BIPOLAR

NÚMERO ONCE - SEPTIEMBRE 2006

2006-09-16T12:04:00.000-03:00

NO, NO ENTIENDO

El padre de Sebastián Bordón, la mamá de Ezequiel Demonty y la madre de Mariano Witis dieron una lección. Una lección de una grandeza tan grande que emocionó. Fue en el programa de cable Periodistas, que conducen Tenembaum y Zlotogwiazda en el canal Magazine. Hay un malentendido: muchas veces la palabra de alguien que sufrió un dolor inmenso tiene más validez que la de un especialista, que empeñó su vida preparándose para analizar qué hacer frente a un problema. Estos tres padres manifestaron, prudentes, frases con la supuesta idoneidad que confiere el dolor, pero del otro lado del escritorio, del lado de los excluidos, con discursos racionales y lúcidos. Dijeron que, a realidades complejas, las soluciones fáciles son en verdad engaños, que teñirán de sangre el porvenir. Recordaron a la Mejor Policía del Mundo. Al “metan bala” de Ruckauf. Destacaron el desorden de valores del petitorio Blumberg. Luis Bordón cerró con una reflexión, que no por escuchada deja de ser ciertísima: Si para nosotros la vida de un chico que cartonea es lo mismo que nada, no podemos exigirle a ese chico que considere a nuestra vida con más valor que eso: nada.

Mex Urtizberea, la columna mejor edificada de La Nación, nos hace un repaso de su expresividad multifacética en el Bonustrack: músico, escritor, periodista y fumador compulsivo de habanos. Los Modernos, en el Vermouth, o la dupla teatral que se pasea con éxito por tierras ibéricas y está deleitando a los porteños con su Breve desconcierto breve, en el Maipo. Los Cafres, el grupo de reggae que día a día se consolida cada vez más, en la Entrevista, nos prestan a su líder, Guillermo Bonetto, para que nos cuente cómo es tomarle prestada la música al Dios Selassie I para recrearla frente al Obelisco. El Bipolar del mes es Tití Fernández, el periodista deportivo que es la sana envidia de los entrenadores: se pasó más de tres décadas cerca del banco de suplentes, siempre con humor. La Tragedia de este mes es un tema libre. Peones de taxi enfadados por la suba de la bajada de banderita versus patrones felices con el ajuste de los precios, cara a cara: jaque mate. La Súper Sopa, el alimento que habría de erradicar la pobreza, está viva; hicimos una Investigación al respecto, y te contamos las novedades de este programa nutricional que a pesar del silencio está mejor encaminado que nunca. El Ejército de salvación se llevó a Billy Cafaro, el autor de Pity Pity, que vendió un millón de simples de aquel recordado hit sesentoso, considerado la prehistoria del rock en español, en la Argentina y en España. Hicimos el tour que recorre y señala los fantasmas de la vieja Buenos Aires misteriosa; como el cuco no nos extorsionó, contamos de qué se trata en Bicolor. El Héroe anónimo es Tachi Schamun, el artista detrás de La Renga y Los Gardelitos, la mano que ideó los personajes mitológicos que ostentan las mochilas y remeras de los chicos que quieren rock.
Número 11, falta poco para cumplir un año. A veces más fácil, a veces más complicado; Bipolar siempre en la calle. No es poca cosa mantener una revista gratuita autogestionada sin tener casi ningún apoyo económico. Pero ponemos mucho de nosotros para que así sea.

LOS CAFRES

2006-09-16T11:59:00.000-03:00

Por Gabriel Pérez

Luego de demostrar que hay vida para una banda de reggae más allá del ‘bo-io-ió’, Guillermo Bonetto, voz de Los Cafres, habla sobre el presente exitoso del grupo, se queja del falso misticismo y revela que tiene ganas de editar un disco solista.

Es un domingo soleado –the sun is shining / the weather is sweet- y Guillermo Bonetto juega mansamente con su perra. Su casa conurbana está despojada de toda parafernalia rastafari. La música sincopada que sale de su equipo es lo único que da algún indicio de que el anfitrión es el líder de una banda que hace casi 20 años que toca reggae roots. Su discurso no se pierde en laberintos canábicos: en el tiempo que transcurre la charla, no hará alabanzas a ningún Dios. No predicará a favor del vegetarianismo. No hablará de Babilonia. Y sólo hará una mención elíptica a la musa inspiradora.
En un rincón descansan una computadora, un tecladito y una guitarra. En ese estudio casero Bonetto graba constantemente. “Arranco con la guitarra acústica. Escribo todo el día, pero no sólo letras, sino descargues personales, como una especie de diario íntimo. Quizás me fumo uno y empiezo a grabar. Y cuando estoy por entrar al estudio con Los Cafres, me pongo a escuchar todo lo que registro acá, porque me olvido. Grabar es lo mejor, porque uno es público también, entonces cuando escuchás el demo podés darte cuenta si quedó bien. Pueden ser balbuceos, y si me gusta y vale la pena, me pongo a trabajar sobre esa idea. Las canciones son como unas plantitas, de repente una puede crecer de golpe y ya está, o hay que regarlas todos los días y esperar el momento indicado.”
Los Cafres acaban de editar una edición limitada de lujo, Luna Park, de un devedé más un cedé, con la actuación en ese estadio. El combo es un repaso por la historia del grupo. La diferencia con su anterior álbum en directo, Vivo a lo Cafre,15 años de reggae roots en Argentina, de 2003, es que justamente incluye las canciones del disco que los llevó a jugar en las primeras ligas del rock, ¿Quién da más?
Con temas como Si el amor se cae, de constante rotación en las radios, Bonetto descubrió que a veces el público quiere más de lo que él está dispuesto a dar. “La gente se cree que sos un disco, que te puede tener en su casa a su disposición y que siempre tenés tiempo libre. Se olvida de que sos una persona. El otro día en un show grande en una discoteca estaba firmando autógrafos y llegó un momento en el que tuve que decir basta, porque me tenía que ir a mi casa, a hacer mi vida. Y hubo mucha gente que lo entendió, y el que no lo supo comprender que se vaya a la mierda, porque si no le importa lo que le estoy explicando, no me importa que se enoje. Yo fui a tocar y di todo, siempre lo hago. No me guardo nada. Sé lo que doy. Si no doy más es porque no tengo más”, dice sin divismos. No es que le moleste el éxito, de hecho está orgulloso de que Los Cafres hayan abierto un camino para que hoy bandas como Nonpalidece puedan recorrer.
Lo que sí le fastidia es cuando el componente místico del reggae se convierte en una línea divisoria entre lo verdadero y lo falso. “En la religión rastafari pasa lo mismo que en otros cultos, como el católico. Hay gente que realmente cree, por ejemplo, que hay que ser célibe y lo es, y otros hipócritas que por las noches deben hacer de las suyas. Los rastas siguen el Antiguo Testamento, un libro lleno de anécdotas que ya está en desuso. Pero bueno, hay que entender el contexto: esto surge ante la necesidad de creer en algo digno, no nos olvidemos de que toda esa gente es descendiente de esclavos. Lo mires por donde lo mires, ellos quieren volver. En Jamaica la clase dominante es la blanca y son menos del 20 por ciento. Eso explica por qué el reggae es popular en toda Latinoamérica, porque la esclavitud nos une a todos. Pero yo lo tomo como una necesidad de redimirse espiritualmente ante la adversidad. Porque imaginate: son pobres, siguen siendo esclavos, están en una isla. De hecho, en Canadá, en donde viví unos años a fines de los ochentas, la mayoría de los criminales eran jamaiquinos, un poco porque los tildaban, otro porque era verdad. Es por eso que son radicales, yo los entiendo, pero que no me vengan a joder. Si están en la Argentina, que aprendan de mí. Cuando viene un jamaiquino y me empieza a pelotudear con sus costumbres, me dice ‘usteden se besan’. Sí, nos besamos en la mejilla los hombres, ¿qué problema hay? ¿De qué tenés miedo?”

ARTE POPULAR
Los Cafres, como la gran mayoría de las bandas de rock de la Argentina, trabajan para la productora PopArt, el gigante corporativo dueño de muchos de los pocos lugares habilitados para recitales, y organizador de grandes eventos, como los festivales de fin de año. Muchas bandas y solistas independientes rechazan el poderío de PopArt y por lo bajo la asocian a cierto periodista-empresario nefasto. Bonetto, en cambio, lo toma como algo natural, propio de las reglas de juego actuales. “A mi me beneficia porque estoy con ellos. Quizás si estuviera afuera estaría puteando. Aunque de hecho estuve afuera como 20 años (risas). Nosotros firmamos con DBN y ellos se asociaron. Y funciona bien porque DBN tiene un departamento de marketing inexistente, y nosotros somos un desastre en cuanto a la organización de la difusión del grupo. Entonces, lo que es débil en DBN, es fuerte en PopArt. A la vez DBN es la mayor distribuidora de discos del país. Es un equipo. Y nosotros somos un grupo muy rebelde, imaginate que teníamos que sacar un disco este año y ni lo grabamos. Entonces se juntan tres fuerzas que tiran cada una para su lado y generan un movimiento positivo. Nosotros, la música. No me vengan a romper las bolas con ese tema. No transamos nada. DBN siempre nos pedía hits, y nosotros hacíamos lo que creíamos que eran hits. Todos los años nos puteaban, hasta que este año nos dieron la razón. ‘¡No me escuchaban, loco!’, les dije a los de la compañía. Hacemos reggae. ‘Marquetinizanos como un grupo de reggae, no me pidan bo-io-ió’. ‘Dale, cantante un bo-io-ió’, me decían ellos. ‘¡No entendés, la gente nos sigue porque no hacemos eso!’ (risas). Es la eterna lucha. En un punto es hegemónica la forma en que PopArt encara el mercado, pero a la vez es muy flexible.”
El próximo disco de estudio de la banda, con fecha probable de edición en marzo de 2007, tendrá un sonido más simple, adelanta Bonetto. “Venimos -concluye- demeando desde noviembre del año pasado. Hay de todo, roots, ragga. Estamos tratando de sacar notas que estén de más. Y se nos hace difícil, porque somos muchos músicos y nos cuesta. Cuando uno recién empieza a tocar estás en una etapa barroca, orquestás todo, pero después te das cuenta de que la canción grabada es sólo una versión. Además siempre está la posibilidad de que el tema se arruine. Pero después de tantos años tenemos la experiencia para saber cuándo decir basta. El arte está en cómo combinar los instrumentos, no hay recetas. En el estudio generalmente tenemos un par de temas que quedan afuera, pero tratamos que no porque es una pérdida de tiempo, y se le resta lugar a otras canciones. Lo mejor es ir con una selección. Los compositores de la banda elegimos los mejores temas, y la verdad es que muchos están muy buenos, honestamente.”

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EL DISCO SOLISTA
“Hasta ahora nunca lo llevé a cabo, pero sé que lo voy a hacer. No porque se vayan a separar Los Cafres. Es una necesidad que tengo, e inclusive me gustaría hacer otra clase de música, como boleros, bossa nova. Seguramente lo grabaría con algunos de los chicos de la banda. Por estar en un grupo y ser un compositor prolífico, hay muchas canciones que no se graban porque no van con el concepto de la banda, o porque no podés poner tantos temas propios en un disco. Entonces te dan ganas, para no joder a nadie ni consultar mucho. En un grupo tenés que congeniar y respetar los gustos de todos. Lo bueno en Los Cafres es que somos varios los compositores. Pero bueno, como en todo proyecto colectivo hay diferencias. Yo por ser uno de los fundadores de la banda, por ser el más visible, también por personalidad, hago valer mi voz. Pero soy un líder natural, porque sé escuchar y aprovechar las ideas de los demás. Y no es que no tenga canciones: algunas son muy buenas. Me gusta colaborar, mi exposición es muy grande como para querer llevármela toda (risas). También me gusta ver brillar a mis amigos.”

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MARLEY + 10
Los Cafres se diferencian de la mayoría de las bandas de reggae argentinas actuales porque no rinden un excesivo culto hacia la figura que llevó el sonido hacia un lugar visible. Si bien grabaron una versión de Waiting in vain en el disco doble Vivo a lo Cafre, 15 años de reggae rotos en Argentina, Guillermo Bonetto rescata –y recomienda escuchar- otros artistas del género. “Cuando se pone el foco en Bob Marley son muchos los artistas que no son valorados. Marley tiene una carrera muy importante, muy prolífica, de muy buena calidad. Y obviamente está su escena, su valor, el hecho de que sea un poco blanco, por qué no. Toda esa situación generó una figura muy importante. Pero digamos, también hay que reconocer a los Skatalites, a Toots & the Maytals, de quienes se dice que fueron los creadores de la palabra reggae. Otros que son muy importantes son los Paragons, un trío con unos temas muy raros, o los Headstones. Me interesa mucho la historia del reggae, además esta música está en constante movimiento, se retroalimenta, incluso hace unos años volvió el roots, y se llama new roots. Por eso digo que hay todo un movimiento más allá de Bob Marley, y que lamentablemente mucha gente se lo pierde.”

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PEQUEÑO WIKIPEDIA ILUSTRADO
Se llama roots reggae (reggae de raíces) a una variedad de reggae propiamente rastafari. Es un tipo de música espiritual, en cuyas letras predomina la alabanza del Dios o Jah. Otros temas recurrentes en las letras son la pobreza y la resistencia a la opresión del gobierno.

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MEX URTIZBEREA

2006-09-16T11:56:00.000-03:00

Por Ariel Jonte

Es músico, conductor de radio y televisión; escribió un libro y, además, realiza columnas para importantes medios gráficos. Mex, el artista que hace todo y dice no saber hacer nada, salvo humor.

La primera pregunta ya había sido formulada. La cinta en el grabador corría incorporando un silencioso sonido, acompañado por una leve exhalación de humo: “Para quienes alguna vez escuchen esta grabación deben saber que si no hablé es porque estoy encendiendo un cigarro ¡Qué estúpido!”.
Primordialmente músico, naturalmente cómico y casualmente actor, Ignacio Mex Urtizberea es integrante del grupo que desatiende al refrán: El que mucho abarca, poco aprieta; y durante la última década se hizo un tiempo para todo. Televisión, radio, dos películas -Un mundo menos peor y Valentín, ambas escritas y dirigidas por Alejandro Agresti-, y la edición de su libro Crónicas masculinas son algunas de las cosas que mutaron desde su alma musical.

- Artísticamente hiciste de todo, ¿te llevás bien con cualquier rubro?
- A mí me gusta eso. Yo no sé hacer nada porque no profundicé en nada. Tampoco sé que soy. O más o menos, porque soy humorista. Tengo como sello la improvisación. Sé cómo hablar y decir las cosas, jugar con las palabras. Hay mucha gente que lo hace, como Alfredo Caseros, y eso tiene que ver con lo artístico, cuando te interesa el arte. El intérprete toca un instrumento y le da sólo a eso, pero el que toca muchos es porque quiere presentar otra cosa, pone más en juego a la imaginación.

PRIMORDIALMENTE
A fines de los cincuentas John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison dieron comienzo al fenómeno musical que rápidamente trascendió las fronteras de Liverpool y obtuvo un alcance mundial insuperable.
El Río de la Plata no estuvo exento a ese movimiento y a mediados de los sesentas desembarcaron en la Argentina los uruguayos Los Shakers, que conmocionaron a los adolescentes con covers de Los Beatles y temas propios, de símil melodía.
Para entonces, la edad de Mex no llegaba a los dos dígitos y, a raíz de las fiestas que realizaban sus hermanas mayores en su casa, sus ojos pudieron advertir algo que marcaría el camino de su vida. “Era común que vinieran conjuntos del barrio de música beat. Yo siempre me quedaba al lado del baterista, mirándolo. Casi estupefacto. De un grupo no me interesaba otra cosa, porque era el que más trabajaba. Es la independencia: cada mano y cada pierna hacen cosas diferentes, siempre respetando un tempo. Así empecé a golpear latas de pintura y a dibujar baterías por todos lados.”
Durante su adolescencia conformó bandas barriales con las que dio sus primeros pasos en la música. Alumno de batería de Lito Vitale, quien le enseñó a tocar los bombos y platillos con tan sólo 13 años, Mex se fue adentrando en el grupo Músicos Independientes Asociados (MIA). Allí tocaba el padre de su profesor, que terminó siendo su maestro de vida: “Es un juego que hay que hacerlo lo más lúdico posible porque estamos de paso y hay que divertirse”, le enseñó.

- De admirador de MIA pasaste a tocar con ellos; así fue tu primera vez en un escenario...
- Yo los iba a ver hasta cuando ensayaban, y un día me invitaron a hacer una gira por el interior. En Mendoza me preguntaron si quería hacer coros y tocar el saxo porque el saxofonista no estaba. Me quería morir. Tocamos frente a las bodegas Arizú. Cuando terminó el show me fui a tomar vino directamente de los toneles de la alegría que tenía por haber tocado con los que siempre había admirado.

Luego vinieron otras bandas. Ya no era la música beat, ni el rock sinfónico de MIA. Experimentar, de eso se trata su carrera; y con el jazz y un viaje a Francia durante la gestación de la debacle alfonsinista (Ver No tan...) volvió para tocar candombes con La sonora del Plata en el Parakultural, adonde conoció a Alfredo Caseros, y con quien inesperadamente, se introdujo en el mundo televisivo.

CASUALMENTE
La mirada fija en un punto específico como un bailarín malabarista jugando en el zamba se asocia a su voz leve y pausada, de entonación misteriosa, que hace un nuevo racconto de su infancia. La escena se repite una y otra vez en la casa que lo vio crecer. El periodista vuelve a enfermarse gravemente debido a los nervios causados por la convivencia sagaz que debía soportar en los medios, y su hijo, atormentado por el cuadro de la situación, le jura no inmiscuirse en ese mundo.
“Entrábamos a grabar a las seis de la mañana. Todos los cámaras estaban dormidos y lo peor que hay para un humorista es ver que no te dan bola”, recuerda como anécdota de su paso por el programa De la cabeza, que realizó junto a Caseros, y al cual, en un principio, entró sólo para tocar el piano.
En una sala contigua tres Martín Fierro reposan en una repisa fruto de lo que quizá fue su máxima representación en la pantalla. Antes de Medios locos, programa que compartió junto al recordado Adolfo Castelo, y de La kermex, su última invención llevada al aire, Mex no tuvo mejor idea que seleccionar a un grupo de purretes y conformar el equipo de Magazine For Fai, emitido por tres canales distintos durante el lapso de cuatro años.

- ¿Qué fue lo que provocó el final?
- El último ciclo se realizó en América y el canal tuvo un nuevo gerente de programación que, además de achicarnos el presupuesto, nos pedía un determinado número de rating para que el programa sirviera. Y como esa no era la idea del For Fai, le dije que no servía.

- ¿El rating condiciona a los programas?
- Los fenómenos existen porque los bancan, pero los productores van a lo seguro. Quizás Telefé se atreva un poco más emitiendo cortos y alguna que otra ficción. Además lo demuestra con Los Simpson.

NATURALMENTE
Si hay algo que se repite en cada uno de los laburos que realizó es la cuota de humor que despliega. Contrariamente al fanfarrón nacional que se reparte entre comediantes y pícaros integrantes de cámaras cómplices, Mex prefiere la cara opuesta, la del absurdo: “Algunos pueden creer que sos un pelotudo, pero el tipo que te entiende valora mucho más eso que al que se hace el vivo tirando a alguien al agua para que todos se rían”.

- ¿Dentro de tu estilo está todo permitido?
- No, uno se autocensura cuando siente que lo que dice le puede doler a otro. Yo no haría chistes con los desaparecidos. Tampoco con los judíos, los árabes o el Vaticano. Me puedo burlar de Saddam Hussein o Bin Laden, pero nunca de las creencias de la gente y sus cultos.

