En Primera Fila

Mirando a la realidad de frente

2008-07-22T20:53:00.005+02:00

Tres propuestas de “documental-discurso político” se enfrentan a sus ideas rodeados de polémica pero desplegando invitaciones a reflexionar sobre la sociedad que nos ha tocado vivir y los políticos-monstruos que hemos fabricado. Y ninguna de estas películas ha necesitado una distribución convencional para llegar a millones de espectadores.

Se dice que el género documental es un reflejo de la realidad desde el punto de vista, claro está, de todos aquellos que están involucrados en su realización. Otra cuestión es que se denomine “documental” a un trabajo audiovisual que en realidad lo que hace es apoyarse en la realidad (o en la irrealidad) para construir un discurso personal que tiene como soporte principal la opinión del realizador. Por eso a las películas de Michael Moore, por ejemplo, difícilmente se les puede catalogar de documentales, ya que distorsionan, manipulan y construyen toda su envoltura de imágenes en torno al discurso que el cineasta nos quiere dar cuyas conclusiones no surgen de su investigación, sino que ya son premeditadas.

Esto no es una crítica. De hecho, en los últimos años el “discurso audiovisual” está dando algunas de las producciones más interesantes en este sentido. O, por lo menos, nos está ofreciendo la oportunidad de asistir a propuestas que sin duda provocan la reflexión. Ya hablamos en su día de Zeitgeist. The movie, una brutal realización dividida en tres partes que pone en duda las bases del cristianismo (Part I: The greatest Story ever told), abunda en la teoría de la conspiración gubernamental en los atentados del 11 de septiembre (Part II: All the world’s stage) y repasa todas las grandes crisis económicas provocadas por los poderes fácticos para desestabilizar naciones, lo que resulta particularmente aterrador en estos meses de “recesión” (como diría algún político cínico español) que vivimos (Part III: Don’t mind the men behind the curtain).

De Zeitgeist se anuncia ya una continuación titulada Zeitgeist. Addendum, que se podrá descargar a través de internet a partir del mes de octubre.

Siguiendo con la conspiración gubernamental, el documental Loose change. The final cut, realizado por un joven estudiante, Dylan Avery, se presenta en su versión definitiva (tiene dos versiones anteriores), para remover las conciencias de todos aquellos estadounidenses que se sienten engañados por las explicaciones de la administración Bush sobre el 11-S. En realidad, Loose change es anterior a Zeitgeist, ya que su primera versión se publicó en 2005, y en los años sucesivos Dylan Avery ha ido construyendo con una profusión de datos que a veces resulta excesiva, un “documental” de 130 minutos en el que, sin embargo, no se encuentran algunos datos relevantes que se incluían en su segunda versión, que comenzaba con una serie de hechos sospechosos que tuvieron lugar años y días antes de los atentados. Pero en definitiva se trata de un impresionante muestrario de incongruencias y falsedades que producen pavor. Ver, por ejemplo, cómo una reportera de la BBC transmite desde Nueva York la noticia de que el tercer edificio acaba de derrumbarse, cuando aún no había sucedido, produce escalofríos. “De dónde obtenían la CNN y la BBC sus informaciones, teniendo en cuenta que el edificio aún se encontraba en pie, justo detrás de sus reporteros?”.

Si bien es cierto que se ha criticado en muchos foros la veracidad de lo que cuentan Zeitgeist y Loose change, se ha puesto en entredicho la documentación en la que sostienen sus teorías e incluso se puede encontrar un versión de Loose change en la que se puede ver la película con comentarios que refutan sus afirmaciones, lo cierto es que este tipo de producciones provocan en el espectador un desasosiego que quizás nos haga despertar de un cierto letargo en el que estamos sumidos y que, por ejemplo, nos lleva a aceptar sin dudas ni discusiones una situación de crisis que nadie nos ha explicado de dónde surge. Las afirmaciones de Loose change. The final cut son claras: “Nos han mentido continuamente sobre los hechos del 11-S, y elementos dentro del gobierno de Estados Unidos y de los grandes medios de comunicación continuamente encubren la verdad”.

Por supuesto, estas dos producciones están disponibles para ser vistas a través de internet sin ningún tipo de contraprestación económica y los DVD se pueden comprar a precios simbólicos.

Otra propuesta para la reflexión. El cineasta mexicano Alfonso Cuarón y la escritora canadiense Naomi Klein, para apoyar el lanzamiento del último libro de la autora, The shock doctrine, han realizado un cortometraje con el mismo título que es una patada en el estómago, y que encaja perfectamente con la situación que estamos viviendo. Haciendo un paralelismo con determinados procesos de interrogación a prisioneros, la doctrina del shock consiste en provocar un efecto devastador en una población para acabar promoviendo medidas impopulares que, tras el shock, se nos venden como protectoras. ¿Suena eso al 11-S y la política militar de Estados Unidos a partir de entonces? ¿Suena eso a la crisis económica y la propuesta de la UE, y especialmente de Francia, de aumentar la jornada laboral?

Proyectos sin ánimo de lucro que mueven a la reflexión y que, esperemos, consigan lentamente su propósito de promover una revolución ideológica que cada vez resulta más necesaria frente a los payasos que nos gobiernan.

Retazos de la guerra

2008-07-18T11:47:00.005+02:00

Mientras en nuestros canales de televisión las novedades veraniegas se limitan a concursos de reciclaje cutre como Valanota y Canta!Singstar o comedias resabidas como Lalola, en Estados Unidos HBO estrena una de las series que más va a dar que hablar en los próximos meses.

Hace unos años, un periodista de la revista Rolling Stone acompañó a las tropas de marines destinadas a la frontera con Irak para vivir en primera persona el comienzo de una invasión cuyos resultados, con el paso de los años, se han demostrado desastrosos. Sus vivencias entre casi adolescentes ignorantes de la situación real que les rodeaba, fueron narradas primero en una serie de tres artículos publicados en la revista y después en un libro. El autor, Evan Wright, se convirtió así en uno de los primeros cronistas que describían esa cierta sensación de caos que invadía a los invasores.

El canal por cable HBO, responsable de algunas de las producciones más interesantes que se han hecho para televisión en los últimos años, ha puesto todo su arsenal económico de producción para una serie, Generation Kill, que se estrenó el 13 de julio con una buena recepción entre crítica y espectadores. Rodada en Sudáfrica, la serie nos introduce en un batallón de los marines expectantes ante la inminencia de la guerra. Los creadores de Generation Kill son Ed Burns (no confundir con el actor y director) y David Simon, creadores de la que está considerada como una de las mejores series sobre policías antidroga que se han realizado en mucho tiempo, The wire (lo siento, no he visto ningún capítulo, trataré de ponerme al día este verano). Lo que da sin duda buenas garantías a esta nueva incursión en el terreno de la ficción televisiva.

