Articulos con Salsa

El sexo no es sólo una Y

2009-08-27T13:54:00.003+02:00

Los cromosomas o genes no definen la identidad sexual de una persona - El caso de la corredora surafricana Caster Semenya muestra la dificultad de delimitar el género en casos límites

CARLOS ARRIBAS / EMILIO DE BENITO 25/08/2009

En 1980, una bala perdida en un atraco en Cleveland mató a Stella Walsh, que pasaba por allí. En la autopsia se descubrió que aunque viviera como mujer, tenía genitales masculinos. En 1932, sin embargo, nadie había dudado de su feminidad cuando, compitiendo con el equipo polaco, Walsh (nacida Stanilaswa Walasiewicz) se convirtió en la primera mujer que bajaba de los 12 segundos al ganar los 100 metros en los Juegos Olímpicos de Los Ángeles, ni tampoco en el Berlín de 1936, cuando ganó la plata. Nadie dudó y nunca fue sometida a un control de sexo. Se evitó la humillación pública y el trauma posterior. No sufrió lo que la india Santhi Soundarajar, desposeída de su medalla de los 800 metros de los Juegos Asiáticos de 2006 al comprobarse posteriormente que en realidad era hombre. Su primera reacción fue un intento de suicidio.

Seguramente, si Stella Walsh hubiera nacido más tarde no habría podido participar como mujer en ninguna competición deportiva, pues, entre 1967 y 1999, todas las mujeres, salvo una, que desearan participar en los Juegos Olímpicos debían someterse a un control de sexo. La excepción fue la princesa Ana de Inglaterra, a quien evitaron el trago por su sangre azul cuando participó como jinete en la hípica en los Juegos de Montreal 76. Todas las demás debieron someterse a un reconocimiento físico y a un análisis de ADN que detectaba si entre sus 23 parejas de cromosomas había alguna Y, señal de masculinidad: los hombres generalmente tienen en cada célula un cromosoma Y y uno X; y las mujeres, dos X. El objetivo era evitar sencillamente que hombres disfrazados de mujeres participaran en las pruebas femeninas, donde contarían con ventaja dada su mayor fuerza natural. Por eso, evidentemente, a los hombres no se les sometía rutinariamente a un control de sexo: no se podría entender que una mujer, siempre en desventaja, hiciera trampas para competir con los hombres. La primera víctima fue la polaca Ewa Klolukowska, plusmarquista mundial de los 100 metros en 1965, cazada por el test de cromosomas y obligada a retirarse en 1967.

Sin embargo, todo trato diferenciado conduce irremisiblemente a la discriminación, y por eso, y porque también se comprobó que no todo está en la Y, y que no por tener un cromosoma masculino se tenía ventaja en la competición, en 1999 el Comité Olímpico Internacional (COI) suprimió los controles de sexo. "Era completamente innecesario el humillante examen físico", explica Arne Ljungqvist, presidente de la Comisión Médica del COI, "además porque ya durante el control antidopaje se obliga a los deportistas a desnudarse completamente para estar seguros de que la orina que suministran procede efectivamente de su uréter. Evidentemente, un hombre disfrazado de mujer no pasaría esa prueba. Y los análisis nunca son concluyentes, siempre son injustos con atletas con alguna anomalía genética o que pertenecen al llamado género intersexual". Caster Semenya, la adolescente surafricana (tiene 18 años) por la que todo el revuelo se ha montado, ha pasado, efectivamente, controles antidopaje en Berlín.

Esta idea es la clave de un artículo publicado la semana pasada en la revista Nature con motivo del caso de Semenya. En él se recogía la opinión del experto en trastornos de crecimiento de la Universidad de Yale Myron Genel. Para la mayoría de la población, rige que una mujer tiene dos cromosomas X en el par 23, y un hombre tiene un par XY. Pero los científicos insisten en que "puede haber individuos con dos X que desarrollen caracteres masculinos, y otros con un X y un Y que nunca los tengan". Además, para acabar de enredar más la madeja, señalan que también hay personas que son XXY.

Y si en vez del análisis cromosómico se miden los niveles de hormonas tampoco se obtiene una diferenciación clara. "Algunos individuos XX tienen condiciones médicas que hacen que sus niveles de hormonas androgénicas [las masculinizantes, como la testosterona] sean elevados, lo que puede llevar a características como una mayor masa muscular", señala la revista. "Mientras que otras XY no se desarrollan como varones porque tienen un síndrome de insensibilidad androgénica", lo que implica que no responden a su propia testosterona.

Ya un editorial aparecido a principios de los años noventa del pasado siglo en JAMA, la revista de la asociación médica de Estados Unidos, atacaba los controles tradicionales por considerarlos discriminatorios y poco científicos. "No hay una línea clara entre sexo masculino y femenino", decía. "Que sea la persona la que elija". Este pensamiento lo ha seguido la Federación Internacional de Atletismo (IAAF) desde 1992, cuando abandonó, antes que el COI, los controles de sexo y fijó las líneas maestras para dirimir los casos controvertidos, siempre uno a uno cuando una duda razonable obligue a proceder a ello, siempre guiados por la discreción. Por eso concluyen que todas las personas que desde su infancia o prepubertad han sido consideradas legal y psicosocialmente mujeres deben poder participar en competiciones deportivas femeninas independientemente de lo que digan sus cromosomas. Aplicándolo a los transexuales, es la idea base de la ley de identidad de género que se aprobó en España en 2007: que cada persona decida con qué género se identifica y con cuál quiere vivir, independientemente de su físico.

De haber seguido estas guías, se hubiera evitado el caso de María José Martínez Patiño, actualmente catedrática del INEF de Pontevedra, a quien, en 1986 -tenía 24 años y era plusmarquista española de 60 metros vallas-, se le detectó un cromosoma Y en un control. La IAAF le retiró la licencia, aunque posteriormente se revisó su caso y se le devolvió la licencia al considerar que no tenía ninguna ventaja para competir. Pero Patiño se retiró después de sufrir graves crisis al ver cómo su intimidad se aireaba en los medios.

Caster Semenya, cuenta estos días su familia, indignada, en la prensa surafricana, siempre ha sido una niña. Ella se considera mujer, aunque dicen sus amigas que no le gustan los hombres, con los que lo único que hace es jugar al fútbol. En la escuela, dice su profesor, quien no se percató de que era chica hasta que cumplió 11 años, prefería vestir el uniforme de los chicos, los pantalones grises, en vez de la falda marrón de las chicas. Pero siempre ha vivido como mujer. Como mujer que se siente diferente, acostumbrada desde niña a las burlas y escarnios de los demás niños de su pueblo, en la remota provincia de Limpopo.

Los exámenes a los que se está sometiendo Semenya, a quien, para protegerla, han prohibido todo contacto con la prensa, pasan, primero, por determinar si tiene las características primarias de su sexo -vagina, ovarios-, y las secundarias -ausencia de pelo facial y pectoral, pechos funcionales-. Después pasan a analizar si fisiológicamente (sus hormonas) su organismo funciona como el de una mujer; posteriormente por el estudio de sus cromosomas y de su SRY, el gen de la masculinidad, y, finalmente, por un estudio psicológico, su identidad sexual.

Aunque todo esto puede ser un debate estéril en el caso de Semenya. Ayer, el Telegraph publicaba que la corredora presentaba niveles de testosterona tres veces superiores a lo normal, aunque no decía si la hormona era de origen natural. Si no lo era, ya no se trataría de un problema de identidad sexual, sino de dopaje. El periódico británico arrojaba una sombra de sospecha sobre la corredora al indicar que su entrenador era Ekkart Arbeit, antiguo responsable de atletas de la República Democrática Alemana (RDA) y a quien su ex pupila Heidi Krieger acusó de haberle dado tantos anabolizantes que había terminado por someterse a un proceso de reasignación de sexo para convertirse en Andreas Krieger.

La historia de los Juegos Olímpicos está plagada de las peripecias humanas y el sufrimiento de personas de sexo biológicamente poco claro expuestas, como objetos morbosos, a la curiosidad pública, pero quizás ninguna tan dolorosa como la de la checa Zdenka Koubkova, plusmarquista mundial de 800 metros -una distancia atractiva para la duda-, una hermafrodita que no superó un examen ginecológico en 1934. Se le prohibió competir con mujeres pero la humillación mayor la sufrió cuando unas fotos de su anomalía aparecieron ilustrando un libro de medicina. Criada como una niña, empezó a vivir desde entonces como un hombre, convirtiéndose en Zdenek Koubek.

Ninguna tan curiosa, sin embargo, como la del ciclista escocés Robert Millar, el rey de la montaña del Tour de 1984, quien compitió como hombre sintiéndose mujer. En 2003 cambió de sexo. Ahora se llama Philippa York. Claro que Philippa hizo el cambio de sexo cuando se retiró, y no intentó competir después como mujer.

El desgaste que supone esta situación lo sabe bien la golfista Mianne Bagger. La deportista nació en Dinamarca en 1966, pero biológicamente era un hombre. En 1995 se sometió a una operación de reasignación de sexo. En 1998, volvió al golf como amateur. Pero en 2003 pidió competir en los circuitos profesionales femeninos. Lo consiguió en 2004. El revuelo duró poco, porque se trata de un deporte no olímpico -todavía-, y, sobre todo, porque al final no era tan buena, y no supuso una amenaza para las mejores.

Independientemente de lo que haya resultado de los análisis realizados a Semenya, el argumento de la identidad, que es el que prevalece actualmente ahora a la hora de tratar las situaciones en que hay discusión por el sexo de una persona (que sea considerada como él o ella se sientan) no convence a todos. Sobre todo a quienes son derrotados en una competición importante. La italiana Elisa Cusma, que acabó sexta en la final de los 800 metros ganada por la surafricana, manifestó: "Sí, será mujer, o se sentirá mujer, pero yo sigo pensando que me ganó un hombre". También la española Mayte Martínez, que acabó séptima en esa carrera, entró al trapo en la polémica: "Si me ponen a Semenya y 10 hombres delante no sabría decir que ella es la mujer", dijo.

Este problema, el de la desigualdad que supone competir contra personas a las que una anomalía genética convierte en invencibles, es el que tratan de resolver las autoridades deportivas, aun olvidando que todos los grandes cracks deportivos, son, de una manera u otra, anomalías, seres diferentes del resto de los mortales, más rápidos, más flexibles, más altos, más musculosos, más fuertes, gracias a unos genes únicos.

Por eso, poner una frontera biológica no es, en general, nada fácil, y el argumento de las ventajas innatas es extremadamente peligroso. "No discriminamos a las mujeres muy altas

[que lo son porque tienen una determinada configuración genética] y decimos que no pueden competir porque lo son. Ni discriminamos a los corredores que tienen una elevada prevalencia de fibras rápidas", dice Genel. Este último es el caso de los velocistas negros, por ejemplo, que según todos los estudios parten de una ventaja genética sobre los blancos sin que nadie -todavía- haya planteado hacer dos competiciones diferentes. ¿Cuál es la solución? Para Genel, está claro: "Si han nacido y crecido como mujeres y piensan en sí mismas como mujeres, yo diría que se les debe dejar competir como mujeres".

FUENTE: http://www.elpais.com/articulo/sociedad/sexo/solo/elpepisoc/20090825elpepisoc_1/Tes

El extraño caso de Stieg Larsson

2009-08-16T15:40:00.001+02:00

Larsson idealizó el personaje de Blomkvist y la propia revista donde trabajaba en su trilogía narrativa. Su conocimiento sobre grupos de ultraderecha era tal que fue llamado a reuniones con Scotland Yard

El ciclo 'Millenium' de novelas de misterio se ha convertido en el último fenómeno editorial europeo. Tras la muerte del autor, su familia se pelea por su herencia. 'Culturas' ha viajado a Suecia para reconstruir su biografía, coincidiendo con la publicación en España de "Los hombras que no amaban a las mujeres"

El escritor y periodista sueco Stieg Larsson, fallecido en 2004, a los 50 años / Britt-Marie Trensmar | Scanpix

Xavi Ayén

Los copos de nieve empiezan a estrellarse contra el parabrisas, a pesar de que estamos en pleno mes de mayo. Mientras nos adentramos en la región sueca de Nörrland, un territorio agreste, casi virgen, repasamos mentalmente los datos que tenemos acerca del escritor Stieg Larsson, cuya sombra hemos venido a seguir hasta aquí, a esa Suecia profunda donde las aldeas tienen treinta, o veinte, o dieciséis habitantes, todos mayores de 60 años, y de vez en cuando aparece un alce muerto en la cuneta.

El caso parece extraído de la ficción: Larsson (Västerbotten, 1954- Estocolmo, 2004) era un periodista idealista y comprometido, un experto en la extrema derecha sueca. Desde veinteañero decía a sus amigos que, un día, sería escritor de novela negra. Pasaron los años, y tras devorar como lector a los clásicos del género (en especial, a las damas del crimen), al cumplir 47 se dijo: "Ya está. Mi momento de escritor ha llegado".

Y, cada noche, al acabar su jornada en la revista Expo, fundada y dirigida por él, cuando llegaba a casa, se ponía a escribir Millennium, una trilogía protagonizada por dos investigadores, el periodista Mikael Blomkvist y la hacker Lisbeth Salander.

Escribió velozmente los tres libros –nueve meses cada uno, más de 1.500 páginas en total–: Los hombres que no amaban a las mujeres, La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina y La reina en el palacio de las corrientes de aire. Los entregó a una editorial y, a los pocos días, murió de un inesperado ataque al corazón. No pudo ver cómo sus novelas –que la semana que viene llegan a España– se convertían en un fenómeno global, con ya seis millones y medio de ejemplares vendidos, gracias a su electrizante trama.

Un detalle escalofriante: en la tercera obra, uno de los personajes muere exactamente de la misma forma en que lo hizo Larsson (los amantes de las conspiraciones ya se habrán dado cuenta de que Milenio –aquí, una sola ene– es el título de la novela póstuma de Vázquez Montalbán).

Perseguimos al fantasma de Stieg Larsson por Estocolmo y por las mismas carreteras árticas que transitan sus personajes, en un Volvo conducido por su padre, el viejo sindicalista Erland Larsson, que lleva un pin con la rosa socialdemócrata en la solapa. Erland era tan pobre cuando tuvo a Stieg –"ni techo ni trabajo"– que lo envió a vivir a casa de los abuelos en el campo, donde estuvo hasta cumplir ocho años. "Allí fue feliz, y de hecho esa casa de madera roja de su infancia –que ahora le enseñaré– es la que en la novela habita Blomkvist cuando va a la isla a investigar, es todo igual". Allí, con media hora de luz en invierno y temperaturas de 40 grados bajo cero, pasó el pequeño Larsson su infancia.

La vida del viejo Erland no ha sido fácil. Cuando, hace cuatro años, falleció su hijo Stieg, "me quería morir", admite. Su esposa –la madre de Stieg– ya había muerto en 1992 de cáncer y, por si fuera poco, el año pasado la misma enfermedad se llevó a la esposa de su otro hijo, Joakim.

Erland y Joakim viven en Umeä, ciudad mediana, universitaria, rodeada de bosques, con aeropuerto, una gran fábrica de coches y varias de celulosa. "Cuando vinimos aquí –dice el señor Larsson– todo eran vacas pastando, y ahora fábricas y almacenes."

A un lado y otro de la carretera, durante el trayecto, máquinas quitanieve, serradoras, camiones cargados de troncos, y carteles con nombres tan exóticos como Tavelsjo, Bodarna, Vindeln, Ytterssön, Astrask o Kalvtrask. El conductor evoca: "Yo le decía: 'Stieg, tú tienes talento, tienes que hacer algo que dé dinero', porque siempre estaba con sus proyectos utópicos. Y, mire, lo hizo... al final".

Nos preguntamos por qué murió Stieg de un infarto, cuando anteriormente no había tenido ningún problema cardiaco. Para su padre, está claro: "El exceso de trabajo, sumado a que, en su última etapa, se alimentaba básicamente de fast food, como un personaje de su segundo libro".

En Estocolmo, al día siguiente, visitamos a Daniel Poohl, el joven periodista que ha sustituido a Larsson en la dirección de la revista cuatrimestral Expo, "un proyecto en el que los periodistas trabajan gratis, para poder contar cosas que no tienen cabida en los grandes medios". Poohl ayudó a Larsson en sus trabajos sobre los nacionaldemócratas, el partido ultra: "Sí, me infiltré en sus filas durante un par de meses", cuenta ante una taza de café en la redacción.

–¿Stieg se parecía mucho al personaje de Blomkvist?

–Tal vez en las ideas acerca del periodismo. Pero no en lo demás: Blomkvist es un héroe, guapo, rodeado siempre de mujeres. Creo que ningún hombre real es de esa forma, para ser honesto, y Stieg tampoco. Nosotros, en Expo, no tenemos medios para hacer ese tipo de periodismo de investigación sobre los delitos económicos de las grandes corporaciones, Millennium, en la novela, es mucho más grande y fuerte, la veo como una especie de revista de fantasía, donde a cualquier periodista le encantaría trabajar, no creo que en el mundo real existan ese tipo de publicaciones, tal vez alguna en Estados Unidos...

Estamos justo en el lugar en el que a Larsson se le detectó el ataque cardiaco. Poohl aclara que "aquel día, cuando llegó a la redacción, ya se encontraba mal, estuvo media hora por aquí y se lo llevó una ambulancia. Falleció poco después en el hospital". La casualidad quiso que, justamente aquel día, no funcionara el ascensor del edificio, por lo que Larsson subió siete pisos a pie, lo que, según su pareja, la arquitecta Eva Gabrielsson, "fue definitivo". Para ella, "en su último año, pasó a dormir solamente cuatro o cinco horas diarias pero si el ascensor hubiera funcionado bien, yo creo que no habría muerto."

Para Poohl, Larsson "no era un workaholic, él no consideraba trabajo el tiempo dedicado a sus libros, era su hobby, como otra gente mira la televisión o se va a pescar. Era capaz de pasarse 16 o 18 horas diarias ante su ordenador".

Lo que más le llama la atención a su sucesor al frente de la revista es que "él comentó a mucha gente que estos libros serían un éxito comercial, le dijo incluso a su mujer que iban ser su plan de pensiones. Estaba completamente seguro, no albergaba ninguna duda". En la única entrevista que Larsson concedió sobre Millennium –a la revista Svensk Bokhandel– reconocía también que el personaje de Lisbeth Salander, de 25 años, se basaba en Pippi Calzaslargas: "Me pregunté: ¿qué sería de ella hoy? ¿De qué trabajaría de adulta? ¿Cómo la calificarían? ¿Sociópata? Porque tiene una visión muy diferente de la sociedad".

Los hombres que no amaban a las mujeres, analiza Poohl, "es un típico misterio de la habitación cerrada, con un montón de gente alrededor de una habitación donde hay que descubrir quién es el asesino, con la diferencia que aquí la habitación es una isla. Pero los otros libros son completamente diferentes en estructura, cada uno explora un paradigma del género".

El auténtico misterio que ocupa estos días las páginas y los minutos de los medios de comunicación europeos es por qué la viuda de Larsson, Eva Gabrielsson, no tiene ningún derecho –ni beneficio económico– sobre la obra de su marido, a quien conoció en un mitin contra la guerra del Vietnam en 1972 y con quien convivió durante 30 años. Se lo preguntamos a ella durante un paseo por algunas calles y cafés de Estocolmo. "Es un problema de la ley sueca –explica–, que no reconoce ningún derecho a las parejas que no se han casado ni inscrito en el registro, porque se basa en el derecho germánico medieval, que privilegia la sangre por encima de todo. Todo el dinero de los libros es para su padre y su hermano, que han rehusado cederme nada. En países como España, Francia, Gran Bretaña, zonas de derecho romano, esto hubiera sido diferente, pero, aquí, mis abogados me dicen que no hay nada que hacer."

Según Gabrielsson, "no nos casamos por una sencilla razón: Stieg estaba amenazado de muerte. Teníamos que ser muy cuidadosos y precavidos, no queríamos que su nombre apareciera en ningún registro asociado a nuestro piso o teléfono, todo estaba a mi nombre. Todas las facturas eran para mí por motivos de seguridad. Hemos vivido así siempre. ¿Testamento? No hizo porque no teníamos ni un duro, solamente este piso de 56 metros cuadrados sin ascensor".

De hecho, el conocimiento que Larsson tenía sobre los grupos de ultraderecha era tan detallado que fue llamado a sesiones informativas con miembros de Scotland Yard, de la policía brasileña o de la OSCE, con el fin de que les ayudara en sus investigaciones o trabajos.

Para la viuda, la situación que vive es humillante no tanto por la enorme cantidad que deja de ingresar –más de siete millones de euros– sino porque "cuando Stieg estaba vivo, tenía una relación fría con su familia. Éramos una pareja muy distante de su padre y hermano, distantes en todos los sentidos: mentalmente, geográficamente y emocionalmente. Eran muy diferentes, ellos no tienen su compromiso político, su humanidad, su empatía, no les gusta viajar ni sumergirse en otras culturas, ni implicarse en la sociedad, sólo quieren vivir tranquilos, son gente muy sencilla".

Gabrielsson –quien, como arquitecta, ha colaborado con Ricardo Bofill en la construcción de uno de sus edificios en Estocolmo– rechaza todas las especulaciones acerca de nuevos libros inéditos de Larsson: "Quería hacer muchos más, un total de diez, y empezó un poco el cuarto sólo como diversión, no tuvo tiempo de ponerse en serio. Lo que sí es verdad es que su intención era dedicar los beneficios de los nuevos libros a causas como la lucha contra la violencia sobre las mujeres o la propia revista Expo. A mí me decía siempre que 'el dinero de los tres primeros libros es para nosotros". Pero no ha podido ser así".

Larsson introdujo en sus novelas algunos de los temas sociales que más le preocupaban, como la violencia contra las mujeres. Gabrielsson revela que "este era, para él, un compromiso muy firme, porque una vez, de joven, durante un fin de semana con compañeros, presenció una violación y se culpaba de no haberla podido evitar, tenía esa espina clavada, y dedicó mucho tiempo a consolar y ayudar a víctimas".

Fuente: http://www.lavanguardia.es/lv24h/20080528/53468629317.html

La democracia occidental es una farsa. Nawal el Saadawi

2009-07-23T23:55:00.001+02:00

Por Julia Flores

Para todos los hombres y las mujeres que eligen pagar el precio de ser libres, en lugar de seguir pagando el precio de ser esclavos. Nawal el Saadawi

Nawal el Saadawi

Nawal el Saadawi impresiona desde el primer momento en que se la escucha o lee, sus palabras tienen eco y en su tono de voz y en sus escritos resuena una historia particular y colectiva al mismo tiempo, historia que resulta conocida para cualquier sobreviviente de cualquier tipo de opresion religiosa, son palabras nacidas de su rebelion personal y que ella generosamente a traves de sus libros sus conferencias y sus escritos comparte con nosotros.

Nawal el Sadaawi sociologa y doctora en medicina es internacionalmente conocida como activista por los derechos de las mujeres arabes, y por haber tomado la decision en los momentos mas duros de su vida de no comprometer su conciencia a cambio de un poco de confort, ella es una de las escritoras comtemporaneas mas traducida de nuestros tiempos, sus libros y sus escritos se pueden leer en mas de 30 idiomas alrededor del mundo, nacida en 1931 en (Kafr Tahla) un pequeño pueblo cerca de Cairo en la region del Nilo en Egipto, aunque su familia era relativamente tradicional el Saadawi crecio como casi todos en los países musulmanes en un ambiente de parientes increiblemente numeroso, 8 hemanas y hemanos y fue circumcidada por tradicion religiosa a los 6 años de edad.

A la edad de 10 años la pequeña Nawal desafio a su padre derramando te caliente sobre el hombre de 60 años que su padre habia elegido para casarla. Este fue el primero de muchos actos de valentia de esta singular mujer

Pese a las limitaciones impuestas tanto por la tradicion religiosa como por la herencia colonial que afecta de forma particular a las mujeres rurales en todo el mundo, Nawal el Saadawi se las arreglo para terminar una carrera en la universidad de cairo y se graduo en psiquiatría en 1955, ejercio la psiquiatría por algunos años y trabajo como directora de salud pública. Como un buen numero de luchadores Nawal ha sido denigrada en innumerables ocasiones a lo largo de su vida. Cuando estuve en prision, mis sueños me ayudaron a vivir declaro en una occasion.

La mayoria de sus libros se concentran en el tema de la mujer pero muchos de ellos tratan tambien sobre política sexual, alternativas al turismo en una era post colonial, sus trabajos literarios nacidos o motivados por el horror de las sociedades cuando estas son governadas por la religion bajo el manto de democracia como en tantos otros lugares del planeta se han considerado siempre peligrosos y cuando no al menos controversiales, su primer libro (Las Mujeres y el Sexo) publicado en 1972 fue prohibido en Egipto y se vio obligada a publicarlo en (Beirut Libanon). el titulo del libro lo sugiere todo y trata sobre los tabues que ensombrecen la sexualidad de las mujeres en sociedades governadas por una política religiosa. A este libro le siguieron muchos mas con titulos como (The Fall of the Imam), (La Caida del Imam) (God Died by the Nile), (Dios se Murio en el Nilo) (The Circling Song), ( La canción circular) (Searching), (Buscando) (Woman at Point Zero) (Mujer en el Punto Cero), (Two Women in One), (Dos Mujeres en Una), (Memoirs from the Women's Prison), (Recuerdos Desde la Carcel de Mujeres) entre otros.

Respecto a los gobiernos del mundo El Saadawi dijo en una occasion hay una misconcepcion en torno al concepto de gobernar, para ella la gente es capaz de gobernarse a si misma si se les permitiera, esta vision explora el potencial que los gobiernos aniquilan en las personas para asegurar su sumision a ellos al decirnos que necesitamos de sus gobiernos, gobernar en el sentido politico actual para el Saadawi no es otra cosa mas que controlar las conciencias de los pueblos, lavando el cerebro a los demas, es asi como los gobiernos hacen posible que unos pocos nos gobiernen a todos, para ella los gobiernos actuales son una reminiscencia colonial.

Por que para ella un mundo ideal no necesitaria de religion ya que ella considera los libros religiosos simples manuales de politica por que estos hablan primordialmente sobre guerra, invasion, sobre herencia y sobre dinero, ella no cree en palabras o libros “santos” que aglutinen a la gente, para ella palabras como socialismo, modernismo, dialogo, autonomia, reflexión deberian de ser palabras mas rigurosamente analizadas y criticadas para saber cual es su verdadera utilidad en la vida diaria, en sus escritos el Saadawi nos invita a analizar conceptos como democracia, globalización, educación, derechos humanos, y emancipacion por que segun sus propias palabras la mujer occidental lleva un velo cosmetico aplicado a base de bisturi que la hace creerse libre, Nawal el Sadaawi asegura que cuando no entendemos lo que hay detras de todos estos terminos nos pueden conducir hacia nuevas formas de colonización, el sistema nos ha hecho creer que la guerra es inevitable, que es hormonal, y por lo tanto “natural” asegura, pero yo creo que las guerras son creadas y que podriamos muy bien vivir sin ellas recalca

Desde el principio su primer libro desperto furia entre las autoridades religiosas de su país y el ministerio de salud donde trabajaba fue presionado para que la despidieran, la misma presion fue utilizada para hacerla perder sus otros 2 trabajos como editora de salud en un periodico medico y como asistente general en la asociación medica de Egipto. Una de sus mas atacadas posturas y que le costo sus puestos de trabajo, la prohibición de jercer la medicina y la posibilidad de acceder o otros trabajos se dio por haber dicho que la mutilacion genital de niñas es un castigo religioso por haber nacido mujer

Entre 1973 y 1976 realizó trabajo investigativo en la Ain Shams facultad de medicina sobre las mujeres y la neurosis cuyos resultados se publicaron en Egipto en 1976, su investigacion incluyo el estudio de 20 casos de mujeres en prision y en hospitales, este trabajo inspiro su libro (Women at Point Zero) (Mujer en el Punto Cero) y que estuvo basado en la pena de muerte aplicada a una mujer por haber matado a su marido.

En 1977 publicó su libro mas famoso (The Hidden Face of Eve) (la Cara Oculta de Eva) el libro cubrio un sinnumero de topicos relacionados a la situación de las mujeres arabes, como las agresiones sistematicas que sufren las niñas solo por ser niñas, prostitucion, relaciones sexuales forzadas por los padres, el matrimonio y el divorcio en una sociedad islamica.

