paixões e desejos

2009-12-26T12:36:00.001Z

FELIZ ANO NOVO 2010 / HAPPY NEW YEAR 2010

2009-12-20T13:07:00.001Z

FILMES PARA ESTE NATAL

Quando chegam esses dias que antecedem o Natal, muitas vezes nos interrogamos sobre que filmes devemos programar para esta época festiva. Por isso mesmo decidimos deixar aqui algumas sugestões, não esquecendo os mais pequeninos, porque o Natal a eles pertence.

FANNY E ALEXANDER de INGMAR BERGMAN é sem qualquer dúvida a obra que sempre revemos nesta época, porque a história da família Ekdal é na verdade fascinante, ao mesmo tempo que temos esse mundo, por vezes complexo dos adultos, visto pelo olhar de duas crianças, o jovem sonhador e rebelde Alexander e a dócil Fanny, que possuem na avó a sua maravilhosa aliada.

ENCONTRO COM O AMOR de ULU GOSBARD é outra película cuja acção se passa entre esse período que separa um Natal do outro e conta com duas interpretações extraordinárias de Meryl Streep e Robert de Niro. Por aqui sentimos o pulsar do amor, entre dois seres, que se cruzam na véspera de Natal, numa livraria e cujas vidas serão alterada para sempre. Nunca o amor foi tão belo, já que aqui o happy-end é na verdade importante, ao possuir uma mensagem de esperança, para todos aqueles que neste Natal vão passar a consoada sozinhos. Encontro com o Amor é na verdade um verdadeiro alimento para a alma, nesta época Natalícia.

DO CÉU CAIU UMA ESTRELA de FRANK CAPRA é, sem dúvida alguma, aquele clássico que fará sempre parte do menu cinematográfico do cinéfilo, nesta época em que se deseja sempre que o mundo seja melhor. E quando vivemos uma época de crise económica a nível mundial, nunca é demais recordar a história de George Bailey (Jimmy Stewart) e desse anjo chamado Clarence, que necessita urgentemente de conquistar umas asas. Se oferecermos um pouco de nós ao nosso semelhante e recebermos em troca o mesmo contributo, descobriremos que poderemos fazer da nossa passagem na terra uma viagem maravilhosa, por muito anónimos que sejamos, perdidos no meio da multidão.

O AMOR DA MINHA VIDA de GLENN GORDON CARON, o célebre “remake” da obra-prima de Leo McCarey, é outra das obras que nunca faltam na mesa da nossa consoada. Ele representa, acima de tudo, o poder do amor, ao mesmo tempo nos ensina que o silêncio por vezes não é bom conselheiro, porque muitas vezes o pequeno “gesto” de uma palavra pode alterar o sentido da vida. Tendo o Empire State Building, esse majestoso edifício, como personagem, iremos descobrir um dos mais maravilhosos melodramas do cinema, que termina no famoso encontro no dia de Natal, entre Mike Gambril (Warren Beatty) e Terry McKay (Annette Bening), na mas bela sequência do filme, uma sequência que nunca nos cansamos de rever.

ANA E AS SUAS IRMÃS de WOODY ALLEN é a nossa comédia favorita para este Natal, também ela passada entre duas consoadas, onde iremos seguir a vida de Ana e as Suas Irmãs, contada por Woody Allen com um saber inesquecível. Ao mesmo tempo que nos oferece uma mais bela homenagem do cinema à cidade de Nova Iorque, essa metrópole cosmopolita onde todos perdem a sua nacionalidade, para se tornarem simplesmente em nova-iorquinos, ao mesmo tempo que nos ensina que a alma gémea muitas vezes se esconde onde menos pensamos.

Para os mais pequeninos deixamos também aqui cinco sugestões, porque como já referimos em cima, o Natal a eles pertence.

Para as Princesas não há nada como ver A BELA ADORMECIDA, enquanto para os pequenos Príncipes recomendamos vivamente A ESPADA ERA A LEI, duas obras de Walt Disney que marcaram decididamente a infância aqui do escriba. E como somos adeptos do desenho animado tradicional, não deixem de ver o DUMBO, a famosa história do pequeno elefante voador, um dos filmes mais queridos da senhora aqui da casa. Mas também não nos podemos esquecer de A IDADE DO GELO 3, que deixa maravilhada a criança-nocturna que vive em nós.

DESEJAMOS A TODOS OS QUE NOS VISITAM UM MARAVILHOSO NATAL E UM ANO 2010 EM QUE OS VOSSOS DESEJOS MAIS SECRETOS SE TRANSFORMEM EM REALIDADE.

FELIZ NATAL E BOM ANO 2010

Paula Nunes Lima e Rui Luís Lima

2009-12-16T12:29:00.000Z

2009-12-16T07:56:00.000Z

DO CÉU CAIU UMA ESTRELA / IT’S A WONDERFUL LIFE

FRANK CAPRA - (EUA- 1946) – (129 min - P/B)

JAMES STEWART, DONNA REED, LIONEL BARRYMORE, THOMAS MITCHELL.

“Do Céu Caiu Uma Estrela” é o mais amado filme de Natal de todos os tempos, mas nem sempre foi assim, porque na sua estreia no Natal de 1946 foram poucos os elogios e diversas as críticas lamentando o excesso melodramático da película. Tal como sucedeu com “Casablanca” na época mais um filme sobre a guerra e hoje, após ter sido redescoberto nos anos sessenta, continua a ser um dos mais amados filmes de sempre.

“It’s a Wonderful Life” é uma obra composta por um longo flash-back, quando o anjo Clarence nos seus 293 anos e ainda sem asas é chamado para intervir na vida de George Bailey (James Stewart) esse habitante esquecido por todos, na sua terra natal, uma Bedford Falls, "little town" americana por excelência, onde ele abdicara de tudo a favor da comunidade, oferecendo meios financeiros aos mais pobres, para estes poderem sobreviver e terem uma vida condigna. Desde sempre o George fora o amigo dos desfavorecidos, salvara o irmão na infância de morrer nas águas geladas, ficando surdo de um ouvido, e lutara ao longo da vida contra o senhor do capital, ainda tão presente nos dias de hoje, na figura de Henry Potter (Lionel Barrymore).

James Stewart, tal como Capra regressado da guerra, veste na perfeição a pele de George Bailey, tanta nos momentos da paz familiar na companhia da mulher (Donna Reed) uma daquelas paixões cultivadas na infância e prolongadas para sempre, como nos momentos de maior desespero e angústia, nascendo a revolta contra tudo e todos ao ver-se esquecido por todos aqueles que o tinham ajudado e como todos sabemos é sempre nos momentos de crise que os amigos e a família se esquecem de nós e já nada nos resta para além da morte.

Será nos momentos que antecedem o seu suicídio, quando George Bailey com a neve caindo-lhe no corpo, debruçado na ponte, olhando as águas geladas do rio, que Clarence, finalmente se dá a conhecer e mergulhando nas águas grita por socorro; George Bailey esquecendo-se mais uma vez de si, mergulha nas águas geladas e salva o seu anjo da guarda, indo depois este oferecer-lhe o fruto desejado no desespero criado pela falência da sua firma de empréstimos. Ele deseja nunca ter nascido e Clarence oferece-lhe então a imagem da sua querida Bedford Falls transformada em Pottersville. Tudo nela é diferente, todas as pessoas ajudadas por George ao longo da vida continuam a viver na miséria e a vida de todos eles é totalmente diferente, para pior, desde a sua mulher até à sua mãe, passando pelos amigos. Finalmente George compreende a importância tida nas suas vidas e como a cidade fora transformada por ele nos pequenos gestos de amor e solidariedade.