Por lo que he visto en el primero de los siete episodios de los que está formada esta miniserie, Generation Kill puede darnos alguna sorpresa, pero puede caer también en algunos lastres que ya son palpables en su primera entrega. Uno de los principales es esa cierta confusión que se apodera de uno cuando lleva veinte minutos viendo el capítulo. Por mor de lograr transmitir esa sensación de caos que viven los soldados, se yuxtaponen situaciones, subtramas y personajes en un batiburrillo que a veces resulta cargante. Hay subtramas que se abren y cierran en poco tiempo, pero sin ofrecer una explicación verosímil. Hay, en definitiva, una especie de erupción de ideas sin desarrollar. Como si quisieran contarnos tantas cosas que no fueran capaces de hacerlo con coherencia.

En el lado positivo, Generation Kill ofrece una visión poco complaciente con la guerra, como no podía ser menos. Eso sí, con la guerra, no con los marines. Aquí los soldados no son bestias violentas como en La batalla de Hadiza o sanguinarios mastuerzos como en Redacted. Al contrario, si bien es cierto que hay en palabras de algunos soldados comentarios racistas y homófobos, que la escena en la que leen las cartas que les envían jóvenes adolescentes desde sus hogares puede herir la sensibilidad de cierto sector del espectador medio yanqui, HBO se cuida mucho de poner siempre en contraposición lecturas dúctiles con los soldados Una de cal y otra de arena. Para que nadie se moleste.

Pinta bien esta serie por lo que hemos visto. Tiene un buen nivel de producción, como no podía ser menos, y logra transmitir una sensación de realidad bastante verosímil, casi cercana al documental. Lástima que resulte tan condescendiente.

¿Dónde están los delincuentes?

2008-07-09T21:05:00.006+02:00

Según un estudio reciente, el número de empresas audiovisuales inscritas en el ICAA aumentó en un 14%, y los beneficios de la industria audiovisual un 32,9%. Criminalizar al espectador es una vergonzosa carrera hacia adelante que oculta en realidad una brutal reconversión laboral con el objetivo de obtener mayores beneficios con menores recursos humanos.

La beligerante posición que están adoptando las distribuidoras y productoras de medios audiovisuales con el tema de los derechos de autor resulta preocupante y, por qué no decirlo, peligrosa. Ante la incapacidad para ganar la batalla frente a la libertad de los espectadores por compartir, sin ánimo de lucro, películas o música (algo que está amparado por nuestras leyes), se han producido en las últimas semanas iniciativas ridículas para rascar hasta el último céntimo por lo que las productoras defienden como derechos de autor, cuando la mayor parte de los guionistas (los verdaderos autores) de España se quejan de las condiciones pantagruélicas que deben firmar con las productoras para poder ver sus historias llevadas a la pantalla, lo que supone un beneficio abusivo de su trabajo.

Ahora resulta que todos defendemos los derechos de autor. Paolo Vasile demanda a Youtube en nombre de Telecinco por atentar contra los derechos de autor. La distribuidora Filmax se ampara en un estudio ¡norteamericano! que sitúa a España entre los países con mayor índice de piratería (incluyendo en el término piratería al uso compartido sin ánimo de lucro de material audiovisual, algo completamente falso). Quizás para poder compararnos con el cine hecho en Estados Unidos deberíamos tener también una industria que no dependiera de los presupuestos generales del Estado, es decir, de los contribuyentes.

Un grupo de varias distribuidoras, Vértice 360, ha realizado un estudio entre los profesores según el cual el 75% apoya la proyección legal de películas en los colegios e institutos. Legal significa que, para que un aula de unos 30 alumnos pueda ver una película, el colegio debe pagar unos 300 € por cada proyección. ¿Estamos locos?

Tanto hablar de los derechos de autor, que se nos olvida que son los derechos de los espectadores (esos que con sus impuestos mantienen a la industria viva) son sistemáticamente despreciados. El público, el receptor de las obras audiovisuales, no tiene sus derechos protegidos, por ejemplo, por los plazos de explotación de los de los autores. En España, se establece que una obra audiovisual pasará a dominio público sólo a partir de 70 años después de la muerte de su autor, mientras que en directivas europeas se establece un máximo de 50 años y en países latinoamericanos solo de 30. Esto significa que, por el momento, ninguna película puede ser de dominio público. ¿Por qué se establece este plazo desde la muerte del autor, y no desde la exhibición pública de la obra, que sería lo más sensato? ¿Y por qué, siendo una obra colectiva, no se considera como autores de una obra audiovisual a todo el equipo técnico y artístico de una película? ¿Por qué se protegen determinados derechos de determinados colectivos solamente?

Que el sector audiovisual se encuentra en una crisis importante está claro pero, ¿resulta la situación tan catastrofista como nos la pintan? En un reciente estudio hecho público por FAPAE, la Federación de Productoras Audiovisuales, se nos revela que se ha producido un incremento de productoras cinematográficas inscritas en el ICAA, aumentando en un 14% en 2006 con respecto a 2005. A uno le asaltan las dudas: si el sector está desfalleciendo, ¿a qué se debe este aumento significativo de 183 empresas nuevas en un solo año? Según este estudio, la facturación del sector audiovisual aumentó entre 2001 y 2006 un 32,9%. ¿De donde viene entonces el catastrofismo? ¿Por qué un sector cuya facturación ha sufrido un aumento considerable culpa a los usuarios de las pérdidas de empleo? ¿No será una cortina de humo para aumentar los beneficios?

Tratar de contrarrestar los cambios que la revolución de internet supone en la industria audiovisual con reivindaciones abusivas no es, desde luego, adaptarse a los tiempos que se avecinan. Seguir utilizando las vías tradicionales de distribución y exhibición de obras audiovisuales es un error que muchas empresas pagarán caro.

Programación Especial Julio 2008

2008-07-02T21:48:00.012+02:00

Llega el verano y continuamos nuestra programación En Primera Fila, a través de la Onda Local de Andalucía. Pero, aunque no descansemos, sí os proponemos una serie de programas monográficos para soportar el calor.

