disfrutarse en vivo, mientras se observa al músico concentrado tras su artilugio, inmerso, ensimismado. En relación absolutamente íntima con su instrumento y su pentagrama imaginario mientras nosotros jugamos el papel de voyeuristas, intrusos, parásitos en un proceso simbiótico de resultados prodigiosos e íntegramente alucinantes.

Siguieron con las notas ácidas, coloridas, psicodélicas de la música que sólo ellos saben hacer, incatalogable que a ratos sabe a electrónica (aunque no samplean ni utilizan loop alguno), a progresivo, a rock, funk… a jazz, a libertad. Un viaje, un ácido en do, en fa, en me, en ma y en wo.

Terminaron rompiendo los esquemas del escenario. Regresando toda esa experimentación, electrónica y electricidad al piso (bajando), cerrando el ciclo que deseaban para su galería… terminaron tocando sin amplificación, trasladando la música a los terrenos de la honestidad: única categoría válida para los verdaderos genios.

Del otro lado las butacas parecían moverse a través de un túnel de colores que se desvanecían en un efecto a la velocidad de la luz. La mayoría del público se dejó llevar por esa sustancia alucinógena que es la música marcada por las siglas MMW. Nos dejamos vencer por las cadencias, las estructuras que tomaban forma de toboganes y albercas de luz.

No estoy exagerando, de verdad, fue alucinante.

Ayer fui a un concierto... Penguin Bop / Eduardo Piastro

2007-02-20T16:37:00.000-06:00

Jueves de jazz en el 7ºpiso (deefe)
Penguin Bop (8 febrero)
Eduardo Piastro (15 febrero)

Qué triste que los lugares para las verdaderas alternativas musicales se expandan como sarampión en la gran ciudad, y la gente se aleje temiendo ser contagiada de algo que no es más dañino que el ritmo y la música bien ejecutada.

Qué triste que el 7ºpiso luzca vacío (en las dos ocasiones menos de 20 personas) y en el escenario los músicos den muestras de sus dotes profesionales: de la misma manera tocan ante 17 personas que ante las audiencias (tampoco tan masivas, pero mayores, mucho mayores) de los festivales de jazz de la Escuela Superior de Música, por ejemplo.

El jueves 8 de febrero un interesante proyecto de jazz vocal, una bella jovencita que de verdad sabe hacer scat, probó de algún modo que lo tradicional también puede sonar fresco y moderno. Divertidos como pingüinos a la hora de sus solos, Emilia gesticula y te atrapa con su voz que no corresponde a su físico, aunque ambos están en el catálogo de hermosos.

El siguiente jueves (15), no fue un buen día. Muchos contratiempos encuentros furiosos de energías contrarias, botellas de vino rotas, un choque discreto y el reloj que avanzaba sin piedad nos hizo llegar tarde, muy tarde al concierto del maestro Eduardo Piastro.

Aún así, Eduardo muy amablemente se acercó, platicó con nosotros un rato y me regaló un disco, “para desquitar el viaje”...

Eduardo Piastro

-Doce tonos de azul

Urtext, 2004

El título no podría venir mejor a tan pulcra producción de Eduardo Piastro. Nueve composiciones que no hacen más que recordarnos la belleza del azul: luz tenue que lo mismo alegra el paisaje oceánico, lo mismo abona tristeza cuando alcanza ese casi morado de los días lluviosos.

En esta aventura Piastro se hace acompañar de Nicolás Santella al piano, el multifacético Aarón Cruz en el contrabajo, Hernan Hecht a la batería y el quinteto se completa con Dave McMurdo y su trombón.

El toque delicado de Piastro logra un ensamblaje perfecto con el resto de los músicos, que por un momento se alejan de las escalas estrepitosas para crear un verdadero cuadro pintado de azul, con sus variantes tristes-alegres y su única constante: la elegancia.