- Y si es otro el que lo hace, ¿te causa gracia?
- La revista Barcelona me parece buenísima. Tiene un humor negro siniestro. Supera lo absurdo de lo negra que es. Tiene un lugar que uno busca y lo compra, pero yo no haría eso porque no sé hacerlo y me parece muy duro.

- ¿Hay algún paralelo entre la música y el humor con el que trabajás?
- El jazz tiene relación con lo que hago. Es espontáneo. Tiene una melodía fija, después se improvisa, y luego termina y sabemos cómo cierra. Yo siempre hago las cosas así. A los pibes del For Fai los hacía improvisar. Es difícil hacerlo, potenciarlo, pero es lo que me gusta. Hay que crear, pensar y no aburguesarse.

Aquella frase que el padre de Lito Vitale le enseñó de chico se repite una y otra vez en su cabeza. La vida es un juego en el que se está de paso y hay que divertirse. Quizás en el disco que le siga a Que la bese, su última producción. Quizás en un próximo programa en la televisión o en un conjunto de situaciones volcadas en un libro. Quizás en los próximos minutos cuando se junte con Raúl Urtizberea, su padre, para otra emisión radial de Lo que el viento se llevó, justo a la hora en la que el calendario comienza a cambiar de fecha.

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NO TAN DISTINTOS
A mediados de los ochentas, en la Argentina, las cosas no estaban como Mex pretendía. Entonces, con el sueño de consagrarse como músico de jazz, viajó a Francia. La ilusión se desmoronó al encontrarse con la realidad que sufren los latinoamericanos sin papeles en Europa. Apenas sobrevivía pegando afiches para una empresa de turismo cuando la necesidad lo envolvió en una campaña política: “Pegué afiches para (Jean Marie) Le Pen. Tenía un cagazo bárbaro porque los franceses de descendencia marroquí y argelina se me venían encima y yo no sabía cómo explicarles que era argentino”. Tiempo después se enteró que aquella exaltación era producto de una brutal decisión para forzarlos a emigrar a los países de donde eran descendientes. Tiempo después el estallido social le explotó a Jacques Chirac.

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Prefiere mostrarse como un antihéroe. De ahí su preferencia por la sutileza del humor francés, las películas de Woody Allen, y hasta por el Chavo del Ocho.

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TITÍ FERNÁNDEZ

2006-09-16T11:52:00.000-03:00

Por Federico Amigo

Sana envidia de cualquier DT, hace 32 años que trabaja al costado de la línea de cal y es uno de los periodistas inamovibles del campo juego. Además fue el centro de las cargadas de su amigo Marcelo Araujo y hoy, junto a su ladero Marcelo Benedetto, conduce ‘Chau Domingo’, el cómico repaso de cada fecha futbolera.

1) ¿Cuándo supiste que ibas a conducir Chau Domingo?
- Estaba en Mar del Plata de vacaciones y recibí un llamado del productor ejecutivo de Fútbol de Primera. Me dijo: Mirá, acabo de salir de una reunión con (Adrián) Suar. Aprobaron un programa bárbaro en donde va a haber fútbol y humor. Me lo contó con un entusiasmo bárbaro. Escucháme, ¿por qué me contás todo esto?, le dije. Y me contestó: Porque lo vas a conducir vos. Las oportunidades no le llegan a los tipos que pasaron los 50. La verdad que me emocioné como un boludo y me puse a llorar, porque soy un tipo muy emotivo.

2) ¿Dónde nace la idea?
- Estábamos haciendo la Copa América por Fox, entrevistaba a (Javier) Saviola y un policía me corrió. Yo lo corrí a él y él a mí. En un momento le dije: No me empujes más. Niembro me dijo: No te enojes que te van a meter preso. Y le contesté: Está bien, pero no me gusta que me empujen. Al día siguiente estos turros armaron una joda. Arreglaron con la policía, sin que yo supiera, que cuando estuviera haciendo un informe ellos llegarían en una camioneta y preguntarían: ¿Quién es Miguel Fernández? Así que vos empujás policías. Salió bárbaro. Ahí empezaron a armar más jodas.

3) ¿Nunca te cansaste del periodismo deportivo?
- Me gusta lo que hago y tengo que trabajar. No soy un tipo que hizo una fortuna. Algunos piensan que el que trabaja en la tele está lleno de guita. ¡Mentira! Hay sólo 6 o 7 que se salvan. Yo gano un poquito más de lo que percibe la media. No me puedo quejar de nada, lo mío es un milagro. Siempre digo que algo bien debo hacer porque soy el antitodo: gordo, viejo, tengo una voz de mierda, pelo blanco, no tengo ojos azules.

4) ¿Por qué siempre campo de juego?
- Cuando volví del Mundial 90 trabajaba con Víctor Hugo (Morales). Le dije que no quería hacer más vestuario y me dijo que estaba bien, que iba a comentar el tercer partido. Pero de hacer River-Boca, Independiente–Racing pase a, con el respeto que se merecen los demás equipos, Platense–Banfield.

5) ¿Te acordás del debut?
- Sí, en televisión fue en 1983, en un Independiente–Estudiantes cuando el Pincha salió campeón. Fue un día frío. Relataba Marcelo Araujo y comentaba Adrián Paenza. Le iba a hacer una nota a Eduardo Manera, técnico de Estudiantes. Entonces, cuando quise preguntarle, una turba de gente se metió a la cancha, me arrancaron el micrófono, auriculares, todo. Me quedé con mi ropa y sin elementos para trabajar.

6) ¿Te imaginás separado de Marcelo Benedetto?
- A veces hacemos distintos partidos, pero como dupla funcionamos muy bien. Jugamos de memoria sin vernos.

7) Siempre tratan de meterle una cuota de humor a la transmisión.
- Tenemos la suerte de formar equipos en los que trabajamos personajes: Marcelo Araujo era el malo y yo el bueno. Por la calle, la gente me decía: ¿Cuándo lo vas a mandar al carajo? No había manera de explicarles que era mi amigo, que nos íbamos de vacaciones juntos. Él era el villano de la película. Querían que yo lo cagara a trompadas. De hecho, hoy, a dos años de su partida, me dicen: Qué suerte que se fue ese hijo de puta. Pobre Marcelo.

8) ¿Cuál fue el lugar más atípico al que te tocó viajar?
- Japón por lo pintoresco, por la cultura. Es un país extraordinario. Estuve dos veces: en 1986 y en 2003. Te sorprende la forma de ser de los tipos, el respeto por los demás. Por ejemplo en Tokio, para andar en auto por una calle, a veces, necesitás 20 minutos, pero no escuchás ni una sola bocina.

9) ¿Cuántos mundiales cubriste?
- Siete, pero los veo desde otra óptica. En la Argentina lo ven mejor que yo, porque mientras se juegan los partidos estoy generando otras notas. Yo fui un boludo porque nunca anoté cosas. Tengo historias como para haber escrito un par de libros.

10) ¿Sobre qué tratarían?
- Vestuarios, dirigentes, viajes.

11) ¿Qué contarías?
- Ves a los dirigentes que te dicen que van al club por amor y después te das cuenta de que entraron pobres y se van llenos de guita.

12) Por ejemplo...
- Cuando River jugó la Libertadores en el 86, un tipo que hoy es millonario le pedía cigarrillos a mi mujer porque no tenía para fumar.

13) ¿Y qué sentís?
- Indignación, no me enamoro nunca más de ningún dirigente.

14) ¿Por qué los periodistas deportivos no confiesan el club por el cual simpatizan?
- Era de un club, pero fui perdiendo la pasión. De pibe odiaba a River. En el 80 empecé a cubrirlo. En el 86 vino el Tapón Gordillo y me dijo: Che, Tití si ganamos este partido de la Libertadores le puedo comprar el juego de dormitorio a mi vieja. Entonces, a la noche hice fuerza para que ganara River así Gordillo le compraba los muebles a la vieja.

15) ¿Sos un jugador frustrado?
- Sí, me hubiese encantado jugar en Primera. Mis amigos sostienen que era muy bueno. Llegué a jugar en la Tercera de San Telmo, pero quería seguir estudiando y además había que ayudar en casa.

16) ¿Qué otras cosas hiciste?
- De todo menos afanar. Fui un tipo atrevido, que nunca tuvo miedo ni vergüenza de nada. Hace 45 años que laburo. El primero fue en una farmacia, como repartidor de remedios.

17) ¿En una época vendiste ceniceros?
- Tuve con mi hermano una pequeña empresa: compramos un par de pulidoras, fuimos a una fundición a buscar ceniceros, apliques de bronce. Después los pulíamos y vendíamos. Vivimos unos cuantos años con eso. También tuve una fábrica de cuadros.

18) Además incursionaste en el cine...
- Sí, con El niño que quiso engañar a Dios. Tenía 11, tocaba la guitarra y cantaba. Una señora del edificio tenía un sobrino productor de cine. Entonces, una vez vinieron a comer a casa y él me dijo: Un día vas a actuar en una película. Yo pensé: Este me está jodiendo.

19) En los medios, ¿empezaste en el ascenso?
- Sí, me acuerdo que íbamos a la cancha de Colegiales en Munro. En el palco no había teléfono, entonces hacíamos posta con el de Crónica. Teníamos que ir a dos cuadras a una fiambrería para pasar la información por teléfono.

20) Hoy es impensado...
- Son las cosas lindas que tiene el laburo. A veces se creen que uno nació frente a una cámara de televisión con una corbata puesta. ¡Sabés que mentira es esa!

21) ¿Qué le agradecés al fútbol?
- Todo. A mi actual esposa, soy divorciado, la conocí en una cancha.

22) ¿Cómo fue eso?
- En junio del 83 fui a cubrir un partido al Monumental. Mi mujer era socia de River, me saludó y me dijo: Te vi el otro día. Todo muy agradable. Fuimos a tomar un café y terminé enamorándome.

BILLY CAFARO

2006-09-16T11:48:00.000-03:00

Por Gabriel Pérez

Vendió un millón de discos. Fue el ‘ídolo de las juventudes de América’. En un ranchito y luego en un barco, escribió relatos oscuros. Su actual pareja lo rescató de esos años depresivos. Hoy está de vuelta con un álbum homenaje a Virgilio y Homero Expósito, sus primos.

Aníbal Troilo llega al club de barrio. Hay tres cuadras de cola. Pichuco ríe. La alegría dura poco. “Vienen a ver a Billy Cafaro”, le susurra alguien. La histeria se repite en radio El Mundo. Colegialas en la puerta, griteríos, desmayos. Todo por un flaquito de barbita candado que roba suspiros púberes cantando Pity Pity. Un millón de copias vendidas. Clink, caja. Luego Personalidad, otro éxito. Canciones casi infantiles, si no se las sitúa en época. Pity Pity dime que sí / regálame tu sonrisa / no me trates así. Era 1957, la prehistoria. Dos años después edita Kriminal Tango. Y se pudre todo: los tangueros van a sus recitales a pelearse con sus seguidores. “Kriminal Tango era un tango alemán, nada más. Pero la gente creyó que yo estaba asesinando al tango. En Defensores de Santos Lugares, por ejemplo, juntaban a Julio Sosa y a mí en el mismo lugar. Y los tangueros rompían los vasos contra las mesas y me los tiraban. Yo me tapaba con los platos de la batería. Entraba al club y no sabía si salía.”
El éxito lo llevó de gira por Latinoamérica. En fotos con olor a ayer se lo ve en un estudio televisivo de Venezuela, cantando en un auto, rodeado de chicas. En otra instantánea está teatralizando la letra de vaya a saber qué canción frente a una cámara de televisión con forma de caja de manzana. “Esto fue en España”, señala. Allá también está considerado como uno de los precursores del rock en español. Cuando volvió a Buenos Aires, la escena musical se había dado vuelta como un cubilete. “Soy de familia pobre y pensé que nunca se iba a terminar el dinero. Cuando volví, vendí todo y me fui a Europa. Regresé cuando me la gasté toda.” Es en ese instante cuando Billy Cafaro pasa de ser un ídolo de las juventudes de América, a ser un personaje salido de una novela de Eduardo Perrone.

BLACKBIRD
“Fui a enterrarme a Lima, una ciudad que queda pasando Zárate. Esto fue hace 12 años. Me quise dejar estar, suicidarme. Estaba en un ranchito, sin dinero, no tenía para comer hasta que un vecino que tenía una huerta me empezó a dar comida. Ahí me di cuenta de que no estaba todo perdido. Y empecé a escribir.” Cafaro, maduro y derrotado, no compuso canciones ligeras para niñas inocentes en su exilio comercial. Sus escritos –“tengo más de 150”- son desgarradores, oscuros, hablan de una realidad no apta para la tele de la tarde. Que venga a buscarme ese ejército de imbéciles. Van a encontrar un campo minado. Brazos, cabezas, todo va a volar. El millón de discos era un recuerdo amargo, compañero de las noches de insomnio. Era un Quijote en bicicleta que recorría los barrios filtrando lo cotidiano con un lente agridulce. Tomando mate cocido en latita de conservas, que el sistema, en su último eslabón, desecha. Nadie se acordaba de él: “El éxito es un conglomerado de estupideces. Yo quisiera haber sido un cantante oscuro de boleros y trabajar en los bolichitos. El Pity Pity me elevó a un nivel tan grande que los productores me decían ‘quedate tranquilo, que después del cuarto long play vas a hacer lo que quieras’. Pasaron 40 años para que pueda grabar un disco de boleros”. Y llegó Pochi.

FAN, EL DÍA QUE TE CONOCÍ
¿Vos te creés que ese tipo te va a dar bola con la fama que tiene? Nena cuando aterrices vas a dejar un agujero en el piso. Los consejos maternales no la apichonaban. Tenía 13 años. Y para ir a radio El Mundo tenía que llorar toda una semana. Cuando lo escuchaba se estremecía por dentro. Aún hoy lo hace. Su mantra era: Me voy a casar con Billy Cafaro. Incluso tuvo la oportunidad de abrazarlo a la salida de la radio. Pero se negó a ser una más del enjambre. “Le escribía poemas, hasta que el director de la radio me llamó y me pidió que no lo hiciera más, que el Señor Cafaro estaba muy ocupado, que siguiera con mi vida. Hasta los 13 me dejaban porque pensaban que eran cosas de nenas. Pero a los 14, 15, ya me decían ‘nena, ¿cuándo te vas a sacar a ese tipo de la cabeza?’. Me tiraron la carpeta con fotos de Billy Cafaro. Regalaron un loro que cantaba sus canciones, que luego murió de tristeza. Cuando conocí a quien fue después mi marido yo no quería saber nada. Estoy enamorada de Billy Cafaro, le decía. Lo estoy esperando a él. ‘Bueno, podemos esperarlo juntos, cuando él aparezca me voy’, me respondió. Salimos dos años, uno sin besarnos porque el primer beso tenía que ser para Cafaro. Después tuvimos ocho hijos (risas). ¡Es que tardó 45 años en llegar!”, recuerda Pochi.
Cuando salió el ansiado disco de boleros, Dos almas, su mamá la llamó y le avisó que Cafaro estaba en la televisión. Pochi llamó a todos lados hasta que dio con el número del celular indicado. ¿Toda la vida esperando y ahora no te animás a llamarlo?, le preguntó su marido. “Estoy enamorada de vos”, fue lo primero que le dijo Pochi a un desconcertado Billy. Estuvieron hablando por teléfono un año. Billy había dejado su ranchito de Lima, pero no la bohemia, que lo llevó a pasar los días en un barco en el Tigre. “Cuando me puse en pareja con Pochi cambia todo. Salgo de la depresión y empiezo a demostrar que no estoy muerto. Me acuerdo que fui a Ushuaia, donde vivía ella, y le pedí la mano a su padre. ‘Ella siempre te quiso, cuidala’, me dijo. Ahora estamos escribiendo un libro con nuestra historia.” Entre otros planes que tienen está el de filmar un documental sobre la vida de Cafaro. Ya se están registrando algunas escenas, pero aún no hay fecha cierta de edición.
“Soy el principio del rock nacional. Nadie cantaba así en Latinoamérica. En el Club del Clan tuvieron que juntarse 18 tipos para tener un éxito. Se formó para hacerme pelota a mí. Por aquellos días un productor me llamó y me ofreció un millón de pesos para que me cambiara de sello discográfico, y se hacía cargo del juicio con CBS Columbia, la compañía a la que pertenecía. ¿Sabés lo que era en esa época un millón de pesos? Podría haber sido Palito Ortega.” Pero dijo que no, y aunque a veces se lo reproche, sabe que fue la decisión correcta. Un alma sensible como la de Billy no encaja en ciertos trajes estatales ni despilfarra lágrimas de cocodrilo.

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CIRCA 1957
“Vender discos nunca fue el negocio del artista. Te servía para hacerte un nombre y salir a tocar por los clubes. Cuando vendí 950.000 copias de Pity Pity, hacía seis, siete funciones por día todos los fines de semana. Me acompañaban 15 músicos en el escenario, entre los que se encontraban los hermanos Expósito y el Gato Barbieri. Mi show era único, tenía luces negras, era muy avanzado para la época. A veces eran las cinco de la mañana y había dos mil personas esperando. Tocábamos con equipos valvulares, que después de media hora de show calentaban una barbaridad. Recuerdo que salíamos de gira con seis estancieras y mi auto. No tenía tiempo para aburrirme de la fama. Me creía Dios, no podía caminar por la avenida Corrientes. A todos los lugares adonde iba la gente se ponía loca.”

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CIRCA 2006
“Es un tributo a Homero y Virgilio Expósito. Pasé toda mi adolescencia con ellos. Siempre les quise hacer un homenaje y nunca se daba. Porque yo era el Pity Pity, el Personalidad, el Marcianita y el Bésame Petita.” Billy Cafaro se refiere a su nuevo disco, Con un tango en el bolsillo, recientemente editado. En él hace un repaso por las canciones más reconocidas de los Expósito, como Naranjo en flor, Maquillaje y Calle Corrientes. El sonido del álbum, sencillo y sin grandes orquestaciones, permite que en primer plano se luzca la impecable voz de Cafaro, más grave que en sus años dorados. “Tardé tres años en grabarlo, hice todo a pulmón junto con Pochi, me costó mucho, como todo lo sensible. Ahora estoy buscando un lugar donde presentarlo, pero está difícil”, reconoce.

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CIRCUITO "BUENOS AIRES MISTERIOSA"

2006-09-16T11:44:00.000-03:00

Por Milena Marcovecchio

Cuando la noche cae, fantasmas y espíritus recorren la ciudad; mientras, un grupo de personas con curiosidad por los mitos y leyendas como única arma, se suben a un colectivo y salen a su encuentro. Turismo para pocos a pasitos del obelisco.

Viernes 21 horas. Un micro con 42 pasajeros sale desde la avenida Belgrano al 1700 con rumbo macabro.
Adentro, la música siniestra será la primera compañía; luego una mujer con blusa, pollera y guantes negros les dará la bienvenida. Las luces se apagan, el colectivo inicia su marcha y ella, parada en el pasillo frente a todos, toma un micrófono y con voz susurrante dice: “La Ciudad de Buenos Aires tiene un corazón oscuro, algunas partes de esta ciudad están regadas con la sangre de crímenes horrendos, esta ciudad que ustedes transitan día a día tiene historias de fantasmas, de seres malditos por oscuras palabras dichas tiempo atrás. En algunos sectores, Buenos Aires, se tiñe con historias negras. Hay recuerdos de hombres y mujeres apasionados, hay campanarios que suenan solos y miles de cosas por descubrir...”. De esta manera Alejandra Parets comienza la narración de historias de terror, miedo, fantasmas, crímenes reales y de ficción que integran el circuito turístico, Buenos Aires misteriosa.

