Univers Marvel

Sur les traces de Straczynski - 2 : Toiles & Totems

2009-11-26T17:06:00.002+01:00

Dans la première partie de cette série de chroniques consacrées à J.M. Straczynski, nous nous sommes délibérément intéressés à un récit complet dont les tenants et aboutissants étaient maîtrisés par le scénariste. Cette fois, en évoquant le long run de l’auteur sur Amazing Spider-Man, nous allons aborder son travail sur une série mainstream dont il ne possède pas les droits. Pire (ou mieux) encore, voir comment l’on peut être créatif en ayant en charge le personnage phare de la si puissante mais frileuse Maison des Idées.

Dès son arrivée sur la série, Straczynski va livrer une vision personnelle et enthousiasmante des origines du Tisseur. L’originalité de la démarche réside dans le fait qu’il ne s’agit pas de relire une énième fois des évènements bien connus mais de leur donner un sens nouveau. En introduisant le personnage d’Ezekiel, la Société de l’Araignée et une destiné liée à la nature totémique des pouvoirs de Spidey, le scénariste donne une profondeur inégalée au personnage (cela donnera d’ailleurs lieu à une exploration plus poussée du concept dans la série Araña).
Profondeur, ou en tout cas changement de cap, qui ne fait pas l’unanimité mais présente le réel avantage de faire avancer le mythe.
Très rapidement, Straczynski passe à la vitesse supérieure en s’attaquant à un tabou : l’ignorance de la tante May en ce qui concerne l’identité secrète de son neveu. Mais attention, il ne s’agit pas de tout piétiner pour le plaisir. Straczynski amène la chose avec panache (aidé il est vrai par Romita Jr) et finesse. Un épisode entièrement "silencieux" sera même dédié à la réaction de la tantine qui, quittant son rôle d’éternel alibi souffreteux, devient enfin moins irritante (cette partie a été rééditée en librairie dans la collection Marvel Premium).
Bien entendu, il serait naïf de penser que le scénariste a pu agir sans l’aval des responsables éditoriaux. Mais il faut lui reconnaître à la fois une évidente capacité de persuasion et, surtout, un talent certain pour s’aventurer sur un terrain soi-disant miné qu’il était temps de parcourir. Et plus qu’une péripétie de plus dans la vie de Parker, Straczynski met alors fin à l’un des ressorts classiques – mais usé jusqu’à la corde – de la série. Une page se tourne. De nouvelles intrigues, en rapport avec ce changement d’état, peuvent être envisagées.

Dans un registre beaucoup plus dramatique, c’est également Straczynski qui rédigera le texte (dont l'intégralité est disponible ici), poignant, de l’historique Amazing Spider-Man (v. II) #36 (la série ne reprenant sa numérotation originale qu’à partir du numéro #500) dédié aux victimes des attentats du 11 septembre et aux vrais héros qui, ce jour là, ont tenté l’impossible pour sauver des vies. Il transposera cette épouvantable journée dans l’univers 616 avec une grande délicatesse, allant même jusqu’à mettre de côté les traditionnels camps opposés en montrant un Fatalis en larmes.
Parmi les arcs les plus controversés figure le fameux Sins Past dans lequel Straczynski ose s’attaquer à la mémoire de Gwen Stacy, intouchable figure symbolisant la pureté sacrifiée sur l’autel de la méchanceté gratuite des vilains. Ce récit révèle l’existence de deux enfants que Gwen aura eu avec… Norman Osborn. Cette spectaculaire relecture du passé peut paraître excessive, mais là encore, elle a l’avantage de nourrir la série, de la faire évoluer, et non de la faire ronronner en ressassant les éternelles variations sur les mêmes thèmes. Mieux, elle permet de donner encore plus d'importance au geste du Bouffon Vert et à la relation si spéciale qui le lie à Parker.
La prochaine étape importante est le crossover (internes aux différentes séries Spider-Man de l’époque), The Other. Straczynski n’en est pas seul maître, mais une sensible évolution du personnage ressort tout de même : Spider-Man devient plus puissant, il acquiert de nouveaux pouvoirs (peu utilisés par la suite) et se veut plus adulte que jamais. Mieux encore, Morlun et la thèse totémique de Straczynski sont au centre de cette saga au parfum finalement dramatique autant pour le personnage que pour le scénariste qui, ici, signe l’un de ses derniers apports au Monte-en-l’air.

Straczynski enchaîne ensuite avec les préludes Civil War et le tie-in réservé au Tisseur. Ces épisodes, bien que fortement influencés par la vision partiale et anti-Stark de Millar, sont une grande réussite. La tension est à son comble, visuellement c’est très bon et, cerise sur le gâteau, Peter Parker va révéler au public qu’il est Spider-Man. Et personne n’était mieux placé que Straczynski pour prendre en main une telle révélation. Lui qui avait déjà apporté tant d’évolution et d’audace à la vie ronflante de la petite araignée, il était naturel que lui revienne l’honneur d’ôter son masque à un Parker s’assumant enfin au grand jour.
Tout cela débouche sur Back in Black, avec un Parker sombre, torturé, qui est maintenant un fugitif, puis la décision insensée de Quesada de revenir aux "fondamentaux" de Spider-Man. L’arc One More Day est pathétique. Mary Jane est sacrifiée, ainsi que des années d’évolution, dans le but d’attirer d’éventuels nouveaux lecteurs (cf cet article).
Le ménage est fait en profondeur. Sont annulés : les nouveaux pouvoirs de Spidey, la révélation de son identité secrète, son mariage et, dans le lot, des tonnes de récits qui exploitaient les relations particulières de Spider-Man avec un personnage qui connaissait son identité réelle. Et nos souvenirs, bien sûr.
Straczynski semble menacer un temps de retirer son nom des crédits avant de rentrer dans le rang, probablement la mort dans l’âme.
Il quitte la série avec un bilan ahurissant : il est à la fois l’auteur qui a le plus fait évoluer Spider-Man et celui qui signe, contraint et forcé, son retour aux bases de… 1962. Les efforts de presque sept années passées sur le titre sont réduits à néant. Le Spidey adulte, responsable, profond redevient un adolescent attardé et égoïste, totalement enfermé dans une relation aussi malsaine qu’apparemment insoluble.

Tintin avait Milou, Spider-Man a la vieille quetsch...

Il est toutefois certain que l’on ne va pas pleurnicher tous ensemble sur le sort du vieux Joseph. Il est connu dans le monde entier, il a la chance de faire un métier fantastique, il a créé des séries qui ont marqué le monde des comics, il a eu l’opportunité de travailler sur les plus connus des personnages Marvel, ok, on fait pire comme destin.
Ce n’est donc pas tant lui que je plains mais plutôt un certain Peter Parker pour son côté neuneu actuel, un Quesada pour son aveuglement et… nous. Nous parce que, tirer un trait sur l’apport de Straczynski, c’est dur. C’est même impossible, pour moi en tout cas. Je continue à lire Amazing Spider-Man, mais Spider-Man, le vrai, est mort avec le départ de Straczynski.
Et quand je parcours les planches de cette série, les deux me manquent. Parce qu’ils faisaient un sacré putain de duo !
Et puis je l’avoue, j’ai un pincement au cœur quand je pense au travail accompli et à ceux qui l’ont saccagé. J’aime beaucoup Straczynski. Parce que c’est un auteur de la trempe de ceux qui peuvent vous toucher avec peu de choses ou vous faire admettre des changements radicaux sans vous prendre pour un benêt. C’est quelqu’un avec qui le lecteur peut tisser une relation de confiance. Non pas basée sur un statu quo mais sur une promesse tacite, l’éternel pacte entre celui qui tient la plume et celui qui tourne les pages : "ça va être dur, ça va être parfois douloureux ou décevant, tu grinceras des dents ou me maudiras, mais nous avancerons ensemble et, à la fin, lorsque nous nous retournerons et que nous regarderons le chemin parcouru… peut-être bien que nous sourirons ensemble."
Ce à quoi le Joe de mon imagination aurait pu ajouter, dans un français correct mais avec un léger accent : "mais parfois, les impératifs éditoriaux s’en mêleront et on aura chaud au cul, ce qui n’est pas bien grave puisque ce qui importe dans le fessier, ce n’est pas tant sa température que l’endroit où on le pose."
Et maintenant que l’âme de Spidey s’est envolée, il ne reste plus en effet qu'à aller se poser ailleurs, en attendant d'autres planches, d'autres moments intenses qui peut-être, eux, ne seront pas gâchés par cette absurde volonté de plaire à tout le monde, ce qui équivaut la plupart du temps à n'atteindre personne.

Black Summer : jusqu'où peut-on aller au nom du Bien ?

2009-11-25T17:49:00.002+01:00

Le nouveau titre de Warren Ellis arrive enfin en VF et est présenté comme étant dans la lignée de Watchmen. Voyons tout de suite si Black Summer supporte la comparaison.

John Horus vient d'assassiner le président des Etats-Unis. Parce qu'il a jugé que sa politique était indigne, il a froidement tué un élu du peuple et a revendiqué son acte devant les media. Maintenant, il pose ses conditions. Il réclame notamment de nouvelles élections dont il garantira le bon déroulement. Partout dans le pays, c'est le choc. L'armée est mobilisée et investit les rues.

Pour les autres membres du groupe dont Horus faisait partie, les Sept Armes, la surprise est également totale. A cause des agissements de l'un des leurs, les services secrets veulent maintenant leur peau à tous. Car ces hommes et femmes qui ont été "augmentés" représentent une menace réelle.

Pour se défendre, les héros sont obligés de tuer des soldats américains. Dans un monde devenu fou, les plus puissants protecteurs de la société la mettent maintenant en péril. Parce que l'un d'entre eux a décidé qu'il était temps de changer les choses. De l'intérieur....

Voilà donc la fameuse mini-série, précédée d'une réputation quelque peu sulfureuse, qui débarque en France chez Milady. Le scénariste est Warren Ellis (Fell, Nextwave, New Universal, Transmetropolitan, Iron Man, Ministry of Space), les dessins sont l'oeuvre de Juan Jose Ryp. On commence par une petite digression concernant la quatrième de couverture. On peut en effet y lire une bien étrange affirmation : "si vous avez aimé Watchmen, vous aimerez Black Summer." Mouais. Je ne vois pas trop pourquoi ce serait automatique mais, surtout, je continue à penser que le procédé qui consiste à se servir d'une oeuvre pour faire la promotion d'une autre est contre-productif et révélateur ou d'un manque d'imagination du rédacteur ou, plus grave, d'une pauvreté de l'oeuvre en question.

Vous avez aimé boire de l'orangina ? Vous aimerez le coca-cola !

Ben non, pas forcément. C'est pas parce qu'il y a des bulles dans les deux que le goût est identique.

Mais revenons à l'essentiel.

Le récit démarre très rapidement et Ellis et Ryp ne se contentent pas de peu puisque c'est plus à un carnage qu'à une exécution que l'on assiste. L'on va découvrir ensuite, à coups de flashback, une partie du passé de ces justiciers "augmentés". Bien que plus puissants que l'individu lambda, ceux-ci ne sont tout de même pas invincibles. Certains sont morts, d'autres handicapés et sévèrement déprimés. Voilà qui permet d'entrée de leur donner une dimension humaine malgré leurs pouvoirs.

Tous ne bénéficient pas malheureusement du même traitement et certains personnages vont être cantonnés à de la quasi figuration.

Pour ce qui est des thèmes abordés par Ellis, ils sont plus complexes qu'il n'y paraît. Même si la légitimité de l'action occidentale en Irak est évoquée, l'auteur va bien plus loin qu'une simple prise de position personnelle et s'interroge sur les moyens que l'on peut mettre en oeuvre pour s'opposer à un gouvernement ou une idée. John Horus, en franchissant toutes les limites morales, incarne parfaitement l'étrange paradoxe du crime perpétré au nom du Bien censé pourtant condamner les actions violentes. Au final, comme l'on pouvait le craindre, personne ne gagne vraiment et le constat est amer. Pourtant, on reste un peu sur sa faim. Sans doute parce que le mélange "super-héros + politique" est trop courant aujourd'hui pour surprendre vraiment, un peu aussi peut-être à cause du background de certains protagonistes, réduit au strict minimum.

Visuellement, c'est souvent très beau. Un grand soin a été apporté aux planches, peut-être même trop. Ryp utilise un style très chargé, fourmillant de détails, ce qui surcharge parfois certaines cases et nuit à la lisibilité. Bon, rien de bien méchant non plus, m'enfin, avec un peu de fioritures en moins, tout cela aurait été plus agréable. Signalons également que les effets gore et le sang sont très présents d'une manière générale. On a vu pire mais autant prévenir les plus jeunes (ou plutôt les parents) car aucun avertissement ne figure sur le comic.

On trouve en bonus la galerie des couvertures. Celles-ci s'étalant pour la plupart sur deux pages, cela fait tout de même 14 planches supplémentaires. Le prix de ce livre plutôt épais reste quant à lui très raisonnable (14,90 euros).

Une saga qui mérite que l'on s'y intéresse mais dont on ne gardera pas un souvenir impérissable.

Sur les traces de Straczynski - 1 : Et si l'espoir n'était qu'un leurre

2009-11-24T17:01:00.002+01:00

Première partie d'une série d'articles consacrés à certaines des oeuvres les plus marquantes de J.M. Straczynski. Coup d'envoi de ce jeu de piste avec Midnight Nation.

Un meurtre sordide de plus dans les rues de Los Angeles. Un règlement de compte dont tout le monde se fiche sauf David Grey, un bon flic qui consacre l'essentiel de sa vie à son métier. Mais lors d'une arrestation, tout tourne mal. Lorsque l'inspecteur se réveille à l'hôpital, tout a changé pour lui. Il est maintenant entre deux mondes.

Les Marcheurs lui ont volé son âme. Pour la récupérer, il a un an pour se rendre de Los Angeles à New York. Dans sa quête, il sera aidé par la belle et mystérieuse Laurel. C'est elle qui lui fournira les premières clés pour comprendre son état. Elle aussi qui devra le tuer s'il échoue.

Un très long périple vient de commencer. Au bout il y aura un choix à faire. Et pour David qui voit maintenant les deux côtés de la métaphore, la décision ne sera pas facile. Car de tous les oubliés, les paumés, les laissés-pour-compte, il sera peut-être le premier à changer l'ordre naturel des choses.

J.M. Straczynski a déjà été bien souvent évoqué ici, ne serait-ce que pour des comics tels que Bullet Points, The Twelve, Thor ou encore Silver Surfer : Requiem, pour n'en citer que quelques-uns. Mais avant de parler de son run marquant sur la mythique série Amazing Spider-Man, il semblait important de commencer par Midnight Nation, une oeuvre atypique qui se démarque totalement du super-héroïsme ou même du polar traditionnels. Pour ces douze épisodes, publiés au début des années 2000 et édités en France chez Semic, Straczynski a travaillé avec Gary Frank. Ce dernier nous offre des dessins plutôt classiques mais de bonne facture, avec notamment des visages réalistes et expressifs. Mais ce ne sera pas faire injure à l'artiste que de reconnaître que l'intérêt du récit tient plus dans son propos que son aspect graphique.

Tout n'était pourtant pas gagné d'avance. Un thème fantastique, avec des élans métaphysiques ou religieux un brin moralisateurs, voilà qui pouvait sembler quelque peu rébarbatif. Pourtant, passé un premier cliché, tout se déroule parfaitement. Et encore, pour ce qui est des clichés, l'on a affaire à un méchant flic, blanc donc forcément raciste, que Grey déteste. Sauf qu'il pousse la détestation de la logique de son collègue (celui-ci accordant plus de poids au meurtre d'une fillette innocente qu'à celui d'un dealer) jusqu'à souhaiter... sa mort. Presque une façon du coup de montrer du doigt les excès et égarements de gens se réclamant d'une morale absolue dont ils ne tiennent pas compte pour rendre leurs propres jugements.

Mais il ne s'agit là que d'un détail et c'est à un véritable voyage intérieur que nous convie ensuite l'auteur. Car nous ne pouvons que nous questionner avec le personnage principal. La métaphore, presque trop évidente, des gens qui s'effacent peu à peu à notre vue a surtout été comprise jusqu'ici comme une condamnation des travers de nos sociétés, ce qu'elle est certainement. Elle peut toutefois également être perçue plus largement comme une évocation de l'illusion du Moi et de l'individualisme qui en découle, thème présent dans certaines philosophies asiatiques par exemple.

Mais là où Straczynski peut se vanter de faire vraiment mal, c'est que loin de nous servir une opinion personnelle avec de gros sabots, il se fait l'avocat du diable et parvient presque à nous convaincre que tout espoir est vain, que la douleur fait toujours partie de l'équation et que seul le renoncement paraît sensé.

Heureusement, le final, bien que très loin d'une happy end classique, permet à Grey de trouver une sorte de rédemption. A travers lui, le scénariste bouscule un peu nos petites lâchetés quotidiennes. Nos résignations trop faciles, nos hésitations, nos peurs de l'inconnu ou de l'échec sont superbement mises en scène pour nous confronter finalement à l'absurde vérité : nous sommes responsables d'une grande part de ce qui nous arrive. Et le courage, l'abnégation ou le pardon sont quelques moyens, fragiles mais précieux, pour arriver à reprendre le contrôle de nos vies. Eh bien c'est un message qui n'est finalement pas si courant que cela. Surtout qu'il est délivré sans réels "méchants" et avec une poésie émouvante.