Mas tarde en 1980 como culminación de la larga batalla que habia emprendido por los derechos sociales e intelectuales de las mujeres egipcias un activismo que le cerro todas las puertas para acceder a un trabajo oficial, termino en prision bajo el regímen del presidente egipcio Sadat acusada de cometer “crimenes contra el estado” por su activismo y sus libros.

Nawal el Saadawi mas tarde aclararia, fui arrestada por que le creí a Sadat, el nos dijo ahora ya tenemos democracia y tenemos un sistema politico multipartido y todos podemos criticar, pero cuando comence a criticar sus políticas termine en prision, pese a esto el saadawi continuo su lucha contra la opresión y formo la asociación solidaria de mujeres arabes (AWSA) ya desaparecida a la fuerza, la asociación se convirtio en la primera organización independiente de mejeres en Egipto, la organización tuvo mas de 500 miembros a nivel nacional y mas de 2.000 a nivel internacional, entre sus actividades estuvieron muchas conferencias internacionales y seminarios y tuvo una revista y crearon projectos para mujeres rurales, sin embargo la asociación fue censurada y prohibida en 1991 cuando se atrevio a criticar la intervención de los Estados Unidos en la guerra del golfo por que el Saadawi pensaba que era un problema arabe en el que ninguna nacion extranjera debia intervenir. Pese a que el Saadawi intento pelear por esta censura en las cortes egipcias, por obvias razones perdio el caso.

Aunque se le nego papel y pluma mientras estuvo en prision Nawal el Saadawi continuo escribiendo, por increible que pueda parecer usando como instrumento un lapiz de cejas y papel higienico que era lo único de lo que disponia en ese momento ya que en la carcel se le nego papel y pluma, fue encarcelada en 1981 y liberada un año despues y solo por que el regímen de sadat cayo al ser este asesinado, en 1983 publicó unas memorias sobre las mujeres en prision en la que continuo atacando el represivo regimen religioso egipcio, en el epilogo de estas memorias ella remarca la naturaleza corrupta del gobierno de su país y el tremendo riesgo que se corre cuando alguien se atreve a publicar en condiciones de desventaja social ,y sobre su desición de seguir trabajando por la verdad

Entre 1988 y 1993 su vida estuvo amenazada por aquellos que se oponian a su trabajo y que eran basicamente gente y grupos religiosos, guardias armados tuvieron que custodiar su casa en Giza durante años hasta que abandono el país para trabajar en varias universidades de norte america universidades de (Duke y Washinton) en los departamentos de idiomas asiaticos y africanos, entre 1993 y 1996 dio catedra en la universidad del estado de washinton en Seatle.

En el año 2005 se postulo para la presidencia de su país, recientemente declaro al respecto, sabia que no iba a ganar, pero el mensaje ha sido importante, tenemos que intentar cambiar el sistema que nos domina.

Cuando fui liberada de la carcel solo tenia 2 caminos para elegir dijo años despues, convertirme en uno de esos esclavos del sistema dominante para obtener algo de seguridad, prosperidad y el titulo de gran escritora y ver mi foto publicada en los periodicos y la televisión, o, continuar el camino dificil, aquel que me podria llevar otra vez a prision, el peligro a sido siempre parte de mi vida, desde entonces escribo, se que nada es mas peligroso que la verdad en un mundo que miente, y nada es mas peligroso que el conocimiento en un mundo que considera al conocimiento como un “pecado”, pero no hay poder en el mundo que pueda arrebatarme mis escritos.

Curriculum Vitae y Lista de Libros (2005), la mayoria de sus trabajos ha sido traducida a otros idiomas entre ellos el Castellano.

Experiencia Profesional:

Catedras

Duke University, 1993- 1996

University of Washington, Seatt1e, 1995

University of Illinois at Chicago, 1998, Florida Atlantic University 1999

Montclair State University 2001-2002

University of Southern Maine January to December 2003

University Autonoma at Barcelona Spain 2004

Smith College Northampton MASS. USA Autumn 2004

Claremont Graduate School , California USA Spring 2005

Head of Women’s Program in the UN – ECA, Addis Ababa, 1978-1979; UN -ECA, Beirut, 1978 -1980

Author in the Supreme Council for Arts and Social Sciences, Cairo, 1974 -1978

Director General of the Health Education Department, Ministry of Health, Cairo, 1966- 1972

Medical Doctor, University Hospital and Ministry of Health, 1955–1965

Actividades

Founder and President, Arab Women's Solidarity Association (AWSA), 1982- Present Founder, Noon Magazine, 1989-1991 and Health Magazine 1968-1973

Co–Founder, Arab Association for Human Rights, 1983-1987

Founder Vice-President, African Association for Women on Research Development, Dakar, Senegal, 1977 -1987

President and Organizer, International Conference on the Challenges Facing Arab Women, Cairo, September, 1986, and other international conferences of AWSA, 1988, 1990, 1992, and 1997, 1999, 2002 and 2005 in Cairo.

Founder, Health Education Association and Chief Editor, Health Magazine, Cairo, Egypt, 1968-1974 Founder, Egyptian Women Writer's Association, 1971

Secretary General of Medical Association, Cairo, Egypt. 1968-1972

Editor of Medical Association Magazine, 1968-1972

Premios

Honorary Doctorate, University of York, United Kingdom, 1994

Honorary Doctorate, University of Illinois at Chicago, 1996

Honorary Doctorate, University of St. Andrews-Scotland, 1997

First Degree Decoration of the Republic of Libya, 1989

Literary Award of Gubran, (Arab Association of Australia Award), 1988

Literary Award by the Franco-Arab Friendship Association, Paris, France, 1982

Literary Award by the Supreme Council for Arts and Social Sciences, Cairo, Egypt, 1974

XV Premi International Catalunia Award, 2003

Honorary Doctorate Degree, University of Tromso, Norway, 2003

International Writer of the Year for 2003, nominated by the International Biographical Centre, Cambridge, England

Great Minds of the 21st Century Award, American Biographical Institute,

North Carolina , USA, 2003

North South Prize 2004, the Council of Europe (Lisbon, 25 October 2004 )

Inana International Prize , Brusselles Belgium 2005

Publicaciones:

Todos los originales en arabe, muchos traducidos a mas de 30 idiomas, que incluyen Español, ingles, Frances, Aleman, Catalan, Portugues, Sueco, Noruego, Danes, Italiano, Holandes, Finlandes, Indonesio, Japones, Turko, Urdu, Thai, entre muchos otros.

Ficcion:

Novelas (in Arabic)

Memoirs of a Woman Doctor (Cairo, 1958)

The Absent One (Cairo, 1969)

Two Women in One (Cairo, 1971)

Woman at Point Zero (Beirut, 1973)

The Death of the Only Man on Earth (Beirut, 1975)

The Children's Circling Song (Beirut, 1976)

The Fall of the Imam (Cairo, 1987)

Ganat and the Devil (Beirut, 1991)

Love in the Kingdom of Oil (Cairo, 1993)

THE NOVEL (Cairo, 2004 )

Novelas cortas

I Learnt Love (Cairo, 1957)

A Moment of Truth (Cairo, 1959)

Little Tenderness (Cairo, 1960)

The Thread and the Wall (Cairo, 1972)

Ain El Hayat (Beirut, 1976)

She was the Weaker (Beirut, 1977)

Death of an Ex-minister (Beirut, 1978)

Adab Am Kellat Adab collection (Cairo, 2000)

Ensayos

Twelve Women in a Cell (Cairo, 1984)

Isis (Cairo, 1985)

God Resigns in The Summit Meeting (1996)

No Ficcion

MEMOIRS (in Arabic)

Memoirs in a Women's Prison (Cairo, 1983)

My Travels Around the World (Cairo, 1986)

Memoirs of a Child Called Soad (Cairo, 1990) ( 1944 )

My Life, Part I, Autobiography (Cairo, 1996)

My Life, Part II, Autobiography (Cairo, 1998)

My Life, Part III (2001)

Libros

Women and Sex (Cairo, 1969)

Woman is the Origin (Cairo, 1971)

Men and Sex (Cairo, 1973)

The Naked Face of Arab Women (Cairo, 1974)

Women and Neurosis (Cairo, 1975)

On Women (Cairo, 1986)

A New Battle in Arab Women Liberation (Cairo, 1992)

Essays: El Ma`ara Wa lguorba (Cairo, 1997)

Essays: Taw`am el Sulta Wa l guins (Cairo, 2001)

Essays: Kadaya el Ma`ara wa l Fikr (Cairo, 2002)

Essays: Kasr El Hedoud (Cairo, 2004)

Fiction and Non-Fiction (Cairo, 2004)

Libros traducidos al Ingles

The Hidden Face of Eve [study] (London: Zed Books, 1980)

Woman at Point Zero [novel] (London: Zed Books, 1982)

God Dies by the Nile [novel] (London: Zed Books, 1984)

Circling Song [novel] (London: Zed Books, 1986)

The Fall of the Imam [novel] (London: Methuen, 1987)and Saqi Books 2001

Searching [novel] (London: Zed Books, 1988)

Death of an Ex-minister [short stories] (London: Methuen, 1987)

She Has No Place in Paradise [short stories] (London: Methuen, 1987)

My Travels Around the World [non-fiction] (London: Methuen, 1985)

Memoirs from the Women's Prison [non-fiction] (London: Women's Press, 1985; University of California Press, 1995)

Two Women in One [novel] (London: Al-Saqi Books, 1992)

Memoirs of a Woman Doctor [novel] (London: Al-Saqi Books, 1992; City Lights, USA, 1993)

The Well of Life [two novellas] (London: Methuen, 1992)

The Innocence of the Devil [novel] (London: Methuen, 1994; University of California Press, 1995)

Nawal El Saadawi Reader [non-fiction essays] (London: Zed Books, 1997)

Part I – Autobiography (Zed Books, London, 1999) “A Daughter of Isis”.

Part II Walking through Fire (Zed Books, London, 2002)

Love in the Kingdom of Oil [novel], (Saqi books, London, 2001)

Fuente> http://www.tctinternacional.org/portada-nawal-el-saadawi.html

Cómo adelgazar sin hacer régimen

2009-05-24T22:16:00.001+02:00

No siempre hay que pasar hambre ni machacarse en el gimnasio para adelgazar. Más vale maña que fuerza. A veces es la propia obsesión por la comida lo que nos hace comer más. O que no sabemos comer bien. O que nuestro metabolismo está dormido.

La clave para darle -la vuelta a la tortilla- es saber comer y hacer que el cuerpo gaste más energía.

Todos los nutricionistas y endocrinos coinciden en que para adelgazar no hay que dejar de comer sino comer de todo en cantidades moderadas. Prohibirte a ti misma ciertos alimentos que te encantan te genera una ansiedad que muchas veces desemboca en atracones y muchas más calorías de las que te hubiera aportado el temido capricho.

Tampoco te dejes engañar por la fiebre de los alimentos ligth, integrales o dietéticos. Lo que más alimenta, menos engorda y más sacia el hambre son los alimentos de toda la vida: pan, legumbres, pescado, aceite de oliva... En definitiva, todo lo que es la Dieta Mediterránea. Si comes poco pero tu dieta se basa en sandwiches, fiambres y galletas tienes muchas posibilidades de estar atiborrándote de calorías con poco contenido alimenticio.

¿Por qué engordamos?

Principalmente, por dos razones: porque comemos más de lo que necesitamos y porque llevamos una vida demasiado sedentaria. Así que tienes que empezar por ahí. Métete esta idea en la cabeza: si quieres estar delgada debes seguir una dieta sana y variada durante toda tu vida. No suena tan mal ¿no? Y segundo: tienes que moverte todos los días para compensar las horas que pasas sentada, ya sea en un gimnasio, de compras o dando un paseo por la noche.

TU PLAN DE ACCIÓN: COMER BIEN Y MOVERTE

¿Por donde empiezo? Por olvidarte de las dietas y los productos milagro: convéncete de que puedes perder peso conservando la salud y la alegría, sólo depende de ti. Éste es el plan:

Empieza a comer bien

Olvídate de las copas y de los refrescos
Aunque seas de poco comer, si eres aficionada a la cocacola o sueles salir a tomar el aperitivo o de marcha, estarás añadiendo muchas calorías a tu dieta sin darte cuenta. Un refresco de cola contiene una gran cantidad de azúcar, así como el alcohol y los licores. Pásate a los refrescos ligth (no más de uno al día) y sustituye el alcohol por una copita de vino o cerveza. La combinación alcohol + refresco es la más nefasta...

Combina bien los alimentos
Aunque las dietas disociadas son desaconsejables, sí puedes quedarte con la lógica que las define: combinar bien los alimentos. Por ejemplo: acompaña la carne de verduras y no de patatas fritas; no mezcles proteínas diferentes en una misma comida (carne y huevo, carne y pescado...), evita combinar proteínas y almidones (pan con queso, carne con patatas, pollo con arroz...); después de comer pasta o arroz toma mejor un yogur que una fruta...

Bebe mucha agua e infusiones
Los nutricionistas y médicos no se cansan de repetirlo: hay que beber como mínimo 1,5 litros de agua al día. Para que el organismo pueda funcionar bien, para que la piel esté bonita, para que nuestros músculos y articulaciones rindan mejor... Y, también, para ayudarnos a eliminar líquidos, grasas y toxinas. Beber entre horas también te ayudará a engañar al estómago: pero cuidado, beber mucho durante la comida te inflará. Procura sustituir el café y los refrescos por infusiones: las hay calmantes, depurativas, digestivas, que pueden ayudarte a adelgazar.

Siempre hay tiempo para cocinar
En 10 minutos puedes haber cocido pasta o arroz; o haberte hecho una tortilla francesa con una ensalada de tomate y queso; o un bocadillo de jamón serrano; o un huevo pasado por agua; o una ensalada con frutos secos... cualquier cosa es preferible a tirar de pizza o congelados... Olvídate de los sandwiches, hamburguesas o platos preparados, están llenos de grasas y calorías encubiertas.

Activa tu metabolismo
El metabolismo son todas las reacciones que tienen lugar en nuestro organismo para convertir el alimento en energía. El proceso metabólico tienen lugar en nuestros músculos y órganos y el resultado es lo que conocemos por ?quemar calorías?. La tasa metabólica de una persona es la velocidad a la que se produce todo este proceso.
Seguro que más de una vez habrás oído que para adelgazar hay que activar el metabolismo. Pero, ¿cómo se hace eso?

Tonifica tu musculatura
Un mínimo de tres días a la semana mediante un entrenamiento con pesas o con una par de botellitas de agua rellenas de arroz en casa. Los músculos tonificados necesitan más energía para mantenerse.
Útil idea: cogiendo las bolsas de la compra o haciendo las tareas domésticas trabajarás mucho los músculos.

Haz ejercicio cardiovascular (aeróbico)
Procura que sea a diario y de 30 a 60 minutos. Lo ideal es hacerlo en ayunas a primera hora de la mañana. Andar, jogging, nadar, bicicleta estática, mountain bike, bailar de incluso ir de compras... todo lo signifique moverse.
Útil idea: aprovecha la hora de comer en el trabajo para darte un paseo. Cambia el coche por el transporte público cuando puedas.

Desayuna todos los días

Tu desayuno debe consistir en un producto lácteo desnatado, una fruta y cereales. Si no desayunas, tu organismo reacciona descendiendo su metabolismo, ya que al no recibir comida se protege a sí mismo ahorrando energía.
Útil idea: cuanto antes desayunes, antes se pondrá en marcha tu metabolismo

No comas menos de 1.200 calorías al día
Tu metabolismo puede carecer de la suficiente energía para mantener sus funciones básicas y protegerse descendiendo su tasa metabólica.
Útil idea: toma un tentempié ligero a media mañana y a media tarde (te hará llegar con menos hambre a la siguiente comida).

Pasea todos los días
De 10 a 30 minutos después de comer o cenar te ayudarán a digerir mejor la comida y activar un poco más tu metabolismo.
Útil idea: aprovecha la hora del medio día; en casa, aprovecha para hacer alguna tarea doméstica que te impida sentarte en el sofá justo después de cenar.

Busca situaciones que te obliguen a moverte
Evita las escaleras mecánicas y los ascensores. Aparca un poco lejos de donde vayas. No uses mandos a distancia. Levántate y muévete siempre que puedas. Si tienes un trabajo sedentario, procura moverte y hacer unos estiramientos de vez en cuando.
Útil idea: aunque te parezca un rollo, ofrécete a fregar los platos después de comer o sé tú quien sirva la comida cuando te reúnas con la familia (así irás y vendrás de la cocina).

Incorpora ?cambios de ritmo? en tu entrenamiento
Si ya haces deporte, procura hacer intervalos en la mayoría de tus sesiones aeróbicas. Los cambios de ritmo son muy eficaces para incrementar un poco más tu metabolismo. Pueden ser cambios de ritmo cortos (entre 1 y 2 minutos).
Útil idea: aunque no hagas deporte puedes introducir cambios de ritmo en tu paseo diario o al subir las escaleras del metro.

No te obsesiones por adelgazar

Tener sobrepeso supone tener una peor calidad de vida y una figura menos atractiva. Pero no quieras adelgazar pensando que así serás más feliz. Torturarte comiendo poco y mal te hará sufrir, tener mala salud y, seguramente, te impedirá adelgazar. No pasa nada si un día te das un capricho, todo puede compensarse. Tampoco te olvides de que adelgazar requiere tiempo y lo que se pierde de forma lenta no suele recuperarse (no conviene adelgazar más de un kilo por semana).

fuente: http://www.dietas.com/articulos/Como-adelgazar-sin-hacer-regimen.asp

ORIGEN MÚSICA COLOMBIANA

2009-05-09T22:56:00.003+02:00

Nuestras culturas precolombinas lograron su desarrollo en dos regiones geograficas:

La Andina y la Amazónica, alli luego de continuas migraciones , asentamientos y
unificaciones, se fueron conformando tres grandes familias; la Chibcha, la Arawak

y la Amazonica. Sin lugar a dudas, la cultura Chibcha es la que mas nos caracteriza

debido a su relativo alto nivel cultural expresado en una gran variedad de manifesta-

ciones y por el extenso territorio que abarcaron. Sus núcleos sociales mas representa-

tivos fueron los Tayronas, Arhuacos, Cunas y Muiscas, de los que sobreviven Arhuacos

y Cunas en tanto que los Tayronas y Muiscas fueron perdiendo su vigencia tanto por

extincion como por mestizaje.

El desarrollo de las religiones chibchas necesitó de un arte musical que integrara la

colectividad en torno de los ritos y ceremonias que constituian el fundamento de sus

creencias y por lo tanto de su vida misma. Pero no siempre el objeto de la música fue la

religión pues se sabe de ciertas manifestaciones musicales que tenian como propósito la

diversion y el entretenimiento, las cuales estaban a cargo de miembros de la comunidad

especializados en este arte. Son los guajiros los representantes mas importantes de la

cultura Arwak en nuestro territorio. A la llegada de los españoles no habian logrado

un notorio nivel de desarrollo cultural, debido entre otras cosas a las condiciones del

medio natural, en gran parte desértico. Posteriormente, al contacto con diferentes

pueblos de Europa que tenian como area de operaciones mercantiles la peninsula que

hoy en dia lleva su nombre, los guajiros fueron evolucionando y en la actualidad ejercen

una influencia permanete sobre ciertas manifestaciones culturales en la Costa Atlántica.

La Amazonia, ademas de ser una reserva ecologica mundial, ha sido cuna de variados

grupos humanos que han llevado durante siglos un desarrollo cultural autónomo y

multiforme. Debido al lento contacto e influencias recibidas por estas civilizaciones,

podemos suponer que su manifestaciones culturales y particularmente las musicales,

se conservan aproximadamente fieles a las de sus antecedores precolombinos.

MESTIZAJE MUSICAL

Para comprender el desarrollo musical de Colombia, es necesario tener en
cuenta las condiciones sociales en las cuales se ha venido formando nuestra
nación a partir de tres culturas: La aborigen americana, la española y la
africana.

ESPAÑA

Las expediciones españolas fueron regimientos de hombres de diferentes
clases sociales y niveles de cultura, que luego de los prolongados viajes,
encuentros sangrientos y pasajeras alianzas con los aborigenes, se dieron
a la tarea de tener relaciones con las mujeres indigenas; esta situación se
presentó debido a que los españoles no enviaron al principio familias, ma-
trimonios o mujeres en sus expediciones.

Con la creación de los centros coloniales y el éxito de las grandes haciendas,
la mezcla entre españoles e indigenas a nivel popular aumentó y se difundió,
pero no dejo de ser una situación de desventaja y verguenza para los nacidos
de estas uniones, a los cuales despectivamente se los llamaba "mestizos" ,
que no gozaron de libertades o buenas garantías sociales.

Pero esta mezcla no fué sólo de razas; recordemos que los aborígenes colom-
bianos y los españoles tenían su propio idioma, religión, danzas, instrumen-
tos musicales, artes y principios morales que comenzaron a influirse mutua-
mente para originar una cultura mestiza.

AFRICA

Los aportes culturales africanos nos han llegado en dos épocas diferentes y
en condiciones sociales distintas. Los primeros, se inciaron con los rabes
del Norte del Africa y su invasión y dominación de España (siglo VIII al XV
D.C.); los españoles asimilaron durante 800 años buena parte de la cultura
Afro-arabe y luego nos transmitieron esos valores culturales a partir del
siglo XV D.C.

Los segundos aportes se iniciaron a partir del siglo XVI con la llegada de
los esclavos africanos, recibiendo nosotros su influencia en forma directa.
Dada la destinacion de los esclavos (minería, ganadería y agricultura), los
sectores de los ríos Magdalena y Cauca y la costa Pacífica.

Si bién es cierto, el comercio de los esclavos africanos comenzó a disminuir
en el siglo XVIII y se frenó en el siglo XIX con la ley de la abolicion
de la esclavitud, la cultura africana continuó mezclándoze con la española
y en algunos sectores con la indígena, hasta transformarse actualmente
en una de las raíces profundas de nuestra cultura colombiana.

LA COSTA ATLÁNTICA Y SU MÚSICA

Esta región fué clave como punto de contacto y partida de expediciones con-
quistadoras y área de fomento del comercio. Por eso, allí aparecen antiguas
y poderosas ciudades como Cartagena, Santa Marta, Rioacha, Valledupar y
Mompós donde se fusionaron indígenas, españoles y esclavos africanos.

Las fiestas y la música religiosas española en honor de la Virgen (La
Candelaria, los Remedios, La Inmaculada), la Cuaresma, Corpus Christi,
San Juan y La Navidad, sirvieron para catequizar indígenas y esclavos
y comenzar el mestizaje musical, en el cual también influyeron las tertu-
lias y bailes en las casas de los españoles acaudalados en donde danzas
europeas cortesanas como la gavota, el rigodón, paspies, pasacalle,
contradanza y populares como la jota, el fandango y las seguidillas fueron
lentamente asimiladas y transformadas por indígenas y africanos.

LOS CANTOS VALLENATOS

Se inciaron con antiguos cantos de vaquería propios de las zonas ganaderas
de Valledupar, en donde el tambor de un solo parche, llamado ahora "caja"
se unió a la guacharaca para servir de base a narraciones cantadas, que
hablaban de las penurias y anhelos del campesino, reflejaban la crítica
social o la visión picaresca y alegre de esos pueblos costaneros.Tal
parece que sufre influencia de ciertos aspectos melódicos de los arhuacos
y guajiros, luego de los africanos y de los europeos, de estos últimos con las
coplas y décimas y con su aporte reciente del acordeón de botones.

MÚSICA DE LOS ANDES COLOMBIANOS

Los festejos religiosos de Navidad, Corpus Christi, San Juan y las peregri-
naciones a los santuarios de la Virgen (Chiquinquira, Monguí, Chinavita),
sirvieron para unir a nivel popular los español y lo indígena; para crear
hacia el siglo XVII el torbellino, los cantos de la guabina y gran cantidad
de juegos danzados.

NACIMIENTO DEL BAMBUCO

Los bailes de fandango, la tirana, el bolero y la seguidilla de la provin-
cia de Andalucía, fueron muy populares entre la clase media española acen-
tada en el territorio de Colombia.

Estos Bailes constituyeron el punto de partida para la creación de fanda-
quillos criollos y el capituco, que evolucionaron y ser diversificaron en
el siglo XIX, gracias a los aportes indígenas y africanos existentes en los
antiguos departamentos de Antioquia y Cauca, que ser convirtieron en la cu-
na colombiana del bambuco.

DEL VALS AL PASILLO ANDINO

En el siglo XIX en Europa, se propagó desde Viena (Austria) la música y
danza de salón llamada waltz(vals) que al llegar a nuestro país se comen-
zó a distinguir con el nombre de "el strauss" , nombre tomado del apellido
del famoso compositor de valses Johan Straus. Gracias a la sensibilidad
artística de nuestros músicos, este aire musical se fué transformando en
el "vals del país" o el "colombiano" y mas recientemente en el "pasillo".
De los refinados salones de las principales ciudades colombianas, pasó a
las plazas públicas y allí se convirtió en el "pasillo fiestero" que ha
llegado a ser pieza obligada de las bandas de pueblo. Por último, es im-
portante resaltar que la alianza entre nuestros poetas y compositores le ha
dado al pasillo una alta calidad expresiva que se manifiesta de muchas for-
mas en estos sentidos y conmovedores cantos del alma colombiana.

EL ARTE MUSICAL DE LA COSTA
PACÍFICA COLOMBIANA

El trabajo de los esclavos africanos hizo prosperar las grandes haciendas
del viejo Cauca(Chocó, Valle, Cauca, Nariño) y su mano de obra en las minas
significó primero un enriquecimiento para la corona española y luego para
los grandes terratenientes criollos.

Las culturas africanas llegadas a esta costa fueron sensibles a las in-
fluencia cultural española, lo cual explica la gran asimilación y rein-
terpretación que hicieron de ella.

Dados los lujos de las aristocracia caucana, la música y la danza cortesana
de Europa fue muy frecuente en sus tertulias y saraos (bailes) en donde se
distraían al ritmo de danzas, contradanzas, mazurcas, polcas, jotas y algu-
nos romances a cargo de señoritas aficionadas al canto.

Es importante mencionar el papel que desempeñó un reducido número de esclavos
dedicados al servicio doméstico, pues su contacto directo con la música
y danza de su amos, les permitió inciar el proceso de asimilación, difusión
y cambio de estas manifestaciones culturales europeas.

La religión católica con sus festividades de San Juan y Navidad, influyé
profundamente en el canto religioso popular de los esclavos, que gradual-
mente fueron substituyendo divinidades y ritos por salves a la Madre de Dios,
trisagios, arrullos a los santos y al Niño Dios, balsadas fluviales y
en honor a San Juan y para la Navidad.

El aporte cultural africano mas fuerte y arraigado está en el currulao y el
bunde, en el grupo musical constituído por marimbas de Chonta, conunos macho
y hembra, bombo y el antiquísimo canto antifonal africano a cargo de las
"cantaoras" y "repondeoras" que se acompañan con los guases (maraca tubular
africana).

MUSICA DE LOS LLANOS ORIENTALES

Los aborígenes fueron tomando a su manera y sentir el canto
popular español y los instrumentos de cuerdas (guitarricos, vihuelas, violi-
nes, arpas) que introdujeron los jesuitas y fueron mezclándose con carracas, maracas

(capachos), y aun tomando la popular zambumbia de los campesinos españoles

emigrantes.

Universidad Javeriana

Manuel Cortés Granados

mcortes@pollux.javeriana.edu.co

CUMBIA

La música de los Gaiteros, la cual es

autóctona de la costa Caribe de

Colombia, es la forma original y tradi-

cional de la cumbia, y la raíz de la

cumbia moderna, una de las formas

musicales mas populares en Latino

América actualmente.

Esta música, la cumbia folclórica original,se remonta a los tiempos de Simon Bolivar, en

los inicios de los años 1800, y quizá más. Es una fusión de influencias indígenas y africanas,

la cual se toca con dos gaitas y una maraca, ambas de ancestria indígena, y tambores

africanos provenientes de los descendientes de los esclavos de origen africano que pasaron

por esta costa. Las inolvidables melodias que aun son comunes en las culturas Kogi y

Cuna, se tocan por dos gaitas en contrapunto la una a la otra, y son complementadas por

el hipnotizador rítmo del "llamador" (un tambor pequeño), las alegres y complejas

improvisaciones de los otros dos tambores, y los elaborados ritmos de la maraca.

Uno de los gaiteros toca la gaita con una mano y con la otra la maraca al mismo tiempo

con grán destreza y agilidad. Sus labios solo sueltan la gaita para cantar.