Nuestra programación especial de Julio se centra sobre todo en Broadway y los musicales de actualidad. Aprovechando la reciente entrega de los Premios Tony, os presentamos algunas de las obras que han triunfado... y también algunas que se se han quedado a las puertas. Y habrá espacio también para los sonidos electrónicos de algunos destacados compositores del momento.

Julio 2008

Miércoles 2/Sábado 5

Metal Gear Solid 4 - Harry Gregson-Williams
Os presentamos la banda sonora de la recién presentada cuarta entrega de Metal Gear Solid, a cargo, de nuevo, de Harry Gregson-Williams y otros compositores japoneses.

Viernes 4/Domingo 6
Paul Oakenfold - Vexille
Ahora que está por retirarse para dedicarse a las bandas sonoras, os traemos uno de los últimos trabajos de Paul Oakenfold. Música sinfónico-electrónica para una película de animación recién estrenada en DVD.

Miércoles 9/Sábado 12
In the Heights 1ª Parte

Viernes 11/Domingo 13
In the Heights 2ª Parte
La obra que ha triunfado como Mejor Musical del año, en la primera ocasión que una obra hecha por latinos se lleva el máximo galardón. Producida por los responsables de Rent o Avenue Q, In the Heights es una obra llena de ritmo y espectacularidad.

Miércoles 16/Sábado 19
Fados
Aprovechando su edición de lujo en DVD y la promoción que tendremos regalando ejemplares, dedicamos un programa a la música del alma de Portugal a través de la banda sonora de este musical cinematográfico de Carlos Saura.

Viernes 18/Domingo 20
A catered affair
La última obra como autor de Harvey Fiernstein, el triunfador de los Tony gracias a su papel en el musical Hairspray. Su escaso éxito le ha llevado anunciar su última representación para finales de julio, a pesar de las buenas críticas.

Miércoles 23/Sábado 26
Disney's The little Mermaid. The musical
Os ofrecemos la adaptación para Broadway de La sirenita, para la que Alan Menken y Glen Slater han compuesta nuevas canciones. No ha conseguido convencer a la crítica, pero es uno de los musicales de mayor éxito en Broadway.

Viernes 25/Domingo 27
Winona Project - Craig Armstrong
En los descansos de su trabajo para el cine (El increíble Hulk), Craig Armstrong y Scott Fraser han creado un album de música electrónica con una cantante virtual que acaba de publicarse en julio.

Miércoles 30/Sábado 2
Xanadu
La adaptación a Broadway del musical kitsch que protagonizó Olivia Newton-John en los ochenta ha convencido a todos. Con cierto tono de ironía, Xanadu es uno de los musicales más divertidos que se pueden ver en Broadway actualmente.

Los negocios del cine

2008-06-30T21:33:00.009+02:00

Aprovechando las similitudes gráficas entre sus reclamos visuales, hablamos de dos iniciativas distintas, pero al fin y al cabo igualmente cinéfilas: un libro recién publicado y un festival de Música de Cine recién celebrado.

Jaimes Fuertes, crítico de cine y periodista (aunque lo parezca, no es contradictorio), reportero ávido de información durante algunos años en la televisión andaluza gracias a un programa maltratado por el propio Canal Sur, aficionado a la lectura y en especial a los interminables relatos de Stephen King... ha publicado un libro que trata de ofrecer una imagen desconocida de las estrellas de la gran pantalla: "Un negocio de cine" es su título, y surge precisamente de sus encuentros fugaces (siempre mirando el reloj, siempre pendiente del jefe/a de prensa de turno que tiene medido el tiempo como un cronómetro cabrón) con actores, actrices y cineastas, en su mayoría provenientes de los fastos de Hollywood.

No hemos leído el libro aún, pero da la impresión que contiene algunas jugosas anécdotas sobre el mundillo interno-externo de los famosos (porque, para decir la verdad, difícilmente tendremos un retrato realmente preciso sobre la personalidad de una estrella desde el punto de vista de un periodista, ya que al fin y al cabo las entrevistas son un juego de apariencias). Lo interesante de estas publicaciones es que logren que la fascinación del autor por los entrevistados de los que habla no termine fagocitando la verdadera distancia de una mirada que se supone diferente. Vamos, que no se corten un pelo en retratar las neuras, manías y gilipolleces de sus protagonistas. Y de camino, promete Jaime Fuertes, quiere ofrecer una lectura irónica sobre la crítica (los críticos) cinematográfica. Algo tan sano como la autocrítica siempre es de agradecer. En fin, que el libro está a la venta y esperamos vuestros comentarios. Podeis encontrar más información sobre esta publicación en la web: www.unnegociodecine.es

No deben andar los diseñadores españoles muy ingeniosos últimamente porque, mira por dónde, el II Festival de Música de Cine utiliza, como la portada del libro de Jaime Fuertes, una representación del Paseo de la Fama de Hollywood como reclamo visual. En fin...

En Tenerife se ha celebrado estos días una nueva cita con la música cinematográfica, que esperamos dure más años que el Festival de Madrid, que sólo ha permanecido dos ediciones, desapareciendo además con más bien pocas explicaciones por parte de sus organizadores. Filmucité fue una iniciativa del compositor canario Diego Navarro que, a falta de bandas sonoras que componer, decidió organizar, con la Orquesta de Tenerife de la que es titular, un encuentro de aficionados a la música en el cine.

Este año ha tenido como invitados a un plantel de nombres destacados del panorama actual, algunos de los cuales llevan ya dos o tres años paseando palmito por las citas que se celebran en España: Christopher Young, John Frizzell (inaudito su éxito entre los aficionados, a pesar de su renqueante filmografía), Joel McNeely, Trevor Rabin, los alemanes Reinhold Heil y Johnny Klimek (autores de esa espléndida partitura para El perfume), Tom Tykwer (en su doble faceta director-compositor), el imprescindible este año Fernando Velázquez gracias a su previsible trabajo para El orfanato y el inusualmente guapo (permítaseme el paréntesis tontorrón, pero es que no abundan los rostros interesantes entre los músicos de cine) Ramin Djawadi. Algunos dirán que se trata de compositores de segunda fila, teniendo en cuenta que ahí están nombres como James Newton Howard, Thomas Newman o Danny Elfman, auténticos nombres con mayúsculas de la música de cine actual. Pero es lo que hay.

En todo caso, esta manía que han puesto de moda ahora los organizadores de encuentros de música de cine de ofrecer conciertos-batiburrillo en los que van cambiando de director, de compositor, de tonalidad musical, de todo, siempre me ha parecido una catetada. Es como querer agradar a todo el mundo, pero la coherencia de los conciertos resulta nula. Prefiero los conciertos temáticos o monográficos que ofrecían los Encuentros de Sevilla, que además cuidaba especialmente que fueran los propios compositores los que dirigieran a la orquesta. Pero esto es lo que hay. Estamos en la cultura del zapping, hasta en los conciertos de música cinematográfica.