Straczynski - qui fait partie, avec des Ellis, Bendis, Ennis et autres Loeb, de ces gens qui ont réussi à insuffler de la profondeur et de la subtilité dans les comics modernes - se permet ici une réflexion amère et délicate, qui ne force pas la main au lecteur et le laisse l'esprit en feu et le coeur reconnaissant. Et une fois la dernière page tournée, l'on ne peut s'empêcher de s'interroger sur ce que nous aurions fait à la place de ce flic. Et aussi un peu sur ce que nous continuons, chaque jour, à ne pas faire...

Une superbe histoire, touchant à la fois au pire de la condition humaine et aux efforts admirables que l'homme parvient parfois à concéder pour la dépasser.

"La vérité point ne se perd."

Laurel, sous la plume de J.M. Straczynski

Silverfish : un cinglé, un poisson et quelques victimes

2009-11-22T16:03:00.000+01:00

Accélération du pouls et sueurs froides au menu de Silverfish, un titre publié par Panini dans sa collection Vertigo GN.

Mia se retrouve seule pour le week-end. Débarrassée de sa belle-mère, elle invite quelques amis et se prépare à faire la fête. La soirée dérape lorsque Mia se met à fouiller dans les affaires de Suzanne, la compagne de son père. Un carnet d'adresses permet au groupe de téléphoner un peu au hasard, en quête d'informations sur le passé obscur de la jeune femme. Seulement personne ne semble la connaître. Jusqu'au moment où le numéro à ne surtout pas faire est composé...

Pour Mia et sa jeune soeur, le pire est à venir.

Un couteau bien caché, une énorme somme d'argent en liquide, un tueur avec un poisson dans la tête. Autant d'éléments qui viennent de faire irruption dans la vie pourtant paisible d'adolescents un peu trop curieux.

Avant la fin de la nuit, la plupart regretteront d'avoir été assez malins pour percer un si dangereux secret.

Le scénariste et dessinateur de cette histoire, David Lapham, est loin d'être un inconnu puisqu'il a signé chez Marvel la mini-série Spider-Man : With great power ou encore le récent Terror, inc. Il avait également participé au recueil Matrix paru en 2008. Cette fois, il signe un thriller plutôt réussi chez Vertigo.

Dessins en niveaux de gris, format compact (qui influe aussi sur l'ambiance générale) et noirceur des planches donnent le ton. Tout comme les personnages, le lecteur commence par être intrigué puis vaguement inquiet avant de terminer dans une sourde angoisse pour le rush final. Lapham mène son récit avec maîtrise, en nous promenant sur de fausses pistes ou en utilisant des effets et cadrages d'une grande habileté. Certaines scènes, comme l'une où les personnages sont au téléphone par exemple, emploient les "silences" et le lettrage d'une manière très efficace. On sent la peur monter, les coeurs battre et on sursauterait presque à la moindre onomatopée.

Quant aux protagonistes, même s'ils n'échappent pas à quelques clichés, ils sont suffisamment crédibles pour que l'on puisse s'inquiéter de leur sort et frissonner avec eux.

Un petit mot sur la quatrième de couverture. Un extrait de critique décrit Silverfish comme un polar, ce qui ne me semble pas le terme le plus approprié, mais surtout comme "sans doute la meilleure BD de ces dernières années". Bon, faut pas exagérer. A moins de lire très peu de comics, celui-ci n'arrive tout de même pas au rang d'incontournable. Est-il vraiment utile de prétendre, pour chaque oeuvre publiée, qu'elle est la meilleure du genre ? Le lecteur avisé sait déjà à quoi s'en tenir et pour ce qui est du lecteur occasionnel, lui mentir n'est certes pas la meilleure façon de le faire revenir. On peut manger de très bonnes pâtes ou de très bons hamburgers sans prétendre qu'il s'agit là de la cuisine la plus originale et extraordinaire au monde.

Donc non ce n'est pas la meilleure BD de ces dernières années, et c'est plus un thriller qu'un polar au sens strict. Cela n'empêche pas de passer un bon moment en savourant cette lente glissade vers la folie.

A lire tard le soir, avec une petite lumière tamisée et un oeil complice.

Stats & Infos

2009-11-22T14:47:00.001+01:00

La fin de l'année approchant, je prends un moment pour faire un petit point sur le blog et vous annoncer un futur concours.

Quelque chiffres tout d'abord.

Avec 21 648 visiteurs uniques sur les 30 derniers jours, Univers Marvel & Autres Comics atteint maintenant une moyenne de plus de 720 visites quotidiennes. Notons un pic le 18 novembre avec 842 visiteurs pour la seule journée du mercredi. En ce qui concerne la provenance des visiteurs, la Belgique, la Suisse et le Canada continuent logiquement de figurer parmi les premiers pays étrangers. Au niveau des villes françaises apportant la plus grande affluence, le trio de tête se compose de Paris, Marseille et Metz.

Et enfin, pour ce qui est des pages les plus vues (à part évidemment la page principale sur laquelle figurent les 10 derniers articles), l'on peut citer les classiques bêtisier, lexique ou encore la checklist Civil War mais aussi l'entrée dans le top 10 du plus récent dossier consacré à la chronologie Marvel.

Pour ce qui est de l'orientation du blog, on continue sur la lancée, autrement dit un grand nombre de titres Marvel mais aussi des chroniques sur les nouveautés ou les classiques publiés chez Vertigo, Delcourt ou bien Milady. En parlant de Milady, la prochaine série de cet éditeur à faire l'objet d'une critique sera Black Summer, de Warren Ellis.

Et pour la fin de l'année, je peux déjà annoncer un concours qui vous permettra de remporter quelques comics et un petit lot de Heroclix. Pour l'instant, tout n'est pas encore réglé, cela se fera soit en partenariat avec un éditeur, soit en solo comme un grand. A priori, il s'agira en tout cas d'un questionnaire qu'il faudra me retourner. Plus de détails début décembre.

Dans la catégorie "sûr mais pas tout à fait", très probablement la suite de "Un Monde en Paix" (la fiction feuilletonante que j'avais commencée il y a un bon moment) avant la fin de l'année (vu que vous êtes au moins... deux à me l'avoir demandé ! ;o)).

Et puis bien entendu, pour 2010, sans doute encore quelques articles de fond et un ton général que je souhaite volontairement acide mais juste. "Acide" parce que trop de gens sur le Net se complaisent dans une mollesse intellectuelle qui donne des textes bien fades et tristes à lire. "Juste" parce que dans la vaste galaxie éditoriale, de nombreux acteurs font encore preuve de rigueur et d'honnêteté. Des valeurs que certains grands groupes frisant le monopole ont depuis longtemps remisées au placard mais qui se doivent d'être au centre de notre art et de nos passions. Parce que les mots ou le papier sont des outils, certes, mais de nobles outils. Qui servent à embellir la vie du lecteur, à le faire réfléchir, à le malmener ou au contraire à l'apaiser. Ce qui permet à un auteur de modifier l'état d'esprit, le coeur ou l'âme d'un inconnu se doit en tout cas d'être respecté et pris au sérieux. Parce que c'est de la magie. Et aussi parce que, dans une société où la stupidité et le mensonge se sont imposés peu à peu dans les media, la politique et même le sport, il est vital de garder intacte une part de merveilleux. Un petit endroit où se réfugier. Quelque chose qui surnage.

Le Livre est le dernier de nos temples à tenir encore debout... la moindre des choses est de ne pas le profaner en y rentrant avec des chaussures dégueulasses.

Il me reste, sur cette note joyeuse, à vous remercier pour votre présence, vos interventions, vos encouragements, et à vous souhaiter de bonnes lectures.

ps : et je vous donne rendez-vous aujourd'hui même pour une chronique consacrée à un thriller Vertigo.

Ultimatum : Bilan de l'Hécatombe

2009-11-20T15:55:00.001+01:00

L'évènement Ultimatum prend fin dans le Ultimates #43, disponible en kiosque.

[attention : spoilers inside]

Après le gigantesque cataclysme déclenché par Magneto, les héros tentent de faire face. Wolverine est parvenu à stopper les vagues d'attentats suicides perpétrés par les doubles de Madrox mais tout n'est pas terminé pour autant. Charles Xavier a été abattu, Spider-Man est porté disparu, Hank Pym s'est sacrifié après la mort tragique de la Guêpe...

Les survivants décident de contre-attaquer en frappant la citadelle de Magneto. L'issue du terrible combat qui s'engage risque d'être fatale pour la plupart des surhumains.

Heureusement, il reste un espoir. Richards et Fatalis, alliés devant l'ampleur des évènements, se rendent dans l'univers de Supreme Power afin de ramener Nick Fury qui y était exilé (cf cet article). Reste à savoir si son expérience des situations de crise suffira à endiguer la catastrophe.

Pour les habitants de l'univers 1610, plus rien ne sera jamais comme avant...

Voici donc la fin de la saga Ultimatum orchestrée par Jeph Loeb au scénario et David Finch aux dessins. Et pour une fois, on ne peut pas dire que l'évènement aura été survendu. Au moins en ce qui concerne les morts en tout cas. La liste des victimes est en effet assez ahurissante : les X-Men sont très sévèrement touchés (Wolverine, Cyclope, Angel, Beast...), Daredevil et Strange passent l'arme à gauche, tout comme Fatalis et Magneto, ainsi qu'un grand nombre de personnages plus secondaires. Sans parler des disparus (dont Spidey) et des millions de victimes civiles.

Le choc est si immense que l'univers Ultimate aboutit à une situation de type post Stamford (la tragédie qui avait engendré le recensement des héros et la guerre civile dans l'univers classique). Les autorités annoncent notamment que tous les mutants seront obligés de se rendre s'ils ne veulent pas être traqués et abattus. La mesure paraît drastique mais elle est cependant soutenue par certains mutants eux-mêmes. Il faut dire que le traumatisme est mondial ; New York est ravagée, le parlement britannique et ses membres ont été anéantis, la Latvérie, le Wakanda, la Terre Sauvage et le reste du monde sont également touchés. Ultimatum laisse donc un univers ultimate plus sombre mais bizarrement débarrassé de certains de ses plus emblématiques super-vilains.

L'histoire qui démarre comme un film catastrophe se transforme ensuite en une longue suite de combats, nombreux mais brefs. Etrangement, la plupart des personnages meurent sans beaucoup d'intensité dramatique. Les décès sont parfois spectaculaires mais manquent de lyrisme. On peut toutefois noter quelques exceptions, comme la mort de Hank Pym ou celle du Madrox original (contée en détail dans Ultimate X-Men #53). Reste à savoir si ces morts le resteront définitivement. A priori, la manière radicale dont certains sont éliminés laisse à penser que oui. Entre des crânes qui explosent, des corps pulvérisés ou des balles en pleine tête, il y a peu de place pour d'éventuelles futures "résurrections".

Le grand ménage est fait mais était-il nécessaire ? Sans doute.

L'univers Ultimate a déjà maintenant quelques années d'existence et il a généré sa propre continuité. Pour justifier ses séries et maintenir leurs ventes, il est nécessaire de le différencier du 616 classique mais aussi de le considérer comme une aire de jeu où toutes les expérimentations, même les plus radicales, sont possibles. Un 616 bis aurait peu d'utilité et se condamnerait à plagier sans grande ambition son prestigieux grand frère. Même si l'on peut retrouver des points communs entre les deux, le virage violent du 1610 semble indiquer une volonté double : d'une part éviter l'effet "usine à gaz" avec des persos inutiles en recentrant les sagas sur quelques figures principales, d'autre part l'envie peut-être de ne pas s'enfermer dans le statu quo inébranlable et stérile qui a fait tant de mal au 616 (OMD en étant l'exemple récent le plus douloureux).

L'intérêt possible de cet Ultimatum résidera donc essentiellement dans les nouvelles séries qui vont en découler et dans l'orientation que les scénaristes donneront à ces dernières plus que dans le récit en lui-même.

Une chose est certaine, il s'agit d'une page qui se tourne et non d'un retour à la case départ, ce qui est déjà en soi un point positif. Pour le reste, 2010 nous le dira.

ps : encore une jolie bourde de traduction dans ce numéro. A un moment, un texte explicatif annonce "La Maison Blanche. Le pouvoir suprême de l'univers." Ce qui ne veut évidemment rien dire. En fait, il faut lire "L'univers de Supreme Power", ce qui permet de situer l'action. C'est évident lorsque l'on suit les séries Marvel, un peu moins sans doute quand on traduit ça comme si c'était une notice Ikea et que l'on fait du mot à mot sans se préoccuper du sens.

Sympathy for the Devil

2009-11-18T16:17:00.000+01:00

Suite des aventures du Diable Rouge dans le 100% Marvel Daredevil #18 qui débarque aujourd'hui en librairie.

Matt Murdock est de nouveau seul depuis que sa femme Milla a perdu la raison. Pire encore, les médecins ont insisté pour qu'il ne lui rende plus visite. Alors Matt cède peu à peu la place à Daredevil. Il passe sa rage la nuit, dans les ruelles sombres, en cassant de la racaille.

Pourtant, c'est à l'avocat que vont faire appel Luke Cage puis Dakota North. Un homme est en prison pour un crime qu'il n'a pas commis. Trois meurtres en fait, trois gamins décapités. Ben Donovan a avoué. Il n'a plus que six jours à vivre avant de passer sur la chaise électrique. C'est une crapule mais, de ce crime là au moins, il est innocent. Il cherche donc à protéger quelqu'un.

Dakota et Matt vont vite découvrir que cette affaire possède des ramifications au plus haut niveau de l'état. On les menace, on les surveille. On va même essayer de les éliminer. Et cette fois, le justicier de Hell's Kitchen devra affronter le FBI et la CIA. Pour sauver un pauvre type, mais aussi pour se sortir d'une torpeur qui pourrait bien devenir mortelle.

Voici donc une nouvelle fournée de six épisodes de l'on-going Daredevil. Toujours Ed Brubaker au scénario qui va se faire aider par Greg Rucka et Ande Parks. Les auteurs conservent le ton sombre et l'ambiance polar propres à la série. Pour ce qui est du Daredevil déprimé qui touche le fond et passe ses nerfs en jouant des poings, Bendis nous l'avait servi il n'y a pas si longtemps que cela, mais heureusement, l'intrigue policière prend vite le pas sur l'auto-apitoiement.

L'on retrouve également avec plaisir les personnages secondaires qui s'invitent souvent dans la série, comme Luke Cage et la jolie Dakota North qui semble en fait avoir un peu le rôle d'une Jessica Jones depuis que celle-ci s'occupe de son bébé au lieu de jouer les détectives privés. D'ailleurs, si Cage en impose toujours autant lors de ses apparitions (du genre "force tranquille"), Dakota prend ici une ampleur qui est plutôt bien vue. L'un des personnages suggère même une possible idylle future entre elle et Matt, ce qui la mettrait du coup en dangereuse posture (cf Milla, Karen, Elektra et cie ainsi que ce petit sujet).

Niveau graphisme, en plus de l'habituel Michael Lark qui maîtrise largement son sujet, il faut signaler la présence de Chris Samnee et Paul Azaceta. Plutôt bon à part le premier épisode dont les dessins paraissent assez grossiers. L'on pourrait penser que le problème vient de l'encrage, très appuyé sur certains traits, mais étant donné que tout revient à la normale ensuite et que c'est Stefano Gaudiano qui continue à encrer, la responsabilité en revient donc à Azaceta. Lorsque Lark reprend ensuite les choses en main, tout rentre dans l'ordre.

Globalement, on a plutôt de belles planches, des personnages crédibles et une trame efficace.

La traduction est correcte à part un "dardevil" qui a échappé à la légendaire vigilance paninienne. Un reproche également sur les crédits qui ne sont pas détaillés, il faut passer par le site Marvel officiel pour savoir qui fait quoi dans chaque épisode. Mais on n'est plus à ça près, lorsque le bateau prend l'eau, on ne s'inquiète plus de savoir si les couverts sont propres.

Du bon Daredevil, agréable à lire et bien dialogué.

Timestorm 2009-2099

2009-11-17T16:22:00.002+01:00

Le Spider-Man hors série #29, sorti aujourd'hui, fait se télescoper l'univers Marvel classique et le monde de 2099.

Alors que Spider-Man se balade tranquillement d'un immeuble à l'autre au-dessus de Manhattan, un type ressemblant au Punisher lui tombe dessus avec la ferme intention de lui faire payer "ses crimes". Mais alors qu'il est touché par un tir, Parker se retrouve projeté dans le futur, en 2099 précisément.

A cette époque, les corporations contrôlent le monde. Les plus riches des citoyens habitent les rares villes civilisées restantes alors qu'à l'extérieur, les plus pauvres tentent d'échapper à des hordes de Hulks affamés. Ajoutons au tableau la "toile d'honnêteté" qui permet de savoir à tout moment ce que chacun fait, les punishers et Public Eye, et l'on aura en gros une situation guère enviable.

C'est dans ce contexte étrange que Peter Parker va rencontrer Miguel O'Hara, celui qui deviendra le Spider-Man de son époque. Ensemble, ils vont devoir faire face aux conséquences d'un orage temporel qui pourrait bien anéantir les structures même de l'espace-temps.