En el pasado, hubo muchos grupos de gaiteros que tocaban cumbia a travez de la costa

Caribe Colombiana. Al pasar de los años, la cumbia con letras incluidas, evolucionó al

punto de incluir acordeón y más tarde instrumentos electrónicos y orquestación completa.

La cumbia orquestada, es decir la cumbia moderna, es escuchada en Sur y Centro América

y México, y en los Estados Unidos por millones de Hispanos.

La cumbia orquestada, con su rítmo encantador, es música bailable que se toca en clubes,

fiestas, e incluso en millones de hogares. Sin embargo, recientemente con la muerte de los

Gaiteros mas viejos, la tradición de la gaita pareciera perderse debido a que los jovenes en

San Jacinto parecen estar interesados en formas musicales populares que son promovidas

en la radio como la salsa, la cumbia orquestada, y aun el rock and roll. A pesar que hay y

hubo otros grupos de gaiteros, el grupo que se hizo llamar Los Gaiteros de San Jacinto no

tendrá nunca comparación alguna.

En los últimos años ha habido un resurgir en el interes por la herencia musical de esta música.

Tambien muchos jovenes han tomado las gaitas, maracas y tambores, pero todavia, aún en

Colombia, hay mucha gente que no conoce las raices de la música que se escucha actualmente.

Cumbia: El Llanto de Dos Razas en Cautiverio
Copyright © 2001-2003.

Fuente: http://pwp.etb.net.co/fdrojas/Colombia/Origen_musica.htm

Vicky Cristina Barcelona

2008-10-11T14:01:00.002+02:00

http://celuloidesensujugo.wordpress.com/
Posteado por: Pablo | Septiembre 25, 2008

Cada vez parece más claro que Match Point fue un fogonazo de brillantez, y qué estupendo fogonazo, en pleno gris declive creativo de ese genio llamado Woody Allen. Esta década ha venido a confirmar algo que responde a la lógica más aplastante y, en este caso, entristecedora: que los mejores años del director neoyorquino han pasado para no volver… con el paréntesis magnífico, repito, de Match Point.

Esta Vicky Cristina Barcelona va un poco más en la línea de lo que ha venido después que en la trayectoria previa, de la que podemos extraer una pequeña perla satírica (La maldición del escorpión de jade) y un infravalorado juego de espejos comedia/drama (Melinda y Melinda); ya no digamos de los buenos años de Allen. La cinta producida por Mediapro, para nuestra desgracia, discurre por la misma senda que abrieron Scoop y El sueño de Casandra. Si Scoop era una especie de Match Point en clave de comedia y con perfil bajo (evidenciando una alarmante rebaja de pretensiones), y El sueño de Casandra una disertación sobre “hasta dónde llegaría usted para conseguir lo que quiere” de trazo demasiado grueso, Vicky Cristina Barcelona es, directamente, un panfleto turístico de la Ciudad Condal y Asturias con muchas y bonitas fotos y apenas contenido.

Ese supuesto contenido se resumiría, sin querer destripar la película a nadie, en algo así como:

1) Dos chicas americanas que no pueden ser más opuestas (Allen insiste en un recurso que, manejado con poca sutileza, se vuelve facilón) viajan a Barcelona.

2) Allí conocen a un pintor español, Bardem, obviously, que se las apaña, quién lo iba a decir, para llevar a ambas al huerto.

3) Reaparece la ex mujer del pintor, Pe, sí, para conformar un rocambolesco trío con una de las chicas, la alocada impulsiva, mientras los remordimientos matan a la recatada esposa.

4) Y así, tranquilamente, sin que pase nada, llegamos al final.

En descargo de Allen, hay que decir que engañar, en realidad, no engaña a nadie. Sus primeros minutos son una declaración de intenciones: postales de Barcelona, ración de los lugares más emblemáticos (y tópicos), con un fondo musical que alterna el guitarreo con una canción, una sola, en la que se reconoce constantemente la palabra “Barcelona”; después, simplemente, se cambian por enclaves asturianos, aunque se mantiene la guitarra, incluido el Entre dos aguas de Paco de Lucía, que a Allen le volverá loco, pero aquí, al público español, le resulta una elección demasiado simple.

Entregado a devolver la buena acogida que le han brindado tanto en tierras catalanas como asturianas, Allen se limita a irnos despachando una historieta que vertebra a base de una voz en off que arruina la narración visual, mientras la montaña de lugares comunes alcanza proporciones mareantes: él se llama Juan Antonio, ella, María Elena, se han acuchillado (después hay una pistola), son artistas pluridisciplinares (aquí hasta el más torpe escribe, pinta, declama, toca el piano y saca unas fotos que ni Cartier Bresson), y las relaciones se asumen con un buenrollismo, del intercambio de parejas a los tríos, que resulta tan artificial que dibuja una mueca de confusión: ¿realmente Allen nos ve así o todo es fruto de su imaginación?

Si la trama es insulsa, y se va deslizando por una pendiente suave y anodina, tampoco las interpretaciones son de las que clavan a la butaca. Ya es llamativo que sea Pe, en sus intervenciones bilingües y desaforadas, la que suba unos cuantos grados la tibia temperatura del resto, hasta el punto de animar a Bardem en sus escenas de peleas y gritos y sacarlo de ese rictus de esforzado chapurreo en inglés que convierte en hueco a su artista sin tapujos. De las americanas, también tiene bemoles que Rebeca Hall le dé cien vueltas a una plana, planísima Scarlett Johanson, sombra de su papel en Match Point.

Vicky Cristina Barcelona tiene un título infame, una resolución mediocre y un objetivo claro: permitir a Allen marcarse su película anual a base de demostrar que es de bien nacido ser agradecido, y devolver favores y cumplidos. ¿La historia? Lo de menos. Un mal pálpito: que Whatever works, aún en post-producción, será otra bofetada a nuestras expectativas sobre el director de Delitos y faltas.

Respuestas

[...] creo que esta película sea consecuencia de lo que algunos han llamado el declive creativo del genio… y reconozco que para mí el mejor personaje es el que interpreta Penélope Cruz, aunque me pese [...]

Por: Vicky, Cristina, Barcelona y Woody | Por la puerta trasera el Septiembre 25, 2008
a las 11:42 pm

¿Cómo es posible que en una peli de Allen lo mejor (lo único medio salvable) sea Penélope Cruz?
Eso sí, se nota que Woody se lo ha pasado teta pegándose un viaje, a cuerpo de rey, por todos los tópicos españoles. Había que justificar “con todos los gastos pagados”…

Por: ane el Octubre 4, 2008
a las 2:26 pm

Estoy de acuerdo al 100% con el comentario de “Pablo” del 25 sept. Más si cabe porque me concierne: afirmo que la pelicula “Vicky Cristina Barcelona” está basada en mi novela “Goodbye, Barcelona” (1987) que ha sido plagiada descaradamente. Si la peliculita de Allen es un verdadero engendro es porque además mi novela ha sido desfigurada para evitar obviamente cualquier queja por mi parte. “Goodbye, Barcelona” está por suerte registrada en el Ministerio de Cultura desde el 87, estuvo entre las finalistas al Premio Planeta de ese año con mi nombre y con ese título y quedó entre las 4 finalistas al Premio Plaza & Janés del 1989. Además estuvo en lectura en numerosas editoriales españolas y extranjeras y en varias productoras cinematográficas. Evidentemente fuí el ÚNICO NO INVITADO a la ceremonia de lanzamiento de ¨Midnight to Barcelona”, título que por cierto fue cambiado sobre la marcha por el horrendo actual sin duda para distanciarlo de
mi novela, ya que al menos fonéticamente en habla inglesa se parecían demasiado…
Soy un escritor maldito y arruinado porque en general todos los editores y productoras me han tomado el pelo toda la vida. Pero aunque maldito tengo el derecho al pataleo, por eso entre otras cosas está Internet, para dar voz a los que silencia el sistema monocorde imperante. Y no me voy a callar, jamás, por simple dignidad… Los jueces decidirán en breve.
Los interesados pueden conectarse a http://www.alexisdevilar.net

Por: Alexis de Vilar el Octubre 10, 2008
a las 11:37 pm

Coincido con Pablo, lo mas sorprendente de la pelicula para mi tambien fue la sincera interpretacion de penelope, que le pone un poco de sangre real en las venas a un eclenco de personajes con horchata en vez de sangre.

y tambien aburre tanto salpicon de topicos, pk si bien es cierto, es españa tenemos todos los genotipos de personajes, no hacia falta meter guiris…

las dos mejores frases para mi:
” amor no traigas pistolas a casa”
“estas enferma de insatisfaccion cronica”

pero ya es un aparte.

Por: Asor el Octubre 11, 2008
a las 2:00 pm

Fuente:http://celuloidesensujugo.wordpress.com/2008/09/25/vicky-cristina-barcelona/#comment-373

Mamma mia¡¡

2008-08-17T21:52:00.002+02:00

SINOPSIS

Donna (Meryl Streep), una madre independiente y soltera, dueña de un pequeño hotel en una idílica isla griega, está a punto de dejar que se marche Sophie (Amanda Seyfried), la hija a la que ha criado sola. Donna ha invitado a sus dos mejores amigas a la boda de su hija: Rosie (Julie Walters), una mujer práctica y lógica; y Tanya (Christine Baranski), rica y multidivorciada. Las dos son ex miembros de su antigua banda, Donna and the Dynamos. Por su parte, Sophie también ha hecho tres invitaciones muy especiales. Decidida a encontrar un padre para que la lleve al altar, invita a tres hombres que visitaron la paradisíaca isla hace 20 años. Durante las siguientes caóticas y mágicas 24 horas, florecerán nuevos amores y se reavivarán viejos romances en una isla llena de posibilidades.

fuentes:
http://www.labutaca.net/films/60/mammamialapelicula.php

http://www.mammamiamovie.com/

Celos patologicos.

2008-07-21T23:43:00.002+02:00

Como en muchos de los problemas psicológicos, los celos son el inicio y el desencadenante de una situación personal y familiar insostenible.

A menudo, es fácil creer que el problema es que la persona es celosa sin más, sin embargo, la persona que padece de celos, presenta unas características muy claras que se repiten en la mayoría de los casos.

Características de la persona celosa

Algunas de ellas pueden pasar desapercibidas para un espectador externo, pero serán la causa de su comportamiento agresivo e inseguro:
*Baja autoestima, aunque pueda parecer lo contrario.
*Dificultad para valorarse a sí mismos.
*Pérdidas afectivas en la infancia ocasionadas por padres muy exigentes poco valorativos de las virtudes de sus hijos y muy críticos.
*Patrones afectivos mal aprendidos o modelos poco útiles para seguir.
*Dificultades de comunicación y de empatía, ponerse en el lugar del otro.
*Problemas emocionales (obsesiones, estrés, depresión...)
*Inseguridad y miedo a perder algo que no están seguros que puedan mantener por sí mismos.

Fases de los celos

En un principio la manipulación provocada por los celos puede ser algo muy sutil, apenas perceptible y además, nosotros caeremos en ella con agrado ya que no somos conscientes de lo que está ocurriendo.
Cuando esta forma sutil no causa efecto, el celoso acude a un nivel superior en el que entra en juego el chantaje emocional: aquí aparecen la crítica, la culpa, la vergüenza..., con tal de que el otro haga lo que él quiere .
En un nivel más elevado aparecerá la agresión física, será la manipulación llevada al extremo y es cuando pasamos a un problema de celos patológicos.
Los celos no tendrían mayor problema en la relación de pareja, si no pasarán de pequeños comentarios, recriminaciones o conductas a evitar. El problema es que pocas veces están controlados y en muchos casos el celoso pasa a la acción cuando las cosas no son como él desea. Las pequeñas recriminaciones pasan a ser exigencias , gritos, peleas...

Cada vez que el celoso interprete que le están engañando reaccionará de manera agresiva ya sea verbal o físicamente con críticas a su pareja

Posibles causas de los celos

El historial de críticas y minusvaloración que ha vivido una persona celosa hace que no pueda apreciar lo que los demás hacen por él y lo interprete siempre como algo que no es para él y que debe tener otro motivo. Ese motivo habitualmente se encuentra en un posible amante que hay que ocultar y todas las conductas que realice la pareja se reinterpretarán hacia éste punto.
Cuando el problema es un padre o familiar muy desaprobador, el celoso va a sufrir en su etapa adulta una inseguridad hacia todas las cosas que le suceden, él se creerá poco merecedor de las cosas buenas que le ocurren , con lo cual, siempre sospechará de su pareja, de porqué está con él, de si le engaña o no...
Así se va creando un caldo de cultivo para el trastorno por celos que hace que la convivencia sea insostenible, ya que la pareja se verá encerrada en su propia casa y siempre con miedos a que su marido descubra algo que no existe. Tengamos en cuenta que el celoso siempre va a reinterpretar las cosas hacia su patología, y cualquier cosa le resultará sospechosa.
Cada vez que el celoso interprete que le están engañando reaccionará de manera agresiva ya sea verbal o físicamente con críticas a su pareja, recriminaciones, obligaciones, etc, que solo él será capaz de entender debido a su incoherencia y que los demás verán como un abuso de poder y una falta de respeto, con lo cuál las discusiones se sucederán una y otra vez.

Qué hacer ante un ataque de celos

Cuando un celoso tiene un arrebato de furia no es lo más adecuado ponerse a su nivel, esto es lo que hacen la mayoría de las parejas: se sienten ofendidas y las están agrediendo injustamente, con lo cuál se defienden de los insultos y agravios con otros insultos. Esto no ayuda al enfermo ya que estamos demostrando que somos más fuertes que él.
La mejor opción es intentar calmarle. Pediremos perdón, diremos que está en lo cierto, así su ira se apaciguará, nos mostraremos preocupados por nuestro error y le haremos sentir que somos débiles.
Aunque esto pueda pareces sumisión, ayuda a que el celoso se calme y a que vuelva a la racionalidad, debemos de tener claro que es una estrategia y no una claudicación a sus insultos.

Hay que intentar ayudarle

Habitualmente son personas que creen no merecer el cariño de nadie, puesto que sus vivencias anteriores le han hecho sentirlo así. Ante esta creencia irracional, se genera unas actuaciones agresivas y obsesivas que tendremos que calmar.
Tendremos que recordarle una y otra vez las cosas que ha hecho bien y felicitarle por ellas, así reforzaremos la idea contraria. También es una forma de reforzar su autoestima.
Hacer listado con los logros conseguidos en trabajos, estudios, hijos..., y que toda la familia participe. Entre todos le haremos ver que está equivocado y que todos lo estamos sufriendo.
Cuando pase a una etapa racional podremos discutir con él, en pleno ataque de furia desde luego que no.
Otra forma de ayudarle es insistir en que realice actividades gratificantes que le estimulen, tales como leer, caminar, hacer deporte, etc, se sentirá útil y también subirá su autoestima, tendrá momentos de relax que ayudarán a la reducción de la ansiedad provocada por sus pensamientos negativos. Tengamos en cuenta que muchos celosos asumen conductas muy insanas como alcohol, drogas..., como fuente de liberación de sus pensamientos.
Intentaremos sustituir estas conductas por otras más saludables o ayudar para que no se den desde un principio, así será mas fácil.

Consejos

Un truco que puede funcionar es establecer un “Horario para los celos” esto sobre todo es útil para casos no muy graves. Se trata de establecer unos días y horas a la semana en los cuales el celoso podrá expresar sus celos todo lo que quiera, una vez terminada esa hora no podrá volver a hablar del tema hasta el siguiente horario establecido, tendrá que aguantar.
La clave es que se aburra de su propio razonamiento, no recibe ningún tipo de estímulo aunque su pareja también habla, no se defiende y él llevará todo el peso de la conversación.
Llegará un momento en que se cansará de hablar de ellos. El día que no hay horario de celos la pareja se dedicará a hacer algo agradable para los dos con el fin de fomentar la buena comunicación y el buen trato.

No conviertas tu vida en una cárcel

Por último, no debes permitir que el trastorno de tu pareja se convierta en un trastorno familiar. Todos conocemos familias que se adaptan a los requerimientos del celoso y que ocultan, esconden , anulan ciertas actividades para no enfurecer a su pareja. Son trucos que alivian momentáneamente la situación, pero no olvides que es una patología y que su distorsión hará que siempre haya motivo de duda.
Es imposible controlar cada conversación, cada comentario, cada actividad que hacemos para que el otro esté contento, su patología hará que cualquier cosa sea motivo de sospecha, con lo cuál la solución no es buscar trucos que oculten tus actividades. Lo mejor es no fomentar el trastorno y comportarnos con naturalidad, seguir realizando las mismas actividades que hemos hecho siempre y si la cosa empeora, entonces, buscar ayuda.
Por encima de todo no conviertas tu vida en una cárcel y ten en cuenta que seguramente él es mucho más débil que tú.

Fuente: http://mujer.terra.es/common/imprimir/portada.cfm?id=MU213014

27 JUNIO VIERNES> PROYECCION DEL DOCUMENTAL...

2008-06-22T19:43:00.012+02:00

TRAILER > http://www.youtube.com/v/Nr1ABz65hXI&hl=en&color1=0x402061&color2=0x9461ca

EL PROXIMO VIERNES 27 DE JUNIO A LAS 19H

Lugar:
Casa Publica de Mujeres
La Eskalera Karakola.
C/Embajadores 52.

Coloquio con la directora Almudena Carracedo y proyeccion de la pelicula dentro de la V Edicion del festival de Cine Social de Lavapies (21-29 junio- http://lavapiesdecine.net/)
ENTREVISTA DIRECTORA> http://www.youtube.com/watch?v=u78HUTQJmY4

SINOPSIS Made in L.A. ("Hecho en Los Ángeles")
documenta la extraordinaria historia de tres inmigrantes Latinas, costureras en talleres de explotación en Los Ángeles, que se embarcan en una odisea de tres años para conseguir protecciones laborales básicas de una famosa tienda de ropa. Con un estilo de cine directo e intimista, Made in L.A. revela el impacto de esta lucha en la vida de las tres mujeres, a medida que la experiencia las transforma. Conmovedora, simpática y profundamente humana, Made in L.A. es una historia sobre la inmigración, el poder de la unidad, y el valor que se necesita para encontrar tu propia voz.

CITAS EN MEDIOS DE COMUNICACION

"Estremecedor e
inspirador"
-LA JORNADA
"Una apasionante
historia real de solidaridad,
perseverancia y triunfo"
-VARIETY

"Un documental excelente...

sobre la dignidad humana más básica"

-NEW YORK TIMES

Un film valioso y emocionante
-y entretenido tambien-
...exquisito...
el documento de una experiencia"
-LOS ANGELES TIMES

"Un documental emocionante...

el poder del activismo

se pone de manifiesto"

-SALON.COM

"Sí, Se puede"

-THE NEW YORKER

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CRITICA PUBLICADA EN EL PAIS BORJA BAS 04/05/2008

MADE IN LA. El lado feo de la moda

Detrás del diseño de muchas prendas se esconde la explotación que sufren los trabajadores de más de 5.000 pequeños talleres en Los Ángeles. Un documental muestra su cara oculta.

Made in L. A. no es sólo la etiqueta cosida en las prendas manufacturadas en el epicentro de la costura estadounidense. También es un documental que narra lo que no se lee en esa etiqueta. La historia de tres mujeres inmigrantes, María, Lupe y Maura, que lucharon durante tres años por el reconocimiento de sus derechos como trabajadoras en la industria de la moda. Una película que está recorriendo despachos de políticos norteamericanos, aulas de universidad y festivales de todo el mundo y que pone el dedo en la llaga de los países acomodados que tratan a los que vienen de fuera como ciudadanos de segunda categoría. En España, tras hacerse con una mención especial del jurado durante la Semana Internacional de Cine de Valladolid y el premio al mejor documental en el festival Mujeres en Dirección de Cuenca, podrá verse de nuevo el próximo viernes, dentro del programa Documenta Madrid en la Casa de América. Habrá otros cuatro pases del miércoles 14 al sábado 17.

"Muchos trabajadores no eran conscientes de que tenían derecho a un salario y a unas condiciones dignas"

Lo que Almudena Carracedo, una realizadora española afincada en Los Ángeles, comenzó como un cortometraje acabó convertido en un largo proyecto de cinco años. “Empecé siguiendo la labor de estas tres mujeres, viendo cómo cada día después de trabajar malpagadas en talleres de explotación de Los Ángeles continuaban cosiendo en sus casas. Todas lo hacían para empresas subcontratadas por Forever 21, una compañía de ropa que está creciendo a un ritmo vertiginoso en EE UU bajo el modelo de una famosa marca española con precios muy competitivos y que renueva constantemente sus propuestas de temporada. Con estas premisas no se pueden permitir el lujo de importar la producción, por eso se nutren de mano de obra barata y cercana”, cuenta en una reciente visita a Madrid junto a su productor y pareja, Robert Bahar, tras exhibir Made in L. A. en el Festival Internacional por los Derechos Humanos de París. “A principios de esta década, sólo en Los Ángeles existían más de 5.000 pequeños talleres; por tanto, la situación de sus trabajadores resultaba muy difícil de regular. Muchos ni siquiera eran conscientes de que, independientemente de que tuvieran o no sus papeles en regla, tenían el derecho a un salario mínimo y unas condiciones dignas para cualquier trabajador en EE UU”.

Las protagonistas de esta historia se embarcaron entonces en una demanda reclamando “la responsabilidad moral” de estos almacenes y promovieron un boicot a sus productos. Tras un tiempo de lucha, finalmente se llegó a un acuerdo con los trabajadores. Todo esto queda reflejado en la película, que sigue de cerca la transformación personal que experimentan las tres protagonistas. “También entrevistamos a sociólogos e historiadores como Noam Chomsky o Howard Zinn, pero durante el montaje vimos que sus comentarios sobraban, que todo lo que no estuviera contado desde la perspectiva de estas tres mujeres no tenía cabida”.

A raíz de su emisión el pasado mes de septiembre en la cadena pública PBS, el documental se ha convertido en un fenómeno social en Estados Unidos.

“Su impacto llevó a que incluso cadenas tradicionalmente conservadoras, como la Fox, nos invitaran a hablar en sus programas del fenómeno de la inmigración bajo un punto de vista radicalmente diferente a su política editorial”, apunta Bahar. “Incluso hemos sabido que el senador demócrata Harry Reid pidió ver la película poco antes de la votación de una reforma en la ley de inmigración que al final fue positiva para los inmigrantes. No estamos seguros de que la película esté provocando auténticos cambios en las posturas políticas de la gente, pero al menos estamos convencidos de que hemos aportado una pieza interesante para el debate. Y también nos hemos dado cuenta de que reflejamos un modelo que se repite a lo largo del mundo de una manera casi exacta”, concluye la directora. “Como lo que está pasando con los talleres de explotación chinos en la Toscana, convertidos en uno de los principales proveedores para las grandes firmas de moda italiana. Bastaría con indagar un poco en España para saber que aquí, como en todo el mundo, convivimos con situaciones como éstas diariamente”.

Más información en www.madeinla.com y www.documentamadrid.com

Fuente: http://www.elpais.com/articulo/portada/lado/feo/moda/elpepuculcin/20080504elpepspor_4/Tes

Familia patriarcal y machismo asesino

2008-06-04T18:50:00.002+02:00

Familia patriarcal y machismo asesino

BONIFACIO DE LA CUADRA 04/06/2008

El maltrato mata más que el terrorismo, pero no destaca en los sondeos del CIS

No existe una relación inmediata de causa/efecto, pero sí puede afirmarse que la estructura de valores de la familia patriarcal constituye un caldo de cultivo, un terreno abonado, un ambiente propicio para el machismo asesino. De ahí que el gravísimo problema de la violencia de género deba atacarse desde su raíz: el tradicional poderío del varón en todos los ámbitos de la sociedad, y muy particularmente en el hogar familiar.

Es curioso cómo muchas mujeres describen los avances igualitaristas de los hombres -esposos, novios, hijos, padres- en la casa común con expresiones como que el hombre "ayuda" o "colabora" en las faenas domésticas, desde el convencimiento de que el trabajo doméstico es, básicamente, obligación de la mujer -esposa, novia, hija, madre-. Una trabajadora, dentro y fuera de casa, ironizaba hace unas semanas, en televisión: "Mi marido y yo tenemos el trabajo repartido; él deshace la cama y yo la hago, él come y yo hago la comida".

De esa situación hay un paso a Mi marido me pega lo normal, título de un libro del forense Miguel Lorente, recientemente designado delegado del Gobierno para la Violencia de Género. Lorente, con experiencia por sus anteriores cargos en la Junta de Andalucía, expone las causas habituales del maltrato del hombre a su mujer ("no tener preparada la comida", "llevarle la contraria", "no estar en casa cuando él llegó o llamó", "quitarle la autoridad ante los hijos u otras personas"...) y el objetivo de las palizas: mantener la autoridad y lograr que ella esté sometida y controlada. Según Lorente, se trata de una violencia estructural, que actúa de "elemento estabilizador de la convivencia bajo el patrón

[de dominio patriarcal] diseñado", de modo que existe "permisividad social hacia la agresión a la mujer en pequeñas dosis".

De hecho, en las encuestas del Centro de Investigaciones Sociológicas (CIS) sobre las cuestiones que más inquietan a los españoles, el maltrato intrafamiliar no figura nunca entre las preocupaciones principales, a pesar de tratarse de un fenómeno con todos los ingredientes para suscitar la alarma social y con muchas más víctimas mortales que, por ejemplo, el terrorismo.

Una muestra de las raíces históricas patriarcales de la violencia machista la ofrece, en el siglo XVIII, Juan Jacobo Rousseau: "La mujer está hecha para obedecer al hombre; la mujer debe aprender a sufrir injusticias y a aguantar tiranías de un esposo cruel sin protestar. La docilidad por parte de una esposa hará a menudo que el esposo no sea tan bruto y entre en razón". Y dos siglos después, el inefable Josemaría Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei, con muchos adeptos, apuntillaba: "La mujer no tiene por qué ser inteligente. Basta con que sea discreta".

¿Puede extrañar demasiado que el patriarca austriaco Josef Fritzl, tras esclavizar durante 24 años a su hija Elisabeth, se atreva ahora a alardear de haber celebrado en familia la Navidad con aquellas criaturas procreadas mediante violación y que presuma de no "haberlos matado a todos"? Su compatriota, la escritora feminista Elfriede Jelinek, ha arremetido contra un país incapaz de cuestionar "la palabra del padre" y menos aún la autoridad de un padre-abuelo, reflejo de sus rigurosas estructuras patriarcales.

En España también podemos tener claro que el origen del machismo asesino, y de la no menos grave dominación masculina consentida y silenciosa, está en ese modelo patriarcal de familia nucleado en torno a un matrimonio sacramental y procreativo que une a ambos cónyuges, como predica la Iglesia y aplican los maltratadores, "hasta que la muerte los separe".

¿Cómo atajar esa lacra? La juez Manuela Carmena reveló hace años que un recluso le manifestó en la cárcel: "Yo he matado a mi mujer, pero no soy ningún delincuente". Lorente niega que se deba tratar como un mero "conflicto de pareja", según pretendió algún psicólogo, y apuesta por la justicia penal, por cierto mal organizada y poco sutil para resolver conflictos en los que conviven los sentimientos con los delitos. Los propios jueces han cuestionado en más de cien casos los tipos penales feministas creados por la Ley Integral contra la Violencia de Género, mientras siguen sin aplicarse los preceptos educacionales de esa ley integral y continúan pendientes medidas igualadoras, como la equiparación salarial entre ambos sexos y la obligación de los hombres de pedir el permiso de paternidad. En 2007, casi 40.000 mujeres tuvieron que abandonar el trabajo para encargarse de los hijos, frente a sólo 2.000 padres.

En ese contexto, un Gobierno con más mujeres que hombres, una joven ministra de Igualdad y una mujer al frente de las varoniles Fuerzas Armadas constituyen medidas pedagógicas saludables, que crispan a la caverna, pero que no coinciden con la realidad extragubernamental. Mientras predomine la dominación patriarcal, sigan existiendo situaciones de desigualdad y, como ha dicho Ángela San Román, directora del Instituto de la Mujer de Castilla-La Mancha, "se cuestione permanentemente el avance de la mujer", estaremos sembrando la semilla del maltrato.

