MADHOUSE, casa de locos

EL GORILA BLANCO (USA, 1945)

2009-07-09T19:27:00.037+02:00

Título Original: The White Gorilla. Director: Harry L. Fraser. Intérpretes: Ray Corrigan (Steve Collins / Konga, el gorila blanco/ Narrador), Lorraine Miller (Ruth Stacey), Charles King (Morgan), Francis Ford (Mr. Stacey), Budd Buster (Carter), George J. Lewis (Hutton). Duración: 62 minutos.

Síntomas: El guía de una expedición llega a la cabaña de Morgan, en medio de la Jungla. Allí narra como todos sus compañeros han sido capturados por una tribu indígena mientras él ha tenido que vérselas con un furioso simio blanco.

Diagnóstico: Yo no sé a vosotros, pero a mí llega el verano y me dan unas ganas locas de ver gente correteando por la jungla en taparrabos, saltando de liana en liana y haciendo literalmente el mono. El verano lo tengo asociado yo a las películas de Tarzán y similares. Pero claro, este no es el lugar adecuado para comentar films tipo La Senda de los elefantes ,El Libro de la selva, Jungle Jim… a no ser que encontremos una película como la que nos ocupa, considerada, con toda la justicia del mundo, sin duda el punto más bajo de estas “Jungle Adventures”, el mayor despropósito de las explotaciones del “King Kong” de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack. Y lo más curioso del caso es que son dos películas en una. Pero mejor vayamos por partes:

Imaginad que vuestro ritmo de trabajo es, no de una, sino de hasta seis películas al año. Claro, eso supone un coste, y además está el tiempo que hay que dedicar a esta frenética actividad. Que si conseguir financiación, que si escribir un guión, buscar a los actores y técnicos, localizaciones, etc, Todo eso lleva lo suyo, no creáis. Luego está el rodaje (omitimos ensayos, que visto en los parámetros en los que nos movemos no deben saber ni lo que es). Y para finalizar la post-producción: revelado, montaje, doblaje, recursos musicales, la promoción… Si quitamos una semanita de descanso entre peli y peli (para pensar en el siguiente engendro que vas a pergeñar) te quedan aproximadamente mes y medio para cada película. ¡Uf, tiempo de sobra!
Así que coges una película que se rodó en 1927 (da igual que sea muda, mejor, así no hay que cambiar los diálogos) y dónde, mira qué casualidad, tú eras el guionista. Coges algunos documentales de la época, ruedas unas secuencias con unos pocos actores (cinco) en un decorado que simula una cabaña en la jungla y que te servirá de enlace entre imagen e imagen del film mudo y algún exterior en el jardín de detrás de tu casa con un tío vestido de gorila y ya está. Película nueva. El invento se llama "The White Gorilla".

Eso es, a grosso modo, el film que hoy nos ocupa. Pero pasemos a describir con mayor detalle este proceso, que no tiene desperdicio.
La película de 1927 que se saquea en cuestión es “Perils of the Jungle” y se trata en realidad de un serial de aventuras compuesto por 10 episodios. Harry L. Fraser fue su guionista y ahora la utiliza para el 70% del metraje de su nueva producción. Para unir los “cachos” usa un 10% de insertos de documentales sobre fauna salvaje y crea el personaje de un guia de expedición que herido y exhausto llega a la taberna de Morgan, ubicada en mitad de la Jungla (desde luego el ojo comercial de este Morgan no tiene precio). Allí narra a los presentes (tres tipos y la hija de uno de ellos que tampoco sabemos muy bien que hacen allí), los acontecimientos que han hecho que llegara hasta ellos en tan lamentable estado. Y por medio los citados insertos que narran una estrafalaria aventura donde nuestros protagonistas (los del film mudo de 1927) intentan escapar de una peligrosa tribu y una manada de leones hambrientos. Pero claro esto entraña numerosos problemas a la hora de la narración.

Así, por poner un ejemplo, resulta especialmente divertido como el guionista intenta justificar que este guía que narra la historia observe toda la acción sin participar nunca en ella. Los actores que escuchan la narración no son tontos, claro, y le preguntan una y otra vez lo que nosotros nos estamos preguntando: "¿Y por qué no les ha echado una mano?" Entonces el guía se inventa una serie de excusas a cada cual más jocosa del tipo de “los seguía a cierta distancia para no correr riesgos” o “fascinado por lo que acaba de contemplar, me quedé pegado al suelo”. Claro que eso no justifica cómo el guía es capaz de ver la acción que trascurre dentro de una cueva o en el interior de una cabaña cuando, claramente, observa siempre todo lo que narra escondido entre unos arbustos o subido a un árbol.

A estas alturas del artículo, alguno ya se estará preguntando ¿y el gorila blanco? Pues poco que contar. El gorila es insertado en la trama con calzador (como todo lo demás, por cierto) y su única misión es aderezar un poco los fragmentos del guía, que entretanto que ejerce de continuo “voyeur” de la acción central, tiene que vérselas de vez en cuando con este primate de muy malas pulgas.

Este tío no pierde detalle en toda la película

En ese sentido decir que las pocas escenas del gorila, en el que incluso se enfrenta a otro enorme simio de color negro, son las partes más entretenidas del film y en muchos momentos recuerdan a las luchas que Godzilla protagonizará con otros monstruos unos años después en aquellos gloriosos “Kaiju Eiga” japoneses. El final de la cinta, a partir de que los exploradores que han escuchado la narración se disponen a rescatar a la otra expedición (la que pertenece al serial de 1927) alcanza tan grandes dotes de bizarrismo que es mejor que no os adelante nada. Básteme decir que el final es el mismo que corresponde al clásico tema de la Bella y la Bestia pero contado con inusitada torpeza: el primate siempre acaba perdiendo el pellejo ante la visión de unas faldas en unas secuencias finales impagables.

Esta peli es un gazapo:
Hablar de gazapos en un film como este carece de sentido. Su simple gestación es un puro gazapo. La narración se va embarullando cada vez más hasta extremos casi incomprensibles con tal de intentar explicar todo lo que está apareciendo en las imágenes del viejo serial y justificarlas con la presencia de ese guía que todo lo ve aunque nunca intervenga con los demás protagonistas. Resulta más que evidente qué las imágenes de la aventura pertenecen a un viejo film: la estética, los códigos de interpretación del cine mudo (mucho más exagerado para suplir las palabras), por no hablar de la simple cuestión técnica de velocidad de proyección que es de 16/18 fotogramas por segundo en el cine mudo (con el consabido movimiento precipitado que produce) y que choca evidentemente con los 24 f.p.s de las imágenes rodadas en 1945 hacen imposible la fusión de ambas tramas ni para el espíritu más cándido.
También es evidente que lo rodado de relleno se produce en unos exteriores que para nada simulan una jungla africana, sino un parque en las afueras del estudio. Paradójicamente en cambio, los trajes de gorila están más logrados de lo que se pudiera esperar en una producción de esta categoría y es obvio que en este apartado es donde más esfuerzos se vertió o simplemente conocían al tipo que los alquila y les hizo un buen precio, vete tú a saber.

En cuanto al elenco (el de 1945) poco que destacar. Para ahorrarse nóminas el propio actor que hace de Steve Collins, el guía y narrador es el que interpreta al Gorila Blanco. Esto no tiene que extrañarnos si atendemos a que este especialista (más que intérprete) era el “gorila oficial de Hollywood” interpretando todo tipo de primates en más de una veintena de films y que debutó precisamente en la mítica “Tarzan the Ape Man”(1932), primer film de la saga protagonizada por el mítico Jhonny Weismuller. Su partenaire, Lorraine Miller, no era más que una chica jarrón de la serie B, sin ningún papel destacable en su filmografía y que aquí sale en el tercio final lo justo para que el Gorila se encapriche de ella y precipite el desenlace. Curioso no obstante que el padre de la chica estuviera interpretado por Francis Ford, hermano del gran John Ford y habitual presencia en los films de este.

“The White gorilla” tuvo una especie de secuela el mismo año (faltaría más) titulada “White Pongo” que en realidad sólo comparte al simio blanco y que suele ser frecuentemente confundida con la aquí comentada. Y poco más que señalar. “El Gorila Blanco” supone de calidad cinematográfica y de diversión, lo mismo que esos famosos “Retrospecter” de un popular programa de televisión.

Denostada por la inmensa mayoría, que la achacan de aburridísima, a mí en cambio no me lo pareció en absoluto, enfrascado como estaba en ver como salían una y otra vez del entuerto de justificar cosas injustificables, cada vez de una manera más absurda y convirtiendo esta película en una experiencia francamente muy cercana al surrealismo. Aún así he de reconocer, como suele ser habitual en este blog, que el film solo podrá satisfacer a aquellos que, como un servidor, sean apasionados seguidores de los mayores niveles de estulticia y desfachatez que un cineasta pueda llegar a alcanzar con tal de ofrecer al espectador menos exigente carnaza. Algo que, como observamos por la reseña adjunta, ya era tan antiguo como la propia concepción de este maravilloso arte que es el cine.

Tráiler de este White Gorilla

No puede perdérsela: El que quiera conocer uno de los primeros ejemplo de explotación, en su vertiente más desvergonzada. Ríete tu de Bruno Mattei.
Abstenerse: Quien no tenga la más mínima curiosidad por estos remiendos de film.
Comprarla: Sólo en DVD de importación, junto a otra "perla" simiesca.
Enlace Emule: 1945 - El Gorila Blanco.avi

CARNE DE TU CARNE (Colombia, 1983)

2009-07-02T01:14:00.029+02:00

Director: Carlos Mayolo. Intérpretes: Adriana Herrán (Margaret), David Guerrero (Andrés Alfonso), Santiago García, Vicky Hernández, Carlos Mayolo, Sebastián Ospina. Duración: 86 minutos.

Síntomas: Historia gótica de amor entre dos adolescentes hermanos de madre, durante la dictadura militar de los años 50 en Colombia. A través de la relación incestuosa los amantes son poseídos por los fantasmas de sus antepasados y se convierten en criaturas caníbales y vampíricas que siembran el terror en la región al confundirse con mitos autóctonos.

Diagnóstico: Sólo del país de “Cien años de soledad” y que se encuentra tan íntimamente ligado a la violencia podía gestarse una película como esta. Y ahora el lector podrá preguntarse ¿qué tiene que ver la célebre novela de García Márquez con el interminable historial violento de Colombia? Pues simple y llanamente que de la combinación de ambos universos parece surgir este atípico film, extraño y diferente al resto del cine de terror latinoamericano.

Ambientada durante la dictadura militar de Rojas Pinilla, Carne de tu carne es un film que navega entre una malsana atmósfera de extrema violencia desde el primer minuto. A pesar de su buena prensa, no estamos ante una obra maestra; el film es confuso, deslavazado y con algunas lagunas de ritmo, pero sí que es cierto que cuenta con suficientes elementos para hacérnosla más que interesante, como el certero retrato que de la sociedad burguesa colombiana hace, o esa escalofriante y sórdida atmósfera que va creciendo hasta una orgiástica explosión final de sexo y sangre.
Su director, Carlos Mayolo fue de los pocos directores colombianos que trataron de una forma u otra el género terrorífico. Junto al otro cultivador del género en este país, Jairo Pinilla crearon una corriente que se ha dado a llamar “Gótico tropical” y cuyo máximo exponente estamos ahora comentando. Pero Mayolo, al contrario que otros directores del fantaterror, siempre estuvo interesado por un cine social en un país donde el narcoterrorismo, las guerrillas, los paramilitares y el crimen organizado lo mantienen en un estado de crisis permanente. Amante del género fantástico, Mayolo dedica el film nada más y nada menos que a dos iconos del mismo como son Roger Corman y Roman Polanski, no en vano su película favorita era “Cul-de-sac”, cuya influencia se deja ver aquí en alguna que otra secuencia.
Así, a pesar de estar ambientada la trama en 1957, su desenlace no es sino metáfora de los últimos años de la historia de Colombia, simbolizada aquí por estos dos medio-hermanos que son perseguidos por un ineludible pasado de violencia. El clímax de la película comienza con la visita de los dos hermanos a su tío-abuelo Enrique, “oveja negra” de la familia y apartado del resto de parientes supuestamente por ser comunista. En casa del tío Enrique, tras descubrir un baúl con viejos recuerdos se dan cuenta que este mantuvo una relación incestuosa con su hermana (abuela de ambos jóvenes, recientemente fallecida). A partir de ahí se dan lugar varias alucinaciones en las cuales aparecen todos los antepasados de los chicos: Una monja, un político, un médico maniaco sexual... sin duda parábola todos ellos de los distintos estamentos del país. Observados por esos fantasmas, los adolescentes caen en un estado de locura y lujuria, de sangre y sexo, donde el caso de incesto se vuelve a repetir. Sin querer descubrir el desenlace, si que debo mencionar ese poderoso plano final, con los muertos levantándose de la tierra en la mejor tradición de Lucio Fulci, mirando hacia el horizonte y dispuestos a comenzar de nuevo esa locura de violencia, sangre y carne que les ha llevado a ese estado. Toda una metáfora de una Colombia siempre convulsa y en el que su pasado violento, “sus muertos” regresan una y otra vez para borrar de un plumazo cualquier tregua que haga pensar que la paz es algo más que una utopía.

Un incesto con inquietantes testigos

La película tiene dos partes bien diferenciadas: La primera pertenece al mundo de lo real. Es Cali (segunda ciudad en población de Colombia) durante el año 1957. Varios camiones militares, cargados de dinamita y estacionados en un lugar céntrico de la ciudad, explotan durante la noche y arrasan con centenares de viviendas. Es una tragedia de incalculables proporciones. Una escena loablemente dirigida y dónde se subsana con evidente talento el escaso presupuesto con el que se contaba. Todas las familias burguesas, huyendo de la catástrofe, buscan refugio en sus haciendas. Allí se sienten a salvo; sin embargo el terror que se vive en el campo terminará también por atraparlos.
Y así llegamos a la segunda parte de la película, la más delirante y que ya abiertamente se encuadra en el género de terror, cuando los dos adolescentes (en especial Margaret) son poseídos por sus antepasados y comienzan a sembrar juntos el terror entre los pacíficos campesinos de los alrededores.

La realización es correcta aunque no logra enlazar con la suficiente habilidad ambas partes, quedando el conjunto algo descompensado. Después de haber realizado un loable retrato de las familias terratenientes en la primera mitad, Mayolo se muestra más torpe en la segunda parte, incapaz de combinar con el suficiente equilibrio los elementos fantásticos dentro del relato que con tanto cuidado nos ha mostrado en su parte inicial. En cuanto a los actores, decir que en su mayoría se tratan de intérpretes amateurs con todas las limitaciones que ello supone aunque con la ventaja de dotar de un mayor realismo lo que se nos está contando. Del elenco destaca sobre manera la actriz Adriana Herrán que no en vano llegó a alzarse con el galardón a la mejor intérprete femenina en el Festival de Fantasporto de 1985, el mismo año que ganó como mejor película la adaptación cinematográfica de la novela de George Orwell “1984”. En definitiva, como digo, un film irregular, algo descompensado pero con imágenes de una gran fuerza y una sórdida atmósfera que hará las delicias de aquellos que buscan el horror en su concepto más profundo. Espero, al menos, que así lo apreciéis.

Fragmentos del film

No puede perdérsela: El amante del cine de Buñuel y Pasolini.
Abstenerse: El que espere un film de terror al uso.
Cómo comprarla: Exclusivamente vía importación.
E-link: Carne.de.tu.carne.1983.DVD-Rip.XviD.Mp3.CLAN-SUD.avi.avi

SEXUAL PARASITE: KILLER PUSSY (Japón, 2004)

2009-06-23T01:52:00.028+02:00

Título Original: Kiseichuu: kiraa pusshii. Director: Takao Nakano. Intérpretes: Sakurako Kaoru (Mikage Ryoko), Natsumi Mitsu (Mari Akabane), Masanori Miyamoto (El Brujo), Tomohiro Okada (Akira Yono), Tôgo Okumoto (Hiroshi Omiya), Toshimichi Tasaki (Naoto Kuraki), Kanji Tsuchiya (Guía). Duración: 59 minutos.

Síntomas: Un grupo de decadentes jóvenes japoneses se quedan sin gasolina en mitad del bosque y abandonan el vehículo en busca de ayuda. Cuando llevan un buen trecho encuentran una extraña factoría abandonada y deciden hacer un alto en el camino… Poco sospechan que en su interior se encuentra congelado un peligroso parásito que produce en sus víctimas femeninas un voraz (literalmente) apetito sexual.