O desejo de viver renasce em George e Clarence devolve-lhe de volta a sua querida Bedford Falls, quando se encontra na véspera de Natal na iminência de ser preso, uma corrente de solidariedade evita de forma alegre e espontânea a sua prisão, repetindo o gesto tantas vezes feito por ele e com tudo isto o velho Clarence consegue ganhar as suas asas. O mesmo não sucedeu com Frank Capra e Jimmy Stewart, que não viram a sua mensagem ser acolhida pelos Oscars. Capra com o passar dos anos tornou-se um homem amargo, bastando para isso ler os últimos capítulos da sua autobiografia e Stewart foi criando nos westerns de Anthony Mann um personagem diferente, muitas vezes cínico e azedo de forma esplendorosa. Mas o tempo, com o passar dos anos fez seste filme um dos mais amados de sempre de diversas gerações, transformando-o num daqueles "cult-movies" incontornáveis, porque qualquer cinéfilo ao chegar ao nome do cineasta termina sempre por eleger esta película como a melhor de Capra e o filme ideal para ver no Natal e recordar ao longo do ano. Muitas vezes neste novo milénio em que a palavra esperança possui letras cada vez mais pequenas, encontramos em “Do Céu Caiu Uma Estrela” um dos mais belos alimentos da alma.

Rui Luís Lima (*****)

Paula Nunes Lima (*****)

2009-12-01T15:00:00.001Z

2009-12-01T14:56:00.001Z

BONNIE E CLYDE / BONNIE AND CLYDE

ARTHUR PENN – (EUA – 1967) – (111 min/Cor)

WARREN BEATTY, FAYE DUNAWAY, GENE HACKMAN, MICHAEL J. POLLARD.

Recentemente o FBI disponibilizou ao público o dossier do casal mais célebre da galeria dos fora-da-lei: Clyde Barrow e Bonnie Parker, que espalharam o terror durante alguns anos, nessa terra prometida chamada América.
Nesses anos trinta, em que se fazia sentir como nunca os efeitos da depressão, dois jovens irão entrar numa espiral de violência, em que o assalto seguinte será sempre mais sangrento que o anterior, em busca do simples prazer de matar. Amavam-se loucamente e gostavam de ser fotografados após a concretização dos assaltos, ostentando o espólio e o amor que sentiam um pelo outro.

A América vivia, em meados dos anos sessenta, um dos períodos mais negros da sua história, com o assassinato de John Kennedy e seria um cineasta oriundo da televisão com provas já dadas no cinema, Arthur Penn, que iria transportar para o grande écran a vida de “Bonnie and Clyde”, depois de François Truffaut e Jean-Luc Godard terem recusado o projecto.
Warren Beatty (que foi o produtor da película), na época o solteirão mais cobiçado de Hollywood, irá vestir a pele do bandido que de rato de automóveis se irá transformar num temível assassino, enquanto a bela Faye Dunaway irá dar vida à sanguinária jovem Bonnie Parker.

Arthur Penn oferece-nos em “Bonnie e Clyde” uma verdadeira orgia de violência ao longo da película, chegando a usar o “ralenti” de forma poderosa, nessa antológica sequência final em que o bando cai numa emboscada fatal, montada pelo FBI, fruto de uma denúncia do pai de um dos membros do bando, como geralmente sucede.
Tanto Warren Beatty como Faye Dunaway compõem duas personagens verdadeiramente sedutoras, pelas piores razões, que não olham a meios para atingir os seus fins assassinos. Ele com o célebre chapéu e ela com a famosa boina poderiam ser um simples par de namorados, se no dia em que Bonnie Parker ao presenciar o roubo de um automóvel pelo jovem Clyde Barrow o conduzisse ao bom caminho, mas ela preferiu seguir com ele pelas estradas secundárias da vida, optando por uma vida no fio sangrento da navalha, à construção de um lar.

Mais uma vez Artur Penn confirmava aqui todo o seu valor como cineasta e autor, ao oferecer o retrato de uma nação que foi erguida, através dos anos, no convívio amargo com a violência.
“Bonnie and Clyde” surge assim como o retrato perfeito do mais famoso casal que decidiu viver e amar fora-da-lei, espalhando o terror ao longo da sua curta e mortal existência.

Rui Luís Lima (****)
Paula Nunes Lima (****)

2009-11-26T21:15:00.001Z

2009-11-26T21:12:00.001Z

2010 - O ANO DO CONTACTO/ 2010-THE YEAR WE MAKE CONTACT

PETER HYAMS - (EUA 1984) – (116 min/Cor)

ROY SCHEIDER, JOHN LITHGOW, HELEN MIRREN, BOB BALABAN, KEIR DULLEA.

Em 1902 o francês George Méliés realizava, no seu Estúdio situado em Montreiul, a primeira obra de ficção científica intitulada "A Viagem à Lua" / " Le Voyage dans la Lune". A então nascente Sétima Arte criava um dos seus géneros mais fascinantes. Muitos anos depois e ainda no mudo, o génio alemão Fritz Lang realizava uma das mais belas histórias de amor no espaço "A Mulher na Lua" / "Frau im Mood", ainda e sempre esse belo território que só em 1969 veria as pegadas do ser humano na sua superfície.

A Ficção Científica acabaria, no entanto, por encontrar no continente americano a sua pátria por excelência e a série-B como um território infinito para explorar as ameaças vindas de outros planetas, e depois há sempre essa célebre emissão radiofónica, baseada na obra de H.G.Welles, "A Guerra dos Mundos" / "War of the Worlds"que espalhou o pânico na América e que traçou definitivamente o destino do primeiro Maverick da História do Cinema, chamado Orson Welles.
Curiosamente, a mais importante obra de Ficção Científica foi realizada nos Estúdios Britânicos, mobilizando a totalidade dos técnicos ingleses de efeitos especiais, estando a sua direcção a cargo do Mago Douglas Trumbull. Estamos a falar, evidentemente de "2001 – Odisseia no Espaço" / "2001 A Space Odyssey", a Sinfonia Espacial de Stanley Kubrick, baseada na novela de Arthur C. Clarke "A Sentinela" / "The Sentinel" e que imortalizou a abertura do poema sinfónico de Richard Strauss "Assim Falava Zaratrusta"

A película de Kubrick, hoje um dos Grandes Clássicos do Cinema, é a obra-prima deste género cinematográfico, sendo portadora das interrogações que dominam o Homem acerca da sua existência.
Tendo em conta todas estas razões, era particularmente difícil a Peter Hyams dar continuidade a "2001", proposta de Arthur C. Clarke ao escrever "2010 – O Ano do Contacto" / "2010 The Year We Make Contact". Na obra de Hyams encontra-se patente a cooperação entre soviéticos e americanos para descobrir o destino da nave espacial Discovery e tentar decifrar o significado do monólito negro. Se inicialmente o comportamento de cada um dos tripulantes está condicionado pelas directrizes dos seus governantes e da crise existente na América Central, ele acaba por ser invadido pelos sentimentos portadores da esperança e da cooperação, símbolos indicadores do único caminho para a sobrevivência da Humanidade.
De onde viemos, para onde vamos? Esta é a angústia/interrogação suprema do Ser Humano na certeza/esperança de que não estamos sós no Universo.