Fuente: http://www.elpais.com/articulo/opinion/Familia/patriarcal/machismo/asesino/elpepiopi/20080604elpepiopi_5/Tes

"Aquí la literatura es un gueto de mediocridad y pretensión"

2008-05-30T11:37:00.000+02:00

Fuente: http://www.elpais.com/articulo/cultura/literatura/gueto/mediocridad/pretension/elpepucul/20080530elpepicul_16/Tes

CARLOS RUIZ ZAFÓN Escritor

CARLES GELI - Barcelona - 30/05/2008

El autor de 'La sombra del viento', rey Midas del mercado literario en español, es la gran estrella de la feria, a la que llega con un millón de libros bajo el brazo: el número de ejemplares vendidos de su nueva novela, 'El juego del ángel'

El rojo terciopelo del sofá, la estética modernista del local, el cuerpo en semipenumbra tras la gran lámpara circular y su bigote con perilla confieren a Carlos Ruiz Zafón (Barcelona, 1964) un aire mefistofélico que encaja a la perfección con el dramatis personae de su última novela, El juego del ángel (Planeta). Nadie diría, viéndole picotear con parsimonia unos frutos secos, que ahí está uno de los autores españoles más vendidos: 10 millones de La sombra del viento y un millón en apenas 43 días, según su editorial, de su última novela, de la que se han impreso ya 1.600.000 ejemplares y a los que desde ayer se añaden 100.000 más en catalán. Y eso a las puertas de la Feria del Libro de Madrid. Sin duda, ha habido algún tipo de pacto con el diablo.

Pregunta. La presión con la que debió escribir esta novela tras el éxito de la anterior se antoja insoportable...

Respuesta. La presión estaba, claro, pero sólo la noté cuando me acercaba al final y además provenía del proceso mismo de escribir. En verdad, he sufrido más en otros libros que en éste, por tener la sensación de que no eran exactamente lo que yo buscaba. La presión me la puse yo. El resto son factores que estaban fuera de mí. En cualquier caso, el ruido posterior no tiene nada que ver conmigo, sino con la percepción de un personaje público que se ha fabricado de mí y que tiene poco que ver con la realidad.

P. ¿No le gusta la imagen que se da de usted?

R. Bueno, es que se han dicho cosas tan dispares que tampoco hay un retrato fijo: que si soy distante, arrogante, raro... Después, que quizá no soy tan antipático como parecía, y entonces se me perdona la vida... ¿Pero de dónde lo sacan? Me genera perplejidad que una persona que no sabes ni que existe te odie a muerte.

P. El protagonista de la novela, David Martín, medita sobre el mundo literario: "No has querido ser uno de ellos, te encierras en tu caserón". ¿Es su voz?

R. No hay nada en ese mundo que pueda interesarme, para mí es exactamente como la asociación de amigos de la zarzuela; no tengo un interés particular, ni para mal ni para bien, en hacer capillitas o tomar cafés... eso es mucho de aquí. Se participa en estas cosas por necesidad, no por gusto, los autores se involucran porque así sobreviven: un trabajito por aquí o por allí; todo lo que se dice en esos ámbitos es por intereses disfrazados de principios. He tenido la buena fortuna de poder pasar de lado de todo eso. El supuesto mundillo literario es 1% literario y 99% mundillo. Uno entra en él, insisto, porque no tiene más remedio, porque quien tiene remedio, no entra.

P. En El juego del ángel pesa mucho más el thriller, la intriga, lo gótico, que en La sombra del viento. En ese sentido, parece menos literaria... ¿Fue una salida inconsciente para asegurarse el éxito y sacarse la presión?

R. En el contexto español, haberme decidido tras La sombra... a hacer un libro donde se juega con el género fantástico, lo negro y todo eso es quizá la decisión menos comercial que podía tomar. Sé que todo lo que viene de los géneros está mal visto en este país.

P. Leyendo su obra, se nota el peso de su experiencia como publicitario y guionista de cine.

R. De guionista, mucho; de publicitario, mucho menos. Lo de la publicidad fue mi primer trabajo, tenía 19 o 20 años y sí, empecé de copy y acabé de director creativo; aprendí mucho y me ganaba muy bien la vida... Muchos escritores, como Don Delillo, han trabajado en publicidad porque está tocando a la literatura. Ahí aprendes a ver el lenguaje, las palabras como imágenes. Es igual que los novelistas que han sido periodistas. Michael Connelly, un tipo que me interesa mucho, fue periodista de tribunales en Los Ángeles y sin esa formación su literatura sería muy distinta, sin duda. Pero lo que sí impacta en mi obra y nunca se dice es mi trabajo dentro del cine.

P. Quizá eso explica la fluidez de su prosa y de sus diálogos y el dibujo de unos personajes que se describen hablando...

R. Exacto. Los personajes deben definirse a través de sus acciones y sus palabras, no echando un rollo patatero en un párrafo inmenso. Eso es básico en la construcción dramática. Y aquí estamos tan acostumbrados a que esto no se haga... Lo triste es que la narrativa profesional y con decoro esté ahora en las series de televisión.

P. ¿Alta literatura en televisión?

R. El 99% de la mejor narrativa que se hace hoy, de la literatura de calidad, de la gente profesional sin pretensiones ni pedantería ni pose, de la que de verdad sabe construir personajes e historias, o sea, de los que de verdad saben escribir, está en la televisión o en el cine, pero sobre todo en la primera. Gente con ambición, oficio y talento ya prácticamente no está trabajando en literatura. Ésta se ha convertido en un gueto de mediocridad, de aburrimiento, de pretensión y de pose.

P. Quién iba a decir que la buena literatura acabaría en la tele...

R. Sí, la televisión es hoy el equivalente a las cuadras de Shakespeare. La caracterización viene a partir del diálogo: un personaje hay que poder visualizarlo, sentirlo, sus palabras han de connotar siempre acción, la escena te está proyectando un movimiento, ves cómo un personaje se mueve por una sala sin descripción alguna, todo viene de lo que dice. En fin...

P. ¿Se percata de todo eso el lector?

R. Claro, todo esto los lectores lo perciben rápidamente porque están muy por delante del comentario oficial de la crítica, ese búnker de los años setenta que se ha quedado clavado y al que la gente le ha pasado por encima. Cualquier lector tiene ahora una cultura cinematográfica, televisiva, del cómic o de la fotografía... Hay tantas cosas que sabemos leer y que ya son referentes inconscientes...

P. ¿Qué tipo de cine le influyó como escritor?

R. El que vi de niño y que llegaba de EE UU, esa nueva generación de Spielberg, Lucas, De Palma, Scorsese, Coppola... Todo eso me pilló con 10-12 años, con películas como Tiburón y Encuentros en la tercera fase... Yo a los cuatro años quería ser escritor ya, pero cuando vi todo eso aluciné.

P. En sus libros no hay nada al azar. ¿Cómo los arma?

R. Mi método de trabajo está dividido por capas. Escribo como se hace una película, en tres fases. La primera es la preproducción, en la que creas un mapa de lo que harás; pero cuando te pones a hacerlo ya te das cuenta de que vas a cambiarlo todo. Luego viene el rodaje: recoger los elementos con los que se hará la película; pero todo es más complejo y hay más niveles de los que habías previsto. Entonces, a medida que escribes, ves capas y capas de profundidad, y empiezas a cambiar cosas.

P. ¿Y ahí está la novela?

R. De alguna manera, pero en esa fase es cuando empiezo a preguntarme: "¿Y si cambiase los cables, o el lenguaje, o el estilo?". Ahí creo la tramoya, que para el lector ha de ser invisible: el lector ha de leer como agua, le ha de parecer todo fácil... Pero para que sea así hay que trabajar mucho.

P. Cada personaje tiene en sus novelas un doble, un contraespejo. Es algo tan literario como inquietante.

R. Me interesa mucho narrativamente. Siempre he pensado que cada uno de nosotros acaba siendo una versión de lo que hubiéramos podido ser. En otras circunstancias hubiéramos sido personas similares; y en circunstancias extremas, personas radicalmente distintas. En parte, lo que acabamos siendo depende de nosotros y en otra muy importante, no. Casi un 50-50%.

P. Un porcentaje muy alto.

R. No somos conscientes, pero creo que es así. Es muy interesante explorar por qué la gente ha acabado siendo como es. Y eso me intriga tanto en la literatura como en la vida real. ¿Por qué es así, por qué cree y actúa así? Narrativamente es fascinante jugar con personajes que tienen dobles y reflejos. Stephen King habla de la metáfora del filtro en el cerebro: en él se nos atascan cosas a unos o a otros y por eso escribimos de ellas.

P. Lo que somos y lo que pudimos ser o aparentamos, un tema de rabiosa actualidad, ¿no?

R. Vivimos el espejismo continuo, todo es mentira y somos conscientes de que todo lo es, pero no sabemos explicarlo o no sabemos dónde están exactamente los agujeros. Aun así, somos conscientes de que la vida y las relaciones que tenemos son una farsa y un juego que aceptamos en función de nuestra situación de fuerza.

P. De alguna manera, el misterioso editor Corelli aborda eso en la novela.

R. Sí, Corelli plantea: ¿por qué creemos en las cosas, qué significa, qué relación hay entre la biología, las creencias, la emotividad...? Son cosas que están en el aire, racional o irracionalmente. Lo ambiento en los años veinte del siglo pasado, pero hablo de cosas que al lector de hoy le son muy próximas, porque yo escribo para la gente, no para mí mismo, quiero que al lector le toquen de muchas formas pero sin que se dé cuenta quizá... Eso es lo bonito.

P. ¿Arte manipulador?

R. No, arte inteligente, que es el que juega contigo sin que tú te des mucha cuenta. El arte inteligente es el que se mete en nuestro cerebro, en nuestro corazón, sin darnos cuenta.

P. ¿Qué busca en la Barcelona de los veinte o en la de posguerra? ¿Por qué nunca la Barcelona actual?

R. Lo que me interesa de Barcelona como escenario es la que va de la revolución industrial a la Guerra Civil. Desde entonces, en Barcelona no ha pasado nada particularmente interesante en ningún aspecto, y desde hace unos años, cero absoluto. No veo nada sobre lo que escribir.

P. Hace cuatro años resaltó la falta de ambición en Barcelona y en España en general. Con su ir y venir desde Los Ángeles, ¿cómo se ve el patio?

R. En los últimos años se nota una desesperanza histriónica, que no sé hasta qué punto es real. Lo que pasa es que este país está acabando de hacer la transición. Hay una evolución demográfica que crea desajustes traumáticos, por eso vivimos este momento extraño, que desde fuera parece una histeria colectiva. Mucha gente me pregunta: "¿Por qué se pelean tanto ustedes en España?".

P. ¿Es mejor el panorama en Los Ángeles o en Berlín, donde se planteó instalarse hace unos años?

R. Sí, sí, en música, en cine, en narrativa. En España vivimos en la burocratización, mediatización y mediocrización de la cultura, parece que la Administración nos haya de decir qué es la cultura. Hay una cantidad de consejos organizadores y subvencionadores brutal. Eso genera mediocridad.

P. El libro cada vez se vende más en las grandes superficies y tiene una vida más corta en las librerías. ¿Es preocupante eso?

R. El modelo económico afecta a todo, y pensar que el sector cultural va a quedar indemne es ridículo.

P. Claro que usted siempre estará en los dos sitios.

R. Cuidado, yo no estaba en la gran superficie: he llegado después. Durante el primer año y medio de vida de La sombra del viento me harté de oír que era uno de los libros menos comerciales que se podía hacer en el panorama editorial español. Esta situación en EE UU ya ha sucedido, y allí lo que ha acabado ocurriendo es una depuración del mercado, que ha dejado unos independientes muy fuertes que le dan una caña brutal a los grandes superficies comerciales y que saben de verdad de libros, sin tonterías. El que ha desaparecido es el librero independiente pequeño muy esnob. Pasa en todo, y pensar que eso no tocará a los libros es de ilusos.

Dejen a los niños en paz, solo son un espejo

2008-05-11T20:29:00.002+02:00

Una reflexión sobre la escuela, el poder y la violencia

Emilio Delgado

Desde los púlpitos mediáticos llevamos no poco tiempo escuchando que las escuelas son, más o menos, campos de batalla en los que sufridos profesores ven a diario como sus alumnos afectados por una especie de “síndrome del salvajismo” no conocen límites a la hora de incordiar, molestar, agredir o vejar.

L@s alumn@s más interesados en dar palizas y grabarlas con el móvil que en estudiar, necesitan, por lo visto, mano dura.

Y en mitad de ese discurso aparecen decretos de “convivencia”, sanciones, expedientes, inspectores y una apuesta decidida por fomentar la educación privada.... que no parecen estar dando respuesta al problema puesto que, lejos de desaparecer, se está convirtiendo paulatinamente en parte del paisaje escolar y la crónica diaria.

En este problema, como en tantos otros, surge la pregunta que repiten televisados expertos, sesudos tertulianos... ¿Qué está fallando en el sistema.?

Sin embargo, creo que existe una pregunta previa, silenciada y fundamental.... ¿De verdad está fallando.?

¿Es cierto que no funciona el sistema escolar.?

La respuesta a esta pregunta depende fundamentalmente de los objetivos que se hayan marcado para dicho sistema. Es absurdo quejarse de que el congelador no calienta, de que la ducha no aspira bien o de que la pecera no cambia de canal. Es absurdo porque no fueron diseñados para esos menesteres.

Si todo el andamiaje de la educación primaria, secundaria, formación profesional, universidad, etc... está orientado a la formación de ciudadanos libres, responsables, cultos, felices y solidarios como parecen asegurar los preámbulos de las leyes que rigen la educación , entonces la respuesta evidentemente es que si, que está fallando estrepitosamente. La alta conflictividad en la comunidad educativa, la proliferación de centros de reforma para menores, el incremento de la violencia social que vivimos cada día, el adelanto en la edad de inicio del consumo de drogas o el escaso interés de la juventud por el conocimiento y la cultura que se desprenden de numerosos informes, parecen dejar claro que esos objetivos no se estarían alcanzando ni de lejos.

Puede argumentarse que el objetivo es más bien el de ofrecer simplemente un formación técnica que permita a l@s jóvenes competir en el mercado laboral. Triste objetivo sería este que relega a un segundo plano aquello de vivir en un mundo mejor, pero es que ni por esas. Cerca de un 30% de fracaso escolar, un altísimo grado de absentismo o unos resultados académicos que son la risa de Europa según informes de la UE, son indicadores de que tampoco este objetivo se está cumpliendo.

Podríamos, en cambio, atender a los maquiavélicos empeños de miles de educadores encuadrados históricamente en trayectorias como la escuela nueva, las pedagogías libertaria o socialista, autores con nombres propios reconocidos mundialmente en el campo de la pedagogía como Ferrer y Guardia, Robin, Freinet, Illich o Reimer , sociólogos y filósofos como Bourdieu, Passeron, o Althusser parecen señalar que los objetivos de los sistemas escolares de los regímenes capitalistas son otros muy distintos.

Si analizamos las instituciones escolares en las que dejamos a nuestros hijos e hijas, su funcionamiento y organización, sus formas cotidianas, etc... es posible que avancemos algo en esta cuestión.

Si el objetivo es hacer partícipes de la vida en sociedad a personas buenas, con un fuerte sentido democrático, ilustradas, con inquietud intelectual y espíritu crítico, capaces de desarrollar al máximo todas sus potencialidades, el entorno entonces, eso que se da en llamar “comunidad educativa” debería constituir un marco referencial, un modelo del que alumnas y alumnos pudieran tomar buena nota.

Un entorno democrático, participativo, pedagógico, integrador... estimulante.

Si el objetivo propuesto fuera el de extraer de las personas lo mejor de sí mismas, el de acompañar y facilitar el desarrollo personal y educativo de tod@s por igual, la actividad educativa giraría en torno al alumnado, a sus características y demandas, aprovechando la curiosidad de éstos para mediar entre la escuela y la vida. En un contexto así, el profesor pasaría a un segundo plano, su figura sería más la de un facilitador que estimula y provoca, que la de un cura que adoctrina y castiga.

Sin embargo, el entorno cultural escolar está mediado por núcleos de poder (profesores, libros de texto cuyos contenidos trataremos a continuación, reglamentos de régimen interno formados por normas impuestas y nunca consensuadas, etc...) que impregnan la educación y la cultura de ideología. Una ideología que establece la máxima de bienestar igual a consumo. Una ideología que propugna que tendrá más capacidad para consumir el que más títulos acumule. A la larga, una maquina de fabricar frustrad@s.

En ese papel de sumos sacerdotes, abundan prácticas pedagógicas que niegan la bidireccionalidad de la educación y que se asientan sobre estructuras piramidales de poder de manera que en este medio queda claro el mensaje.

Alguien es más que alguien.

¿Y cómo se define la posición social en la escuela? Por el lugar que uno ocupa en la institución, por el reconocimiento social que la institución hace de tal o cual alumno (generalmente basado en las calificaciones y el grado de acatamiento del reglamento de régimen interno.) y entre el grupo de iguales por el nivel económico y el grado de ostentación del mismo (De ahí la obsesión por el móvil más caro, el cordón de oro o las zapatillas último modelo.)

También por el grado de coincidencia que haya entre el universo simbólico de un alumno determinado y el universo simbólico dominante, esto es, por el grado de “normalidad” sin olvidar que este último concepto es fruto del consenso social del grupo normativo.

En general, cuanto más se parezca un alumno a la gente que sale en las series de Tv. o en los anuncios, mayor será su grado de integración en la escuela, es decir, su “popularidad”.

De tal manera que en el escalafón más bajo encontraremos, o no encontraremos debido al absentismo, a aquellos alumnos/as que con un nivel económico escaso, cuyas pautas culturales hay que buscar en los límites del sistema, su música, amistades, formas de relación y conversaciones serán diametralmente opuestas a las del perfil que antes mencionábamos, quedará claro para estos muchachos (aún no siendo conscientes de ello) que la escuela no está hecha para ellos. Que no encajan. Que ese no es su lugar.

Pero hace tiempo que la educación no sólo es un derecho sino una obligación, y habrán de asistir a esa escuela en la que no caben, les guste o no.

De lo contrario un buen número de recursos para controlar el absentismo escolar se pondrán en marcha.

La característica básica de estos recursos es que van dirigidos al alumno absentista y como mucho a su familia, no tocan a las administraciones públicas, ni a los ayuntamientos, no exigen responsabilidades al profesorado, los centros de enseñanza ni a la Comunidad Autónoma que dedica alrededor de 60 céntimos por alumno a la prevención del absentismo en algunos municipios de Madrid.

A pesar de que entre la comunidad educativa es más que sabido que el fenómeno del absentismo y posterior abandono escolar, es un fenómeno poliédrico de múltiples y distintas causas.

En palabras de Mª Teresa González González Ponente de la Universidad de Murcia en las terceras Jornadas sobre absentismo escolar celebradas en Aranjuez en Marzo de 2007: “Los alumnos pueden estar en situaciones de riesgo, pero los contextos escolares pueden ser en sí mismos entornos de riesgo.” Y habla de factores institucionales tales como: “ Condiciones Organizativas que generan un clima escolar inhóspito para los alumnos; contenidos curriculares academicistas y fragmentados; aburrimiento de los alumnos ante una enseñanza poco retadora para ellos; preeminencia de estrategias de enseñanza limitadas y rígidas; textos y otros materiales didácticos inadecuados o poco ajustados a las características y necesidades de los estudiantes; expectativas bajas en relación con alguno de ellos; actitudes no siempre positivas por parte del profesorado ante determinados alumnos y sus familias; tutorías y apoyos que no siempre responden a las necesidades académicas y sociales de los alumnos; inexistencia de un proyecto mínimamente compartido del centro escolar como una organización que ha de promover el aprendizaje para `todos´ los alumnos diferentes y diversos como son, etc...”

Y es que el proceso educativo cada vez tiene menos que ver con educar y más con adoctrinar, con recitar unas materias desenganchadas de la vida en movimiento y alejadas de lo que debería ser una obsesión para cualquier sistema educativo público, esto es, educar para la vida. Situar al joven frente a la realidad social que le rodea objetivándola para que esta pueda ser interpretada y si él mismo considerase necesario modificarla, fuera capaz de hacerlo.

La realidad del día a día en la inmensa mayoría de los circuitos educativos va, exactamente, en sentido contrario. No puede sorprenderos por tanto, que much@s adolescentes tengan graves dificultades para convivir con otr@s e integrar sus expectativas y deseos en las aulas de forma respetuosa con las expectativas y deseos de los demás.

Otra muestra de cómo el interés de la administración en lo tocante a educar se aleja del interés de las personas, es la relativa a los libros de texto.

Es imposible imaginar que a nadie en todo el entramado que organiza la escolarización se le haya pasado por la cabeza que tal vez no sea necesario que cada familia desembolse año tras año 300 € por hijo y curso cuando sería sencillo que los centros tuvieran un banco de libros de texto o bien que estos no caducaran en nueve meses. Aquí quien gana son las entidades editoriales, muchas veces conectadas con grupos mediáticos (como es el caso de el Grupo Santillana, que engloba las actividades de PRISA en educación, edición y formación.) que prestan cobertura ideológica en sus medios a los partidos políticos, los cuales a su vez generan un pingüe negocio a estos grupos económicos. Aunque sea a costa de buena parte de la renta familiar. ¿Educación o negocio?.

Pero... ¿Qué cuentan esos libros pagados a precios de incunables que las familias están obligadas a comprar cada comienzo de curso.?

En un artículo de la escritora Belén Gopegui titulado “Informe sobre la carta robada”, se analizan los resultados de un informe elaborado por ecologistas en acción y que realizaron veinte personas durante tres años. Se analizaba precisamente esta cuestión, que cuentan, y que no cuentan los libros de textos.

La autora explica que: “Cuando en un libro de matemáticas se pone un ejercicio sobre cuánto cuesta el equipo de montar en bici de Roberto, equipo que, por cierto, cuesta, sin contar la bici, 156,87 euros, y cuando la gran mayoría de problemas aritméticos versan sobre compras de ese tipo, no sólo se cuenta cómo se suman euros. También se cuentan cosas que tienen que ver con el sentido de lo necesario, lo útil,lo raro, lo normal.”

Entre lo que cuentan encontramos perlas como estas: «Los coches funcionarán dentro de muy poco con agua y así no contaminarán el medio ambiente» (Lengua), «Los expertos dicen que todos van a tener acceso a Internet en el año 2020» (Inglés), «La tecnología debe aportar los medios necesarios para satisfacer las necesidades humanas» (Economía), «El teletrabajo permitirá disfrutar de más tiempo libre» (Historia), «Gracias a la clonación se podría conseguir un aumento de la producción y así se podrían paliar deficiencias alimenticias de una parte de la población humana» (Biología y Geología), «Durante la Guerra del Golfo, los soldados de EEUU y de otros países aliados pudieron tomar todas sus comidas en las trincheras, calentitas y en cualquier momento, gracias a la tecnología» (Física y Química).

Lo que esconden estas frases es que las soluciones al hambre en el mundo, a la pobreza, a la escasez de tiempo libre, no son un problema técnico sino político. No dependen de la evolución tecnológica sino del resultado de la lucha de clases sociales. Hoy ya existe la posibilidad de hacer el triple de automóviles con la mitad de personas en el mismo tiempo, el problema es que los beneficios obtenidos no se emplean en mejorar la calidad de vida de la humanidad sino en engordar las cuentas de las empresas automovilísticas.

Los autores de este informe señalan que los silencios, aquellas cuestiones de las que no se habla en estos libros son, si cabe, aun más llamativos ya que en esas ideas no expuestas se encuentran algunas claves que permitirían a l@s alumn@s descifrar el mundo complejo en el que viven para así poder manejarlo.

Los silencios a los que aluden tienen que ver con: «las multinacionales [con la excepción de dos libros], el reparto del poder, las culturas arrasadas, las aportaciones de las mujeres, los sindicatos..., los movimientos alternativos (aunque sí las ONG de ayuda), la autosuficiencia, los proyectiles reforzados con uranio, las aficiones de bajo impacto ecológico..., los bancos, la pérdida de soberanía alimentaria, el modo en que se impone la comida basura, las patentes de semillas..., las soluciones colectivas, los dueños y los daños de la televisión..., las cargas de la policía, las mentiras de los libros de texto...».

Además de actuar como un mecanismo reproductor de las clases sociales, el sistema escolar funciona como transmisor de valores y creencias que se corresponden con el sistema y que no sirven ni de lejos a los intereses del conjunto de la sociedad sino a los intereses de una pequeña parte de esta: La minoría privilegiada que acapara el dinero, el poder, y que decide como debe organizarse toda nuestra existencia.

En Castilla y, muy especialmente en Madrid, la educación juega un papel muy relevante en la defensa del capitalismo, el nacionalismo español, la monarquía y la constitución del 78.

Podrá argumentarse que esa constitución es nuestra norma superior y su conocimiento es fundamental para los niñ@s y jóvenes, pero una cosa es dar a conocer una norma y otra muy distinta es hacer apología acrítica y manipuladora sobre niñas y niños.

Redacciones sobre lo mucho que debemos al rey, cuadros con la imagen de sus majestades sobre las pizarras, murales ensalzando las muchas virtudes de la constitución, visitas a instalaciones de las fuerzas de seguridad del estado o a centros comerciales, constituyen actos de adoctrinamiento por los que pasan los escolares sin que nadie proponga una visión crítica, alternativa, del papel y funciones de estas normas e instituciones.

De nuevo silencios clamorosos, por ejemplo en lo relativo al hecho castellano en la asignatura de Historia. No más de 20 líneas dedican la mayoría de los libros de texto a la guerra de los comuneros (Señalada por Marx y Engels como el primer intento de revolución moderna en Europa) o a la desconexión de Madrid del resto de Castilla en el año 1983, creando un ente artificial que rompía la unidad de un pueblo y que a la postre se ha convertido en bastión del españolismo más rancio y de la derecha más extrema. Las cuatro menciones a la cultura castellana son presentadas como propias de España, fragmentadas, inconexas.

Podría explicarse a estos mismos jóvenes, que el rey fue nombrado por franco a dedo, que la constitución se aprobó tras una dictadura militar de 40 años y la amenaza de una posible regresión al pasado, que nuestro ejército está encuadrado en instituciones supranacionales como la OTAN responsable de masacres a civiles desarmados o que muchos centros comerciales triplican beneficio gracias a horas extras impagadas, contratos precarios y favores políticos.

O mejor aún, no habría que explicarles ni lo uno, ni lo otro, sino fomentar el interés por estas cuestiones, proporcionar instrumentos que permitan informarse libremente a los jóvenes, investigar los orígenes y trayectorias de los acontecimientos y procesos sociales e impulsar un debate entre las generaciones que van a vivir con normas e instituciones que ellos no han elegido, sobre las que no se les ha consultado y que tal vez deseen modificar puesto que les van a afectar y condicionar de forma inevitable.

Lamentablemente el proceso de construcción masivo de identidades asociales que explica los desordenes en la convivencia que saltan a los telediarios, no acaba ni empieza en la escuela. Los colegios e institutos se ven atravesados por multitud de variables que tienen lugar fuera, más allá de los muros, en las familias y las vidas del alumnado. La debilidad económica de muchas familias que hace aumentar el tiempo de trabajo y renunciar al de cuidados, el precio de la vivienda, unos medios que bombardean a pequeños y mayores con valores machistas, individualistas, de poco esfuerzo y éxito rápido o la imposición de la cultura de salsa rosa y politono, están dando lugar a un individuo que muchos han dado en llamar “El individuo light” caracterizado por la ruptura de lazos comunitarios, por un autismo social intenso y por el desentendimiento del hecho político como regulador de la vida en común.

En palabras de Agustín Morán: “El despliegue de una economía de mercado requiere la producción de una sociedad de mercado y de una persona de mercado...un individuo que debe mirar hacia sí mismo, hacia sus intereses y no hacia los demás. Esta propuesta irracional y perversa no sólo describe sino que también prescribe el modelo de persona considerado decente: la persona egoísta que se atiene a buscar su beneficio particular dentro de las leyes del mercado.”

Este modelo de persona, encuentra su satisfacción a través de vías eminentemente individuales y consumistas y presenta graves dificultades para gestionar sus emociones y los conflictos inherentes a la vida con otr@s.

El discurso de la escuela de calidad y la excelencia responderá no obstante, que la escuela no puede ser el marco en el que resolver los problemas sociales, que perderíamos a los mejores alumnos por bajar el nivel para los demás o que los profesores no dan abasto ni es su función hacer de trabajadores sociales.

Sin embargo, si la escuela no está para forjar personas que construyan un mundo más justo y solidario.... ¿Para que sirve la escuela.? No es una pregunta superficial.