A la base, ressortir l'univers de 2099 (créé au début des années 90) des cartons n'est pas une mauvaise idée. Ce monde regorge de concepts intéressants et cantonner O'Hara aux seuls Exilés est une fin de carrière que l'on ne souhaiterait à personne. C'est Brian Reed (Ms. Marvel, Secret Invasion : Spider-Man) qui va se charger de scénariser ce crossover temporel. Les dessins sont réalisés par Eric Battle, Wesley Craig et Frazer Irving.

Au niveau des guests, l'on a pas mal de monde : Wolverine (forcément !), Luke Cage, Cap, Fatalis et même Iron Patriot. Seulement, Reed a beau avoir un casting prestigieux, il ne s'en sert pas de la meilleure manière qui soit. Si pour le thème du sempiternel voyage dans le temps, l'auteur n'avait guère le choix, sa façon de l'exploiter laisse plus que perplexe. J'ai peut-être été particulièrement inattentif mais de nombreux points de ces six épisodes me semblent obscurs. Tout d'abord, pourquoi diable les personnages de l'univers 616 touchés par l'agent Gallows sont-ils propulsés en 2099 ? Et pour quelle raison Lyla manipule-t-elle Stone ? Quel intérêt a-t-elle à détruire le futur ? Et pourquoi Zero Cochrane doit-il montrer ses derniers restes d'humanité pour transmettre le message de Fatalis ? Il n'y avait pas plus simple comme moyen de communication ? Genre un e-mail... bref, il faut s'accrocher pour comprendre quelque chose à cette histoire, le dénouement étant aussi lourd que le reste.

Malgré tout, le côté nostalgique est assez sympa. L'on peut d'ailleurs regretter que l'intrigue n'exploite pas au mieux la société de 2099 et ses spécificités effrayantes ou parfois drôles (un hologramme de Cap faisant de la pub pour Rapture, ça vaut le détour). La menace des Hulks, à la prolifération rapide, ou l'utilisation des mégapoles ultra-sécurisées, dans lesquelles règnent paranoïa et impératifs commerciaux, auraient sans doute été des choix plus heureux.

Signalons un petit bonus avec quatre planches d'étude de personnages par Battle. Vu le nombre de pages et le prix, on ne peut pas dire que l'on soit volé. Est-ce que ce Timestorm restera dans les mémoires pour autant ? Il est permis d'en douter.

Pour les fans de 2099 ou les lecteurs qui ont envie de s'amuser à essayer de trouver du sens dans ce récit très brouillon.

La Culture Populaire et l'illusion du Geek

2009-11-16T21:01:00.002+01:00

Les fans d’autrefois sont devenus des geeks et autres nerds, élevés aux manga et à l’internet. Mais ces termes ont-ils un réel sens sociologique ?

Si vous êtes un passionné de musique classique, de tir à l’arc ou de littérature médiévale, vous êtes plus ou moins considéré comme quelqu’un de normal. Lorsque vous lisez des comics, que vous vous sentez à l’aise sur un PC et que vous passez un peu de temps sur des consoles de jeu, vous êtes un geek. Ou un nerd. Le point commun de ces deux termes est l’aspect foncièrement péjoratif qu’ils évoquent. Un geek est supposé être socialement inadapté, se nourrir uniquement de pizzas ou de hamburgers, ne pas avoir d’amis, rester cloîtré chez lui, etc.
Il y a deux raisons, très différentes, à cet opprobre. La première est à chercher dans la culture américaine. Les jeunes scolarisés y sont beaucoup plus – de par leur propre fait – catégorisés que chez nous. Vous avez les sportifs, les grosses têtes, les gothiques… et, presque en fin de chaîne, les geeks. A l’origine des types plutôt scientifiques, sérieux et brillants, qui (et là c’est vrai même en Europe) ont attiré sur eux les railleries des crétins sans cervelle.
Mais il s’agit là d’une explication américaine très axée sur l’informatique notamment. Elle ne convient pas tout à fait à ce que le terme commence à recouvrir aujourd’hui chez nous.
Il faut donc se pencher sur la deuxième raison de mépris : le supposé refus de grandir.

Pendant longtemps, très longtemps même, être adulte était synonyme de devenir sinistre. Finies les parties de rigolades, on enfile un costume gris et on fait la gueule dans le métro ! Même moi, qui suis pourtant né dans les années 70, j’ai eu à encaisser quelques réflexions absurdes lorsque, ado, j’achetais des BD.
- Tiens, tu retombes en enfance ?
- Ben non connasse, je me chie pas dessus, je pleure pas la nuit, je mange proprement. Juste j’aime lire des BD.
A ce stade, il convient de faire une différence cruciale entre ne pas se soumettre à la loi déprimante de l’interdiction du jeu et de la fiction, voulue par un système social cherchant avant tout à sur-responsabiliser l’individu pour en tirer profit, et la réelle régression ou le fameux syndrome de Peter Pan.
Personnellement, je n’ai jamais rencontré de véritable geek, dans sa définition la plus stricte en tout cas. Je connais des gens qui lisent des comics, s’adonnent à des jeux de rôle, collectionnent des figurines, mais tous ont un emploi, une femme (ou un conjoint), ils vont voir des expos, sortent faire la fête, ils lisent des livres « classiques », s’intéressent à l’actualité, peuvent avoir une conversation portant sur de nombreux sujets, bref, l’antithèse du névrosé solitaire monomaniaque sans rapport avec le monde réel. Naguère nos grands-parents collectionnaient des timbres, ils pouvaient passer des heures à la pêche et ne se privaient pas de relancer mille fois la même discussion sur la meilleure façon d’obtenir une gnôle digne de ce nom et capable d’allonger son bonhomme en seulement deux verres. Aujourd’hui, les centres d’intérêts ont changé mais, surtout, ils se basent sur des éléments ludiques et fictionnels qui, par leurs aspects magiques et incontrôlables, ont pu effrayer mais n’augurent nullement d’une hypothétique immaturité.

Alors, là encore, il ne faut pas faire l’amalgame avec des gens (il y en a même de très connus) qui ont décidé de se comporter comme des adolescents sans cervelle sous prétexte de faire rire ou d’échapper à un quotidien ennuyeux. Il y a une très grande différence entre garder une âme d’enfant, donc être capable de s’émerveiller, de croire, de ressentir, de s’amuser, de rire, et de l’autre côté avoir un comportement de crétin irresponsable.
Entre ces deux extrêmes (les adultes sinistres à l’imagination sclérosée et les pathétiques clowns décérébrés), il y a l’immense majorité des gens normaux, abusivement qualifiés de geeks. Car les termes "geek" ou "nerd", dans leur acceptation basique, désignent plutôt des spécialistes, des gens enfermés dans un seul monde, des solitaires férus de programmes complexes et de culture underground. Or, le geek tel que la société le comprend aujourd’hui, et même tel qu’il apparaît, est exactement l’inverse : c’est une personne ouverte, qui participe à des conventions, a de nombreux contacts, surfe sur des univers imaginaires très différents, accepte la nouveauté, est curieuse, avide de sensations, bref, quelqu’un de bien vivant et bien dans son époque.
L’une des meilleures façons de se convaincre de l’inexistence du geek tel qu’il est perçu par les media est de jeter un oeil à ses centres d’intérêts.

Dans la panoplie du pseudo-geek, l’on retrouve des comics (Spider-Man, Batman), des manga (Saint Seiya, Dragon Ball, Gunnm), des films (Star Wars, Matrix), des jeux (Magic, Donjons et Dragons, World of Warcraft), des dessins animés (Albator, Goldorak), des livres (Le Seigneur des Anneaux), des séries TV, que sais-je encore…
Mais le point commun de tous ces produits culturels n’est pas qu’ils sont réservés à un public d’initiés mais au contraire qu’ils sont populaires et ont donné naissance à de nouvelles références, de nouvelles manières de raconter des histoires, de nouvelles approches des univers de fiction. Et par là même à un bouleversement des habitudes liées aux loisirs et à l’entertainment, ce fameux divertissement coupable, en France, de tous les maux ou au moins soupçonné de certaines indélicatesses envers la culture adoubée par les gardiens d’un temple gris et nauséabond qui ne remplit plus son rôle.
Le divertissement est pourtant la base d’une hygiène psychologique minimum. Pensez par exemple que même un chat a besoin de s’adonner au jeu pour ne pas dépérir. Et ce, quel que soit son âge. Le jeu, la fiction, l’imaginaire ont des fonctions sociales et psychophysiologiques importantes qui ont pourtant été longuement niées et même réprimandées.
Mais le jugement global a ceci de tenace qu’il s’imprime même sur ceux qui pensent être en dehors des chemins balisés. Certains « geeks », qui s’assument comme tels sur le Net (en revendiquant le fait d’avoir peur de la foule, de l’extérieur, etc.), passent leur temps en dédicace, à rencontrer des gens, à communiquer, ce qui nie la définition même du rôle dans lequel ils pensent être enfermés.

J’avance ici l’hypothèse sérieuse que le geek n’existe pas.
Car le geek ce serait Stephen King sans Shakespeare, Watchmen sans Autant en emporte le vent, Werber sans Racine, le putain de plaisir de s’éclater sur une console de jeu sans le plaisir exceptionnel de contempler une toile de maître ou de découvrir la beauté brute et envoûtante d’une sculpture dans un musée. Ces gens qui se priveraient, par leurs supposées obsessions, d’une partie de l’Histoire, d’une partie de la culture, d’une partie de la vie, n’existent que dans la classification simpliste et absurde des media et de ceux qui ne comprennent pas leur époque.
Lorsqu’un enfant devient adulte, il abandonne bien des choses. Des illusions, quelques rêves parfois. Le droit d’être triste et de le montrer. L’adulte assume le fait d’être responsable, d’avoir une vision à long terme de ses actes. Mais l’adulte ne se condamne pas à mourir à petit feu, à devenir sec et insensible, à s’emmerder comme un comptable (ou en tout cas pas en dehors des heures de boulot s’il est vraiment comptable). L’adulte a le droit de rêver, de sourire, de ressentir sans pour cela être catalogué comme déviant ou immature.
Le terme geek est ce que les cons ont trouvé pour désigner une force qu’ils ne comprenaient pas : l’incroyable puissance de la vie et de l’émotion. L’art en fait. Le mouvement. L’inconnu.
Subir les appellations des gens qui ne comprennent rien à un état n’est pas souhaitable. C’est la meilleure façon d’encourager la société à compartimenter les passions ou le processus créatif. Or, qu’existe-t-il de plus universel et poreux que l’art ? Cette recherche de sens, cette volonté d’échapper aux seules contraintes de survie, se retrouve chez Van Gogh autant que chez David Mack. L’un n’est pas supérieur à l’autre. L’érudit amateur de peintures peut bouffer de la pizza en rentrant chez lui et le lecteur de comics peut se préparer un repas digne de ce nom.
Le geek n’existe pas car accepter cette vision profondément biaisée portée sur des passionnés, c’est nier implicitement leur capacité à partager, communiquer et même vivre. Or, ces geeks là, je les connais. Et ils sont l’inverse de cette définition dévalorisante et culpabilisante. Ils sont l’ouverture sur le monde. Certes tout n’est pas bon dans la culture populaire. Il faut trier et faire preuve de bon sens. Mais tout n’est pas bon non plus dans la culture institutionnalisée.
Et tant qu’à devoir séparer le bon grain de l’ivraie, autant le faire avec le sourire et sans la douleur d’un balai dans le cul.

Nos figurines, nos livres, nos références ne font pas de nous des êtres atypiques. Par contre, ce sont les êtres atypiques qui, de tout temps, ont façonné l’art. Et apprécier le travail de gens qui, pour beaucoup, ont passé leur vie à repousser les murs et bousculer les définitions ne peut faire de vous, de nous, des êtres catalogués par un seul terme, encore moins lorsqu’il est aussi réducteur et insultant que « geek ».
La culture populaire qui fait frémir de peur les pédants en est aujourd’hui à un stade de maturité telle qu’elle peut, par la simplicité de sa forme et la profondeur de son fond, égaler voire dépasser en puissance et en sens les arts classiques et compartimentés que quelques vieux sbires égocentrés pensent encore pouvoir maintenir, par des tours de passe-passe, à la tête d’une absurde segmentation par l’obscur.
Geek est un terme que des abrutis ont trouvé pour se moquer de gens qu’ils ne comprenaient pas et qui a été repris par des snobs pour mépriser et enfermer ceux qu’ils jugeaient inférieurs. Le fait que de tels termes soient aujourd’hui passés dans la masse et même revendiqués par ceux qui en souffrent sans le savoir donne à penser sur la capacité de nuisance d’un mot, surtout lorsqu’il avance masqué.

Bien sûr, ce n’est là que mon opinion. Je ne souhaite pas imposer une vision personnelle, même légère, à la place d’un carcan déjà insupportablement lourd. Mais souvenez-vous qu’un terme insultant, même en anglais, ne devient pas plus beau ou plus porteur de sens avec le temps. Si en français, certains avaient commencé à désigner les passionnés d’informatique ou de comics sous le terme « crétin » ou « andouille », est-ce que vous oseriez, aujourd’hui, proclamer « je suis un vrai crétin » ?
Sans doute pas.
Ce processus découle d’une identification auto-culpabilisante assez ignoble (geek, à la base, désigne un fou, un monstre de foire, voire une personne handicapée ou en tout cas asociale) qui aboutit à l’adhésion au point de vue (souvent violent) d’une personne qui ne comprend pas ce que vous êtes (ou faites). C’est très courant chez les enfants maltraités (qui se sentent coupables car intériorisent la violence dont ils sont victimes comme un échec de leur part à satisfaire leurs parents/bourreaux). Cela peut se rencontrer aussi dans les systèmes de défense de certains violeurs qui veulent imposer à leurs victimes un statut les déchargeant d’une responsabilité évidente. Du genre, « si cette fille est une allumeuse, alors j’ai eu raison de la forcer à avoir des relations sexuelles », ce qui est évidemment une pensée déviante puisque, même une actrice porno se baladant à poil n’a pas à subir la violence du premier connard qui passe.
Alors, bien sûr je prends des exemples extrêmes, ce n’est pas pour minimiser la maltraitance ou le viol (qui sont bien évidemment d’un autre niveau que la raillerie et la condescendance culturelle ou sociale), mais pour faire un parallèle avec une tentative de désignation qui, sur la forme, est similaire et qui aboutit, avec le temps, à une culpabilisation de la personne désignée qui finit par s’identifier au rôle négatif et prédéterminé que l’on souhaite lui attribuer.

Un individu est un système complexe, fait de sensations, d’expériences diverses, de passions, d’impulsions, de regrets et d’amour, de nostalgie et de haines. Même la personne la plus banale, éteinte et conformiste qui soit mériterait plus qu’un mot pour la définir. Aussi, lorsque l’on s’intéresse à des formes d’art multiples, lorsque l’on aime les livres, le cinéma, la musique, les cultures étrangères, rien ne justifie d’être enfermé et contenu dans un terme aussi ridicule, méchant et vide de sens que « geek ».
Ce terme ne sert pas à nous définir, car il faudrait pour cela des livres entiers. Ce terme sert à mettre en exergue la paresse ou la volonté de nuisance de ceux qui s’en servent. Se nommer autrement, échapper à cette définition tronquée, c’est faire preuve de respect envers les passions qui nous animent et les auteurs qui les façonnent. C’est aussi refuser de ressembler à une caricature que des gens qui ne nous connaissent pas ont créée afin de combler les lacunes qui sont les leurs.
Je ne connais aucun geek. Je connais des gens sensibles, ouverts, passionnés, qui lisent, écoutent, s’amusent et pensent en dehors des institutions rigides et sèches. Qu’ils en soient conscients ou non, ces gens ne représentent pas une frange minimaliste ou bas de gamme de la culture. Ils sont la culture dans ce qu’elle a de plus vital et essentiel.
Ils cherchent l’illumination, le satori véritable, au détour d’une planche, d’une scène ou d’un riff. Ils savent d’instinct que l’art peut être un baume sur leurs blessures. Ce sont des crétins ou des génies, des gens insupportables ou sympathiques, mais ils ont tous comme point commun de ne pas baliser leur vie de barrières convenues et pathétiques.
Ils sont libres.
Et, parce que la liberté inquiète, ils sont minimisés et ramenés vers de bien rassurants enclos.

Je ne suis pas un geek. Personne ne minimisera mon monde.
Je suis un passionné, un curieux, un éternel assoiffé. J’aime la physique quantique et Amazing Spider-Man, je m’intéresse à l’astronomie et aux différentes armures de Tony Stark, je suis fasciné par la psychologie et les mythes littéraires. J'achète des tonnes de livres tous les mois mais je ne suis représenté nulle part dans les media de masse. J’adhère à des courants artistiques majeurs et innovants mais non reconnus par les pseudo-intellectuels détenteurs du "bon goût". Nous ne pouvons être des geeks, tout bonnement parce que l’imagination, les mots et l’art sont sans limite. Sans frontière. Sans caste.
Le monde est à nous.
Mais il ne le sait pas encore.
Il fait partie d’un multivers que nous maîtrisons tous. Il n’est qu’une parenthèse dans l’essentiel. Un point sur une feuille de papier ou un écran qui ont contribué à faire de nous des gens plus sages, peut-être, mais surtout des gens plus heureux. Car finalement, si nous devions vraiment chercher un point commun à nos vies et à ces gens abusivement qualifiés de geeks, ce serait peut-être ça. Le pouvoir de continuer à sourire dans une réalité atroce. L’envie de s’extraire des carcans imposés. Le besoin de vivre au-delà d’une réalité que certains ont délimitée pour nous.