La composición que da nombre al disco, obra de Eduardo Piastro, es un lento, cadencioso recorrido, un paseo sin prisa por el jazz puro, honesto y muy bien detallado. El piano de Santella salta de un tiempo a otro sin alejarse jamás de la intención de la composición: extraer de cada nota el mayor espectro de luz posible, obligarnos a la sinestesia, a imaginar colores y texturas.

El quinteto se da tiempo para la contemplación, para el ir y venir sobre una figura y las transiciones lentas de un solista a otro.

Un gran producción, dirigida artísticamente por el canadiense Dave McMurdo y producida por el mismo Piastro, resulta un verdadero ejercicio artístico/musical.

Un excelente disco para escucharse una fría noche (despejada, con el cielo en ese azul negruzco que se parece mucho al negro pero es azul en los bordes de la luna) con un whisky en las rocas… o un día caluroso, a la orilla del mar (que lleva en sí todos los tonos del azul)… con un whisky en las rocas…

Disfruten el jazz nacional.

La libertad suicida

2007-02-13T00:09:00.000-06:00

Las nuevas formas digitales de grabación y edición de audio han provocado un boom de bandas y propuestas musicales no sólo en nuestro país: en todo el mundo.

Desde un punto de vista positivo, ahora las bandas tienen libertad más o menos absoluta al no estar atadas a las imposiciones de la industria. Los mínimos requerimientos técnicos y los resultados de una calidad considerable, han llevado a muchos músicos a recurrir a la moderna independencia discográfica.

Pero el otro lado de la moneda no ofrece, para nada, un escenario alentador: las propuestas musicales se han diversificado tanto que la libertad e independencia han sido completamente contraproducentes para la música.

El éxito de algunas bandas llevó a muchas otras a seguir los mismos pasos pero con una profunda ausencia de talento y propuesta. Al no existir un filtro eficaz, el mercado se ha abarrotado de propuestas que no tienen otro destino más que los centros de reciclaje de plásticos.

Así, ahora la “industria indie”, que paradójicamente se formó para escapar de la “industria”, arroja al mercado disco tras disco, banda tras banda, en un ardid tan comercial como la industria americana de los one-hit wonders.

El principal logro de la independencia discográfica no es para nada fastuoso: la mutación de fanáticos en músicos (o algo por el estilo).

Ahora, cualquiera que diga saber de música puede aventurarse a los acordes de una guitarra (ya lo vaticinaba Radiohead: everyone can play guitar); e incluso aquellos que saben de música (no melómanos, músicos en el sentido estricto) dan rienda suelta a su experimentación con resultados que no siempre son óptimos.

Si recorremos con paciencia el myspace.com, encontraremos bandas y bandas y bandas y bandas… y muchas de ellas resultan ser una ofensa a nuestro oído interno. Links eternos y cíclicos que nos llevan de una banda que suena a algo parecido a rock-pop-burgués a otra que suena igual o peor, o al revés, no importa.

Esta nueva ola de bandas no es, en todo caso, contestataria. No se aleja de los preceptos de la industria para denunciar sus horrores musicales y burocráticos. Al contrario, se aleja para crear otro cliché confeccionado con las mismas leyes que la gran industria: la moda, la pose, el gusto efímero del público.

Jóvenes burgueses haciendo música para jóvenes burgueses, eso es todo. Jóvenes burgueses con escasos conocimientos musicales soñando el éxito allende las fronteras de su círculo de amigos. De eso se tratan, me temo, los nuevos géneros y formas de producir música.

La generación de jóvenes músicos de nuestro país no ha sido la única enajenada con la producción musical independiente. Una de las comunidades más grandes de música libre (www.jamendo.com) contiene más de 2000 mil producciones (de descarga gratuita) de grupos europeos (en su mayoría franceses)… El ejercicio del sitio es más orientado hacia la difusión que al comercio. Aún así, los métodos de producción son los mismos que en México alimentan una industria fantasma y onanista… con los mismos pavorosos resultados: muchos discos sin razones consistentes en su propuesta, muchas interpretaciones y ejecuciones mediocres, que por nada atraen a un melómano consumado.