De entrada, parece que tampoco está sirviendo a los objetivos de crear supercerebros. El informe PISA sitúa a la educación española en los últimos puestos del pelotón europeo.

Los alumnos de la escuela española son los últimos en aprobados, en conocimiento matemático, etc....Los profesores, según el mismo informe, son los más desmotivados de Europa y el 90% de las bajas que sufren tienen que ver con trastornos psicológicos.

Todo esto habría que engarzarlo con el tremendo atraso tecnológico que sufre el estado español, con una productividad ridícula en comparación con el resto de países de la unión europea y con un atraso tecnológico y de I+D monumental que obliga a que la locomotora económica española se mueva gracias a unas tasas de precariedad laboral en las que, aquí sí, ganamos a cualquiera.

Claro, si el capitalismo español es incapaz de ganar por la maña, ganará por fuerza. Flexibilización del mercado de trabajo a través de sucesivas reformas laborales, abaratamiento de despidos, horas extras impagadas, compra de sindicatos a base de subvenciones millonarias, etc...

Pero para ganar por fuerza es necesario tener una masa de trabajadores poco cualificados, sin muchas opciones y cuanto más ignorantes e individualistas mejor. Ya tenemos respuesta a la pregunta.

La escuela está proporcionando a través del abandono escolar una ingente cantidad de jóvenes alienados dispuestos a trabajar en los trabajos peor pagados, sin capacidad ideológica de resistencia ni referentes sociopolíticos que enfrenten esta situación.

No obstante, buena parte de esta juventud precarizada que ha sido incapaz de funcionar en un sistema escolar de las características aquí expuestas, tendrá mayores dificultades de integrarse en un mundo laboral aun más jerarquizado y exigente. Aquí entraran en contacto con el mercado negro, el tráfico de drogas, etc...que ofrece la posibilidad de beneficios rápidos y sin esfuerzos frente a la alternativa de trabajar como peones largas jornadas por 800 euros. La trampa está servida.

Afortunadamente la Historia no está escrita, es el resultado de luchas sociales, y muchas madres y padres, profesores y alumnos se resisten a esta dinámica excluyente. Constituyen ell@s sí, lo mejor del sistema educativo, precisamente por que trabajan contra él. La realidad es contradictoria y maravillosa y también desde dentro del enemigo, la resistencia florece.

Educadores y educadoras empeñados en empoderar a los alumnos, devolverles la capacidad de ser protagonistas de sus vidas e influir con su acción en el curso de los acontecimientos y estimular en ese contexto la investigación del conocimiento histórico, científico, artístico, filosófico, político, etc...teniendo en cuenta las desiguales posiciones en las que parten los alumnos que llegan a la escuela, reconociendo la diferencia para integrarla en una práctica pedagógica que no se desentiende del compromiso ético con los alumnos : Con todos los alumnos. Debemos estarles agradecidos.

Emilio Delgado es educador Social y miembro de la plataforma Comuner@s.

Fuente: Rebelión

MADE IN LA. El lado feo de la moda

2008-05-04T20:49:00.003+02:00

BORJA BAS 04/05/2008

Detrás del diseño de muchas prendas se esconde la explotación que sufren los trabajadores de más de 5.000 pequeños talleres en Los Ángeles. Un documental muestra su cara oculta.

"Muchos trabajadores no eran conscientes de que tenían derecho a un salario y a unas condiciones dignas"

A raíz de su emisión el pasado mes de septiembre en la cadena pública PBS, el documental se ha convertido en un fenómeno social en Estados Unidos.

Más información en www.madeinla.com y www.documentamadrid.com

Fuente: http://www.elpais.com/articulo/portada/lado/feo/moda/elpepuculcin/20080504elpepspor_4/Tes

DECIR EL MUNDO EN FEMENINO

2008-04-13T20:22:00.002+02:00

PURIFICACIÓN MAYOBRE
UNIVERSIDAD DE VIGO

INTRODUCCIÓN

Decir o nombrar el mundo en femenino implica hablar de lenguaje, pero para referirse al lenguaje hay que tratar el tema del pensamiento dada la íntima relación existente entre uno y otro, de tal modo que no se sabe quién supedita a quién, aunque probablemente el condicionamiento sea recíproco. En este caso, debido a mi propia formación, resuelvo el dilema analizando más pormenorizadamente el pensamiento y deduciendo que las cualidades inherentes a éste son consustanciales al lenguaje.

El sistema de pensamiento occidental se caracteriza por ser un sistema bivalente, pero en el que los dos términos de la valencia no tienen el mismo valor, pues uno siempre es positivo y el otro negativo. Esta visión dicotómica conduce a una jerarquización de las partes, ya que los términos positivos se asocian con otros positivos y los negativos con otros negativos, reforzando así la cadena. Esto es lo que explica que en la dicotomía Alto/Bajo, el primer término del binomio lo relacionemos con conceptos como superior, divino, elevado, en tanto que "bajo" lo asociamos con ideas como inferior, ínfimo, feo. Lo mismo sucede con el par Derecha/Izquierda, queriendo significar cuando expresamos la palabra "derecha" algo que es recto o justo, pero con la voz "izquierda" insinuamos que algo es retorcido o siniestro. Por su parte el término "blanco" lo asociamos con claro, níveo, angelical y sin embargo el vocablo "negro" lo hermanamos con conceptos como oscuro o tenebroso.

La dicotomía es, pues, un hecho inherente a nuestra cultura, es universal, aunque no se sabe muy bien cuáles son las causas. Según la historiadora Gerda Lerner (1) la división patriarcal de los sexos quizás haya sido el punto de partida de la binariedad. Según el antropólogo Levi-Strauss (2) los sistemas de parentesco, la exogamia y el tabú del incesto -entendido no como una regla que prohibe casarse con la madre, la hermana o la hija, sino como una regla que obliga a entregar a la madre, la hermana o la hija a otra persona- son sistemas de comunicación social en la medida en que son sistemas de correlación y oposición que definen a la mujer permitida y a la mujer prohibida. En cualquier caso, y fuera cual fuera la causa de la binariedad, el hecho es que nuestra cultura, desde el lenguaje -que es su más importante fuente de expresión- hasta la última manifestación contenida en ella, está organizada binariamente.

El sistema binario aplicado a los sexos da lugar a una jerarquía o asimetría, ya que el varón se declara el sujeto del discurso, del logos, de la historia y el que tiene capacidad de nombrar el mundo, de ordenarlo, de configurarlo simbólicamente de acuerdo con su forma de ser, de pensar y de sentir, siendo pues los varones los que ocupan el polo positivo, en tanto que las mujeres serían lo negativo. Esto es lo que explica que, aun siendo nuestro sistema de pensamiento binario, sin embargo se haya erigido sobre el régimen del Uno, del Mismo, en la capacidad significante del cuerpo viril, ese cuerpo que se autorrepresenta en torno al falo solitario, rechazando o excluyendo todo lo que no se asimile o identifique con ese Uno, negando toda diversidad o heterogeneidad y reduciéndola a lo otro. Sin embargo, en el mundo siempre ha habido sujetos y discursos que desbordan esa relación de opuestos, si bien esos sujetos no han tenido un lenguaje propio o una representación simbólica de la realidad que les diera significación. No obstante, en los últimos tiempos desde ciertas corrientes feministas se pretende elaborar un discurso que acabe con esa exclusión o asimilación del otro, al tiempo que se pretende dar potencia significante al cuerpo de mujer, a ese cuerpo con capacidad de ser dos, con capacidad para relacionarse con lo que no es una misma, con capacidad de amarlo, respetarlo y potenciarlo en vez de negarlo, rechazarlo o excluirlo.

EL PATRIARCADO COMO EL PODER DE NOMBRAR

El proceso de elaboración de símbolos, de creación de lenguajes y sistemas simbólicos constituye el fenómeno de humanización propiamente dicho, el desgajamiento del Homo Sapiens de la naturaleza y su entrada en la cultura, pero dicho proceso ocurre excluyendo a las mujeres y proclamando al varón como único sujeto del discurso, del habla y como único representante de toda la humanidad.

Si bien hay lingüistas que afirman que el lenguaje es un "código de códigos", que no hay que suponer una especifidad en la palabra, que la palabra es un signo abierto a cualquier función ideológica y que, por lo tanto, no hay que presuponer un prejuicio machista en la lengua, sin embargo si estudiamos el lenguaje no sólo como un fenómeno abstracto y en su dimensión sintáctica, sino en su relación semántica y pragmática, en un contexto, en un "juego de lenguaje", entonces la lengua o el habla se comporta no tanto como un sistema de signos sino como un medio de comunicación social en el que se refleja la relación entre los sexos, porque:

"Hablar supone algo más que unos conocimientos lingüísticos, la competencia comunicativa implica unos conocimientos extralingüísticos. Estos conocimientos conforman un mundo de referencias compartidas por los hablantes, un conjunto articulado de "saberes" convencionales sobre los que se apoya el uso del lenguaje en la comunicación. Es lo que se denomina la Enciclopedia o conocimiento del mundo... Pero la Enciclopedia no sólo contiene informaciones, incluye también creencias, valores, prejuicios, estereotipos... ideología. Recoge una determinada concepción del mundo, la representación interna de la realidad propia de una época y de una cultura. Y, en tanto que es un factor sociocultural, está supeditado a la diversidad cultural y a la movilidad social... Podemos decir que el sistema de género social-sexo es el más amplio contexto sociocultural presente en todo proceso comunicativo, y la memoria enciclopédica está, consecuentemente, teñida de ideología sexista, de androcentrismo" (3).

La consideración de la lengua como algo más que unos conocimientos lingüísticos, como una competencia comunicativa que implica unos conocimientos extralingüísticos, hace que resulte significativa la pregunta por quién habla, por quién nombra o significa el mundo. Como dice Cristina Molina Petit:

"La pregunta pertinente sería. ¿Quién establece el código y quién lo entiende?, ¿Quién impone el criterio valorativo?, ¿Quién, en fin, es el que habla? No es la mujer, precisamente, la que habla ni la que ha hablado de sí; no es la mujer la que ha manejado el Logos, ni siquiera en la Edad de la Razón; no es la mujer la que se ha representado a sí misma, la que se ha signado "su sitio". Otros han hablado por ella. Tales discursos no van dirigidos siquiera a ella, sino a través de ella y a pesar de ella.

Es justamente la capacidad de hablar por alguien y la posibilidad de señalar sitios a otros lo que caracteriza al patriarcado como sistema de dominación"(4).

En los apartados siguientes trataremos de exponer algunas respuestas dadas a esas preguntas por la religión y la filosofía.

LA RELIGIÓN

La religión judeocristiana y en general las religiones monoteistas nos ofrecen una justificación de cómo las mujeres quedaron excluidas del proceso de creación de símbolos, del camino que marca la separación del ser humano de la naturaleza y su entrada en la cultura. El monoteísmo borró poco a poco el importante papel desempeñado por las mujeres en los cultos primitivos e instauró una religión patriarcal en cuanto que a Dios se le representa como un Dios masculino, que habla y pacta sólo con los varones, cómo queda bien patente en el rito iniciático exigido por la religión judía, la circuncisión, rito que atañe sólo a los varones.

Sin embargo, las primeras deidades existentes fueron las diosas de la fertilidad, cuyo culto y poder va desapareciendo conforme se va institucionalizando el patriarcado. El paso del politeísmo al monoteísmo ocurre cuando aparecen los sistemas simbólicos, la escritura, el concepto, el nombre, es decir, cuando aparecen aquellas herramientas que permiten pasar de hechos observables, como la fertilidad femenina, a conceptualizar un poder creativo simbólico.

"Hasta que las personas no pudieron imaginarse un poder abstracto, invisible e insondable, personificado en ese "espíritu creador" no pudieron reducir sus incontables, antropomorfizados y conflictivos dioses y diosas a un único Dios... este proceso se prolonga durante un período de más de mil años y culmina en el Libro del Génesis"(5).

En el relato del Génesis se observa el proceso de culminación del pensamiento abstracto al conferir el poder de creación a la palabra, a la capacidad de nombrar, ya que según la narración bíblica la palabra de Dios tiene poder creador, pues dijo Dios: "Haya luz; y hubo luz" (Génesis, 1, 3). Pero la simbolización del poder creador se manifiesta sobre todo en el acto de creación del hombre: "Entonces Yahvé Dios formó al hombre con polvo del suelo, e insufló en sus narices un aliento de vida y resultó el hombre un ser viviente" (Génesis, 2,7). El proceso de creación continúa con los animales del campo y las aves del cielo: "Y los llevó ante el hombre para ver cómo los llamaba y para que cada ser viviente tuviese el nombre que el hombre le diera" (Génesis, 2, 19). Por último, después de crear Dios a la mujer de la costilla de Adán, éste procede a darle nombre, diciendo: "Esta vez si que es hueso de mis huesos y carne de mi carne. Esta será llamada mujer, porque del varón ha sido tomada".

De la narración bíblica -independientemente de determinadas explicaciones teológicas o de las interpretaciones feministas actuales- se ha deducido durante milenios que la mujer fue creada después que el hombre, a partir del hombre y al servicio del hombre; se ha inferido que Dios creó al hombre y a la mujer de una forma significativamente diferente, ya que al hombre lo creó directamente en tanto que a la mujer la creó de la costilla de Adán. También se concluye que el poder creador es divino, pero que el significado y el orden de las cosas proviene de un acto humano, de dar un nombre y ese poder se lo otorga Dios a Adán, quien no sólo ordena y da nombre a las cosas sino que también da nombre a la mujer.

Este hecho reconocido por el Génesis, el que es el hombre el que tiene la palabra, el que tiene la capacidad de nombrar e interpretar el mundo es avalado posteriormente por la Iglesia y particularmente por la tradición paulina, con las recomendaciones de que "la mujer se calle en la iglesia" o "no tolero que la mujer enseñe" o "un don de Dios es la mujer callada, y no tiene precio la discreta", o "si quieren aprender algo, que en casa pregunten a sus maridos, porque no es decoroso para la mujer hablar en la iglesia".

De este modo, la religión judeocristiana, como la musulmana, instaura dos importantes mitos para las mujeres: el tabú de la virginidad y el del silencio, simbolizados en la ley del velo impuesta por dichas religiones, es decir, en la obligación de llevar velo las mujeres, porque para el patriarcado es muy importante que determinados orificios del cuerpo femenino permanezcan tapados, cerrados, particularmente los labios de la boca y de la vulva, en tanto que otras aberturas como los ojos y los oídos deben estar bien abiertos para que penetren los modelos de socialización, de género, elaborados por el patriarcado.

De esta forma, si los labios femeninos permanecen cerrados, su sexo, su ser mujer quedará sin construir, sin una representación simbólica, sin una configuración simbólica propia, porque es con el lenguaje con lo que se constituye una cultura. En este sentido se puede afirmar que el cuerpo femenino "es un hecho desnudo y crudo"(6), un sexo que ha quedado fuera de la cultura, que está desprovisto de una representación simbólica privativa porque no ha sido pensado por y para sí. De esta forma "un sexo que no se dice, que no está construido con signos propios, queda fácilmente subordinado al sexo que tenga existencia simbólica propia"(7).

Es cierto que Juan Pablo II en Mulieris Dignitatem pretende hacer ver el importante protagonismo de María en la encarnación, por medio de la cual Dios se hace hombre para, desde su condición humana, redimir a la humanidad; de ahí el relevante papel de María, pero pensemos que María no es más que un vehículo para que se realice la encarnación, no es más que un sujeto paciente, cuya voz se limita a decir "fiat", es decir, "hágase en mí según tu palabra".

Hoy como ayer, por tanto, la Iglesia sigue confinando a la mujer a su destino tradicional de esposa, madre, hermana, cuidadora del hombre, exaltándola mucho en la actualidad pero impidiéndole realizar tareas como el sacerdocio, la predicación etc.

LA FILOSOFÍA

Para la filosofía como para la religión el proceso de hominización propiamente dicho comienza con la utilización de la palabra, de la razón, del diálogo, de tal forma que los griegos consideraban bárbaros a los que no utilizaban su lengua, su logos. Para confirmar esto no hay más que recordar la definición de Aristóteles según la cual "el hombre es por naturaleza un animal político", queriendo significar con el término "político" que el hombre es, entre los animales, el único que tiene palabra, con lo que -a diferencia de aquellos- va a dirimir las cuestiones por medio de la palabra y la persuasión y no por la fuerza.

Ahora bien, el ámbito de lo político es la polis, el ágora, pero para usar la palabra en el ágora, para dialogar o intercambiar logos había que estar en posesión de la palabra, así que del ágora estaban excluidos los bárbaros, las mujeres y los esclavos. De esta forma la filosofía, es decir, el primer sistema de representación simbólica que pretende dar una explicación racional del mundo, niega a las mujeres una de las características específicas de la humanidad, la capacidad de la palabra, la posibilidad de tener un discurso propio y de nombrar o decir el mundo desde sí misma, no pudiendo más que repetir, en el mejor de los casos, la palabra, o decir el mundo tal y como ha sido nombrado e interpretado por los varones, es decir, por el sistema de pensamiento que niega la diferencia sexual.

Esta pretensión aristotélica de que el hombre hablara por toda la humanidad será ratificada por la filosofía moderna, incluso por gran parte del pensamiento ilustrado como muy bien muestra Geneviève Fraise en su libro Musa de la Razón, en el que nos muestra el empeño de excluir a las mujeres de los beneficios del sistema liberal y democrático, implantado poco después de la proclamación de la Revolución Francesa y una vez abolidos los criterios de legitimación del Antiguo Régimen. Es cierto que por otra parte los acontecimientos revolucionarios, parte del pensamiento ilustrado y la proclamación del paradigma de la igualdad -frente a los privilegios otorgados por el linaje, la cuna o la sangre del paradigma feudal- favorecieron la exigencia por parte de las mujeres de la universalización de derechos a su sexo, exigencia que será desoída por el nuevo sistema político. La negación no se producirá de una forma directa o utilizando un lenguaje claramente político, ya que eso contradecía la lógica democrática del nuevo régimen político, sino apelando siempre a causas secundarias, como la inconveniencia de la instrucción de las mujeres, inoportunidad resaltada por autores como Rousseau o Sylvain Maréchal.

Rousseau, el gran pedagogo de la modernidad, el defensor por excelencia de la necesidad de la educación para Emilio, no considera necesaria dicha educación para Sofía. Por su parte Sylvain Maréchal, redactor de un Almanaque de la Gente Honesta en 1788 (que anticipa el Calendario Revolucionario), del Diccionario de los Ateos antiguos y modernos en 1800 y del Manifiesto de los Iguales de Babeuf en 1796, en el que defendía la igualdad real frente a la engañosa igualdad formal, publica en 1801 un opúsculo titulado Proyecto de una ley que prohiba aprender a leer a las mujeres con el que se propone impedir el acceso de las mujeres a la lectura, es decir, a la educación, a la cultura, a la vida pública, a la igualación con los varones.

Este discurso será consolidado por los dictámenes de los médicos-filósofos de los siglos XVIII y XIX, quienes basándose en la autoridad de su profesión afirman que las mujeres tienen asignado el papel de reproductoras de la especie, por lo que el ejercicio, fomento y desarrollo de la razón es perjudicial para la supervivencia de la humanidad por debilitar dicha capacidad reproductora. Esto no quiere decir que desde la medicina se reduzca al sexo femenino a la mera animalidad, pero desde luego se le niega la noción ilustrada de perfectibilidad, de superación de los condicionamientos naturales, de llegar a alcanzar la categoría de ciudadana o de sujeto de derechos.

No obstante es en el siglo XVIII cuando se comienza a exigir que la ilustración y la instrucción se universalicen también al sexo femenino, al tiempo que comienza a brotar un movimiento reivindicativo a favor de los derechos civiles y políticos para las mujeres. En este sentido no se pueden olvidar nombres como Olimpia de Gouges, Mary Wolltoncraft, Madame de Staël, Sophie de Germain, Condorcet...etc.

En la actualidad, las teorías feministas de corte igualitarista han llevado a cabo una revisión epistemológica de los presupuestos de la Razón occidental, una crítica radical a toda una tradición de pensamiento sesgada desde el punto de vista viril y al logocentrismo de la metafísica occidental, contribuyendo a la crisis del sujeto de la modernidad y a poner fin a lo que Lyotard calificó como metarrelatos.

Académicamente esta labor de deconstrucción del pensamiento occidental se lleva a cabo a partir de la teoría sexo-género y mediante la aplicación de una categoría de análisis aparentemente neutral como es la categoría de género, definida por J. Scott como "un elemento constitutivo de las relaciones sociales basado en las diferencias percibidas entre los sexos, y género es un modo primario de significar las relaciones de poder" (8). El problema es que, aunque la categoría de género se aplica a hombres y mujeres, no opera nunca de una forma neutra, originando sociedades asimétricas y jerárquicas. Además el análisis de género no pone en entredicho el orden sociosimbólico patriarcal ni cuestiona sus principios epistemológicos ni su política sexual, aunque sí corrige su parcialidad, pero olvida el pensamiento extrasistemático de las mujeres, la diferencia sexual y la libertad femenina fuera del sistema neutro-masculino.

DECIR EL MUNDO EN FEMENINO

A pesar de los numerosos obstáculos e impedimentos para que las mujeres se expresaran y hablaran en público siempre ha habido casos que individualmente, en una relación no necesariamente erótica con otra mujer o colectivamente han expresado su ser femenino. Son mujeres que actuaron como de-generadas, es decir, fuera de su género, al margen de las definiciones prescritas por el patriarcado para su sexo o que se rebelaron contra ellas. Son mujeres que trajeron al mundo el mundo femenino (9), que expresaron lo ignoto e insospechado en el orden patriarcal. Como dice Chiara Zamboni:

"La otra cara de lo real es precisamente lo que no puede ser nunca previsto en el horizonte del orden patriarcal. Lo podemos llamar lo inaudito o lo imprevisto, puesto que no tiene lugar alguno en este orden. Llegamos a la cuestión: lo que el orden patriarcal no puede prever y que no puede ser nunca un desarrollo suyo es la fuerza femenina en el gesto de nombrar el mundo dando vínculos y referentes al signo y acciones"(10).

Desde la antigüedad ha habido mujeres que desafiaron las definiciones de género del patriarcado, que vivieron y nombraron el mundo en femenino desde su experiencia personal, tratando de dar sentido a su ser y estar en el mundo. En muchas ocasiones lo hicieron al margen de los saberes hegemónicos de su época, es decir, de la filosofía, la ciencia o la religión, amparándose en formas de pensar, de explicar el mundo o de vivir que se separaban de las doctrinas o creencias establecidas. Por lo que se refiere a las formas de religiosidad y de espiritualidad se dice:

"Son marginales a las instituciones eclesiásticas porque las religiosas tuvieron siempre prohibido el acceso al sacerdocio, lo cual les impidió proyectar ritualmente una dimensión divina con poder social no mediada por hombres; y liminares en general porque o actuaron en espacios intersticiales, mal definidos por la cultura dominante, o adaptaron a sus necesidades propias las definiciones de religiosidad y de espiritualidad que daba la cultura dominante"(11).

Este alejamiento de los cánones establecidos se observa sobre todo a partir del siglo XII, siglo en el que muchas mujeres y muchos varones sienten una gran inquietud religiosa. Numerosas personas buscaron respuesta a esa preocupación religiosa en fórmulas o grupos conventuales, pero también en fórmulas o grupos no admitidos por la iglesia e incluso, en muchas ocasiones, calificados por ésta como heterodoxas o heréticas. Estos movimientos o grupos paraheréticos permitieron a muchas mujeres liberarse del lugar y papel que les asignaba el patriarcado y la sociedad de su tiempo, es decir, el confinamiento al ámbito privado o al convento, el silencio o la no expresión pública de su propio discurso, la heterosexualidad obligatoria, el matrimonio no deseado, la maternidad obligatoria y con un elevado índice de mortalidad etc.

Entre los grupos ortodoxos y heterodoxos proliferaron las místicas. Las místicas, en general, desafiaron las limitaciones que imponía la Iglesia a las mujeres, asumiendo funciones sacerdotales como si fueran cleros o teólogos, pues tomaron la palabra en público, aconsejaron, adoctrinaron, opinaron sobre asuntos teológicos y eclesiásticos, pero lo hicieron utilizando una treta: hablando desde la autoridad que les daba el contacto inmediato con la divinidad, narrando su experiencia en primera persona -muchas veces acompañada de signos y estigmas en su cuerpo- sin recurrir a mediaciones teológicas elaboradas por los varones. Entre el colectivo místico femenino destaca particularmente (12) el beguinaje, muy extendido a partir del siglo XII por Flandes, Norte de Francia, Bélgica, Alemania y con presencia también en España:

"Las beguinas -beatas o "resclusas"- solas o en grupos, llevaban una vida religiosa en el mundo, al margen, sin embargo de las estructuras tanto eclesiástica como familiar. Eran independientes, por tanto, de cualquier autoridad masculina hasta un extremo desconocido dentro de su propia cultura, crearon un espacio propio y específico, en el que vivir como mujeres una espiritualidad activa, superando las barreras de género impuestas. Un espacio alternativo que, aunque liminar, no puede ser connotado como marginal"(13).

Las beguinas trataron de crear un orden paralelo al orden patriarcal, un orden de mujeres, en el que la adquisición del saber no estaba mediatizado ni controlado por los varones y en el que la autoridad -en el sentido de auctoritas, es decir, de adquirir, crear, transmitir o compartir conocimientos- estaba ejemplificada en mujeres. En este sentido, las beguinas rivalizaron con el poder eclesiástico y con el carácter patriarcal de la religión, al considerar la experiencia religiosa como una relación inmediata con Dios, que ellas podían expresar con voz propia sin tener que recurrir a la interpretación eclesiástica de la palabra divina.

De esta forma las beguinas hablaban "a partir de sí", de su propia experiencia, decían el mundo en femenino, independientemente de los dictados de la iglesia, de los dogmas y de los postulados de los teólogos. No admitieron, pues, el tabú del silencio para las mujeres, ya que hablaban en público, tanto oralmente como por escrito, preocupándose además de transmitir su saber y de educar a las niñas. Tampoco admitieron el imperativo del enclaustramiento en el convento, ya que vivían solas o en comunidades de mujeres y se sustentaban con la remuneración obtenida por los trabajos que desempeñaban y/o por el mecenazgo ejercido por otras mujeres.

Otro grupo de mujeres que no mereció tampoco la atención del patriarcado ( a no ser para perseguirlas, reprimirlas e incluso quemarlas en la hoguera) fueron las brujas o meigas. Las brujas conformaron un colectivo que optó por una de las pocas salidas existentes para las mujeres en la sociedad de la contrarreforma, como era el desempeño de un oficio basado en una serie de prácticas de curanderismo y/o hechicería, mediante el cual obtenían una remuneración y cierto reconocimiento social que le permitía, de algún modo, salir de la marginalidad a la que les obligaba la miseria (ya que muchas eran solteras o viudas), o bien les permitía elegir una alternativa al matrimonio o a la heterosexualidad obligatorios. Pero este oficio lo aprendían al margen de la práctica médica y quirúrgica de su tiempo, de los sistemas de educación patriarcales, ya que lo hacían por transmisión oral de mujeres más mayores a otras más jóvenes, sometiéndose a una autoridad femenina y conservando una genealogía de mujeres. Estos hechos, actividades, iniciativas o conductas ejercidas o mantenidas por las brujas fueron inadmisibles para el patriarcado; de ahí sus acusaciones de embaucadoras, embusteras, de pactos con espíritus malignos y, sobre todo, su acusación de una sexualidad anárquica y libertina.

Todavía hay otro colectivo de mujeres que intenta rebelarse contra los dictados de género, que desea hablar desde sí mismo, si bien utilizando un lenguaje desconocido para las propias mujeres y es que "el tomar la palabra puede adoptar la forma de predicación, de profecía, de diálogo entre mujeres, de escrito, de imagen, de sonido y también puede tomar la forma de texto inscrito en el cuerpo; es decir, de manifestación somática que exprese una tensión insostenible e inexpresable de otra manera”(14).

Freud supo ver como nadie en el cuerpo de las histéricas un lenguaje distorsionado mediante el que las mujeres expresaban el verdadero deseo. Es cierto que Freud leyó esa distorsión desde el estrabismo patriarcal, no acertando a desentrañar esos signos desde la diferencia sexual. También lo es que en la actualidad existe una aproximación entre feminismo y psicoanálisis, pero todavía no se ha sabido extraer todo el potencial de rebelión del discurso gestual de las histéricas. Ello se debe, seguramente, a que dicho discurso no es un discurso racional, ilustrado, reivindicativo, razón por la que no ha merecido interés por parte del feminismo igualitarista, a pesar de que el cuerpo de la histérica es un cuerpo de mujer violentado y estragado por el sistema patriarcal.