Sorolla: el "marketing" de las colas

2008-06-27T20:46:00.002+02:00

La Exposición que tiene como protagonista a Sorolla aumenta su número de visitantes. Lo que no dice Bancaja es que se obliga a esos visitantes a soportar más de 40º en colas innecesarias.

Que las entidades financieras inviertan nuestro dinero en cultura es loable o, al menos, sabemos que el dinero con el que les forramos los bolsillos a sus directivos también sirve para algo. Una de las más activas últimamente es Bancaja, dedicada a promover iniciativas culturales por mor de una autopromoción a veces insoportable. Que vayas a una exposición con una sonrisa y salgas de ella atiborrado de bolsas gigantescas en las que importa más el logotipo del banco que su contenido cultural es frustrante. Sobre todo porque la bolsa la tienes que coger por cojones, y aunque tengas ganas de tirársela a la cara a la joven azafata que no te la entrega sino que te la endosa sin contemplaciones, te contienes porque sabes que la chica, al fin y al cabo, sólo está aleccionada por los diseñadores de una exposición llamada a provocar colas.

Lo malo es que las colas de la Exposición de Sorolla son otra operación de márketing. No son necesarias, la sala no está abarrotada de público (si exceptuamos los fines de semana, llenas de turistas). Son reales las cifras, pero es mentira que tengamos que estar haciendo cola cuando vamos a verla. Pocas veces el volumen de público de un museo provoca colas. No lo hizo, desde luego, la espléndida muestra de El Greco que pudimos contemplar también en el Museo de Bellas Artes de Sevilla, museo en el que cualquiera puede entrar y salir sin tener que ser “contado”, cacheado y azotado con las bolsas gigantes de Bancaja.

Entonces, ¿por qué las colas de Sorolla? ¿Por qué algunos empleados del Museo farfullan diciendo “es demencial tener a la gente así” cuando ven un grupo de personas soportando más de 40º a las puertas del Museo? Cuando por fin consigues sortear todas las pruebas que se te ponen a tu paso, te das cuenta. ¿Qué hago yo esperando 20 minutos de cola cuando en la sala casi no hay gente? Puro márketing. Pero cuando el márketing se ceba con quienes les damos a los organizadores de la muestra la excusa para hacerse una paja con las cifras de visitantes, entonces es pura desvergüenza.

Ya tuvimos que soportar colas en la anterior “gran exposición” organizada por Bancaja en Sevilla, la del supuesto Belén gigante. En ese caso, una explicación soporífera en video mantenía al público pasivo mientras el resto pasaba frío haciendo cola. La cultura de la cola, a la que los sevillanos deben estar acostumbrados, porque no se oye ni un murmullo mientras se nos caen los goterones de sudor. Ni siquiera cuando nos damos cuenta de que todo era mentira.

Festival Actúa 2008: La obviedad al poder

2008-06-12T18:38:00.006+02:00

Se han proyectado en Sevilla los cortometrajes finalistas del Festival Actúa, que organiza desde hace tres años Intermón Oxfam. Una propuesta interesante que se ve lastrada por una selección discutible.

El cine “comprometido” está de moda. Estrellas mediáticas como Al Gore o Leonardo DiCaprio medioambiental se apuntan al mesianismo con documentales que nos recalcan los problemas del cambio climático. Y, aunque se trate de productos de marketing fabricados para grandes masas, hay que reconocer que películas como Una verdad incómoda o The 11th hour (aún inédita en España, y desde luego mucho menos entretenida que el documental de Gore) hay que reconocer que acaban impregnando el mensaje ecologista en muchos más espectadores que otras iniciativas más interesantes pero con menor aparato publicitario. Caso más flagrante, por cierto, el de DiCaprio, protagonista, recordemos, de una película como La playa, cuya productora fue condenada por daños ecológicos durante el rodaje en las islas tailandesas de Phi Phi Lek.

Estos días se proyectan en Sevilla los cortometrajes finalistas del Festival Actúa, dedicado a la difusión de los mensajes promulgados por esta ONG a través de la convocatoria anual de un tema sobre el que se presentan cortometrajes de ficción y documental, y la organización de un festival audiovisual en colaboración con Canal Plus. La iniciativa es interesante, y desde este año se proyecta también en Sevilla.

Pero la selección de cortos que hemos visto hasta el momento caen, porque la selección ha caído también, en la trampa de la obviedad y las buenas intenciones sin grandes logros técnicos. Ese es el gran lastre del cine comprometido: no ser capaz de transmitir el mensaje (muchas veces obvio, conocido, sin apenas aristas) con una propuesta que resulte también diferente, novedosa. No basta con poner una cámara delante de un rostro que nos comente datos o que nos hable de su experiencia personal. Hay que exigir también un compromiso envuelto en una creatividad artística que no acabe sepultando el mensaje (si se quiere dar alguno) pero que aporte originalidad.

Tampoco me gustan las películas, de ficción o documental, dogmáticas, sino aquellas que sugieren reflexión. Es más efectivo plantear el problema con sus aristas que lanzar un discurso cerrado. Es el gran problema de estas producciones, pero también el gran problema de las Organizaciones no Gubernamentales. Lanzar dogmas, frases hechas, números y datos que nos apabullan y nos acaban cegando. Hay que reivindicar el derecho a ser también partícipes y conocer los aspectos positivos y negativos del mensaje que se nos plantea.

Desgraciadamente, una selección de cortos que se nos antoja demasiado poco elaborada y demasiado condescendiente acaba dando lugar a un festival audiovisual que, al margen de las propuestas ecológico-sociales, no encuentra el perfil de calidad que se exige a una muestra de cortometrajes.

Los premios entregados este año, no obstante, en general reconocen a los cortos más interesantes de la muestra:

Primer Premio Ficción:
Bendito Machine II (La chispa de la vida), de Jossie Malis

Una propuesta distinta dirigida por un peruano asentado en Barcelona, que presenta a través de una original fábula de animación una reflexión sobre la obsesión por acaparar. Al mismo tiempo que funciona su mensaje, es el corto que mejor sabe ofrecer un mensaje claro con una propuesta visual inteligente.