Rui Luís Lima (**)

PaulaNunes Lima (***)

2009-11-22T19:23:00.000Z

2009-11-22T19:16:00.000Z

O TESTAMENTO DO DR. MABUSE / DAS TESTAMENT DES DR. MABUSE

FRITZ LANG – (ALE – 1933) – (122 min - P/B)

RUDOLF KLEIN-ROGGE, OSKAR BEREGI, OTTO WERNICKE, WERA LIESSEN, GUSTAV DIESEL.

A personagem do Dr. Mabuse será talvez a mais “amada” por Fritz Lang, de todas as que surgiram no seu cinema apesar de ela ser sinónimo do mal, sempre em busca da destruição do mundo em que vive, para melhor estabelecer a sua ordem criminosa. Mabuse irá atravessar a obra de Fritz Lang ao longo das diversas décadas do Cinema, recorde-se que ele surge pela primeira vez ainda no período do Mudo em 1922 na película intitulada precisamente “O Doutor Mabuse” / “Doktor Mabuse der Spieler”, na qual o cérebro do mundo do crime pretende estabelecer o seu império criminoso, encetando uma luta de vida e morte com o Procurador Wrenck que o persegue, terminando este duelo com a prisão do Dr. Mabuse que, “aparentemente”, enlouquece e fica internado num asilo de loucos.

Em 1933, já no período do sonoro, Fritz Lang irá retomar o personagem na película “O Testamento do Dr. Mabuse”, onde iremos encontrar o perigoso criminoso internado no asilo de loucos, vigiado pelo professor Baum (Oskar Beregi), que vai acompanhando o seu estado de saúde ou loucura se preferirem.
Mas aproveitamos para abrir um parêntesis, para referir que o actor que interpreta o Dr. Mabuse (Rudolf Klein-Rogge) retoma aqui a personagem a que deu vida no tempo do cinema mudo, sendo um dos actores que fez essa difícil transição. Por outro lado, o célebre comissário Lohmann (Otto Wernicke), também é "um nosso conhecido", pois foi o responsável policial que perseguiu Hans Beckert (Peter Lorre), o assassino de crianças, na película anterior do cineasta, o célebre “M-Matou”, uma das obras-primas do cinema.

Embora preso no asilo, percebe-se que o Dr. Mabuse prepara o seu regresso ao mundo do crime, através dos seus poderes psíquicos, ao mesmo tempo que vai escrevendo o seu testamento que será cumprido à risca pelos seus cúmplices, restabelecendo com o seu poder mental um novo mundo do crime, cuja única finalidade é a destruição da sociedade e o controlo das massas, perigosamente manietadas para cumprirem os seus desejos criminosos e de poder.
Ao conhecermos a organização terrorista, percebemos que os assaltos são comandados do asilo e no meio dos operacionais existe um homem chamado Kent (Gustav Diesel) que irá travar uma outra luta com a sua consciência ao conhecer a bela Lilli (Wera Liessen) e será este mesmo homem que irá denunciar a estratégia do Dr. Mabuse para se apoderar do poder, encontrando neste duelo como parceiro o destemido comissário Lohmann. Mas Mabuse, ao ver descobertos os seus intentos, morre fisicamente, passando os seus poderes e controlo para o corpo do director do asilo prisão, Professor Baum, manobrando-o a seu belo prazer e roubando-lhe a identidade, no sentido de estabelecer a sua nova ordem.

Se nos lembrarmos que este filme foi realizado em 1933, dois meses depois de Hitler chegar ao poder, percebemos logo quem Fritz Lang pretendia retratar e, como não podia deixar de ser, do outro lado, todos perceberam o recado e de imediato o filme foi proibido na Alemanha, só voltando a ser exibido em 1951.
Mas isso não impediu o Dr. Goebbels de convidar Fritz Lang para dirigir esse império do cinema chamado UFA e aqui surge a famosa história contada por Fritz Lang e que como uma lenda se tornou uma realidade. Lang conta nas suas memórias que, depois de ter recusado a chefia do cinema germânico, de imediato se meteu num comboio, nesse mesmo dia, partindo para França, deixando a mulher Thea von Harbou (que nunca escondeu as suas simpatias pelo regime) para trás. Como sabemos Fritz Lang esteve em França um ano e depois seguiu para a América. Porém a verdade dos factos parece ser um pouco diferente porque Lang fez diversas viagens entre a Alemanha e a França, após o convite de Goebbels, mas como diria John Ford não há nada como imprimir a lenda, quando ela é mais bela que a realidade. Seja como for, na verdade este “Testamento do Dr. Mabuse” não deixa margem de dúvidas sobre os destinatários do filme.

E curiosamente a última película da monumental obra de Fritz Lang, realizada em 1960, “O Diabólico Dr. Mabuse” / “Die Tausend Augen dês Dr. Mabuse”, retoma esta personagem do mal, dando-lhe vida desta vez num hotel onde ele, uma vez mais, através dos seus poderes psíquicos usa uma rede de televisão para controlar os hóspedes no intuito de reerguer das cinzas o seu império do mal.
“O Testamento do Dr. Mabuse” passados todos estes anos, possui uma juventude que nos deixa a todos estupefactos, porque como vemos no início do filme, os seus homens preparam-se para destabilizar o mercado monetário, pondo a circular dinheiro falso, no intuito de criar o caos nos mercados financeiros. Tendo em conta a recessão que se vive hoje no mundo, fruto da crise do petróleo, se Fritz Lang fosse vivo, não iria resistir a fazer um quarto filme sobre esse génio do mal chamado Dr. Mabuse, o ser de mil rostos, que só aspira ao poder. Descobrir este filme à luz da história é, na verdade, uma experiência que nos dá muito em que pensar.

Rui Luís Lima (****)
Paula Nunes Lima (***)

2009-11-15T20:00:00.000Z

2009-11-15T19:56:00.000Z

THE YEAR OF THE HORSE

JIM JARMUSCH – (EUA – 1997) – (107 min.-Cor/P-B)

NEIL YOUNG, FRANCO “PANCHO” SAMPEDRO, BILLY TALBOT, RALPH MOLINA, JIM JARMUSCH.

Longe vão os tempos em que, após a rodagem de “O Estado das Coisas”, Wim Wenders ofereceu a película que lhe restava a Jim Jarmusch e este partiu com ela para rodar essa obra intitulada “Strange Than Paradise” (a primeira versão). Muitos de nós ainda se recordam do soco no estômago recebido aquando da estreia deste filme no cinema Quarteto, todo ele rodado com planos fixos, a preto e branco e com um John Lurie que, para além de ser o principal protagonista, surgia também a assinar a banda sonora, uma obra para quarteto de cordas, música essa que ao nascer no écran este ficava quase “branco”. Recorde-se ainda, nestas “coisas” da memória, que John Lurie surgia também nessa obra charneira do cinema independente dos anos oitenta, realizada por Amos Poe, o fabuloso “Subways Riders” / “Viajantes na Noite”, que teve grande sucesso na época.