TURISMO MORBOSO
Algunas personas se recuestan sobre los asientos y cerrando los ojos escuchan cada uno de los hechos que durante dos horas y media se cuentan en esta salida nocturna, que se hace todos los viernes y sábados.
La primera parada se produce en la calle México 1177, los pasajeros se reincorporan en sus asientos e invitados por la narradora miran hacia el lado derecho en donde se encuentra la casa de María de las Mercedes Bernardina Boya Aponte de Murano, más conocida como Yiya Murano, la envenenadora de Monserrat. Mientras afuera la temperatura acusa unos cálidos 19 grados, adentro el clima se hace eco del momento, y entre el sarcasmo, la tenebrosidad y la oscuridad, el aire acondicionado ayuda al temblequeo.
Monserrat, Parque Patricios, San Cristóbal, Recoleta, Retiro, San Nicolás, Barracas, son algunos de los barrios porteños que ocultan tras las bambalinas de la noche: asesinatos horrendos, crímenes pasionales, muertes por poder, ataúdes corridos de lugar y fantasmas que no se resignan a quedar en el olvido. Pero, ¿qué lleva a que personas de diferentes edades se fascinen por escuchar, en algunos casos hasta dos veces, esta clase de cuentos? “Yo ya conocía bastante las historias, vine a acompañar a unos amigos, está bueno. Me gusta todo este tipo de cuentos, historias y leyendas. Si son verdad o no, no sé, pero me gustan. Después cuando vuelvo a casa recuerdo las historias”, dice Rosanna, pasajera del tour.

ENTRE MITOS, LEYENDAS Y HECHOS REALES
Las historias se encadenan una tras otra porque, según explica Parets, “es necesario para que no haya baches entre ellas, por más que algo sea una leyenda urbana, no se puede contar cualquier cosa”.
Mientras tanto, el micro continúa su marcha dejando atrás algunos casos como: las masas dulces con cianuro de Yiya Murano; la esquina de Pasco y Garay en donde antiguamente se encontraba el restaurante Yamil -hoy un lavadero de autos- en donde Emilia Basil hizo de su amante relleno para empanadas y otras recetas gourmet; el playón de maniobras del ferrocarril Belgrano Sur, en Parque Patricios, lugar que a pesar de los años transcurridos desde las andanzas de Cayetano Santos Godino, alias: El petiso orejudo, no pierde su aspecto siniestro y desolador; la iglesia de Santa Felicita, en honor a Felicita Guerrero de Alzaga que murió asesinada a los 24 años por un enamorado no correspondido, único lugar en donde los pasajeros pueden descender para hacer caso a la leyenda que cuenta que toda persona que busque un amor o quiera mantener el que tiene debe tocar los barrotes que se encuentran rodeando la iglesia. Así, hombres y mujeres, intentando disimular, pasan sus manos tímidamente, no vaya a ser cosa que por no hacerlo vistan santos para toda la vida.
Nuevamente instalados en sus asientos continúa el recorrido, la noche comienza a hacerse más profunda y los relatos más intensos, algunos se lamentan no haber traído cámaras fotográficas, quizá para regodearse en sus casas con imágenes oscuras de lugares lúgubres.
Doce son en total los relatos, entre los que se encuentran también: Jorge Burgos, el descuartizador de Barracas, vecino y amigo de la infancia de Yiya Murano, dato siniestro si lo hay. Juan Osorio, el primer fantasma oficial. El fantasma excitado de San Telmo, un cuento escrito por Eduardo Gudiño Kieffer, que rompe un poco el clima de terror y cuenta la historia de un hombre maldecido que fue sentenciado a vagar por la ciudad con el pene erecto. Por un instante las risas y cuchicheos se apoderan del micro. “Si alguien lo ve deambulando por la noche de San Telmo en ese estado tan penoso, avise, no es fácil encontrar un fantasma tan bien dispuesto y para toda la eternidad”, anuncia en tono sensual la narradora.

DESTINO FINAL
Luego de recibir unas bombas rellenas de crema pastelera, al mejor estilo Yiya Murano, que algunos dudaron por momentos en aceptar, el viaje llega a su fin.
Para Alejandro Garay y su novia María, la experiencia estuvo buena: “Es la primera vez que venimos, siempre nos gustaron este tipo de cosas de fantasmas y cuentos, el detalle de que Yiya con el del Serrucho eran vecinos de chicos me llamó la atención y medio que me hizo ruido en la nunca. Esa coincidencia, que dos asesinos vivieran en la misma cuadra, es muy loca”, dice Alejandro.
El colectivo toma la avenida Pueyrredón luego de pasar por el cementerio de la Recoleta donde está enterrada Rufina Cambaceres, la joven que murió dos veces, y comienza el retorno al punto de partida. Algunos pasajeros, invitados por la coordinadora del tour, optan por bajarse antes. Descienden, como si lo hicieran de un colectivo fantasma; afuera nadie repara en ellos, se pierden entre la gente, llevando consigo muertes misteriosas y asesinatos a sangre fría.

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Juan de Osorio, un lugarteniente de Pedro de Mendoza, fue el primer fantasma oficial. Según cuenta la leyenda, todavía transita por la noche porteña.

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LOS MODERNOS

2006-09-16T11:40:00.000-03:00

Por Graciana Castelli

El dúo teatral llegó a Buenos Aires luego de una exitosa recorrida por España, y por estos días presenta, en el Maipo, su ‘Breve desconcierto breve’ ante el público porteño. Dos actores que se suben a las tablas y, con refinado humor, le declaran la guerra a la palabra.

Coquetos. Dos hombres vestidos -de actores- con faldas y suecos Gucci, brillantes anillos y sacos retro se paran sobre el escenario. Serios, y junto a un atril como único compañero, miran al público. Un minuto de silencio y el hielo se rompe. Aparece el verbo, la palabra, que se presenta y se desarma. Lo nominal como punto de partida, lo absurdo como generador de sentido. Humor, ironía, síntesis. El público se ríe. ¿De qué se ríe? ¿De la infidelidad?, ¿del amor?, ¿de Dios?
Pedro Paiva, uruguayo, y Alejandro Orlando, argentino oriundo de Córdoba, son Los Modernos. Desde junio de este año presentan su Breve desconcierto breve en el teatro Maipo, luego de una larga y exitosa estadía en España. “El Breve desconcierto original se estrena en un bar de Córdoba en abril de 2002, y nosotros tuvimos un camino inverso al teatral porque había caído el Gobierno de De la Rúa, y existía una profunda crisis socioeconómica –recuerda Alejandro-. Entonces empezamos a laburar en los bares, pubs y restaurantes, algo que Pedro ya venía haciendo con su monólogo. O sea, conocíamos un poco eso de que se podía, por lo pronto, mostrar el trabajo. Y por eso hablo de un recorrido inverso, porque empezamos pasando la gorra por 10 meses hasta que después nos fuimos a hacer temporada a Carlos Paz.”
El espectáculo fue muy bien recibido por la crítica en Córdoba –hoy son un suceso y cada vez que se presentan agotan las funciones-, y casi un año después al dúo le llegó la oportunidad de presentarse en España. La propuesta era por 3 meses, pero se quedaron 3 años (Ver Cruzando...). “Para Córdoba fue un impacto como hecho estético novedoso, y lo fue también para España”, destaca Pedro.

SER MODERNO ES ESTAR PASADO DE MODA
Verborrágicos al extremo, Los Modernos funcionan con una simultaneidad intachable. Pero es difícil definir de qué hablan, porque la sorpresa de sus textos pasa por la forma más que por el contenido: “El texto tiene una lectura nueva de los hechos, de la realidad. Los temas no se inventan, son universales, lo que sí recreamos es la lectura que hacemos de esos temas. El nombre nuestro es una anécdota que sugiere Alejandro, habíamos pensado mil quinientos, pero este entraba en el contexto de lo que queríamos; porque en tiempos posmodernos, ser modernos era estar pasados de moda”, explica Pedro, y le pasa la posta a su compañero: “Te cuento la imagen de esto porque pinta de alguna manera lo de ser moderno es estar pasado de moda. Íbamos caminando y vimos una lavandería industrial que está muy cerca de mi casa, que se llamaba La Moderna. El nombre estaba pintado en una pared muy vieja, rota y ajada en donde tenías que imaginarte lo que decía… pero esa lavandería en algún momento fue moderna, el tiempo le había pasado y seguía siendo La Moderna”.
Lo que parece anecdótico, de repente, en el Breve desconcierto... toma sentido. Se podría resumir así: La Modernidad nace como un discurso crítico de las viejas representaciones del mundo. Entonces el hombre tironea del cordón umbilical que lo ata a Dios y aparece esa razón ilustrada que todo lo atraviesa. El motor moderno será la crítica, y así quedará planteada: como perpetua crítica a la crítica y al conocimiento dado, cuya fortaleza será la imposibilidad de considerarla finalizada, porque toda crítica que la cuestione será Modernidad por excelencia. El dúo no es ajeno a esta dinámica, y así aborda su espectáculo: sus textos tratan temas universales, pero a través de un ejercicio crítico-semántico redefinen lo dicho.

HUMOR IRÓNICO
Ahora bien, ¿cómo ser moderno y no morir en tiempos posmodernos? En una entrevista reciente a Umberto Eco, le consultaron sobre el uso que hacía del término posmoderno en las apostillas de su novela El nombre de la rosa. Para sintetizar, el escritor sugirió acercarse a la Segunda Intempestiva en donde Nietzsche sostiene que estamos tan cargados de historia que moriríamos a menos que la releamos irónicamente.
Y por ahí pasa la cuestión, lo novedoso de este dúo es el código –propio- con el que se comunican con el público: luego de una presentación enciclopédica del tema, la palabra entra en escena para cuestionarse a sí misma hasta convertirse en una paradoja. Rimas, piruetas sintácticas, sufijos que quieren ser prefijos, vocales que desaparecen, significantes que alteran significados –puestos en escena con una sincronicidad y capacidad de síntesis admirable-, terminan por desmitificar una lectura original, que hasta el momento parecía incuestionable. La palabra –“la pala que labra”- altera el orden establecido, genera sentido y contrasentido, se sube a un tren de ironía que la lleva hasta lo absurdo, en cuyo sinsentido queda al descubierto el nuevo sentido. Así son Los Modernos, no cuentan nuevas historias, las recrean. Y lo humorístico predispone: “A nosotros nos permite decir cosas que, de no hacerlo a través del humor, serían académicas y cursis –explica Pedro-. Hablar de Dios para nosotros resultaría tedioso sino fuera a través de un humor que implica mucha ironía”. Pero el verbo, inevitablemente, se hace carne: “Lo que también hay es un trabajo súper delicado del actor en donde todo lo que no está dicho se insinúa desde la interpretación. Hay cosas jodidas, por ejemplo nosotros hacíamos un texto que se llama La era pos cristiana, muy complicado, pero que desde la interpretación le buscamos unos yeites muy interesantes, y la gente se reía un montón. Vos preguntame de qué, todavía no lo sabemos… son resortes que se mueven para que eso funcione de esa manera. Y pasa con un montón de textos que como actores forzamos para que entren con más liviandad”, completa Alejandro.
Humor irónico, que forma y deforma sonrisas en un público, que se descubre pasando mucho más que un buen rato ante un escenario con dos masculinos vestidos de falda y un atril –“sentimos que realmente la escenografía era tener un espacio despojado”, dice Pedro-.
Hubo un hombre que vivió el ocaso del ajetreado siglo XIX –algunos lo llamaban loco, su hobby era derribar ídolos con pies de barro- que dijo: La boca puede mentir, pero la mueca que se hace en ese momento revela, sin embargo, la verdad. A veces románticos, otras tantas ilustrados, Los Modernos develan así los misterios semánticos del lenguaje.

CRUZANDO EL CHARCO
Luego de un año de presentaciones en Barcelona, España, el Instituto Catalán de Cooperación Iberoamericano convocó a Los Modernos para dar una conferencia. El motivo de la invitación: fueron el único elenco latinoamericano en haber estado un año en cartel. Pero la sorpresa no acabó ahí: finalmente se quedaron por 3 años. Recorrieron toda España: “Inclusive las Islas Canarias –explica Pedro-. También hicimos cosas extrañas para nuestro propósito como ir a Suecia y a Francia”. Y si bien a nivel local han recorrido algunas provincias en el marco del Festival del Mercosur, la idea es establecerse un tiempo en Capital para abrir otras puertas: “Ahora queremos instalarnos en Buenos Aires para darnos a conocer por toda la Argentina –agrega Pedro-. Si bien somos muy conocidos en Córdoba, prácticamente somos desconocidos en el resto del país. Tampoco hemos ido a otros lugares de América del Sur; un próximo paso sería Uruguay y Chile”.

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Los Modernos recibieron en España el premio a la mejor obra 2004, y fueron elegidos como revelación teatral de la temporada en Barcelona. También fueron premiados en el X Festival Internacional de Humor de Madrid.

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Desde mediados de septiembre, Los Modernos se presentarán en la Sala Mayor del Teatro Maipo, en horario central.

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TACHI SCHAMUN

2006-09-16T11:36:00.000-03:00

Por Malena Higashi

Hace más de 10 años que se dedica a hacer las telas que acompañan la escenografía de La Renga, además de haber realizado varios dibujos para el arte de tapa e interior de la banda de la que fue primero fan y después colaborador.

Fue un poco de todo: suerte, convicción y algo que siempre ayuda que es estar en el lugar indicado en el momento justo. Maximiliano Tachi Schamun era un fanático más de La Renga y tenía ganas de colaborar con la banda dibujando. Era su época adolescente, en la que seguía a sus bandas preferidas. Entre tema y tema se cruzó con Víctor Polero, el chico que protagonizaba los videos de la banda oriunda de Mataderos, y le dejó su teléfono pensando que no lo iban a llamar. “En el momento en que me acerqué la banda se empezaba a consolidar. Ya había hecho su primer Obras, que para una banda es un montón. Para mí era imposible que me dieran bola”, reconoce Tachi. Hoy tiene 28 años y hace más de una década que trabaja con los Detonadores de sueños.

EL DISCO DE LA REMERA L
El trabajo de Tachi quedó inmortalizado en la tapa de un cedé del 2000, La esquina del infinito. Una tapa oscura con una daga que tiene un león y un fondo de constelaciones. También hizo para ese cedé dibujos para canciones como El cielo del desengaño y En el baldío, que muestran un desolador ángel llorando con los brazos y las alas caídas. Toda una imagen para una canción que habla sobre un ángel moribundo y toda la soledad que puede llegar a evocar semejante episodio.
Escaleras interminables, mandalas con ojos, una ciudad en ruinas y estrellas son algunos de los elementos que conforman el universo gráfico de La Renga. Una estética en la que predominan la noche y la oscuridad. Es la imagen que fue creando Tachi junto con otros compañeros de trabajo. Él explica que no es un estilo, simplemente hacen lo que les gusta dibujar. La estética se fue encaminando sin querer, es decir, sin una intención marcada, por los gustos personales de los integrantes del grupo. “Es muy difícil que enganches la onda de la banda y sepas lo que ellos quieren si no te gustan. La tapa de un disco te entra por los ojos y si dibujás algo que les juega en contra, los discos no los compra nadie.” De todos modos también lo llaman de bandas que ni conocía, por ejemplo, Jóvenes Pordioseros. También trabajó con los escenógrafos de Callejeros y de Los Piojos, y actualmente hace las telas de los shows de Gardelitos. Una tela puede medir desde 3 metros por 6, pero hasta llegan a hacer dibujos sobre telas de 22 por 12. Son de 3 a 4 días de trabajo en grupo; se parte de un dibujo pequeño y se traslada a la tela con una cuadrícula.
Tachi tiene el taller en su barrio, Mataderos. Es un viejo club en banca rota y casi abandonado en donde él usa una cancha de paddle para desplegar las telas blancas que terminan siendo la escenografía de recitales multitudinarios. “No laburamos más con pincel, lo dejamos hace años. Usamos compresores, sopletes, aerógrafos”, comenta sobre los materiales.
La Renga actualmente está grabando un disco. Todavía no se conoce la fecha de salida, pero Tachi ya sabe que va a colaborar con la parte gráfica: “A veces voy a la sala y escucho temas, a veces ellos me dicen qué les gustaría que haya. Una banda grande tiene estética que mantener y después de tantos años yo ya sé qué dibujar y qué no. Dentro de cada banda hay un código”.

EL OTRO COSTADO DEL ROCK
Este trabajo no lo hace millonario pero aún así Tachi tiene libertad para trabajar y la aprovecha. Probablemente no sería millonario pero hay un tema que lo perjudica, que es la venta de productos registrados. Sus dibujos están registrados, pero él no cobra nada de la enorme cantidad de remeras y mochilas que se hacen a partir de ellos. “Si se sube un pibe al colectivo y lleva una remera con un dibujo tuyo te pone contento, pero si ves 2 mil pibes con remeras tuyas y no ves un mango, y estás peleando el peso todos los días, decís: ‘Acá alguien se esta llevando plata a costa mía’, y eso te da bronca. Más allá del dibujo, el arte, lo que sea, hay alguien que esta lucrando conmigo y con miles de bandas. Es injusto, no cobré un mango y me la pasé laburando”, reniega.
Se trata más que nada de monopolios como el de Locuras, uno de los principales locales de venta de merchandising: “Ellos se manejan de una manera pirata. Yo prefiero no pensar para no amargarme. Siempre existieron locales de barrio que hacían merchandising, me parecía que estaba bueno generar laburo para un local chico, el tema es cuando se trata de un monopolio de un tipo que tiene 40 locales en todo el país, que mueve millones de prendas y de guita; ahí ya no te cae bien”.
A pesar de todo él sigue dibujando no porque tenga un beneficio económico sino por la satisfacción de hacerlo. “La primera vez que ves un dibujo tuyo te choca, es fuerte porque no lo podés creer. Llegás al estadio, lo ves colgado y se te pone la piel de gallina. Después te vas acostumbrando y no le das bola. Lo mismo pasa con los dibujos de los discos, te fijás cómo quedó el dibujo, la impresión, y te olvidas de la importancia de que tu propio trabajo está en un disco y lo puede tener cualquiera en la casa; y que eso es la esencia de todo.”

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A la hora de hacer un dibujo para un tema, ‘Tachi’ primero lee la letra y ve qué le sugiere.

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SUPERSOPA

2006-09-16T11:35:00.000-03:00

Por Matías Castañeda

Quién no recuerda este alimento que habría de exiliar al hambre allá por la crisis de 2001. Bipolar se preguntó qué era de la vida de la Súper Sopa, que tanto espacio ocupó en los medios. Y trajo buenas noticias: la planta de esta casa académica de Bernal produce 3,5 millones de raciones anuales y alimenta, en 179 comedores, a unas 13.500 personas por día. Además diversificó su producción con novedades como el guiso y el locro a precios irrisorios.

Es vergonzoso que un país como la Argentina, que produce alimentos para 330 millones de personas, tenga un 30 por ciento de sus ciudadanos con necesidades alimenticias insatisfechas. Esa frase en diciembre de 2001 pasó, de ser esgrimida por un par de analistas lúcidos, con habilidad para cruzar guarismos macro, a ser repetida con tono engolado por la señora que barría en la esquina. Quién no recuerda las asambleas, la amistad clase media-piqueteros, los programas periodísticos en la televisión abierta. Barbarita, con sus llantos de mucha hambre, se convirtió en la personificación de la tragedia de la desnutrición: el significante mortal de una crisis de representatividad y desesperanza.
También en esos días nació una superhéroe gastronómica creada por un grupo de ingenieros en alimentos de la Universidad Nacional de Quilmes (UNQ): la Súper Sopa. Este alimento revolucionario, decían, ayudaría a combatir la desnutrición. Era sano, sin conservantes, de composición balanceada y con un costo bajísimo. Pero, pasado un lustro, ¿qué es de la vida de la Súper Sopa?