Diagnóstico: Todos estaremos de acuerdo a estas alturas que en materia de bizarrismo los orientales siempre nos llevarán la delantera. Da igual las aberraciones, fricadas, o desvaríos que el occidental sea capaz de generar en su mente. Los asiáticos siempre darán un paso más allá. Killer Pussy es buena muestra de ello.
Poco hay que comentar de esta película rodada directamente en video. El argumento no existe más allá de lo que he expuesto anteriormente. Dicho parásito que se introduce en el interior de las féminas va haciendo estragos en ese grupo de jóvenes cargados de testosterona. El resto es sólo sangre y sexo sazonado con humor, nada más... Y nada menos.
Y es que a pesar de su inexistente guión, de su estética de película porno, de lo mínimo del presupuesto, de los caseros efectos especiales y de la nulidad de las interpretaciones si algo salva este producto es el hecho de que vaya directa al grano, sin detenerse en ninguna de las múltiples lecturas que la propuesta podría haber inspirado a saber: la sangre como representación del fin de la inocencia, la vagina dentada, un símbolo clásico en la mitología, representando el miedo de los hombres hacia el sexo, y bla bla bla... De este modo queda claro que lo único que pretenden los responsables de la cinta es hacer pasar un rato entretenido merced a un sostenido tono de comedia y a un gore de lo más gran guiñolesco y convirtiendo el film en una gamberrada simpática que de otro modo podría haber caído en el peor de los ridículos.
La película se permite incluso algún que otro homenaje a las heroínas del manga (la escena en la que la última superviviente se dispone a armarse con objetos caseros que encuentra por el almacén) o un guiño auto paródico a sus actrices (los jóvenes hojean algunas revistas eróticas que hallan en la nave abandonada y que están protagonizadas por algunas de las intérpretes en la vida real). Y es que por si alguien todavía se está pensando en ver esta película, decir que su apenas hora de duración se hace todavía más amena merced al impresionante físico de sus protagonistas femeninas, todas ellas encabezadas por Sakuraku Kaoru, una de las más famosas modelos eróticas de Japón que aquí no escatima nada para mostrarnos la contundencia de sus atributos “artísticos”. Junto a ella Natsumi Mitsu otra neumática reina del porno nipón.

Cronología de un gazapo:
En esta producción no tiene mucho sentido que nos pongamos demasiado tiquismiquis con los errores ya que hacen de lo cutre su discurso formal como método de provocar y, por supuesto, divertir al espectador.

Es peligroso asomarse a según qué sitios...

Así, no podemos ponermos demasiado exigentes y echarles en cara por ejemplo, el hecho de que los improvisados excursionistas no le den ninguna importancia al hecho de encontrar una mujer congelada en la nave dónde se han refugiado (00:10:30). SI buscamos la lógica en esta cinta vamos mal encaminados. Sólo nos queda regocijarnos con cada aparición del “bicho” que parece un aborto ideado por Jim Henson dispuesto a zamparse a todo miembro viril que se ponga a tiro (00:40:35). Especialmente divertido resulta observar cómo la heroína golpea a uno de los mutantes con una supuesta vara de hierro (00:50:30). Aunque oímos el sonido metálico, vemos claramente como la vara se dobla cada vez que golpea, delatando su origen recauchutado. Todo esto, como digo, podría quedar ridículo en cualquier producción que realmente pretenda asustar al respetable, pero no en una que no se toma en serio nada de lo que nos cuenta.

En definitiva, reitero lo dicho. Nos encontramos ante una gamberrada sin apenas argumento que directamente pasa a ofrecernos aquello que esperamos ver: mucho sexo, sangre y humor amarillo a raudales. Una producción todo lo limitada que se quiera pero que, para el que suscribe estas líneas, es preferible a la pretenciosa y conservadora cinta norteamericana Teeth (2007) que sospechosamente comparte una premisa similar a la que hoy nos ocupa. Que os aproveche, y cuidado con dónde váis después a calmar los ardores que seguro que la cinta os provocará. Avisados estáis...

Secuencia pre-créditos de "Killer Pussy"

No puede perdérsela: El amante del fantástico nipón más bizarro.
Abstenerse: Al que le repugne la sangre como un elemento más del erotismo.
Cómo comprarla: Editada en DVD de importación.
E-Link: 2004 - Killer Pussy.avi
Subtítulos: 2004 - Killer Pussy.srt

HOSPITAL DE SATÁN (USA, 1972)

2009-06-14T22:07:00.031+02:00

Título original: Asylum of Satan. Director: William Girdler. Intérpretes: Carla Borelli (Lucina Martin), Charles Kissinger (Dr. Specter/ Martina Williams), Nick Jolley (Chris Duncan), Louis Bandy (Teniente Tom Walsh), Pamela Gatz (La Criatura). Duración: 78 minutos.

Síntomas: Lucina Martin es ingresada en Pleaseance Hill para una cura de reposo. Al cabo de unos días empieza a sospechar que algo extraño sucede en esa residencia, regentada por el Dr. Specter. Los pacientes van desapareciendo de manera extraña y a ella no se le permite recibir visita alguna.

Diagnóstico: William Gidler, guionista y director de la cinta que ahora nos ocupa, estaba llamado a convertirse en un pequeño clásico del fantástico de bajo presupuesto. Desgraciadamente su prematura muerte en un accidente de helicóptero en Filipinas a la temprana edad de 30 años nos deja la duda de lo que podría haber dado de sí este realizador. Pero de lo que puedo afirmar, sin temor a equivocarme es que nos hubiera dado mucho, pero que mucho juego. En los apenas seis años que duró su trayectoria profesional rodó nueve títulos y cuando falleció acababa de terminar la post-producción de su obra más conocida por los aficionados, The Manitou, en España estrenada con el título de “Retorno desde la quinta dimensión” (1978). Por medio un par de interesantes cintas acerca del subgénero de amenazas animales: Grizzly y Day of the Animals, posiblemente su mejor obra. Pero Asylum of Satán es, desde luego, la que mejor encaja en esta casa de locos. Sobre ella existe una confusión, sin duda provocada por su ficha en el IMDB, que data la película en 1975, figurando como la cuarta película de su realizador cuando en realidad la cinta es de 1972 y, por tanto, supuso su estreno en la realización. Este dato lo termina de corroborar la chapucera planificación del film, característica de un director novel, con unas nociones de puesta en escena y montaje todavía no muy bien asimiladas. Y es que el resto de la filmografía de Gidler, sin ser ninguna maravilla, demuestra al menos un mínimo oficio que aquí no aparece por ningún lado.

Extraña, psicotrónica (las correrías de la protagonista por el Hospital parecen sacadas de algunos de los mayores delirios de Jesús Franco) y narrativamente muy pobre, la película surgió sin duda a raíz del acontecimiento que el estreno de “El exorcista” supuso en todo el mundo. Explotaciones de ese film surgieron a diestro y siniestro, algunas de ellas ciertamente interesantes (caso de L'anticristo de 1974) aunque la mayoría mediocres y burdas copias del original. Hospital de Satán es una de las muestras más baratas que surgieron a raíz de esta moda, aunque parece beber más de títulos como Rosemary's Baby, de Polanski (1968).
La cinta está interpretada por un puñado de actores chapuceros, mucho de ellos también noveles y que no volverían (afortunadamente) a ponerse delante de una cámara. Estos están encabezados por Charles Kissinger, pésimo actor habitual sólo en las películas de Gidler y que por tanto se quedó sin trabajo muy pronto, si se me permite la maldad. Aquí interpreta de manera impersonal al director del hospital de marras, un tipo que viste como si se encontrara en una producción de la Hammer y que nos tiene reservada alguna que otra sorpresilla a lo largo del film, como descubriré unas lineas más abajo. De todos los intérpretes sólo se salva por la seriedad y convicción con que afronta su papel la protagonista, Carla Borelli, bella actriz curtida en el medio televisivo que tuvo su porción de fama gracias a la participación en las series “Texas” y “Falcon Crest”.
Pero dejémonos de más disquisiciones y pasemos ya a lo que más nos interesa y divierte que es la

Cronología de un gazapo *:
(*El minutaje corresponde al enlace de abajo)

- (00:37:00) El guión, como no podía ser menos, está lleno de incongruencias y errores de bulto. Una parte del film sigue al novio de la protagonista, intentando convencer a la policía de que en esa residencia suceden cosas extrañas. Sin embargo choca que entre sus argumentos no mencione el hecho de que la autorización para ingresar a la joven ha sido firmada por su supuesto padre, muerto hace años. Con que hubiera mencionado ese dato la policía quizá le habría hecho más caso, ¿no?
- Esto que explico ahora es un spoiler en toda regla ya que voy a desvelar la “sorpresa final”, pero ese supuesto giro (al más puro estilo “Psicosis”) es tan evidente desde el primer momento que estoy seguro que a nadie desvelaré absolutamente nada que no vaya a descubrir inmediatamente con sus propios ojos.

Y es que la enfermera-jefe Martina y el Dr. Specter ¡son la misma persona! Esa es la carta que se reserva el director y guionista como sorpresa final. Pero la caracterización a cargo tanto del actor como del departamento de maquillaje (si es que este existe) es tan penosa y ridícula, que no pueden disimular el aspecto de tío desde el primer segundo.
- Los errores técnicos también abundan en la cinta. De todos estos destaca la fotografía, con cambios bruscos de la luz en varias ocasiones (en 00:15:10 o en 00:39:00 son especialmente descarados). Y es que el director de fotografía está, entre otras cosas, para evitar esos fallos de continuidad de la luz, y para ello utilizan un aparatito llamado Fotómetro que sirve precisamente para eso, medir la intensidad de la luz y comprobar que esta es igual a lo largo de la secuencia. Aquí parece ser que dicho aparatito es una de las cosas que se quedó en la casa de empeños para financiar la producción.
- Divertido gazapo. Cuando el novio de la chica consigue convencer al detective para que le acompañe hasta el hospital, encuentran que este está abandonado y con unos tablones clavados en la puerta principal. A pesar de ello el novio pretende entrar. El detective lo sujeta y en el forcejeo rozan levemente las tablas de la puerta que inmediatamente se vienen abajo casi pillándoles a ambos (00:41:58). Los actores, por supuesto, continúan la escena como si nada hubiera pasado y se alejan del lugar sin entrar al hospital finalmente.
- Aquí otro gazapo que es muy significativo para comprender la modestia de la producción. Una paciente invidente se está remojando en la desierta piscina del hospital (00:52:20). Un zoom nos acerca misteriosamente a un respiradero de donde tendrán que aparecer un puñado de amenazantes serpientes. Digo tendrán, porque en realidad las serpientes no tienen muchas ganas de aparecer ante la cámara y en el montaje final, tras mantener unos segundos el plano ante el respiradero por donde debieran de haber aparecido tan repulsivos animalitos se corta a imagen de la chica y a continuación plano a las serpientes ya en el agua nadando hacia su víctima. Posiblemente no estaban para repetir demasiadas tomas esperando que las serpientes se decidieran a salir. Que el celuloide vale una pasta.
- Otro error de bulto del guión. Como ya se puede sospechar desde los primeros minutos de metraje, el Dr. Specter se dedica a ofrecer vírgenes al mismísimo Satanás. La protagonista ya mayorcita y con un novio con mostacho setentero, queda bien claro que de doncella tiene más bien poco. ¿Por qué aun así, el Doctor sigue en sus trece de darle a su señor Satán gato por liebre y ofrecérsela en la ceremonía que ocupa todo el tercio final de la película? Claro, después pasa lo que pasa (y hasta aquí puedo leer).

Asylum of Satán tiene hoy día todavía a críticos que la defienden como un buen producto de cine satánico, alegando que si se obviara su espantosa secuencia final (con la aparición de un Sr. Satán de goma que provoca risa más que otra cosa) estaríamos ante una buena película. Nada de eso. Si bien es cierto que Hospital de Satán ofrece algún detalle inquietante (como la de esos pacientes encapuchados que descansan todo el metraje en sus sillas de ruedas sin decir palabra) la película en general es monótona, confusa en muchas de sus partes, con una realización e interpretaciones pobres y que si merece la pena echar un vistazo y la recomiendo desde las líneas de esta humilde MADHOUSE es precisamente por la hilarante, bizarra, psicotrónica secuencia final donde se celebra esa misa satánica que tiene al mismísimo Belcebú como invitado de excepción. Hala, a reírse un rato

Trailer de "Asylum of Satán"

No puede perdérsela: El amante del cine de temática satánica.
Abstenerse: Todos los demás. Con el tráiler ya van servidos.

Como comprarla: Está editada en DVD bien como un título independiente, bien formando parte de un pack dedicado al cine satánico.
E-Link: Hospital de Satán [dvdrip][ Alimaña][terrorfantástico].divx

FRED OLEN RAY: La alegría de rodar

2009-06-09T23:11:00.035+02:00

Cuando un entusiasta del cine se plantea hacer su primera peli haciéndose con una cámara de video doméstica y enrolando como actores a sus familiares y amiguetes se puede plantear el proyecto de dos maneras: la primera, aquellos que piensan con criterio y sentido común y eligen una historia modesta, acorde con los medios de que se disponen, quizá una pieza sencilla pero bien pensada, ingeniosa y cuidada al detalle. Esos suelen llevarse los premios y aplausos en cualquier festival de video. O segunda opción, pasar del sentido común, elegir una historia de tu género favorito (western, ciencia.-ficción, terror, bélica, peplum, todo vale) si se pueden mezclar varios mejor, a sabiendas de que, con los medios chusqueros de que dispones, va a salir un churro como una catedral. Esos no es que no se lleven premios, es que jamás les suelen siquiera seleccionar en nada parecido a un certamen de cortos, pero se lo pasan pipa rodándola y enseñándola después a los colegas mientras se toman unas cervecitas.
Fred Olen Ray ha pertenecido siempre a este último grupo, y por muchos años que pasen, sigue fiel a esta premisa que sin duda ha hecho más felices a los amantes de lo bizarro y a su cuenta corriente particular, que a los críticos sesudos de Hollywood.

Datos biográficos.
Americano de pura cepa, nacido en Ohio en 1954, sus diversos biógrafos no se ponen de acuerdo en cuanto a sus inicios en el cine: mientras unos afirman que debutó como ayudante de maquillaje en la interesante Shock Waves (Ken Wiederhorn, 1976) otros afirman que debutó codirigiendo en 1971 Honey Britches. Los que se decantan por este último dato (presente en el IMDB), le acreditan además como director en la semi amateur The brain leeches una especie de remake del también casposo clásico The Brain Eaters (Bruno VeSota, 1958).
En lo que sí que están todos de acuerdo es que The alien dead (1978) sería su primer título serio (es un decir) como director. Detrás de ese vendrían otros como Scalps (1983), Alien 3 llega a la tierra (Biohazard, 1984), Alienator (1989) o The Tomb (1986) esta última ya analizada en este blog.
A mediados de los 90 empezó a realizar una serie de títulos directos para la televisión por cable, cuya cuidada factura hace que pierda gracia su visionado. Para colmo, esta tendencia parece acrecentarse a partir del 2000 con diversos títulos rodados con una estética y argumento que simulan demasiado a los soft que se ruedan para el canal playboy, De todos modos, de cuando en cuando, el tío Fred todavía nos sorprende con algún regalito de los suyos, como el hecho de rescatar a nuestro Waldemar Daninsky-Paul Naschy en Tomb of the Werewolf (2004). Por si eso fuera poco, la tradición familiar continua en la persona de su hijo, Christopher, que parece seguir los casposos (y divertidos) pasos de su padre en su ópera prima Reptisaulus cuyo tráiler reproducimos abajo. De este modo tenemos asegurada la diversión “made in Ray” para rato.