Pas en dehors. Au-delà.
Et cela, c’est une qualité finalement bien humaine que certains feraient bien de découvrir au lieu de vouloir à tout prix l’inscrire dans un cadre qui, par nature, ne peut la contenir.

White Queen, Dark Reign

2009-11-16T16:21:00.000+01:00

Le X-Men #154 de ce mois nous dévoile un pan du passé de la troublante Emma Frost dans un annual lié à Dark Reign.

On rentre tout de suite dans le vif du sujet avec X-Men : Legacy. Scénario de Mike Carey, dessins de Phil Briones (Wanderers, Sub-Mariner, White Tiger). A propos de ce dernier, Panini trouve le moyen de nous mettre une pastille sur la cover en le qualifiant de "superstar". Pourquoi s'arrêter en si bon chemin ? Personnellement j'aurais été jusqu'à "dieu vivant", "empereur des crayons" ou "grand générateur d'orgasmes célestes". Bon, je n'ai rien contre cet artiste évidemment, mais je doute qu'il soit une "superstar". Il serait étonnant que le grand public (qui ignore tout de Briones) se mette à acheter la revue juste à la mention de son nom, et pour ceux qui l'achètent déjà... ce n'est pas plus utile.

Niveau histoire, Charles Xavier a trouvé un nouveau type à emmerder : Cain Marko. Depuis qu'il a retrouvé l'usage de ses jambes, j'ai l'impression qu'il passe son temps à chercher qui il pourrait bien gonfler. Là c'est tombé sur le Fléau et à part la raclée - malheureusement virtuelle - qu'il met au moraliste de service, ce one-shot n'a pas grand intérêt.

On attaque le gros morceau avec le Uncanny X-Men Annual #2.

Le récit est centré sur Emma Frost et la relation particulière qu'elle a tissée voici bien longtemps avec Namor. On suit en parallèle les évènements actuels, faisant écho à Dark Reign, et des flashbacks remontant à l'époque où Emma était la Reine Blanche du Club des Damnés. On va retenir surtout de ce long épisode deux choses : d'une part, le rôle politique stratégique qu'Emma tient maintenant dans la communauté mutante (elle manoeuvre tout de même suffisamment habilement pour offrir une protection atlante aux mutants, ce qui n'est pas rien), d'autre part, dans un registre plus léger, on sait maintenant que le roi des sardines n'apprécie pas uniquement Sue Richards mais qu'il lui arrive aussi d'être attiré par d'autres blondes. ;o)

Matt Fraction a écrit le scénario et c'est Mitch Breitweiser qui s'est chargé des dessins. Un annual sympa mais certainement difficile à aborder pour le profane étant donné les nombreuses références au passé et une narration qui peut parfois paraître peu claire.

On continue avec les Young X-Men du tandem Marc Guggenheim (scénario)/Ben Oliver (dessins). Encore des flashbacks et surtout de nombreux personnages qui s'entrecroisent. Plus les cachotteries de Cyclope (que l'on accuse même d'employer des méthodes dignes de Xavier, insulte suprême !). L'épisode est assez haché et l'on a du mal à vraiment éprouver de l'empathie pour des protagonistes qui manquent d'épaisseur et dont je serais bien en peine de décrire la psychologie, sauf peut-être pour un ou deux d'entre eux.

Et enfin on termine avec un court épisode, issu de X-Men : Manifest Destiny #3, qui dévoile les origines de Graymalkin. Moi qui parlais d'épaisseur, ça ne fait que huit planches mais c'est pas du luxe ! On peut enfin ressentir un début de quelque chose pour cet étrange mutant aux yeux globuleux. Toujours Guggenheim au scénario accompagné cette fois de Yanick Paquette pour la partie graphique.

Le bilan s'avère mitigé. Tout n'est pas à jeter mais on est loin du souffle épique ou même d'une simple tension dramatique qui entretiendrait l'intérêt pour les naguère si populaires mutants. On a l'impression que les scénaristes se débattent depuis pas mal de temps avec les mêmes thèmes (perso, Shaw et le club des damnés, j'en peux plus) sans vraiment avancer. Même Xavier, qu'il aurait été judicieux d'écarter de manière définitive (et par "définitive", j'entends le faire passer dans un sanibroyeur), fait un retour en force. Quant aux évènements du style Messiah Complex, même s'ils démarrent souvent bien, ils finissent la plupart du temps en pétard mouillé. Résultat, la revue X-Men est celle que je lis en général en dernier dans les publications Marvel régulières. Ce qui n'est certes pas bon signe...

Du X-Men basique, sans grande ambition, sauvé par la présence de la superstar... Emma Frost. ;o)

The Surrogates : la vie... en mieux

2009-11-14T12:26:00.003+01:00

Petit bond dans le futur proche avec Clones, un comic SF publié chez Delcourt.

2054. Grâce aux progrès de la cybernétique et de la réalité virtuelle, la plupart des gens utilisent maintenant des répliques androïdes. Tandis que leurs doubles vont travailler, font des rencontres ou voyagent, les utilisateurs ressentent la moindre sensation grâce à un casque qui stimule leur cerveau. Il est maintenant possible de fumer, se droguer, se gaver de hamburgers ou avoir des relations sexuelles avec un parfait inconnu sans le moindre risque.

L'adrénaline sans le danger. Le concept est si parfait que toute la société a été profondément bouleversée par l'avènement des clones. Même la police les utilise, rendant ainsi le métier de flic beaucoup moins dangereux.

Pourtant, un individu va tenter de déranger cet ordre établi. Il commence par détruire quelques-uns de ces si pratiques androïdes. Le lieutenant Harv Greer va être chargé de l'enquête. L'officier est partagé... il poursuit un criminel dont il comprend les motivations. D'autant que lui-même ne rêve que d'une chose, pouvoir dîner avec sa femme. La vraie et non sa réplique. Il a envie de rides, de kilos en trop. De vrai.

Tout d'abord une petite remarque sur le titre français. "Clones" ne semble pas forcément être un bon choix étant donné que l'on parle ici d'androïdes plus que de clones au sens propre (l'utilisateur choisissant même le sexe ou l'apparence de son substitut). Evidemment il ne s'agit pas de prôner la traduction littérale de "The Surrogates", mais une petite tentative d'adaptation, quitte à réfléchir cinq minutes, aurait été louable. Même le slogan de Virtual Self, "La vie en mieux", aurait pu faire un titre plus convenable. Et tant que l'on est dans ce qui ne va pas, pourquoi diable nous infliger en cover l'affiche du film ? Les éditions Delcourt en viendraient-elles à se conformer aux pratiques détestables des vendeurs d'autocollants ? Avec un tel procédé l'on a presque l'impression qu'il s'agit de l'adaptation BD du film alors que le comic est au contraire à l'origine de la version cinéma.

Cette espèce de théorie implicite faisant des films un argument de vente pour les comics (voire leurs sauveurs tant qu'on y est !) commence à devenir irritante. C'est plutôt rare chez cet éditeur mais il ne faut pas laisser s'installer les mauvaises habitudes.

Venons-en au contenu. Les dessins sont de Brett Weldele, un artiste qui va utiliser un style assez particulier, fait de quasi ébauches, sans effet de profondeur, ce qui n'est pas sans rappeler Templesmith (sur Fell par exemple). L'esthétique est donc inhabituelle mais loin d'être désagréable. On se fait même assez vite à ces traits finalement très expressifs et rehaussés par une colorisation monochrome élégante et efficace.

Pour ce qui est du scénario, c'est Robert Venditti qui est aux commandes. Avec un tel sujet on sentait venir la leçon de morale un peu lourdingue mais le type s'en sort plutôt bien. Plus que la modernité ou la technologie, c'est finalement le règne du paraître, le poids du regard de l'autre qui sont visés. Certains questionnements, laissés volontairement en suspens par l'auteur, donnent lieu à des réflexions intéressantes. Par exemple, à l'occasion d'un rendez-vous amoureux qui tourne mal entre deux "substituts", les policiers découvrent que l'opérateur du clone féminin était en fait un homme. Ce qui fait dire à l'un des personnages : "si tu crois que tu es avec une fille, tu es avec une fille." Voilà qui pose l'épineuse question du rapport au réel. La réalité est-elle la somme des stimuli interprétés par notre cerveau ou l'homme doit-il dépasser ses sens et se lancer dans une quête de l'absolu, du "Vrai" ? Vous avez 4 heures, ça sera noté sur 20, coeff 4. ;o)

Bref, voilà une oeuvre flirtant avec la SF, le polar et les réflexions métaphysiques. Un mélange plutôt sympathique. Notons également la présence de pubs ou d'extraits de journaux qui permettent de mieux comprendre le fonctionnement des clones ou encore leur impact social dans des domaines tels que le maintien de l'ordre ou la santé publique. Car contrairement à ce que l'on pourrait penser, l'emploi de ces substituts présente des avantages indéniables et cet effort dans leur présentation permet de crédibiliser le récit et d'en renforcer l'aspect dramatique.

La conclusion, fort bien amenée, échappe à la règle du spectaculaire à tout prix et s'offre un final doux et amer, tout en retenue.

Une belle histoire qui se paie le luxe de ne pas être trop démonstrative et qui, en prime, amène le lecteur sur un terrain relativement peu fréquenté.

Marvel Saga : Living in Darkness

2009-11-12T16:48:00.001+01:00

Le quatrième numéro de Marvel Saga est estampillé Dark Reign et nous livre les premiers épisodes de la nouvelle série du Punisher.

On le sait tous maintenant, Frank Castle a un petit côté taquin qui le pousse à descendre de la crapule, à bousiller du vilain, bref, à faire un carton sur la racaille, grosse ou petite. Après l'avènement de Norman Osborn, voilà pour le Punisher un univers riche en cibles. Délaissant les mafieux, Frank va s'attaquer aux encapés et à la racine du Mal. Pour cela, il sera aidé par un spécialiste en informatique qui sera ses yeux et ses oreilles. Et bien sûr, à nouvelles menaces, arsenal nouveau.

Voici donc un relaunch de plus pour la série Punisher (qui en est tout de même à sa huitième version). Alors que l'on-going publiée sous le label Max est orientée polar et plutôt hors continuité, celle-ci est plus ancrée dans le Marvelverse et dans le trip super-héroïque. Le scénario est signé Rick Remender, un auteur qui avait déjà goûté au personnage dans Punisher War Journal et qui, accessoirement, a également écrit The End League chez Dark Horse. Les dessins sont l'oeuvre de Jerome Opeña. Rien à signaler de ce côté, son travail étant plutôt correct (et même superbe si on le compare aux saloperies de Chaykin ou au Punisher aviné dont nous a gratifié Rivera le mois dernier dans Spider-Man).

Niveau histoire, ça commence fort avec un Castle qui se la joue sniper et nous offre un superbe tir à cinq kilomètres de distance (avec une arme skrull, ceci expliquant cela). Osborn ne doit la vie qu'à Sentry qui prend ensuite en chasse le Punisher. En fait, le duel Sentry/Punisher (dont j'avais imaginé qu'il s'étendait sur tout l'arc de la façon dont Panini avait présenté la chose) ne dure que le temps du premier épisode. Et encore, c'est plus une fuite désespérée qu'un véritable combat. En même temps, se mesurer à Sentry avec un flingue, c'est un peu comme tenter d'arrêter un bus avec le pif : ça a peu de chance de marcher.

La suite voit Hood prendre les choses en main, le grand adversaire du Caïd envoyant de vieux super-vilains sur le retour aux trousses de Castle (on retrouve en vrac le Grizzly, Mr Hyde ou Razorfist). Et pour les amateurs de personnages de seconde zone, la scène finale montre que Remender est bien décidé à piocher dans le vivier de la Maison des Idées pour ses prochaines histoires.

Tout cela est plutôt sympathique mais très loin d'un Castle à la sauce Ennis, attention donc si vous ne connaissez le perso que sous cet aspect, la différence ici est énorme. Un petit exemple, le Punisher utilise à un moment des particules Pym afin de se cacher à l'intérieur d'une pizza (!!) qu'il fait livrer à ses ennemis. Une tactique un peu dingue que l'on s'attendrait plutôt à voir dans un Deadpool. Il faudra donc aimer le second degré en plus des fusillades et des longues poursuites pour pleinement rentrer dans ce récit.

Un titre qui colle aux évènements actuels sans être pour autant crucial.

Du sang dans la neige

2009-11-10T17:18:00.001+01:00

La réédition de WhiteOut nous permet de jeter un oeil sur un polar ayant pour cadre le trou du cul du monde, autrement dit l'Antarctique.

Carrie Stetko est un US Marshal qui fait régner l'ordre... sur la banquise ! L'endroit est hostile, immense. La température peut descendre jusqu'à - 90 degrés en hiver. Plus bas encore lorsque les vents violents sont de la partie. Ils charrient la poussière de neige, effacent la limite entre ciel et terre. C'est alors que survient le Whiteout. Un Grand Blanc. Un phénomène qui peut vous faire mourir de froid alors que vous êtes à trois mètres à peine d'un refuge.

C'est dans ce contexte difficile, et presque exclusivement masculin, que Carrie va mener une enquête sur un scientifique retrouvé mort, seul, abandonné là où il aurait dû y avoir un camp. Une fois le cadavre décongelé, l'autopsie va révéler qu'il s'agit d'un meurtre.

Entre un supérieur qui lui met la pression, une espionne anglaise dont elle ignore la raison de la présence et ses propres souvenirs douloureux, Carrie va se débattre dans ce qui ressemble à un cauchemar. Un long, froid et douloureux cauchemar blanc.

Akileos profite de la sortie de l'adaptation ciné pour rééditer ce "polar blanc". Plutôt une bonne idée de la part de l'éditeur puisque la première version, qui datait de 2003, était difficilement trouvable ou à des prix absurdes (certains margoulins allant jusqu'à demander plus de 70 euros pour des exemplaires d'occasion).

Le scénario est écrit par Greg Rucka, les dessins sont de Steve Lieber. Graphiquement, l'artiste emploie un style réaliste plutôt agréable si l'on excepte une ou deux erreurs de proportion flagrantes (un détail en comparaison du nombre de planches). Pas de colorisation puisque l'on est face à du Noir et Blanc brut de décoffrage. Admettons que cela se justifie un peu vu le cadre, m'enfin, il est tout de même regrettable de constater que de très nombreuses oeuvres de qualité (The Walking Dead, Strangers in Paradise, Luther Arkwright, etc.) ne font pas appel à une colorisation qui pourtant rehausse aujourd'hui un dessin au lieu de l'appauvrir. Il en ressort toujours un aspect non abouti ou pauvre qui personnellement m'agace assez. Surtout que les covers, souvent fort belles, donnent une idée du rendu qu'auraient pu avoir les planches intérieures. Mais bon, ça ne dérange personne à part moi donc on fait avec.

Niveau histoire, Rucka parvient à mettre en scène des personnages crédibles et fouillés. Le récit est également soutenu par de bons dialogues, autant d'éléments qui laissent à penser que le côté fade et lourdingue de son Elektra & Wolverine provenait bien essentiellement de l'épouvantable traduction.

Tout n'est cependant pas totalement abouti. Le décor si particulier du pôle est finalement sous-employé et les tensions qui découlent d'un mode de vie aussi étrange et confiné ne sont guère mises en avant, ce qui est tout de même dommage. On peut noter également quelques facilités lors de la résolution de certaines scènes. Malgré tout, l'héroïne se révèle attachante et suffisamment ancrée dans la réalité (elle va notamment payer un assez lourd tribut physique pendant cette aventure) pour que l'on ait envie de s'intéresser à la suite (puisqu'un deuxième tome est disponible).

A lire chaudement habillé, avec un thé chaud ou un petit whisky à portée de main.

ps : joie et bonheur dans ta chaumière ô collectionneur avide de petits machins ruineux ! Figurez-vous que j'étais persuadé qu'il n'y aurait plus de nouveaux Heroclix, or j'ai appris hier qu'une nouvelle extension, intitulée Hammer of Thor, est prévue pour décembre (selon les amis texans chez qui j'ai l'habitude de commander). Mais - et c'est surtout cette nouvelle qui m'amène au bord de l'orgasme et vers la fin de ce post scriptum - ce nouveau set comprendra non seulement Penance (qui a quand même plus de gueule que Speedball, avouons-le) mais également mes petits protégés : les Runaways !

Je n'ai vu pour l'instant qu'une photo de Molly Hayes mais la réalisation semble vraiment parfaite. Du coup, boum, vous savez quoi mettre sur votre liste destinée au Pôpa Nowell. ;o)

Entretien avec... Claire Deslandes !

2009-11-10T15:09:00.003+01:00

Bragelonne, sous son label Milady Graphics, vient de faire récemment une entrée remarquée dans le monde des Comics. Claire Deslandes, responsable éditoriale, a bien voulu répondre à quelques questions afin que nous puissions faire plus ample connaissance avec ce nouvel acteur de la Bande Dessinée.