RETURNS
No sólo el proyecto alimenticio sigue en pie en la UNQ a pesar de la casi nula difusión: además han fortalecido y diversificado su producción en otros alimentos, siempre bajo la consigna de productos nutritivos y de costos irrisorios. Las nuevas vedettes son la sopa de zapallo, la de vegetales, el guiso y el autóctono locro, cuyas raciones fluctúan entre los 17 y los 25 centavos. Actualmente, la planta que la casa de estudios tiene en Bernal produce cerca de 3.500.000 raciones de alimento, que se distribuyen -a partir de padrinazgos- en 179 comedores de todo el país. La producción mensual de latas oscila entre las 2.500 y las 3.000.
Nelson Lauman es representante del Programa Nutricional Súper Sopa, tal su nombre académico, y cuenta que “la función de la planta es netamente académica, y en cuanto a lo que se produce, asistencial”. Más allá de lo que se brinda en materia de ayuda revela: “El 100 por ciento de los pasantes de Ingeniería en Alimentos que trabajaron en la planta están desempeñándose en empresas. En cuanto leen en los currículums que trabajaron la cadena de producción del programa, automáticamente toman a los alumnos”.
Para quienes quieran ejercer el padrinazgo de un comedor comprando latas de los productos está en funcionamiento un aceitado sistema bancario para facilitar la ayuda. Es posible tanto abonar en efectivo, como mediante cheque o depósito bancario. En el pago se afronta tanto el producto como el flete, en el programa se encargan de despachar el móvil hasta el lugar designado. El negocio da cero, no hay negocio, las mínimas ganancias de cada lata son invertidas en la producción de una nueva. “Se compra por intermedio de un padrino –agrega Lauman-, nosotros anotamos, según nos dicen, adónde estará destinada cada lata, para tener un control sobre los comedores, no porque nos interese qué se hace con el producto. Eso es cuestión de cada persona.” Puede ser una persona física, un colegio, una empresa, una ong; no hay que estar registrado impositivamente. “Actualmente tenemos alrededor de 50 padrinos. De las grandes empresas que figuran en la página –está desactualizada- sólo nos quedan 10. ¿Por qué? Pienso que al principio se acercaron por el auge, la novedad, cuando todo el mundo se entusiasmó con el programa.” Después decayó el interés mediático y, por ende, se abandonaron 1 de cada 5 padrinazgos empresariales.

HACEN SOPA
Respecto al rol del Gobierno Lauman dice que ahora no les interesa que participen, que jamás hubo un interés real por este proyecto. “Quizás sea –reflexiona- que haya quedado ligado a la gestión de Chiche Duhalde, ella fue una de las primeras en interesarse en la idea, después se desvinculó, pero de alguna manera, a lo mejor, quedamos ligados.” De todas maneras, en los datos fríos, resulta enigmática la falta de interés estatal en prosperar en esta idea. Poner una planta como la de Bernal en funcionamiento, con el recurso humano incluido, sale 1.050.000 pesos. El programa además pone a disposición de quien quiera toda su experiencia, ofrecen los costos y su cartera de clientes para que otros Bernales surjan en nuestro país (y en el extranjero). Con el 0,001 del presupuesto nacional se puede edificar una planta que produciría un plato diario para 13.500 personas. En resumen, con sólo el 1 por ciento del presupuesto se pueden fabricar las 867 plantas necesarias para darle un plato diario de Súper Sopa (o sus derivados) al 30 por ciento de la población. Y la inversión queda, es decir que el próximo ejercicio sólo se contaría con los costos operativos y de materia prima.

VALOR CALÓRICO
“A pesar de todo nuestra producción está en aumento, tenemos una mayor cantidad de comedores, gracias a los padrinazgos de la gente que asiste. Incluso estamos empezando a exportar a países como Angola y Mozambique, a partir de una red de iglesias católicas”, se enorgullece Lauman. El saldo es positivo en términos académicos y de asistencia alimenticia. Consultado sobre qué le gustaría agregar, dice que más allá de la ayuda económica “es importante tomar conciencia de que no sólo existen necesidades alimenticias. Recorriendo los comedores uno se da cuenta que hay necesidades de chapas, de aberturas, hasta de escombros, a pesar de lo extraño que suene. Existe una mentalidad de ya hice, ya colaboré, lo que no está mal, pero muchas veces es insuficiente”.

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La planta no sólo puede producir variedades de sopa, sino también cualquier variedad de alimento enlatado.

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Para depósito bancario, existe la cuenta 009-5589/5 en el Banco Río, cuyo CBU es 07200090-20000000558954. Para informes, consultar al 011-43657100 (166).

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AUMENTO EN LA TARIFA DE TAXIS

2006-09-16T09:52:00.000-03:00

Por Liliana Arguiz

Ilustración: Natanael

Después de varios reclamos y un paro, los taxistas aceptaron el aumento propuesto por el Gobierno Porteño. Los pro y contra de un incremento postergado, y los intereses que giran alrededor de la bajada de bandera.

NORBERTO SAMPIETRO, PEÓN DE TAXI

“EL PEDIDO DE AUMENTO SÓLO BENEFICIA A LA PATRONAL”

“El aumento de tarifas nos perjudica. Nosotros no ganamos nada, al contrario, la gente que toma taxi es mayoritariamente gente trabajadora, que no puede afrontar todos los aumentos porque los sueldos no suben, entonces opta por dejan de tomar taxis por un tiempo. Al subir la tarifa, nosotros tenemos que trabajar el doble para poder pagar el alquiler que sube proporcionalmente.
Esto viene del lado del sindicalismo, es un tema puramente sindical. La mayoría de los peones no está de acuerdo porque esto sólo beneficia a la patronal y a todos los que vienen enganchados con ellos, como es el caso de los relojeros. Todo es política y negocio. El sindicato no nos representa, son 600 personas las que deciden por los 55 mil peones de taxis.
El sindicato de choferes está más para la patronal, va adonde está el negocio, el dinero. Hace 32 años que soy taxista y se muy bien cuánta plata entra en un taxi, cuánta plata se gasta y cuánto hace falta para tener un auto en condiciones, y estoy seguro de que con la tarifa actual se podía seguir trabajando. Pero a los titulares de los taxis no les interesa brindar un mejor servicio, sólo piensan en ganar más plata e invertir menos.
El tema central son las licencias, si se otorgaran más licencias desde el Gobierno se terminaría con la especulación y el excesivo precio de la reventa. Con esto habría una disminución importante en la inversión, podrían mantenerse las tarifas y el parque automotor se renovaría más seguido. Pero hay grandes grupos que manejan el negocio y no les interesa que se les termine.
Los que no pierden nada son los radiotaxis, al contrario, ganan, porque además de los clientes de la calle tienen los de la radio. Acá el único perjudicado es el peón que no tiene radio.
La gente no sabe muchas cosas, desconoce el tema, cree en las noticias que dicen que el acatamiento al paro fue casi total, pero no fue así porque de noche sólo trabaja el 30 por ciento de los taxis, porque los nocheros salen sólo de domingo a sábado, o sea, que el lunes que fue el día del paro estaban de franco. La patronal dijo que el acatamiento al paro fue del 90 por ciento, pero es una cifra mentirosa y en muchos casos los peones adhirieron porque los dueños los obligaron. En mi caso nadie me obligó a parar, yo fui porque quise, porque me convenía, porque si no paras te rompen el taxi y después al otro día con qué laburás.
Pedimos que esto no sea sólo un negocio para la patronal, pero como dijo Viviani, el titular del sindicato de choferes de taxis, nosotros somos el jamón del sándwich.”

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Sampietro asegura que con la tarifa actual se podía seguir trabajando, y que el incremento sólo beneficia a los dueños que buscan ganar más plata, en lugar de brindar un mejor servicio.

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RICARDO CICUTTINI, DUEÑO DE UNA FLOTA DE TAXIS

“SIN EL ALZA LOS NUMEROS NO CIERRAN”

“Venimos con un atraso tarifario del 46 por ciento. Se había previsto un incremento para febrero, pero no se produjo por los cambios institucionales que hubo en el Gobierno de la Ciudad. Reclamamos una línea de créditos blandos que apuntan a la renovación del parque automotor, que consta de 37.800 unidades, y la rebaja impositiva para la compra de unidades cero kilómetro, porque actualmente hay autos con una antigüedad que llega a los 12 años y lo que se pretende es renovar de 5 a 7 mil unidades por año.
Sin el alza del 9 por ciento que nos acaba de dar el Gobierno sería imposible seguir trabajando. Un retraso tarifario de casi el 50 por ciento es mucho, y el valor del servicio debería haber aumentado a principios del año pasado. El último aumento que nos dieron fue del 12,5 por ciento, en noviembre, y en esos términos es imposible brindar un buen servicio. La Argentina tiene una flota de taxis muy antigua y con el presupuesto actual se hace imposible mantener los taxis en condiciones. Antes de la emergencia económica, el parque automotor se renovaba cada 3 años, hoy estamos en 6 años y medio. Además las unidades se deterioran muy rápido, ya que un auto recién sacado de la concesionaria al año ya tiene entre 180 y 200 mil kilómetros. Si bien los reclamos existían con anterioridad, el 80 por ciento de las unidades se vieron perjudicadas con el granizo del 26 de julio. Esto aceleró los tiempos del reclamo y trajo aparejado gastos extras, con el agravante de que el 20 por ciento de los autos quedó fuera de servicio.
La mayoría de los que hoy están trabajando son propietarios, y si hubiésemos tenido una buena tarifa hubiéramos podido hacer frente al temporal, y estaríamos pagando una póliza contra todo riesgo sin franquicia.
No le pedimos al Gobierno una recuperación tarifaria del 50 por ciento, entendemos que es imposible. Tampoco queremos un subsidio, pero pedimos una línea de créditos blandos tendiente a renovar el parque de taxímetros, o una situación impositiva diferente para la compra de autos cero kilómetro.
Hay una política muy diferenciada del Gobierno Porteño porque cuando los trenes o los colectiveros, ambos con subsidios del Estado, piden aumento se lo dan; en cambio a nosotros que somos el único medio de transporte público sin subsidio alguno los aumentos nos son dados con cuentagotas.
El aumento tarifario del 9 por ciento otorgado en estos días estaba previsto para febrero. El reclamo generalizado de este incremento quedó demostrado en la adhesión de los peones al paro convocado por la patronal, porque el salario que percibe un chofer está directamente relacionado con la tarifa.”

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Para Cicuttini hay una política muy diferenciada del Gobierno Porteño, porque los taxis no tienen subsidios como los trenes y los colectivos que siempre consiguen aumentos.

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BIPOLARIDADES

2006-09-16T09:47:00.000-03:00

11 DE OCTUBRE

VÍSPERAS DE LA CONQUISTA

La historia de Billiken cuenta que el 12 de octubre de 1492 el marinero Rodrigo de Triana vislumbró la Isla Guanahaní (conocida como San Salvador) y Cristobal Cólón, en su afán por llegar a la India, descubrió América. Así se produjo la comunión entre dos culturas: la europea y la americana. En cambio, la historia de los vencidos preconiza que el 11 de octubre fue el último día de libertad de los pueblos originarios que habitaban el continente. Sus ideas, su estilo de vida, sus dioses y costumbres fueron canjeadas por los adelantos y los avances propios de la visión europeísta. La marca roja en el almanaque consagra el comienzo de una lenta, pero efectiva desaparición.
Hoy, según un informe del Indec, en la Argentina los pueblos que lideran la población indígena son los Mapuches (Patagonía), Kollas (Jujuy y Salta) y Tobas (Chaco y Formosa). En total, 286.500 personas se reconocen pertenecientes o descendientes en primera generación de indios, negros o mestizos.
Así las cosas, como una suerte de contrafestejo, se desarrollará, en octubre, la II Cumbre de Pueblos Indígenas de las Américas, en aras de que la historia deje de ser la de los conquistadores, en pos de reconocer y defender los derechos olvidados de los habitantes originarios.

PET SOUNDS

Y EL MUNDO HIZO "POP"

En cualquier ranking internacional serio de la historia del rock, en el podio figura Pet Sounds, el álbum de los Beach Boys que colocó al genio de Brian Wilson como una figura destacada de la mejor generación de músicos que dio el pop.
Capitol, que no supo entender el cambio radical del grupo en su momento, volvió a reeditar esta obra dorada. Esta vez el argumento fue el 40 aniversario.
Si bien las mezclas en mono y en estéreo ya habían salido a la venta en cedé, ahora se agregó un devedé que incluye dos mezclas más, en alta resolución de 24 bits, y en dolby digital 5.1 surround. Pero lo más atractivo son los videos promocionales de aquellos años, un documental que narra cómo se hizo este disco, y a George Martin –productor de Los Beatles- junto a Wilson frente a una consola de estudio, descubriendo las sutilezas sonoras. ¡Hiciste una mezcla mejor que la mía, George!, le grita Wilson a un risueño Martin.
Tal es el impacto que causó Pet Sounds en 1966, que Andrew Loog Oldham, mánager de los Rolling Stones, lo promocionó en Inglaterra en avisos a doble página, sin tener ninguna relación comercial con los Beach Boys.
Rezábamos por un álbum que pudiera igualar a Rubber Soul. Era una plegaria, pero también había algo de ego en ello, y funcionó. Poco después hicimos Pet Sounds, dijo Brian Wilson ¡recostado en una cama matrimonial!, en un documental sobre sus mejores años al frente de la Beach Boys.

Pet Sounds, 40 aniversario.
The Beach Boys.
Capitol Records.
Cedé + devedé: 38 pesos.

SARAH KANE

LA TORTURA DE VIVIR

Dos piezas teatrales de la dramaturga inglesa Sarah Kane se presentan simultáneamente en Buenos Aires. Se trata de Crave¸ que bajo la dirección de Cristian Drut se presenta en El Lavapiés; y 4.48 Psicosis, que se sube al escenario de El Kafka, magistralmente interpretada por Leonor Manso.
Kane, quien le puso fin a su vida ahorcándose a los 28 años después de una aguda depresión y varios intentos de suicidio con barbitúricos, con sólo cinco obras escritas, pasó a ser considerada por los británicos como una autora de culto, por su tipo de escritura y una existencia atestada de angustia y locura.
Justamente 4.48 Psicosis, su obra póstuma, hace referencia a la hora de la madrugada en la que se producen más suicidios, según estudios realizados en Gran Bretaña. La gente suele acabar con su vida en esa hora debido a que se va el efecto de los psicofármacos ingeridos a la noche y comienza la angustia.
Por su parte, Crave, traducida al español como Ansia, y firmada por la autora con el seudónimo de Marie Kelvedon, con la clara intención de ocultar su identidad, es la autobiografía irónica que muestra el alter ego de su intrincada personalidad.

4.48 Psicosis
El Kafka, Lambaré 866.
Viernes y sábados a las 21.
Entradas: de 12 a 20 pesos.

Crave
El Lavapiés, San José 546/48.
Jueves y sábados, 23 horas.
Domingo, 22 horas.
Entradas: de 8 a 15 pesos

SILVIO RODRÍGUEZ

PALABRAS
A GRANEL

Hasta los más grandes artistas miran con recelo sus obras tempranas. Las iniciáticas, las viscerales, las torpes, las urgentes. Silvio Rodríguez y su Érase que se era, su nuevo disco con canciones viejas, como en otras de sus aristas, es una excepción. De todas maneras no es una novedad que Silvio edite canciones de su época esplendorosa, los oídos entrenados descubren canciones huérfanas de disco y contemporáneas entre sí (1967/1972) a lo largo de toda su discografía. La novedad de este disco doble –editado en un pack de cuidada factura y precio accesible- es que todas las canciones son de aquella belle époque.
Época en la que un muchacho y una guitarra se treparon a una barca de pescadores llamada Playa Girón, allá por 1969, caminito de ultramar, a despejar su mente y desenvainar poesía. El producto de aquella travesura está legado en Canciones del mar, un libro en el que a manera de notas de viaje, día por día, el segundo cubano más famoso, ¡a sus 23 años!, detalla su notable producción cancioneril -122 días, 67 canciones; casi una día por medio, casi la mitad ya editada, entre otras, Ojalá, Playa Girón, Historia de las sillas, Resumen de noticias, Me veo claramente, Y mucho más que veremos viendo-.
Resumiendo, grandes canciones injustamente olvidadas, por, quizás, el mayor compositor de habla castellana; qué más decir. Que levante la mano la guitarra.

Silvio Rodríguez.
Érase que se era.
Disco doble (26 canciones, 1 videoclip).
Sony BMG / Ojalá.
36,99 pesos.

CARLOS AGUIRRE GRUPO

MÚSICA Y POESÍA

Nunca es tarde para algunas cosas. Descubrir los discos de Carlos Aguirre Grupo es una de ellas. Escucharlos es como emprender un viaje a pie por tierra Argentina, donde en muchas melodías hasta se tiene la ilusión de poder sentir el viento y el olor de la tierra que se levanta. Zambas, chacareras, vidalas y otros ritmos folklóricos con arreglos clásicos resultan sublimes.
El músico entrerriano -en voz, piano, guitarra, acordeón y percusión-, acompañado por Silvina López y Jorge Marti -en guitarras- y Fernando Silva -en bajo-, formó el grupo a principios de 1999 en Paraná, y hasta el momento editó dos discos a través del sello discográfico paranaense Shagrada Medra, uno de ellos del 2000 (Amarillo) y otro del 2005 (Rojo).
Este último cuenta con un repertorio propio, con canciones -que más que canciones son poesías que encontraron su melodía perfecta- como La música y la palabra, Estampa de río crecido, y Sueño de arena; y hermosas versiones de Confesión del viento, de Roberto Yacomuzzi y Juan Falú, y Zamba por vos, de Alfredo Zitarrosa.

Carlos Aguirre Grupo.
Rojo.
Shagrada Medra.
28 pesos.

TEATRO NEGRO DE PRAGA

MUNDO DE FANTASÍA

Ropas tendidas en una cuerda toman vida y se enfrentan, a pesar de la voluntad de la lavandera; una cámara de fotos se vuelve un actor más en escena; un violín se transforma constantemente; los sueños surrealistas de un taxista; un caballo inesperado…
En el Teatro Negro de Praga, la magia, la ilusión y la fantasía son fundamentales como medios para lograr dramáticas metáforas de este mundo, donde a veces quisiéramos que los objetos fuesen realizadores de nuestro inconciente.
En este caso, son actores vestidos de negro, que no se ven sobre el fondo negro del escenario, los que dan movimiento a las cosas. Se trata del truco llamado gabinete negro o caja negra que incorporó el creador del conjunto, Jirí Srnec, desde sus inicios, en 1961.
Por la fascinante calidad técnica que tiene el grupo, se podría decir que las acciones principales permanecen ocultas, pero las actuaciones que son visibles sobre el escenario ofrecen múltiples elementos para decodificar la tragedia.
En su gira por Sudamérica, el Teatro Negro de Praga se presentó el 18, 19 y 20 de agosto en la Argentina, con su espectáculo Lo mejor del Teatro Negro de Praga; y los tres días llenó la sala del Teatro Coliseo. Fue magia para los niños y muchas cosas más para el resto de los espectadores.

RECREO LITERARIO - ELOISA CARTONERA

2006-09-16T09:28:00.000-03:00

GRASAS Y CARETAS

2006-09-16T09:25:00.000-03:00

PATIO

2006-09-16T09:22:00.000-03:00

Número DIEZ - agosto 2006

2006-08-19T18:23:00.000-03:00

¡Great balls of ice!

Un espectáculo inusual tomó por asalto a la Ciudad de Buenos Aires el 26 de julio por la tarde: grandes bolas de hielo. En rigor de verdad, cayó pedrisco, porque a lo que eventualmente se le llamó granizó superó los 5 milímetros, mutando de nombre y, por ende, de experiencia climatológica. Las capas de hielo, al ser opacas, estuvieron formados por pequeños cristales y burbujas de aire. Según cuentan los entendidos en la materia, las corrientes de aire ascendentes y descendentes en el interior de las nubes hicieron que los trozos de pedrisco subieran y bajaran varias veces. Tardando en caer los cristales, congelaron el entonces granizo y dieron lugar a esas rocas enemigas de los autos, casi tan enemigas como sus dueños del sentido común: colas durante toda la madrugada en Warnes y conductores enojados por la (¡obvia muchachos!) falta de stock de lunetas en las casas de repuestos. En Buenos Aires, la mañana del 27 pedriscó sinsentidos. Envalentonados con los condicionantes obstáculos meteorológicos, nos acomodamos el cuello del piloto frente al espejo de manera elegante y salimos a buscar el número 10.