Trailer de "Reptisaurus" (2008)
El joven Chris parece tener aprendida la lección casposa de papá

Síntomas del paciente: Un estado crónico del “síndrome de Peter Pan”: ni los años, ni la pasta, ni la experiencia han cambiando al tío Fred; sigue haciendo el cine que le da la gana, como le da la gana y con la humildad delque nunca pretenderá lograr hacer una obra maestra sino divertirse y, al mismo tiempo, intentar divertir al freak fan de su cine. De él se ha dicho mucho y casi todo cierto: maestro del reciclaje y el reutilizamiento, Olen Ray no tiene rubor alguno en mezclar géneros de lo más dispares, en volver una y otra vez a los lugares más comunes de esos géneros y en ofrecer todo aquello que su público quiere ver: humor casposo, sangre, acción y tetas, muchas tetas. De hecho se le considera (y con razón) como uno de los genuinos padres de las scream queens de los 80, que recibieron más concretamente el nombre de “Bimbo pics”, cuya imagen está imperecederamente unida al cine z, trash o como quiera llamarse: la chica de buen ver, ligera de ropa y que grita como una posesa (pero siempre sin hacer el ademán de echar a correr) ante cualquier monstruo de goma movido con hilos o el asesino psicópata de turno, pobre remedo de los Jasons, Freddy, Michaels, etc. Actrices de la categoría, perdón, quería decir curvas, de Michelle Bauer, Linnea Quigley, Monique Gabrielle o Sybil Danning.

Chicas, sangre y sexo, constantes del bueno de Fred

Su capacidad a la hora de escribir diálogos y retratar personajes es prácticamente nula, sus puestas en escena son más que descuidadas y sus argumentos siempre inverosímiles, da igual que toque el género fantástico, el policiaco o el de aventuras. El resultado siempre es el mismo y, a pesar de ello, resulta difícil no contagiarse con esa alegría de rodar lo que le viene en gana y que hace que a los pocos minutos ya estemos inmersos en la trama, una trama simple, modesta y directa, sin dar oportunidad a que surja el aburrimiento. Al contrario de otros directores casposos del estilo, Olen Ray nunca ha tenido problemas para encontrar solventes actores (eso sí, en horas bajas) como John Carradine, su hijo David, Treat Williams, Aldo Ray, Dick Miller, Dee Wallace o Russ Tamblyn. Sin Olen Ray, los video-clubs de los 80 hubieran tenido las estanterías mucho más vacías, sin temor a exagerar. Y aunque el gran público dudo que conozca o haya visto alguna vez una película suya, no creo que exista algún treintañero que no haya visto en alguna ocasión la carátula de alguno de sus desaguisados

Historial Clínico: Interminable y muy difícil de seguir en su totalidad. Pasemos a recordar simplemente unos pocos de tan extenso historial fílmico.

Alien Dead (1980) . Las víctimas de la caída de un meteorito se convierten en zombis hambrientos de carne humana. El verdadero pistoletazo de salida de su filmografía. No es sino una explotación de “La noche de los muertos vivientes” de George A. Romero con bajo, bajísimo presupuesto y pobres, muy pobres resultados.

Scalps (1983). El maligno espíritu de un indio irá masacrando a unos jóvenes arqueólogos, profanadores de un antiguo cementerio indígena. Una peli de culto y para el que suscribe esta entrada, la mejor película de Ray ya que por primera (y única) vez la historia y el paraje que lo acompaña está acorde con el presupuesto existente evitando así el consabido desajuste entre pretensiones y resultado final.

Hollywood Chainsaw Hookers (1988). Considerada su obra maestra, cosa que no puedo suscribir al ser un título que no he tenido todavía oportunidad de ver. Pero hay que reconocer que con chicas desnudas, motosierras y una divinidad egipcia por medio la cosa parece prometer.

The Phantom Empire (aka, Los dreggs 1989) Trepidante mezcla de subgéneros. Toda una fiesta para mentes desprejuiciadas. La hija del Dr. Chambers, Dana, contrata a unos aventureros para ubicar el supuesto tesoro oculto de una tribu cavernícola. Delirante y muy divertida.

Evil Toons (1990). Tres años antes se estrenaba "¿Quién engañó a Roger Rabbit?" dirigida por Robert Zemeckis, y Olen Ray, como todo niño caprichoso, también quiso su título donde se mezclaran personajes de dibujos con otros de carne y hueso. De dibujos sólo había uno (una especie de diablo de Tasmania rijoso), pero de carne (y que carne) y hueso salían cuatro estudiantes talluditas y de muy buen ver que no dudan en pasearse ligeras de equipaje por todo el film. Por cierto, como malsana curiosidad, la película tiene cierto aire premonitorio: comienza con David Carradine ahorcándose.

Sideshow (aka El Caserón de los Sueños, 2000). Su particular versión de “Freaks” (1932). Una feria de atracciones se dedica a secuestrar a personas normales y a través de medios quirúrgicos convertirlos en “freaks”. Algo previsible pero con una factura y efectos especiales por encima de la media en Olen Ray.

Tomb of the Werewolf (2004). Richard Daninsky acude a un famoso programa de televisión para realizar un reportaje sobre sus antepasados. Una vez en el castillo, el equipo será atendido por Elizabeth Bathory que se las ingeniará para hacer resucitar al mismísimo Waldemar, cuyo cuerpo descansa en una cripta con una cruz de plata clavada en el corazón. Naschy, Olen Ray y Michelle Bauer juntos, ¿Qué más pedir? La cinta da lo que promete, guión y efectos pobretones, puesta en escena descuidada, estética de peli porno y mucha cinefilia en lo que puede considerarse un curioso homenaje al cine fantástico español de los 70. La Bauer sale (y cómo sale) mucho más que Naschy lo cual es una ventaja por partida doble.

Tráiler de "Evil Toons": Olen Ray en estado puro.

Su mejor momento: Imposible determinarlo. En todas sus pelis hay siempre alguna escena para el recuerdo. Por tenerla reciente en la retina, mencionaría a la Monique Gabrielle desnudándose ante el espejo en “Evil toons”, aunque como peli me quedo, como dije, con Scalps.
Su mayor desastre: También difícil decidirse. Cualquiera de sus aburridos films de cuidada estética play boy y trama convencionalísima de los inicios del 2000, como Examen Final (2003)

DRACULA IN PAKISTAN (Pakistán, 1967)

2009-05-31T20:04:00.024+02:00

Título Original: Zinda Laash. Director: Khwaja Sarfraz. Intérpretes: Rehan (Profesor Tabani/ Drácula), Ala-Ud-In (Parvez), Asad Bukhari (Dr. Aqil Harker), Deeba (Shabnam), Habib (Hermano de Aqil), Nasreen (Novia del vampiro), Yasmine (Shirin), Cham Cham. Duración: 103 minutos.

Síntomas: El profesor Tabani y su ayudante logran encontrar el sueño de todo científico: el elixir de la vida eterna. En cuanto se queda solo, Tabani decide probar en su persona dicho elixir transformándose en Drácula, un "no muerto" sediento de sangre humana. Un tiempo después, el Dr. Harker, investigador de lo oculto, decide pasar la noche en un viejo castillo que los lugareños aseguran que está maldito.

Diagnóstico: Lo primero que puede pensar el lector despistado al leer esta entrada es que, una vez más, nos encontramos ante uno de esos films imposibles, psicotrónicos como ellos solos y repletos de estupideces varias. Nada de eso. Estamos ante un film de una factura seria, realizada por profesionales que conocen su oficio y con suficientes elementos dignos de ser tenidos en cuenta. Es cierto que el título que nos ocupa no lo encontraremos en ninguna antología de las mejores adaptaciones del conde transilvano a la gran pantalla, pero tampoco sería justo incluirla entre las peores. En cambio sí que se trata de una de sus más exóticas, extrañas y bizarras versiones. Eso ya la hace merecedora para dedicarle un huequecito de nuestro tiempo libre.

“Drácula en Pakistán” es una versión adaptada a los gustos y costumbres musulmanas de este país que formaba antiguamente parte de la India y cuya génesis comienza durante los tiempos de la antigua colonia británica. El film no tiene como referente inmediato la novela de Bram Stoker sino el film que Terence Fisher dirigió para la Hammer en 1958 y que está interpretado por Peter Cushing y Christopher Lee, el cual supone para muchos (entre los que me encuentro) como la mejor aparición cinematográfica de Drácula.
Tal es la influencia de la película en cuestión que sigue, punto por punto la estructura de aquella (salvo un prólogo original) planificando incluso algunas escenas de idéntica manera e introduciendo además insertos de la propia banda sonora que James Bernard compuso para el film de Fisher. No obstante la película también es deudora en gran medida de la versión de Tod Browning con Bela Lugosi, sobre todo en lo relativo a la estética y atmósfera del castillo, con una estupenda fotografía en blanco y negro y esas catacumbas plagadas de telarañas.

Un siniestro taxista...

Aunque está considerada como la primera película de terror realizada en pastún (idioma oficial de Pakistán) no era en absoluto la primera película de este género que veían los indígenas del país. De hecho fue a raíz del éxito de algunos títulos de terror (el de la Hammer entre ellos) cuando surgió la idea de que “Lollywood” (nombre que recibe la industria cinematográfica pakistaní), produjera su propio título de horror. Su éxito fue importante a pesar de un primer intento de censura y de su clasificación de "película X" (que por supuesto no hizo sino alimentar todavía más su morbo).

Como he advertido anteriormente, la cinta adapta la versión vampírica de la Hammer a los gustos autóctonos. Esto implica algunos números musicales en mitad de la acción que a ciencia cierta provocaran nuestra sonrisa, pero que en modo alguno deben ser considerado como puntos negativos si atendemos a una cultura dónde la noción de espectáculo no se entiende si no está íntimamente ligado a la música y la danza.

Particularmente delirante, en este sentido, supone el númerito musical que la “novia” de Drácula ofrece al Jonathan Harker pakistaní en el tramo inicial del film. Y ya que estamos aludiendo a la música, señalar que su selección puede resultarnos más que chocante si atendemos a nuestros gustos occidentales: y es que temas como el de “La cucaracha”, “Granada” o alguna pieza del maestro Albéniz no parecen los más adecuados para ser utilizados en distintos momentos de tensión de la cinta.
El trabajo actoral tampoco debemos considerarlo a la luz de nuestros propios códigos de interpretación. Aún así, todas las actuaciones son correctas e incluso algunas bastante esforzadas, como la de Rehan, actor novel en estas lides, que sin duda debió estudiar concienzudamente la encarnación que Lee hizo del aristócrata vampiro apenas ocho años antes.

Pero lleguemos a la cuestión que más me intrigaba antes de ver la película: ¿Cómo adaptar a Drácula en un país con un 97% de población musulmana? Evidentemente, eliminando cualquier referente cristiano. Aquí vemos que el vampiro ya no tiene como origen una pérdida del alma como consecuencia de una maldición sino por un motivo mucho más mundano que se nos explica en el prólogo: Una especie de “Mad doctor” que busca afanosamente el mítico elixir de la vida, hasta que lo encuentra y decide de inmediato probar sus efectos en sí mismo, faltaría más. Así, a Drácula ya no se le relaciona tan directamente con el mismísimo Diablo sino que es fruto de un experimento científico. Los vampiros mueren siguiendo la tradición, por una sobre exposición al sol o por un machetazo en pleno corazón, pero sin embargo cualquier referencia religiosa es eliminada: cruces, agua bendita, etc…
En definitiva, una película muy disfrutable, quizá algo envejecida para los gustos actuales pero con suficientes elementos de interés como para darle una oportunidad. Sin ir más lejos, el enfrentamiento final entre Drácula y el Dr. Van Helsing resulta uno de sus mejores momentos, rodado con brío, energía y gran brutalidad (a ritmo de "El barbero de Sevilla" por cierto) lo cual nos hace recordar, nuevamente, que nos encontramos ante una película todo lo bizarra que queráis pero en absoluto vulgar.

Drácula: lollywood Vs. Hammer
Parecidos más que razonables

No puede perdérsela: El seguidor de las filmografías exóticas.
Abstenerse: El que crea que el Drácula de Coppola supuso la última palabra del mito.

Cómo verla: Dvd de Importación o vía emule.

Enlace Emule: 1967 - Dracula en Pakistan.avi Subtítulos: 1967 - Dracula en Pakistan.srt

Enlace con subtítulos incrustados: Zinda laash - vose - cutrefilms 021.avi

UN PERRO ANDALUZ (Francia, 1929)

2009-05-19T22:23:00.026+02:00

Título Original: Un chien andalou. Dirección: Luis Buñuel. Intérpretes: Simone Mareuil (Mujer), Pierre Batcheff (Hombre), Robert Hommet (Hombre jóven), Fano Messan (Hermafrodita), Jaume Miravitlles (Seminarista), Luis Buñuel (Hombre del prólogo). Duración: 16 minutos.

Síntomas: La película comienza con el rótulo "Érase una vez". Un hombre afila una navaja de afeitar mientras observa, asomándose al balcón, cómo una filosa nube corta la luna. Del mismo modo, él secciona el ojo a una mujer.
Nuevo intertítulo: “Ocho años después”. Un ciclista (Pierre Batcheff) pedalea por una calle desierta. Está ataviado con unos estrafalarios complementos: manteles blancos, tocado de monja, una caja a rayas diagonales a modo de colgante sobre el pecho... En tanto la joven de antes, que estaba leyendo, siente algo y se levanta, tirando el libro al suelo, que se queda justo abierto en una reproducción de La encajera, de Vermeer. El ciclista se detiene y cae golpeándose la cabeza bruscamente contra el canto de la acera. Ella corre escaleras abajo y lo besa frenéticamente.

Diagnóstico: La inclusión de este corto se debe a la sugerencia de un habitual del blog, mepi, el cual me hizo ver que esta casa de locos era un lugar ideal para su internamiento. Yo, obediente, recogí el testigo y aquí está. Al hablar de este cortometraje enseguida nos viene a la mente una de sus imágenes más inquietantes: la del ojo de la mujer cercenado por una cuchilla de afeitar mientras unas nubes atraviesan una luna llena. Esta imagen, sin lugar a dudas, se ha convertido en una de los más grandes iconos del cine en general y del surrealismo en particular. De hecho, este primer trabajo de Buñuel le hizo entrar de lleno en el Olimpo reservado a los grandes creadores del surrealismo.
Los surrealistas luchaban contra una sociedad a la que detestaban utilizando como arma principal el escándalo. Las desigualdades sociales, la explotación del hombre por el hombre, la influencia de la religión, el burdo militarismo eran algunos de los enemigos más acérrimos de lo surrealistas, el equivalente en el terreno de la poesía a los anarquistas. De hecho, el verdadero objetivo del Surrealismo no era el de crear un movimiento literario, plástico o siquiera filosófico, si no el de hacer estallar la sociedad, el de cambiar la vida de los hombres. Algo que en los gloriosos años 20 mucho menos amaestrados por lo políticamente correcto que los de la actualidad, no parecía una utopía. Curiosamente, gran número de surrealistas acabaron inscritos en el partido comunista, por aquel tiempo la postura más transgresora en lo que se refiere a matería política.

Mucho se ha dicho acerca de “Un perro andaluz” aunque a mí siempre me ha dado la impresión que la mayoría muestran hacia este trabajo la misma actitud que ante el Quijote: todos la consideran una obra maestra pero muy pocos le han echado un vistazo. La película, como comenta el propio Buñuel en su autobiografía, nace de la confluencia de dos sueños. Dalí había invitado al director maño a pasar unos días en su casa de Figueras. Allí le contó un extraño sueño en el que aparecía una mano cubierta de hormigas. Al mismo tiempo, el propio Buñuel le narraba otro sueño que había tenido recientemente en el que una nube cortaba la luna y una cuchilla de afeitar hendía un ojo. A partir de ahí, y durante una semana, se pusieron manos a la obra para escribir el guión. Sólo se impusieron una regla adoptada de común acuerdo: “no aceptar idea ni imagen alguna que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural. Abrir todas las puertas a lo irracional. No admitir más que las imágenes que nos impresionaran, sin tratar de averiguar por qué” (Luís Buñuel, “Mi último suspiro”).
Unas declaraciones que parecen contradecir a toda la legión de críticos, artistas y psicoanalistas que han pretendido buscar una lógica a las imágenes de este fascinante corto que dió pie a la que para mí es la gran obra del surrealismo cinematográfico: L'âge d'or (1930).

Anécdotas y curiosidades.

- En cuanto el guión estuvo terminado, Buñuel se dio cuenta que la película no encontraría financiación con ninguna productora. Por eso no paró hasta convencer ante notario a su madre para que le prestara el dinero. Sólo cuando Luís se hubo “pulido” la mitad del money en juergas parisinas, decidió ponerse manos a la obra y comenzar el rodaje.
- Contrariamente a la opinión popular, Dalí no aparecía en el montaje final de “Un perro andaluz”. Es cierto que rodó la escena en la que hacía de uno de los dos seminaristas arrastrados junto al piano pero esa escena fue finalmente cortada, quizá ante el cabreo de Luís porque Dalí no apareciera hasta cuatro días antes de concluir el rodaje. (En algunas versiones, no obstante, esa secuencia se ha vuelto a recuperar).
- El propio Buñuel, en cambio, sí que aparece. De hecho, es el hombre del comienzo del film y que realiza la incisión en el ojo de la mujer.