Premio Premio Documental:
Nimboyores, de Carlos Rovira

Resulta más interesante lo que cuenta que cómo lo cuenta. La lucha de un grupo de campesinos que defienden el acuífero costarricense de Nimboyores frente a la explotación de una compañía hotelera es atractiva por el contenido, pero demasiado simple formalmente.

Segundo Premio Ficción:
The fantastic life of Mr. Tripathi, de Amit Raj

Si hubiera sido más conciso y menos ambicioso, si no hubiera querido abarcar todo lo abarcable, este corto de excesivo metraje nos sitúa en la India y en las decisiones que un hombre de mediana edad va tomando a lo largo del día. A veces divertido, en ocasiones ridículo, le falta la capacidad para saber llegar a concretar sus intenciones.

Segundo Premio Documental:
One of many drops, de Delauré Fabrice

Una dura historia sobre un chico francés hemofílico al que contaminan con sangre infectada del VIH en los años ochenta. Realizado como documental ficcionado, cuenta la historia con interés, aunque no puede evitar recrearse en los elementos melodramáticos.

Premio del Público:
Tres historias y un vaso de leche, de Álvaro Porro y Pablo Fraguas

Interesante acercamiento al peligro que suponen los cultivos de soja, especialmente para los campesinos latinoamericanos que son expulsados de sus tierras. Tres historias que enlazan el cultivo de soja con la ganadería y la alimentación diaria de los países del Norte. Resulta algo discursivo y de nuevo demasiado largo como para hacer del todo efectivo su mensaje, pero acaba siendo revelador.

"Big Buck Bunny": Todo un acontecimiento

2008-06-06T22:56:00.006+02:00

Mientras se realicen cortometrajes de gran calidad como éste con software libre, disponibles para el disfrute de los espectadores sin el “impuesto revolucionario” de las entidades acreedoras de derechos de autor, la libertad creativa seguirá siendo una realidad.

Frente a los recaudadores de beneficios económicos exorbitantes por el desarrollo de nuevas tecnologías y por la creatividad de otros, existe una comunidad cada vez mayor que reivindica el derecho a compartir su trabajo con sus destinatarios sin necesidad de intermediarios usurpadores de ganancias algo difusas. El sello Creative Commons es una necesidad palpable para quienes no queremos ver nuestro trabajo secuestrado por gestores cuyas cuentas no están demasiado claras. De ahí que en el terreno audiovisual surjan cada vez más productos de calidad cuya disponibilidad no mercantilista permite a sus responsables trabajar con la libertad creativa que el contacto directo con los espectadores les otorga.

Ya hablamos en su momento en este blog del documental Zeitgeist, una valiente reflexión sobre nuestra sociedad que, por cierto, en esta época de “crisis” económica que no sabemos de dónde nos llega es interesante revisar, ya que puede darnos algunas claves reveladoras.

Hace una semana se estrenó en internet el cortometraje Big buck bunny, una producción realizada con todos los medios (y el personal, solo hay que ver los créditos finales) disponibles para crear uno de los cortometrajes de animación 3D más interesantes de los últimos meses. Big buck bunny es deudor de los grandes trabajos de animación clásicos, pero también de las recientes producciones del género, como las de Pixar. Y desde luego, esta historia de guión meticuloso y trazo de personajes certero no tiene nada que envidiar técnica ni creativamente a las grandes producciones de animación que estamos acostumbrados a ver en los cines.

La particularidad de Big buck bunny es que está desarrollado enteramente con software libre, es decir, con herramientas creativas que no tienen que pagar el canon de las multinacionales y que demuestran que esta vertiente creativa es una de las claves de un futuro cercano. Que se puedan realizar producciones de alta calidad como este cortometraje, éxito absoluto en descargas en internet, sin duda es una bocanada de aire fresco para los autores de obras realizadas con absoluta libertad (hay una mala leche incorporada a esta historia que posiblemente sería difícil de encontrar si estuviera respaldada por alguna multinacional).

Big buck bunny está producido por el Blender Institute a través de su Fundación, una organización dedicada precisamente al desarrollo de software libre. Se trata del primer trabajo de la Fundación a través de este nuevo Instituto de creación, aunque en 2006 ya produjeron otro espléndido cortometraje de animación 3D, Elephant's dream. El cortometraje además cuenta con un interesante trabajo musical del compositor Jan Morgenstern (con más medios que en su anterior trabajo) que desde hace unos días también está disponible en la web oficial de la película, bajo licencia no comercial de Creative Commons.

Ya se habla de Big buck bunny como un serio aspirante al Oscar al Mejor Cortometraje del año, siempre que su insólita vía de distribución cumpla los requisitos de la Academia de Hollywood. Si consiguiera estar nominado o ganara el Oscar, sería la primera vez que lo logra una producción realizada enteramente con software libre y, por tanto, se convertiría en un mazazo sin precedentes a la industria tradicional. En todo caso, y al margen de consideraciones de este tipo, Big buck bunny es uno de los mejores trabajos de animación de 2008.

Podéis acceder a la web del cortometraje en nuestra lista de Enlaces recomendados.

Nuevas(s) frontera(s) del terror

2008-05-31T12:26:00.007+02:00

Desde Francia nos llegan algunas de las propuestas más interesantes (y sádicas, todo sea dicho) del cine de terror europeo, aunque muchas de ellas permanecen inéditas en la cartelera española.

Últimamente han venido surgiendo nombres de cineastas franceses que aportan una mirada, si no completamente novedosa, sí al menos interesada en construir historias de terror o de suspense, que consiguen desligarse de los tradicionales argumentos de las cada vez menas atractivas incursiones en el género por parte de Hollywood. Calcos incompletos de producciones orientales (sin la capacidad de fascinación que éstas provocan), el cine norteamericano parece estancado en una constante fotocopia de ideas ajenas, mientras que en Europa surgen iniciativas que dan una vuelta de tuerca al género.

Personalmente, me parecen muchos más atractivas las películas francesas que las españolas. No me convence la esforzada pero vacía producción de Filmax, ni siquiera aquellas que logran el reconocimiento internacional (ahí está REC, ese ejercicio técnico de resultados inocuos). Prefiero el cine de Fabrice Du Welz, Alexandre Aja o Xavier Gens. Éste último, antes de incurrir en el error de perpetrar la vigésimanosecuantos adaptación de un videojuego (Hitman) dirigió Frontière(s), que se pudo ver en el pasado Festival de Sitges y llega estos días a la cartelera norteamericana. Con una mirada puesta en La matanza de Texas (familia sádico-caníbal), continúa los cauces del cine de terror sangriento llevado hasta sus últimas consecuencias, como Calvaire, de Fabrice Du Welz y, con peores resultados Sheitan, de Kim Chaparon (editada recientemente en DVD en España).