Neault : Claire, bonjour et merci de nous consacrer un peu de votre temps. Alors, tout d'abord, comment présenter Milady à de nouveaux lecteurs, en quelques mots ?
Claire Deslandes : Milady Graphics est la suite logique de Bragelonne et de Milady. Depuis dix ans, nous publions de la Fantasy, de la SF, du fantastique, de la bit-lit, etc. En bref, ce qu’on appelle la littérature de genre, et que nous préférons appeler « littérature de l’imaginaire ». Depuis le temps, je crois qu’on peut dire que nous sommes experts en la matière. Et depuis un moment, nous réfléchissions à décliner cela en bande dessinée.
La Fantasy, tout particulièrement, est un genre qui se nourrit d’images, de fantasmes, et qui, à son tour, est une source inépuisable d’inspiration pour les artistes du visuel (la BD, le cinéma, le jeu vidéo, etc.).
Donc Milady Graphics, c’est la même ligne éditoriale que Milady, mais en images. De la Fantasy, de la bit-lit, des coups de cœur…

- L’irruption d’un nouvel éditeur est toujours un petit évènement sur la scène comics VF. En gros il y a Panini, possédant un quasi monopole (Marvel, DC et surtout les titres Vertigo), Delcourt (proposant des séries de grandes qualités, mais avec moins de personnages connus) et quelques très petits éditeurs qui surnagent avec du matériel certes intéressant mais marginal et limité en « volume ». Au milieu de tout ça, Milady semble s’imposer directement comme un outsider sérieux, tant dans le choix des séries que le soin apporté aux livres.
Quelles sont vont ambitions à long terme ?
- Je ne souhaite pas nous définir par rapport aux autres acteurs du marché. Ce serait forcément une définition en creux, partielle, qui ne rendrait pas compte de nos envies. Notre idée de départ était d’offrir aux lecteurs un choix dans un genre curieusement délaissé par les comics traduits en français : la Fantasy (et ses petites sœurs).
Donc, à long terme, l’idée est de nous implanter sur ce marché, dans un créneau que nous connaissons bien. Donc pas de monopole ou de conquête de l’univers en ligne de mire, juste une extension, dans un nouveau média.

- Vous avez une approche assez ouverte dans le sens où vous ne semblez pas cibler un seul éditeur US. Comment se passent les discussions avec les grosses maisons américaines ? Est-ce que l’on peut, par exemple, avancer une certaine qualité d’adaptation dans les négociations ? Ou sinon, quels sont vos arguments ?
- Cela se passe grosso modo comme lors de négociations pour l’achat des droits d’un roman. D’abord, je lis le livre. Ensuite, s’il me semble convenir à nos lecteurs et à notre ligne, je fais une offre à l’agent ou au responsable des droits chez l’éditeur. Et on discute.
La qualité d’impression et d’adaptation est un prérequis. Bien sûr, j’ai des centaines de livres, y compris des livres illustrés, à faire parvenir aux éditeurs pour attester du soin que nous portons traditionnellement aux ouvrages. Ensuite, je peux mettre en avant notre position dominante sur le marché de la Fantasy, ainsi que le poids déterminant de notre diffuseur, DDL.
Par ailleurs, nous étions déjà en contact avec de nombreuses maisons d’éditions américaines (ou d’ailleurs), qui ne publient pas que du graphique. Nos dix ans d’existence nous ont permis de tisser des liens de confiance avec beaucoup d’acteurs majeurs de l’édition internationale. Forcément, ça aide !

- On peut déjà, avec les premières sorties Milady, se faire une idée des séries marquantes. Il y a de grosses licences liées aux JdR (Forgotten Realms, Dragonlance), de l’humour (Empowered) et du très lourd comme Le Dernier des Templiers ou encore Black Summer qui est annoncé, voilà plutôt un lancement solide. Y aura-t-il chaque mois un rythme de publication aussi soutenu ?
- Il y aura au moins trois titres par mois. Les parutions liées à Dungeons and Dragons seront soutenues (un titre de chaque série tous les trois mois). Je tâche d’équilibrer les genres (Fantasy, bit-lit, horreur, humour…), de façon à ce que chacun trouve son bonheur dans les titres du mois. Et je n’oublie pas les artbooks (Luis Royo, notamment).

- Il y a un soucis du détail, de la qualité, qui est présent dans les romans Milady (le relief sur les Laurell K. Hamilton par exemple, qui rappelle les éditions poche US). On retrouve une approche similaire pour Milady Graphics : un prix raisonnable, un papier de qualité, une traduction quasiment exempte de fautes (ce qui est de plus en plus rare), des bonus quand il y a lieu (abondants sur Mice Templar ou Death Dealer), bref, on sent une approche sérieuse. C’est une envie de se démarquer ou simplement un respect naturel dû aux lecteurs (et d’ailleurs aux auteurs adaptés) ?
- D’abord, merci beaucoup ! C’est surtout né de l’envie d’offrir aux lecteurs ce que j’aimerais avoir pour moi-même. Faire l’effort d’ajouter quelques pages de bonus, même si ça coûte forcément un peu plus cher en impression, en traduction, etc., ça vaut toujours le coût, et ça fait toujours plaisir, non ?
Et, très franchement, vu l’énergie que nous consacrons tous à la publication des titres de Milady Graphics, ce serait vraiment dommage de chipoter sur le papier !

- Alors, il faut qu’on parle quand même de The Mice Templar, une œuvre de grande qualité et peu connue du grand public. Comment avez-vous, nom d’une petite souris, dégoté ça ? Qu’est-ce qui vous a séduit dans cette série ?
- Comment l’ai-je dégoté ? En lisant les monthly, tout simplement. C’était il y a un moment, déjà. Un an, si je me souviens bien. Et tout m’a séduit. Le dessin, bien sûr. Si particulier, et incroyablement expressif. Et le scénario, solide, fouillé. C’est fou, le temps qu’ont passé Bryan JL Glass et Mike Oeming a peaufiner ce projet ! J’ai retrouvé dans Le Dernier des Templiers le plaisir de lecture que l’on peut avoir avec un roman d’aventures ou de Fantasy. Le genre de souffle épique que l’on peut trouver dans les romans de David Gemmell, par exemple.

- Cela m’amène à une question plus personnelle, comment devient-on responsable éditoriale d’une telle ligne ? Quel est votre parcours ?
- Je travaille depuis une douzaine d’années dans l’édition. J’ai commencé dans le polar et la SF. À cette époque, j’ai rencontré l’équipe qui monterait Bragelonne. J’ai exercé pas mal de métiers (directrice de collection, préparatrice, adaptatrice, technicienne de fab, maquettiste, secrétaire d’édition…), aussi bien pour des éditeurs généralistes que pour le manga ou la Fantasy. Il y a quelques années, j’ai rejoint l’équipe de Bragelonne en tant qu’éditrice. Bragelonne (et, de fait, Milady) est une boîte où l’on communique beaucoup et où de nombreuses décisions sont prises collégialement. Grâce à cela, des tonnes d’idées ont vu le jour. Et, nouveau projet après nouveau projet, me voici au gouvernail de Milady Graphics.
Et je ne délaisse pas pour autant nos lignes de romans !

- En dehors de votre travail, aviez-vous l’habitude de lire régulièrement des comics ? Si oui, lesquels ?
- Régulièrement, oui. Je lis de la franco-belge depuis bien longtemps, mais les comics ne m’ont contaminée que plus récemment, il y a quelques années. Spontanément, je me tourne vers des comics indé, comme Mice Templar (Le Dernier des Templiers), dont nous parlions plus haut, Red Herring, ou Black Summer, qui paraît bientôt chez nous. Empowered est un gros coup de cœur, aussi. Le traitement de certaines grosses licences peut toutefois retenir toute mon attention (comme le Batman de Grant Morrison and Frank Quitely). Mes premières amours avec le roman noir m’entraînent également vers des titres comme Gotham Central, Incognito, ou encore Four Women. Ce qui ne m’empêche pas d’aimer ce qui est mignon, comme le chat de King City ou le Oz de Marvel, ou les envoutements de Madame Xanadu !

- Pensez-vous que le fait d’être une femme puisse avoir un impact sur vos choix ou votre approche ? Dans un milieu aussi masculin, un regard féminin est-il un avantage ?
- Le fait d’être une femme influe probablement sur tous mes choix, dans la vie. Après, de là à dire que cela influe sur la ligne éditoriale de manière notable, je ne suis pas sûre. Même si ma sensibilité joue un rôle essentiel dans le choix des titres retenus pour la collection, il ne faut pas perdre de vue que cette ligne est conçue pour ses lecteurs, et non pour moi. Je ne constitue pas là ma bibliothèque idéale (ça, je peux le faire chez moi) : je rends disponible des titres pour le lectorat français, en suivant la logique éditoriale de Milady et Bragelonne.

- Peut-on avoir, en exclusivité, une idée des prochains titres Milady ? Attention, des trucs que personne ne sait hein ! Ou des indices sinon. Ou un rébus. Ou… heu, non, ça serait bien d’avoir quelques noms en fait, sans passer par un jeu. ;o)
- Ah, une exclu ? Malheureusement, je ne fais pas trop de secrets, et il est probable que j’aie déjà laissé filtrer beaucoup d’infos !
Mais je peux vous dire que nous avons acquis les droits de Hexed, de Michael Alan Nelson et Emma Rios, et que j’ai hâte de le voir publié. C’est complètement bit-lit, et Nelson et Rios font une équipe formidable.

- Est-il possible, même à très long terme, d’envisager des publications « originales » (françaises par exemple) chez Milady ? Etes-vous doté d’une structure capable de travailler très en amont sur une série en devenir ? Ou bien est-ce votre ambition avec le temps ?
- Oui, c’est envisageable, et envisagé même. Mais, comme vous le devinez, c’est un projet à long terme. Nous avons un réservoir d’idées, mais ce ne sont pas des projets à prendre à la légère. Donc ne précipitons pas les choses !

- Il y a de nos jours une petite polémique (qui fait écho à l’évolution des comics aux US) autour du dessin et de l’histoire. Sous le prétexte, tout à fait sensé, qu’une bonne histoire avec de pauvres dessins vaut mieux que des dessins magnifiques illustrant un récit ennuyeux, certains (mêmes des auteurs) vont jusqu’à dire que le dessin "n’est pas important dans une BD". Ou pas essentiel disons. Quelle est votre position ?
- Je n’avais pas entendu parler de cette polémique. Et pour tout dire, je ne la trouve pas très intéressante. C’est un peu comme dire qu’il vaut mieux un roman avec plein d‘idées mais écrit avec les pieds, plutôt qu’un roman sans imagination mais avec une belle plume. De surcroît, quand on parle de dessin, encore faut-il définir le beau (qui n’est pas synonyme de technique), et déterminer si la beauté du dessin est requise pour faire passer un message. Qui a dit que la BD se devait d’être belle ? Et qui va en juger ?
Donc, pour répondre, je dirais que la beauté du dessin n’est pas nécessaire. Mais que le dessin est capital.

- Comme vous ne le savez sans doute pas, je chronique beaucoup de comics Marvel. Du coup, j’aimerais savoir quel personnage, ou quelle série, vous aimeriez adapter en français (dans l’absolu en fait, sans se soucier des droits actuels). Et, surtout, pourquoi. Qu’est-ce qui pourrait correspondre le plus à Milady dans le mainstream Marvel ?
- Pourquoi pas Scarlet Witch ? Son univers Fantasy correspondrait bien à notre ligne éditoriale. Et elle pourrait rencontrer chez nous quelques sorcières qui l’aideraient à maîtriser ses pouvoirs !
Et nous publierons bientôt Magicien, de Raymond Feist, qui est paru chez Marvel. ;o)

- Je termine toujours en demandant à mon interlocuteur quel super-pouvoir il choisirait dans la vie réelle. Attention Claire, vous n’êtes pas obligée de porter un costume en latex et tout, vous décidez du look ET du pouvoir. ;o)
Quel serait votre choix ?
- Comment ça, pas de costume ? Mais quel intérêt, si on n’a pas la tenue ? Je n’aurais jamais imaginé devoir me poser la question (parce que oui, vous m’avez amenée à y réfléchir pour de vrai !)… Alors, si on écarte les trucs un peu mégalo, du genre Gardien de l’univers, je suis tentée par des pouvoirs de métamorphe. Ce qui règle le choix du costume. Et ça tombe bien, on en aurait pour des heures !

- Merci infiniment Claire d’avoir pris le temps de venir parler de ce qui nous passionne tous ici : les comics et la manière dont ils sont adaptés en France.
- Merci à vous !

Le site de Milady Graphics

Dark Reign : Chasse aux Sorcières

2009-11-08T16:12:00.003+01:00

Le Dark Reign #2, sorti hier, nous permet de découvrir une nouvelle série et d'assister au retour des Thunderbolts. Avec bien sûr la suite de Dark Avengers. Tout de suite, le point sur les meilleures séries Marvel du moment.

On commence avec le deuxième épisode de Dark Avengers. Brian Michael Bendis au scénario, Mike Deodato au dessin. Le mois dernier nous avions vu l'équipe se former, cette fois nous assistons à la première mission et aux premières scènes de "vie de groupe". Cette opération embarrasse un peu Osborn puisqu'il s'agit de porter secours à un Fatalis qui se fait attaquer lors de son retour en Latvérie. Le nouvel homme fort des Etats-Unis ne peut rester l'arme au pied en assistant à l'écrasement de son allié (rappelons qu'il a demandé à Fatalis de faire partie de la Cabale, cf Dark Reign #1).

Il n'y a plus ici l'excitation due à la composition de l'équipe mais l'histoire se lit avec plaisir. On a le droit à quelques vannes et grincements de dents (mais il fallait s'en douter vu le caractère des membres). Surtout, on voit de nouveau le rouleau compresseur Sentry en action. Et il ne fait pas dans la demi-mesure ! On savait qu'il pouvait se montrer très efficace (cf scène #2 des Combats d'Anthologie), mais cette fois il semble surtout particulièrement déboussolé. Au point de faire confiance à Norman Osborn pour juger de la bonne moralité de ses actes, ce qui n'est sans doute pas un très bon choix.

Graphiquement c'est franchement beau, voire spectaculaire, mais on connaissait déjà les capacités du bonhomme.

On poursuit avec les débuts de la nouvelle on-going Secret Warriors. Toujours Bendis associé cette fois à Jonathan Hickman au scénario, la partie graphique étant assurée par Stefano Caselli.

Nick Fury sort donc de sa clandestinité pour reprendre du service et diriger le petit groupe qu'il avait formé pendant Secret Invasion. Les personnages étant peu connus, un petit rappel de leur identité et de leurs pouvoirs n'aurait pas été superflu. En gros nous avons Quake, qui possède des pouvoirs sismiques, Druide, dont les dons sont basés sur la magie, Lance-Pierre (dont le prénom est... Yoyo) qui peut courir jusqu'à un point et revenir à son point de départ (comme dirait Mr Honey Bunny, nous aussi on peut le faire ça !), Muraille (Stonewall en VO), le gros balèze du groupe, Feu d'Enfer (Hellfire), qui manipule une chaîne enflammée et enfin Phobos, demi-dieu de la peur, qui se trouve être un gamin de 12 ans s'éclatant sur X-Box.

Bon, équipe sympa mais tout dépendra de ce que les scénaristes en feront. Pour l'instant, il est encore un peu tôt pour se faire une idée bien nette des personnalités et relations entre les protagonistes. Notons que ces derniers sont tous plus ou moins des fils ou petits-enfants de persos secondaires.

L'épisode se termine sur une révélation assez énorme que je ne vais pas dévoiler mais dont nous pourrons parler éventuellement dans les commentaires (car cela me paraît bien gros quand même). En tout cas, une bonne entrée en matière globalement, et un grand plaisir à retrouver un Fury "larger than life" qui en impose au président lui-même.

On en arrive aux Thunderbolts dont on peut retrouver deux épisodes. Il y en aura encore deux dans la revue du mois prochain, ceci afin de synchroniser la série avec les évènements actuels. En effet, Panini a pris un peu de retard, du coup Strucker par exemple est encore en vie et les Dark Avengers ne sont pas encore formés.

Le scénario est signé Andy Diggle et les dessins sont de Roberto de la Torre.

Première impression : ça se lit toujours aussi bien. En fait, depuis Civil War, cette série a toujours su maintenir une qualité constante. Il est intéressant d'ailleurs de constater que ce sont souvent les séries secondaires, avec des personnages peu connus du grand public, qui se révèlent les plus agréables à lire (on avait pu se rendre compte du phénomène avec Avengers : The Initiative ou encore Runaways) alors que certains titres phares ont parfois bien du mal à trouver un second souffle (Amazing Spider-Man actuellement et je ne parle même pas du Hulk de Loeb).

Bref, il s'agit ici d'une période de transition pour les Thunderbolts, certains vont rejoindre Osborn et les autres... eh bien les autres vont passer un sale quart d'heure puisque Norman a décidé de faire le grand ménage derrière lui et de dissoudre le groupe au sens propre. De bons moments avec un Bullseye toujours aussi détestable, une Opale délicieusement cruelle et une Songbird qui va avoir droit à une déclaration d'amour et une tentative de meurtre ! Voilà qui lui fait des journées bien remplies.

Enfin, mention spéciale pour les très belles covers de Francesco "Matt" Mattina.

Un excellent mensuel, sans doute la revue la plus homogène du moment niveau qualité.