Buñuel y Dalí en "Un chien andalou"

- El equipo de rodaje no estuvo compuesto por más de 5 ó 6 personas. Los actores no sabían lo que hacían en ningún momento. Buñuel les daba una indicación tipo “mira por la ventana como si estuvieras escuchando a Wagner”, pero sin decirles qué es lo que estaban mirando.
- En la sala donde se estrenó la película se encontraban presentes como espectadores gente como Picasso, Le Corbusier, Jean Cocteau o todo el grupo surrealista francés con André Breton a la cabeza. Ahí es nada.
- Unos meses antes los surrealistas habían abucheado el estreno de “La coquille et le clergyman” (1928) con guión del gran Antonin Artaud. Nervioso porque le sucediera lo mismo, Buñuel fue al estreno con los bolsillos llenos de piedras por si la película resultaba un fracaso.
- No le hizo falta emplear las piedras. La película resultó inesperadamente un éxito (decididamente eran otros tiempos). Hubieron más de cuarenta denuncias en comisaria de personas que afirmaban que se debía destruir el film por “obsceno y cruel”, incluso se produjeron (siempre según Buñuel) dos abortos durante las proyecciones, pero la película no fue prohibida y el público seguió acudiendo en masa.
- Macabra coincidencia. Sus dos protagonistas, Simone y Pierre, acabaron sus días de la misma forma: suicidándose.

- Juego para cinéfilos: encontrar los homenajes que a este corto realizan tanto Alfred Hitchcock en Recuerda (1945) como Stan Laurel y Oliver Hardy en Wrong Again (1929) .

En definitiva, una gran obra a la cual no debemos buscarle sentido alguno. Simplemente sumergirnos en sus (a veces sensuales, otras veces inquietantes, siempre bellas e hipnóticas) imágenes. Merece la pena.

Primera parte

Segunda parte

No puede perdérsela: El acérrimo amante de lo transgresor.
Abstenerse: El que considere que la lógica del discurso es lo más importante en el cine.
Como verla: Dividida en dos partes en el video de arriba o mediante este E-link Un Perro Andaluz 1929 (Luis Buñuel) (V O Sub-Esp) 15M (Perfecta) Por Pacino.avi

BARRICADE (Alemania-USA, 2007)

2009-05-06T22:49:00.025+02:00

Dirección: Timo Rose. Intérpretes: Raine Brown (Nina), Joe Zaso (Michael), André Reissig (David), Manoush (La madre), Thomas Kercmar (Dermot), Timo Rose (Marc), Andreas Pape (Sean), Sebastian Gutsche (Goliat), Tanja Karius (Marcy), Ellen Tanumihardja (Tamara). Duración: 86 minutos.

Síntomas: Una familia de voraces caníbales campa a sus anchas por el idílico bosque negro alemán, poniéndose las botas con un menú a base de estúpidos excursionistas que tampoco hacen mucho por evitarlo.

Diagnóstico: Señalar ante todo que parte de este diagnóstico fue ya publicado en el tristemente desaparecido blog “TierraSanta Review” así que aprovechando el reciente ripeo de este film, con unos subtítulos que mejoran ostensiblemente los de su edición en DVD, me dispongo a rescatar dicha reseña y, de paso, analizar un subgénero cuyos aficionados son ya legión y que responde a algunos de nuestros más oscuros instintos cinéfagos: el ultragore. Sería hipócrita por mi parte poner en solfa a todo este tipo de cine; sus fans pueden seguir tranquilos, no es esa mi intención. Criticar este tipo de cine en función de las barbaridades que muestra o la nulidad de su historia sería tan hipócrita como ver un film porno y después acusarle de no cuidar los diálogos o abusar del sexo explícito. No soy (afortunadamente para mi ya quebradiza salud mental) un gran experto en la materia, pero tras visionar algún que otro film de mentes tan “enfermas” como las de Brian Paulin, Olaf Ittenbach, Andreas Schnaas o Jörg Buttgereit sí puedo constatar una serie de lugares comunes a los que no parecen librarse ningún título de este género en el que los alemanes tienen mucho que decir. Por lo tanto, lejos de cualquier sutilidad ajena a este tema, entremos a saco.

El principal inconveniente de todas estas películas es que la ingente cantidad de hemoglobina y tripas que muestran a lo largo de su metraje, llegan a perder su capacidad de impacto por saturación, el rojo sangre se convierte en una mera abstracción y deja de tener el efecto deseado en nosotros. Es como cuando un goloso decide acabarse una bandeja de dulces. Tras los primeros bocados, continua adelante simplemente por gula, aunque realmente deje de disfrutar a partir del cuarto o quinto pastel. Así, los escasos golpes de efecto gore aparecidos en películas como “Marathon Man”, “Saló” o “Tiburón” quedan mucho más grabados en nuestras retinas, tienen una mayor capacidad de impresión que los litros y litros de sangre que aparecen en estos títulos, generalmente calcados unos de otros.

Sangre y Tetas: la combinación perfecta para estas cintas

Otra característica de todos estos trabajos es la absoluta nulidad de sus responsables para sostener una narración bajo unos mínimos aceptables. De hecho parece un requisito común para ser un director ultragore (por más que el citado Buttgereit quiera disimularlo). Y es que un Peter Jackson (con aquella tontorrona pero innegablemente bien firmada Bad Taste) sólo aparece cada 50 años. Timo Rose no muestra ningún indicio de salirse de esta norma, sino todo lo contrario. Su trabajo como director no puede ser más chapucero. Sólo es capaz de mostrarnos la sobada historia –por otra parte más simple que el mecanismo de una tiza- de manera inconexa, embarullada y con un tufillo involuntariamente amateur.

Cronología de un gazapo.*
*(El minutaje corresponde al enlace de abajo)
Las incongruencias de guión son tan extremas como las barrabasadas que muestra.
Como ejemplo paso a describir una escena que reflejaría a la perfección lo que digo: (00:43:20) Los protagonistas disfrutan de su primera noche de acampada, están charlando, tomando unas cervezas, ríen… De repente, sin previa planificación, como un “Deus ex Machina”, se sienta un individuo en una de las sillas plegables, junto a ellos, advirtiéndoles del peligro que corren. Los muchachos tampoco es que se inmuten demasiado, limitándose a decirle que hable más despacio. De esta manera se pierde una oportunidad de crear una escena de tensión y en su lugar tenemos una secuencia más bien ridícula. En otros momentos de la cinta (00:46:30/01:00:05) algunas víctimas aparecen directamente atadas en la tabla de picar, sin que conozcamos nada de ellos, ni veamos en qué momento han sido capturados. Esto provoca cierto desconcierto en el espectador y una evidente despersonalización que nos aleja de lo que estamos presenciando. ¿Pará qué gastar hojas de guión y minutos de cinta en explicarnos quienes son estas personas? Pensaría el guionista... Son sólo dos ejemplos bastante significativos de que, en este tipo de cine, lo único que importa es no dejar pasar demasiados minutos sin una oportunidad de ofrecer algún chorretón de sangre o vísceras, aunque con ello se sacrifique además de a la víctima, toda la lógica de la narración.
También hay que señalar que ni la ironía, ni el sentido del humor o el sexo aparecen demasiado en el trascurrir de los minutos, elementos estos que siempre pueden ayudar a hacer más digerible (es un decir) este tipo de producto. Ni siquiera es convenientemente aprovechado el evidente acierto de guión que muestra al protagonista, un tipo de 1.90 metros, con brazos de granito y aspecto de portero de discoteca con malas pulgas, cagadito de miedo mientras que la menuda chica es la que parece tomar riendas en el asunto y enfrentarse a los “rednecks” alemanes con sus mismos argumentos.

En cambio, mucho más cómodo se muestra Rose en otras labores técnicas como es el montaje, donde hace un meritorio trabajo, así como en la supervisión de los efectos especiales que, obviamente, es dónde se han puesto todos los esfuerzos de producción. Sin duda el trabajo en este apartado es importante y es una lástima que el resto de aspectos del film no vayan acorde al talento que muestran a la hora de triturar higadillos.

En el apartado actoral es evidente que el trabajo interpretativo no pasa de discreto. No es que en proyectos semi-amateurs como este sea difícil encontrar buenos actores. Existen actores desconocidos pero de talento que estarían dispuestos a trabajar gratis en una producción “underground”. El problema es que un proyecto así no podría seducirlos de ninguna de las formas ya que la mayor cualidad que de ellos se requiere es la mayor o menor cantidad de carne picada que puedan producir en escena.

Y poco más que añadir. En definitiva, Barricade es, pese a todo, una película honesta en cuanto a sus pretensiones desde el mismo inicio, consciente de que va dirigida exclusivamente a los que disfrutan con estas tablas de carnicero cuyo valor cinematográfico es similar al de un video reportaje por el interior de cualquier matadero municipal; litros y litros de sangre con poco orden y mucho desconcierto. Que les aproveche.

Trailer

(Cuidado con las salpicaduras)

No puede perdérsela: El aficionado al ultragore (o el que quiera hacerse una idea de este tipo de cine).
Abstenerse: Todos los demás.
Cómo verla: Editada en DVD de importación, aunque al responsable de los subtítulos en castellano de esta edición deberían hacerle pasar por algunas de las torturas que aparecen en la película.
E-Link: Barricade.(VO.Sub.Esp).2007.[--La-Morgue-Team--()].XviD.avi

TIEMPOS DUROS PARA DRÁCULA (España-Argentina, 1976)

2009-04-29T00:16:00.015+02:00

Dirección: Jorge Darnell. Intérpretes: José Lifante, Alberto Fernández de Rosa, Beatriz Savón, María Noel, Miguel Ligero, Alba Múgica, Adolfo Linvel, Luis Politti, Joaquín Roa, Alfonso De Grazia, Sally Acuña, Luis Barboo, Carmen Carrión, Antonio Mayans. Duración: 73 minutos.

Síntomas: Tumbado en el diván de un psiquiatra, Drácula hace un repaso de lo que han sido los últimos años de su vida: desde la transformación de su castillo en parque temático, hasta su ingreso en el hospital, pasando por sus trabajos como anunciante de pasta dentífrica, estrella del pop o actor en películas de artes marciales (donde, por cierto, pierde uno de sus característicos colmillos).

Diagnóstico: Un Drácula agotado, desorientado y calado hasta los huesos por la intensa lluvia que cae, llega una noche a la puerta de un hospital pidiendo una transfusión urgente. De una película que comienza de este modo se puede esperar uno cualquier cosa. De hecho, “Tiempos duros para Drácula” es una pieza muy difícil de clasificar, una auténtica rareza dentro del cine español. Esto no la convierte, desde luego, en una gran película pero tampoco en una obra del todo despreciable.

Lo primero que le puede venir a la cabeza al espectador despistado, viendo la época en la que está realizada, es que se trata de la típica comedia del destape con trasfondo fantástico del tipo de “El liguero mágico” o “La momia nacional”. Nada más lejos de ello. De hecho, podría adscribirse más bien a la corriente desmitificadora de los monstruos clásicos cuyo mayor exponente es “El jovencito Frankenstein” rodada tan sólo dos años antes por Mel Brooks.
Protagonizada por José Lifante, este nombre no os dirá nada aunque su rostro sea uno de los más recurrentes entre los actores secundarios del cine español durante las décadas de los 70 y 80. Su elección se debe al indudable parecido que tenía con el Drácula oficial de entonces: el británico Christopher Lee.

Lifante-Lee: ¿Parecido razonable?

La película tiene unas innegables buenas intenciones, no cayendo nunca en el chiste coyuntural de la época ni en el humor zafio que se apoya únicamente en el destape de sus intérpretes femeninas o en el gag escatológico, algo que se agradece profundamente. Es cierto que existen desnudos a lo largo de la cinta pero estos son demasiado puntuales o cortos como para considerarlo parte fundamental del metraje. Otro punto que separa este título del resto de comedias de Ozores, Pajares y compañía, es su excelente acabado técnico donde destaca sobre todo la fotografía de Teo Escamilla.

Pero ahí acaban sus virtudes y comienzan unas insuficiencias que impiden que la película pase a la historia como algo mas importante que una mera curiosidad. Y es que su director y guionista, el argentino Jorge Darnell, no parece la persona más indicada para lograr unificar un film que se nos antoja demasiado deslavazado, convirtiéndose en una sucesión de las patéticas experiencias por donde pasa el conde Drácula, único nexo de unión entre unas y otras. Y, como sucede en toda sucesión de gags, unos son siempre más felices que otros, provocando el inevitable cansancio del espectador más bienintencionado que no sabe si está viendo una comedia o, por momentos, un estudio serio sobre la crisis de identidad del personaje en cuestión y, por ende, de la sociedad española en esos cruciales tiempos de la transición.

A la impericia de Darnell a la hora de dar una forma definitiva a la película, se une el protagonismo absoluto del mencionado José Lifante en el rol del malparado Conde. Lifante es, sin duda, una presencia simpática en sus roles de mayordomo gracioso o una aparición inquietante en tantos y tantos títulos del cine de terror hispano, pero carece de la versatilidad necesaria para sostener por sí solo todo el peso del film. Su interpretación es tan triste (más allá de su caracterización propiamente dicha) y cansina que llega a resultarnos indiferente en el mejor de los casos. No sería justo echarle toda la culpa de la frialdad de la cinta, ya que, como bien digo, hay que achacarlo principalmente a la morosidad de su director, pero es inevitable pensar qué hubiera podido ser de esta película habiendo sido interpretada por un Fernando Fernán-Gómez, pongamos por caso. De hecho, la película se convirtió en un título maldito desde su misma fecha de estreno y Lifante nunca volvería a protagonizar ningún largometraje, quedándose relegado a esas presencias secundarias por las que todos le recordamos.

En definitiva, una curiosidad que se puede ver sin mayor dificultad, una rareza cuya indefinición pasa a ser no sólo su mayor cualidad si no también su principal defecto.

Un Drácula con problemas para hacer amigos

No puede perdérsela: El amante de las comedias a costa de los grandes mitos fantásticos.
Abstenerse: El que quiera ver la típica película cateta de la transición.
Cómo verla: Aunque parezca increíble, editada aquí en DVD.
E-Link: Tiempos duros para Drácula (1976).avi

LA HORRIPILANTE BESTIA HUMANA (México, 1969)

2009-04-23T01:19:00.020+02:00

Director: René Cardona Intérpretes: José Elías Moreno (Dr. Krallman), Carlos López Moctezuma (Goyo), Armando Silvestre (Teniente Arturo Martínez), Norma Lazareno (Lucy), Agustín Martínez Solares (Julio Krallman), Noelia Noel (Elena), Gina Morett (Mujer en la ducha). Duración: 81 minutos.

Síntomas: Julio, hijo del Dr. Krallman, padece de Leucemia. Para salvarlo el Dr. Wolf y su ayudante Goyo roban un gorila del zoo e injertan el corazón del animal en el muchacho. El trasplante salva a Julio pero lo convierte en una bestia criminal sedienta de no se sabe muy bien qué.

Diagnóstico: A ningún aficionado se le escapa a estas alturas el hecho de que la cinematografía mexicana sea una de las que más tradición tienen en el género fantástico, aportando títulos realmente importantes. La época dorada de este tipo de cine se encuentra en la década de los 50 y de los 60, en los que se producen auténticas obras maestras del horror. El título que hoy nos ocupa, no se encuentra, desde luego, entre ellas, aunque sí que supone uno de los más divertidos y me atrevería a decir, simpáticos.