Le preguntamos a Lisandro Aristimuño, el rionegrino que sigue sorprendiendo con sus melodías imposibles a la escena nacional, Bonustrack mediante, cuál es el secreto para no perder la sutileza a manos del frío. Con ese background emocional, para fortalecer nuestras defensas físicas, nos dejamos pinchar por expertos en acupuntura, esa disciplina milenaria que congrega en la Argentina férreos adeptos, en la Investigación. Y mientras Fidel se dirime –por enésima vez- entre la vida y la muerte, un vecino de Caballito lleva adelante una guardia permanente para un futuro museo del Che Guevara, rodeado de iconografía revolucionaria, en Bicolor. Claudia Puyó, el coro femenino del rock nacional por antonomasia, tiene muchas anécdotas para contar de su paso como segunda voz de Los Redonditos de Ricota y Fito Páez, entre otros, y se atreve a las 22 preguntas del Bipolar del mes. La batidora académica, Alan Pauls, nuestra Entrevista, nos revela qué imagina que será la versión fílmica de su novela El pasado y deja embebernos de su visión del mundo. El Ejército de salvación se trasmuta en persona, Mariano Cabrera, mitad actor y mitad coleccionista retro de las décadas del 60, 70 y 80, nos cuenta, talking with Petete, sobre los comienzos de Paolo El Rockero y más de una anécdota de cuando fue mánager de Los Twist. Una de los exponentes más promisorios de nuestra literatura, Samanta Schweblin, se toma un Vermouth con Bipolar y repasa sus fugaces pero destacados 28 años, haciendo un parate en su libro de cuentos El núcleo del disturbio. Madres indignadas versus madres contenidas: las voces de La Tragedia de este mes, a favor y en contra de que les enseñen a sus hijos educación sexual de manera obligatoria en las aulas. El Héroe anónimo es Héctor Toscazo, o el artista que pone el cuerpo dos veces: es portador de HIV y sublima la realidad de los miles de seropositivos con su arte.

¡Abrigate nene! ¿Llevás paraguas? ¿Comiste algo? ¡Anudate bien la bufanda! ¿Te mojaste? ¡Cuidado con el pedrisco! ¡Atendeme! ¿Llevás Bipolar?

Alan Pauls

2006-08-19T18:06:00.000-03:00

Por Federico Amigo

Después de algunos años encontró su medicina literaria: escribir y retratar singularidades, buscarle otro costado al lugar común de los amores. Tras el alivio de finalizar ‘El pasado’, el teórico y ensayista, crítico y narrador, ideólogo y guionista, sacó en julio, ‘La vida descalzo’, donde camina por la playa por sus reminiscencias infantiles y sus replanteos adultos.

“En un punto tenía la impresión de que el libro era virtualmente interminable. Podía no terminarlo nunca. Incluso podía no terminarlo nunca y ser muy feliz no terminándolo nunca. Entonces terminar ese libro en particular, que habla sobre cómo se termina una historia de amor, si es que se termina, era complicado. Si los finales de los libros siempre son complicados, el final de un libro que habla sobre el final de las cosas era doblemente complicado.” La novela de la que habla es su novela, El pasado, que retrata un amor irresoluto entre Rímini y Sofía. Y quien juega con palabras y repeticiones es su autor, Alan Pauls, que pasó cinco dulces años regocijándose entre sus pausas y su cansino ritmo interno.
“Me puse lento. O por ahí durante esos 10 años descubrí la lentitud. O sea, la paso bien en el sentido de que me gusta mucho macerarme a mí mismo en lo que estoy escribiendo, cosa que no sucedería si escribiera muy rápido”, cuenta a propósito de la década que se fue entre Wasabi y la consecución de El pasado. Los años, “por suerte”, aclara, también le hicieron encontrar su nicho literario. Desde su ópera prima, El pudor del pornógrafo, hasta La vida descalzo, su último ensayo acerca de “la playa como un objeto genial para escribir”, y para hacer un recorrido autobiográfico, siente que adoptó una postura que hoy le permite abordar la escritura con una perspectiva diferente. “Básicamente dejé de defender una posición, más bien paranoica, según la cual para escribir ficción era fundamental cortar con todo lo que no fuera la literatura. Los escritores son muy instrumentales: usan lo que les sirve, independientemente de si es verdadero o no. Ese fue un poco el desplazamiento. Seguí escribiendo una literatura muy literaria, pero atravesada todo el tiempo por fuerzas, por materiales, por experiencias que tal vez antes hubiese dejado afuera, casi por principio. Es posible que sea menos dogmático. Al mismo tiempo me cuesta mucho más escribir ahora que hace 20 años.”

EL PASADO
A mediados de los ochentas, Pauls publicó su primera novela y se congratuló en letras en la Universidad de Buenos Aires. A partir de allí su actividad económica y profesional se debatió entre la combinación del periodismo, la crítica y el guión de cine. Aún después de El pasado, que le valió el Premio Herralde y la definitiva aceptación de lectores y críticos, comenta que su vida no se costea con la literatura. “No soy un escritor profesional en el sentido de que no vivo de los libros que hago. En general no están en una relación directa con la demanda del mercado. Pero al mismo tiempo me doy cuenta de que la única imagen de mí mismo que reconozco como verdadera, como descriptiva, es la de un tipo sentado en el teclado escribiendo. Tengo la impresión de que cada vez soy más un escritor”, confiesa.
La prolífica novela y el juego amoroso entre Rímini y Sofía, los protagonistas, arrancan en la década del 70. Sin embargo, Pauls deja de lado cualquier contextualización alusiva al proceso de desorganización nacional. “No me interesa la política –explica- como mundo referencial para la literatura. No me interesa fechar la historia con acontecimientos políticos: ‘Mientras Rímini y Sofía viajaban a Europa los militares hacían desaparecer a 30 mil personas; mientras Rímini y Sofía se iban a vivir juntos Alfonsín…’. Odio ese tipo de literatura que pretende empatar la ficción y la política. Mucha de la lógica que parece regir a esos dos amantes, a lo largo de 25 años, podría describir las experiencias históricas que buena parte de los argentinos vivimos. La sensación, por ejemplo, de que las cosas no terminan de pasar, de que las cosas nunca son superadas por otras sino que son siempre las mismas, sólo que ligeramente cambiadas.”
Entre tanto buen recibimiento por parte del público, El pasado engendró en Héctor Babenco la idea de hacer su adaptación en la pantalla grande. El cineasta, que ya había realizado El beso de la mujer araña, de Manuel Puig, llamó a Pauls buscando el guiño cómplice que le sirviera para avanzar en el proyecto. “Fue muy inesperado y obedece sólo al entusiasmo y al encaprichamiento terrible de Babenco por la novela. No creo que sea una apuesta sin riesgos”, opina. Desde el 17 de julio el director y su troupe –que incluye al mexicano Gael García Bernal, como actor protagónico- trabajan en el rodaje del largometraje, que se repartirá entre Buenos Aires y algunas escenas extras en Europa y Brasil.
A pesar de su empatía por el director y por sus obras, Pauls se niega a pensar en un diálogo entre libro y película, entre imaginación e imagen. “Cuando yo escribo no veo, incluso diría que escribo para no ver. Entonces, el salto entre la frase y el plano es casi insoportable. La frase, por más preciso y literal que sea uno, siempre tiene como un componente de indeterminación. Y el cine por más vago y abstracto que quiera ser siempre fija las cosas de una manera inapelable. Ves una cara en el cine y ya está, el personaje tiene esa cara, ese cuerpo, se mueve de ese modo.”

LA INFANCIA DE LA PLAYA
En La vida descalzo, Pauls ubica a la playa como el lugar de lo desnudo, y a lo largo del ensayo va vistiendo a ese escenario con un arsenal de ideas y disparadores: su halo libertino, el turismo, la experiencia constante. “Es algo que uno puede adornar, plegar, cambiar. Creo que por eso es un espacio que me gusta mucho en términos intelectuales y de experiencia”, sostiene. En contraposición al escapismo, Alan cuenta con una suerte de formulado teórico sobre la excepción: “La diferencia es que de un escape volvés no trayéndote nada. En cambio, de una excepción siempre te traés algo que te puede servir para pensar la norma. La experiencia cívica de la playa puede ser muy útil para pensar formas de convivencia humana un poco más atractivas, más placenteras, más inteligentes, más deseantes que las formas de convivencia en las que vivimos”.
Descubrir el Cabo Polonio, un remoto pueblito de pescadores de la costa del Uruguay, que se erige como bastión infranqueable para la luz eléctrica y el agua corriente, fue el disparador para recordar aquellos veranos de principios de los sesentas enquistados en Villa Gesell. Esos recuerdos se convirtieron en palabras para luego reinventarse en historias y memorias. “En cierto sentido –dice- debo haber proyectado sobre la pantalla en blanco de Polonio las viejas imágenes de mi vida en la playa de Villa Gesell. Hay como una especie de conexión rara entre la playa contemporánea y la de mi infancia, que de algún modo, aunque no era tan salvaje, primitiva y exigente como la del Cabo, era bastante virgen.”

EL FACTOR MEMORIAL
Hace algunos años descubrió una manera distinta de adentrarse en la medicina. La homeopatía le ganó la batalla a la alopatía, y Pauls se encomendó a la tarea de encontrar su propia medicación. Pero ese pleito ficticio no se dio sólo en el campo de la salud, sino también en el plano de las ideas. Desde lo artístico, según él, los ensayos tienen puntos de contacto con esta práctica. “La homeopatía, hasta que no llega a tu singularidad, no opina sobre lo que te pasa. Si vas con un resfrío, un alópata te dice: ‘Tomá no sé qué’. No sabe qué clase de resfrío hacés vos que no hace él. Seguramente tus mocos no son iguales a los de él, no te pasa en el mismo momento. Todas esas cosas tienen que ver con la práctica de un escritor. La angina para un homeópata no significa nada. Para un escritor tampoco.”
Tras redactar la última hoja de El pasado, que se había llevado cinco años, Pauls sintió una grata sensación de alivio. Sin embargo, una vez consumada esa etapa se reabrió otra con un ambiente imaginado y repetido: la pantalla en blanco, el teclado y las palabras. “Tengo la impresión de que no tengo ninguna vida personal, de que no tengo recuerdos hasta el momento en que me pongo a escribir. Si me hubieran dicho antes de escribir La vida descalzo, ‘¿qué recuerdos tenés sobre la playa?’, no hubiera podido decir nada. Ahora, cuando me puse a escribir el libro apareció Villa Gesell, el autocine, todos los nombres de las pancherías, las hamburgueserías. Pero sino tuviese la escritura es como que no hubiera vivido todo eso. Es mucho más que un instrumento, es casi el momento en el que se inventa una memoria personal.”

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HERMANOS

En total son seis hermanos, entre ellos los actores Gastón y Nicolás, pero cuatro son de matrimonios diferentes. Nunca vivieron bajo el mismo techo y los separan edades abismales. Eso, para Alan, fue lo que generó que durante un tiempo coexistieran en mundos paralelos. “Desde hace 10 años empecé a descubrirlos como hermanos e imagino que también ellos a mí. Encontré la manera de entenderlos, quererlos e interesarme por ellos.”
No sólo aprendió a adorarlos, sino también a defenderlos. A Gastón se le endilgó haberse apropiado de un formato que había creado el periodista Fabián Polosecki. “Que alguien hable de algo que está en la tele, y le critique falta de originalidad, es como ridículo. De hecho, su máxima originalidad es la tele. Es el lugar donde se roba impunemente todo el tiempo. Me parece una crítica imbécil”, opina.

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Pauls trabaja en el guión de ‘Buenos Aires no existe’, que retratará los nueve meses que Marcel Duchamp vivió en la Argentina.

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Dice que la playa es un lugar genial, pero sólo para veranear. Le gusta la ciudad por su anonimato y por la posibilidad de desaparecer.

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Lisandro Aristimuño

2006-08-19T18:04:00.000-03:00

Por Malena Higashi

Días agitados para el cantante sureño que sorprendió hace ya dos años con su primer trabajo, ‘Azules turquesas’; ya está trabajando en su tercer disco, se va de gira –de nuevo- por España y se presenta en La Trastienda. Y aclara que aunque todos lo vean como un tipo frágil y triste, él tiene carácter.

Una mezcla entre cuento de hadas y el sueño del pibe. Lisandro Aristimuño dejó su Viedma natal detrás de un amor. Tenía entonces 22 años y un destino aún incierto. Lo deseaba, pero nunca se imaginó que iba a editar un disco -Azules Turquesas- tan rápido. Era la época de la crisis y Aristimuño llegó de Río Negro para instalarse en una Buenos Aires que ardía en cacerolazos. Empezó a estudiar para ser maestro jardinero y al mismo tiempo repartía Azules Turquesas. “Era ir en bondi a todos lados a que me tiraran el sobre a un rincón. Todos me miraban y me decían: ‘¿Querés editar un disco? Vos estás en... ¡No edita un disco Diego Torres y vos querés sacar un disco!’ Fue cosa de insistir. Igual fue bastante rápido, lo grabé y a los tres meses ya estaba editado”, recuerda.

LOS TRABAJOS Y LOS DÍAS
Antes de Buenos Aires, antes de los discos, antes de hacerse conocido en el ambiente, Lisandro Aristimuño hacía covers en casinos de toda la Patagonia. La primera vez que se subió a un escenario tenía 13 años. Aprendió tocando canciones de otros, esa fue su escuela. Pero su acercamiento a la música data de mucho antes, cuando era casi bebé y agarraba la guitarra de su papá y, como cuenta, se la llenaba de baba.
Hoy por hoy, la vida diaria del artista consiste en hacer canciones. Aunque aclara que no lo hace con el único propósito de grabar un disco sino por puro placer. Además le sirve como ejercicio para sacarse cosas de encima, una especie de terapia. “Me levanto al mediodía y agarro la viola. Parto de la guitarra y le voy metiendo cosas.” Cosas son los agregados de música electrónica que fusiona a la perfección con música autóctona. “Una vez que voy escuchando las canciones sumo los demás instrumentos y la producción”, explica. Por una cuestión de autosuficiencia, pero también por el hecho de no haber formado una banda, Aristimuño se largó a hacer un disco solo. “Armar una banda es muy difícil, es como encontrar novio”, aclara. La suya es bastante familiera ya que lo acompañan un primo, Carli Aristide, en la guitarra, y su hermana Rocío, en percusión y coros. Detrás de escena hay otros proyectos en familia: “Tengo la idea de grabar un disco con mi hermana, ella tiene muchas ideas y quiero ayudarla un poco con eso, y el guitarrista está haciendo cosas y también quiero ayudarlo. Me gusta no ser yo, yo y yo… poder meterme en otro papel, a veces”.
Escribir, o “poner en palabras una atmósfera” es lo más difícil para él. Quizás hasta graba la melodía en un idioma inteligible, es decir, un canto ligado a la fonética y no a una letra concreta, y después escribe la letra que encaja con esa melodía previa.
Después de sacar dos discos con los que le fue bien -Azules turquesas (2004) y Ese asunto de la ventana (2005)-, ya no siente presiones con el tercer trabajo, que recién se va a grabar en diciembre, y tiene 20 canciones bajo el brazo. “Este proyecto lo empecé a carburar hace un año y medio. Me gusta darle tiempo a las canciones y a los discos”, comenta.

LO BELLO Y LO SIMPLE
Atmósfera es una palabra recurrente en Aristimuño. Dentro de su música ese aspecto es fundamental porque para él no es necesaria una buena letra, simplemente la música puede transmitir un estado de tristeza sin nombrarla. Nadie mejor que un anónimo visitante del blog del cantante para disparar una idea de qué se trata todo: Increíblemente simple, desaforadamente bella… tu música acompaña, reza uno de los mensajes posteados. Hay aquí una trampa: detrás de esa aparente simpleza hay algo más, “mi idea es que en el primer acercamiento la música suene simple, y una vez que pasan los días le empieces a escuchar más cosas”. A él no le cuesta mucho encontrar ese equilibrio porque, según explica, se enamora de las cosas simples y no se complica la vida. “El otro día hablé con mi hermana por teléfono y me dijo que estaba dibujando. Mi hermana tiene 25 años y estaba dibujando… y digo ¡wow! Esas cosas me enamoran, la gente por ahí va mas allá y no se da cuenta.”
En cierto punto él también acude a lo lúdico. Las canciones son para Aristimuño un juego porque con ellas puede jugar a ser todo, incluso cosas no reales: “Hay un tema nuevo que se llama Pluma, y yo soy como una pluma. Me encanta hacer canciones y me parece divertido, además, jugar con eso, con no ser un humano”. Y no sólo con eso. También hay un juego interno con sus discos; él los graba y a partir de la atmósfera que transmiten decide en qué estación del año van a salir. No por nada en Ese asunto de la ventana posa con un paraguas.

LO QUE ES, LO QUE PARECE
Nada de tristeza ni de melancolía. Puro idealismo, una imagen equivocada de Lisandro. La gente que lo sigue piensa que él es así. Quizás por sus letras, o la fragilidad de sus melodías. Sin ir más lejos hace poco una fan, que luego devino en amiga, le dijo a Aristimuño que no podía creer lo que era él como persona, y lo que decía en sus canciones. “Todos imaginan que soy un tipo frágil, triste. Y en realidad soy un tipo muy laburador, muy luchador y tengo mi carácter. Cuando terminan los shows y me pongo a hablar con la gente me dicen: ‘¡No, vos no me podés decir esto!’ Me parece que la gente al escuchar las canciones se imagina algo de mí.” A él lo que le importa es que la gente pase un buen momento, que se vaya flotando de sus recitales.
Con la prensa no hubo una idealización pero sí una especie de adoración. Se habló del “fenómeno Aristimuño”, la Rolling Stone seleccionó Azules turquesas como uno de los 50 mejores discos del 2004, y junto con Inrockuptibles lo nombraron “artista revelación” de ese mismo año. Él no siente presiones, simplemente se alegra del buen momento que está pasando: “Que los discos se estén vendiendo, que se estén escuchando, es el sueño del pibe, lo que yo quería. No me lo imaginaba pero tenía muchas ganas, estuve haciendo mucho tiempo covers y quería hacer algo mío”. Si bien el éxito lo tomó por sorpresa, la única certeza que tenía era que se iba a dedicar a la música.
No tiene horarios ni muchas exigencias de la discográfica -Los años luz-, hace lo que más le gusta y le va bien. Se lo ve contento a Lisandro Aristimuño, y él no lo niega: “Lo que pasa es que soy un tipo feliz, me armo la vida que yo quiero. Elijo lo que soy, no me gusta algo y no lo hago porque soy muy frágil y hay cosas que me pegan mucho, entonces voy buscando caminos en donde me siento bien”. Y allá va Lisandro, transitando esos caminos que, por la distancia y por el tiempo, ya quedan bastante lejos de la Patagonia de sus canciones.

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UN RECITAL EN BUENOS AIRES, UNA GIRA POR ESPAÑA

No pasaron cinco meses de esa primera gira por España, que Lisandro Aristimuño estará volviendo, en octubre, a esa tierra para editar dos discos. “Fue hermosa la idea de estar en otro lugar y tocar canciones que hablan un poco sobre la naturaleza de la Patagonia, y estar por ejemplo en Madrid cantando eso. Había mucha gente argentina que estaba viviendo allá, mucha gente de la Patagonia, incluso, y fue algo así como: ‘¡Qué bueno, me trajiste dulce de leche!’”, rescata Aristimuño, que cuenta que lo saludaban como si lo conocieran de toda la vida. Pero antes de partir a Europa tiene un recital en La Trastienda, el 26 de agosto, y anuncia cambios en la banda y en el show. “Se incorporó una chelista, Leila, y estamos viendo la forma de reemplazar el bajo y la batería. Por ejemplo, Leila le pega al chelo para la percusión, tratamos de buscarle otra vuelta. Estamos haciendo nuestros temas adaptados a nuevas sonoridades”, adelanta Aristimuño.