O trajecto de Jarmusch é conhecido de todos, porque “Mistery Train”, “Night on Earth”, “Ghost Dog: The Way of Samurai”, “Broken Flowers” e “Dead Man” tiveram distribuição comercial, ao mesmo tempo que as curtas-metragens rodadas ao longo dos anos e intituladas “Coffee and Cigarrettes”, mais tarde agrupadas num único filme também andaram pelos nossos écrans. Mas será “Dead Man”, com um Johnny Depp em excelente forma, que nos interessa aqui como ponte para este “The Year of The Horse”, porque será através da sua fabulosa banda sonora assinada por Neil Young que irá nascer este “The Year of the Horse”, filme concerto sobre Neil Young e os Crazy Horse, que andam na estrada já lá vão quase quarenta anos, mantendo a mesma atitude e energia em palco porque, para eles, o rock é sinónimo de vida porque “Rust Never Sleeps”.

Mas quem é Neil Young? A resposta todos sabemos (ou quase todos). Ele nasceu para a música nessa banda de country rock intitulada Buffalo Springfield, tendo-se juntado depois três grandes nomes criando dessa forma os mais que famosos “Crosby, Stills, Nash and Young”, um dos maiores super-grupos da história do rock, basta escutar álbuns como “Dejá Vù” ou “Four Way Streets” e está tudo dito. Para trás já havia um trabalho assinado com os Crazy Horse e, ao longo dos anos, ele foi assinando álbuns atrás de álbuns (ou se preferirem cd) com os “Crazy Horse”, intercalando-os com outros seus trabalhos. Recorde-se a sua participação nesse filme concerto de todas as gerações chamado “Woodstock”, em que um dos responsáveis pela montagem foi precisamente Martin Scorsese, que mais tarde iria assinar em nome próprio essa obra única chamada “The Last Waltz”, lição perfeita de como deve ser realizado um filme-concerto e que serve de guia a todos os que pretendem entrar no género e Jim Jarmusch segue muito bem a lição dada pelo Mestre.

A carreira de Neil Young na música possui momentos inesquecíveis como: “After the Gold Rush”, “Harvest”, “Freedom” e “Rust Never Sleeps” / “Live Rust”, tendo este último dado origem também a um filme-concerto realizado pelo próprio Neil Young, a que Jarmusch não ficou alheio, apesar de tudo aquilo que os distingue. Aqueles que viram o filme de Neil Young, “Rust Never Sleeps”, rodado no palco do Cow Palace em 22 de Outubro de 1978, recordam-se de ver Neil a acordar no interior dessa enorme mala de viagem e a sair dela com a sua guitarra acústica, descendo as escadas que conduziam ao palco e iniciar a sua actuação a solo, quatro temas, debaixo do olhar daquelas criaturas com hábitos escuros e luzes vermelhas no lugar dos olhos, para no quinto tema atacar o piano, dando depois lugar aos Crazy Horse para demonstrar que o Rock-n-Roll nunca irá morrer e esse concerto é a prova provada (desculpem a redundância).

Jim Jarmusch parte assim com Neil Young e os Crazy Horse para nos oferecer a sua história, registando os momentos dos seus espectáculos realizados no ano de 1997, ano esse intitulado “The Year of the Horse”, em memória/homenagem ao produtor (o quinto elemento do grupo), David Briggs, falecido no ano anterior e que nas vésperas da sua morte lhes disse que o ano seguinte seria precisamente “The Year of the Horse” (ou seja, o anos dos "Horse"). No início da película, enquanto os créditos vão passando, surge esta indicação do cineasta para o espectador, “proudly filmed in super 8” e “made loud to be played loud” e de imediato entramos no universo deste grupo, em perfeito convívio com o cineasta.
Não só nos é oferecido o registo dos diversos concertos realizados tanto nos States como na Europa, como ao longo das entrevistas vamos conhecendo a história destes quatro sobreviventes do rock pela estrada fora e vamos percebendo como nem sempre os tempos foram fáceis, a heroína foi deixada para trás, felizmente, como refere Frank “Pancho” Sampedro, esse mesmo Frank que às tantas chama de artista intelectualóide a Jarmusch e este lhe responde ser um cineasta-argumentista.

Ao longo da película vamos encontrando registos das diversas épocas do grupo e inevitavelmente vamos viajando com eles pelo interior do rock, dos anos setenta aos oitenta, demonstrando Jarmusch um conhecimento perfeito do que pretende filmar/mostrar, ao mesmo tempo que deixa a sua marca de autor inconfundível, terminando a película com essa célebre canção “Like a Hurricane”, usando dois registos diferentes com vinte anos de permeio.
Curiosamente, dos três registos mais célebres ao vivo de Neil Young e os Crazy Horse, musicalmente falando e registados nos trabalhos “Live Rust”, “Weld” (1) e “The Year of The Horse”, este último será talvez o menos bom, na nossa opinião pessoal e estamos a falar só do disco. Por outro lado, será sempre curioso confrontar este filme de Jarmusch com o realizado pelo próprio Neil Young “Rust Never Sleeps” onde a encenação possui um elemento preponderante no interior de um concerto rock (na época foi exibido no cinema quarteto e está disponível em dvd) e nunca é demais referir que Martin Scorsese é decididamente o pai deste género com o grupo The Band.

Só para terminar esta viagem de Neil Young pelo cinema, nunca é demais referir a sua participação como actor no maravilhoso filme de Alan Rudolph “Love at Large”, numa daquelas histórias de amor e duplas identidades que tão bem retratou o cineasta canadiano, que possui a mesma nacionalidade de Neil.
“The Year of te Horse” é um filme inesquecível para amantes de rock puro, seja qual for a idade e isso é bem patente nos espectadores dos concertos e Jim Jarmusch consegue deixar-nos a sua marca na forma como monta o filme e na matéria usada. “The Year of the Horse” surge assim como a homenagem de Jim Jarmusch a Neil Young e os Crazy Horse porque como diz a canção rock and roll can never die!!!

(1) – “Weld” possui uma versão fabulosa de “Blowin’ In the Wind” de Bob Dylan.

Rui Luís Lima (***)

Paula Nunes Lima (***)

2009-11-12T20:01:00.002Z

2009-11-12T19:58:00.001Z

A SOMBRA DO CAÇADOR / NIGHT OF THE HUNTER

CHARLES LAUGHTON – (EUA – 1955) – (97 min - P/B)

ROBERT MITCHUM, SHELLEY WINTERS, LILIAN GISH, BILLY CHAPLIN, SALLY JANE BRUCE.

Charles Laughton quando realizou este filme, já era bastante famoso como actor, sempre interpretando as suas personagens, “no fio da navalha”. O seu Henrique VIII ficou famoso. Mas ao passar para detrás da câmara, construiu uma obra que se distanciou de tudo o que fora feito até então.
Tendo a seu lado o grande director de fotografia Stanley Cortez, o cineasta vai-nos narrar a odisseia das duas crianças, perseguidas por um psicopata, optando por um expressionismo, que deixou o mundo positivamente boquiaberto, já que em “A Sombra do Caçador”, existe esse mundo dos sonhos próprio dos mais pequenos, em confronto com a violência que insiste em os engolir. A forma como Charles Laughton nos oferece a viagem no rio é profundamente poética, embora repleta de elementos góticos que perturbam os dois irmãos.