Por último queremos resaltar que también las mujeres ilustradas y reivindicativas al exigir la universalización de derechos dicen el mundo en femenino, interesando no sólo aquellas ilustradas que utilizan su ilustración y erudición para asimilarse al mundo masculino, sino también las que la emplean para expresar su ser femenino. Pueden ser mujeres que aparentemente hablen como un sujeto universal e incluso masculino, pues es posible que utilicen el género gramatical masculino para hablar de sí mismas, pero sin embargo transmiten una interpretación de la realidad femenina, dicen el mundo en femenino. Tal es lo que pasa con María Zambrano, Hannah Arendt o Simone Weil.

N O T A S

(1) Lerner, G., La creación del patriarcado. Crítica, Barcelona, 1990

(2) Levi-Strauss,C., Las estructuras elementales del parentesco. Paidós, Barcelona, 1981.

(3) Catalá, A.V. y García, E., Ideología sexista y lenguaje. Galaxia. Valencia, 1995, p.9.

(4) Molina Petit, C., Dialéctica feminista de la Ilustración. Anthropos, Barcelona, 1994, p. 26.

(5) Lerner, G., Opus cit., p.231.

(6) Cavarero, A., "Decir el nacimiento" en Diótima, Traer al mundo el mundo. Objeto y objetividad a la luz de la diferencia sexual. Icaria. Barcelona, 1996, pp.115-146.

(7) Rivera, M., El cuerpo indispensable. Significados del cuerpo de mujer. Horas y Horas, Madrid, 1996, p. 44.

(8)Scott,J. W., "El género una categoría útil para el análisis histórico" en Amelong, S. y Nash, M., Historia y Género. Las mujeres en la historia moderna y contemporánea. Edicions Alfons el Magnánim, Valencia, 1990, p. 42.

(9) Expresión utilizada por la comunidad filosófica Diótima de la Universidad de Verona para significar la conceptualización e interpretación de la realidad hecha por las mujeres a partir de sí.

(10) Zamboni, Ch., "Lo inaudito" en Diótima, Traer al mundo el mundo, opus cit., p.27.

(11) Rivera, M., El cuerpo indispensable, opus cit., p.37.

(12) Un caso especialmente relevante Teresa de Ávila. Frente a la interpretación de Santa Teresa de Jesús desde la tradición y el orden establecido, ver el trabajo de Diana Sartori, "Por qué Teresa" en Diótima, Traer al mundo el mundo, opus cit, pp. 41-78, en el que describe a Teresa como un ejemplo de libertad femenina y como fundadora de un orden, de una orden religiosa pero también de un orden de realidad.

(13) Botinas, E. y otras, "Las beguinas: sabiduría y autoridad femenina" en VV.AA., Las sabias mujeres: Educación, saber y autoría (siglos III-XVII). Laya, Madrid, 1994, p. 283. Ver también Epiney-Burgard,G y Zum,E., Mujeres trovadoras de Dios. Una tradición silenciada en la Europa medieval. Paidós, Barcelona, 1998.

(14) Rivera, M., El cuerpo indispensable, opus cit., pp. 45-46.

este artículo fue originalmente publicado en el sitio de la Universidad de Vigo:
http://webs.uvigo.es/pmayobre/indicedearticulos.htm

Fuente: http://www.creatividadfeminista.org/articulos/fem_2003_decirenfem.htm

TEORÍA KING KONG. Entrevista con Virginie Despentes.

2008-04-06T23:15:00.003+02:00

Escrito por Henri Belin/Susana Arbizu

Un grito punk en el mundo bienpensante de la mujer emancipada.
Virginie Despentes escribe poniendo el dedo en la llaga.
Gritando, desnudándose, sufriendo, insultando y gozando, consigue no sólo descolocarnos y hacernos reír, sino sobre todo, hacernos pensar: si su discurso nos interpela y nos llega, es porque viene de sus tripas y no de elucubraciones académicas o universitarias como hubiéramos podido esperar de una supuesta “teoría” feminista.

A continuación, publicamos la entrevista que le hemos realizado a la autora de Teoría King Kong (versión bilingüe castellano/francés ) y un extracto del libro publicado por la editorial melusina este otoño 2007.

Un grito punk en el mundo bienpensante de la mujer emancipada.

Virginie Despentes escribe poniendo el dedo en la llaga.

Gritando, desnudándose, sufriendo, insultando y gozando, consigue no sólo descolocarnos y hacernos reír, sino sobre todo, hacernos pensar: si su discurso nos interpela y nos llega, es porque viene de sus tripas y no de elucubraciones académicas o universitarias como hubiéramos podido esperar de una supuesta “teoría” feminista.

En este caso se trata de una teoría encarnada, por ella misma, que lejos de abstracciones intelectualoides toma cuerpo en esta “proletaria de la feminidad” educada en el punk-rock, gracias al cual es capaz de decir hoy, con orgullo, que su monstruo personal sigue habitándola y asegurándole el poderío que la fundamenta. Virginie nos habla de ella y de su recorrido vital, de su “ser mujer” y de las lecturas que la han marcado, en especial la de la feminista americana Camille Paglia y del impacto que tuvo en ella su visión de la violación como el riesgo necesario a asumir en el recorrido de la mujer contemporánea emancipada. Sus palabras nacen de la vivencia que atraviesa su cuerpo, un cuerpo de mujer, expuesto, violentado, exhibido, pero sobre todo un cuerpo deseante, gozoso, orgulloso de mostrarse, de desear y de expresarse tal cual es. Toda una lección de orgullo femenino al que desgraciadamente no estamos acostumbradas.

Su frescura es como un balón de oxígeno que renueva el pensamiento feminista al indicar un camino que se abre a otras corrientes, no tan blancas, no tan burguesas, posicionadas en y desde la marginalidad, donde las excluidas entre las excluidas y las parias entre las parias osan tomar la palabra. Virginie “osa” también hablar de pornografía y de prostitución, haciéndose preguntas justas, paseándose por su biografía para descansar en una reflexión más amplia que lo puramente individual; reflexión ambiciosa que cuestiona la emancipación masculina, la hipocresía de los mass-media, el paternalismo de estado, los géneros, las condiciones de trabajo de las prostitutas o de las actrices porno, entre otras, de las que nadie, nunca, osa decir nada.

Teoría King Kong aparece además en un momento necesario en que el feminismo “anestesiado” parece no tener ya mucho que conquistar; un momento en el que la trampa del impasse familiar del “qué-maravilloso-es-ser-mujer" (1) fomenta una nueva forma de alienación en nuestra sociedad occidental de mujeres y madres aparentemente “emancipadas”, impidiéndonos reconocer y designar los numerosos grilletes de la feminidad y de la masculinidad que todos y todas hemos, tan dócilmente, integrado. Por eso también su proposición final sobre el feminismo como aventura colectiva para tod@s, hace de esta Teoría King Kong un grito no sólo necesario, sino sobre todo liberador y revolucionario.

“Porque el ideal de la mujer blanca, seductora pero no puta, bien casada pero no a la sombra, que trabaja pero sin demasiado éxito para no aplastar a su hombre, delgada pero no obsesionada con la alimentación, que parece indefinidamente joven pero sin dejarse desfigurar por la cirugía estética, (…) esta mujer blanca feliz que nos ponen delante de los ojos, ésa a la que deberíamos hacer el esfuerzo de parecernos, a parte del hecho de que parece romperse la crisma por poca cosa, nunca me la he encontrado en ninguna parte. Es posible incluso, que no exista.”

Nota 1: Monique Witting: “Ya estamos hoy de nuevo en la trampa , en el impasse familiar del “que –maravilloso -es-ser-mujer” ,Teoria King Kong, Melusina, 2007

ENTREVISTA A VIRGINIE DESPENTES

¿Qué aspectos de la condición femenina actual y del discurso feminista dominante te han llevado a escribir este libro?

Este libro lo he escrito en Francia, donde existe un problema con la traducción de los libros feministas americanos publicados en los 90. Cuando Elisabeth Badinter publica por ejemplo Fausse Route en 2003, puede permitirse la referencia a Against our Will de Susan Brownmiller, publicado en 1975, como revelador de la situación del feminismo en los Estados Unidos. La decisión de escribir Teoria King Kong, en mi país de origen, es ante todo una invitación a leer lo que se ha escrito pero que está todavía sin traducir: me refiero a Sprinkle, Paglia, Carole Queen, Pheterson, etc.

Pero el deseo de escribir este libro surge de muchos lugares diferentes: nace también de la historia de la película Fóllame y de las entrevistas que nos hicieron después de su estreno y en las que hubo que “teorizar” mucho acerca de la violación, la pornografía, la violencia femenina, etc.. Yo no tengo formación universitaria y la teoría no era algo a lo que estuviera acostumbrada pero tuvimos que formular sobre la marcha algunos conceptos, explicando a posteriori lo que habíamos intentado hacer al realizar esta película.

¿En qué ámbitos la revolución feminista iniciada en los años 70, te parece no haber llegado lo suficientemente lejos e incluso vivir, hoy, un cierto retroceso?

Los modos de contracepción masculina y la legalización del aborto gratuito y anónimo son dos temas, en lo que concierne a la heterosexualidad, que hubiera sido importante trabajar más activamente.

Hoy, cuando veo las películas del “Box office” o si le echo un ojo a MTV, tengo la impresión de que a las mujeres se les trata con mucho sadismo, se les ve demasiado a menudo con la cara ensangrentada arrastrándose por el suelo; me parece que faltan hombres jóvenes en braguitas, corriendo y llorando por el bosque y perseguidos por mujeres maníacas con enormes motosierras.

El bloqueo es patente en todos los ámbitos: cuando una mujer se presenta a la presidencia y se la juzga como mujer; cuando ves que las mujeres están infra-representadas a la hora de ocupar puestos de prestigio; cuando no se les enseña a las niñas a defenderse físicamente en la escuela y que no se les da ninguna educación ni sobre la violación, ni sobre el después de la violación…

¿Te parece que los límites y tabúes anti-sexo (prostitución, pornografía, etc) del feminismo liberal están en relación con el tipo de mujer al que se dirige el feminismo dominante? Desde ese punto de vista ¿te parece importante reivindicar tu condición de “proletaria de la feminidad” para situar el lugar de donde surge tu discurso?

Yo no veo que haya realmente un “feminismo dominante”. En Francia por seguir hablando de lo que mejor conozco, se celebra el centenario del nacimiento de Simone De Beauvoir publicando una foto de ella..... en bolas, en la portada de una revista (1). Y en ese número especial se evita, sobre todo, entrevistar a alguna feminista “tradicional”. Escritoras, actrices, jovencitas, eso sí, pero ninguna historiadora, ninguna militante, ninguna gran figura del feminismo.

No veo que haya feminismo dominante. A este respecto, aunque el discurso de algunas feministas liberales o de la vieja escuela, me canse o me saque realmente de quicio, aún así, me siento cercana a ellas si me posiciono respecto a un poder que, efectivamente, es dominante. Yo no tengo ningún problema con el discurso anti-porno, por ejemplo. Creo que alguien debe asumirlo. Y mi papel es el de asumir el opuesto. Pero para que yo pueda plantear un discurso “pro-pornografía”, es necesario que antes se haya hecho la crítica de la pornografía. Y no creo que el discurso anti-pornografía del feminismo liberal tenga suficiente eco. Lo único que realmente se escucha, desde mi punto de vista, es el discurso religioso.

Ahora bien, sí que me parece importante precisar de donde vengo, es decir, ni de las clases acomodadas, ni de la universidad, porque en general las mujeres que toman la palabra feminista son mujeres que proceden de un medio social particular, la alta burguesía, y que tienen una formación escolar específica, la universidad. Estaría bien que ellas se molestaran, también, en precisar desde donde toman la palabra.

En el plano teórico, el feminismo disidente que tú profesas parece más cercano de las feministas de Estados Unidos. Explícanos por qué.

El discurso feminista francés ha estado confiscado, desde los años 70, por blancas burguesas heterosexuales procedentes de culturas religiosas. Creo que ellas pusieron mucho empeño en apartar del feminismo a todas aquellas que no eran lo bastante correctas. Creo que estaban muy interesadas en entenderse con los hombres dirigentes, que fueran maridos o colegas de trabajo. También, todo hay que decirlo, hubo una reacción extremadamente fuerte por parte de los intelectuales franceses hombres, para ridiculizar el feminismo y minimizar su interés. Una reacción a la que se dio por otra parte mucho bombo tanto en la prensa como en la televisión. El feminismo francés se quedó en un estado medio moribundo, nada excitante para la gente de mi generación, defendido por mujeres demasiado dignas y honestas. No ha habido un equivalente a la “Sex War” americana en la que los discursos pudieron confrontarse y precisarse.

¿Cómo explicas la impermeabilidad relativa de Francia a los discursos de las feministas americanas? ¿Te parece que hay diferencias considerables entre España, donde vives ahora, y Francia, tu país de origen?

Hay más libros traducidos y publicados, eso es evidente. Me da la impresión de que España no alimenta el mismo complejo que tenemos en Francia respecto a Estados Unidos. En Francia estamos, de hecho, colonizados culturalmente por Estados Unidos desde los años 50. Hay un resentimiento. Y Francia es un país que gozó en su día de una gran proyección internacional, creo que nos cuesta asumir que ya no le interesamos a mucha gente, así que nosotros tampoco nos interesamos ya por gran cosa. Me da la impresión de que España es un país que tiene otro tipo de complejos, otros nudos, pero pocas cuentas pendientes con los Estados Unidos.

A pesar de tu virulencia respecto a las diferentes manifestaciones del machismo masculino, insistes varias veces en tu libro sobre la suerte, intrínsecamente ligada, de hombres y mujeres, en la búsqueda de su emancipación. Por ejemplo, concluyes Teoria King Kong con estas palabras que asignan al feminismo un objetivo más global y que sobrepasa los límites de los géneros: “ El feminismo es una aventura colectiva para las mujeres pero también para los hombres y para todos los demás” “No se trata de oponer las pequeñas ventajas de las mujeres a las adquisiciones de los hombres, sino de desbaratarlo todo”. ¿Cabe por tanto una redefinición del sujeto político del feminismo – que ya no estaría únicamente limitado a la mujer – vinculada al cuestionamiento de la norma heterosexual y de los roles asignados a cada sexo?

Lo que está claro, es que si hubiera nacido hombre yo no estaría contento. Sorprende ver la cantidad de hombres que dan la impresión de vivir aferrados de ese modo a su argolla de masculinidad. Se trata en todo caso de una amputación emocional brutal, constante y de lo más exigente. Creo que asistimos en directo al hundimiento de la “norma heterosexual”, y que sería urgente acompañarlo de discursos innovadores sobre la masculinidad. Si nos imaginamos que las cosas van a seguir veinte años más, tal y como están, creo que asistiremos a una verdadera explosión de los géneros y de las convenciones culturales y políticas que nos constriñen desde hace siglos. El problema es que la guerra siempre ha servido para eso, regularmente: para volver a poner los contadores a cero, eliminar las brechas ideológicas previas y llevar a las naciones a un estado de estupor y de ruinas. Desgraciadamente, es probable que la guerra intervenga todavía en nuestras historias, y que esto a lo que asistimos, lo paren y lo borren de las memorias. De ahí la importancia, me parece a mí, de publicar las cosas, y de difundirlas con el mayor eco posible, de que queden algunas huellas de lo que estamos viviendo.

En ese sentido, la cuestión de la liberación de los deseos y de la sexualidad ¿te parece determinante en esta marcha hacia la emancipación? En tu libro por ejemplo, asimilas la censura de la producción pornográfica a un mecanismo de control de los deseos.

Pienso que el control de la pornografía, a lo que apunta en principio, es a controlar la sexualidad masculina. La cuestión en el caso de la sexualidad femenina ni siquiera se plantea, ha sido reprimida con demasiada eficacia. Cuando hicimos la película, nos preguntaron muy seriamente y en repetidas ocasiones, por qué queríamos “confiscar” la sexualidad de los hombres. Como rodábamos imágenes con un contenido sexual explícito, estábamos “confiscando”. Si te paras un momento a pensarlo, es impresionante ver hasta qué punto la represión de la homosexualidad masculina se halla en el centro mismo de todos los conflictos en torno al sexo y a su representación. Creo que es un tabú central. A los hombres, en principio, no les apetece realmente follar con mujeres. Sobre todo tienen ganas de juntarse entre ellos y de hacer toda una serie de cosas, juntos. Hay que cogerlos desde la cuna, vigilarlos sin parar y machacarlos sin cesar con propaganda hetero, para que se resignen a copular con mujeres.

Teoría King Kong es también el resultado de un recorrido más individual y personal que marca una reconciliación contigo misma. Cuentas en el libro como a raíz del escándalo provocado por la película Fóllame, intentaste sin éxito volver al redil escondiendo tu “parte monstruosa”. ¿Hoy te alegras de haber recuperado tu parte King Kong?

Cuando observo a las mujeres que hacen todos esos esfuerzos para ser mujeres correctas, sí, me alegro continuamente de no haberlo conseguido.

¿En qué medida la actitud punk que reivindicas constituye para ti, un modo de vida y una ética, donde la marginalidad representa un vector de emancipación necesario, aunque difícil y doloroso a veces?

El punk ha sido realmente mi formación de base, y de hecho sigo viendo el mundo a través de un prisma muy punk. Hoy viene muy bien, el “no futur” es un concepto más realista que nunca. No respetar el reconocimiento, no respetar lo que es honorable, es una fuerza en un mundo donde la confusión alcanza el nivel que conocemos. También creo que el punk es una buena escuela porque se aprende muy pronto a no hacer lo que le gusta a la familia, a decepcionar a los profesores y a no escuchar a los educadores. Cuando una es joven, piensa que está mal pero que lo hace de todos modos porque es más divertido, y al envejecer, te das cuenta de que eso te ha salvado.

Aunque puntuado de pasajes púdicos, relacionados con la fuerza de los episodios autobiográficos revelados, hay en tu texto una vertiente jubilatoria que se manifiesta en toda su plenitud. El tono corrosivo y acerado no deja de recordar por momentos el estilo declamatorio de una rapera. ¿En qué medida la escritura es para ti liberadora?

No, la escritura no es liberadora y menos aún terapéutica. Pero funciona como si pusieras las cosas en orden y les dieras forma, es decir, como una lucha contra el caos. Escribir, es pasar forzosamente del caos al orden, incluso para mí que escribo dándome golpes un poco contra todo. Pero el hecho de escribir sobre la violación, por ejemplo, no me parece que sea nada terapéutico o algo que pueda aliviar. Al contrario, es realmente como abrirse las tripas. Hay una mística en todo ello, creo que ha habido libros de otros que me han ayudado mucho. Por eso creo que los míos pueden acompañar a los demás. Es ciertamente lo mismo que creer en Dios: debe haber una recompensa, pero no la tendremos en este mundo. Sin embargo el hecho de creer en ello es una fuerza en sí misma.

Háblanos de la acogida y de las reacciones suscitadas por tu ensayo en España.

Es muy diferente de lo que ha pasado en Francia, no estoy nada mediatizada en España, por tanto las reacciones son más difusas, y más suaves. Es más agradable de vivir. Pero mucho menos remunerador. En Francia, publico libros como hacía de puta, para vivir. En España, es más bien como un flirteo.

¿Cuáles son tus proyectos de cara al futuro? Hemos leído que estabas preparando una adaptación cinematográfica de tu última novela Bye, bye, blondie ¿Cómo vas con eso? ¿Tienes otros proyectos en preparación?

Espero que la película Bye, bye, blondie se pueda hacer este año, pero no estoy todavía muy segura de que encontremos la financiación. Mientras tanto, estoy escribiendo un libro Tu la veux Tu la prends y no sé muy bien como acabarlo.

Virginie Despentes nació en 1969 en Nancy. En 1993, publica Fóllame (Mondadori, 1998), seguido de Perras sabias (Anagrama, 1998), Jolies choses (Grasset, 1998), Mordre au travers (Librio, 1999), Teen Spirit (Grasset, 2002) y Bye-bye Blondie (Grasset, 2004). Virginie Despentes es también directora de cine y ha dirigido la película Fóllame adaptada de su novela epónima.

Nota 1: (Nota de la redacción): Portada del Nouvel Observateur del 3 de enero de 2008 que reproducimos aquí. El semanario no vaciló tampoco, como se puede constatar en este montaje que yuxtapone el original con la portada del magacine, en retocar la fotografía original de Simone De Beauvoir.

Fuente: http://www.eutsi.org/kea/feminismos/feminismos/teoria-king-kong.-entrevista-con-virginie-despentes.html

Lo obsceno del amor

2008-03-31T00:28:00.003+02:00

Fragmentos de un discurso amoroso

por Roland Barthes
Traducción de Eduardo Molina

Desacreditada por la opinión moderna, la sentimentalidad del amor debe ser asumida por el sujeto amoroso como una fuerte transgresión, que lo deja solo y expuesto; por una inversión de valores, es pues esta sentimentalidad lo que constituye hoy lo obsceno del amor.
(Tomaré para mí el desprecio con el que se abruma todo pathos: en otro tiempo, en nombre de la razón, hoy, en nombre de la "modernidad", que requiere un sujeto, con tal que sea "generalizado".)
Dí con un intelectual enamorado: para él, "asumir" (no reprimir) la extrema tontería, la tontería desnuda de su discurso, es la forma necesaria de lo imposible y de lo soberano: una abyección tal que ningún discurso de la transgresión puede recuperarla y que se expone sin protección al moralismo de la antimoral. De ahí que juzgue a sus contemporáneos modernos como otros tantos inocentes: lo son los que censuran la sentimentalidad amorosa en nombre de una nueva moral (Nietzche): "El sello distintivo de las almas modernas no es la mentira sino la inocencia, encarnada en el moralismo falso" . (Inversión histórica: no es ya lo sexual lo que es indecente; es lo sentimental -censurado en nombre de lo que no es, en el fondo, más que otra moral.)
El enamorado delira ("desplaza el sentimiento de los valores"), pero su delirio es tonto. El daimon de Sócrates le soplaba: no. Mi daimon es por el contrario mi tonteria: como el asno nietzscheano digo sí a todo, en el campo del amor. Me obstino, rechazo el aprendizaje, repito la misma conducta; no se me puede educar - y yo mismo no lo puedo hacer; mi discurso es continuamente irreflexivo; no sé ordenarlo, graduarlo, disponer de enfoques, las comillas; hablo siempre en primer grado; me mantengo en un delirio prudente, ajustado, discreto, domesticado, trivializado por la literatura.
Todo lo que es anacrónico es obsceno. Como divinidad (moderna), la Historia es represiva, la Historia nos prohíbe ser inactuales. Del pasado no soportamos más que la ruina, el monumento, el kitsch o el retro, que es divertido; reducimos ese pasado a su sola rúbrica. El sentimiento amoroso está pasado de moda (demodé), pero ese demodé no puede siquiera ser recuperado como espectáculo: el amor cae fuera del tiempo interesante; ningún sentido histórico, polémico, puede serle conferido; es en esto que es obsceno.
En la vida amorosa, la trama de los incidentes es de una increíble futilidad, y esta futilidad, unida a la mayor formalidad, es sin duda inconveniente. Cuando imagino seriamente suicidarme por una llamada telefónica que no llega, se produce una obscenidd tan grande como cuando, en Sado, el papa sodomiza a un pavo. Pero la obscenidad sentimental es menos extraña, y eso es lo que la hace más abyecta; nada puede superar el inconveniente de un sujeto que se hunde porque su otro adopta un aire ausente.
La carga moral decidida por la sociedad para todas las transgresiones golpea todavía más hoy la pasión que el sexo. Todo el mundo comprenderá que X... tenga "enormes problemas" con su sexualidad; pero nadie se interesará en los que Y... pueda tener con su sentimentalidad: el amor es obsceno en que precisamente pone lo sentimental en el lugar de lo sexual.
La obscenidad amorosa es extrema: nada puede concentrarla, darle el valor fuerte de una transgresión; la soledad del sujeto es tímida, carente de todo decoro: ninbún Bataille le dará una escritura a ese obsceno. El texto amoroso está hecho de pequeños narcisismos, de mezquindades psicológicas; carece de grandeza: o su grandeza es la de no poder alcanzar ninguna grandeza. Es pues, el momento imposible en que lo obsceno puede verdaderamente coincidir con la afirmación, el amén, el límite grado de lo obsceno.

***

La catástrofe amorosa está quizás próxima de lo que se ha llamado, en el campo psicótico, una situación extrema, que es "una situación vivida por el sujeto como algo que debe destruirlo irremediablemente"; la imagen surge de lo que pasó en Dachau. ¿No es indecente comparar la situación de un sujeto con mal de amores a la de un recluso de Dachau? Estas dos situaciones tienen, sin embargo, algo de común: son, literalmente pánicas: son situaciones sin remanente, sin retorno: me he proyectado en el otro con tal fuerza que, cuando me falta, no puedo recuperarme: estoy perdido, para siempre.

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Desde hace cien años se considera que la locura (literaria) consiste en esto: "Yo es otro": la locura es una experiencia de despersonalización. Para mí, sujeto amoroso, es todo lo contrario: es a causa de convertirme en sujeto, de no poder sustraerme a serlo, que me vuelvo loco. Yo no soy otro: es lo que compruebo con pavor.
(Cuento zen: un viejo monje está ocupado a pleno sol en desecar hongos: "¿Por qué no hace que lo hagan otros? -Otro no es yo, y yo no soy otro. Otro no puede hacer la experiencia de mi acción. Yo debo hacer la experiencia de descar los hongos.")
Soy indefectiblemente yo mismo y es en esto en lo que radica mi estar loco: estoy loco puesto que consisto.
Es loco aquel que está limpio de todo poder. -¿Cómo? ¿Acaso el enamorado no conoce ninguna excitación de poder? El sometimiento es no obstante asunto mío: sometido, queriendo someter, experimento a mi manera la ambición de poder, la libido dominandi. Sin embargo, ahí está mi singularidad; mi libido está absolutamente encerrada: no habito ningún otro espacio que el duelo amoroso: ni un ápice de exterior, y por lo tanto ni un ápice de sentido gregario: estoy loco: no porque sea orginial sino porque estoy separado de toda socialidad. Si los demás hombres son siempre, en grados diversos militantes de algo, yo no soy soldado de nada, ni siquiera de mi propia locura: yo no socializo.

***

Para mostrarte dónde está tu deseo basta prohibírtelo un poco. X... desea que esté allí, a su lado, pero dejándolo un poco libre: ligero, ausentándome a veces, pero quedándome no lejos: es preciso, por un lado, que esté presente como prohibido, pero también que me aleje en el momento en que, estando en formación ese deseo, amenazaría con obstruirlo. Tal sería la estructura de la pareja "realizada": un poco de prohibición, mucho de juego; señalar el deseo y después dejarlo.

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Leer texto completo en: http://www.enfocarte.com/7.32/barthes.html
Fuente: http://www.enfocarte.com/7.32/barthes.html
Pintura de modigliani: http://www.guiarte.com/archivoimg/general/2635.jpg

Lo Obsceno, como reverso del arte

2008-03-31T00:11:00.002+02:00

Un inquietante ensayo sobre la obscenidad como reverso del arte, por la autora de Buenos días, pereza.

Lo obsceno
Corinne Maier
Nueva Visión
92 páginas

¿Qué es lo obsceno? Pocas palabras tan inquietantes y esquivas, tan rebeldes a dejarse atrapar por categorías estéticas, filosóficas o sociológicas. Aquello que irrumpe tras los avatares del erotismo, la pornografía o la muerte, pero que siempre se desvanece antes de develar su misterio. Si, como dice Henry Miller, hablar de lo obsceno es casi tan difícil como hablar de Dios, nadie mejor que la psicoanalista Corinne Maier para animarse a emprender un viaje hacia el más inestable y perturbador de los conceptos. Lo obsceno, aquello que por definición queda fuera de escena, que no puede ser mostrado; pero que a la vez, como un fragmento de noche, nos habita irremediablemente suscitando tanta extrañeza como fascinación.