Pero en Frontiére(s), al margen de su tendencia al sadismo, su excesiva, desagradable, a veces insoportable violencia, contiene buenas dosis de gran cine de terror. Consigue crear escenas y ambientes de malsana inquietud, y logra construir una sucesión de secuencias de tensión que nos dejan sin aliento, además de elaborar interesantes ideas visuales (esos protagonistas convertidos en una suerte de zombis, de muertos vivientes casi tan salvajes como sus depredadores). Xavier Gens introduce al comienzo y al final una referencia al conflicto de la inmigración (esos jóvenes franceses descendientes de inmigrantes que son despreciados como ciudadanos), mientras que el auge del ultraderechismo en algunos países le permite rodear a su sádica familia fascistoide de una cierta metáfora política que alimenta con astucia un reflejo de la sociedad europea actual que, aunque resulte algo pretenciosa, funciona con la misma eficacia que el que destilaba La noche de los muertos vivientes sobre la sociedad norteamericana de su época.

Por su parte, Á l’intérieur, dirigida por Alexandre Bustillo y Julien Maury, convierte un embarazo en el catalizador de una pesadilla sangrienta con resultados impredecibles. Quizás en esta película, que tiene como obra referencial a La semilla del diablo, por el tono y la cadencia de sus imágenes, pero que acaba desembocando en una orgía sanguinolenta encontramos menos honestidad que en la anterior. Porque, al fin y al cabo, Frontiére(s) es lo que es y así se nos propone desde el principio, pero Á l’intérieur tiene un planteamiento espléndido (la primera aparición de la asesina en la casa solitaria) con cierto aire de suspense bien dosificado, pero termina convertida en otra historia más de vísceras y escenas truculentas. Y esa cierta sutileza que destaca en los primeros minutos desaparece completamente, con giros de guión inverosímiles y gratuitos.

No obstante, vuelve a ser una película de terror con una puesta en escena y un desarrollo que mantiene ese interés que los artificios previsibles de otras cinematografías no consiguen. Le une a Frontiére(s), en su condición de reflejo de una nueva generación de directores, su referencia leve a los conflictos raciales de los suburbios de París. Como si estos jóvenes realizadores, muchos de ellos hijos de inmigrantes pero plenamente franceses (a los que el gobierno francés se niega a reconocer) tuvieran siempre presente una realidad muchísimo más terrorífica que la que cuentan en sus películas.

Cannes, el prestigio vacuo

2008-05-25T12:12:00.012+02:00

Termina el Festival de Cannes tras una semana incesante de proyecciones, reuniones y estrellas de Hollywood que encuentra en esta cita su particular plataforma de prestigio.

Cannes es un lugar especial en el que, a poco que te comportes como una persona normal, terminas desplazado por la personalidad “chic” de sus visitantes. En este espacio pequeño pero fastuoso, todos se transforman, entre esmoquin y yates. Es, quizás, el único festival del mundo en el que uno se puede sentir como un gentleman de la alta sociedad, si eso realmente te importa un comino.

Lo mismo les pasa a los directores y las estrellas de Hollywood. Siempre han tenido una especial obsesión por la muestra francesa. Michael Moore, por ejemplo, que tan “cercano” pretende resultar, no se pierde ni un año esta cita con el lujo y el desperdicio. Ya sea presentando sus demagógicas propuestas documentales, ya sea paseándose como un director de prestige. Y es que en Cannes los directores norteamericanos parecen sentirse, digamos, más artistas, más creadores. Steven Spielberg puede llegar a superar récord de taquilla este fin de semana con su Indiana Jones (a tenor por las primeras cifras, estaría cerca de alcanzar cifras millonarias). Pero presentar su película en Cannes le da cierta honorabilidad. Es como si tuvieran que traspasar la puerta de Europa para sentirse AUTORES.

Como Steven Soderbergh, ese creador de propuestas aparentemente independientes que, acompañado por su coleguita George Clooney, contiene mayor carga comercial que la cuarta entrega de Indiana. Pero como son modernillos con carnet , todo el mundo les ríe las gracias. Sin embargo, su Che-Argentino tiene visos de convertirse en uno de los grandes fiascos de la temporada. En Estados Unidos, muchos analistas se preguntan si la película tendrá distribución en cines, ya que sus cuatro horas y media de duración le convierten en veneno para la taquilla, especialmente tras el batacazo que se dieron Quentin Tarantino y Robert Rodríguez con Grindhouse. Y no parece que la propuesta de Soderbergh de que se estrenen las dos películas juntas la primera semana y después por separado vaya a hacer mucha gracia a los exhibidores. Ni Soderbergh es Bertolucci ni su película es Novecento. Ya quisiera.

Cannes es también la plataforma de nuestros directores más “arriesgados”, aunque en ese riesgo se implique, de hecho, una campaña de marketing cinéfilo igualmente rentable. Si no, que se lo digan a Jaime Rosales, que ha sabido rentabilizar su paso por la Quincena de Realizadores con sus dos primeras naderías. Este año asomó por las pantallas del mayor mercado cinematográfico del mundo la segunda incursión en el cine de Albert Serra, tras el reconocimiento crítico de su anterior peñazo, Honor de cavallería. Como en aquella, Serra utiliza una base argumental externa (aquí los Reyes Magos) para construir, en El canto de los pájaros, otro de esos ejercicios que tanto gustan a la crítica francesa y que, como bien afirmaba Rodríguez Marchante, precisamente por ser valorada por la crítica gala demuestra su absoluta vacuidad, adornada con ínfulas de cine “diferente”.

En fin, Cannes ha sido, un año más, la alfombra roja de los cineastas que quieren ser recordados y reconocidos, de estrellas de Hollywood que quieren ser mitificadas y de gente normal que quiere tener, aunque solo sea durante una semana, su dosis particular de glamour caduco.