Existen músicos y propuestas que, escapando a la industria y eligiendo la independencia, lograron transformar los paradigmas de la creación musical. Es la historia de muchos jazzistas alrededor del mundo, es la historia de todo un género que nutrió con contrarios su postura: el punk. Es la historia de muchos experimentalistas cuyas ideas no cuadraban con los modelos comerciales. Fueron, son los aventurados.

Pero, desgraciadamente, no todos los que nadan en los océanos de la libertad tienen algo que ofrecer… más bien mueren asfixiados… ahogados en un mar de propuestas alternativas y sin sentidos musicales. Se deshacen en esa libertad que es suicida si no se tienen las herramientas para controlarla.

Ayer fui a un concierto... Eugenio Toussaint Trio

2007-02-04T00:20:00.000-06:00

Eugenio Toussaint Trio

Jueves 1 de febrero 2007. 7ºpiso. D.F.

Eugenio Toussaint / 7º Piso

Jueves 1º de febrero 2007

Es la segunda vez que escucho en vivo a Eugenio con los impresionantes músicos que complementan su trio: el maestro Agustín Bernal al contrabajo y el joven Gabriel Puentes a la batería. Su propuesta es realmente interesante, un trabajo que merece todo el apoyo de las instituciones culturales del país y más.

El jueves, Eugenio y compañía fueron los encargados de inaugurar el primer ciclo de jazz del 7ºpiso, un lugar elevado en el centro de la capital del país y que amplía su oferta en vivo explorando las veredas de la escena jazzística nacional.

Como siempre, Eugenio ofreció su muy particular técnica de improvisación, esa que le valió varios reconocimientos con su proyecto familiar Sacbé, y sus acompañantes saben que hay un límite protagónico cuando en el banquillo se encuentra el señor Toussaint.

Un setlist sobrio, con los clásicos experimentos de Eugenio y a ratos la libertad absoluta en conversaciones bastante interesantes y bien logradas. El lugar realmente no se presta para la meticulosidad musical, la esencia concertística presente en muchas composiciones de Toussaint, pues es amplio, y las notas de repente se pierden entre el eterno murmullo de la ciudad y los ruidos de esos indoctos que siguen creyendo que el jazz es la música de fondo perfecta para cualquier conversación…

El pianista mexicano agradeció, casi al mismo tiempo que todos los amantes del jazz, que los dueños de bares y escenarios llamados alternativos den oportunidad al jazz nacional de multiplicar sus ventanas al público. Así no sólo contribuyen a su difusión, también provocan interés en aquellos habituados a esos lugares por el rock u otros géneros.

El jazz mexicano es un punto de encuentro generacional. El jazz mexicano rebosa de figuras musicales endémicas y fusiones que enfrentan la disciplina del jazz estricto y la diversión de los nuevos híbridos eléctricomerciales. Entonces en un mismo ciclo de conciertos (el caso del aquí referido) podemos disfrutar de las estrictas figuras de Eugenio Toussaint, el delicioso jazz vocal del Penguin Bop (8 feb), la fresca guitarra de Eduardo Piastro (15 feb) o el inquietante paraíso que es la música del contrabajista Israel Cupich (22 feb).

Hay buenas razones para darse una vuelta por el Séptimo Piso y obviamente hay que mencionar que el lugar se abre a la síncopa sin las pretensiones de otros bares: no es necesario gastar mucho dinero para pasarla bien. El cover es bastante cómodo (50 pesos) e incluye una cerveza y la carta es, de verdad, muy barata (más si la comparamos con los tradicionales lugares dedicados al jazz).

Así que, si no tienen otra cosa importante que hacer los jueves de febrero, el Ciclo de Jazz del 7ºpiso es la opción para apoyar la creación espontánea que es el jazz mexicano… esperemos pues que los recintos se multipliquen y que los responsables de la administración cultural procuren expandir la mancha a la provincia.