Pues bien: a ajustarse los cinturones porque la propuesta de la autora que en Buenos días, pereza supo cargar contra el mundo empresarial con una suerte de manual para resistir a la corporación desde adentro (y de paso fue el libro más vendido en Francia el año pasado y convirtió a su autora en millonaria), no podría ser más vertiginosa. Haciendo base en el psicoanálisis de Freud y Lacan pero persiguiendo las huellas de Bataille, Barthes, Deleuze y Derrida, Maier conduce un periplo de sólo 90 páginas donde cada estación resulta más extraña, sorprendente y aguda que la anterior. ¿El destino? Arrancar el concepto de lo obsceno de los oscuros traspatios de la sospecha para reencontrarlo en el centro mismo del misterio del arte.

Dos advertencias fuera de pronóstico: eludir lo obsceno también puede ser de mal augurio –mientras el régimen nazi se empeñaba en prohibir la pornografía, forzó la realidad al punto de concretar la masacre más impensable–. Lo obsceno también puede manifestarse en lo “ultra visible”, en esa escandalosa voluntad de transparencia de la sociedad moderna donde todo debe ser mostrado, subrayado y expuesto bajo la tiranía de lo mismo.

De la repugnante visión que entrevió el mismísimo Freud en el fondo de la garganta de Irma a la disolución del cuerpo y el dolor de la carne pintadas por Francis Bacon, hasta el boquete de goces invertidos plantados por Sade en medio del siglo XX. De la disección de Gustave Flaubert, el señor negro de las palabras y uno de los primeros escritores considerados obscenos, a la secreta ambigüedad de los zapatos pintados por Van Gogh.

En cada escala, este librito tiene el poder de volverse más y más inquietante. Bordea la muerte pero también la belleza, siempre acechada por la corrupción. Es que para Maier lo obsceno no podría ser nunca un acto puro sino un intermediario: un medio entre lo real inaccesible y su imposible representación. ¿Y no es acaso ésta la función del arte? En un último y vertiginoso giro, Maier llega a destino: “Lo obsceno es al arte lo que Mr. Hyde a Doctor Jekyll: su envés, su doble oculto”. Y también una revelación acaso terrible: “La fascinación ante el arte es la misma que se experimenta ante los despojos del muerto”. Lo obsceno y el arte revelan así su más extraña filiación. Lo obsceno se vibra en lo inadmisible que habita el arte, se agazapa allí donde los contrarios se trastocan.

Un impecable ensayo donde Maier muestra cómo la erudición no conspira contra el placer de la escritura ni la lectura, sino que por el contrario las recorre, en una y otra dirección, del modo más gozoso e inquietante.

Fuente: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/libros/10-1825-2005-11-18.html

Juno

2008-02-24T23:31:00.002+01:00

CRÍTICA por Almudena Muñoz Pérez

Según la mitología romana, la diosa Juno responde a un estatus de preeminencia, de fiera contrarréplica frente a la dominancia masculina, genio irascible y fuerza vital. Es decir, todo lo que se supone no es una indecisa adolescente de dieciséis años. Sin embargo, Jason Reitman tampoco debutó precisamente como un director de comedias generacionales al uso en "Gracias por fumar" (2005), por lo que su aproximación al universo de los embarazos no deseados, prematuros y soluciones abortistas auguraba un buen sabor muy superior al que pueden provocar engañosos premios y nominaciones. Después de que el nuevo humor estadounidense demostrase su buen estado de salud en "Lío embarazoso" (2007), otra comedia atípica y compleja en el apartado genérico sobre el mismo tema, “Juno” rubrica la marcha iniciada, si bien no es descabellado temer un tropezón ante tanta autosuficiencia.

Al igual que ocurriese en la cinta de Judd Apatow, el segundo largo de Reitman lanza su mirada sobre una concepción social cambiante, donde parece que las parejas han modernizado sus papeles para, en el fondo, seguir repitiendo los errores de siempre. La propia Juno (Ellen Page) lo ratifica al definir su situación como la de dos jóvenes en busca de sexo, que se embarazaron por error y terminaron enamorándose. Un desorden que, a pocos años vista, podía ser el ceremonial lógico de no muy lejanas culturas. De esta manera, el valor de una comedia que corre el riesgo de enfangarse en la tradición soez de la adolescencia asume una nueva dimensión que no teme recurrir al clasicismo. En vez de explotar el gag fácil —apartado del que adolece el film, rápidamente abarcable en un tráiler— o el apuro dramático del problema, posa sobre ello una mirada consciente y audaz, sin que el marcialismo domine la escena.

A pesar de su presuntuoso nombre, Juno es una chica de fuerte personalidad, dejes hormonales y proclive a diseccionar a sus semejantes con certeza, pero apartándose de cualquier irrespetuosa mala leche que la habría cubierto de prepotencia juvenil. Interpretada con increíble dominio por Ellen Page, que contrapone los rasgos propios de una adolescente —la pronunciación, el estilo, la gesticulación, los andares— con una actitud indiferente a lo que se espera de una embarazada, Juno asume tal protagonismo gravitatorio que los demás personajes, como inevitablemente sucede, se ven afectados a la baja. Sin rozar la caricatura —algo que habría sido muy fácil para tratar el personaje de Jennifer Garner, madre adoptiva pija y ñoña—, bien es cierto que el escaso tiempo del que disponen para desarrollarse y las situaciones extremas en las que participan desdibujan a los secundarios que, en un principio, se habían anunciado con la misma inteligencia que la protagonista. Los padres pueden parecer un tanto alelados, al marido de Garner (Jason Bateman, pero sólo en la ficción) alimenta un repentino peterpanismo y no se llega a entender del todo cuál es el estado mental de ese compañero de clase-padre-novio-atleta (Michael Cera). No obstante estos trazos gruesos, y quizá también gracias a ellos, hasta las apariciones más esporádicas despliegan su encanto, como si todos fueran conscientes de la comedia en la que viven y donde no merece la pena ofenderse por los pitorreos y aceradas críticas de las que son objeto.

Pero, si hubiésemos de hablar de un supuesto fenómeno "Juno", gran parte del éxito correspondería a la misteriosa guionista Diablo Cody, cachondo nombre tras el que se halla Brooke Busey, ex stripper y voz de líneas telefónicas eróticas que, de haber aprendido algo en tantos años de desnudez, es a decir las cosas sin tapujos. Especie de versión femenina y "con sentimientos" de Tarantino, las referencias musicales y cinematográficas —con preferencia por el icono hollywoodiense reconocible y el género slasher— salpican los diálogos, aunque a veces den la impresión de haber sido redactados expresamente para dichas citas culturales. Una verborrea ligera que sabe detenerse en el límite del forcejeo con la gravedad del asunto —momentos de suspensión light que desplazan la comedia hacia un tono agridulce no siempre bien resuelto, como si se adelantase a las preferencias de la carrera por los premios y supiese del gusto académico por el atisbo de madurez sobria entre la incorrección generalizada—.

Inserta en el proceso de cine indie epidérmico —por serlo sólo en la superficie— que encuentra sus mejores tratamientos de belleza en lugares como Sundance, Tribeca o Toronto, “Juno” es una respuesta aguda, pero no lo suficientemente rupturista, un ejemplar más de la raza de moda en los más selectos concursos y que todos quieren tener en su muestrario —Oscars® incluidos—. No será la película educativa favorita de las clases de sexualidad —o sí, quizá la respuesta a nuestra mieditis social se halle en la revelación de nuevas perspectivas—, y su consideración entre los círculos prestigiosos durará lo mismo que cualquier otro juguete que hizo gracia en su momento –léase "Pequeña Miss Sunshine" (2006)–. De momento, y antes de que su grafismo hoy innovador se cuartee —ya destacó la secuencia de créditos de "Gracias por fumar"—, los tres pilares de Reitman, Page y Cody sustentan una obra simpática y sensata dentro de la insensatez de su planteamiento, eficaz crítica metalingüística contra la predominancia de unos códigos audiovisuales y sociales que amenazan con estropear la misma fuente de la controversia.

Fuente: http://www.labutaca.net/films/58/juno5.php

SWEENEY TODD, EL BARBERO DIABÓLICO DE LA CALLE FLEET

2008-02-17T20:57:00.002+01:00

CRÍTICA por Leandro Marques

Sólo a un grupo selecto de directores de cine les puede alcanzar una imagen para dejar irrefutables indicios sobre de quién es la película que se está mirando. Esto sucede, en la gran mayoría de los casos, con realizadores que además de ser dueños de una estética muy personal que los define, son poseedores de una constancia y continuidad en los proyectos encarados, y de una trayectoria que los respalda. Tim Burton, no hay dudas de ello, es uno de estos autores. Él es uno de esos artistas cuyos trabajos, por sus particularidades estéticas y narrativas, ya no pueden ser observados en sí mismos, de forma autónoma al resto de sus anteriores producciones, sino que irremediablemente conducen a una mirada analítica más amplia, que abarca a toda, o al menos parte, de su obra.

“Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet”, adaptación al cine de la conocida obra musical, presenta los ya típicos componentes audiovisuales de varias cintas del realizador de "Big fish". Si bien no se trata de una película escrita por él, adquiere su personalidad a través de una ambientación invadida por tonos grisáceos contrapuestos por chispazos de un color brillante (rojo más que sangre en este caso), en el marco de una ciudad atravesada por neblina y sombras, con una notable prolijidad en la composición de cada imagen, personajes que lucen extraños y misteriosos, una banda de sonido siempre presente y que, como sucedió también en sus producciones animadas ("La novia cadáver de Tim Burton" y “Pesadilla antes de Navidad”), adopta por momentos el género musical como canal de expresión de los diálogos y pensamientos de los protagonistas. Ya desde un inicio, que muestra la llegada del protagonista principal a una sórdida y fantasmagórica Londres de finales del XIX, el film anuncia que retomará la línea de sus trabajos precedentes. Sostenido por una delicada composición visual, una excelente fotografía y el uso de una cámara que acompaña con toques de humor —por el uso de determinados planos—, el realizador, básicamente, se dedica a dotar a cada escena de una atmósfera que transmita tensión e intriga en cada instante.

Más allá de lo que la historia se propone contar en sí, el film se focaliza en los componentes audiovisuales que sirven de vehículos para la comunicación y evolución de la trama. Sin embargo, a diferencia de otros trabajos de Burton, el despliegue técnico y estético utilizado en la película, ya no tan novedoso ni original, pareciera no exponer demasiadas inquietudes ni apostar a explorar territorios más desconocidos. Cada escena del largometraje está montada de manera impecable, desde el punto de vista técnico, y es innegable que Burton se mueve como pez en el agua dentro del formato artístico escogido. Los puntos negativos de esta situación pueden percibirse a lo largo de varios fragmentos en los que la cinta luce monótona, densa, sin lugar para sorpresas, como carente de curiosidad por recorrer nuevos surcos o por avanzar más profundamente hacia lugares menos seguros. Burton construye universos oscuros y misteriosos con tanta naturalidad y aparente facilidad, que hasta pareciera, en esta ocasión, que lo hace automáticamente. La injusticia en este asunto radica en que si no se tratara de un nuevo trabajo suyo, si fuera la obra de algún director ignoto, probablemente recibiría más halagos que cuestionamientos. Pero lo cierto es que se trata de la última película de Tim Burton, que no se puede analizar en sí misma sino dentro de lo que es el marco de su filmografía y que, en este sentido, no es posible dejar de percibir una especie de quietud como esencia de cada imagen. Una indefectible sensación de que, esta vez, no hay mucho nuevo para decir o mostrar.

Johnny Depp, una vez más cumpliendo un rol protagónico al lado del realizador, encarna al complejo barbero del título. Separado de su bella mujer y su hija recién nacida a la fuerza, por el capricho de un poderoso juez, regresa a Londres atravesado por el dolor y la sed de venganza. Insensible para el resto de las personas del mundo, y extremadamente introvertido, sufre además la invasión de una locura que le domina. Cada fase de la personalidad de este personaje es representada con acierto y convicción por el actor. Y por si fuera poco, hasta no desentona cuando canta (de hecho, recuerda bastante a Ewan McGregor en "Moulin Rouge"). En esta oportunidad, al actor de "Charlie y la fábrica de chocolate" lo acompañan, entre otros, dos actores que también interpretan con acierto a personajes complicados: Helena Bonham Carter y Alan Rickman. Y además, la cuota de extravagancia es aportada por Sacha Baron Cohen, ex Borat que ofrece una participación pequeña en tiempo pero divertida en contenido.

La película se construye a través de la elaboración de un clima constituido por tonos oscuros, música, personajes intrigantes sobre los que se tiene alguna información pero que permanecen en definitiva siempre más allá, inaccesibles. El móvil de la trama, la venganza, no despierta demasiado atractivo. Tampoco la presencia constante de sangre, de muertes. Y a esto se suma que el personaje central, Sweeney Todd, siempre distante y lejano a las emociones, obra según una lógica que sólo encaja con los caprichos del guión y con los de su propia locura. La búsqueda de verosimilitud que encara el largometraje obedece a un enfoque vinculado más con la concepción de una estética que de una narrativa. El tema es que justamente en la construcción de esta estética, tan asociada a parte de la filmografía de Burton —en especial las ya nombradas obras de animación y "Sleepy Hollow"—, a la que no se le pueden encontrar defectos, sí se le puede achacar su falta de imprevisibilidad y cierta parsimonia. Esto de ninguna manera significa que se trate de una obra insignificante o descuidada: es muy difícil no dejarse envolver por la gozosa atmósfera audiovisual que se edifica escena tras escena, ni puede desmerecerse la cuidadosa composición estética de cada imagen, como tampoco la confortable sensación de estar viajando por un universo extraño y misterioso. Simplemente destaca el hecho de que esta vez Burton apeló más a una receta conocida que a una apuesta artística basada en la exploración y búsqueda de territorios aún sin descubrir. Aquel espectador no muy familiarizado con la filmografía de este director, seguramente se podrá encontrar con la propuesta de un viaje fascinante y cargado de tensión. Para quien conozca más en profundidad su obra, probablemente se tratará de la invitación a un viaje placentero, pero hacia algún lugar al que ya ha viajado con anterioridad. Con las implicancias negativas y positivas de esa cuestión.

Fuente: http://www.labutaca.net/films/59/sweeneytodd7.php

Solidaridad contra la impunidad en Colombia

2008-02-10T21:05:00.001+01:00

" POR LOS DESAPARECIDOS

POR LOS DESPLAZADOS

POR LOS MASACRADOS

POR LOS EJECUTADOS"

"En Colombia han sido desplazadas cerca de cuatro millones de personas, en su mayoría por los grupos paramilitares. Estos grupos, solos o en conjunto con miembros de las fuerzas militares, han desaparecido al menos a 15.000 compatriotas y los han enterrado en más de 3.000 fosas comunes o han arrojado sus cadáveres a los ríos; han asesinado a más de 1.700 indígenas, 2.550 sindicalistas, y cerca de 5.000 miembros de la Unión Patriótica. Regularmente torturan a sus víctimas antes de matarlas. Entre 1982 y 2005 los paramilitares perpetraron más de 3.500 masacres, y robaron más de seis millones de hectáreas de tierra.

Desde 2002, después de su "desmovilización", han asesinado 600 personas cada año. Llegaron a controlar el 35% del Parlamento. Desde 2002 hasta hoy, miembros del Ejército Nacional han cometido más de 950 ejecuciones, la mayoría presentadas como "positivos". Tan solo en enero de 2008, los paramilitares cometieron 2 masacres, 9 desapariciones forzadas, 8 homicidios, y el Ejército ha cometido 16 ejecuciones extrajudiciales.

En Colombia, agentes del Estado y paramilitares violan los derechos humanos y el derecho humanitario. Muchos grupos paramilitares no se han desmovilizado. Ahora se hacen llamar Águilas Negras. Muchos parapolíticos están en cargos públicos y diplomáticos.

Usted marchó el 4 de febrero?

¿Acompañará el 6 de marzo a las víctimas de los paramilitares, los parapolíticos y los agentes del Estado?

Nunca más fosas comunes.

Nunca más desplazamientos forzados.

Nunca más paramilitares.

Nunca más parapolíticos.

Nunca más crímenes de Estado.

El Movimiento Nacional de Víctimas de Crímenes de Estado

convoca:

6 DE MARZO DE 2008

Homenaje nacional a las víctimas del paramilitarismo, la parapolítica

y los crímenes de Estado"

La Mitad de la verdad* (la que menos se cuenta de Colombia)

2008-02-10T20:56:00.000+01:00

Óscar Collazos. Columnista de EL TIEMPO.

Muchos tememos que la otra mitad de la verdad no tendría el mismo eco que la marcha del lunes.

Pese al asco que me produjo saber que Salvatore Mancuso llamaba a participar en las marchas del lunes, caminé con una camiseta blanca sin frases y sin proferir un solo grito. Lo hice a sabiendas de que el Gobierno pescaría en el río revuelto del repudio multitudinario a las Farc, inyectándole nuevos argumentos a la eventualidad de una segunda reelección presidencial. Lo hice porque quería marchar para protestar por la mitad de la verdad.

Marché para ponerme de acuerdo con multitudes que se manifestaban contra el secuestro y clamaban por la liberación inmediata de los secuestrados en poder de las guerrillas. Por estar de acuerdo con esa parte de la verdad, encontré ético y digno manifestarme, como encontré prudente no llevar escrita en la camiseta palabra o frase que pudiera ser motivo de disputa.

La mitad de la verdad, digo. La otra mitad, tan escalofriante como la primera, estuvo ausente en las multitudes del lunes. Muchos temen que esa otra mitad no interese a tantos millones de personas y que las 120 mil víctimas hasta hoy identificadas del paramilitarismo no tengan nunca la marcha que merecen y que les debemos como un acto simbólico de justicia.

Muchos tememos que la otra mitad de la verdad no tendría eco en las dependencias del Gobierno ni en las misiones diplomáticas ni en los grandes medios de comunicación. No lo tendría tampoco en las empresas que pagaron 'vacuna' a los paramilitares o que respiraron aliviados cuando estos los protegieron de las guerrillas.
Así que si llega a hacerse la marcha de la otra mitad de la verdad, probablemente no registre los más de 10 millones que le atribuyen a las marchas del lunes.

La marcha de la segunda parte de la verdad debe hacerse por solidaridad con las víctimas de atrocidades que los cabecillas del paramilitarismo siguen confesando. Si esa marcha se hace, es posible que no tenga campañas de expectativa porque entre los culpables y cómplices de crímenes que ya han condenado organismos internacionales figuran agentes del Estado, antiguos funcionarios y amigos del Presidente.

Los paramilitares han producido 120.000 víctimas.

Si un día se realiza esa marcha, la de la otra mitad de la verdad, va a ser sin gobiernos nacionales, regionales o locales, sin medios de comunicación leales al Gobierno, sin propaganda en embajadas y consulados, sin empresarios que fueron alguna vez leales a las propuestas de los paramilitares y siguieron siendo leales al Presidente de la República. Va a ser una marcha con más ciudadanía que Gobierno. Es posible que desfilemos muchos de los que nos manifestamos el 4 de febrero contra el secuestro y contra los métodos terroristas de las Farc.

Lo único que tendría que evitar esa marcha serían las consignas.
La marcha de la otra mitad de la verdad debería hacerse en silencio y con sobrias pancartas que recordaran los nombres de las víctimas de la demencia paramilitar. Se recordarían el lugar y las fechas de los genocidios, el nombre de los cabecillas que enseñaron a exterminar metódica y ritualmente.

Pero también el nombre de los políticos que cerraron los ojos ante estas atrocidades y firmaron un documento que proponía la "refundación de la patria".

Si no se llegare a concretar la condena masiva de ese otro horror, los colombianos nos habríamos mentido con una verdad a medias.
Al hacerlo, habríamos cometido el más monstruoso de los errores y abierto nuevamente camino al rencor colectivo.

No habríamos cerrado el círculo de violencias vindicativas. Les estaríamos abriendo un nuevo episodio a guerras que tienen su origen en injusticias históricas.

Óscar Collazos

Fuente: http://www.eltiempo.com/opinion/columnistas/oscarcollazos/ARTICULO-WEB-NOTA_INTERIOR-3948632.html

Nadine Labaki escribe sobre su film "Caramel"

2008-02-03T22:24:00.001+01:00

Labaki

Por Nadine Labaki (*)

Si tuviera que resumir esta película diría que es la historia de cinco mujeres libanesas, cinco amigas de distintas edades que o bien porque trabajan allí o bien porque acuden a él, se reúnen en un salón de belleza en Beirut. Y podría añadir que, en ese mundo tan típicamente femenino, estas mujeres, que sufren la hipocresía de un sistema oriental ante la modernidad occidental, se ayudan mutuamente con los problemas que encuentran en relación con los hombres, el amor, el matrimonio y el sexo. Hoy en día, en esa parte del mundo, Líbano aparece como ejemplo de una sociedad abierta, libre y emancipada. Pero eso no siempre es cierto, porque detrás de esa fachada seguimos sujetos a muchas coacciones, al miedo permanente a las miradas de los demás y a los juicios que hagan sobre nosotros. En este contexto, las mujeres libanesas se consumen por el remordimiento y la culpa. En la peluquería y salón de belleza, mis heroínas se sienten a salvo, porque es un lugar en el que, aunque se las ve desde un ángulo muy íntimo, nunca se las juzga.

La mujer que nos depila nos ve desnudas, en todo el sentido de la palabra, porque es un momento en el que no podemos engañar, y poco a poco le hablamos de nuestra vida, de nuestros miedos, de nuestros planes, de nuestros amores, etcétera.

Caramelo

El título hace referencia al producto que se utiliza en Próximo Oriente para la depilación y que consiste en una mezcla de azúcar, zumo de limón y agua, que hay que hervir hasta que se vuelve caramelo. A continuación se extiende esta mezcla sobre una superficie de mármol para enfriarla un poco, y seguidamente se convierte en una pasta que se utiliza para depilar. Pero también CARAMEL sugiere la idea de lo azucarado y lo salado, de lo amargo y lo dulce, del azúcar delicioso que puede quemar y hacer daño.

Los personajes

Estuve dudando mucho tiempo combinar la dirección y la interpretación en mi primera película, porque, aunque me atraía la idea de actuar, tenía miedo de que pudiera afectar a la película. Afortunadamente, me decidí a asumir el riesgo porque eso me permitió dirigir las escenas desde el interior de las mismas. Como las intérpretes no eran actrices, podía estar cerca de ellas al máximo, sobre todo porque, como quería que cada una de ellas conservara su propia forma de hablar, yo no les había dado diálogos para que se los memorizaran. Yo buscaba mujeres que en la vida real fueran como sus personajes. Tenía una idea muy clara del físico y la personalidad de cada una de ellas, de las palabras que usarían. Tuve que buscarlas por las calles, en las tiendas, en casas de amigas... Eso llevó algún tiempo, pero el resultado es que se ajustan a sus personajes.

Layal, el personaje que interpreto, es la propietaria del salón de belleza, una mujer joven, de treinta años, cristiana, que sigue viviendo con sus padres, al igual que casi todas las jóvenes que no están casadas en Líbano. A través de las joyas que lleva, se ve su amor por la Santa Virgen y, por su vocabulario, que se siente muy apegada a su religión. Es un claro ejemplo de contradicción: por un lado, su familia, a la que ella no quiere decepcionar, y su religión, un abrigo protector, y, por otro lado, un hombre del que ella depende totalmente y que representa lo prohibido y la transgresión.

Nisrin es una mujer musulmana de 28 años, amiga de Layal, que trabaja como peluquera en el salón de belleza. Está a punto de casarse con un musulmán que no sabe que ella ya no es virgen, y esto supone un gran problema para Nisrin. Yasmine Al Masri, que la interpreta, no es actriz: nació en Líbano, y es hija de una egipcia y un palestino. Es una buena amiga, a la que conocí en París, donde ella está estudiando Bellas Artes y danza oriental. Todo su trabajo, su misma lucha, se desarrolla en torno al cuerpo femenino. Nadie más que ella podía ser Nisrin.

Rima es una chica de 24 años que lava cabezas en la peluquería. Callada e introvertida, no es tan voluptuosa y coqueta como las demás. Rima se está buscando a sí misma. Poco a poco, descubrimos que siente inclinación por las mujeres. ¿Pero ella es realmente consciente de ello? Joanna Moukarzel, que la interpreta, es directiva en una gran compañía de suministros eléctricos. Me convenció y me conquistó enseguida por su lado espontáneo y vibrante.

Yamal, la cliente, es amiga de todas las chicas que trabajan en el salón de belleza. No sabemos con exactitud ni su edad ni su religión. Le da tanto miedo envejecer que intenta por todos los medios ocultar que está en la menopausia. Yamal sólo vive de apariencias. En mi país, muchas mujeres se encuentran en esta situación porque en la existencia de la mujer libanesa es muy importante la seducción. Yamal quiere ser actriz porque, tras haber consagrado su vida a sus hijos, quiere brillar y existir, sobre todo cuando descubre que su marido la ha dejado por una mujer más joven que ella. Interpreta este papel Gisèle Aouad, que trabaja como secretaria de dirección y que tiene una personalidad generosa y extravertida que se corresponde bien con su papel.

Rose es una cristiana de 65 años que vive junto al salón de belleza y que conoce bien a todas las chicas. Nunca se ha casado porque ha consagrado su vida a cuidar de su hermana. Cuando conoce a Charles, deja pasar el amor, sin duda por sentido de sacrificio, pero también por autocensura. En Líbano, cuando se es viuda, divorciada o “solterona”, no se tiene derecho de enamorarse pasada cierta edad. De lo contrario nos volvemos ridículos y avergonzamos a nuestros allegados. En esta sociedad cerrada, la culpabilidad surge de un apego demasiado fuerte a la familia y a la religión, sea ésta la que sea. Sihame Haddad, que encarna a Rosa, es un ama de casa. Me atrajo de inmediato su personalidad, muy conmovedora a pesar de su reserva.

Para el personaje de Lili, la hermana mayor de Rose, me inspiré en una mujer cuya historia me contaron. Cuando era muy joven se enamoró de un oficial francés que, cuando dejó Líbano le escribió todos los días, pero sus cartas fueron interceptadas por la familia de ella. Cuando lo descubrió, era demasiado tarde. Desde entonces, ella ha estado buscando esas cartas por todas partes... Lili es una solterona un poco loca que recoge todo lo que se parece a un papel. Aziza Semaan, que interpreta este papel debe de tener 85 años. Yo estaba desesperada pensando que no iba a encontrar a nadie, cuando la vi en una calle un Viernes Santo. Inmediatamente me dije que era la Lili que yo estaba buscando. Es una cristiana que sólo habla árabe y, en la vida real, es, al mismo tiempo, muy tranquila y muy divertida.

En cuanto a la bella y misteriosa mujer que aparece de cuando en cuando y cuyo nombre no sabemos es el ejemplo perfecto de la mujer perfecta, como surgida de los anuncios de los años sesenta en Estados Unidos, el ama de casa y la mujer que encarna el estereotipo de la mujer ideal. Pero pronto nos damos cuenta de que se siente increíblemente frustrada, como muchas mujeres libanesas que dejan atrás su verdadera personalidad para conformar la imagen que se espera de ellas. Entre esta mujer y Rima, surge una auténtica atracción. Interpreta este papel Siham Fatmeh Safa, una mujer musulmana chií, casada a los trece años y que ahora vive sola. Ella tiene ese aire de misterio que yo necesitaba dar a ese personaje.

En general, las mujeres libanesas están obsesionadas por su apariencia, están buscando su identidad entre la imagen de la mujer occidental y la de la mujer oriental... La mujer libanesa siempre tiene la impresión de tener que robar sus instantes de felicidad, la sensación de que tiene que luchar para vivir como quiere, y cuando lo consigue se siente culpable. Yo misma, que soy independiente y que ejerzo el oficio que me gusta, tal y como me gusta, me siento condicionada en lo más profundo de mi ser por las tradiciones, la educación y la religión.

La mujer libanesa, tanto la musulmana como la cristiana, vive en una contradicción entre lo que es, entre lo que desea ser y lo que se le permite ser.

La música

Khaled Mouzanar, el autor de la música me conoce muy bien... ¡va a ser mi marido! Autor y compositor, ha sacado su primer álbum de canciones francesas (en Naïve). Su música siempre me ha evocado imágenes. Khaled tiene un universo muy particular, pero sabe ponerse al servicio de un guión y de una historia. Ha vivido conmigo toda la aventura de hacer la película y yo no tenía que explicarle nada para que entendiera lo que quería. Hice que oyera las canciones que me hacen soñar y él ha logrado esa mezcla difícil entre la música oriental y la occidental que funciona muy bien en CARAMEL. Gracias a él, la música es un auténtico personaje.