Harry Powell (um Robert Mitchum que compõe de forma extraordinária a personagem que interpreta) conhece na prisão um homem que está condenado à morte e a quem restam poucos dias de vida. O condenado acaba por lhe confessar que o fruto do roubo se encontra escondido na casa onde vivia com a mulher e os filhos. E Harry mal sai da prisão parte disfarçado de pregador, no intuito de se apoderar do produto roubado.
Possuidor de uma eloquência e um poder sedutor, rapidamente conquista o coração da viúva (Shelley Winters), mas nem tudo corre como tinha planeado e termina por a matar.
As duas crianças fogem num pequeno bote ao longo do rio, acabando por serem recolhidas por uma velha senhora (Lilian Gish), que dá guarida às crianças que vagueiam pelos campos, nessa terrível época da recessão. Mas como não poderia deixar de ser, o falso pregador, que tem tatuado nos dedos as palavras hate (ódio) e love (amor), acaba por descobrir o seu paradeiro, e quando tudo parecia perdido para elas, as autoridades impedem o pior, terminando Harry Powell por ser preso e condenado à morte.

Charles Laughton, cineasta de um filme e autor no verdadeiro sentido da palavra, referiu na época que “A Sombra do Caçador” era a sua homenagem a esse glorioso período mudo, onde se destacou esse criador da linguagem cinematográfica David Wark Griffith. Aliás não é por acaso que Laughton convidou Lilian Gish para interpretar a velha senhora, já que desta forma a sua homenagem também se estendia a essa grande actriz, um dia descoberta pelo autor de “Intolerância”.
Amado por poucos e desconhecido de muitos “Night of the Hunter” permanece uma obra-prima que merece ser descoberta.

PS - Quando vimos o filme, na época da sua reposição comercial, éramos os únicos espectadores na sala de cinema.

Rui Luís Lima (*****)
Paula Nunes Lima (****)

2009-11-08T19:18:00.001Z

2009-11-08T19:14:00.000Z

MULHERES / THE WOMEN

DIANE ENGLISH – (EUA – 2008) – (114 min/Cor)

ANNETTE BENING, MEG RYAN, EVA MENDES, DEBRA MESSING, CANDICE BERGEN, CLORIS LEACHMAN, BETTE MIDLER, CARRIE FISHER.

Em 1939 o famoso George Cukor, conhecido como o cineasta das mulheres, decidiu levar ao grande écran a famosa peça de Claire Booth Luce, “The Women”, que na época fez furor na Broadway, com um elenco inteiramente feminino, mas onde os homens estavam bem presentes, através das conversas tidas pelas respectivas Ladys. E quem viu o filme recorda-se bem dos fabulosos diálogos travados entre elas, de uma sofisticação maravilhosa e onde surgiam nomes como Norma Shearer, a inocente esposa, Joan Crawford, Rossalind Russsel, Joan Fontaine e Paulette Godard, nos principais papéis.

Muitos anos volvidos a realizadora Diane English, oriunda da televisão, decidiu levar ao écran esta obra-prima de Cukor, optando também ela por um elenco exclusivamente feminino, onde Meg Ryan (a antiga namorada de Hollywood) ocupa o lugar de Norma Shearer e onde se destaca Annette Bening a interpretar a personagem Sylvia Fowler, editora de uma importante revista feminina, mas a escolha de Eva Mendes para ocupar o lugar de Joan Crawford redunda num enorme fiasco, basta comparar a sua interpretação com a de Joan Crawford e fica tudo dito, o encontro entre a esposa fiel e a amante demonstram bem isso mesmo.

Por outro lado o filme de Diane English não possui a sofisticação outrora conseguida por Cukor, já que ao ser transposta a peça para os dias de hoje, faltou um argumento à altura, embora ao longo da película haja excelentes réplicas e diálogos, especialmente quando temos frente a frente Meg Ryan e Annette Bening, esta última a não deixar os seus créditos por mãos alheias, revelando-se a principal estrela do filme.
Já a veterana Cloris Leachman compõe uma personagem fascinante, nessa governanta que não se quer comprometer perante a vida conturbada da sua patroa, desejando apenas preservar o seu emprego.

Esta nova versão de “Mulheres” surge assim no firmamento cinematográfico um pouco à boleia de séries como “O Sexo e a Cidade” / “Sex and the City”, que obtiveram no mundo inteiro uma legião de fans verdadeiramente espantosa, como todos sabemos. Mas a forma como ela nos vai contando a história do adultério, descoberto por mero acaso e os respectivos mexericos peca, muitas vezes, por falta de continuidade, surgindo um pouco como uma manta de retalhos.

Foi pena os produtores não terem apostado num elenco onde fosse possível encontrar esses nomes femininos incontornáveis da sétima arte americana, a oferecerem-nos a sua genialidade interpretativa. Este projecto nas mãos de um Robert Altman seria, na verdade, uma obra perfeitamente delirante e sofisticada, mas infelizmente ele já não se encontra entre nós.
”The Women” surge assim como mais uma comédia agradável, que nos oferece um retrato feminino dessa metrópole chamada Nova Iorque, onde tudo vale para se vencer na vida.

Rui Luís Lima (**)
Paula Nunes Lima (***)

2009-11-01T18:30:00.001Z

2009-11-01T18:29:00.000Z

“MATAR OU NÃO MATAR” / “IN A LONELY PLACE”

NICHOLAS RAY - (EUA 1950) – (P/B – 94 min)

HUMPHREY BOGART, GLORIA GRAHAME, FRANK LOVEJOY, CARL BENTON REID.

A nossa memória do cinema muitas vezes encontra-se ligada a imagens descobertas no pequeno écran e dizemos isso porque foi precisamente o sucedido há mais de vinte anos com “In a Lonely Place” / “Matar ou Não Matar” de Nicholas Ray, descoberto numa tarde de Verão. Nessa época Nick já era muito mais do que o cineasta de “Fúria de Viver” ou de “Johnny Guitar”.

Produzido pela pequena produtora de Humphrey Bogart, “Santana Productions”, esta película situa-se inevitavelmente na fronteira do “film noir”, navegando as suas personagens no mundo da sétima arte, Dixon Steele (Bogart) é um argumentista à beira do abismo, violento e angustiado com o mundo que o rodeia: realizadores, produtores, agentes, actores.

O argumento de Andrew Solt, baseado numa novela de Dorothy Hughes, apresenta-nos uma Hollywood “cheia de tubarões”, em que a última palavra vem de cima. Mas como dizíamos, Dixon Steele um homem amargurado, reticente em aceitar a feitura de um argumento de acordo com as “regras da casa”, vê-se confrontado com uma hipótese de resgatar o seu nome do limbo em que caiu, mas a obra que lhe é oferecida parece-lhe tão má, que convida uma empregada do bar em que se encontra para lhe contar a história, já que ela tinha lido o livro e assim ele não iria perder tempo com algo em que não acreditava.
A tragédia nasce então porque a rapariga, após o seu trabalho de leitura, aparece morta caindo de imediato as suspeitas sobre o violento Dixon Steele.

Incrédulo e cínico, perante os acontecimentos (Bogart no seu melhor), Dixon acaba por ser ilibado por uma vizinha (Gloria Grahame) que o viu em casa, após a saída da rapariga.
Nasce então uma profunda paixão entre Laurel Gray (Gloria Grahame) e Dixon, que inicia o seu trabalho no argumento refazendo a história original, ao mesmo tempo que o seu comportamento violento desaparece, vivendo apenas para o seu trabalho e para a mulher que ama perdidamente.
No entanto a polícia continua a suspeitar dele e o cerco que lhe monta irá fazer renascer o seu lado violento, desconfiado e ciumento, perturbando de forma decisiva o amor da sua vida.