Premios 2008

Palma de Oro
Entre les murs, de Laurent Content

Gran Premio
Gomorra, de Matteo Garrone

Premio del 61 Festival de Cannes (ex-aequo)
Catherine Deneauve por Un conte de Noël, de Arnaud Desplechin
Clint Eastwood por Changeling / The exchange

Premio Dirección
Nuri Bilge Ceylan por Üç Maymun (Three monkeys)

Premio del Jurado
Il divo, de Paolo Sorrentino

Interpretación Masculina
Benicio del Toro por Che/Argentino, de Steven Soderbergh

Interpretación Femenina
Sandra Corveloni por Linha de passe, de Walter Salles, Daniela Thomas

Guión
Le silence de Lorna, de Jean-Pierre y Luc Dardenne

CORTOMETRAJES

Palma de Oro
Megatron, de Marian Crisan

Premio del Jurado
Jerrycan, de Julius Avery

CAMERA D'OR

Premio Camera D'Or
Hunger, de Steve McQueen (Un Certain regard)

Mención Especial
Ils mourront tous sauf moi, de Valeria Gaï Guermanika (Semana de la Crítica)

UN CERTAIN REGARD

Premio Un Certain Regard
Tulpan, de Sergey Dvortsevoy

Premio del Jurado
Tokyo Sonata, de Kurosawa Kiyoshi

Premio del Jurado Heart Throb
Wolke 9, de Andreas Drese

The Knockout of Un Certain Regard
Tyson, de James Toback

Premio a la Promesa
Johnny Mad Dog, de Jean-Stéphane Sauvaire

CINÉFONDATION

Primer Premio
Himnon (Hymn), de Elad Keidan (The Sam Spiegel Film and Tv School, Israel)

Segundo Premio
Forbach, de Claire Burger (La Fémis, Francia)

Tercer Premio
Stop, de Park Jae-ok (The Korean Academy of Film Arts, Corea del Sur)
Kestomerkitsijät, de Juho Kuosmanen (University of Art and Design Helsinki, Alemania)

Vergüenza y bocazas

2008-05-18T11:42:00.003+02:00

Lo que está aconteciendo desde el Festival de Sevilla en los últimos días es bastante vergonzoso. Dimes y diretes, que me voy-que no me voy, filtraciones... y todo para que aparezcan los gurús de siempre hablando de lo que no tienen ni idea.

La elegancia es una virtud que en ocasiones viene bien. Decíamos en nuestro anterior artículo que tras las buenas palabras se escondían cuchillos listos para ser lanzados. Efectivamente, los protagonistas del episodio surrealista de las dimisiones del Festival (Manuel Grosso, Carlos Rosado, Maribel Montaño) se han enzarzado en una trifulca estúpida, indigna de personas metidas en la gestión pública, que ha destapado la verdadera razón por la que se produjo la dimisión del director artístico esta semana. Grosso y Rosado no se soportan.

Que si uno ha filtrado no sé qué a no sé qué periódico, que si empresas privadas en las que participaban cargos del festival se llevaron contratos millonarios... Es curioso que desde el Ayuntamiento no se explique por qué un acontecimiento cultural sufragado por el Consistorio debe echar mano de empresas privadas que tienen que adelantar (y arriesgar) su capital para poner en marcha esa actividad. Estamos hablando de miles de euros. Simplemente, el Ayuntamiento es incapaz de mantener una gestión económica lo suficientemente ágil como para organizar estos encuentros. Da igual que se llame ICAS u Oficina de Promoción Exterior de Sevilla. El Ayuntamiento de Sevilla es un moroso compulsivo en el que, sin embargo, necesitan confiar las empresas privadas culturales. ¿Por qué no se dedica Maribel Montaño a tratar de mejorar la gestión económica cultural del Ayuntamiento en vez de entrar al trapo de acusaciones que, por otro lado, caen sobre su propio mandato?

Lo malo de estas trifulcas de gamberrillos es que siempre acaban apareciendo esos gurús de la cultura sevillana que hablan de todo sin tener ni idea de nada. En el Diario de Sevilla, lanzan estos días una serie de gilipolleces sobre propuestas estúpidas para el Festival de Sevilla. Resulta que gastarse más de 1 millón de euros en un festival de cine no tiene sentido. Curiosamente, desde la anterior dirección artística se defendía que hacía falta más presupuesto. El Festival de Sevilla es, con diferencia, uno de los festivales de cierta envergadura con menor presupuesto de los que se celebran en España. Málaga, San Sebastián, Gijón... cuentan con más dinero para ofrecer una programación y una lista de invitados de altura. Desde el Diario de Sevilla se ha acusado siempre al festival de no traer a representantes de las películas que se proyectan, pero ahora resulta que el presupuesto es demasiado abultado. ¿Es gratis traer a directores y actores para que presenten sus películas?

Se apuesta por un festival que mire al futuro gracias a las nuevas tecnologías. Lo que muchos no saben es que, hoy por hoy, las nuevas tecnologías son más caras que las tradicionales. Proyectar digitalmente en una sala de cine, que habitualmente no está adaptada para ello, resulta caro. Incluso proyectar un DVD en vez de una película de 35 mm. resulta más caro, ya que las salas de proyección no cuentan con soportes para ello. Y si hablamos de proyección digital, solo hay que preguntarle a los responsables de Cinesur cuánto tiempo y cuánto dinero deben recaudar para amortizar la millonaria inversión en sus dos salas digitales.

Lo que sí ha quedado claro con todo este barullo estúpido alrededor de un Festival que, a falta de menos de seis meses aún no se ha empezado a trabajar en serio para su próxima edición (¿Alianza de Civilizaciones? ¿Ya estamos haciendo concesiones políticas?), es que el modelo del ICAS es un desastre. No ha servido para nada. Todo sigue igual que cuando no existía. Lástima haber perdido una oportunidad para mejorar las cosas. Pero Juan Carlos Marset, el delegado de cultura de los grandes bluffs, anda ahora metido en otras historias. Uno caga y los que quedan atrás recogen la mierda.

El festival huérfano

2008-05-15T18:41:00.003+02:00

El Festival de Sevilla se queda sin director artístico. Y ya andan buscando por Madrid, que no por Sevilla ni Andalucía, un sustituto. Será que somos tan “europeos” que necesitamos que nos vengan a hacer los deberes desde fuera.

Los protagonistas de esta opereta se lanzan estos días buenas palabras y terminan matizando sus declaraciones. Que si “nunca se ha dicho que no”, que si yo no he dicho eso”. Tendrán que hablar claramente la próxima vez que se les pregunte, porque si cada vez que haces una declaración tienes que hacer 3 más para aclarar la primera, vamos listos. En realidad, lo del Festival de Sevilla siempre ha sido un poco surrealista y algo cutre. Que un festival tenga sus oficinas en los “bajos” del Consulado de Portugal no deja de ser esperpéntico. Y eso que al alcalde de Sevilla, cuando se paseaba por Venecia o Cannes y organizaba fiestas de presentación en las que se trataba por todos los medios de que fuera alguna “estrella” internacional, se le caía la baba con el festival.