La guerra

Cuando acabó la guerra [la guerra civil entre facciones cristianas y musulmanas del país, con intervenciones de Siria e Israel, que se desarrolló entre 1975 y 1990], en 1990, yo tenía 17 años y, al hacer esta película, me planteé contar una historia que mirara hacia el futuro y no hacia atrás. Formo parte de una generación que quiere hablar de otras cosas, de historias de amor, por ejemplo, más en relación con nuestros sentimientos y experiencias que con la guerra. Se había visto, analizado, revisado y desmenuzado tanto los acontecimientos, que yo tenía la necesidad de no hablar de ellos. Por desgracia, ocho días después del final del rodaje, tuvimos que revivir unos acontecimientos dramáticos. Entonces tuve un sentimiento de culpabilidad muy fuerte: ¿qué pintaba esa película que habla de mujeres, del amor y de la amistad? Para mí, el cine debería tener una misión y ayudar a cambiar las cosas, pero ¿qué podía aportar o cambiar mi película? Estuve tentada de abandonarlo todo, pero al final me dije que CARAMEL es una forma de sobrevivir a la guerra, de superarla, de ganarla. Es mi revuelta personal y mi compromiso, así que, si tuviera que escribir esta película hoy día, la haría igual. En Líbano todo se ha convertido en un acto político, la política ha penetrado hasta en la intimidad de nuestra vida... Yo creía que me había escapado pero la realidad de la guerra me ha atrapado. En la actualidad, con las tensiones que reinan en Líbano, CARAMEL aporta un mensaje: a pesar de la oposición entre las distintas religiones, reactivadas por esta guerra, lo natural es que cohabiten y coexistan. Al menos es como pienso que habría que vivir.

(*): Nadine Labaki obtuvo su título en estudios audiovisuales en la Universidad de San José de Beirut (IESAV) y en 1997 rodó su proyecto de fin de carrera, "11 Rue Pasteur", que obtuvo el Premio al Mejor Cortometraje en la Bienal de Cine Árabe del IMA en París en 1998. A continuación, rodó anuncios publicitarios y numerosos clips musicales para famosas cantantes de Próximo Oriente, por los cuales obtuvo diversos premios en 2002 y 2003. En el año 2004 participó en el programa Residencia del Festival de Cannes para escribir el guión de "Caramel", su primer largometraje.

© Alta Films / abc guionistas

18/01/2008 15:30:01

FUENTE: http://www.abcguionistas.com/noticias/articulos/11111111111111111111111111111113jg/nadine-labaki-escribe-sobre-su-film-caramel.html

PSICODRAMA FRENTE A DRAMA PERSONAL:LAS HORAS

2008-01-27T21:49:00.000+01:00

Psicodrama no es lo mismo que drama personal. Martina Nagel explica cómo escribir un psicodrama tomando como ejemplo Las Horas.

Si usted es escritor y no sabe nada de géneros, lo más probable es que acabe por escribir un psicodrama, o por lo menos, que aspire a escribir un psicodrama y termine construyendo un drama personal. La mayoría de las películas europeas pertenecen a este último género; el rechazo de este género en el libro Story de Robert McKee es demasiado evidente.

McKee describe la historia personal como "un caso típico y persistente de característico guión fallido. La historia personal está infraestructurada; confunde verosimilitud con verdad tomando retazos de vida para la construcción del guión. Este tipo de escritor cree que cuanto más precisa es su observación de los hechos cotidianos, cuanto más riguroso es su reportaje de lo que efectivamente sucede, más cerca se halla de la verdad. Pero de hecho, por muy minuciosa que sea esta observación, es una verdad con minúsculas. La verdad con mayúsculas se halla detrás, dentro, más allá de la superficie de las cosas, se sostiene junto a la realidad o se aparta de ella, y no puede observarse directamente. Porque este escritor sólo ve lo que es visible y está basado en hechos reales, pero está ciego ante la verdad de la vida"

Philip Parker, no obstante, proporciona una descripción más sofisticada y concreta de este complicadísimo género en un análisis sobre el drama personal en el número nueve de Scriptwriter. Afirma que "el drama personal es uno de los géneros más difíciles de trabajar y el menos comprendido en términos de empleo de estructura para un desarrollo narrativo". Dado que el drama personal se centra principalmente en el carácter y opera en una escala visual aparentemente pequeña, a lo largo de los años ha sido relegado a la televisión, donde se manifiesta en forma de series.

Estoy de acuerdo con Parker en que el drama personal funciona mejor en la gran pantalla en combinación con otro género y en este artículo, haré hincapié en uno de sus parientes más cercanos, el psicodrama. En el mundo occidental estamos familiarizados con la forma narrativa del psicodrama porque su estructura básica está intensamente relacionada con el psicoanálisis.

Ordinary People (Gente Corriente), Dead Men Walking y The Hours (Las Horas) son todas ellas psicodramas. Tienen en común un incidente traumático que ocurrió en el pasado y domina cualquier momento del presente. Los actores disfrutan de este género porque les proporciona la posibilidad de retratar personajes complejos. No existen efectos especiales destacables, no existen secuencias de acción que limiten el tiempo de trabajo del actor. Más bien al contrario, la cámara está pegada al actor registrando cada insinuación, cada latido, cada gesto porque ahí es donde reside la historia, en el rostro del intérprete, en la expresión de su convulsión interior, haciendo revivir una antigua herida hasta su aceptación final.

Por consiguiente, el premio al Mejor Actor es el que ha brindado reconocimiento al psicodrama con Timothy Hutton, Susan Sarandon y Nicole Kidman, recibiendo los premios principales por sus interpretaciones en las citadas películas.

Sin embargo, los guionistas no tienen mucha suerte con este género. El debut en la dirección de Robert Redford con Gente Corriente demostró ser una excepción al recibir el Oscar de la Academia por el mejor guión en 1980. Por una sencilla razón: actor y escritor llevan a cabo su buen fin; no existen trampas cinematográficas para distraer o encubrir sus defectos. A menudo, los guionistas no concluyen de modo satisfactorio la estructura narrativa de un psicodrama. La audiencia puede ver momentos brillantes en el trabajo de los actores pero sin un marco narrativo, la película no puede ser realmente eficaz, a diferencia de una obra maestra como Gente Corriente.

Las Horas recibió un gran número de críticas positivas por los logros de sus intérpretes, aunque la mayoría de los críticos cinematográficos se ciñeron a un simple sumario de tres historias lineales en lugar de arrojar algo de luz sobre los diferentes niveles artísticos de la dramatización. Aunque supone un gran esfuerzo luchar contra la idea principal de este film, intentaré aplicar las convenciones del psicodrama a Las Horas con la intención de desvelar la estructura interior de la película.

La Horas sigue a tres mujeres de diferentes épocas a lo largo de un solo día; cómo comienzan a escribir, a leer y subliminalmente, a representar el personaje de ficción de la señora Dalloway. Ambas novelas, La Señora Dalloway de Virginia Wolf, y Las Horas de Michael Cunningham y la adaptación al cine de esta última con el mismo nombre, describen una cruda visión de la existencia humana. La película se abre con su imagen y tema principales: el suicidio de Virginia. Una vez establecido el espectro del suicidio, el dramaturgo David Hare regresa a él repetidamente, situando toda la vasta reflexión sobre el mismo simétricamente en las tres historias.

El estilo de la prosa de Virginia y su turbulenta presencia es el alma de la película; realmente parece que las tres mujeres son aspectos de un único espíritu. En 1923, la cristalina inteligencia de Virginia aguarda y lucha con miedo contra la plaga usurpadora de una depresión que le robará el juicio. Casi tres décadas después, Laura Brown, interpretada por Julianne Moore, siente cada objeto como si fuese atrapado por Virginia. Se muestra tranquila, narcotizada por la soledad y su desesperación es tan tormentosa como firme es el camino de Virginia hacia su autodestrucción. Finalmente, Meryl Streep sintetiza la triste vida de Clarissa Vaughan, una editora contemporánea que parece tenerlo todo, desde una hija fruto de una donación de esperma hasta una abierta relación con un hombre homosexual que les fue negada a sus predecesoras. Pero Clarissa tampoco es feliz. Se instala en un momento perdido de felicidad que la ata a su antiguo amor, el moribundo Richard Brown, interpretado por Ed Harris.

Para reforzar los lazos entre las historias, el director Stephen Daldry emplea un montaje coincidente, en el que una escena en un periodo de tiempo a menudo se traspone perfectamente a otra escena en otro momento temporal. Gestos, repeticiones, reminiscencias: las tres mujeres se despiertan sobre el lado derecho de su cama, se peinan, lavan su cara y a continuación Virginia se sienta en su sillón para escribir la frase que abre la novela: la señora Dalloway dijo que ella misma compraría las flores. En Manhattan, Clarissa decide comprar unas flores y en un barrio de Los Ángeles, Laura recibe flores de su marido. El paralelismo es un aspecto importante de la adaptación de Daldry, tanto que en ocasiones parece forzado y exagerado; por ejemplo, ¿quiere decir algo que se rompan unos huevos en las tres épocas?

La alternancia de las historias transcurre durante un solo día, al igual que en la novela La Señora Dalloway. Las tres mujeres representan juntas el alma del personaje de ficción llamado Señora Dalloway. La decadencia de todas ellas acontece progresivamente y la deducción es que la desaparición de una de ellas implica de la desaparición del resto.

Virginia Wolf desafía a sus dos compañeras del alma a un excitante viaje y al tiempo que las seguimos, conocemos que ni ella misma sabe si las abocará a la destrucción o verán el siguiente amanecer. Al igual que en La Señora Dalloway, no hay mucha acción en la película, pero sí un movimiento temporal continuo desde el presente hacia el pasado y viceversa a través de los recuerdos de los personajes. El movimiento en el tiempo es un rasgo de identidad del psicodrama y dispositivos tales como el fluir de la conciencia justifican el hecho de volver a contar un suceso traumático en cada una de las vidas particulares. Así, Clarissa vuelve al momento en el que, cuando tenía dieciocho años, besó a Richard, y la historia de Laura regresa al instante en que un veterano de guerra la eligió como esposa.

Virginia Wolf declaró en vida que otros escritores ingleses de la corriente realista hablaban de la superficie de las cosas pero para ir más allá de la superficie debían emplearse formas de representación de la vida menos limitadas, como el fluir de la conciencia y el monólogo interior; por ello, era necesario abandonar la narración lineal. Las Horas adopta el estilo poético de Virginia y nos reta con la desconcertante estructura no lineal que hace mucho tiempo fue abandonada por el Hollywood convencional, en concreto desde los años setenta. Un día relativamente corriente con momentos en apariencia insignificantes como los preparativos de una fiesta de cumpleaños, y una fiesta, se describen con el crudo contrapunto de un momento del pasado de tremendas consecuencias, donde las decisiones vitales están tomadas y los caminos futuros, elegidos.

Mediante la yuxtaposición de la experiencia actual y los flashbacks, los cineastas crean un número considerable de tensiones que de diversos modos definen el tema de la muerte y el significado de la elección de la vida. Exactamente el modo en que Laura Brown conecta con la historia de Clarissa y la identidad de su hijo es emocionantemente desvelada en una imagen muy hábil. El joven Richie grita tras la ventana de la casa de su niñera llamando a su madre que regresa de su intento de suicidio. Este recuerdo hace brotar las lágrimas del Richard enfermo, cuando aguarda el regreso de Clarissa a su apartamento.

Ambas mujeres, Clarissa y Laura, luchan por encontrar un camino de vida, y Virginia termina al fin por liberarlas, cuando en lugar de matar a su personaje de ficción, la señora Dalloway, es ella misma, "la visionaria", quien continua sola el camino de su autodestrucción.

Autora: Martina Nagel (Martina Nagel da clases en la Northern Film School y en ICVM (Independent Film Conference de Los Ángeles).

Publicación: Scriptwriter (Dedicated to producing better scripts) Número 11 Julio 2003-11-13

Sitio web: www.scriptwritermagazine.com

Fuente: http://www.zinema.com/textos/psicodra.htm

Para familias diversas

2008-01-20T20:59:00.000+01:00

Como lesbianas, difícilmente vemos representaciones sobre nuestra forma de vida, o de existencia en los medios de comunicación. Ahora que cada vez es más publica la existencia de familias diversas, estas y sobre todo l@s pequeños buscan verse identificados en los libros de cuentos que leen o en los dibujos animados que ven.

Afortunadamente alrededor del mundo cada vez se están escribiendo mas libros con otra mentalidad, donde se ven familias con dos mamas, dos papas, una mama, niñ@s adoptados, niños nacidos por inseminación artificial. Niños con un papa que ya no vive con su mama porque ella tiene una nueva compañera… Quizás, porque hay un tanto por ciento de la población, no sabemos medias, porque el poder prefiere no sacar estadísticas de estas cosas. Que bastante ya tienen con que la iglesia monte barricadas en la C/ Gran Vía, (Madrid), en contra del matrimonio gay. A veces cuando leo noticias de estas, me imagino si Unamuno levantara la cabeza que cara pondría viendo a tanto cura gritando consignas por la familia nuclear…

En España no se puede hacer una aproximación de cuantas familias con dos mamas o dos papas pueden existir. Estamos todavía en pañales para que ciertos planes académicos en los colegios contemplen también como parte de la educación en la diversidad que esto pueda suceder, o que es una necesidad para que desde pequeños l@s niñ@s se acostumbren a vivir en la diferencia y aprender de ella.

Me he encontrado en la pagina de Lesbian life, las reseñas de varias series de televisión una en dibujos animados: Buddy G, My Two Moms and Me - Buddy G. Mis dos madres y yo.

Y la otra mas al estilo de Barrio Sésamo, con personajes que son personas, otros animales que son peluches parlantes. Y números musicales para enseñar coreografías a l@s niñ@s: Dottie Pockets.

Aunque seguramente por el momento no tengamos la oportunidad de que se emitan programas así por televisión, lo cierto es que ya se pueden adquirir por Internet. Seria un escándalo que proyectaran por una cadena publica la historia de Buddy G, serie de animación de un niño que es adoptado por dos mamas y tiene una vida completamente normal para un niño de su edad. Una casa en un árbol y muchos ideas imaginativas para jugar con sus amigos.

Por otra parte, esta la serie de Dottie Pockets, que es una mama que tiene unos polvos mágicos en los bolsillos y la hacen cantar y bailar, que la habitación cambie de colores… En los videos la acompañan mas personajes de peluche que también bailan. Participan también niñ@s que hacen las coreografías y se lo pasan de lo lindo. Y hasta la serie tiene su propio club de fans.

Pero mi favorito sin duda es el cuento para niños: “Y con Tango fuimos 3”.
Porque es una historia basada en un hecho real que sucedió hace un tiempo en el parque Zoológico del Central Park. Me gusta especialmente porque es una historia que puede llegar a cualquier niñ@. Porque si hay algo que les encanta a la mayoría de los niñ@∫ son los animales.

“Y con Tango fuimos 3”. Es la historia de Silo y Roy, dos pingüinos machos en el parque Zoológico del Central Park. Que uno de los cuidadores se da cuenta de que ninguno de los dos pingüinos busca compañera hembra, como otros machos. Además hay que recordar que los pingüinos al igual que otras especies como los delfines, o los colibríes, solo tienen una pareja en toda la vida. Son animales monógamos. Pues el cuidador del parque zoológico con curiosidad empieza a observar que Silo y Roy están todo el tiempo juntos y cuando el resto de pingüinos empiezan a construir sus nidos, ellos dos hacen lo mismo. Construyen un nido entre los dos. Y empiezan a esperar. En este momento es cuando el cuidador piensa: “Deben de estar enamorados”.
Por eso, cuando todas la mañanas el cuidador ve como Silo y Roy buscan en su nido un huevo, como el resto de parejas. Consciente de que esto es biológicamente imposible decide echarles una mano y les deja dentro del nido una mañana un huevo de pingüino, cuando ellos se han ido a comer. Y es así como entra en la historia Tango, el bebe pingüino con dos papas.

Silo y Roy se convierten en unos papas muy cuidadosos y son los pingüinos estrellas del zoo, pues son muchos niñ@s l@s que los van a visitar todos los días. Pues si algo le encanta a l@s niñ@s son las historias extraordinarias y curiosas. Porque tienen muchos menos prejuicios que los adultos. En fin es una historia muy bonita para niñ@s de 4 a 8 años en cualquier tipo de familia.

La homosexualidad ha sido investigada antropológicamente en mas de 450 especies diferentes de animales.

Fuentes:

http://www.buddyg.tv/preview.php
http://www.youtube.com/profile?user=Kathleenlatlip
http://lesbianlife.about.com/od/childrensbooks/gr/Tango.htm

Mas cuentos para familias diversas:

http://en-favor-de-la-familia.net/

Familias homoparentales protagonizan una colección de cuentos infantiles.

Si la realidad familiar ya no responde al arquetipo de papá, mamá, hijos e hijas, abuelos, tíos y primos, los cuentos de los pequeños deberían renovarse y reflejar la nueva realidad. Eso han pensado desde la editorial bilbaína A Fortiori, que hoy presentan su primera colección de cuentos para niños de entre cuatro y siete años, a las 19.30, en la Casa del Libro de Bilbao, de la mano del Ararteko, Iñigo Lamarca.

La colección se llama A favor de la familia, "algo que puede sonar muy conservador, pero que se ha elegido precisamente para reivindicar todos los tipos de familias", indica Natividad de la Puerta, directora de A Fortiori. Porque lo que define estos cuentos, cuidadosamente editados con tapas duras, es que los personajes no representan a una familia estándar, sino que abarcan todo el abanico que se da en la sociedad actual.

Estos tres primeros títulos se centran en el mundo homosexual y en la adopción. "Más adelante, introduciremos, por ejemplo, a las familias monoparentales", comenta De la Puerta. Los cuentos costarán 15 euros y estarán a la venta en la Casa del Libro y "en las librerías que lo soliciten". Se pueden consultar en http://afortiori-bilbao.com/editorial.

Ana y los patos es el primer cuento, para los más pequeños. Dos madres le explican a su hija de cinco años cómo una familia puede tener dos padres del mismo sexo. Para ello se sirven de unos patitos y un pollito. El texto, del orensano Manuel R. Lorenzo, es sencillo y claro, y los dibujos del argentino Bernardo Erlich, luminosos y alegres. Ana y los patos, además de en castellano, también se publica en euskera.

El segundo cuento, para un poco más mayores, se titula Isla Mágica y lo ha escrito Raquel Estecha Pastor, con ilustraciones de Ángel Domínguez. También se ha editado en inglés. Ana Ling es una niña asiática que vive en una isla donde no llueve ni hay flores. Sus dos madres la ayudan para que ella y sus amigos logren que llegue la lluvia. Esa búsqueda del agua les sirve para contarle a Ana Ling cómo la adoptaron.

Piratas y quesitos, que va dirigido a los mayores de esa franja de edad y que contiene más letra y más conceptos, presenta una pareja de gays y al sobrino de uno de ellos, que les adora y que ve natural que deseen tener un hijo "como él". Piratas y quesitos, que se ha publicado también en catalán, lo ha escrito Varmen Herrera y lo ha ilustrado Luis Filella.

"Queremos transmitir a las generaciones futuras que el amor entre nosotras y nosotros es lo que hace que formemos una auténtica familia. Independientemente del número de personas que la integramos, del sexo al que pertenecemos, de nuestra raza, del tipo de pareja que formamos o de si somos hijas o hijos biológicos o nos han adoptado", proclama la contraportada de los cuentos.

"Hemos buscado que la homosexualidad se presente como cualquier otra condición familiar, no como lo central. Si vamos a educar en valores, el valor es el amor, no el ser o no heterosexual", afirma De la Puerta.

(El País)

(06/10/2005)

El cuento de REY y REY

Un buen día la reina decide que está muy cansada para gobernar y que su hijo, el príncipe, tiene que casarse para asumir su lugar. A pesar de la reticencia de éste a seguir los designios reales, termina aceptando, y así da comienzo un colorido desfile de princesas de todos los rincones del mundo. El príncipe, con cara de aburrido, va descartando una tras otra y cuando ya las esperanzas reales tocaban fondo, aparece una última princesa junto con su real hermano. El flechazo es fulminante y el príncipe queda prendado del otro príncipe.

Los textos son sencillos y, junto con las ilustraciones, una combinación de collages y dibujos, nos narran la historia con armonía y humor. Pero digamos que el libro no destaca necesariamente por estas características, lo hace más bien por una razón extra literaria: la elección del tema. El cuento tiene la virtud de abordar con naturalidad las relaciones homosexuales y manifiesta con claridad la importancia de la aceptación de uno mismo y de la tolerancia con los otros.
El padre que se decida a comprar el álbum deberá tener claro que su hijo, como cualquier otro niño con una sana curiosidad, hará preguntas luego de la lectura. Por lo tanto el libro tiene además la ventaja de ofrecer un espacio de conversación sincera sobre temas que más temprano que tarde se le presentarán por otros medios.

Linda de Hann y Stern Nijland, las autoras del álbum, son dos ilustradoras holandesas que se conocieron en una escuela de arte y decidieron formar una empresa de diseño. Este es su primer libro, del cual ya existe una continuación que narra la vida que luego tuvieron que afrontar los dos príncipes. En Holanda y en otros países de Europa se recomienda la lectura de este libro a partir de los 6 años.

Editorial: Serres.
Precio: S/. 57
Librería: El Virrey .
Miguel Dasso 147, San Isidro.

VIAJE A DARJEELING. (The Darjeeling Limited)

2008-01-13T20:43:00.002+01:00

SINOPSIS

Tres hermanos, que no se han hablado en un año, se embarcan en un viaje en tren por la India con la intención de encontrarse a sí mismos y estrechar lazos entre ellos, para volver a ser los hermanos que siempre fueron. Sin embargo, su “búsqueda espiritual” pronto se aparta de su curso, y al final se encuentran solos en medio del desierto con once maletas, una impresora y una máquina de laminación. En ese momento, de pronto, comienza un nuevo viaje que no estaba en los planes.

CRÍTICA por Almudena Muñoz Pérez

Wes Anderson es uno de esos tipos raros a los que se ve venir. Uno más de la quinta de realizadores acomodados que pretenden romper esquemas, más cercano a Sofia Coppola que a Spike Jonze, al indie de elevadas alturas que al producto desapercibido, al silencio que al guión denso de premisa fantástico-intelectual. A pesar de ello, quien suscribe siente cierta simpatía por él, en ningún caso provocada por el esnobismo que olfatea las corrientes de moda. Aunque su cine peca de la pretenciosidad propia del niño bien que dispone de los recursos y actores fetiche a su alcance, la mezcla grumosa de comedia absurda y drama emocional suele salirle bien. Suele, porque en “Viaje a Darjeeling” le ha salido a medias.

Tres hermanos que no se han hablado en un año —tampoco es para tanto, vistas las crecientes familias disfuncionales—, se reúnen en la India para reconectarse en la región de Darjeeling (aunque ése es más bien el nombre del tren en el que viajan; los doblajes españoles demuestran una vez más su escasa certeza). Previo a este periplo existencial, Anderson rodó un cortometraje que sólo en algunos países —al fin recibimos un privilegio— tenemos el gusto de contemplar tal como fue pensado. “Hotel Chevalier”, título y escenario, pondrá de los nervios al público enemigo de las piezas calmosas, en las que no se dice gran cosa ni sucede nada espectacular. Tampoco termina resultando clave para la película posterior, pues únicamente aclara determinados aspectos acerca de la vida amorosa de Jack (Jason Schwartzman) —y un chiste musical—, mientras los pasados recientes de sus hermanos Peter (Adrien Brody) y Francis (Owen Wilson) permanecen en el anonimato. Lo más probable es que, de pasar a la Historia, lo haga por el primer desnudo —consentido tras la posproducción, lo cual elimina a "Closer" (2004)— de Natalie Portman, muy a lo Jean Seberg. Triste, rodado con una cámara lánguida que perpetúa su mirada en el resto del viaje.

Disponen de dinero y sus semblantes sólo reflejan la apatía de una vida sin mimos, lazos estrechos o dificultades laborales. Interpretados con la suficiente gelidez, que parece próxima a quebrarse al más mínimo estímulo real, los tres hermanos son criaturas típicamente Anderson, primos lejanos de "Los Tenenbaums. Una familia de genios" (2001) o adultos de éxito tras la academia “Academia Rushmore” (1998). Esos ricos con derecho a quejarse que han ocupado una nueva parcela de cine cool y que causan las iras de no menos espectadores con el mismo derecho a expresar sus discrepancias. Sin embargo, bajo la cubierta de cineasta esteta que colecciona colores, olores y sabores exóticos, late una historia universal acerca de la fraternidad sin costes y las intenciones honestas sin diferenciación de raza o credo. Al final, Anderson destapa esos botes de cristal en los que ha ido coleccionando mariposas para permitirles el vuelo, el trayecto siempre imprevisto de un tren que puede perderse y encontrarse en el desierto. El travelling horizontal que revela todo esto resulta un tanto maniqueo al querer unir personajes esporádicos —tanto como la propia Portman o un fugaz Bill Murray—, pero el propósito está ahí, impresionista y sincero.

La suma de lo superfluo —siempre contrapuesto a una tragedia que escapa al control de los protagonistas— significa en Anderson la reivindicación de la casualidad como tejedora de un destino insorteable. Tremenda paradoja cuya sutileza se pierde subrayando las coincidencias de los tres hermanos, haciéndoles compartir futuro y dibujando uniones redundantes entre el presente y el pasado mediante un calculado flashback. Además, aunque el efecto ponga un poco de los nervios, el ralentí empleado en momentos clave, generalmente carreras, señala la importancia de las decisiones espontáneas y los actos impremeditados, como si en ese lento discurrir del tiempo —el odioso "no pasa nada"— pudiésemos leer algo que los personajes nunca notarán al repasar sus vidas. Dicho recurso construye la estructura del sencillo guión de Anderson, Roman Coppola y Schwartzman —hermano y primo de Sofia, respectivamente, percibiéndose el colegueo o el enchufismo, según se quiera llamar—. Quizá una narración demasiado pendiente de sí misma —como los relatos que escribe Jack— y que desprecia los añadidos imprudentes e insospechados que hicieron más fresca a "Life aquatic" (2004).

La modernidad de la película la imprime una banda sonora ecléctica, pero armónica, que con independencia de la canción escoge el espacio y el tiempo precisos para colocarla, si bien otro punto de ataque habitual en los detractores de este tipo de cine es que alguien alabe gratuitamente la música. Menos evidente en este apartado que algunos de sus coetáneos, Anderson sabe que una buena banda sonora cuenta la acción y no vende discos, al menos como objetivo primordial. De ahí la contraposición de un cierre de movimiento optimista —el tren avanza hacia el horizonte— y actos ambiguos, los hermanos a punto de equivocarse entre los dulces hábitos o el aburrimiento repetitivo. Un díptico opuesto a la letra de “Les Champs-Elysées”, el perfecto paraíso que Jack no encontró en París con su ex novia y que difícilmente sobrevivirá a las desavenencias de tres hombres unidos por la sangre y las manías familiares. La ingenuidad podría ser la de un cuento de hadas moderno que debe escapar de la urbe para hallar la espiritualidad y el sentido vital perdidos —filón que se acabará cuando las mismas zonas exóticas dilapiden su inocencia y no sirvan de escape, algo que no está muy lejos de ocurrir definitivamente—. Pero los héroes modernos no se tragan su propia historia y son conscientes del esfuerzo que deben realizar, sin narrador ni destino omniscientes, aprisionando los sentimientos en cuanto aparecen, forzando el roce entre hermanos para que nazca el cariño. Y así, de una pluma de pavo real enterrada bajo una torreta de piedras para que no se escapase, a Anderson le salió la fábula más tierna de su repertorio, en la que sujetó la humanidad mientras huía el marcianismo.

Calificación: * * *

Fuente sinopsis y critica: http://www.labutaca.net/

Entrevistas con el director y actores

Videos de : IFC News coverage of the red carpet for "The Darjeeling Limited," the 45th Annual New York Film Festival opening night feature. Host Matt Singer talks to director Wes Anderson, stars Bill Murray, Jason Schwartzman and more.
For more go to http://www.ifc.com/news

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Fuente:http://celuloidesensujugo.wordpress.com/2008/09/25/vicky-cristina-barcelona/#comment-373

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"Aquí la literatura es un gueto de mediocridad y pretensión"

Dejen a los niños en paz, solo son un espejo

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SWEENEY TODD, EL BARBERO DIABÓLICO DE LA CALLE FLEET

Solidaridad contra la impunidad en Colombia

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Nadine Labaki escribe sobre su film "Caramel"

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