(La semana que entra les cuento qué pasó con el Penguin Bop)

en El Rincón ahora suena: Sarcacid pt 1 del aventurado Tom Jenkinson, cerebro y máquina, alter ego de Squarepusher. Incluída en la recopilación Burnin'n Tree del 97. Si lo suyo es el recorrido jazzero por el sendero de la electrónica, aquí encontrarán un tremendo solo de bajo, muchos cambios de ritmos y un uso vertiginoso de las cajas de ritmos, loops y demás. Obviamente no esperen beats para bailar artísticamente... Esto es elegancia, ja ja.

A qué le tiras cuando sueñas mexicano...

2007-02-02T20:22:00.000-06:00

¿A qué le tiras cuando sueñas mexicano? Maldita frase: soñar es lo único que nos queda… ¿Porqué, entonces, el mismo folclor que alimentamos con sueños nos propone dejar de hacerlo con frenesí parricida, homocida?

Los sueños sueños son… Pero hay miles de historias que nacieron de un sueño. Son las historias de los “emprendedores”, de los jóvenes que un día se cansaron de hacer la rutina y repetir hasta el cansancio los patrones de su clase social. Son historias populares: leyendas.

Pero muchas, más bien, todas las leyendas, toda la tradición oral tiene vínculos específicos con la realidad. Hace unos días escuché una... aquí les va el cuento:

¿Quién no soñó, en algún momento de su juventud, mientras el ambiente se llenaba con las guitarras de Robert Plant o Ritchie Blackmore, el jazz de Dave Brubeck o Chick Corea o -mi favorito- el heavy metal de Metallica, de Iron Maiden, dejarlo todo para dedicarse por completo a la música?

La mayoría hemos soñado ser músicos de rock. Ese era el sueño de Rodrigo y Gabriela. Tocar, no hacer nada más que tocar. Pero, recuerden: los sueños dejan de ser sueños cuando se trabaja, se lucha por ellos.

Dejaron todo para dedicarse a la música. Empezaron con una banda de thrash metal que no les dejó nada más que pérdidas de dinero. Vendieron muchas de sus pertenencias y se fueron a Ixtapa. Ahí, tras un mes de no hacer nada, empezaron a tocar en un hotel: hacían versiones acústicas de temas de Metallica.

Otro sueño los llevó a cruzar el océano: a Dublín. Las cosas no fueron como planearon y empezaron a tocar en la calle. Ahí su estilo frenético se volvió sensación. Luego de mucho trabajo fueron de gira callejera por Europa (en España juntaron tanto dinero que pagaron excelentes entradas para un concierto de Paco de Lucía), después regresaron a Irlanda y junto con el productor John Leckie, alcanzaron el éxito.

En el 2006, su segundo álbum de estudio (Rodrigo y Gabriela, ATO Records) alcanzó el número uno de Irlanda… ganando a grupos de moda como los Arctic Monkeys y a leyendas como Johnny Cash.

Ahora, su sitio de internet (www.rodgab.com) anuncia una extensa gira por Estados Unidos (ya llenaron el tradicional Troubadour del Santa Mónica Blvd. en Hollywood), una aparición en el Coachella Arts and Music Festival y, de regreso a Europa, una presentación en el mítico, impresionante Shephards Bush Empire de Londres.

Se trata simplemente de una pareja de mexicanos, guitarras acústicas y un sueño. Muchas adversidades, y mucho trabajo. Algunos medios, como The Independet y La Jornada, al publicar su historia de amor (en el sentido estricto) y dedicación coinciden: “fracasados en México, probaron las calles de Irlanda y de ahí saltaron a la fama”.

El sonido de Rodrigo y Gabriela no es, en todo caso, el hilo negro de la complejidad musical. Se trata de un híbrido que mezcla un toque virtuoso al estilo Paco de Lucia y el dinamismo de Paco Rentería, con el frescor necesario para la nueva generación. Es flamenco con riffs metaleros. Es un estilo que a ratos recuerda el son veracruzano, luego da aires de extensa libertad y muchas veces hermana géneros que siempre nos han enseñado a apreciar como agua y aceite: en su disco en vivo, del 2004, hay una épica versión del clásico One de Metallica, y justo cuando el rasgueo llega a su clímax, luego de utilizar el cuerpo de la guitarra para imitar el galopar de la batería, súbitamente el ritmo se convierte en el legendario 5/4 de Take Five del gran Brubeck y el público, acostumbrado al frío por su situación geográfica, explota en aplausos por la sorpresa.