Claudia Puyó

2006-08-19T18:00:00.000-03:00

Por Milena Marcovecchio

El ‘underground’ de los ochentas la tuvo presente entre sus filas. Mujer rockera en épocas difíciles. No se calló ni transó con nada, renunciando aún, a una producción discográfica más abundante. Claudia Puyó, fuerte y frágil a la vez.

1) Fuiste parte de las mujeres del rock nacional, ¿cómo viviste todo ese furor?
- No fue un furor, yo lo tomo como una especie de mentira. Cuando nosotros empezamos a hacer música era muy difícil el momento. Tocábamos con unas astillas viejas, ni guitarras eran. Pero cuando seguís tantos años haciendo música es porque la amas.

2) ¿Tu relación con la música empezó de muy chica?
- Sí, mi viejo era melómano, escuchaba música clásica y me hacía distinguir a los compositores: Chopin, Mozart, Beethoven. Me llevaba al Colón a ver óperas. A los ocho años aparecieron Los Beatles en mi vida y ahí ya se complicó (risas). Escuchaba Creedence, a los 10 ya tenía un disco de Frank Zappa.

3) Entonces tuviste tu vocación bastante definida...
- Me encantaba cantar pero pensaba que iba a ser veterinaria o médica, algo que tuviera que ver con curar. Pero cantar, lo hacía todo el tiempo, me acompañaba en los pensamientos que me agobiaban. Cuando canto mi cabeza no camina, tengo una cabeza muy insoportable.

4) Pero sin embargo tu primer grupo lo armaste a los 12.
- Mi primer grupo se dio con Aníbal Forcada, que ahora es bajista de León Gieco. Lo conocí en la casa de unas pibas que eran vecinas. Empezamos como dúo, Ana Gris nos llamábamos. El primer concierto que dimos fue en el colegio San Cayetano, en Liniers, tenía 15 años. En el 76 empecé a tocar con un grupo eléctrico: Trigémino, ya estaba en quinto año. Después volvimos con Ana Gris, incorporando más gente como: Guillermo Arron, Claudio Tripputi, Pablo Rodríguez, hasta Marcelo Torres tocó con nosotros.

5) ¿Por qué Ana Gris?
- Se lo puso Aníbal, por mi hermana Ana, ella estaba triste en ese momento y Aníbal decía que estaba gris y así quedó el nombre.

6) ¿Cómo llegaste a grabar el primer disco?
- En el 81 siempre iba a zapar los domingos a Jazz & Pop, ahí toqué con gente alucinante, hasta con El ciego Larrumbe, uno de los mejores organista que tuvo la Argentina. Un día me vio Rodolfo García, baterista de Almendra, y le dijo a un productor que se llamaba Oscar López que había escuchado una mina que cantaba muy bien. López me llamó a mi casa y me dijo que me quería conocer y grabar un disco, yo ni pensaba en eso.

7) ¿Tuviste otros trabajos?
- Laburé en varios bancos, en fábricas, de cocinera en una pizzería, en una compañía de seguros, hice de todo en mi vida, ¡joder sí! Ojalá no hubiese tenido que trabajar.

8) Tocaste con Los Redondos, ¿cómo fue esa experiencia?
- Muy linda, existía el romanticismo, fue cuando todavía Los Redondos no habían ni grabado Gulp, no se armaba quilombo, ni nada. Era en el Parakultural, ellos generaban todo un movimiento de gente. Eran cosas que no pasaban en ningún concierto. Para mí las mejores letras de bandas de rock son las de Solari, toda una data que no se conocía. Musicalmente era, muy grosso, no con individualidades. A veces rifaban también una piba (risas), pero eso no lo pongas...

9) ¡Cómo no poner algo así!, ¿cómo era eso de la rifa?
- Cuando daban las entradas también repartían un número a cada uno y la rifaban a Olga (risas interminables). Era tremendo, le sacaban el número de la concha y el que tenía el número se la ganaba. Era una amiga de los chicos bastante cachivache, lo peor era que nadie se la quería llevar, así que imagínate lo que era (risas).

10) También le hiciste coros a Fito Páez en El amor después del amor, ¿adónde lo conociste?
- Por Fabi (Cantilo), nosotras somos amigas desde principio de los ochentas, después ella se puso de novia con Fito. No sé cómo fue que yo aparecí una vez en un ensayo en La Mar cuando él estaba haciendo Ciudad de pobres corazones.

11) Estuviste viviendo un par de años en España, ¿a qué te fuiste?
- A tocar, a escuchar otras músicas, a conocer otras idiosincrasias. Allá toqué con mucha gente increíble, hice una gira de 23 conciertos por toda Europa con Kevin Ayers, él tocaba en Soft Machine.

12) ¿Y a Egipto cómo llegaste?
- Eso fue en el 96. Una amiga me dijo que existía un festival internacional de la canción en El Cairo. Mandé todo lo que pedían y mi mamá me prestó los 100 dólares para inscribirme. Yo pensé que ni en pedo me iban a aceptar, y me mandaron un pasaje de ida y vuelta. Fueron ocho días en El Cairo con todo pago, menos la bebida (risas), eso fue una buena plata que tuve que pagar aparte. Canté con una orquesta egipcia una cosa increíble, no tenía un mango, me filmaron cantando y no tengo el vídeo. ¿Podés creerlo? No me lo pude comprar (risas).

13) ¿Estás de novia?
- Sí. Yo no hablo mucho de eso, tengo muchas muertes en mi vida y eso te deja algo raro adentro (respira profundo), algo roto difícil de cicatrizar. Mi corazón creo que es fuerte porque puedo seguir estando acá después de todo lo que me pasó. En la vida cotidiana uno lleva la carga, entonces nunca me juego a decir que es el amor de mi vida porque tengo miedo de que se muera (risas), pero me río por no llorar.

14) ¿No tenés hijos por elección o porque no se dio?
- Por un lado por elección, y después con el suicidio de mi segundo novio tuve una menorrea, eso le sucede a veces a las mujeres con shocks emocionales. Ahí tuve una menopausia precoz a los 38. Por eso envejecí tanto.

15) El rock irremediablemente esta ligado con el exceso, ¿cómo lo manejás?
- Soy una persona excesiva generalmente, pero bueno, es obvio que los excesos de los 15 no los puedo cometer a los 47, no te aguanta el muñeco. Todos hemos sido bastante excesivos, pero no pasa solamente por el rock, también pasa por el tango, por los políticos. Hay un mito también con eso, el reviente realmente empezó con el tango.

16) Se te van a venir los tangueros encima con lo que estás diciendo...
- Los tangueros fueron los primeros reventados de la música, los primeros que empezaron a tomar cocaína, morfina y a hacer desastre. A mí que no me lo vengan a contar, sino preguntáselo a Goyeneche. Pero la gente no iba a juzgar eso, porque el tango siempre fue muy respetado. Esto no le va a gustar a nadie, pero pasó siempre.

17) Muchos artistas están incorporando al tango a su discografía. ¿Vos no lo tenés en mente?
- Yo canto tango, cantaba con mi mamá cuando era chiquita, ahora canté con las Abuelas de Plaza de Mayo, en Tango por la Identidad, un tema de Discépolo. Me encanta el tango pero no lo haría por especular. Me faltan hacer demasiados discos antes, uno de soul en inglés, otro de blues.

18) Es cierto, tenés sólo tres discos, ¿por qué tan poca producción en tantos años?
- Por esta cuestión de que yo no cuadraba con el negoció del rock. Yo con una gran carrera, como dice todo el mundo, me sentiría un caballo (risas). Prefiero tratar de ser una mejor persona, de crear siempre desde un lugar bueno, de generar laburo para la gente que tengo alrededor, si puedo.

19) ¿A qué le llamas exactamente ‘el negocio’?
- A que tengas un productor que elija los temas que vas a cantar, que te diga lo que te tenés que poner, que te dirija el vídeo, que vos no puedas decidir ni cómo te llamas. Necesito sentirme bien con la gente con la que estoy, que fluya una cosa emocional.

20) Sin embargo tocaste con muchas bandas que tenían una compañía discográfica detrás.
- Yo sólo trabajé para Fito Páez, después cantaba, por ejemplo con Los Redondos, porque tenía ganas, no cobraba. Con todas las personas que canté fue de onda. Ni por mucho dinero canto si no me gusta lo que hacen.

21) Ahora estás con presentaciones en Buenos Aires, ¿no?
- Sí, fue un ofrecimiento de la Secretaría de La Nación, se llama Gira Mínima, y se hace en centros culturales. Además estoy grabando tres discos a la vez, en realidad estoy grabando el cuarto disco mío, otro de soul en inglés, y un disco de bandas que me gustan.

22) De poeta ya sabemos que tenés bastante, ¿pero de loca cuánto hay?
- Mucho, soy Dr. Yekill y Mr Hyde, geminiana, además. Mis amigas me dicen cuando llego: ‘Ahí viene Linda’, por Linda Blair de El exorcista (risas). Soy re loca, muy ciclotímica.

Mariano Cabrera, coleccionista retro

2006-08-19T17:53:00.000-03:00

Por Matías Castañeda

Es el coleccionista de memorabilia retro más célebre de la Argentina. Atesora la más valiosa colección de objetos de las décadas del 60, 70 y 80. Encabezó ‘Operación Fideos con Manteca’, las míticas fiestas en las que se celebraba la niñez. Además es actor -está haciendo presentaciones de ‘stand up’-, se fue de gira con Paolo El Rockero y tuvo legendarias participaciones en las bizarras investigaciones de Pipo Cipolatti en ‘La TV Ataca’. Fue manager de Los Twist, condujo programas de radio y de televisión. Un todo terreno, con ustedes las mil vidas del niño eterno.

“Tengo como dos vidas, como buen geminiano, soy medio multimedia, un poco bipolar, re Pipo Bipolatti.” Ni bien se ingresa en la página web de Mariano Cabrera (www.marianocabrera.com.ar) está todo claro. Se puede clickear entre su costado coleccionista o elegir incursionar en su currículum de actor. Es considerado el mayor coleccionista de memorabilia retro de los sesentas, setentas y ochentas de la Argentina. En el portal se puede ver de todo: juguetes, golosinas, artículos de tocador de marcas olvidadas o una lista con su completo archivo de televisión de aquellos años. “Generacionalmente, hasta fines de los ochentas, consumí todo. En el 89, para mí, se murieron estilos de hacer televisión, de fabricar juguetes, de filmar publicidades. Con el menemismo, la sociedad cambió un montón, y creo que para peor”, reflexiona Cabrera, y sentencia, “en los ochentas, clavé”.
Su afán coleccionista empezó de niño, sin darse cuenta, cuando su papá le daba todos los gustos, le cumplía el sueño de cualquier pibe: “Trabajaba en una distribuidora de juguetes y golosinas. Uno veía la publicidad a la tarde y él me lo traía a la noche”. Para fines de los setentas apareció en su universo la videocasetera: empezó a grabarlo todo. “Me veía hasta las novelas, Amo y señor, La viuda blanca, Amor gitano, ya para fines de los ochentas había una que se llamaba Amándote, en la que Arnaldo André era comisario de a bordo, alto, todo fachero, bizarrísimo”, relata Mariano, que desde chico tuvo la habilidad para recordar detalles de eventos televisivos vernáculos con pasmosa facilidad. De ahí que Pipo Cipolatti, su amigo, lo haya apodado El Félix Luna del retro.
“Siempre nos apasionó a los dos este tema –se confiesa-, estoy con Pipo desde los 15 años. Iba a ver a Los Twist como fan y con el tiempo termine siendo el mánager de los shows, de la cosa operativa artística. Compartimos el amor por Titanes en el ring, sí, él viene hace mil años con el tema de hacer el disco homenaje. Yo escuché algunos temas; Cerebrus, por ejemplo, está buenísimo. Muy pocos saben que El estudiante era en principio una canción para un luchador. La misma melodía, en clave cumbiamba, pero al final la letra no fue la misma.” Sobre esa canción recuerda una anécdota: “El video se hizo en el Bernasconi, el colegio donde estudió Pipo. Habíamos puesto en un anunció que necesitábamos chicos y vinieron como 150 pibes. Los citamos a las 11, a todos les pusimos guardapolvos, había catering. Pasó que los pibes se cansaron de esperar, porque se filmaba a las dos de la tarde, y comían y se iban a la mierda, muchos, incluso, con el guardapolvo puesto. Al final el video se hizo con 6 o 7 pibes nada más. Si te fijás en slow, se nota.” Dos niños eternos. “El año pasado vino a mi cumpleaños y, aunque estaban todos mis invitados, nos fuimos a un cuarto a ver videos viejos.”

ACTOR
Mariano es actor, tiene 37 años y actualmente está haciendo presentaciones en la modalidad stand up. Tuvo intervenciones fugaces en programas tan disímiles como Naranja y media y Verdad consecuencia. Estar con Pipo en aquella época además le permitió experimentar el humor absurdo desde el canal de la palomita. “En el 93 ayudaba a Pipo con las investigaciones de La TV Ataca, que eran todo un delirio. Cada uno de Los Twist tenía un personaje diferente, el Coronel Canosa, La Larva –enumera-. Rolo Rossini, el baterista de la banda, hacía de los tres hermanos Monseñor: Patricio, Ozzy y un Rabino. Ozzy, el mayor, era el heavy (‘hola vieja’), que era el mayor bebedor de cervezas del mundo y tenía que tener un contrincante. Pipo me dice: ‘Te animás a hacer de heavy’, ‘sí’, le digo y me indica: ‘Bueno, ponete un nombre’. Pensé en Ian Bulon; Ian por Gillan, Bulon, por lo pesado, que era el mayor bebedor de vino en tetra. La competencia fue en el Samobar de Rasputín de La Boca. La Larva hizo de Didier, un francés que era el mayor tomador de anís. En esa época Pipo tuvo un problemita con Pettinato porque hicieron un payaso que se llamaba Roberto Pepinazo, que era malo y le pegaba a los chicos.”
Pero Cabrera ya era actor antes de eso, tuvo su debut triunfal junto a Jorge Montesco, más conocido como Paolo El Rockero, con quien hizo una gira por todo el país. Las anécdotas le sulfuran: “Fue en Badía y compañía, yo acompañaba a Los Twist, ahí lo conocí. Él salió de un concurso de ese programa, del que surgió también McPhantom. Empezamos a charlar y nos cagamos de risa. Le imité a Fito Paéz y me dijo: ‘Lo tenemos que hacer’. Justo había salido el disco La la la. Él hacía de Spinetta y yo de Fito. Cantábamos Aro de diamante, mezclado con Yo vengo a ofrecer mi corazón, en la versión de Favaloro. Un día cayó Spinetta y le dijo a Paolo, ‘Loco –imita la voz del Flaco- no me hagas, que me hacés para la mierda’. Al que le encantaba como Paolo lo imitaba era Litto Nebbia. Una vez hicimos él de Jazzy Mel y yo de Verónica, la mina que bailaba, se llamaba Casi Mel. Jorge era artesano de verdad, tenía dos Harley-Davidson. Siempre estaba con una campera de cuero cruzada y hacía unos llaveros de camperitas de cuero perfectos.

COLECCIONISTA
En 1995 empezó a hacer los homenajes a la niñez de los 60, 70 y 80: las fiestas Operación Fideos Con Manteca. Gracias a eso también incrementó su colección de objetos, que les hacían llegar los asistentes de manera generosa y gratuita. En Fideos, exponía su colección de juguetes y, en las pantallas gigantes, su valioso archivo de televisión. “El primer día cerramos la puerta y al rato dijimos: ‘Vamos a ver si vino alguien’. La cola daba vuelta a la esquina. Fue un homenaje a Titanes. Ahí empezamos a invitar artistas, pero no para que subieran al escenario. A Julieta Magaña, al Profesor Gabinete, a uno de los Titanes. Y la gente se empezó a volver tan loca que Julieta se subió y empezó a cantar. Venían de todas las edades.” En esa época tenía una sección retro en el programa Atorrantes en Canal 26 junto al Pato Galván. “Estaban los de 20, que veían por el programa, y los de 30, 40 que habían vivido esa época. La gente no usaba las sillas, se sentaban en el piso como si fueran pibes del jardín; veías sentado a un tipo de traje, al lado un pibe con cresta punk, y al lado, un stone, todos cagándose de risa con Piluso o Pepe Biondi.” Antes de fin de año, anticipa, seguramente volverá Fideos.
Cuando se le pide una explicación desde su lugar privilegiado de anfitrión sobre el porqué de tanta efusividad, esgrime una teoría: “Siempre digo que más allá de la clase social, todos tuvimos un Tiki-taka, un yo-yo Russell, vivimos las mismas cosas. Creo que con Fideos ayudamos a matar la vergüenza, que no deberíamos sentir, porque es recordar la etapa más feliz de nuestras vidas: la niñez. Más que vergüenza nos debería dar orgullo”.

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RADIO

Tuvo un programa en Radio Del Plata con Nora Briozzo los sábados a la tarde sobre la temática retro. Antes había estado en RadioShow, a la mañana, con Alejandro Fantino, y a la noche con Mariano Álvarez, en un programa que se llamaba Costumbre de radio, todo de los ochentas. Hizo de Duilio Salvatierra, periodista del crimen, tanto en El León de la Metro, conducido por el Bebe Sanzo, como en Tiempos violentos, con Alejandro Nagui, en Rock & Pop. “Era un viejo –recuerda- que narraba casos policiales inventados, una especie de Enrique Sdrech, explicaba casos como el del violador de la pasta frola y otros delirios cipollatescos.”

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PIPO´S BLUES

“Los Twist tenían varias bandas paralelas: Silver Combo hacía temas de programas viejos de televisión, como Cipol-Hawaii 5-0; Agrupación Parisi, ‘la alegría de hacer jazz’, o Los Parroquia, que hicieron el tema Vamos juntos, vamos ya, por el camino de Dios, que está en el disco Con el 5 en la espalda. Después hacían cosas en vivo en joda, en donde la gente se moría de risa y que nunca editaron, como la versión gay de Muchacha, que decía: Muchacho ojos de papel, siéntate aquí, cerca de mi barriga. / Y no hables más muchacho, bésame la pija.

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ACTORES CLASE B
Los laburantes de los medios
(No me atrevo a ponerlos en
orden porque son todos grossos)
Por Mariano Cabrera

- Rolo Puente.
- Gino Renni.
- Rodolfo Machado.
- Horacio O´connor.
- Alfonso Pícaro.
- Délfor Medina
- Pepe Díaz Lastra.
- Mario Fortuna (h).
- Jorge Barreiro.
- Carlos Vanoni.

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El triunvirato de homenaje permanente de Operación Fideos con Manteca es, a saber: Cornelio Saavedra, Martín Karadagian; Mariano Moreno, Carlitos Balá; y Juan José Paso, Pipo Pescador.

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Museo del Che

2006-08-19T17:50:00.000-03:00

Por Ariel Jonte

Inaugurada en 1996, la muestra sobre Ernesto Guevara cerró seis años después por falta de fondos. Quien la ideó cuenta como surgió la iniciativa y porqué recibe, en la actualidad, a miles de turistas en su comercio de bagatelas.