Nicholas Ray consegue, nesta película, oferecer-nos um dos filmes mais perfeitos do género, mas todo o ambiente criado de uma cínica Hollywood, faz um pouco de futurologia em relação à carreira/perdição de Nick Ray. Por outro lado Gloria Grahame, que roubou o papel a Ginger Rodgers (1), oferece-nos momentos de antologia do mais profundo erotismo (2), apetecendo até dizer obrigado ao código Hays, que obrigou os cineastas a contornar a censura, como tão bem fez Hitchcock em “Notorius” / “Difamação”… a célebre questão do tempo de duração de um beijo.

“In a Lonely Place”, essa obra-prima do Cinema, poderia também chamar-se “In a Lovely Place”, graças à interpretação felina de Glória Grahame e às mudanças de personalidade de Humphrey Bogart em combate constante consigo mesmo.
E a fotografia a preto e branco jogando de forma determinante com a luminosidade, repare-se na sequência em que Dixon (Bogart) reconstitui o assassinato para o casal amigo, como se tivesse vivido o acontecimento, embora seja a sua faceta de argumentista o excitante do relato. Para já não falarmos na soberba montagem e banda sonora.

A escrita vai longa mas não podemos deixar de referir dois aspectos decididamente importantes nesta obra-prima. Nicholas Ray e Gloria Grahame (3) eram casados no início da rodagem e a meio das filmagens decidiram separar-se, tendo até Nick pedido ao Estúdio para lhe arranjar uma casa próxima do “set”, porque necessitava de trabalhar à noite, omitindo desta forma a sua situação matrimonial. E nunca Gloria Grahame foi filmada com tanto amor, ao ponto de a película ter dois finais, o inicialmente previsto em que ela morre e aquele, por fim optado, em que fica viva por fora, morta por dentro, tal como Humphrey Bogart, numa das suas mais extraordinárias interpretações.

"Matar ou Não Matar" /“In a Lonely Place” é uma das muitas pérolas cinematográficas oferecidas por Nicholas Ray à Sétima Arte, uma descoberta que recomendamos.

(1) - Ginger Rodgers nunca gostou muito dos musicais com Fred Astaire e lutou durante toda uma vida para conquistar papéis dramáticos.

(2) - A troca de cigarros no bar, junto ao piano, entre outros planos, para além do fabuloso guarda-roupa de Mrs. Grahame.

(3) – Muitos anos depois Gloria Grahame foi casada com o filho de Nick Ray.

Rui Luís Lima (*****)

Paula Nunes Lima (****)

2009-10-26T22:23:00.001Z

2009-10-26T22:18:00.001Z

“JERRY MAGUIRE”

CAMERON CROWE – (EUA – 1996) – (138 min/Cor)

TOM CRUISE, RENÉE ZELLWEGER, CUBA GOODING JR. KELLY PRESTON, BONNIE HUNT, JAY MOHR.

“Jerry Maguire” continua a ser o melhor filme até hoje realizado por Cameron Crowe, esse menino prodígio que se iniciou na escrita aos 15 anos escrevendo artigos para a “Rolling Stone”, tendo depois iniciado a escrita de diversos argumentos para cinema. Fez o seu auto-retrato de forma discreta o em “Quase Famosos” / “Almost Famous”. A sua obra de estreia foi o famoso “Singles”, um daqueles filmes retrato de uma geração que habita o mesmo prédio, com um Matt Dillon e uma Bridget Fonda em destaque, ao mesmo tempo que dava, como não podia deixar de ser, uma enorme importância à banda sonora.

Nesta comédia romântica intitulada “Jerry Maguire”, precisamente o nome do protagonista interpretado por Tom Cruise, vamos seguir a vida de um agente desportivo que um dia num quarto de hotel tem um rebate de consciência e decide escrever um “memo”, para depois o distribuir pelos colegas, aplaudido por todos pela sua atitude frontal em que se inscreve o lema de devermos dar mais atenção aos nossos clientes e menos ao dinheiro que poderemos ganhar com eles. De imediato os colegas nas suas costas prevêem que a sua carreira está por um fio.
Agente de sucesso Jerry Maguire (Tom Cruise) possui tudo aquilo que um homem deseja incluindo aquela bela e selvagem mulher Marcie (Kelly Preston), mas quando o dinheiro e a fama desaparecem será de imediato abandonado.

Despedido com um sorriso nos lábios por um colega, mandatado pela administração, durante um almoço, Jerry irá tentar levar consigo os seus clientes, mas durante essa luta com a empresa apenas arrasta consigo o jogador de baseball Rod Tidwell (Cuba Gooding Jr – ganhou o Oscar para o melhor actor secundário), o menos desejado cliente, porque aquele homem só pensa em dinheiro, ficando célebre a frase “show me the money”. Numa tentativa desesperada de provocar uma cisão na empresa Jerry pergunta a todos os que leram o seu famoso “memo” quem irá com ele e apenas a empregada da contabilidade Dorothy Boyd (Renée Zellweger) decide partir com ele Mais do que o “memo” dele é a paixão que a leva a segui-lo, para além do facto de ela ser divorciada e ter um filho pequeno. Estabelecendo-se uma relação de empregada/patrão que irá ultrapassar a fronteira da relação profissional, embora Jerry lute de início para não ultrapassar essa fronteira, ao mesmo tempo que começa a ser seduzido pela criança, um rapazinho “cool”. Já por outro lado a irmã de Dorothy, uma daquelas mulheres abandonadas que promove em sua casa reuniões femininas contra o “sexo forte”, olha com a maior desconfiança Jerry, percebendo de imediato como ele se encontra à beira do abismo e quando ele estabelece por fim uma relação com Dorothy, Laurel (Bonnie Hunt) tudo fará para mostrar à irmã como ela está errada na sua opção.

Entramos assim na comédia romântica dirigida de forma brilhante por Cameron Crowe, recorde-se que ele levou cinco anos a preparar o filme e desde os minutos iniciais que somos agarrados à cadeira, pela forma como ele nos introduz no mundo de Jerry Maguire e depois nos conta a sua relação atribulada com a família de Rod Tidwell, sendo a mulher deste, Marcee (Regina King), um dos maiores obstáculos a transpor para levar o jogador ao bom caminho, já que ele é conhecido pelo seu mau feitio. Com apenas um cliente Jerry dedica-lhe a vida, tentando mostrar-lhe que o dinheiro não é tudo na vida, ao mesmo tempo que Dorothy tudo faz para manter Jerry debaixo do seu tecto. A pouco e pouco vamo-nos apercebendo que Jerry não consegue manter a relação, arranjando mil e um pretextos para estar longe dela, ele deseja partir, mas a criança surge como um impedimento, até esse dia em que já nada se pode fazer.
De realçar a excelente interpretação de Tom Cruise na figura do agente desportivo, muitos furos acima do habitual, ao mesmo tempo que Renée Zellweger nos surge pela primeira vez num papel digno de nota, depois todos sabemos como ele se tornou célebre, engordando para Bridget Jones e emagrecendo depois, ficando um “palito”.