En México, la escena está monopolizada por grupos hegemónicos que tratan la música con pinzas empresariales y no con miras a la confección de verdaderos productos culturales enriquecedores. Y las pocas oportunidades que surgen desde las instituciones culturales, simplemente no darían oportunidad a un sueño tan bizarro y de límites tan vagos. De mezclas y concepciones diametralmente opuestas a “lo cultural”.

Las dos producciones de Rodrigo y Gabriela (Re-foc del 2004 y el álbum homónimo del 2006) estaban destinadas desde la idea al fracaso en México. Aquí, triste, se hubieran limitado a los estantes de unos cuantos entendidos, el medio musical mexicano, mafioso y caprichoso, no le hubiera dado la merecida oportunidad a dos greñudos amantes del metal, del jazz y de las fusiones.

El caso es que no sólo en los ámbitos académicos estrictos (ciencia y tecnología) ocurren fugas de talentos. Nuestro país está muy lejos de ser un semillero ya no de artistas sino de propuestas. Gracias a los responsables de la administración cultural, ahora más que nunca México es un país que reboza de pobreza: económica, intelectual y cultural.

Y los cerebros simplemente se van, se van, se van…

El libre jazz

2007-01-28T22:19:00.000-06:00

El jazz es, me atrevo a afirmarlo, de las únicas manifestaciones artísticas inspiradas en la libertad. No esa libertad a la que cantaron los judíos exiliados en Babilonia (versos guardados para la Historia en el libro de los Salmos), o esa libertad referida en los cantos revolucionarios de Víctor Jara. No. La relación del jazz con la libertad es otra cosa.

El jazz es libertad. No aspira a ella. No la anhela. El jazz la representa, el jazz la posee, la ejecuta y, sobre todo, la produce.

A diferencia de otras artes que aluden a la libertad como base de su teoría-propuesta estética, sólo en el jazz adquiere el peso específico necesario para definirse, reinventarse en él mismo.

El jazz centra su creación en el momento único e irrepetible de la ejecución, es decir, lo más importante de la escena es el ejecutante… El intérprete recrea libremente temas en cada ejecución: la melodía pasa a ser un pretexto para desarrollar una posible interpretación de la misma…

No hay otro género que haya logrado escapar con todas sus mutaciones, caprichos y experimentaciones a las limitaciones de la industria cultural: definitivamente contraria a la individualidad.

Mientras el jazz otorga todo el valor de su movimiento estético y artístico a la libertad intelectual del compositor, a la unicidad interpretativa del ejecutante e incluso a la soberana exégesis del escucha; la industria cultural avanza hacia la homogeneización, estandarización y confección de una masa incapaz de realizar análisis y asimilaciones propias de cualquier cosa que salga de ella.

Entonces el jazz es el opuesto a los fines grises de la industria cultural, de los medios masivos y de la férrea comercialización de todo por todo y en todo.

Por eso hay quien, de verdad le teme a la síncopa, a la improvisación y, sobre todo, a la libertad del jazz. No es tanto el miedo a la estridencia como el miedo a la libertad. Líbranos de todo jazz, queremos seguir pensando que de verdad elegimos lo que escuchamos.

Adiós al perfecto creador... Descanse en Paz, Michael Brecker

2007-01-17T14:33:00.000-06:00

Michael tenía el don de sacar las notas del pentagrama, soplarlas a través del cuerpo de su saxofón tenor y convertirlas en aves que vuelan representando eso que sólo las aves pueden representar: libertad.

Michael no fue el típico saxofonista de jazz. No le bastó ser un virtuoso del instrumento: fue más allá y entendió como nadie el lenguaje del sentimiento, de la improvisación, de la creación.