Este local está custodiado por la señora que vende bombachas enfrente. El cartel está a la entrada del negocio de la calle Rojas 129, en pleno barrio de Caballito, advirtiendo a todo aquel cliente de una supuesta acción inoportuna. El interior del comercio posee un mundo de objetos que alguien alguna vez vendió o cedió y que otros acuden a su búsqueda: antiguas lámparas de cristal, destornilladores, afiches de Ernesto Guevara, encendedores, libros de la revolución cubana, juguetes, una estatuilla y fotos del Che, viejos inodoros en un rincón, pequeños guevaritas de plástico, vajillas y varias bagatelas.
Una chica brasileña y un muchacho mexicano se acercan al dueño del local. Tímidamente preguntan: “Perdón, ¿esto es el museo del Che?”.

UN POCO DE HISTORIA
El matrimonio conformado por Eladio Toto González e Irene Perpiñal viajó de vacaciones a Cuba en el verano de 1992. La estadía les produjo una breve sorpresa: la amabilidad con la que fueron recibidos. “Imaginaba encontrarme con una multitud de gente vestida de gris, con moñitos maoístas. Toda una cosa rígida. Pero noté un conjunto de personas que comparte ciertos valores y no miles de autómatas sin vida”, comenta González, entrecortadamente, mientras la clientela le permite un tiempo para la charla.
Entre las sucesivas caminatas que realizaron por la isla, Toto recibió un disparó emocional. Cuatro guardias de frontera fueron baleados durante un ataque -se lo recuerda como La Masacre de Tarará-. Sólo uno quedó con vida.
El turista mexicano deja de observar algunas fotos del Che, que Irene le había acercado, y pone atención en el relato de González: “Fui a donar sangre. No la querían porque había de sobra. Se reían amablemente mientras yo explicaba que mi sangre era valiosa: RH negativo. La jefa de hemoterapia, que era una mulata simpática, de tanto insistir me hizo una prueba para comprobar mi grupo sanguineo pero no me sacó sangre. Estaba caliente: quería mezclarme con ellos”. Finalmente logró acercarse. Una carta dirigida al policía internado fue respondida por más de cuatro mil cubanos. Tras 14 años de haber transcurrido la masacre, no pasa un día sin que Toto reciba una nueva correspondencia.

LA REVOLUCIÓN
El ida y vuelta generado con los cubanos a través de las misivas apuntaló en Toto la necesidad de ayudar con donativos a la población de la isla. La iniciativa contagió a un sin fin de personas con las que conformaron la entidad Chau Bloqueo.
Es imperiosa la necesidad que tiene González por contarle a los turistas cómo se desencadenaron los hechos desde un principio. Por un instante lo que estaba tomando forma se interrumpe para preguntarle a un joven que se le acerca qué está buscando. “Soy noruego, ¿aquí es el museo del Che?” Toto le pide que lo escuche. El relato comienza nuevamente desde el verano del ´92. Siente que cada visitante que acude al lugar “lo hace porque lleva un Guevara en su interior, un sentimiento que necesita sacar a flote”.

HASTA LA VICTORIA SIEMPRE
En 1996 el material recolectado para ser enviado a Cuba tomó demasiada magnitud. Fue necesario alquilar un local para depositarlo hasta su envío. “Cuando entré al galpón de Nicasio Oroño 458 me preguntaron si me gustaba: yo dije que sí, que era el museo del Che Guevara.”
La inauguración fue increíble. No tenían nada. “Si abrís algo la gente viene y trae”, confiesa el fundador y le aclara al terceto internacional, que no deja de observar las 300 fotos inéditas del Che, que lamentablemente no todo lo que consiguió puede ser apreciado en la actualidad. Esculturas, numismáticas, filatelias, documentos personales, una condecoración, una cantimplora, monedas y estampillas cubanas con su cara, maquetas alusivas a las batallas, su lata de tabaco, ropa utilizada por la guerrilla, son sólo algunas de las pertenencias que no pueden ser vistas en “la guardia permanente” que se mantiene sobre la calle Rojas.
El museo debió cerrar seis años después de haberse puesto en marcha por falta de fondos para pagar el alquiler. “Yo no pido que el Gobierno me dé un subsidio, sólo pretendo que me den un lugar para llevarlo a cabo. Año tras año me dicen que no lo tienen.”

EL BLOQUEO
Los visitantes cruzan las miradas. Agradecen y se retiran sin antes sacarse unas fotos con la estatuilla del Che.“Diariamente me da mucha vergüenza: vienen acá porque el museo figura en la secretaria de Turismo y creen que van a encontrarse con algo lindo”, lamenta González que tras haber guardado las fotografías le enseña a una clienta unos patines viejos por los que había preguntado. Se siente herido. La cara no lo deja mentir.
Un cartero entra al local y sin decir una palabra apoya un sobre en el escritorio. Toto lo agarra y sus facciones cambian al leer el remitente: Apartado 6240. La Habana. Cuba. Siente lo mismo que un soldado herido al que se le aplica una dosis de morfina. El dolor se escabulle. Ve en un futuro no muy lejano como reabre sus puertas el primer museo latinoamericano Ernesto Che Guevara.

Samanta Schweblin

2006-08-19T17:37:00.000-03:00

Por Lucía Turco

Editó su primer libro a los 24 años y siempre la acompaña la crítica. Asegura que la base de sus historias son imágenes que la obsesionan. El núcleo del disturbio reúne cuentos oscuros que oscilan entre lo fantástico y lo onírico, aunque quien la ve no lo creería.

Mujeres abandonadas al costado del camino, hombres atrapados en un pueblo donde el tren no se detiene, la muerte como obra de arte en la valija de un asesino, perros callejeros como metáforas de la errancia humana.
Mundos fantásticos, oníricos, oscuros, donde por momentos uno querría habitar, porque en ellos, en el medio del disturbio, parece posible encontrar una salida a la mediocridad: un lugar imaginario en el que vivir, un espacio entre lo metafísico y lo filosófico. Así son los cuentos de Samanta Schweblin.
Ella es argentina, tiene 28 años y un libro editado: El núcleo del disturbio (2002), que ganó la Antología de Cuentos del Fondo Nacional de las Artes en 2001, el mismo año que obtuvo el Primer Premio del Concurso de Cuentos Haroldo Conti.

IMÁGENES EN LA CABEZA
Contar historias es algo que la acompaña desde pequeña, incluso antes de aprender a escribir. El medio para hacerlo “podría haber sido el cine o el teatro”, piensa, pero claro que “por razones muy fuertes fue la literatura”. Al principio, cuando tenía 4 o 5 años, su madre anotaba lo que ella le dictaba en un cuadernito. De esa época recuerda el que considera su mejor cuento: la historia de un zapallo que vive en un cajón, en la punta de una montaña, donde está la verdulería del pueblo. “El cuento es esa sensación del zapallo de que en cualquier momento se podía caer y empezar a rodar sin poder hacer nada, porque no tenía manos, ni pies, ni podía gritar, no podía hacer absolutamente nada más que caer y caer”, rememora.
Desde imágenes observadas en cualquier lugar hasta restos de sueños, recuerdos más o menos primitivos o equivocaciones propias, son los disparadores de sus historias. Hace poco, de paso por la estación de trenes de Pinamar, descubrió que el lugar era igual al de su cuento Hacia la alegre civilización de la Capital -la historia de un grupo de hombres que no pueden volver a la ciudad porque el tren que los lleva nunca se detiene en el pueblo donde se encuentran-. “Cuando vi la estación dije: no es parecida, es esa, y mi mamá me contó que cuando era muy chica habíamos estado varados ahí como dos o tres horas, y esa es la base de mi cuento, una imagen de la infancia que sin saber describí con absoluta exactitud, porque no es que era parecida, era esa la estación de mi historia.”
Sus cuentos siempre parten de una imagen muy precisa, pero sólo se sienta a escribir cuando descubre qué es lo que verdaderamente le llama la atención. “Cuando me siento es porque ya está todo en mi cabeza.”
Como bien explica, sus cuentos son “situaciones muy puntuales, con un final irreversible”, por lo cual no imagina que alguno de ellos pudiera transformarse en una novela, aunque le seduce la idea de escribir una, ya que desde España, luego de leer sus cuentos, le preguntaron si tenía una novela. “Creo que el tipo de historias que escribo pide a gritos que sean cuentos.”
Al terminar el secundario, empezó a hacer taller literario con Diego Paszkowski, en el Centro Cultural San Martín. “Había una mezcolanza muy rica de gente, éramos todos adolescentes, y más allá de la calidad del taller, era un intercambio de ideas fuertísimo”, recuerda de esos 4 años en los que asistió. Paralelamente hacía la carrera de imagen y sonido en la UBA (de la que ya egresó). En esos tiempos escribió la mayoría de los cuentos que están en su libro. “Después estuve varios años en paz, sin nadie que me diga qué está bien y qué está mal, tratando de razonar lo que había aprendido.” Luego hizo taller con Liliana Heker, “un antes y un después en la literatura”, resume ella. “Pensar absolutamente todo, cada coma, es agotador, pero hay un nivel de análisis muy minucioso que me ayudó muchísimo.”

FANTÁSTICA ABSURDA
Si tiene que hablar de influencias literarias, puede mencionar muchos autores como referentes de su propia literatura: Juan Rulfo, Antonio Di Benedetto, Adolfo Bioy Casares, Franz Kafka, William Faulkner, entre muchos otros.
Pero, por sobre obras y autores puntuales, le interesa una literatura en especial que identifica como fantástica-absurda: “Son situaciones que lindan con lo filosófico, y las encuentro en determinadas obras, como la de (Dino) Buzzati, y no en autores en general”, explica. También lee mucha literatura norteamericana -Carver, Salinger- pero con ésta tiene una relación “más de placer que de influencia” a pesar de que reconoce que a estos dos autores los relee constantemente. Y confiesa: “Cuando estoy trabada con el tono, abro dos páginas de Bioy (Casares) para saber cómo continuar”.

PERSPECTIVAS
Algunos de los cuentos de Schweblin además forman parte de distintas antologías: Cuentos argentinos (2004), La joven guardia (2005) y Una terraza propia (2006).
Del primero -una compilación española que, entre otros, reúne cuentos de Roberto Fontanarrosa, Paola Kaufman, Rodrigo Fresán y Liliana Heker- tiene una anécdota para contar que “simplifica en pocas palabras el estado del escritor latinoamericano”. Por esa antología, le pagaron 50 dólares, de los cuales 25 se los quedó su editorial, Planeta, mientras que con los otros 25, que tardaron meses en llegar, había pensado en comprarse el libro, ya que no le cedían ningún ejemplar. Pero esto no es nada. Cuando cambió ese dinero y fue a comprar la antología, no le alcanzó. “Tuve que esperar a que me lo manden de España mis amigos”, recuerda.
En cuanto a la intención de difundir una “literatura femenina” -que subyace a la antología Una terraza propia, donde se compilan cuentos de narradoras argentinas- Schweblin aclara: “Yo hago literatura, no hago literatura femenina”. Y en sus cuentos, donde la mayoría de los narradores son hombres, queda claro que la autora trasciende ampliamente cualquier mirada femenina que pueda condicionar su visión sobre el mundo. “Puede decirse que hay una hegemonía masculina porque el hombre lleva más tiempo haciendo literatura, pero en este momento en la Argentina creo que puedo citar más escritoras que escritores. La mujer está escribiendo mucho y lo está haciendo bien.”
Schweblin está planeando otra antología de cuentos. Tiene entre 10 y 12 historias terminadas, pero piensa hacer un libro con seis de ellos, que “tienen una temática muy particular y muy fuerte”, en los que justamente empieza a tocar algunos tópicos más específicamente femeninos, “desde una perspectiva bastante horripilante, escabrosa”, comenta.
Aunque sus cuentos no lo demuestren, Schweblin dice que aún no encontró su lugar ideal para escribir, aunque puede imaginarlo: sería un sitio parecido al subsuelo de la biblioteca donde Ray Bradbury escribió Fahrenheit 451. Allí, él alquilaba una máquina de escribir por dos centavos la hora y estaba dos horas por día escribiendo cuando no había mucha gente. “Como trabajo desde mi casa, cortar radicalmente con el laburo y ponerme a escribir es un problema, entonces todo el tiempo estoy tratando de salir a escribir. Busco un ciber, una biblioteca o un café, pero todos tienen sus pro y sus contra, y siempre estoy pensando en ese lugar de Bradbury como el lugar físico ideal, porque no hay absolutamente nada, sólo la máquina y la página en blanco.”

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Diez cuentos que me impactaron (no me animo a ponerlos en orden), por Schweblin

- Algo había sucedido y El perro que vio a Dios, de Dino Buzzati.
- Teniente Bravo, de Juan Marsé
- El lado de la sombra, Adolfo Bioy Casares
- Un día perfecto para el pez banana, de J. D. Salinger
- El gigante ahogado, de J. G. Ballard
- Llámame si me necesitas, de Raymond Carver
- En el mismo lugar, a la misma hora, de Mervyn Peake
- Los asesinos, de Ernest Hemingway
- Un marido rural, de John Cheever

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Vicente Battista, escritor argentino

"Fui uno de los primeros lectores de Samanta. En el 2001 era jurado en el Concurso de Cuentos del Fondo Nacional de las Artes. No bien leí los originales de El núcleo del disturbio supe que estaba ante una narradora excepcional: me deslumbraron sus historias, desde la manera en que las contaba hasta el modo de ubicar naturalmente lo antinatural. Hubo total coincidencia con el resto del jurado y Samanta obtuvo, por unanimidad, el primer premio. Samanta tiene mucho de (Dino) Buzzati. Se lo comenté cuando la conocí. Ella no lo había leído, entonces le pasé unos libros de él, los leyó y quedó fascinada."

Arte HIV

2006-08-19T17:22:00.000-03:00

Por Graciana Castelli

Tiene 32 años y hace 12 que es portador del virus del sida. Desde lo artístico siempre trabajó temáticas relacionadas con la enfermedad, primero como una forma de sacarla de su cuerpo y curarse, pero finalmente terminó humanizando los datos frívolos que revelan las estadísticas.

Héctor Toscano es –entre muchas otras cosas- artista plástico, fotógrafo y portador. Al menos así él firma los textos que presentan sus obras. Lleva 12 años conviviendo con el virus del hiv, y no hace mucho tiempo Clarín le publicó una carta de lectores en la que decía: Siento que no hay una campaña cotidiana y constante que informe y haga un llamado de atención al contagio del sida, y también a la aceptación de las personas seropositivas sanas y enfermas... Solamente los días previos al 1 de diciembre (Día de la Lucha contra el Sida), el tema se instala en los medios, pero después de esa fecha ya se vuelve a olvidar a los seropositivos, y a los que corren el riesgo de serlo.
"Me enteré a los 20 años –hoy tiene 32-. Yo sabía las cosas que había hecho, era conciente, entonces fui a un urólogo en el Hospital de Clínicas y le pedí para hacerme un análisis. Cuando voy a buscarlo resulta que no me lo quieren dar y me dicen que me lo tiene que entregar mi médico. Pero ese urólogo no era mi médico, lo había visto una sola vez en la vida. Tuve que rastrear al tipo en un hospital público hasta que lo encontré y me dijo, 'después te veo', y me dejó ahí esperando. Lo que pasaba era que no se animaba a decírmelo. Y entonces trajo a otro médico, recorrimos pasillos y subimos escaleras buscando un lugar vacío para hablar, para decirlo. Finalmente entramos a un consultorio caído abajo, con humedad, para que me dijeran de pie: 'Mirá, salió positivo'."

ARTE SANADOR
Desde chico Héctor se interesó por el dibujo y la pintura. Más tarde, cuando empezó a trabajar se compró una cámara de fotos y tomó el primer curso en la Facultad de Arquitectura: "Al poco tiempo me enteré de lo mío y decidí que tenía que buscarle la vuelta al tema de la fotografía y el arte pero relacionarlo con el virus, sentía que era una forma de sacarlo y de curarme. Por aquella época había intentado el tema de la medicación, pero eran como 35 pastillas diarias y la atención era pésima. Yo había ido al Hospital de Clínicas y ahí me atendía una doctora que a veces sale en los medios -ahora no tanto- que se llama Graciela Reboredo, y que me atendió como si fuera un conejito de la India, muy mal."
Las obras de Héctor vivencian su enfermedad, la transitan, la desafían. Le gusta jugar con cajas de luz que potencian colores verdes, azules, turquesas, amarillos y rojos, que todo el tiempo aluden a la sangre. Autorretratos de su cuerpo desnudo, sentado, con la espalda encorvada y el rostro de perfil oculto bajo un barbijo, y en cuyo fondo se ve una mancha de humedad, quizá resabio freudiano de aquel cuarto testigo en donde se confirmó su sospecha. La imagen de un Jesús crucificado rodeado de su propia cara. O la foto de aquel análisis positivo que al pie deja ver una imagen de él, niño, y que Fernando Peña -a quien tuvo oportunidad de conocer-, la bautizó como a su propia obra de teatro: El niño muerto.
Vía crucis hiv, Cuerpos positivos, son algunos de los títulos de las muestras que ya realizó. Y en una de ellas, incluso, trabaja con una serie de fotos de dibujos hechos por chicos de entre cinco y siete años, también portadores, en las que abundan colores pesados como el marrón, el rojo, y el negro: una casa sin terminar, un árbol partido al medio, un auto estancado, globos de la vida y de la muerte. "Ellos eran concientes del virus. El padre, la madre o a ambos estaban muertos. Usaban el verde, '¿qué es la esperanza?', preguntaban. Se pasaban la pintura por la piel, era un tema de protección y de cuidado", explica.
Llama la atención que en cada uno de los textos de presentación de sus trabajos Héctor aclara, debajo de su firma, que es seropositivo: "Hubo gente que me criticó eso. Yo lo pongo para que el que lo vea sepa que yo hablo con autoridad del tema, y no porque se me ocurrió hacerlo porque era el 1 de diciembre. Me ha pasado que a veces se piensan que no soy portador y me preguntan porqué trabajo este tema, y yo prefiero que lo sepan”.

NÚMEROS POSITIVOS
Son muchas las muestras que logró realizar a lo largo de estos 12 años. Quizá tantas como las que tiene en su cabeza, aún por hacer. En ellas no hoy cintitas rojas, ni alusiones sobre la importancia del uso del preservativo, ni recomendaciones médico-preventivas. Su intención es otra, y tiene que ver con la humanización de aquel conejito de la India que hace tiempo, quizás, una médica confundió con un hombre en un consultorio: "Lo que yo quiero mostrar en mis trabajos es la sensibilidad de la persona que es portadora. Si bien nunca nadie va a sentir lo que uno siente, por lo menos acercarlos un poco, que sepan que uno a veces se siente solo, que no va a poder lograr hacer las cosas, que siente que no va a conocer el amor, son millones de cosas... pero igual siempre trato de que el mensaje final sea positivo".
Cientos. Miles. Millones. Las cifras preocupan, asustan, impresionan, es cierto. La ciencia avanza, pero no llega, y la epidemia hoy gana la carrera. Las estadísticas, silenciosamente, crecen sin dar tregua. Pero esos números anónimos y positivos son mujeres y hombres; niños, adolescentes, jóvenes, adultos, viejos. Vidas como la de Héctor, que es artista plástico, fotógrafo, y también seropositivo.
Sus obras son, casi en su totalidad, monotemáticas por elección. Pero eso no le importa. Y lejos de estancarse en la tragedia y el dolor, cada imagen supera la instancia de lo irremediable para decirle al público: acercate, mirame, conoceme, sentime, humanizame, aceptame... Héctor cuenta que la gente, al terminar de ver sus muestras, se le acerca para agradecerle.

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En www.hectortoscano-hiv.blogspot.com Héctor comenzó a escribir su ‘Diario de hiv vida’.

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Acupuntura

2006-08-19T17:13:00.000-03:00

Por Lucía Turco

Sin necesidad de grandes recursos, la acupuntura busca equilibrar la energía en el cuerpo del hombre para lograr un bienestar integral de la salud, tanto mental, como físico, anímico y espiritual. Su mayor integración a la medicina alopática en la Argentina podría ser uno de los grandes avances de la ciencia.