“Jerry Maguire” apresenta-se no interior da produção cinematográfica como uma comédia romântica fabulosa, tendo um argumento com uma moral para oferecer e um final feliz, como mandam as regras, embora nos ofereça nas suas entrelinhas o retrato do mundo selvagem em que vivemos, um sorriso pela frente e uma faca nas costas, retrato do quotidiano nas empresas e na vida, depois nem sempre os ideais triunfam e muito menos o sucesso amoroso, porém no caso de Jerry Maguire ele aprendeu uma lição na vida, oferecida pelo irrequieto Tidwell, compreendendo como esse núcleo universal chamado família é o fruto da vida, por isso mesmo quando volta a entrar na casa de Dorothy é recebido friamente por aquele conjunto de mulheres abandonadas com o maior desprezo do mundo, porque elas são (in) felizmente independentes e superiores a ele, mas Dorothy decide afastar-se do “rebanho” e perdoar a fuga de Jerry Maguire. E aqui as maiores feministas empedernidas não irão resistir a verter aquela lágrima ou, pelo menos, desejar no seu íntimo estar nos braços daquele homem. “Jerry Maguire” é como o vinho do porto, quanto mais se bebe/vê mais se gosta dele.

Rui Luís Lima (****)
Paula Nunes Lima (****)

2009-10-18T22:00:00.001+01:00

2009-10-18T21:54:00.001+01:00

“QUANDO UMA MULHER SOBE AS ESCADAS” / “ONNA GA KAIDAN O AGARU TOKI”

MIKIO NARUSE (JAP – 1960) – (110 min-P/B)

HIDEKO TAKAMINE, MASAYUKI MORI, DAISUKE KATO, TATSUYA NAKADAI, REIKO DAN, KEIKO AWAZI

Quando se fala em cinema clássico japonês, de imediato surgem três nomes: Kenji Mizoguchi, Akira Kurosawa e Yasujiro Ozu. Se os dois primeiros viram alguns dos seus filmes estreados comercialmente em Portugal, já Yasujiro Ozu, um dos mestres orientais mais idolatrados no Ocidente (recorde-se essa obra chave do cineasta Paul Schrader, dedicada a Bresson, Ozu e Dreyer), apenas teve um filme seu estreado comercialmente “Primavera Tardia” / “Banshun” e na época dessa estreia surgiu um outro cineasta japonês até então muito pouco conhecido, de seu nome Mikio Naruse, estávamos em Setembro de 1995 e todos aqueles que viram o filme, em formato scope, no cinema nimas, embora filmado de forma intimista num denso preto e branco, ficaram profundamente fascinados por esta película.

Mikio Naruse iniciou-se na profissão como assistente de realização nos Estúdios da Shochiku, tendo em Yasujiro Shimzv o seu Mestre e professor, tendo sempre seguido os seus conselhos. Desde o início dos anos trinta até ao final da sua carreira, Naruse assinou “apenas” noventa filmes, dentro do sistema de produção dos Estúdios, sendo “Quando Uma Mulher Sobe as Escadas” / “Onna Ga Kaidan O Agaru Toki” já rodado no célebre Toho. Mikio Naruse sempre se interessou pela gente comum e as suas pequenas histórias do quotidiano, contribuindo desta forma para a imagem de autor no interior do cinema japonês, mas nada melhor como lhe dar a palavra: “passa-se pouca coisa nos meus filmes, terminam sem se concluírem, como a vida. Não posso deixar de sentir um grande amor pela perseverança dos seres humanos, pela maneira como conduzem as suas vidas no espaço e no tempo sem fim”. Cinco anos depois de ter feito esta afirmação, Mikio Naruse realizou essa obra-prima intitulada “Quando Uma Mulher Sobe as Escadas” (o título português segue o inglês “When a Woman Ascends the Stairs”), aplicando o seu pensamento às diversas personagens da película, oferecendo a todas elas o seu amor.

Tal como sucedia na obra derradeira de Kenji Mizoguchi, “A Rua da Vergonha” / “Akasen Chitai”, o filme de Mikio Naruse retrata-nos a vida nocturna nos bares japoneses e das pessoas que neles habitam. E aqui surge já o estilo do cineasta apresentando-nos a história de uma mulher, viúva, que dirige um desses bares, trata-se de Keiko (Hideko Takamine), será assim na noite do bairro de Ginza que a iremos encontrar dirigindo as raparigas que a tratam por Mamã, cumprimentando os clientes, fazendo tudo para o responsável do bar não se arrepender de a ter contratado.
Ela começa o seu dia de trabalho quando as outras mulheres vão para casa para junto dos maridos e dos filhos, ela como família só tem a mãe que está sempre à espera da sua ajuda económica, tal como o irmão mais novo e o seu filho doente.
Keiko Yshiro ao longo da sua vida foi obrigada a gerir o dinheiro ganho, porque terá sempre de sustentar duas casas, comprando quimonos de tons escuros para os poder usar de dia e de noite, escondendo a sua profissão, por outro lado o seu desejo de ter um bar só para si revela-se interdito, porque os possíveis financiadores estão mais interessados no seu corpo e ela até ama um homem, um empresário infelizmente casado e cliente do bar, depois será o encontro com um outro homem, também seu cliente que lhe irá abrir as portas do seu coração para o amor, mas as aparências iludem e quando ela descobre o mundo de mentiras a que ele pertence, sente-se perdida porque, quando uma mulher sobe as escadas, encontra tantos obstáculos pelo caminho, que acaba por desistir.

Mikio Naruse oferece-nos assim uma visão profundamente feminina da mulher, em todo o seu intimismo e amor, sendo perfeito o cognome de cineasta das mulheres , tal é a forma como ele dirige essa grande actriz chamada Hideko Takamine, uma das grandes senhoras do cinema japonês, recorde-se que só são conhecidas as suas interpretações depois da guerra, devido aos bombardeamentos americanos terem destruído os Estúdios Japoneses, por outro lado ela é considerada a Katherine Hepburn japonesa, não só pelo seu talento, mas também pelo brilhantismo que oferece às personagens que interpreta, para além dessa beleza tranquila transportada no seu olhar.
Convém referir que Hideko Takamine se iniciou no cinema ainda na época do mudo, com apenas cinco anos, em 1929, sendo comparada mais tarde a Shirley Temple, quando a pequena actriz americana surgiu nos écrans japoneses. Depois tornou-se numa estrela, tão grande como as do Ocidente, ela era para todos “a rapariga da porta ao lado” ou “a namorada do Japão”, recorde-se que os soldados japoneses durante a guerra, quando partiam para a frente de combate, levavam com eles a sua fotografia.
Basta olharmos para a beleza que nos é oferecida por essa mulher de meia-idade no filme de Mikio Naruse, para entendermos a forma como o cineasta decidiu homenagear a mulher em “Quando Uma Mulher Sobe as Escadas”, através de uma personagem cuja idade ronda os 35/40 anos lutando para sobreviver com um sorriso no interior da noite, no exterior da vida.

Uma última palavra para a música envolvente de Toshirô Mayuzumi que baseando-se quase sempre em dois instrumentos, piano e vibrafone, por vezes acompanhados por uma secção de cordas, nos oferece uma música profundamente sensual e intimista, muito próxima daquela que muitos anos mais tarde nos irá ser oferecida pela dupla Chick Corea e Gary Burton. E estamos aqui perante um aspecto profundamente importante, porque será através da banda sonora que Mikio Naruse nos irá oferecer a pontuação da sua escrita intimista, tanto na forma como filma os personagens, como na maneira como nos oferece esse momento de beleza em que Keiko Yshiro (Hideko Takamine) sobe as escadas para se dirigir ao bar onde trabalhar, metáfora perfeita desse seu desejo de subir as escadas da vida, em busca de outra paisagem, em busca da felicidade.