- Vous savez, la plupart des gens ont l'humilité de respecter le bureau... sinon l'homme... quand ils entrent ici. Avez-vous oublié tout cela colonel Fury ?

- J'ai été dans cette pièce avec Eisenhower, Truman, Kennedy, Reagan, Johnson... Nixon... vous connaissez la liste. Ce taudis a perdu de son éclat.

Le président des Etats-Unis d'Amérique et le colonel Nicholas Joseph Fury, sous la plume de Hickman.

ps : j'en profite pour vous signaler le changement d'adresse du tout nouveau site Comixity sur lequel vous pourrez retrouver les podcasts de Steve, Mig, Claire et Mr Honey Bunny (avec des chroniques sur les sorties librairie dans la dernière émission en date).

Angoisse au fond des mers

2009-11-06T18:20:00.000+01:00

Une excellente mini-série, Namor - Voyage au fond des mers, débarque dans la collection Marvel Graphic Novels. Ne vous laissez pas abuser par le titre, l'atlante, bien qu'au centre des préoccupations, est relativement peu présent dans ce thriller des profondeurs.

1950. Randolph Stein est un éminent scientifique et un explorateur expérimenté. Il vient de rentrer de l'Himalaya où il a réuni assez d'éléments pour démontrer que l'abominable homme des neiges n'existait pas. Après l'une de ses conférences, on lui propose une autre mission : s'attaquer au mythe de l'Atlantide. Et découvrir ce qui est arrivé à la précédente équipe dont le dernier message était plus qu'inquiétant.

Stein accepte et embarque à bord du Platon, un sous-marin des plus modernes pour l'époque.

Alors qu'ils approchent de la fosse des Mariannes, les hommes d'équipage sont de plus en plus nerveux. Au-delà, il n'y a que les Eaux Noires. Une terra incognita dont on dit qu'elle est protégée par Namor. Certains prétendent même que le Titanic a coulé parce que l'un des passagers possédait une carte qui datait de l'antiquité et qui embarrassait le souverain des Mers. L'esprit cartésien de Stein affronte alors les superstitions des marins. La tension monte tandis que le submersible s'enfonce plus profondément dans les ténèbres.

Mais l'homme est-il vraiment fait pour ce monde froid et noir ? Le bon sens peut-il tenir longtemps contre l'angoisse des profondeurs ? Stein va bientôt réaliser qu'il est des mythes dont il vaut mieux ne jamais s'approcher.

Eh bien voilà la très très bonne surprise du mois ! Au départ, je ne vous le cache pas, un récit sur Namor ne m'attirait pas plus que ça. Et c'est d'abord le dessinateur, Esad Ribic, qui m'a convaincu de regarder d'un peu plus près ces cinq épisodes. L'artiste avait déjà fait largement la preuve de son talent sur Loki ou Silver Surfer : Requiem, il confirme ici son exceptionnelle facilité à rendre ses planches aussi expressives que fascinantes.

Les vues du fond des océans sont notamment parfaitement maîtrisées, Ribic parvenant à rendre l'impression de gigantesque masse liquide et de profondeur abyssale au travers d'éclairages diffus, de silhouettes et autres jeux d'ombres. Le sous-marin, avec ses recoins et son éclairage blafard, prend lui aussi très vite des allures inquiétantes. Quant à Namor, il a rarement été aussi impressionnant (bien autre chose que la version de Maleev que l'on a pu voir récemment dans Dark Reign).

Autrement dit, du point de vue visuel, c'est un pur régal.

Et comme il ne s'agit pas juste d'un artbook, c'est là que Peter Milligan (Toxin) entre en scène. L'auteur va faire lentement monter la tension et mettre à profit le stress particulier découlant du confinement des protagonistes. Tout au long du récit, Milligan joue habilement sur les légendes aussi bien que le possible délire des personnages, faisant naître ainsi le doute chez le lecteur qui ne sait jamais s'il faut pencher pour les explications rationnelles ou la possibilité de l'incroyable existence de l'Atlantide.

Au final, l'on aboutit à une ambiance tendue et effrayante qui dépasse en intensité les ouvrages de la collection Dark Side, pourtant censés nous faire frissonner. Ajoutons à cela que l'accessibilité pour les nouveaux lecteurs est totale, Namor n'étant ici finalement qu'un prétexte pour rattacher à l'univers Marvel une histoire qui échappe totalement au genre super-héroïque classique.

La traduction de Sophie Watine-Vievard s'avérant correcte, c'est une raison de plus de s'embarquer pour cet étrange voyage, avec un ticket à 17 euros tout de même. Reste que si les amateurs se cantonnent au titre et à la cover, ils risquent de se priver d'une très belle mini-série.

Une histoire originale et très efficace servie par de sublimes graphismes.

- Vous ne devriez pas être en train de manoeuvrer le vaisseau Nelson ?

- Au début, il s'agit juste de se laisser couler. Mon salaire, je le gagne en remontant.

- Ah. Parfait. C'est incroyablement beau ici. L'eau est si limpide, si translucide.

- Profitez-en Doc. Bientôt, il fera bien plus noir...

Stein et Nelson, sous la plume de Peter Milligan.

Marvel Omnibus : Daredevil par Frank Miller

2009-11-05T16:49:00.003+01:00

Le dernier Marvel Omnibus en date est consacré à un Daredevil dessiné et surtout écrit par Frank Miller. Rencontre entre un auteur mythique et un personnage qui ne l'est pas moins.

La première constatation qui vient à l'esprit lorsque l'on a l'ouvrage en main c'est qu'il ressemble à un "bébé" Omnibus. En effet, comparé aux autres livres de la collection, notamment les deux tomes de la Saga du Clone, il est bien léger et moitié moins gros (je vous ai mis une petite photo comparative à la fin de cette chronique). Par contre le prix, lui, reste identique. Rien n'empêchait pourtant Panini de faire une sorte de sous-catégorie, un peu comme à la manière des Mini-Monster...

On déshabille ensuite la bestiole pour constater que, sous la fragile jaquette, une hardcover non illustrée nous attend. Cependant, à la différence des Deluxe, le côté sobre est ici assez élégant. Même la tranche rouge et noir a de la gueule.

Passons maintenant au contenu.

On commence ce spécial Daredevil par deux épisodes de... Spectacular Spider-Man ! Voilà qui surprend un peu mais en fait le Diable Rouge est bien présent dans cette histoire dont l'attrait principal est d'être dessinée par Frank Miller en personne. Malgré le fait que ce travail date de 1979, le style est déjà plutôt moderne et dynamique même si, évidemment, on reste sur quelque chose de beaucoup plus classique qu'un Sin City. On poursuit par Badlands, cette fois un récit bien tiré de l'on-going Daredevil où Miller fait équipe avec John Buscema.

Tout cela fait office de hors-d'oeuvre avant d'attaquer la première saga culte : Born Again. On est cette fois dans les années 80 et c'est David Mazzucchelli que l'on retrouve aux crayons. Miller va torturer le pauvre Matt Murdock en le dépouillant peu à peu de tout ce qui compte pour lui. Le Caïd a en effet découvert l'identité de Daredevil et il se sert de cette information pour anéantir son ennemi. Rayé du barreau, sans le sou (le fisc a gelé ses comptes), quitté par sa petite amie, Murdock touche le fond et va même jusqu'à errer tel un clochard. La pauvre Karen Page, en junkie au bout du rouleau prête à tout pour une dose, n'est pas épargnée non plus. Pour l'époque (et surtout avec une telle série), c'est tout de même assez inhabituel. Et même si l'ensemble a un peu vieilli (ça date quand même de plus de vingt ans), cela reste tout à fait intéressant à lire. On ne peut d'ailleurs s'empêcher de faire un parallèle avec la nouvelle descente aux enfers qu'un certain Bendis fera subir bien des années plus tard au même personnage.

Pas le temps de souffler que l'on enchaîne déjà avec Love and War, un Grapic Novel de Miller, superbement dessiné par Bill Sienkiewicz. Le récit oscille entre folie et désespoir mais, surtout, le Caïd y dévoile cette fois une faille qui, malgré son côté répugnant, le rend un peu plus humain. Sa représentation visuelle, surréaliste et énorme, en fait une sorte d'ogre monstrueux, massif, inébranlable et pourtant épouvantablement seul. Une pleine planche le représentant assis, courbé sous le poids de la peine et de son corps immense, tenant dans ses mains la photo de celle qu'il aime, est d'une puissance rare. Le cadrage, avec une vue de dessus qui amplifie encore l'isolement et la masse du criminel, est lui aussi parfait. Ce n'est pas le seul choc visuel que Sienkiewicz parvient à assener et plusieurs de ses planches méritent que l'on s'attarde longuement dessus.

On termine enfin avec le plus récent The Man Without Fear, une saga qui avait déjà été rééditée récemment (en 2008) dans les Incontournables Marvel (cf cet article). Miller creuse ici un peu les origines du protecteur de Hell's Kitchen, de son enfance à sa première rencontre avec Elektra en passant par la mort de son père et sa période étudiant. Idéal pour ceux qui ne connaîtraient pas le personnage même si certaines parties auraient pu être plus étoffées. Pour les dessins, c'est cette fois John Romita Jr qui s'en charge. Il y a du bon et du mauvais, c'est du Romita quoi.

Panini ne pouvait décemment pas en rester là et, du coup, l'éditeur a ajouté quelques bonus. En vrac on peut citer les covers, un carnet de croquis de Mazzucchelli (en fait c'est la version crayonnée d'un épisode), un prologue de quatre planches par Romita, deux planches non utilisées (version encrée et colorisée), un article sur The Man Without Fear tiré d'un Marvel Age et deux ou trois petites bafouilles de l'éditeur ou des auteurs. C'est toujours sympa mais ça reste tout de même un Omnibus particulièrement mince. Autrement dit, à réserver aux fans absolus de Daredevil ou de Frank Miller. Personnellement, j'ai plus un faible pour l'auteur que le personnage. Miller est un visionnaire, d'une grande intelligence, possédant une intégrité et un haut sens moral rare dans un milieu où il est de bon ton de se conformer aux modes et de suivre le troupeau. Je vous invite d'ailleurs à relire cette chronique le concernant pour m'éviter de radoter. ;o)

Pour en terminer avec ce vieux Frank, je dirais qu'il a réussi à faire mentir un Rousseau qui prétendait que pour oser dire de grandes vérités, il ne fallait pas dépendre de son succès. Miller a toujours manié le Vrai, même et surtout après être devenu culte et populaire. Peut-être parce qu'il a su exprimer ses idées avec finesse et habileté, sans gros sabots et coups de marteau inutiles. N'est-ce pas à cela que l'on reconnaît un grand écrivain ? Tout contrôler et donner pourtant l'illusion au lecteur qu'il est absent, se dissoudre entre les pages, comme porté par le léger vent qu'elles produisent lorsqu'elles se tournent, tout cela pour parvenir à éclairer un instant des regards inconnus que jamais il ne croisera.

Sacré boulot quand on y pense...

"L'auteur dans son oeuvre doit être comme Dieu dans l'univers, présent partout et visible nulle part."

Gustave Flaubert

Cherchez l'erreur...

L'Araignée est fatiguée

2009-11-03T17:31:00.000+01:00

Sortie aujourd'hui du Spider-Man #118 qui devrait facilement vous faire économiser un voyage à la pharmacie si vous souffrez d'insomnie.

On a bien droit ce mois à trois épisodes d'Amazing Spider-Man, fait assez rare pour être souligné. On commence avec un arc en deux parties de Mark Waid (scénario) et Marcos Martin (dessin). Spidey se retrouve dans le métro en compagnie d'un jury se rendant sur une reconstitution. C'est bien crédible ça déjà, embarquer les jurés dans le métro... enfin, bref, ils sont attaqués par le Shocker, un vieil ennemi du Tisseur qui bosse maintenant pour Karnelli, un mafieux impliqué dans le procès.

Alors bon... le Shocker se prend une raclée puis se tient assez tranquille pendant que Spidey essaie de trouver la sortie. Ah oui parce qu'en fait il y a eu un éboulement qui a coupé leur wagon du reste des voyageurs. Et comme ils sont sous l'East River, ils ont peur de finir noyés. Sauf qu'on n'y croit pas du tout et qu'au lieu d'un enjeu dramatique, un profond ennui se dégage de ces deux épisodes (qui pour le coup paraissent bien longs).

On enchaîne avec un one-shot scénarisé par Roger Stern et dessiné par Lee Weeks. Parker y affronte cette fois un vilain de seconde zone baptisé Monochromatik. Trip à l'ancienne, avec des origines vites expédiées et des braquages de banque ridicules (nous quand on doit faire un retrait en liquide important, faut prévenir trois jours avant, mais les super-vilains trouvent toujours des billets qui traînent). En plus, qui donc se trouve dans la banque pendant le braquage ? La tante May ! Et allez, ça faisait longtemps ! Rhoo, il est pas content le Peter. Qui c'est qu'a fait peur à la tantine, hein ? Hou, il va s'énerver tout rouge le Peter. Il va pas sacrifier sa femme parce que c'est déjà fait, mais il est pas jouasse quoi.

Je crois qu'à un moment je me suis évanoui. De tristesse.

Et enfin, on a un épisode tiré de Spider-Man Family qui, du coup, ne paraît pas si mal que ça. Déjà faut le faire, parce qu'avec les sélections de Panini, c'est pas souvent qu'un Family se hisse au niveau d'Amazing. Alors être meilleur... l'histoire reste dispensable mais à la limite, c'est un peu doux-amer, la fin est pas mal, ça pose même un peu le problème de l'égoïsme de Parker. Au point où on en est, ça passe. John Arcudi au scénario, Ramon Bachs au dessin.

Tout de même, ce n'est pas avec ça que l'on va sauter au plafond. Je crois que depuis que je relis régulièrement Spider-Man, donc bien six ans, dans les eaux là, c'est la première fois que je m'ennuie à ce point. Autant tisser dans un violon...

Un Spider-Man sans intérêt et même quelque peu énervant par certains aspects.

Si vous devez faire attention à votre budget ce mois-ci, vous pouvez passer à côté de cet achat sans aucun regret. Et même en ricanant un peu.

L'homme qui aimait la guerre (débuts de Marvel Max)

2009-11-01T16:07:00.004+01:00

Petit retour au début des années 2000 avec Fury : Lève-toi et marche, une mini-série qui inaugura à l'époque la ligne Max.

Nick Fury s'ennuie. Il n'est plus sur le terrain. Les temps ont changé et le voilà bombardé "directeur exécutif du planning opérationnel initial et intermédiaire". Pas vraiment la place d'un vieux bourlingueur.

Lorsque Nick rencontre Rudi Gagarine dans un bar, les deux hommes évoquent leurs anciennes guerres secrètes. Etats-Unis contre Union Soviétique, SHIELD contre Hydra. Le bon vieux temps des manipulations, des opérations commando et des assassinats. Pour se remettre en selle et faire passer ses élans nostalgiques, l'ancien ennemi de Fury va l'entraîner dans un conflit qui risque de dégénérer rapidement. Une petite île du pacifique est bientôt un objet de tension internationale. Une république communiste est mise en place, Cuba et la Chine la soutiennent, les Etats-Unis menacent d'intervenir.

Fury va avoir sa guerre.

Des gens vont mourir mais ça n'a pas d'importance. Pas vraiment. Car Fury sait qu'au final, quels que soient les gagnants, le monde sera toujours aussi merdique.

Le label Max chez Marvel est parfois comparé à la ligne Vertigo de DC Comics. Il est vrai que les deux collections ont en commun un matériel adulte, parfois très dur, des auteurs qui peuvent laisser libre cours à leurs penchants les plus extrêmes et une prise de liberté avec la continuité et les univers de référence de leurs éditeurs respectifs. Toutefois, à part de rares exceptions (comme le récent War is Hell), les comics publiés sous le label Max gardent un lien très net avec le marvelverse, notamment par l'intermédiaire de ses personnages. Pour ouvrir le bal, c'est donc Nick Fury que Garth Ennis (The Authority, The Boys, Punisher, La Pro, Just a Pilgrim) au scénario et Darick Robertson au dessin vont mettre en scène.

Des choix loin d'être innocents puisque si Fury est connu pour sa rudesse et con côté rentre-dedans, Ennis est lui un spécialiste des récits violents et transgressifs. L'idéal donc pour se démarquer d'entrée de jeu des gammes plus "gentillettes" et orientées tout public.

Les habitués reconnaîtront ici quelques tics de Garth Ennis au niveau des personnages : le loser un peu décalé et poissard qui gonfle tout le monde (ici le neveu adoptif de Fury, qui peut faire penser au Soap de la série Punisher (cf scène #31 du Bêtisier)) ou encore le quasi monstre de foire, à la fois drôle et pathétique (Fuckface, qui évoque le Tête-de-Fion de Preacher). L'on retrouve également l'ultra-violence ou les allusions sexuelles plus ou moins appuyées chères au scénariste mais, surtout, l'on peut déjà sentir l'acidité du propos derrière l'exubérance des scènes.