Un creador inmediato, un dios cuyo instrumento fue el saxofón tenor. Michael Brecker se movió siempre por los terrenos de la perfección. Ninguna de sus notas grabadas voló en vano de su tenor: instrumento que sólo con él ha logrado obtener el real atributo de multifacético.

Nació en 1949, en una casa donde constantemente giraba jazz en la tornamesa. Su padre, abogado y músico aficionado, instruyó a Michael y a Randy (el hijo mayor) en el buen gusto musical: los llenó de discos y antes de ingresar a la preparatoria ya habían disfrutado de los espectáculos en vivo de Miles Davis y Duke Ellington.

Pronto descubrió la magia de John(dios)Coltrane y entonces cambió el clarinete por el saxofón tenor… Antes de los veinte ya daba conciertos y era requerido en los estudios de grandes de la altura de John Lennon, Lou Reed, James Taylor, Bruce Springsteen, Frank Sinatra y Eric Clapton; con su hermano formó la banda de jazz fusión más importante e influyente de los setentas, excelentemente nombrada The Brecker Brothers.

Su nombre aparece en más de 800 grabaciones como colaborador o invitado y su carrera como solita, con poco más de una decena de producciones, se mereció 11 premios grammy.

Michael Brecker no pudo librar la batalla contra el cáncer. Su sangre estaba destinada al declive. Pasó dos años luchando contra la muerte. Dejó de tocar (los dolores en la espalda le impedían cargar la otra parte de su cuerpo, el saxo) y fue entonces cuando empezó a morir.

Nunca ha habido un saxofón tenor tan perfecto, tan colérico, tan romántico. A veces sorprendía la complejidad de sus improvisaciones cercanas al free-jazz, otras muchas, la sencillez se apoderaba de su toque y nos elevaba miles de millas con notas largas y cadencias entendidas con los ángeles.

No podría recomendarles algo en específico. Hay que entender que ninguna nota salió en vano de su saxofón. Michael ha sido, hasta hoy, el principal perfeccionista del instrumento y el más reciente revolucionario de los esquemas de improvisación, además de convertirse en el único maestro de la expresión melódica. Él ha sido el saxofonista más influyente de la era post-Coltrane.

Hay miles de grabaciones con su aliento: desde sus toques en la legendaria Tenth Avenue Freeze Out de Bruce Springsteen, hasta la tremenda corretiza, con Bob Mintzer, en Invitation, grabada en vivo y conservada para la historia en el álbum The Birthday Concert, del tambien genial Jaco Pastorius; pasó por el toque mágico en la samba de Eliane Elías, el avant-garde del importantísimo proyecto Steps Ahead y la emotiva, límpida versión de Naima en el tributo a Miles y Coltrane: Directions in Music, live at Massey Hall, donde, junto a Herbie Hancock, Roy Hargrove, John Patitucci y Brian Blade, demostró que el toque del otrora dios del saxo ahora le pertenece… pertenecía.

Espero que hasta ese jazz-bar abierto 24 horas (que es lo que debe ser el más allá), Michael se haya llevado la extensión de su cuerpo, su inconfundible, brillante y orgánico Selmer Mark VI: quiero alimentar la creencia de que fue enterrado con su saxofón favorito.

Ahora pues, no hay mejor tributo que disfrutar de su música, cada nota que salga de las bocinas será un aliento más para el hombre que obtuvo un corazón de dorado metal: si ustedes invierten dos saxofones y los colocan uno frente al otro, como el reflejo de un espejo, obtendrán algo parecido a un corazón... así es, estoy seguro, el corazón de Michael.

En jazz descanse, Michael Brecker

(1949-2007)

De las bitlemaniácas arcas de El Rincón... (versión rock)

2007-01-09T01:55:00.000-06:00

Ya lejos del ajetreo de las fiestas decembrinas y el crudo despertar del 2007, he aquí algunas recomendaciones para iniciar el año como se debe: feliz y con una actitud despreocupada para con la cuesta de enero(juar juar)…

Para empezar, yo estoy muy lejos de considerarme un fanático de los Beatles. Conozco su música, la disfruto… incluso podría asegurar que Don’t let me down es una de mis rolas favoritas. Tengo muy buenos recuerdos de la primaria con Yellow Submarine (un lunes, cantando mientras otros compañeritos navegaban un submarino unidimensional a través de un océano simulado en el patio del colegio) y supongo que jamás olvidaré la primera vez que escuché Lucy in the Sky with Diamonds y la truculenta historia que la miss Febe nos contó acerca de la terrible sustancia con la que experimentaban los ingleses.