Su director, René Cardona (Cuba, 1906- México, 1988), es uno de los más prestigiosos realizadores del cine fantástico mexicano, patriarca además de una saga familiar dedicada al género. Entre sus logros más recordados está una digna re-visitación de una popular leyenda mexicana en "La Llorona"(1960) o, nada más y nada menos, que inaugurar el ciclo de Santo, el enmascarado de plata con “El Enmascarado de Plata” (1954). La Horripilante bestia humana es precisamente un remake de otro título suyo también con luchadores por medio: “Las luchadoras contra el médico asesino” (1963), aunque aquí las luchadoras se ven reducidas a una sola, y tampoco es que luche demasiado.
Película, como digo, simpática donde las haya por múltiples motivos, el principal de ellos por tener como clara referencia las películas que la Universal había dejado de hacer hacía más de veinte años. En un solo film se logra aunar elementos tanto de Frankenstein, como del Hombre lobo y el mismísimo King-Kong. Por si eso no fuera suficiente, además mira de reojo a la productora fantástica que más en boga estaba en aquellos años: la Hammer. Así, el uso del color, de los efectos en la operaciones quirúrgicas (algunos bastante explícitos) o de ciertos decorados, remiten directamente a la mítica productora británica. Si a todo ello le unimos una patente pobreza de medios y algunos elementos claramente autóctonos como es la exageración melodramática de las interpretaciones o el hecho de que la chica de la película sea luchadora libre (algo que será muy normal en México pero que para el resto supone un detalle ciertamente bizarro), tenemos un delicioso cóctel que deriva en esta película cuyo título en USA fue, cuanto menos, igual de psicotrónico: La Noche de los simios sangrientos, cuyo cartel reproduzco arriba (atentos a la manipulación de los nombres para que no huelan a latinos). De hecho, parece ser que los americanos añadieron algo de gore y sexo al metraje, cosa que siempre es de agradecer.
Pero dejémonos de más disquisiciones y pasemos a describir algún momento delirante de la peli que los tiene y muchos.

Cronología de un gazapo*:
* (El minutaje corresponde al enlace publicado abajo.)

- La primera fuga de la bestia es todo un cúmulo de errores sin sentido. Una de los más divertidos es comprobar cómo la primera víctima de esta bestia (00:31:01) se preocupa aún después de muerta, de mover su brazo para no permitir que sus senos queden a la vista cuando el monstruo la deposita sobre la cama desnuda. Otro momento inolvidable es ver como el doctor y su ayudante logran encontrar antes que nadie a la bestia (00:33:00) y dispararle un dardo tranquilizador casi sin apuntar y en una postura bastante incómoda desde la ventanilla del coche, ¡y le dan a la primera!
- (00:34:10) La descripción del efecto del trasplante en Julio es de lo más lógica. “El corazón del gorila es demasiado potente para un ser humano, y así el cerebro no puede afrontar la afluencia de sangre con tanta fuerza, lesionándolo y convirtiendo al hombre en un animal sin control, originando la transformación”. Vamos, completamente normal. ¿Cómo no se le ocurre antes al doctor? De todos es sabido que ese es el motivo principal por el que no se practican más trasplantes de corazón de mono en la actualidad.
- (00:39:50) Otro gazapo de lo más divertido se produce en la segunda fuga (sí, la bestia toma como molesta costumbre el fugarse por la noche) cuando ataca a un joven y su novia desgarrando con furia el jersey de esta última. No obstante en el siguiente plano vemos claramente como la chica corre con la prenda intacta (escena seleccionada en el vídeo de abajo). Por si pensábamos que era nuestro sucio subconsciente el que nos había traicionado, vemos más adelante a la chica llegar a una tienda pidiendo ayuda y efectivamente, con el jersey hecho unos zorros.
- El policía encargado de la investigación de los horrendos crímenes (y que es novio de la protagonista, faltaría más) logra acotar la zona en la que la bestia ataca a su víctimas y por tanto decide vigilar durante la noche en el lugar. Llama a su novia para decirle que no la puede llevar a cenar. La chica, cómo es normal, le recrimina el poco tiempo que le dedica, y al muchacho no le ocurre otra cosa que invitarla a ir a verle (01:02:05). Es lo más lógico; cualquier chico considerado invitaría a su novia a que se acerque sola y de noche a una zona donde se están cometiendo sistemáticamente unos brutales crímenes de carácter sexual. Ya sabéis la mejor manera de deshaceros de esa relación que tanto os incordia desde hace tiempo.

Una película, en definitiva, muy discreta en cuanto a medios, en su planteamiento y en su resolución, por mucho que algunos se empeñen en elevarla a los altares. No obstante, como ya he dicho, resulta entretenida en todo momento, con un ritmo apropiado y unos golpes de ingenuidad que la hacen sumamente simpática, que es más de lo que podría decir en algunos de los cutre-títulos aquí expuestos anteriormente. Que ustedes la disfruten.

El Ataque de la Bestia

No puede perdérsela: El amante del fantástico mexicano.
Abstenerse: El que sea incapaz de ver esta película con el espíritu de un niño.
Cómo verla: No editada en España.
E-Link: La.Horripilante.Bestia.Humana.aka.Night.of.the.Bloody.Apes.1968.DVDrip.Xvid-Slayer.avi

LA GARRA GIGANTE (USA, 1957)

2009-04-15T22:39:00.023+02:00

Título Original: Giant Claw, The. Director: Fred F. Sears Intérpretes: Jeff Morrow (MacAfee), Mara Corday (Sally Caldwell), Morris Ankrum (General Edward Considine), Louis Merrill (Pierre Broussard), Edgar Barrier (Dr. Karol Noymann), Robert Shayne (Gen. Van Buskirk), Frank Griffin (Pete, piloto), Clark Howat (Mayor Bergen). Duración: 74 minutos.

Síntomas: El ejército y la aviación deben enfrentarse a un colosal pajarraco que posee un campo de fuerza invisible y que se dirige inmutable hacia la ciudad de Nueva York que, no se sabe bien el por qué, siempre atrae a toda esta clase de bichejos.

Diagnóstico: De todos es sabido que los años 50 resultó la década prodigiosa dentro del género fantástico y de Sci-fi norteamericano. Con los últimos ecos de la Segunda Guerra mundial todavía resonando en los oidos de los americanitos, estos tenían todavía dos obsesiones/temores principales en mente, ambos estrechamente relacionados entre sí: la Guerra Fría que los enfrentaba con los comunistas y la amenaza nuclear.
El temor a una invasión desde el otro lado del Telón de Acero fue exorcizado en el cine con toda una serie de invasiones alienígenas cuyos títulos más celebres incluían: “El Enigma de otro mundo” (1951), “La Guerra de los mundos” (1953), “Invasores de Marte” (1953), “La Invasión de los ladrones de cuerpos” (1956) o “La Tierra vs. los platillos volantes”(1956) por citar sólo algunos de los más ilustres ejemplos.
En cambio el peligro nuclear fue representado en el cine generalmente por animales comunes que aumentaban monstruosamente de tamaño para aterrorizar a propios y extraños. Así hormigas (La Humanidad en peligro), arañas, (Tarantula!), pulpos (It came from beneath the sea), mantis religiosas (The deadly mantis) e incluso el propio ser humano (The Amazing colossal man) experimentaban, por efecto de la radiación, mutaciones que les hacían multiplicar por cien su tamaño original al tiempo que les daba un plus de mala baba hacia sus vecinos.
The Giant claw nace en plena época dorada de estos dos subgéneros del fantástico y muy bien podría tratarse de un híbrido entre ambos, puesto que si bien se trata aquí de un “ave” de grandes dimensiones esta proviene del espacio exterior con la intención de anidar e invadir el planeta con sus vástagos.
Pero ese no es el principal motivo por el que esta película se encuentra aquí. Si esta película ha pasado a la historia de la infamia (y de paso su ingreso en esta Casa de locos) ha sido gracias a la criatura que da nombre al film: una especie de pavo hiper-alimentado con transgénicos y pasado por una turbo mix, con unos ridículos dientes torcidos y una cresta de estética punk. Sobran descripciones, es mejor verlo por sí mismo.

Las críticas coinciden en que esta película no sería tan mala si no fuera por la penosa concepción de este bicho. Y realmente, la película está resuelta con oficio en su parte digamos “seria”, aunque el guión nos ofrezca algunos diálogos algo ridículos, generalmente dedicados a ensalzar a la institución militar y que sólo se pueden entender dentro del contexto de este tipo de films. Ya en la propia introducción, una voz en off (la del propio director Fread F. Seals) hace una referencia indirecta a la Guerra fría. Esa misma voz en off se encargará de narrar de manera machacona distintas partes de la acción. Pero si la estética de este pajarraco ya es por sí increíble, más es la explicación que dan de su génesis: Se trata de un ser proveniente de una galaxia muy lejana, hecha de anti materia y que viene a este planeta en busca de algo de tranquilidad.
A pesar de todo esto también es cierto que la cinta tiene algunos detalles que la salvan de ser una película nefasta y además la convierten en un auténtico precursor de Godzilla y demás familia japonesa. Cuenta por ejemplo con una estupenda fotografía en blanco y negro que destaca especialmente en la escena en la que los protagonistas pasan la noche en la cabaña de un lugareño canadiense y este es atacado por la criatura, la cual confunde con la Carcaña, un ser mitológico mitad ave, mitad mujer (ignoramos que mitad corresponde a cada cual).

La cinta está en general bien interpretada y protagonizada por Jeff Morrow, sólido actor muy recurrente en el género fantástico, y Mara Corday, guapa actriz que ya había tenido que enfrentarse a bichos gigantes unos años antes en la genial “Tarántula” y que en su madurez sería una actriz habitual en largometrajes dirigidos por Clint Eastwood (En “Impacto Súbito” , por ejemplo, la recordamos como camarera que atiborra de azúcar el café de Harry Callahan para darle a entender discretamente que están sufriendo un atraco). Ambos trabajan con tanta seriedad y pundonor en cada escena que es de suponer que no vieron a la bestia hasta el montaje final. Habría que haberles visto la cara.

Foto promocional de Mara Corday
(No os emocionéis demasiado, que en la peli sale bastante más tapadita)

Y es que estos aspectos positivos no pueden luchar contra la cabezonería de su productor, un Sam Katzman que ya había producido varios clásicos fantásticos pero que aquí hipotecó el resultado final del film por la torpeza de no volver a confiar los efectos especiales, (como si hizo en la mencionada “La Tierra vs. los platillos volantes”) al gran Ray Harryhausen y hacerlo en cambio a unos titiriteros mexicanos, con tal de ahorrarse cuatro dólares. Ver para creer.

Cronología de un gazapo:
- Cualquier aparición de este aborto de buitre nos vale. Es tan evidente que se trata de una marioneta tirada por hilos, que merma cualquier posibilidad de inquietar al espectador más cándido. Por mencionar alguno, pondría el ataque a un tren (01:04:20), en el que claramente notamos la maqueta al levantar el pájaro la máquina completa, con todos sus vagones, como si de una ristra de longanizas se tratara, evidenciando el poco peso de la presa.

¿Qué tiene la garra? ¿Un tren o una longaniza?

- La conversación científica que se produce para explicar el origen de la bestia. (00:40:29) Una explicación que dura tres minutos ininterrumpidos y que sólo entenderá un experto en física nuclear. Por si eso fuera poco, cuando por fin dan con un método para eliminar la barrera antimateria que protege al animal, tampoco se nos niega todo lujo de detalles mencionando términos de física cuántica difíciles de entender para cualquier profano. Resulta sorprendente gastar tantas molestias para dotar de credibilidad al relato y después mostrar esa marioneta de trapo.
- (01:08:23) En el enfrentamiento final, una misión casi suicida, con los protagonistas a bordo de un avión donde se ha incorporado un cañón de átomos mésicos (no preguntéis que yo también soy de letras), comprobamos que la nave es pilotada por el propio general de las fuerzas armadas y su segundo, el Mayor Bergen. No se plantean en ningún momento delegar el peligro en ningún piloto especializado. Todo ello, sin duda, va encaminado a probar el valor de los altos cargos del ejército norteamericano. Eso sí que es Ciencia-Ficción y lo demás son tonterías.
- (01:08:54) No es un gazapo propiamente dicho, pero resulta muy curioso ver encaramado al bicho en el Empire State emulando a King Kong. Precisamente en el ataque a Nueva york todas las escenas de pánico de la gente son tomadas de otro título con mismo director y productor pero acabado técnico mucho más logrados. Sí, nuevamente me refiero a “La Tierra vs. Los platillos volantes”. Incluso se dice que en algún momento del ataque a Nueva York se vislumbra un ovni, pero yo no he podido comprobarlo.

En definitiva una película entretenida, que es un ejemplo perfecto de cómo unos malos efectos especiales pueden dar al traste con un trabajo bien hecho en todos los demás aspectos técnicos y artísticos. Actualmente, el cine USA parece haber aprendido la lección pero en sentido contrario, teniéndonos acostumbrados a espectaculares efectos especiales que se llevan la mayor partida presupuestaria, al servicio de absolutas nimiedades argumentales. Cada uno que juzgue qué es peor.

"The Giant Claw" originalmente se estrenó en apasionante doble programa con “The night the World Exploded”. En aquellos años sí que debía ser una gozada ir al cine. ¡Ay! (Suspiro).

Trailer original de The Giant Claw

No puede perdérsela: El aficionado a la Sci-fi de los años 50 y del Kaiju Eiga (Cine de monstruos) japonés.
Abstenerse: El que tenga alergia a los muñecos de trapo.
Cómo verla: Editada aquí en DVD. Al que le guste coleccionar estas "joyas" de la Sci-fi le recomiendo las ediciones que de las mismas está haciendo L´Atelier, y que generalmente incluye interesantes extras.
E-link: the giant claw[Dvdrip][Vose][dxc][rovin].avi

LA NOCHE DE LOS GIGANTES (USA, 1968)

2009-04-09T20:45:00.038+02:00

Título Original: Stalking Moon, The. Director: Robert Mulligan Intérpretes: Gregory Peck (Sam Varner), Eva Marie Saint (Sarah Carver), Robert Forster (Nick Tana), Noland Clay (el Chico), Russell Thorson (Ned), Frank Silvera (Mayor), Richard Bull (Doctor), Joaquín Martínez (Julio), Nathaniel Narcisco (Salvaje). Duración: 104 minutos.

Síntomas: Un veterano explorador del ejército acepta una última misión antes de retirarse: acompañar a una mujer blanca y su hijo mestizo por el desierto hasta algún lugar civilizado. Lo que no sospecha es que el niño es hijo de “Salvaje”, un apache de fuerza y resistencia sobrehumana que les perseguirá durante el camino aniquilando todo lo que encuentre a su paso.

Diagnóstico: Los motivos de la inclusión de esta extraña joya en esta Casa de locos podrían ser múltiples, pero la principal de ellas es clara: “La Noche de los Gigantes” es el primer western que utiliza en su trama códigos y recursos más propios del género fantástico y de terror. Y lo hace no desde la forma, sino desde el fondo, utilizando paradójicamente hermosos y soleados paisajes para desarrollar el suspense y la tensión.
Su director, Robert Mulligan provenía de una familia religiosa, de hecho su destino era el de convertirse en sacerdote, pero al final se inclinó por el oficio de la dirección cinematográfica. Así todos sus títulos están impregnados de un fuerte humanismo que propugna el entendimiento entre las distintas razas y culturas. Con “La noche de los gigantes” Mulligan y Peck se reunían de nuevo séis años después de ese gran éxito que supuso “Matar a un ruiseñor” que proporcionó además el único Oscar a Gregory Peck. Años más tarde Mulligan volvería al género fantástico con otra obra maestra: “El Otro” (1972), uno de los más terroríficos acercamientos al alma de un niño que ha podido dar el cine. Gregory Peck, por su parte también fue un intérprete fundamental dentro del género de horror de los 70 y películas como “La Profecía” o “Los niños del Brasil” no serían lo mismo sin su siempre estimulante presencia y buen hacer.

Esta película que hoy nos ocupa es una de las más inquietantes, extrañas e injustamente olvidada de la filmografía de ambos. Un film que trasciende el propio género del western para convertirse en un slasher en toda regla con un escurridizo y sanguinario “serial-killer” que antecede en muchos aspectos a todos aquellos que pulularían a lo largo y ancho de la filmografía de los 70 y 80, desde el Michael Myers de “Halloween” hasta el Jason Voorhees de “Viernes 13”. Una película donde las miradas y los silencios priman sobre los parloteos intrascendentes de la mayoría de este tipo de películas, y donde la acción se dosifica sabiamente en beneficio de una tensión “in crescendo”.