Car Ennis est tout sauf un chantre du politiquement correct auquel certains auteurs anglais cèdent si facilement et depuis si longtemps en se donnant des airs de rebelles éclairés. Cela ne veut pas dire qu'Ennis est sans reproche. Il utilise aussi ici quelques facilités (ou des raccourcis disons) idéologiques, mais il n'aboutit pas forcément à des conclusions angéliques et monolithiques pour autant. La frontière entre ses "méchants" et ses "gentils" est mince, ses héros sont cassés, aigris, ils ont les mains sales et la conscience qui taraude. Ennis n'hésite pas à dire à ses lecteurs qu'un héros, c'est tout sauf Tintin. Un héros c'est un type qui baise, qui picole, qui a de la merde sous les ongles et qui serre les dents lorsqu'on lui demande de sourire devant les caméras.

Et cette volonté de briser l'imagerie classique du bon samaritain, d'aller au-delà des apparences, est tout à fait respectable. Mieux, c'est un souffle frais qui rend les planches plus légères et l'histoire plus profonde.

Niveau graphisme, l'on est dans du classique, semi-réaliste, ni époustouflant ni moche. Quelques scènes plutôt osées (comme un type qui se fait étrangler avec ses propres intestins, rare ça tout de même) justifient tout à fait l'avertissement présent sur la couverture.

Reste la traduction... et là, c'est pas triste. Pour l'identité de la traductrice, je vous le donne en mille... eh oui, c'est ma grande copine, la championne du monde, la déesse de la "translation" : Geneviève Coulomb. Alors si vous ne la connaissez pas, comment vous dire... imaginez une Eve Angeli sous acide en train de lire Nietzsche dans le texte et vous aurez une idée du niveau d'incompréhension totale et de nullité crasse que peut atteindre Coulomb. Entre autres exploits, c'est également elle qui est à l'origine du fameux "09 novembre" et de la désastreuse adaptation de Elektra & Wolverine.

Ici, elle continue de maltraiter des auteurs qui ne lui ont rien fait. Niveau erreurs, y'a un peu de tout, je vais donner quand même quelques exemples. Un truc récurrent chez elle, c'est les expressions "presque" bonnes. C'est à dire que l'on comprend ce qu'elle a voulu dire mais il manque tout de même toujours un petit quelque chose pour que la phrase soit correcte, genre "les troupes ont d'ordre de se borner à observer", ou encore "nous n'enverrons pas les marines avant plus ample informé". Et même quand c'est plus ou moins juste sur le plan de la langue, on retrouve les magnifiques tournures dont elle a le secret (ceux qui ont survécu au Elektra & Wolverine que j'évoquais plus haut savent ce qu'est la souffrance presque physique qu'engendrent les écrits coulombiens pour le lecteur). Mais parfois, ça devient drôle. Comme quand elle doit traduire une heure exprimée par des militaires. Or, visiblement, elle ne sait pas du tout comment faire. Et, comme à chaque fois qu'elle est devant un truc qu'elle ne comprend pas - autant dire souvent - au lieu de chercher à savoir, elle tente le coup en improvisant. Ce qui donne "décollage à 1300 heures". Au bout d'un moment, elle se rend compte que c'est un peu foireux, alors elle change carrément de méthode en cours de route (mais sans corriger ce qu'elle a fait avant) ! Elle passe donc des chiffres aux lettres, et là on a un "zéro-huit-cents heures" qui ne veut toujours rien dire (la traduction correcte serait "huit zéro zéro" dans le jargon militaire).

Enfin bon, la nullité à ce point là, ça peut faire sourire, mais c'est tout de même assez grave qu'une telle personne (ne connaissant rien à l'anglais ni à la langue française et n'ayant aucune conscience professionnelle) puisse être bombardée traductrice et même être payée pour un tel résultat. Honnêtement, on a plus envie de lui balancer une quiche au fromage en travers de la gueule que de lui signer un chèque. Après, niveau culinaire, c'est suivant ce que vous avez sous la main.

Une saga sympa et presque historique puisque marquant le début d'un label important pour Marvel. Avec Ennis, ce qui est un plus indéniable, et Coulomb, qui est un concept à elle toute seule.

Sortie du premier épisode de Haunt en VF

2009-10-30T15:24:00.000+01:00

Le tant attendu Haunt débarque dans Les Chroniques de Spawn #27. Premières impressions sur les effets du cocktail Kirkman/McFarlane.

Nous avions eu l'occasion de voir quelques planches le mois dernier (cf cet article) et c'est maintenant le premier épisode de Haunt que nous pouvons découvrir. Signalons d'ailleurs la rapidité de réaction de Delcourt qui colle au plus près de la parution US.

L'histoire tout d'abord. Daniel Kilgore est un prêtre qui a des relations plutôt tendues avec son frère, Kurt. Et pour cause, ce dernier est en fait un agent secret qui doit parfois s'arranger avec la morale - et accessoirement descendre quelques gusses - lors de ses missions. Pendant l'une d'elles, Kurt découvre d'horribles expériences perpétrées par un salopard qui n'a rien à envier à un Mengele. Pas tellement le genre de toubib que vous avez envie d'avoir comme médecin traitant quoi. Sur l'impulsion du moment, Kurt lui loge une balle en pleine tête. Là, les ennuis commencent. Non seulement pour Kurt qui va se faire enlever, torturer et assassiner (on peut difficilement avoir une pire journée, sauf peut-être en lisant Christine Angot), mais aussi pour son curé de frère qui va tomber sur des sbires peu commodes et bien décidés à faire le ménage dans la famille Kilgore.

Alors, l'idée de départ est de Todd McFarlane qui s'occupe également de l'encrage, le scénario est de Robert Kirkman, le découpage et les crayonnés sont de Greg Capullo, les dessins de Ryan Ottley, la colorisation de Fco Plascencia et la réception et la mise de côté de Stéphanie, ma buraliste. Inutile de dire que l'on attendait au tournant les auteurs de Spawn et The Walking Dead. Et pour l'instant, l'association a l'air de fonctionner plutôt bien.

Evidemment il est difficile de juger de la qualité de la série sur un seul épisode, néanmoins le début est accrocheur. Le style est musclé, violent même, le graphisme assez sympa et le récit installe rapidement des personnages que l'on sent assez noirs, pleins de rancoeurs et de lourds secrets. Haunt en lui même ne fait ici qu'une brève apparition mais il fait déjà preuve d'une jolie habileté pour massacrer son prochain. Comme souvent, Delcourt a bien fait les choses puisque l'on retrouve une petite rétrospective sur le parcours de McFarlane (4 pages) et un mot de Kirkman qui nous invite à relever des détails cachés qui paraîtront certainement plus évidents dans les prochains numéros. On a également une page de présentation et des infos sur les ventes aux Etats-Unis. Bref, des petits plus sympathiques qui prouvent que l'on peut également soigner le contenu des comics destinés aux kiosques. Ce n'est pas le cas de tout le monde...

En plus de Haunt, la revue contient deux épisodes de l'on-going Spawn, la suite de Spawn : Book of the Dead ainsi que quelques infos, qui vont des sorties US au Lille Comics Festival en passant par de courtes chroniques sur diverses publications ou même un court-métrage.

Un nouveau titre prometteur mêlant espionnage, action et fantastique. A suivre de près.

Les Chroniques de Marvel : de 1939 à aujourd'hui

2009-10-28T16:40:00.004+01:00

Avec l'énorme pavé intitulé Les Chroniques de Marvel - de 1939 à aujourd'hui, Semic nous propose un fantastique voyage au travers de plusieurs décennies d'aventures éditoriales.

Les fans du marvelverse ne manquent pas d'encyclopédies consacrées à leur passion. Qu'ils soient centrés sur un personnage, une équipe ou une série particulière, les ouvrages sont déjà plutôt nombreux. Semic augmente pourtant encore ce mois-ci le choix offert aux lecteurs avec cet imposant livre se donnant l'ambitieuse mission de retracer le parcours de notre chère Maison des Idées, de sa création - sous le nom de Timely Comics - en 1939, jusqu'à nos jours.

Vous l'aurez compris, notre balade au sein de l'univers Marvel se fera donc par ordre chronologique. Globalement, chaque année commence par un petit résumé des faits marquants, suivi ensuite d'une description mensuelle plus détaillée et abondamment illustrée. Un petit plus non négligeable : un bref rappel des évènements de l'époque (politiques, économiques ou encore culturels) permet régulièrement de resituer les comics dans leur époque.

Alors, bien entendu nous allons suivre les grandes périodes de Marvel et les bouleversements éditoriaux qui ont façonné l'éditeur, comme l'arrivée d'auteurs marquants, le lancement de nouvelles séries, la création du Comics Code Authority, mais nous pourrons également nous remémorer les évènements clés issus de l'imagination des scénaristes, comme le mariage des Richards, l'arrivée de Galactus ou la mort de Gwen Stacy. Si vous êtes déjà un connaisseur du marvelverse, rassurez-vous, les personnages secondaires ne sont pas oubliés et vous aurez la satisfaction de retrouver, entre autres, les premières apparitions d'un Howard the Duck ou d'une Silver Sable.

Evidemment, avec l'arrivée de Spider-Man, Hulk, les Fantastic Four, les X-Men ou Iron Man, les années 60 tiennent une place respectable dans l'histoire marvelienne. Les super-vilains ne sont pas oubliés non plus, avec Magneto, le Bouffon Vert ou Fatalis. Leurs premières apparitions ou leurs faits marquants sont à chaque fois brièvement résumés, avec quelques explications sur le contexte, les auteurs et la série dans laquelle ils sont publiés.

Il faut l'avouer, le voyage ne manque pas de charme et d'étapes mythiques. Secret Wars, The Infinity Gauntlet, Age of Apocalypse, toutes les grandes sagas sont évoquées, jusqu'aux plus récentes d'ailleurs puisque les auteurs abordent également House of M, Civil War et même Secret Invasion.

Evidemment, les parties les plus intéressantes risquent d'être celles que vous connaissez le moins. Les premières années notamment, avec une plongée dans des styles aussi variés que le western, la romance ou la comédie pure, devraient permettre aux plus jeunes (et même aux moins jeunes d'ailleurs) de découvrir de nombreux titres et personnages méconnus ou tombés dans l'oubli. C'est un véritable plaisir de pouvoir ainsi jeter un oeil aux covers de l'époque ou à de courts extraits. Signalons à ce sujet deux superbes planches de la première aventure de Namor (Sub-Mariner) dans Marvel Comics #1. Par contre, lorsque l'on maîtrise mieux le sujet, pour ce qui est des sagas plus récentes, les résumés pourront sembler parfois un peu brefs voire approximatifs. Ce qui nous amène aux points négatifs de l'ouvrage.

Tout d'abord, l'on peut s'étonner de l'absence totale de sens critique. Ainsi par exemple, alors que plusieurs petits articles sont consacrés à la Saga du Clone, il n'est jamais fait mention du tollé qu'elle engendra chez les lecteurs et du recul éditorial de Marvel qui s'en suivit à l'époque. Un peu dommage, d'autant qu'il y a prescription et qu'il n'y a nulle honte à reconnaître un cafouillage lorsque l'on présente un bilan général aussi flatteur.

Certaines descriptions sont également parfois incorrectes. Ainsi, Sentry est décrit comme un personnage "simplet et hypra-puissant". Or, s'il est effectivement très puissant, Robert Reynolds est loin d'être un benêt. Il a certes des problèmes psychologiques assez graves, mais en aucun cas cela n'influe sur son potentiel intellectuel. Il est même assez stupéfiant de constater que certains peuvent encore associer, de nos jours, un malade sujet à des troubles psychiatriques avec un imbécile. Les auteurs sont, eux, parfois assez maltraités également. Kurt Busiek se voit appeler à deux reprises "Kurk Bussiek". Dans un autre genre, on nous signale des covers alternatives signées "par Michael Turner ou Turner". Autre information étrange ; à propos du costume de Spider-Man conçu par Stark (le rouge et or), on nous apprend que Stark s'en est servi ensuite pour "ses légions d'araignées écarlates". La vache ! Y'a bien eu les clones de MVP qui portaient cette tenue, mais de là à appeler ces trois gamins des "légions"... ils n'ont pas encore osé proclamer Stark Imperator mais on sent qu'il ne faudrait pas beaucoup les pousser.

Et enfin, on retrouve la si énervante contraction "ç'a" (dont Panini nous abreuve dans les dialogues VF) mais, cette fois, elle apparaît dans un texte descriptif. C'est une première ! Putain mais c'est trop dur d'écrire "cela a" ? Même oralement d'ailleurs, on dit "ça a" et pas "ç'a". Quelle espèce de graine d'abruti inculte faut-il être pour dénaturer à ce point une langue ? Comment peut-on laisser des incapables pareils graver leur imbécillité sans limite sur un support aussi noble que le papier ? Alors merde, une bonne fois pour toutes, "ça" ne s'élide pas devant un "a" ! Jamais ! Nulle part ! Sauf si un taré vous menace avec un putain de calibre .44 et l'exige expressément, là on peut élider dans tous les sens, et avec précipitation même ! Mais, dans des conditions normales : NON !

Ça s'est vu que j'étais énervé ? Bon, ceci dit, même s'il me paraît normal de signaler ces quelques égarements, il ne faudrait pas en déduire que ces chroniques ne valent rien. Il s'agit tout de même d'une mine d'informations - sans doute justes pour la plupart - et d'une incroyable vue d'ensemble sur un éditeur culte ayant profondément marqué les comics et le genre super-héroïque.

Le coffret est vraiment très beau, outre le livre (dont la couverture a été découpée en forme de M), il contient deux lithographies de Jim Cheung (c'est la même en fait, une encrée et l'autre version colorisée). Reste le prix, près de 50 euros quand même, qui n'est certes pas négligeable mais qui semble honnête vu la densité des 350 pages. Et c'est bientôt Noël remarquez...

Une encyclopédie passionnante, richement illustrée, dont la traduction n'est malheureusement pas exempte d'approximations voire de franches libertés prises avec la langue française.

Galerie

(cliquez sur les images pour obtenir la taille réelle)

La Brigade Chimérique ou la fin des super-héros européens

2009-10-26T16:06:00.002+01:00

Trois volumes de La Brigade Chimérique étant déjà parus, intéressons-nous un peu à cette ambitieuse série française qui revisite habilement les grands mythes de la littérature populaire.

Au coeur des alpes autrichiennes se dresse la ville secrète de Metropolis, future capitale des surhommes du Dr Mabuse. Ce dernier a réuni l'essentiel de la communauté surhumaine. Il y a le Nyctalope, puissant protecteur de Paris, et son allié, l'aviateur anglais plus connu sous le pseudonyme d'Accélérateur. Il y a également les mécanoïdes soviétiques, dont l'un abrite Irène Joliot-Curie. La Phalange, un ancien officier de l'armée espagnole et Gog, l'homme le plus riche d'Europe, tout deux alliés de Mabuse, sont aussi présents.

Le docteur annonce ses vues à l'Est. Il compte étendre son emprise hypnotique sur Prague. Puis Dantzig. Car qui mourrait pour Dantzig ?

Une fois rentrée en France, Irène va retrouver une vieille connaissance : Jean Séverac, un médecin que sa mère a soigné pendant 16 ans, alors qu'il était dans le coma. Ensemble, ils vont découvrir les secrets de l'institut du Radium. Pourquoi Marie Curie a-t-elle confié Paris au Nyctalope alors qu'elle disposait de la toute puissante Brigade Chimérique ? Quelles terribles menaces se cachent derrière la superscience ? Qui ment ? Qui tire les ficelles ?

Comme l'explique Serge Lehman sur ce site, cette saga a pour origine une question, elle-même issue d'un manque : pourquoi n'y a-t-il pas, en Europe, de super-héros de la trempe d'un Batman ou d'un Spider-Man ? Pourquoi ce genre est-il, chez nous, passé presque totalement inaperçu ? L'auteur va creuser ce thème avec Fabrice Colin, co-scénariste, en puisant dans la littérature d'avant-guerre. Car les super-héros européens, avec Michel Ardent, Félifax ou Nyctalope, ont bien existé. Mais fort peu ont survécu à la première moitié du vingtième siècle mis à part un Fantomas ou un Arsène Lupin.

L'idée générale de la Brigade Chimérique est donc de transposer cette "perte" des super-héros européens en devenir dans une fiction expliquant leur disparition. Six tomes, regroupant douze épisodes, sont prévus. La moitié d'entre eux sont déjà disponibles.

Le point de départ est donc astucieux et intrigant mais le traitement narratif l'est tout autant. Les auteurs, en plus d'inscrire leur récit dans les évènements historiques que l'on connaît, vont s'imprégner de l'ambiance d'une époque où la science semble promettre l'impossible alors que la superstition et les vieilles croyances n'ont pas encore complètement disparu.

On mélange ainsi Jung, Einstein, l'hypnose ou la radiologie avec des dames blanches, des créatures extraterrestres ou le mythe des vampires, le tout saupoudré d'intrigues politiques. Il en résulte une atmosphère particulière qui parvient à intégrer les grands concepts super-héroïques classiques à la culture européenne. Comme aux Etats-Unis, l'atome et sa manipulation sont utilisés comme éléments déclencheurs mais on va leur ajouter les gaz de combat de la Grande Guerre ou encore les débuts de la psychanalyse. Les personnages principaux vont, par exemple, être confrontés à une créature dont l'expansion (à travers le réseau électrique) représente un danger pour la société alors que son but est, avant tout, de devenir consciente d'elle-même, de se réaliser. En combattant les symptômes, les surhumains créent involontairement eux aussi un danger qui est annulé s'ils optent pour un travail permettant à la créature de "rentrer chez elle", autrement dit de se retrouver. Comme le dit l'un des personnages, il s'agit de faire "confiance à la vie", une métaphore illustrant parfaitement la confiance jungienne dans la psyché humaine et ses capacités d'autoguérison.