Como sea. A pesar de las decenas de sencillos de 45rpm que tenía mi abuelo en su colección (la cual ya pasó a mejores manos y oídos), de los acetatos y la contundente repetición matutina del Revolver mientras mi tía hacía las labores domésticas, los Beatles no me calaron tan hondo como a muchos.

Conforme fui creciendo, otras notas nutrieron mis oídos. Otros mundos musicales y formas se apoderaron de mi ser y el rock de los de Liverpool simplemente pasó a un cajón más de mi cerebro.

Pocas veces los saqué de ahí: una, cuando conocí en vivo la terrible sustancia que, asegún la miss Febe, inspiró Lucia en el Cielo con Diamantes y alguna otra cuando en La Terraza, allá en San Luis Potosí, escuché un muy sentido cover de No me dejes caer, que desenterró la más profunda tristeza que intentaba sepultar con aquel viaje.

Butchering The Beatles: A Headbashing Tribute

Restless 2006

En fin. Hace poco menos de tres meses, el sello Restless lanzó al mercado Butchering the Beatles: A headbashing tribute. Lo adquirí en noviembre con el mero afán de tenerlo y que figurara en mis arcas. O sea, ni lo escuché.

Pero hacia finales de diciembre, al revisar la carátula posterior del disco, inmediatamente fue a dar a mi maltrecho reproductor. Es que los créditos que incluyen a Alice Cooper, Steve Vai, Lemmy Kilmister, Billy Idol, Yngwie Malmsteen, Billy Gibbons (entre otros) son, simplemente, irresistibles.

Así pues, me encontré frente a uno de los mejores all-star tributes que he escuchado.

Para empezar, chequen la calidad del combo que abre la recopilación con Hey Bulldog: la leyenda Alice Cooper cantando, el virtuosismo guitarrero de nada más y nada menos que Steve Vai, el bajo nostálgico de Duff McKagen (ajá, el de Guns ‘n Roses) y la batería, directa de Mötorhead, a cargo de Mikkey Dee.

De eso se trata el disco. Versiones respetuosas, un verdadero tributo… cargado de guitarras roqueras y solos vertiginosos, como el de Yngwie Malmsteen en Magical Mystery Tour y el roquerísimo del Mötorhead Phil Campbell en la buenérrima versión de I saw her standing there, con ¡John Corabi! en las vocales, C. C. Deville de Poison en la guitarra, el bajero de Jane’s Addiction, Chris Chaney, y Kenny Aronoff en la batería.

Otra banda de ensueño, es la que ejecuta Taxman: El vocal de King’s X, Doug Pinnick; la guitarra mágica de Steve Lukather (ese de Toto y colaborador de Niacin), el bajo del maese Tony Levin y los tambores de Steve Ferrone (colaborador, ahí nomás, de Eric Clapton y Tom Petty).

Todas las versiones son excelentes (con excepción de Hey Jude, que deja algo que desear de Ripper Owens). Escuchar a Lemmy Kilmister cantar Back to the USSR, a Jeoff Tate Lucy in the Sky with Diamonds y a Billy Gibbons Revolution es, de verdad, bastante interesante… además de infinitamente divertido.

Un excelente tributo. Un excelente disco para recordar rolas de la infancia y para mover la cabeza y pasar un buen rato. Un disco, como dicen, para ir manejando el auto a velocidades vertiginosas por un boulevard…de preferencia en la noche y con la mano de una nena sobre tu pierna mientras aceleras…

(pronto, la segunda recomendación bitlemaniáca: versión jazz)