A destacar:
-El magnífico reparto encabezado por un soberbio Gregory Peck que hace una composición perfecta de ese maduro explorador que desea retirarse para poder dedicarse en exclusividad a un pequeño rancho comprado con los ahorros de su vida, y se ve involucrado, sin comerlo ni beberlo, en una espiral de violencia que hace peligrar sus planes. Peck, lejos de derramar su inmenso talento en una histriónica interpretación, realiza un ejercicio de economía, aprovechando, cómo sólo saben hacerlo los buenos actores, el silencio para mostrarnos la autenticidad de su personaje. Acompañándole en la trama se encuentran la hitchconiana Eva Maria Saint (Con la muerte en los talones) y Robert Forster, uno de los duros de la serie B que fue inteligentemente rescatado por Tarantino en su “Jackie Brown” y que aquí interpreta a un mestizo discípulo y amigo de Peck.
- La planificación que de las apariciones de “Salvaje” hace Mulligan. Solamente le vemos a través de lejanos planos dónde apenas se le vislumbra. Siempre sabemos de él por lo que vemos u oímos que ha hecho con sus víctimas, por sus trampas, por un leve movimiento en el aire, pero jamás le percibiremos con claridad hasta llegar al enfrentamiento final, lo cual contribuye a darle una dimensión cuasi divina que de otro modo no hubiera adquirido jamás.
- La magnífica banda sonora a cargo de Fred Karlin, que realiza aquí su mejor trabajo. Este comienza con un bucólico y bellísimo “lef motive” que poco a poco, a medida que transcurre el metraje, se va transformando en una sombría pieza que utiliza las cuerdas como principal recurso para crear esa angustiosa atmósfera de la parte final del film, en el que los protagonistas se encuentran en la cabaña, sitiados por una amenaza externa, tema este siempre recurrente en el cine de terror. Karlin volvería asiduamente al fantástico más tarde en títulos como “Los sobrevivientes elegidos” o “El planeta de los buitres”.

En definitiva, una obra maestra que evita caer en ningún lugar común de ambos géneros. No hay ñoñería alguna en la relación del niño con los adultos que le rodean, no existe un romance claro entre los dos maduros protagonistas, y si lo hay desde luego dista mucho de ser convencional, y por último, evita también caer en el maniqueísmo tan frecuente en los westerns del tipo: “indio malo-blanco bueno”. No hay nada de eso aquí. Salvaje es un asesino despiadado por tratarse de un psicópata, no por ser un apache. Aunque sólo fuera por estos motivos, ya merecería que el aficionado le diera una oportunidad, ¿no?

La Noche de los Gigantes (fragmentos)

No puede perdérsela: El amante de esas piezas inclasificables y olvidadas de la historia del cine.
Abstenerse: El que sólo busque la acción gratuita y los convencionalismos en un western.

Cómo verla: Editada aquí en DVD.
E-link: Cine del Oeste - La Noche De Los Gigantes (Gregory Peck,Eva Marie Saint,Robert Forster) -1968 (Spanish) 105 m. (Dvdrip By Herra Avi).avi

LA LOCURA DEL DOCTOR TUBE (Francia, 1915)

2009-03-29T17:21:00.024+02:00

Título Original: Folie du Docteur Tube, La Director: Abel Gance Intérpretes: Albert Dieudonné (Dr. Tube). Duración: 10 minutos.

Síntomas: Un científico logra crear unos polvos que hace transformar la apariencia de las personas.
Diagnóstico: Actor y director, Abel Gance es, sin lugar a dudas uno de los grandes creadores del lenguaje cinematográfico, especialmente recordado por su monumental “Napoleón” (1928), que repasa la vida del personaje desde su nacimiento hasta la campaña en Italia en 1796.
Siempre atento a las innovaciones técnicas, fue el primero que introdujo el socorrido primer plano en Europa, justo después que lo hiciera David Wark Griffith en Estados Unidos, así como otras modernas técnicas de montaje. Su primer largometraje sonoro, “La Fin du Monde” (1931) contaba como un astrónomo, interpretado por el propio Gance, descubría que un cometa está a punto de estrellarse contra la Tierra. Resulta curioso que casi 70 años después, los norteamericanos retomaran la idea en las indistintamente mediocres “Armaggedon” y “Deep Impact”.

La rareza que hoy acerco hasta este manicomio es uno de los primeros trabajos de tan inusual realizador. Se trata de una comedia de Ciencia-Ficción que bien puede ser el primer caso de Anamorfosis Óptica en el cine, es decir, el empleo de espejos para distorsionar la imagen y que en cine evolucionaría hasta el famoso Cinemascope, en el que mediante lentes anamórficas se registran imágenes comprimidas que producen una pantalla ancha al ser descomprimidas durante la proyección.
Aquí, los efectos de distorsión, producto de los polvos que inventa el buen doctor, se consigue a través de unos simples espejos curvos, algo que hoy puede resultarnos primario pero que en aquella época se nos antoja francamente ingenioso.
Está interpretado por Albert Dieudonné, prestigioso actor francés que precisamente interpretaría al Napoleón de Abel Gance años después. Su jocosa caracterización incluye una enorme calva en forma de pepino que contribuye al tono cómico de la pieza aunque también le dota de un aspecto ciertamente inquietante.
En resumidas cuentas, 10 minutos que no puedo prometer que os gusten, pero que garantizo que van a ser, probablemente los más extraños que hayáis visto últimamente. ¡Ah! Y no hace falta saber francés ya que no hay intertítulos.

La Folie Du Docteur Tube

No puede perdérsela: El amante de lo raro, raro, raro...
Abstenerse: El que tenga alergia al cine mudo, aunque sea en pequeñas dosis.
Cómo verla: En el video de arriba o con en el siguiente e-link
Folie du Docteur Tube (1915) Abel Gance a.avi

THE SINISTER URGE (USA, 1960)

2009-03-21T20:19:00.038+01:00

Director: Edward D. Wood Jr. Intérpretes: Kenne Duncan (Teniente Matt Carson), Duke Moore (Sargento Randy Stone), Jean Fontaine (Gloria Henderson), Carl Anthony (Johnny Ryde), Dino Fantini (Dirk Williams), Jeanne Willardson (Mary Smith), Harvey B. Dunn (Mr. Romaine).

Síntomas: Un maniaco sexual se dedica a violar y asesinar a mujeres en un parque. Las víctimas son siempre modelos relacionadas con una red de pornografía. La policía intenta dar cerco al asesino y al mismo tiempo desarticular dicha red.

Diagnóstico: De los bajos fondos del cine más casposo nos llega este título, último intento del finado Edward D. Wood Jr. para introducirse en Hollywood. Evidentemente, a la vista de los resultados, el intento salió infructuoso. Y es que “The Sinister Urge” cae en todos los errores habituales del cine de Wood pero quizá sin la gracia de sus films de temática más fantástica.
El principal “hándicap” de esta película radica en su guión, que intenta tratar demasiados temas a la vez: la historia de ese “Psycho Killer” por un lado y los tejemanejes que Mrs Henderson, una pérfida productora de cine porno, tiene con la mafia. Un asunto no excesivamente complicado pero que resulta una empresa demasiado grande para el limitado talento de Ed. De este modo, los ataques del psicópata quedan demasiado aislados, nunca terminan de integrarse en la trama; parece que al director le preocupe más hacer una crítica implícita al tráfico de pornografía y que el asesino no sea más que un mero reclamo comercial metido con calzador. En este sentido sorprende lo extremadamente reaccionario del discurso que propugna el film. Así, en un momento determinado de la película el Inspector que lleva la investigación (a pesar de que este apenas se mueva de su mesa en todo el metraje) llega a afirmar en torno a la pornografía: “Muéstreme un crimen y yo le mostraré la foto que lo ha provocado”. Una declaración que sorprende máxime si pensamos que proviene de un director que terminó sus días precisamente rodando cine para adultos. De hecho, “The sinister urge” es una producción que se adscribe perfectamente a la incipiente corriente de la "sexploitation" o de los "nudie films" que tendría más tarde en Russ Meyer a su máximo exponente. Vamos que nos encontramos ante un film que critica duramente lo que es él mismo. Demencial.

Las alegres chicas de Ed Wood

Por otro lado, resulta curioso observar como aparece en el film la figura de un director fracasado (Carl Anthony) atormentado por recordar mejores momentos y que ahora se ve obligado a rodar películas porno, un detalle que resulta del todo premonitorio. Incluso este personaje, alter ego del propio Wood, tiene en su despacho los carteles de “Jail Bait”, “Bride of the Monster” o “The Violent Years” todas ellas producciones escritas o dirigidas por el tío Ed.

El ataque del Killer

(especial atención a la postura natural de la víctima)

Cronología de un gazapo:
No tiene mucho sentido en esta película mencionar gazapos porque no hay demasiados, al menos de bulto. El estilo que Wood impregna en todos su films es su mayor gazapo. Una puesta en escena extremadamente estática: los personajes de Wood nunca se mueven, hablan mucho y siempre sentados. Y lo que es peor, rara vez dicen algo interesante. Las mesas de los despachos (de los policías, del director de cine...) están siempre vacías a pesar de que sus dueños se empeñan en repetir que tienen mucho trabajo. Y es que Wood no se caracterizaba precisamente por poner demasiado mimo en la dirección artística. De hecho es más que evidente que rueda en unos decorados estándar, de alquiler, (aquí apenas se trata de un par de despachos y un “living room”) y que después el director apenas se preocupa de incorporar elementos de atrezzo propios que doten a ese escenario de un mínimo de personalidad, de calor. Eso unido a que estos interiores siempre tienen las ventanas cerradas, sea a la hora que sea, contribuye a crear una sensación de extrema pobreza en una película que, de otro modo, bien hubiera podido pasar por correctilla. En cuanto a los intérpretes mejor no comentar nada, máxime cuando el film está protagonizado en su mayor parte por actores aficionados. Por poner un ejemplo, la protagonista (que atiende al curioso nombre artístico de Jean Fontaine) tiene como únicos créditos el haber trabajado como figurante en el musical "South Pacific" interpretando a una mujer polinesa. Y sin embargo, a pesar de todos estos inconvenientes, a favor de Wood hay que decir que en esta ocasión lobra terminar su historia con un mínimo de coherencia, algo que ya es mucho habida cuenta de los niveles en los que nos movemos.

Por destacar dos momentos de la cinta, mencionaría una pelea de “teenagers” (algo casi obligatorio en el cine comercial de la época) que resulta especialmente divertida al observar que uno de esos adolescentes es un Ed Wood con 45 tacos y su ya característico bigotito (00:25:22). Resulta hilarante ver como los dos contrincantes se empeñan una y otra vez en lanzar puñetazos al aire.

Woods ahogando a uno de sus (pésimos) actores

El otro momento a señalar sería cualquiera de los ataques del maniaco sexual, todos ellos falsos y torpes (podéis presenciar alguno en el tráiler de abajo) pero especialmente ¡el que efectúa a un policía disfrazado de mujer! (01:00:53). Y es que los agentes tienen la brillante idea de ponerle un cebo (algo más que lógico teniendo en cuenta que el asesino siempre actúa en el mismo rincón del parque). Pero, claro, poner una mujer es demasiado arriesgado para la mentalidad de la época y no se les ocurre otra gansada que la de disfrazar a un policía de tía buena. Ver al actor travestido caminando torpemente con sus zapatos de tacón por el parque es el momento más divertidamente edwoodiano de la cinta, sobre todo porque, a pesar de lo evidente del truco ¡el maniaco pica!

En resumidas cuentas, un film que supuso un antes y un después en la trayectoria de Wood. Este dejaba definitivamente su “época dorada” (los de “Plan 9”, “Glen or Glenda”, etc.…) y tendría que esperar diez años hasta volver a ponerse de nuevo detrás de las cámaras. Pero ya nada sería lo mismo. Sus films en los setenta ya serían productos directamente dirigidos al mercado del cine de adultos, lo cual precipitaría el definitivo descenso a los infiernos de este mediocre pero entusiasta director.

Tráiler original de "The Sinister Urge"

No puede perdérsela: Los seguidores de Wood y los (muy) completistas del cine de “Psycho Killers”.
Abstenerse: Los puristas del cine negro. Esto no es “La jungla de Asfalto” ni de lejos, aunque a veces lo pretenda.
Cómo comprarla: Pues no está incluida en el Pack que sobre Wood han editado en España, aunque sí que incluye el tráiler. En VHS sí que se editó en su momento.
E-Link: The Sinister Urge (Edward D Wood Jr_1960)_Subtitulos Español.avi

BRUNO MATTEI: La "explotation" es mi oficio

2009-03-13T23:38:00.029+01:00

Dueño de un sin fín de seudónimos que ahora no viene al caso enumerar (consultar para ello su ficha IMDB), el nombre por el que más se le ha conocido mundialmente, era por el que utilizaba en prácticamente todos sus filmes de Sci-fi y Terror: Vincent Dawn. Todos aquellos que amen el buen cine fantástico; todos aquellos que sólo disfruten con las delicias de la Hammer, los clásicos de la universal o la sólidez del ciclo Poe-Roger Corman muy probablemente no habrán visto ninguna película del abuelo Mattei. Ni falta que les hace. Sólo aquellos que visitamos las alcantarillas del cine más hediondo conocemos y hemos (por qué no) disfrutado de alguna de sus locuras. Analizar los motivos por los que nos sentimos atraidos por estos directores y sus imposibles filmes no es nada fácil. En mi caso quizá sea por que en la pobreza de esos títulos (pobreza de presupuesto, pobreza de talento, pobreza de ideas) se respira en ocasiones más cinefilia que en la mayoría de las macro producciones "hollywoodenses", que nos llegan hoy día y que parecen, de fríamente correctas que son, hechas directamente por un programa informático.

Datos biográficos: Bruno Mattei nació en Roma en 1931. Comenzó sus pasos en el cine trabajando para su padre, que era montador de cine, y siguiendo sus pasos él también adquirió este oficio. Así, llegó a ser montador de gran cantidad de directores paisanos suyos e incluso de nuestro Jesús Franco, hasta que en 1970 realiza su primera película como director, el tórrido drama "Armida, il dramma di una sposa". A partir de ahí una serie de títulos que se encuadraban principalmente en el género porno (alguno interpretado por la mismísima Cicciolina), nazi o de cárceles de mujeres. Y por fín llega a los subgéneros que más seguidores le reportó: los films de zombies y los de caníbales. En la italo-española "Apocalipsis canibal" llegó incluso a fundir ambos. Dentro de su carrera como director, tendríamos que mencionar su etapa en la Filipinas de Imelda Marco, paraiso de divisas para este tipo de cine de bajo, bajísimo presupuesto. Allí precisamente fue donde rodó algunos de sus mejores "delirios" (Terminator II, Robowar, Serpiente Sam...).

Hace apenas un par de años, el 21 de Mayo de 2007, Bruno Mattei dejó de existir. Ningún periódico importante lo mencionó. Ninguna revista especializada le dedicó más de un parrafito. Pero lo que realmente me entristece es que, a pesar de sus 76 años, a Mattei la muerte le pilló trabajando. No se trataba de un anciano retirado que no tuviera ya nada que ofrecernos. Precisamente estaba en pleno proceso de de re-invención de ese cine que inundó los videoclubs de los años 80. Inmune al desánimo, poco le importaba que esos videoclubs hubieran ya desaparecido y que la cinta VHS hubiera pasado a ser pieza de museo. Mattei había vuelto recientemente al cine de terror con "Snuff Killer" (2003), había reflotado las otrora célebres películas de canibales con "Nella terra dei cannibali" y "Mondo cannibale" (ambas de 2003 también) y había tratado de resucitar el subgénero zombie italiano con "Island of the Living Dead " (2006) y su inmediata continuación, "Zombies: The Beginning" (2007) . Enfermo de cáncer y todo, Mattei se fue dando guerra. Sólo por eso ya me merece todo nuestro respeto.

Síntomas del paciente: Mattei elevó la palabra "explotación" a la categoría de sub-género. Y es que el bueno de Dawn fue capaz de fusilar todo éxito que se preciara (Rambo, Cocodrilo Dundee, Tiburón, Robocop, Aliens, etc...). Pero no contento con eso, llego a extremos propios de esta MADHOUSE explotando las mismas "exploites", llegando a absurdos como el de plagiar al mismísimo Fred Olen Ray, (ver reseña sobre este director en "The Tomb"). Cultivador del decorado de cartón, de los efectos especiales verbeneros, del "zoom" en la más pura tradición italiana, Mattei se rodeó siempre de pésimos (pero baratos) actores, como si este aspecto no mereciera más atención de lo estrictamente necesario. Así, lo más parecido a una estrella con la que trabajó sería Lou Ferrigno, el popular Hulk televisivo, con el que rodó el peplum "Los Siete Magníficos Gladiadores" ya en plenos años 80.