Autrement dit, oui, on est dans du French Comics haut de gamme, avec de l'action, du suspens mais aussi du sens et de très nombreuses références, que ce soit à des philosophes, des artistes ou des scientifiques.

La partie graphique est assurée par Gess, associé à Céline Bessonneau pour la colorisation. Si dans un premier temps, l'on peut faire un rapprochement avec le style d'un Hellboy de Mignola, le dessin et notamment le découpage prennent ensuite un chemin plus classiquement européen, sans pour autant perdre en intérêt.

Notons au passage les couvertures intérieures, d'une grande beauté.

L'Atalante, puisqu'il s'agit de cet éditeur, a bien fait les choses : élégantes hardcovers, papier glacé, carte avec infos sur les personnages en début et fin de chaque tome. Même la quatrième de couverture est soignée, avec illustration et résumé pour chaque épisode. Au final, sur les trois volumes, je n'ai trouvé qu'une méchante erreur de concordance des temps et un petit décalage, sur une case, au niveau du lettrage. Autant dire rien du tout en comparaison de certains sagouins de l'édition.

Une belle aventure, profondément et intelligemment ancrée dans l'Histoire et les légendes du Vieux Continent.

ps : merci à Vance pour avoir finalement titillé ma curiosité. N'hésitez pas à lire sa chronique du premier tome sur son blog.

Superman - For all Seasons

2009-10-24T18:26:00.002+02:00

Panini réédite ce mois le Superman - For all Seasons du mythique duo Loeb/Sale. Prenons un moment pour regarder passer ces saisons si particulières.

Il peut tordre l'acier, il est insensible aux balles et peut même voler. C'est le plus grand héros que la terre ait jamais porté. Et pourtant, à une époque, il n'était qu'un enfant. Il était entouré de l'amour des siens, allait au lycée d'une petite ville du Kansas et vivait dans une ferme.

C'était chez lui. Mais, bien que des champs immenses s'étendissent jusqu'à l'horizon, l'endroit était trop petit pour lui. Une ville l'appelait. Metropolis.

Commence alors le règne de Superman. Un héros populaire, aimé de tous, admiré. Un ange disent certains. Pourtant, il est des fardeaux si lourds que même un super-héros ne peut les porter seul.

Si Superman est adulé, Clark Kent, lui, se sent à l'étroit dans ce qui ressemble à... une forteresse de solitude.

Voilà l'histoire d'un gamin qui, un jour, a cru qu'il pouvait tout accomplir et qui a fini par grandir et perdre ses illusions. L'histoire d'un gosse qui rentre chez lui pour tenter de trouver des réponses. L'histoire du plus grand héros de notre temps.

Je l'avoue, je ne suis pas un grand fan de l'univers DC et encore moins de Superman. Cependant, avec Jeph Loeb au scénario et Tim Sale au dessin, il est difficile d'éprouver autre chose qu'une saine curiosité et une envie d'être, encore une fois, emporté par la magie qui se dégage de la rencontre de ces deux types. Car le tandem a laissé des traces - jolies d'ailleurs - dans l'esprit des lecteurs avec Batman : The Long Halloween ou encore le magnifique Spider-Man : Blue.

Le comic qui nous intéresse aujourd'hui se rapproche d'ailleurs de ce qu'avaient fait Loeb et Sale sur Spider-Man. Une oeuvre douce, subtile, un peu amère. Quelque chose que l'on aime lire lentement, le soir venu, en se laissant bercer par la nostalgie qui peu à peu nous serre le coeur. Bref, vous l'aurez compris, ce n'est pas une histoire de gros bras ni même un classique récit super-héroïque où un encapé sauve le monde. Non, ici il est question de couchers de soleil, de temps qui passe, de soirées passées à regarder la voûte étoilée sous un vieux porche et d'odeurs de tartes aux pommes. De petites choses essentielles transcendées par ce qui ressemble bien à une poésie moderne, mise en images avec délicatesse et ce souci d'exprimer des sentiments universels qui dépassent, et de loin, le cadre des seuls comics.

Le découpage par saisons est remarquable, d'autant que le narrateur change pour chacune d'entre-elles.

La voix que nous entendons au printemps est celle de Jonathan Kent. La voix du père. Rassurante, aimante, un timbre grave et chaud dont nous savions, étant enfant, qu'il ne pouvait mentir. Rien de bien méchant ne pouvait nous arriver lorsque cette voix résonnait. L'été fait place à Lois Lane. La voix est sensuelle, pleine de promesses et de rêves. C'est l'époque de l'adolescence, où tout semble à portée de main, où rien n'est vraiment impossible. Cette voix qui nous murmurait à l'oreille que bientôt le monde nous appartiendrait. Puis, vient l'automne. Le narrateur est Lex Luthor. C'est un adulte. Il n'a plus rien de rassurant. Il est vieux, aigri, il a compris qu'il ne suffisait pas d'aimer pour être aimé en retour. C'est la voix triste de la maturité et des prises de conscience acides qui la suivent. C'est un son guttural qui nous tord le ventre et nous fait grimacer de douleur.

Et puis enfin, arrive l'hiver. La délivrance. La voix est celle de Lana Lang. Elle est calme, posée. Elle possède ce détachement serein qu'ont les gens qui ont fini par saisir, au moins un peu, le sens des apparentes absurdités de la vie. Elle a accepté les défis et dépassé la souffrance. Elle est le calme après la tempête. La saine fatigue après une vie de labeur. L'apaisement après les larmes.

Et en effet, grâce à cette construction narrative bien pensée, il s'agit un peu de traverser les différents âges d'une vie tout en tentant d'en appréhender l'essence.

Pour apprécier cette histoire, il faut donc se placer en dehors des évènements eux-mêmes (d'ailleurs volontairement mineurs) pour accéder à ce niveau de lecture si particulier où les auteurs nous tendent des perches sans nous les imposer de force en nous les balançant en pleine gueule. Une politesse de bon aloi en quelque sorte.

Tim Sale (dont on peut vérifier l'étendu du talent en feuilletant cet artbook) a bien évidemment une grande part de responsabilité dans la réussite de l'ensemble. Le style rétro qu'il utilise, un peu hors du temps, permet d'aller à l'essentiel dans les scènes les plus spectaculaires, en offrant des gros plans bruts et "old school", ou encore de se perdre, presque à l'infini, dans des détails qui magnifient les moments plus intimes. Il y a un peu la même opposition entre les paysages urbains, froids impersonnels, géométriques, et le tendre fouillis de la campagne. Une manière sans doute de renforcer le propos en mettant en évidence le contraste existant entre la célébrité, les rêves de grandeur, l'illusion des villes, la foule déshumanisée et, de l'autre côté, le foyer chaleureux, les proches aimants, mais aussi les petites imperfections qui font l'attrait des valeurs authentiques et des lieux où l'on se sent bien.

Les couleurs de Bjarne Hansen, éclatantes lorsqu'il le faut, discrètes et plus suggestives sur certaines planches, apportent la touche finale.

La présente édition de Panini ne contient aucun bonus. Pour une oeuvre qui date de plus de dix ans, c'est honteux, d'autant que l'on aurait volontiers troqué la hardcover contre quelques pages supplémentaires sur la genèse du projet par exemple.

De bien belles saisons dont les parfums nous permettent de plonger profondément dans nos propres souvenirs. Tant pis pour Superman. Et tant mieux pour les lecteurs.

"Il faut aimer toutes les saisons. Aussi cruelles qu'elles puissent sembler. Car ce n'est qu'en les regardant passer... que l'on peut vraiment apprécier l'avenir."

Révérend Linquist, sous la plume de Jeph Loeb.

Marvel Zombies : Terre-616

2009-10-23T16:23:00.006+02:00

La suite de Marvel Zombies sort ce mois en 100% Marvel. Et cette fois, l'univers 616 est concerné...

Dans le multivers Marvel, il existe un grand nombre de réalités parallèles. Il s'agit d'univers alternatifs ne se rencontrant jamais. Cependant, il existe également des univers ondulants, pouvant croiser d'autres réalités pendant un laps de temps variant de quelques microsecondes à plusieurs années. Or, la bien connue Terre-616 a maintenant une porte d'entrée, située dans les marais de Floride, qui donne directement sur ce qui se fait de pire en matière d'univers ondulant.

Les zombies sont parmi nous ! Très vite, l'équipe locale de l'Initiative - la Commanderie - est massacrée par les morts-vivants. L'ARMOR (une agence de surveillance des réalités parallèles) prend alors les choses en main. Pour éviter une contamination générale, des agents doivent ramener des échantillons de sang provenant de l'univers des zombies afin de confectionner un vaccin qui protégera les super-héros, principaux vecteurs de propagation de l'épidémie.

Machine Man et Jocaste semblent tout désignés pour cette mission. Après tout, des robots ne devraient avoir rien à craindre des zombies...

Commençons par un petit rappel des faits. Tout commence dans Ultimate Fantastic Four alors que Mark Millar termine son run sur la série et entretient le suspens sur un possible contact entre univers 616 et 1610 (Ultimate). Finalement, la mythique rencontre ne se fait pas et, à la place de leurs doubles "classiques", les Fantastic Four doivent affronter un Reed Richards zombifié. L'idée plait tellement que Marvel saute sur l'occasion pour demander à Robert Kirkman d'écrire une mini-série basée sur cet univers. Le succès étant au rendez-vous, on aura droit ensuite à un crossover entre les zombies de la Maison des Idées et Evil Dead, puis à la suite du titre principal, toujours sous la direction de Kirkman.

Ce tome #4, logiquement intitulé Marvel Zombies #3 (parce qu'en fait, le crossover était un peu à part), voit le tandem Kirkman/Philipps céder sa place à Fred Van Lente au scénario et Kev Walker au dessin.

Pour l'anecdote, avec le sens de la mesure qui caractérise Panini, Van Lente est qualifié, dans l'intro, "d'étoile montante". Heu... essentiellement il a fait du First Class (pas vraiment ce que l'on peut appeler un chef-d'oeuvre), du Marvel Adventures (les trucs pour les enfants là), et il a co-scénarisé du Hercule et X-Men Noir (donc même si le résultat est bon, il n'en est pas seul responsable). Je ne suis pas sûr que ce soit suffisant pour lui balancer du superlatif astronomique.

Autant le dire tout de suite, le concept commence méchamment à s'essouffler. On ne peut plus guère compter sur l'effet de surprise et, surtout, il ne reste plus grand-chose du côté transgressif ou de l'humour noir des premières mini-séries. Là où Kirkman nous montrait un Spidey radotant sa peine d'avoir dévoré sa bien-aimée et sa si chère tante May, ou encore des Vengeurs s'étant partagé Jarvis, Van Lente a bien du mal à faire quelque chose du Caïd ou de Black Bolt, les deux gros méchants de service particulièrement sous-exploités (ça pourrait être n'importe qui d'autre, sauf peut-être pour une vanne sur les cordes vocales de Blackagar).

La seule scène choc, concernant le Caïd, est d'ailleurs assez mal amenée et plutôt gratuite et illogique.

Reste tout de même Aaron Stack, alias Machine Man, qui quitte Nextwave et l'équipe de Ms. Marvel pour venir casser du mort-vivant. Son côté cynique et décalé (bien que là encore ce ne soit pas tellement poussé) permet d'apporter un peu de fraîcheur à ces quatre épisodes.

Graphiquement, Walker s'en sort plutôt bien. A tel point que Marvel aurait été bien inspiré d'échanger sa place avec Stroman, ce qui aurait permis à Peter David d'avoir un vrai dessinateur sur X-Factor et d'enterrer définitivement des zombies qui ont du mal à nous mettre en appétit. Hop, une pierre, deux coups. ;o)

Au final, alors que cet arc visant la terre 616 aurait dû être l'un des plus palpitants, l'on se retrouve avec un récit au suspens inexistant. Et sans les scènes d'anthologie des opus précédents. Bref, pas complètement nul mais bien terne, surtout en comparaison des épisodes de Kirkman.

Wolverine vs Hulk : la bête et la brute

2009-10-21T16:24:00.007+02:00

La mini-série Ultimate Wolverine vs Hulk est maintenant disponible en VF dans le Ultimates hors série #9, paru ce jour. Au menu, jolies surprises et aberrations paniniennes.

Bruce Banner est vivant. Le scientifique qui se transformait en un colosse vert avait pourtant été condamné à la peine capitale après avoir causé la mort de plus de 800 personnes dans une crise de rage. Et le SHIELD avait mis le paquet puisque c'est avec une bombe d'une mégatonne que la sentence avait été exécutée. Mais Hulk a la peau dure et reste une menace.

Voilà pourquoi Nick Fury va s'adresser à Wolverine pour traquer et éliminer ce monstre. Logan est un chasseur né et le challenge d'affronter un tel adversaire est plutôt de nature à l'exciter.

Mais tout n'est pas si simple et les deux hommes qui vont s'affronter au Tibet vont devoir faire face à bien des tourments. Un ancien amour, une blessure qui ne se referme pas, une colère infinie... les deux brutes ont plus de points communs qu'il n'y paraît. Et parfois, pour arrêter de penser aux choses qui font souffrir, le plus simple est de cogner. Fort.

Au départ, une saga regroupant Wolverine et Hulk peut inspirer la crainte de se retrouver devant une longue et grosse séance de baston sans envergure. D'autant que le scénariste, Damon Lindelof, est plus réputé pour ses séries TV que pour sa connaissance de l'univers Marvel. Eh bien voilà une crainte clairement infondée puisque l'on obtient au final six excellents épisodes fort bien écrits.

Nous avons droit, bien sûr, à quelques scènes spectaculaires dessinées par Leinil Francis Yu mais, surtout, nous avons une vraie histoire, bien dialoguée, rythmée et ménageant quelques petites surprises. C'est également l'occasion d'introduire la version Ultimate de She-Hulk. Tant que l'on en est aux guests, signalons également l'apparition de Captain America et Iron Man.

L'on peut trouver dans cette mini-série quelques références à d'anciens évènements, mais ceux-ci restent finalement peu nombreux et souvent bien expliqués, ce qui permet de rendre le tout accessible même à des lecteurs peu habitués à l'univers 1610.

Et justement, même les acharnés du 616 classique devraient jeter un oeil à ce récit tant il se révèle maîtrisé et efficace. En plus de répliques bien senties voire cultes, l'auteur aborde des thèmes qui conviennent parfaitement aux deux protagonistes principaux. La colère, la maîtrise de soi, la dualité de l'être sont évoquées de manière non sentencieuse et même souvent drôle. Parler de choses graves en conservant un ton léger et une forme accessible, voilà une politesse envers le lecteur dont nombre d'écrivains pourraient s'inspirer.

Bon à la rigueur, l'on peut s'étonner de la capacité - poussée à l'extrême tout de même - de Wolvie à survivre dans des conditions très... étonnantes, mais après tout, lorsque l'on est pris au sérieux par un auteur, la moindre des choses, en tant qu'honnête lecteur avide de belles histoires, c'est de lui faciliter la tâche et de fermer les yeux sur certains détails mineurs. Bref, dans l'ensemble c'est bien. Mais, il y a Panini...

Et les vendeurs d'autocollants nous font un petit festival sur ce coup là.

On a les fautes de frappe ("magasines" au lieu de "magazines"), les expressions à la limite de la compréhension et écrites avec les pieds ("j'essayais de redresser ma taille", ah ben oui, c'est dur à redresser une taille !) et une petite nouveauté puisque l'on apprend que l'animal totem de Wolverine est... le blaireau ! On ne sait pas s'il faut rire ou pleurer, ça fait des années que tous les lecteurs savent qu'un wolverine est un glouton et pas un blaireau. Les deux sont certes relativement proches mais le glouton, contrairement au blaireau, a la particularité de vivre en Amérique du Nord lui. Et puis c'est tout de même moins péjoratif en français.

Canada, Wolverine, glouton, y'a moyen de faire le rapprochement sans se péter les synapses quand même. Ah on se demande qui sont les blaireaux hein ! J'attends avec impatience le jour où un traducteur va nous pondre que l'animal totem de Spider-Man est le faucheur.

Et tant que j'en suis à râler, qu'est-ce que c'est que cette manie d'essayer de camoufler les mots grossiers à coup d'astérisques ou d'esperluettes ? A quoi ça sert de mettre un "pour lecteurs avertis" sur la couverture si c'est pour nous saouler avec une pudeur mal placée ? Alors, un exemple magnifique : "je ne sais pas s'ils se battaient ou s'ils b*%saient". Mais, ils croient quoi ? Que si un gamin de 12 ans lit cette phrase, il ne saura pas la compléter ?? Mais il ne manque que deux lettres !!! Il faudrait être un canari pour ne pas comprendre ! Je les imagine au lettrage : "on va enlever le a et le i les gars, comme ça ils seront bien dans la merde..."

Bande de tr*us du c&l !

Une très bonne série qui permet à Panini de se mettre en valeur une fois de plus.

"Ecoute, non seulement je vais te gratter le nez mais je vais remettre ta tête sur ton corps."

Nick Fury, sous la plume de Damon Lindelof

(pas la meilleure réplique mais vous avouerez que l'on a rarement l'occasion de dire ça à quelqu'un)