Para la medicina tradicional china, el cuerpo del hombre es el resultado de la concentración y circulación de energía. De esto hay que partir para hablar de la acupuntura, terapia que es parte de la medicina oriental, y que nace en China en el 580 a.c., momento en el que se tiene el primer registro de su existencia.
“Existen 12 flujos de energía en el cuerpo que se llaman meridianos, es como si fuesen carriles de la Panamericana: cuando el tránsito es normal, fluye y eso es comparable a una persona sana, pero si hay un accidente, se comprometen todos los carriles. Si lográs solucionarlo, el tránsito se va normalizando”, explica An Yoon Hwa, médico acupunturista que atiende en la Argentina. “La medicina oriental consiste en eso: en equilibrar energías para que el cuerpo pueda fluir libremente.”

PULSOS DE DIAGNÓSTICO
“Hay cosas que no se pueden ver ni detectar con los cinco sentidos - dice An – como el concepto de qi, que significa: energía.” Para aproximarse lo más posible a lo que sería una explicación, él habla de la sensación que tiene cuando le coloca la aguja a un paciente: “Ves cómo se te va la energía del cuerpo hacia la otra parte”.
El equilibrio energético se da entre la corriente Yin y la corriente Yang. A la primera pertenece lo interno, la tierra, lo que desciende, lo oscuro, lo que retrocede; a la segunda, lo luminoso, el cielo, lo claro, lo expansivo, lo que sube, lo que brilla. Cuando el Yin y el Yang están en armonía, el qi fluye libre en el cuerpo y el hombre está sano.
El método de diagnóstico es a través del pulso. Con los dedos índice, medio y anular de la mano derecha, el médico agarra la muñeca izquierda del paciente y a partir de los pulsos siente cómo están los meridianos, cuáles están afectados, y entonces sabe dónde aplicar las agujas. “Cuando están bien colocadas, el pulso cambia completamente.”
En la primera visita, antes de hacer el diagnóstico, An siempre mantiene una charla con el paciente y también le hace un examen médico. “Hay algo más allá de lo que es físico que se transmite en los pacientes, y llega un momento en el que te acostumbrás a ver esas cosas. Cuando alguien entra al consultorio ya te das cuenta cómo está por los ojos, y cuando terminás de atenderlo ves cómo le cambia la mirada. Es un conjunto de cosas que no se pueden tomar aisladas.”
Está claro que el lugar del médico es mucho más sensible que en la medicina alopática, que es la que impera en Occidente. No hay nada parecido a registros cuantificables que puedan transmitirse de un médico a otro. El acupunturista tiene una memoria de cada caso que es difícil de entender desde la ciencia moderna.
Para An, “los occidentales que ejercen acupuntura tienen un concepto bastante diferente de su funcionamiento: diagnostican a través de síntomas, pero para poder practicarla correctamente, deben diagnosticar a través del pulso”. Así lo entienden las distintas ramas dentro de la acupuntura que, a grandes rasgos, se dividen en estilo japonés, coreano y chino, y a su vez cada uno de estos tiene sus variantes.

MÁS QUE AGUJAS
En la medicina oriental se cree que la entrada de la enfermedad se produce a partir del mal hábito. Su persistencia lleva a que se desequilibre la energía. “Si ese desequilibrio no es tan grave y el paciente lo corrige, el cuerpo se normaliza; pero si es muy fuerte y no puede recuperarse por sí solo, entonces la acupuntura lo que hace es ayudarlo, como un auto que se queda sin batería y se lo empuja. Pero también se tiene que modificar ese hábito que generó el desequilibrio, porque sino la recuperación es momentánea.” An le da gran importancia al hábito, por lo cual no es partidario de dar muchas sesiones a un mismo paciente y recomienda hacer actividad física, la que cada persona sea capaz de disfrutar. “A veces la gente quiere milagros y yo milagros no hago”, explica.
La energía que circula en el cuerpo del hombre también tiene mucho que ver con el cosmos, es decir, está muy influida por las estaciones climáticas y los espacios naturales. Por ejemplo, en verano es más fuerte la corriente Yang, por lo cual, si un paciente tiene muy alta la Ying, esto se manifiesta de alguna manera y es necesario tratarlo.
Por otro lado, An sostiene que generalmente los pacientes que reciben psicofármacos son “bastante resistentes” a la acupuntura. “Mucha gente está recibiendo hipno-sedantes y yo trato de sacarlos, porque quienes los dejan, mejoran muchísimo.”
En los casos en que es conveniente no aplicar agujas, se puede practicar lo que se conoce bajo el nombre de moxibustión. Consiste en aplicar una moxa: un pequeño tubito que parece de cartón, que se pega con autoadhesivo al cuerpo, y del otro lado se enciende. En sus orígenes era un yuyo o un granito de arroz. Esto se va quemando y a medida que se va acercando al cuerpo transmite más calor. “En un momento te quema y se expande hacia adentro, es como si fuese una puñalada de calor que te penetra.”

COMPLEMENTARIAS
An nació en Corea del Sur y se recibió de médico en la Universidad de Buenos Aires. Lejos de abogar por la supremacía de uno u otro tipo de medicina, cree que ambas se complementan: “Hay cosas en las que te puede guiar o servir la oriental y en otras, la alopática”. Sin embargo, no están muy complementadas en la Argentina. “Muchas veces hay prejuicios de un lado o de otro”, asegura. Mientras que en China y en Corea están totalmente integradas: en un hospital se pueden encontrar ambos servicios.
Reconoce que es muy difícil desarrollar la capacidad para ejercer correctamente la acupuntura. “Yo aprendí de mi maestro, que era un amigo de la familia, no fui a la academia ni hice cursos. Entré como discípulo, fui viendo de a poco y luego me fue enseñando porque él se quería jubilar y estaba buscando alguien que lo reemplazara.”
Claro que “al comienzo, cuando agarrás el pulso no distinguís nada, te parece todo igual, pero después te vas acostumbrando a tomarlo”, explica, y recuerda que su maestro hasta pronosticaba el embarazo a través del pulso, antes de que un Evatest.
“Hay que tener mucha voluntad y concentración en tratar de encontrar esa diferencia, pero cuando hacés ese clic, ahí empieza el verdadero trabajo.”
La acupuntura se fue desarrollando a través de la experiencia: práctica y error. Entre los beneficios que tiene frente a la medicina alopática, puede señalarse la utilización de menos recursos: sólo se necesitan agujas, alcohol y algodón. Por otra parte, “hay estudios que demuestran que los pacientes toleran más el tratamiento de la acupuntura. Tuve pacientes que realizaban quimioterapia y me dijeron que la soportaron mucho mejor con la acupuntura”.

UNA EXPERIENCIA
Al ser tomada como algo invasivo en la Argentina, no se puede ejercer legalmente la acupuntura sin el título de médico. Y An señala que su experiencia le dice que es necesario estudiar medicina, o alguna carrera afín, que brinde las herramientas para saber manejarse en una situación de riesgo. “No es broma, con una aguja mal colocada se puede matar a un paciente”, dice, y recuerda haber pasado por una situación de este tipo con una paciente que había sido abusada y su psiquiatra la había medicado bastante. “La paciente empezó a relajarse y entró en apnea: estaba dejando de respirar.” Ante esto, aplicó sus conocimientos de medicina alopática, hizo las maniobras necesarias y logró recuperarla. “Si en un momento así no tenés los elementos para actuar, te asustás y te quedás paralizado”, explica An.
“Somos como pilas”, concluye, “pero no de las recargables”.

Educación sexual obligatoria

2006-08-19T16:55:00.000-03:00

Por Gabriel Pérez

Ilustración: Natanael

Dos posturas irreconciliables debaten sobre la ley que entrará en vigencia el año que viene en la Ciudad de Buenos Aires, pero que pronto se discutirá en el ámbito nacional.

Daniela Moreno, 42 años, ama de casa
“A mi hija no quiero que le enseñen cosas que a los 11 años no puede comprender"

“No estoy de acuerdo para nada con que se enseñe educación sexual en los colegios, creo que eso debe quedar en el ámbito privado de cada familia porque se deben respetar las decisiones de cada madre y padre. No quiero que a mi hija le enseñen cosas que a su edad –tiene 11 años- no puede comprender, o que la pueden llegar a confundir. Bastante tengo con los programas infantiles, en donde ya a los 10, 11 años andan a los besos; o con las novelas y películas con escenas eróticas que pasan en el cable en el horario de protección al menor.
Además ella es tímida y siempre hay algún compañerito que se hace el vivo o hace chistes que seguro le van a hacer pasar un mal rato. Por otro lado, ¿quién me asegura que los maestros están realmente capacitados para tocar un tema tan delicado? Todos sabemos el estado en el que está la educación en este país, sobre todo la pública.
Encima vi en el noticiero que le quieren enseñar educación sexual a los chicos desde el jardín, eso sí que me parece una gran falta de respeto, ¿qué se le puede enseñar a un nene de cinco años? Y lo que más bronca me da es que una no puede hacer nada, si es que llega a ser obligatoria la materia. Me parece que esta ley termina siendo un atropello a la familia, ¿por qué nos imponen a nosotros lo que debemos hacer en nuestra casa?
Por el momento creo, si mal no leí en los diarios, que esta ley es para la Capital, no para provincia. Por suerte mi hija va a una escuela de Avellaneda, y cuando esta ley llegue a los colegios provinciales, porque seguro que a lo sumo en 2008 se podrá implementar acá, ella va tener edad suficiente para entender algo del tema. Aunque tengo que reconocer que se me va a hacer difícil hablar de sexo con ella, porque a la gente de mi generación ni se le ocurría tratar esos temas con los padres, te pegaban un cachetazo.
Lo que este Gobierno debería hacer es preocuparse por otras cosas, como por ejemplo que a nadie le falte de comer, o que no la maten a una cuando sale a la calle, como pasó hace poco en Belgrano o en cualquier otro barrio. Pero bueno, ya sabemos que a la gran mayoría de lo políticos lo único que le interesa es figurar, hacerse ver en los medios. Lo que falta es que estos políticos mediocres legalicen las drogas y el aborto, aunque creo que eso ya sería demasiado.”

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Moreno piensa que hay otras cuestiones en las que el Gobierno debería poner más atención, como la inseguridad o la pobreza.

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Miriam Luna, 40 años, empleada
“La educación sexual puede servir para descubrir casos de abusos en la familia”

“Es fundamental que se den clases de educación sexual en las escuelas, porque los chicos de hoy generalmente tienen su primera experiencia sexual a los 14, 15 años, y todos sabemos que es tal la desinformación con la que cuentan que muchas chicas terminan embarazadas cuando todavía no alcanzaron la madurez necesaria para ser madres. Y después vienen los problemas, porque quieren seguir con la vida de adolescente y no se dan cuenta de que ahora son responsables de un nuevo ser que trajeron al mundo. Incluso algunas parejas son casi obligadas a formalizar y después se terminan separando a los 20 años.
También con la poca información se crean mitos peligrosísimos para esa edad, sobre todo por el riesgo que representa el sida en nuestra sociedad.
Yo soy madre de dos chicos: uno de 19, y otra de 14. Con el varón no fue muy difícil hablar de sexo, más que nada porque su padre supo llevar bien el tema. Ya en las primeras veces que lo dejábamos ir a bailar –cuando tenía 13 años- le hablábamos del tema. En cambio con la nena hablé yo, porque somos muy compinches. A veces me cuenta las cosas que creen sus amigas y me dan ganas de matarme, no se puede estar más desinformado, eso es culpa de los padres.
No entiendo cómo algunos pueden estar en contra de que a los nenes del jardín de infantes se les enseñe educación sexual. ¡Es obvio que no se le va a explicar con lujos y detalles como se hacen los bebés! Se les enseñaría a no dejarse levantar la pollera –por poner un ejemplo, en el casos de las nenas- o dejarse tocar por un adulto. Muchos de esos que se quejan, después cuando aparecen casos de abusos en las escuelas son los primeros en pedir la pena de muerte para el violador, como si así se solucionara el tema.
Además pienso que la educación sexual puede llegar a servir para descubrir casos de abusos en la familia. Quizás si el chico aprende en la escuela que lo que le están haciendo no es normal, se anima a denunciarlo. No hay que perder de vista que una gran parte de las violaciones la comete gente allegada a la familia, cuando no son directamente parte del núcleo familiar.
Que sea ley en la Capital es un gran paso, sobre todo por el poder que la Iglesia tiene en este país. Espero que pronto sea obligatorio en todas las provincias.”

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Luna afirma que la educación sexual en las escuelas podría terminar con ciertos mitos que manejan los adolescentes.

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Bipolaridades

2006-08-19T16:08:00.000-03:00

NUEVAS LUCES
CANCIONES ZOMBIES

¿Quién dijo que el indie ha muerto? Un ejemplo de que sigue vivito y coleando es la reciente edición artesanal del nuevo disco de El Zombienauta, Nuevas luces. El proyecto de José Eduardo González incluye 10 canciones despojadas con una voz que hace acordar al decir del Daniel Melero de Piano. No es su primera obra, ya había editado dos discos: Desoladas canciones zombies, volumen 1, y Anclado en la canción, más un EP, Learn to swim, con canciones en inglés.
La mayoría de los temas se puede bajar desde su página www.zombienauta.com.ar, donde además se pueden conseguir grabaciones (¡outtakes!) que quedaron fuera de los discos y tracks que conmemoran fechas trascendentalmente apátridas como el día de San Valentín.
El disco se consigue en Belleza y Felicidad -Acuña de Figueroa 900- y Oíd Mortales -Corrientes 1145 Loc. 17- a 10 pesos.
Escribiendo a zombienauta@hotmail.com se consigue a 7 pesos más gastos de envío.

LA REVOLUCIÓN ES UN SUEÑO ETERNO
EL ORADOR EN SU LABERINTO

La revolución es un sueño eterno, la novela poética, simple y profunda de Andrés Rivera, que retrata con agudas pinceladas momentos de la vida de Juan José Castelli, llamado El orador de la Revolución, es llevada al teatro de la mano del director Pablo Silva, con el papel protagónico de Daniel Ritto, el actor que muchas veces encarnó a Luca Prodan en la obra de teatro Luca vive.
Castelli, abogado y convincente orador, muere de cáncer de lengua dos años después de la Revolución de Mayo de 1810. Emparentado firmemente con las ideas jacobinas y seguidor de Mariano Moreno, es enjuiciado en su último año por haber mantenido relaciones íntimas con mujeres menores durante sus campañas militares.
Sin dinero, con una enfermedad incurable y su talento disminuido, este unipersonal cuenta los últimos días que precedieron a su muerte, sus sueños de libertad, sus mujeres y sus pensamientos.

La revolución es un sueño eterno.
Domingos, 20:30.
Entrada: 12 pesos.
Teatro Bauen, Callao 360.

PUENTE CELESTE
COMO ENCENDIDOS

Tal vez no sea exótico el mejor adjetivo, aunque hay que reconocer que la virtuosa combinación de tradiciones musicales a la que llega Puente Celeste puede denominarse, cuando menos, altamente imprevisible.
Por momentos jazz; por otros, folklore o tango. Puente Celeste es un grupo que sorprendió en la escena musical argentina con composiciones sensibles desde la música y la letra. Su último disco, Mañana Domingo (2004), es quizás el mejor resultado de esta mezcla de sonoridades instrumentales y vocales.
Luego de dos años ininterrumpidos de conciertos, el quinteto -formado en 1997 e integrado por Edgardo Cardozo, en guitarra, requinto, tiple y voz; Luciano Dyzenchauz, en contrabajo, percusión y voz; Marcelo Moguilevsky, en clarinetes, flautas dulces, armónica y voz; Lucas Nikotián, en acordeón, piano y flauta traversa, y Santiago Vazquez, en percusión, birimbao, guitarra, mbira y voz– está en pleno proceso creativo, por lo cual no será posible encontrarlo hasta dentro de un tiempo en los escenarios de No Avestruz o Chacarerean Theatre, donde suele presentarse.
Sin embargo, el sábado 29 de julio Puente Celeste ofreció un show aislado por el cumpleaños de No Avestruz. Fue un regalo para quienes se enteraron y reservaron lugar, una semana antes, entre los almohadones de este espacio.

PEDRO ALMODÓVAR
VUELTA AL UNIVERSO

En un mundo femenino, en donde la presencia masculina es intermitente y sólo sirve para causar daños irreparables, transcurre la última película de Pedro Almodóvar, Volver. Para contar recuerdos agradables de su infancia en el pueblo La Mancha, Almodóvar se aleja un poco de ese impronta que le dio fama mundial y se dedica a narrar una historia –por momentos un policial- de manera muy sobria.
Se destaca con su actuación Penélope Cruz, irónicamente con una imagen muy alejada de la femme fatale que intenta imponer en Hollywood, ya que no pasan de tres las escenas en donde se luce su generoso escote.
El punto bajo del filme se da cuando Penélope entona una mediocre versión del clásico tango de Gardel y Lepera, Volver. No sólo se nota que no es ella la que lo entona, sino que la escena parece tener utilidad únicamente para justificar el título de la película, que será el que se usará en todo el mundo.
Si bien por momentos en la historia existen golpes bajos, el final encierra una cálida parábola de los valores familiares, que seguramente habrán sido los que el director aprendió de pequeño, rodeado de una familia marcada por el carácter dominante de las mujeres.

Volver.
Pedro Almodóvar.
Con Penélope Cruz y Carmen Maura.
Estreno: 10 de agosto.

LA PASIÓN SEGÚN VALDANO
PELOTA Y VOZ

Por momentos Jorge Valdano parece ser un espíritu curioso que tuvo la desgracia de abstraerse de sus pensamientos metafísicos para hacer algún que otro gol crucial en la única Copa del Mundo argentina que no está manchada con sangre. Recomienda libros sobre fútbol, recita poesía, justifica un quiebre de cintura desde la óptica de algún pensador europeo, todo con un discurso que ni en una coma olvida su meta: la belleza. Zidane (antes del cabezazo), Riquelme, Maradona, Grondona, el Real Madrid, todos los temas relevantes del fútbol son tratados profundamente en este libro-reportaje escrito (o desgrabado) por el periodista deportivo Ariel Scher, que tiene al nueve goleador como único centrodelantero.
Una de las tantas frases memorables que recorre La pasión según Valdano es cuando, haciendo referencia a Hernán Crespo y al apodo que le puso Daniel Pasarella cuando lo dirigía en River, Valdanito, el entrevistado dice: Ya es hora que a mí me llamen Crespito.
Esta publicación es parte de una colección dirigida por el periodista Ezequiel Fernández Moores, una de las jóvenes plumas que demuestra que el periodismo deportivo no debe ser sinónimo de panquequismo ni una oda al ganador de la fecha.

La pasión según Valdano.
Ariel Scher.
Colección Pasión Celeste y Blanca.
15 pesos.

NUBE 9
LIVERPOOL SIEMPRE ESTUVO CERCA

Nube 9, la banda de Fernando Blanco, bajista de los Super Ratones, que interpreta canciones de Los Beatles, se presentará en Liverpool, cumpliendo el sueño de todo pibe beatlero.
Durante la última semana de agosto los músicos participarán como invitados especiales de la Beatle week que se hace todos los años en la ciudad donde nacieron Los fabulosos cuatro.
Nube 9 dará 11 shows en escenarios emblemáticos como The Cavern, ese antro en donde los Beatles sudaron la gota gorda hasta alcanzar los diamantes del cielo. Luego los músicos partirán a España, donde realizarán otras presentaciones y a su regreso, en septiembre, volverán a los escenarios porteños.
Esta banda se caracteriza por no ser el típico grupo tributo con el bajista zurdo y flequillo a medida. Sus shows son temáticos: toman un disco de Los Beatles, o de la carrera solista de alguno de los cuatro, y los tocan en su totalidad. Fueron memorables los recitales donde recrearon All Things must pass, el triple de George Harrison, con ejecutante de cítara y todo.