Historial Clínico: Abundantísimo y sin desperdicio. Me voy a limitar a mencionar algunos de los más demenciales para que vayamos entendiendo la jeta que gastaba nuestro querido Mattei:

Apocalipsis Canibal (1980). O como convertir el Tibidabo barcelonés en la jungla amazónica y encima que se note (y mucho). Una de su pelis más divertidas. Provoca el regocijo del respetable en innumerables ocasiones. La trama va de una central de investigaciones químicas, donde ocurre un grave accidente que causa la muerte a todos los componentes del equipo de la central. Este macabro suceso es seguido de un inexplicable y terrible fenómeno: científicos y técnicos del equipo de investigadores que han encontrado la muerte vuelven a vivir bajo la forma de zombies sedientos de sangre y carne humana. Es especialmente célebre entre el aficionado porque contiene uno de los desnudos más absurdamente gratuitos de la historia del cine. (No os preocupéis, os lo pongo en el video de más abajo, faltaría más).
Rats - Notte di terrore (1984). En el 2225 los sobrevivientes de un holocausto nuclear deben afrontar la amenaza de una raza de roedores mutantes. Y Mattei tampoco pudo resitirse a explotar el género post-apocalíptico. Malos diálogos, malos efectos, malos actores... Imprescindible.
Robowar (1988). La explotación de "Depredador", con algunas pinceladas de "Robocop" resulta un ejercicio divertidísmo en el que el espectador observa atónito como va calcando la película de John McTiernan. Como curiosidad, decir que está interpretada por la guapa Catherine Hickland, por aquel entonces mujer de David (coche fantástico) Hasselhoff.
Terminator II (1990). Uno de sus mayores éxitos de videoclub. Esta película en realidad no tiene nada que ver con la temática Terminator y sí es un plagio plano a plano de "Aliens, el regreso" curiosamente también de James Camerón. Para no parar de reir. Garantizado.
Cruel Jaws (1995). Una de las mayores desfachateces de Mattei. La explotación (un poco tardía, eso sí) del "Tiburón", igualita a esta pero con un sheriff que parece Hulk Hogan. Para rizar el rizo, el bueno de Bruno saquea otra entretenida explotación del éxito de Spielberg. Me refiero a "L'ultimo Squalo" de Enzo Castellari, estrenada aquí como "Tiburón 3". Todos los ataques en los que aparece el escualo son sacados de esta película, supongo que porque ambas pertenecen a la misma productora y, ¿para que rodar 2 veces lo mismo?
Island of the Living Dead - Zombies: The Beginning (2006/07). Un díptico que supuso la despedida del anciano director. La primera tiene un sospechoso parecido argumental a "House of the dead" un bodriete de Uwe Boll; la segunda es un plagio, secuencia a secuencia de "Aliens, el regreso" (y van dos) sustituyendo aquí el planeta por una isla y los aliens por zombies. A su manera, de lo mejor rodado por el bueno de Vincent Dawn.

Esto es un desnudo por exigencias del guión (y lo demás son tonterías)

Su mejor momento: Difícil decidirse. A mí me gusta especialmente "Apocalipsis Canibal" y dentro de esta, escenas como la del niño comiéndose a sus padres o la escenita del video de arriba. Y esa selva imposible en el parque barcelonés... Nada, que esta hay que verla.
Su mayor desastre: Esto todavía es más difícil. Quizá "Cruel Jaws" por la desidía que demuestra al ni siquiera gastar el trabajo de plagiar planos. Aquí directamente corta y pega del film de Castellari. Eso no tiene ninguna gracia.

THE TOMB (USA, 1986)

2009-03-09T00:26:00.026+01:00

Director: Fred Olen Ray. Intérpretes: Cameron Mitchell (Dr. Howard Phillips), John Carradine (Mr. Andoheb), Sybil Danning (Jade), Susan Stokey (Helen), Richard Hench (David Manners), Michelle Bauer (Nefratis), David O'Hara (John Banning ), Victor von Wright (Detective). Síntomas: Un traficante de antigüedades egipcias robadas vuelve a Los Ángeles como único superviviente de una expedición a la tumba de la princesa egipcia Nefratis. Allí vende los amuletos de la tumba saqueada a unos egiptólogos. Pero Nefratis vuelve a la vida y, llena de furia, se dirige a California para recuperar esos amuletos ¡ah, sí! ...y de paso matar a los profanadores de su tumba.

Diagnóstico: Por si hay por ahí algún despistado que todavía no lo conozca, Fred Olen Ray viene a ser el Ed Wood de los años 80-90. Puede que no tenga el demencial sentido visual de Wood pero a cambio me resulta mucho más divertido. Sus películas, casposas donde las haya, se ven no obstante con verdadero agrado quizá porque este muchacho de 55 años (hoy día más activo que nunca) realiza con cuatro duros las pelis que a todos nos hubiera gustado hacer con nuestros amiguetes cuando éramos adolescentes cargados de testosterona. Sus películas son infumables, apenas existen los personajes, los guiones hacen agua por todas partes, nula dirección de actores, diálogos sonrojantes... Pero precisamente sus esquemas simplistas y su puesta en escena, siempre directa al grano lo hacen irresistible. Se nota que el tío Fred disfruta filmando sus gamberradas y esa misma alegría nos la logra transmitir de tal modo que vemos sus películas del mismo modo que observamos a un niño haciendo una inocente travesura: negando con la cabeza pero disimulando una sonrisa.

Arcos de medio punto en una tumba egipcia

"The Tomb" no es mejor ni peor que el resto de su filmografía y por tanto me sirve, como cualquier otra me serviría, para presentar el trabajo de este director. En esta, como en las demás, el tío Fred no pierde la ocasión para hacer numerosos guiños (el Profesor protagonista se llama como el famoso escritor de terror H. P Lovecraft), aparte de la importante nómina de intérpretes del fantástico venido a menos (Cameron Mitchell o John Carradine) o famosas Screen Queen como Michelle Bauer o Sybil Danning. Tiros, acción ininterrumpida, desparpajo, chicas ligeras de ropa... todo eso ofrece Olen Ray en apenas 75 minutos y por supuesto, y lo principal de todo, nos regala además pifias realmente desternillantes.

En el país de los negados, el gazapo es el rey: Inaguramos esta sección donde pasaré a describir algunos de los errores más evidentes que podremos descubrir en cada título de la sección "Cine Cutre".

00:04:02 Al comienzo de la película, nuestros aventureros se enfrentan a una cuadrilla de mercenarios. Los malos de turno les lanzan varias ráfagas con sus metralletas sin que milagrosamente ninguna de ellas alcance a nuestros protagonistas. Estos a su vez, con un sólo disparo de su revolver hacen volar el avión donde viajaban los villanos. "Pa eso" son los buenos, que narices.
00:11:04 Los protagonistas llegan a la cripta de la princesa Nefratis. Esta tumba, lejos de tener aspecto egipcio, tiene todo la pinta de una mazmorra medieval. Arcos de medio punto y ventanas en una cripta que se supone subterránea. Sin duda Olen Ray, "rey del reciclaje" usó los decorados de cualquier otro de sus delirios y no se molestó en disimularlo. ¿Para qué, pensaría, gastar dinero y energías si la gente a la que va dirigida la película no sabría distinguir una pirámide de una ensaimada?
00:20:35 Ya en California, dos agentes de la aduana interceptan a nuestro traficante en un pub. Para librarse de ellos, el muchacho empuña una botella y se la rompe en la cabeza a uno de los agentes. No es difícil distinguir como el actor que recibe el golpe lo "anticipa" agachando la cabeza un segundo antes.
00:48:20 En la única aparición de John Carradine, este da una charla sobre la Princesa Nefratis. En un momento determinado notamos como este gran actor se equivoca al decir su texto. Pasa un segundo en el que duda aunque al final la gran profesionalidad de Carradine le empuja a seguir adelante y no perder la toma. Olen Ray, en la mejor tradición de Ed Wood debió decir "Esta es buena" y dejó la toma haciendo flaco favor al actor.
01:07:56 Este es el mayor gazapo de todos y corresponde al guión. Cuando la policía se dirige a casa de la novia del protagonista alertado por este, encuentran ya a la chica muerta y con señales de lucha. No llegamos a verlo pero así se lo anuncian al protagonista. Acto seguido (01:12:10) comprobamos que la chica esta vivita y coleando, secuestrada, eso sí, por Nefratis para el ritual que le devolverá definitivamente la vida. ¿Ha mentido la policía? ¿Han deducido que está muerta porque han visto la casa revuelta? ¿Nefratis la ha resucitado para poder matarla después de nuevo? Delirante.

Por supuesto, todavía quedan muchas más cosas por descubrir, pero eso lo tendréis que averiguar por vosotros mismos. En una ocasión el propio John Carradine hizo la siguiente declaración a propósito de Olen Ray: "Yo no sé porqué termino haciendo sus casposas películas, pero siempre me convence".

Como espectador, yo mismo podría suscribir perfectamente esa misma declaración. No sé porqué, pero siempre termino viendo sus películas.

La aparición de Nefratis

No puede perdérsela: Los amantes del cine Z de aventuras sin complejos.
Abstenerse: Los seguidores de Indiana Jones.
E-Link: The Tomb.1986.Sat-rip[Fed Olen Ray][para Angeles-Caidos]by jdr.avi

Premio Symbelmine a Casa de Locos!!

2009-03-08T20:06:00.009+01:00

Bueno, pues no quería dejar pasar la ocasión de agradecer a PK_Desingz este inmerecido premio que desde su estupendo blog, "Therapy of Terror" me ha otorgado. Estos premios que ahora proliferan entre los blogs son meros reconocimientos que nos hacemos los bloggeros entre sí y que no tienen otro valor que el estrictamente simbólico, nada más y nada menos. La importancia o no del mismo se lo otorga cada uno. Para ser sincero, personalmente me ha servido como punto de inflexión para ir modificando a partir de ahora este humildísimo blog y darle brios nuevos. Cuando encima te lo da un blog tan recomendable como el anteriormente citado, adquiere además un valor añadido.
Este reconocimiento (creo que es el segundo que recibo aunque del primero no me hice eco) servirá como digo para establecer un punto y aparte en el blog, que a partir de ahora doblará su producción de reseñas, haciéndolas más ágiles e incorporando nuevas secciones. Espero que esos cambios puedan contribuir a hacer más ameno el seguimiento del mismo.

Así, aunque en un principio no pensaba continuar la cadena porque no soy muy aficionado a estas cosas, esta vez haré una excepción pensando que quizá ayude de la misma manera que me lo ha hecho a mí a otros blogeros que merecen nuestra atención. Ahí van los premios otorgados:

Haunted Films . Ignoro si lo tiene ya. Si no es así, se lo merecía hace tiempo por su estupendas reseñas acerca del Cine Fantástico más clásico.
El Far west auténtico: Por hacer lo propio con el Western, el género cinematográfico por antonomasía.
Casi todos los colores de la oscuridad: Uno de los mejores críticos de cine que pululan actualmente por la red.
Cine de Medianoche: Divertido, transgresor, nostágico y muy bien documentado.
La Potnia: La historia (y más cosas) al alcance de todos.

Pautas a seguir por los premiados (siempre voluntariamente, se entiende):

1. Elegir un máximo de 7 blogs o sitios de Internet que por su calidad, su afinidad o cualquier razón hayan conseguido establecer un vínculo que desees reforzar y premiar; y enlazarlos en el post escrito.

2. Escribir un post mostrando el premio, citar el nombre del blog o web que te lo regala y notificar a tus elegidos con un comentario.

3. Opcional: Exhibir el Premio en tu blog.

STAR WARS Especial de Navidad (USA, 1978)

2008-12-31T19:29:00.029+01:00

Título Original: The Star Wars Holiday Special. Director: Steve Binder Intérpretes: Mark Hamill (Luke Skywalker), Harrison Ford (Han Solo), Carrie Fisher (Princesa Leia Organa), Anthony Daniels (C-3 Po), Peter Mayhew (Chewbacca), James Earl Jones (Darth Vader voz), Beatrice Arthur (Ackmena), Art Carney (Saundan), Alec Guinness (Obi-Wan Kenobi), Harvey Korman (Krelman), Mickey Morton (Malla), Paul Gale (Itchy), Patty Maloney (Lumpy).

Síntomas: En el planeta Kashyyyk los wookiees se disponían a festejar el día de la vida (algo así como la Navidad Wookie), una celebración muy especial en toda la galaxia. La familia de Chewbacca esperaba con impaciencia que regresara...
Dos destructores imperiales han entablado una feroz persecución contra el Halcón Milenario. Dentro, el capitán Han Solo y su fiel copiloto sudan la gota gorda para poder escaparse. De vuelta en Kashyyyk, la familia Chewbacca prepara ese día tan especial sin sospechar de los peligros que se aproximan, para acabar con ellos y con todos aquellos que les rodean. Y es que tienen en Darth Vader a su Mr. Scrooge particular...

Diagnóstico: Corría el año 1978, sólo se había sacado a la luz el primer episodio de esta multimillonaria saga (que después resultó que no, que no era el primero, sino que era el cuarto pero que George Lucas se había equivocado y había empezado la historia por la mitad, como si fuera un mal chiste). Dos años antes que El Imperio Contraataca se estrenara, antes que El Retorno del Jedi diera las primeras muestras de ñoñería en esta saga, George Lucas ideó este engendro navideño que avergonzó a propios y extraños y que intentó ocultar desde el primer momento que salió a la luz.

Como estamos en esta bonita época donde todo es paz y felicidad (sic) era de justicia que se publicara aquí algún símbolo de la estulticia navideña. Y aquí lo tienen ustedes.

Mama Chewbacca preparando la cena

(sabemos que es la mujer porque lleva el delantar, lo que no se le ocurra al tío Lucas)

De entrada avisar que a mí no me sorprendió en absoluto este aborto de episodio de la saga (si va después de "La Guerra de las Galaxias" sería en realidad un V episodio apócrifo, ¿no?). George Lucas siempre me ha parecido un habilisimo prestidigitador que ha sabido vender como nadie autentico humo, plagiando títulos tan notables como "La Fortaleza Escondida" del gran maestro Akira Kurosawa y llegando a extremos de vacuidad alarmantes en la cuarta entrega (en realidad episodio I) de esta serie que sólo debería encontrar adeptos entre las mentalidades más infantiles. Su campaña para exprimir esta saga (lo único que ha sabido hacer), reponiendo una y otra vez las mismas pelis con retoques digitales merecería ya de por sí un hueco en este blog de locos. Pero más de locos es el que la gente haya seguido picando, hipnotizada por cierto misticismo de bolsi-libro, dejándose el dinero de sus bolsillos en nuevas ediciones y re-ediciones de lo ya anteriormente visto. Ver, sí, para creer.

Este episodio fue transmitido completo en los Estados Unidos sólo una vez el viernes 17 de noviembre de 1978 por la Cadena de TV CBS de 8:00 p.m. a 10:00 p.m. El horror que sintió hasta el mismísimo George Lucas al observar el engendro que había producido fue tal que retiró todas las copias y prohibió, de por vida, que fuera emitido nunca más por ninguna cadena del mundo.

Claro que, poco podía sospechar el tipo, que unos años después, una cosa llamada Internet iba a echar por tierra este intento de anonimato...

Después de este desastre, la cantina galáctica fue clausurada y sus escombros reducidos a cenizas

La historia es de una mediocridad sorprendente incluso para su autor, de una sensiblería nauseabunda, con números musicales que paradójicamente (al tratarse de una película de Sci-fi) nacieron viejos. Y es que ¿a quien se le ocurrió la idea de que la trama central la llevara una familia de wookies? Lo único que logramos es que la mayoría del metraje esté compuesto por gruñidos estridentes que se nos hacen insoportables a los 15 minutos. Vale que un wookie hace gracia, pero probad a ver una escena con tres hablando a la vez. Todo resultaría divertido si no fuera por lo triste que en realidad es, ya que auténticos iconos cinematográficos como Chewbacca, Han Sólo, la Princesa Leia o C-3 PO son convertidos aquí en auténticos esperpentos que intentan guardar la diginidad en una trama imposible.
Y es que el elenco original de Star wars pulula por la cinta de vez en cuando todavía omnubilados por el éxito sin precedentes que había supuesto Star Wars y ajenos a la decadencia que iban a sufrir la mayoría de ellos al cerrarse la primera trilogía. Únicamente Harrison Ford pudo escapar de esta maldición gracias a que un tipo llamado Indiana Jones se cruzaría en su camino años después.