Lo de la Andalucía Film Commission también es un poco curioso. En este acaparamiento de gestión de festivales (primero Sevilla, después Islantilla) los directores de las muestras siempre han acabado fuera del proyecto (Juan Labrador, Manuel Grosso) lo cual, hombre, o es mala suerte o es mal rollo. Y, no nos engañemos, desde que Carlos Rosado entró a gestionar el Festival de Sevilla se sabía que Manuel Grosso no iba a durar mucho (se cuenta “off the record” que silbaban los cuchillos en la pasada edición, y que los enfrentamientos en las tomas de decisiones eran diarios). Claro que ahora hay que poner buena cara, irse cada uno para su casa y desentenderse de polémicas que no interesan.

Al Festival de Cine Europeo le quedan unos seis meses para que se celebre su nueva edición (quitemos uno o dos meses de verano en los que poco se puede gestionar). Hasta ahora, se ha hecho poco en cuestión de programación, entre otras cosas porque la oficina funcionaba mal que bien. Al Festival de Cannes, una de las muestras de las que salían mayor número de películas para la programación del festival, parece que no acudirá ningún representante de Sevilla para buscar y, sobre todo, negociar títulos (no se trata solo de seleccionarlas, sino de conseguirlas antes que otros festivales más potentes como San Sebastián, Valladolid o Gijón). Así las cosas, la próxima edición del Festival de Sevilla va a tener que programar series de televisión, como el Festival de Islantilla.

Lo que más sorprende es la tranquilidad aparente de todos. El alcalde anda en las catacumbas del futuro metro de Sevilla a ver si es posible que le salga más barato que el tranvía. La Delegada de Cultura no se entera muy bien de nada de lo que pasa. Y Carlos Rosado anda ahora mismo pensando en si Miguel Ángel Silvestre “El Duque” provocará en Islantilla el mismo fervor adolescente que provocó en el Festival de Málaga. Mientras, el cine europeo se queda huérfano.

¿Para qué sirve un festival

2008-05-03T12:41:00.005+02:00

El Festival de Cine Español de Málaga se ha convertido en un referente para las producciones recientes de nuestro cine. Pero, a la vista de la programación, ¿realmente cumple una función coherente de difusión del cine?

En el ámbito cinematográfico, el Festival de Málaga se perfila, más que como una selección de lo más interesante del panorama español, como una especie de sesión de preestrenos de películas que desembarcan en la cartelera días después. Así que su función de festival queda un poco desdibujada, sobre todo si echamos un vistazo a las películas premiadas.

La gran triunfadora fue una producción andaluza “apadrinada” por el malagueño más internacional. 3 días (premios a la Película, Actriz de reparto, Maquillaje y Guión novel) es una propuesta atractiva de entrada pero que se ve anquilosada por un trabajo de dirección efectista e histriónico, que sepulta los valores de un guión incapaz de sustraerse al típico cine de psicópatas. Cobardes (Premio de la Crítica, Mención Especial del Jurado), confirma a José Corbacho y Juan Cruz como dos directores incapaces, con una historia llena de clichés, de personajes sobados en miles de telefilmes y de recursos de guión inaceptables. Todos estamos invitados (Premio Especial del Jurado, Actor de reparto) es quizás la peor película de Manuel Gutiérrez Aragón en mucho tiempo. Afronta el terrorismo con una desgana y una ineficacia sorprendentes en un director veterano.

Al menos Fuera de carta (Mejor Actor, Premio del Público), si bien tiene todos los tics de productos televisivos como Aída o La que se avecina, consigue entretener, aunque sea a base de las mayores ordinarieces que se han escuchado en mucho tiempo. Ya que no hay otra cosa, es de agradecer cierto cine sin pretensiones de modernez, ni ínfulas de denuncia social.

Sin premio se quedaron la inverosímil Proyecto dos, un thriller que no produce tensión alguna, la supuesta comedia coral 8 citas, enésima incursión en el universo de las parejas con los mismos actores de siempre, o Un poco de chocolate que, a pesar del buen trabajo del maestro Héctor Alterio, no termina de encontrar el equilibrio entre el realismo mágico y la crónica geriátrica.

El drama del clown

2008-04-21T14:03:00.009+02:00

A Peter Shub, uno de los clowns más destacados del mundo, le acompaña una tragedia vital que convierte su trabajo en un acto heroico.

Este fin de semana hemos contado con la visita de uno de los clowns más famosos, el norteamericano Peter Shub, dentro de la programación del Festival Internacional de Teatro de Sevilla. Sin duda, todo un acontecimiento para los amantes del arte de la mímica llevada hasta niveles de pureza absoluta y convertido en una cascada de diversión para los espectadores, participantes activos de un espectáculo que Peter Shub ha ido perfeccionando desde que se dio a conocer y trabajó durante largas temporadas en el Circus Roncalli alemán, primero, y en el Cirque du Soleil canadiense, después.

Pero el auténtico placer que produce ver a Peter Shub en solitario es mucho más intenso, teniendo en cuenta que él y su personaje (un ser entrañable) logran atraparnos poco a poco hasta que al final la palabra se convierte en resurrección del gag visual. Igual que otros destacados clowns que nos visitan estos días (Nola Rae, Jango Edwards), Peter Shub se ha situado en una posición envidiable en el panorama teatral-circense, aunque a él le acompaña una tragedia vital que acaba rodeando su trabajo, ya de por sí difícil, de una condición casi heroica.

En 2001, Peter Shub perdió a su hijo de cinco años en un accidente producido en una exposición de esculturas, una de las cuales cayó sobre el niño. Esta dramática pérdida sin duda ha marcado la personalidad de Peter Shub (aún hoy, a pesar del tiempo transcurrido, mantiene un cierto aire de tristeza en su mirada). Pero esta tristeza se transforma cuando Shub sube al escenario. Como él mismo dice: “Puedes ser el hombre más triste del mundo, pero cuando llegas al teatro tienes que entretener al público”.

Todos llevamos un equipaje vital a nuestras espaldas, algunos más pesado que otros, y que uno de los clowns más divertidos del momento tenga tan dura carga que soportar sorprende por la capacidad de este profesional para sobrellevar su drama personal mientras el público ríe a carcajadas.

Las reflexiones de Peter Shub sobre la muerte de su hijo se muestran en un excelente cortometraje documental titulado Awakening from the long sleep of life (Despertando del largo sueño de la vida), dirigido por Constanze Waeger, que es toda una declaración de amor de un padre por su hijo.