Rui Luís Lima (*****)

Paula Nunes Lima (*****)

2009-10-12T22:14:00.001+01:00

2009-10-12T22:11:00.000+01:00

INTIMIDADE / INTERIORS

WOODY ALLEN – (EUA – 1978) – (93 min/Cor)

DIANE KEATON, MARY BETH HURT, KRISTIN GRIFFITH, RICHARD JORDAN, SAM WATERSTON, E.G.MARSHALL, GERALDINE PAGE, MAUREEN STAPLETON.

Em 1978, Woody Allen surpreendeu o mundo inteiro ao realizar “Interiors” / Intimidade”, oferecendo-nos o seu primeiro opus Bergmaniano; os seguintes seriam “Setembro” / “September” e “Uma Outra Mulher” / “Another Woman”. O cineasta, que sempre foi um profundo cinéfilo, nutre uma admiração profunda pelo Mestre sueco Ingmar Bergman e, ao realizar este filme, ofereceu-nos uma verdadeira obra-prima que, passados tantos anos, mantêm o carisma da estreia. Tudo nesta película nos faz recordar Bergman, desde a forma como os interiores das diversas casas são filmados, até à ausência de qualquer tipo de música, sendo a banda sonora composta por lágrimas e suspiros, com uns diálogos brilhantes e esse oceano que banha Long Island, a recordar-nos a hoje célebre ilha de Färo tantas vezes usada por Bergman nos seus filmes, aliás nunca é demais recordar que a primeira vez que Bergman filmou em Färo foi durante a rodagem de “Persona”, uma das suas obras mais célebres.

Iremos assim assistir a uma história onde a presença de Tchekov também se faz sentir, fruto dessa brilhante peça que escreveu intitulada “Três Irmãs”. Aqui essas três irmãs chamam-se Flyn (Kristin Griffith), Joey (Mary Beth Hurt) e Renata (Diane Keaton), que irão ser informadas pelo pai (E. G. Marshall) da decisão de se ausentar do lar, para repensar a sua vida: tem 63 anos, as filhas estão mais que criadas, duas delas já casadas e ele vê chegada a hora de partir para procurar um novo rumo para a sua vida. A notícia apanha todos de choque, incluindo a sua mulher Pearl (Geraldine Page), que se encontra presente à mesa onde tomam o pequeno-almoço. Esta decisão irá alterar decididamente a vida de toda a família.

Renata (Diane Keaton) é uma poetisa e escritora de sucesso, que desde sempre trava um duelo com a irmã Joey, a eterna favorita dos pais, e que não encontra no casamento a realização que sempre desejou, apesar de já ter uma filha. Ela e o marido vivem em constante disputa pelo sucesso literário, já que ele também é escritor.
Joey (Mary Beth Hurt) encontra-se na fase mais difícil da sua vida, não encontra uma actividade que a estimule, embora esteja sempre em busca da genialidade que não herdou da mãe. Por outro lado a hipótese de ter uma criança nem sequer vive no seu horizonte, apesar da insistência do seu companheiro.
Flyn (Kristin Griffith) é uma das muitas jovens que viram no cinema um modo de vida, em busca da celebridade, mas Hollywood não repara nela e assim é obrigada a viver das suas interpretações em séries de televisão, para além de filmes de segunda ordem. Das três irmãs é a que aparenta ser a mais superficial, fruto do mundo em que vive, em que o eterno sorriso esconde os desgostos que lhe vão na alma superficial.
Frederick (Richard Jordan) é um escritor de sucesso, mas que exige demais de si próprio, sempre criticado pela mulher Renata, muito mais célebre que ele no meio literário, e cuja vida matrimonial é um verdadeiro vazio. Aliás Frederick é mais conhecido pelas críticas literárias que faz em revistas da especialidade do que como escritor, refugiando-se na bebida sempre que pode, devido à ausência sentimental da esposa.
Mike (Sam Waterston) é um activista marxista (recorde-se que estamos em finais de setenta), que não encontra na mulher, Joey, a paixão com que sempre sonhou, apesar de ambos se amarem, sendo a insegurança dela um eterno factor de instabilidade, ao mesmo tempo que as interferências da sogra na sua vida são como pequenas bombas relógio que só não explodem, porque ele termina sempre por ceder.
Eve (Geraldine Page) é uma mulher que sempre dominou todos os que a rodeavam, desde o marido às filhas, passando por Mike, que acaba sempre por aceitar as suas “sugestões” para a decoração da casa, recorde-se que ela é designer de interiores. Mas, nesse dia em que o marido anuncia a todos que necessita de partir, o seu mundo perfeito irá desmoronar-se como um simples castelo de cartas, acabando por perder esse eterno controlo que lhe alimentava a vida.
Arthur (E. G. Marshall) é o homem que, de certa forma, sustenta com a sua fortuna a vida de todos, nunca se esquecendo de enviar esse cheque, que lhes irá facilitar a sobrevivência no pequeno mundo em que navegam. Até que um dia, aos 63 anos, decide comunicar que chegou a hora dele, de desfrutar os pequenos prazeres a que tem direito. Informa todos de que se trata de uma simples separação provisória, a idade começa a pesar e ele sente que precisa de dar um novo rumo à sua vida.
Pearl (Maureen Stapleton) é a mulher que Arthur irá conhecer numa viagem pelas ilhas gregas e por quem se irá apaixonar. Pearl, apesar da idade e de já se ter casado duas vezes (ambos os maridos já faleceram), vive todos os segundos que a vida lhe oferece, transmitindo de forma simples esses pequenos prazeres, até então desconhecidos de Arthur, tratando-o sempre com um carinho e ternura que ele nunca conhecera na companhia de Eve. A notícia do casamento de Pearl e Arthur irá destruir para sempre as fundações do mundo em que todos habitavam.

São estas as personagens que irão navegar no interior desta obra-prima de Woody Allen, construída com um rigor e sensibilidade que, na época, surpreendeu tudo e todos. A forma como ele filma é de um intimismo profundo, como se a sua presença fosse invisível para os actores e depois a fotografia de Gordon Willis é de uma delicadeza profunda, basta reparar no longo traveling na praia, a acompanhar a caminhada de Flyn e Renata para ficar tudo dito, ou o derradeiro encontro entre Joey e a mãe, onde o jogo de sombras já anuncia a morte que está para chegar.
Este drama mais que perfeito, escrito e realizado por Woody Allen, continua a apaixonar o espectador e a forma como os actores são dirigidos é portador de um saber que muitos desconheciam no cineasta, basta ver a sobriedade da interpretação de Diane Keaton, para ficar tudo dito, mas claro não é só ela, são todos eles que nos deixam perfeitamente fascinados pela forma como fazem viver as personagens que interpretam, como se estivéssemos perante dois quartetos de cordas, cada um a tocar o seu adágio, dum lado mãe e filhas, do outro os maridos e a recém chegada Pearl.
“Interiors” (nunca um título foi tão belo), é uma película de um intimismo profundo que acaba por transformá-la numa das mais belas obras do cinema contemporâneo.

Rui Luís Lima (*****)
Paula Nunes Lima (*****)

2009-10-05T14:36:00.001+01:00