Chewbacca disfrazado de menstruación es consolado por el resto del reparto

En fin, todo muy triste. Ya no me alargo más. Mejor que veáis una muestra de este accidente abajo, en el vídeo y que, si os quedan más ganas, la veáis entera. Advierto que son además dos horas. Manda huevos.

No puede perdérsela: El friki amante de George Lucas (y que la Fuerza os acompañe; la váis a necesitar.)
Abstenerse: Todos los demás. Es una seria advertencia.

Trailer del especial

E-link: STAR WARS - HOLIDAY SPECIAL (1978) (Subtitulado Español por Tutankhamon) [VHSRip-Mp3-Divx5.2.1].avi . Versión original con Subtítulos en castellano.

Cómo comprarla: Lo de comprarla está dificil, al menos en esta Galaxia. La pelicula está censurada por George Lucas y con las ediciones que ha hecho de todos sus títulos, ya la hubiera sacado si hubiera pretendido que esto lo viera alguien.

LA BESTIA DE 1.000.000 DE OJOS (USA, 1955)

2008-12-09T19:10:00.029+01:00

Título Original: The Beast with a Million Eyes. Director: David Kramarsky & Lou Place. Intérpretes: Paul Birch (Allan Kelley), Lorna Thayer (Carol Kelley), Dona Cole (Sandra Kelley), Leonard Tarver (Carl), Dick Sargent (Shériff Larry Brewster), Chester Conklin (Ben Webber), Bruce Whitmore (Voz Alien).
Síntomas: Un extraterrestre viene a La Tierra decidido a conquistarla. Para ello dominará las mentes, primero de los animales y luego de aquellos humanos más débiles mentalmente hablando. Como estas cosas llevan su tiempo, decide iniciar la invasión por un paraje semi desértico donde viven una familia de granjeros y un viejo con su vaca. Por algo se empieza.

Diagnóstico: El fin de la 2ª Guerra Mundial y, sobre todo, el inicio de la Guerra Fría entre estadounidenses y soviéticos supone un antes y un después en la evolución del cine Fantástico. A partir de estos años el cine de terror, propiamente dicho, perdería su hegemonía en beneficio de una rama que hasta entonces no había tenido un tratamiento importante en el cine: La Ciencia-Ficción. Durante los años 50 la amenaza de una guerra atómica, las pruebas nucleares, una hipotética invasión de los rusos, etc, quitaban el sueño al ciudadano medio estadounidense (véase a este respecto la reseña en este blog acerca de "La Hora Incógnita"). Una de las maneras más efectivas de advertir a la población y mantenerla siempre alerta era mediante metafóricas invasiones extraterrestres. Como muestra títulos tan emblemáticos como : "Invasores de Marte", "La Guerra de los Mundos" o la todavía aterradora "La Invasión de los ladrones de cuerpos".

El título que hoy ocupa este espacio entraría de lleno en esta corriente de amenazas alienigenas aunque desgraciadamente no llegue ni de lejos al nivel de estos títulos antes mencionados. Una película que parte de una premisa por lo menos original y que va más allá de la simple invasión de monstruitos. Aquí el alien en cuestión se vale para sus fines de los animales, los cuales se vuelven paulatinamente agresivos contra los humanos. Empiezan los pájaros (en un claro precedente al film de Alfred Hitchcock y poco a poco afecta a animales de mayor tamaño. Por si fuera poco, una familia con serios problemas de convivencia tendrá que dejar sus diferencias para unirse contra el nuevo ente que les amenaza. De esta manera un peligro universal encuentra su reflejo en el seno de un núcleo mucho más reducido, la familia, y gracias a esta amenaza externa, los integrantes de este núcleo básico en la organización de la sociedad humana, solucionarán su crisis, antecediendo de este mopdo en varias décadas a los films fantásticos de M. Night Shyamalan como "Señales" o la interesante aunque no bien rematada "El Incidente".
Pero ahí acaban las similitudes. Donde en los films de Shyamalan la tensión se hace palpable y logra contagiar al espectador que se ve identificado en el terror que sufren los protagonistas, en "La Bestia de 1.000.000 de ojos" todo es bastante risible y se mueve dentro de unos parámetros bastante lamentables tratándose de una de las peores producciones del gran Roger Corman. De hecho, lo primero que hizo Corman es vender una promo a los distribuidores y una vez que se aseguró la distribución se pudo manos a la obra para producirla. No sabe nada el viejo zorro.

Escenas como la del ataque del "furioso" perro de la familia no pueden si no provocarnos la carcajada más sonora cuando vemos al pobre animal intentando entrar a la casa de la manera más dócil del mundo mientras su dueña corre y grita desbocada como si la persiguiera una jauría de dobermans hambrientos. Y lo mismo decir del ataque de las gallinas o el de la pobre vaca a la que debieron de darle una pasada de cintarazos en el lomo para conseguir que se moviera con un poquito de velocidad. Delirante.

Y es que la pobreza de medios se hace patente a lo largo de todo el film. Un claro ejemplo se encuentra en la transición entre escenas de interior y las del exterior. Cuando los personajes de la granja entran a casa a través de la puerta vemos claramente que se rueda en unos estudios y que fuera no está ese desierto donde se supone se encuentra ubicada la granja. De igual modo, las ventanas de la casa están herméticamente cerradas durante todo el metraje incluso tratándose del pleno día. Y es que parece que ni siquiera había presupuesto para unos telones pintados que simularan el desierto al fondo y que, tratándose de una película en blanco y negro hubieran bastado para dar esa sensación de continuidad.
En cuanto al reparto, siendo condescendientes y pillándonos de buen humor, no podríamos tildar más que de discreto. El padre de familia está interpretado por Paul Birch, un actor de mandíbula cuadrada como él solo y al que reconocemos como característico en multitud de Westerns de serie B. La madre es Lorna Thayer, una eficiente actriz que aquí realiza su peor interpretación y a la que hemos visto en films mucho más afortunados como "La Amenaza de Andrómeda" o "Mi vida es mi vida". Pero si podemos recordar a alguien del reparto es a Dick Sargent que aquí debuta en su papel de joven Sheriff y que se haría mundialmente popular interpretando al marido de Samantha en la serie "Embrujada".
La fábula final, por supuesto, cuenta como la unidad familiar hace añicos los planes del malvado extraterrestre, incapaz de afectar las mentes de aquellos que se sienten unidos mediante el amor: La Familia unida jamás será vencida.

Todo esto podría hacer que la película nos resultara simpática y hasta divertida si no es por la innecesaria secuencia final donde por fin, aparece el extraterrestre de marras en un duelo mental entre él y nuestros protagonistas. La "Bestia" ha entrado con todo merecimiento en la pequeña historia de la infamia del cine de Sci-fi como una de sus creaciones más ridículas: una pequeña marioneta alienigena de hule que parece un mono chamuscado y que fue creado por Paul Blaisdell, responsable de los efectos especiales de otras producciones fantásticas como "It Conquered the World" o "Teenagers from Outer Space".

El caso es que hasta la más pequeña invasión alienígena necesita un mínimo presupuesto y talento para que esta llegue a su fin. Si no acabará como esta: con un puñado de gorriones estampándose en el parabrisas del coche.

No puede perdérsela: El completista de pelis con ataques extraterrestres por medio .

Abstenerse: Como casi todas las que pongo, el que no venga cargado de sentido del humor y buenas intenciones.

El ataque de la Vaca loca (atentos a cómo tiran de la cuerda para que la vaca se mueva)

E-Link: The Beast With A Million Eyes (1956) SATRip XviD.avi (V.O con subtítulos en castellano.)
Cómo comprarla: De importación y junto a otra "maravilla" como Phantom from 10,000 Leagues. The Beast with a Million Eyes .

THE CREEPING TERROR (USA, 1964)

2008-10-24T23:02:00.021+02:00

Director: Vic Savage. Intérpretes: Vic Savage (Martin Gordon), Shannon O'Neil (Brett Gordon), William Thourlby (Dr. Bradfort), John Caresio (Coronel Caldwell), Brendon Boone (Barney), Byrd Holland (Shériff), Jack King (Brown), Pierre Kopp (Bobby).

Síntomas: De regreso de su luna de miel, Martin recibe una llamada de su tío, Shériff de una pequeña localidad de California, informándole que un avión se ha estrellado en los límites del pueblo. Martin, ayudante del Shériff, se dirige con su esposa Brett al lugar dónde hipotéticamente se ha estrellado dicho avión. Pronto comprobarán que lo que ha aterrizado es un objeto mucho más letal que contiene unas criaturas con muy malas pulgas.

Diagnóstico: El que se acerca a este título sin saber nada de él pensará a medida que avanzan los créditos del inicio, que se encuentra ante uno de esos deliciosos títulos de ciencia-ficción que proliferaron tanto durante los años 50 y 60 en la filmografía norteamericana. Estos puede que tuvieran unos argumentos ingenuos, unos efectos especiales limitados, pero destilaban un encanto al que pocos se pueden resistir. Obras como "El Enigma... de otro mundo", "Ultimatum a LaTierra" (de próximo remake con Keanu Reeves), "La Guerra de los mundos" o "Invasores de Marte" son perfectos ejemplos de todo este entrañable subgénero: el de las invasiones extraterrestres.

Bien, esa ilusión terminará justamente cuando finalicen esos créditos y veamos con estupor la cantidad de despropósitos que un grupo de personas puede ofrecer por cada minuto de metraje. Aquellos sesudos críticos que todavía afirmen que "Plan 9 from outer Space" del finado Ed Wood es, a día de hoy, la peor película jamás realizada una de dos: o le tienen especial tiña al mediocre director biografiado por Tim Burton o no han visto el titulo que hoy nos ocupa. Y es que mi ya de por sí limitado verbo, no encuentra calificativos para describir semejante engendro que podría aspirar seriamente al título de peor bazofia rodada jamás en celuloide.

Comienza la película viendo aterrizar un O.V.N.I que no es sino la grabación rebobinada del despegue de un cohete. Para colmo, luego vemos que el objeto, una vez en tierra no se parece en nada a dicho cohete, sino que es un objeto metálico de forma difusa, que se encuentra semi oculto entre la maleza. De dicho objeto sale una criatura que no tiene nombre. Digamos que es una especie de gusano con muelles en la cabeza, formado por una manta y un saco al estilo de los dragones chinos. Esta criatura se mueve con tal dificultad (los tíos que estaban dentro tuvieron que pasarlas canutas en el rodaje) que las víctimas, claro, no les queda otra que esperarlo en el suelo, gritando paralizados para, a continuación lanzarse de cabeza a una abertura que tiene como boca. El rugido del monstruo es una mezcla de león con balido de elefante aunque curiosamente, mientras traga a sus victimas, el sonido es más parecido a alguien regurgitando comida, como si le dieran arcadas.

El interior de la nave parece más bien la habitación de un radio aficionado y en él hallan a otra de las criaturas aunque esta convenientemente atada no se sabe muy bien por qué. Un científico se introduce intentando sin éxito comunicarse con ellos. Resulta extraño no poder encontrar una manera de dialogar con la bestia habida cuenta que en la mayoría de los aparatos que se encuentran en la nave se observa con claridad que utilizan números arábigos.

En cuanto a los actores, decir que estos son ho-rro-ro-sos, empezando por el propio director que además interpreta a Martin y que en el momento en que su tío el shériff es atacado por uno de los monstruos reacciona igual que si alguien le hubiera pedido un pitillo. A todo esto, una voz en off va narrando todo lo que está sucediendo, incluyendo los diálogos. Sí. Apenas existen estos. Todo está, como digo, contado por un narrador impersonal que confiere al producto incluso un aire a película experimental sueca en algún que otro momento del film.

Para muestra paso a describir la escena más psicotrónica de la historia: A mitad de peli, y sin que venga a cuento, Martin se lleva a su ayudante Barney a casa donde Brett, su flamante mujercita está preparando la cena en la cocina. El narrador nos descubre que Barney guarda rencor a Brett porque piensa que le ha robado a su mejor amigo ya que ahora no pueden salir de marcha tan menudo; un dramon, vamos. Entonces, mientras Brett y Martin se ponen a magrearse junto al pobre Barney, la voz en off nos cuenta: "Este tipo de cambios entre amigos ocurren siempre en estos casos. La vida hace a los jóvenes madurar, y con el matrimonio a Martin le llegó su turno, su vida ahora era Brett, y Martin disfrutaba esa vida." Sin duda, un paréntesis trascendental que ayuda a descargar tanta tensión por el monstruo.

La película tiene algún que otro detalle sangriento (una pena que sea en blanco y negro) y se recrea en ciertas escenas coyuntulares de la época como esa larguísima escena de guateque donde aparece el monstruo con ganas de regurgitar a toda muchacha que tenga bonitas piernas y esté dispuesta a quedarse quieta mientras la oruga gigante se desplaza a un metro por hora. En fin... No merece la pena seguir describiendo más horrores.

"The creeping terror", con muy buen criterio, no llegó a estrenarse en salas nunca; su visionado podría haber provocado un motín. Sí que fue, sin embargo, emitida por una cadena USA en horario intempestivo allá por los años 70 y así se supo de la existencia de este engendro.

Para justificar tales despropósitos, los responsables de la película contaron que en realidad la producción tenía preparado un monstruo terrorífico de verdad pero la noche antes del rodaje unos desaprensivos lo robaron del estudio. Igualmente, contaron que las pistas de sonido cayeron al agua en un accidente fortuito y, ante la incapacidad de reunir de nuevo a todo el elenco (estarían saturados de otros proyectos cinematográficos) se vieron obligados a esa surrealista voz en off durante todo el metraje. Excusas baratas. Ya puestos tendrían que haber continuado con las excusas: decir, por ejemplo, que secuestraron al reparto original y tuvieron que rodar con sus familiares y vecinos, que el fotómetro se les olvidó en casa y que el cartel original se quemó mientras preparaban una barbacoa y tuvo que improvisarlo el hijo de 5 años del director. Sólo así podría justificarse uno de los mayores engendros de la historia del cine.

No puede perdérsela: ¡Uf! ¿Y a quién le recomiendo yo esto?

Abstenerse: Que narices, os jorobáis como yo y la veis todos.

El ataque del felpudo maldito

IMDB: Ficha de la película.
E-link: The Creeping Terror (The Crawling Monster) - Subtitulos En Español - Cutrefilms 012.avi.

LA HORA INCÓGNITA (España, 1963)

2008-09-18T13:48:00.022+02:00

Director: Mariano Ozores. Intérpretes: Emma Penella (Prostituta), José Luis Ozores (Borracho), Antonio Ozores (Ladrón), Mabel Karr (Ana), Carlos Ballesteros (Amante de Ana), Enrique Vilches (Señor del gato), Mercedes Muñoz Sampedro (Sofía), Mari Carmen Prendes (Remedios), Elisa Montés (Chica Almacenes), Rafael Arcos (Director almacenes), Carlos Estrada (Fugitivo), Luis Prendes (Policía), Fernando Rey (Sacerdote), Julia Martínez (María), Jesús Puente (Marido de María).

Síntomas: En una ciudad española de provincias, una bomba nuclear va a estallar en menos de dos horas. La población es evacuada, a excepción de trece personas que por distintos motivos se ven obligados a permanecer y que tendrán que aunar fuerzas para intentar sobrevivir al fatal desenlace.

Diagnóstico: Pues ya iba siendo hora que apareciera aquí una película española y no precisamente en el apartado de cine cutre. Lo que hace merecedora a esta película de tener su rinconcito aquí es su argumento, realmente inédito en toda la filmografía española. Recordemos que eran los años más duros de la Guerra Fría. La amenaza atómica flotaba sobre la población con más fuerza que nunca. El año anterior, sin ir más lejos, había acontecido la crisis de los misiles de Cuba. Para quien no sepa de qué iba la cosa recomiendo ESTE film que lo explica muy clarito. España, a pesar de su aislamiento, no era insensible a este peligro y de ahí surgió esta atípica película que recoge el título de un film similar dirigido por Stanley Kramer y protagonizado por Gregory Peck, "La Hora Final", también acerca de un holocausto nuclear.
Pero lo que más sorprende del título que nos ocupa es su director, Mariano Ozores. Su sólo nombre ya nos transporta a un tipo de comedia carpetovetónica, de humor simplón (para fontaneros lo calificó una vez Pilar Miró), dirección plana y presupuestos ínfimos.

“La Hora incógnita” nos lo muestra aquí como un director técnicamente dotado y con algunas ideas de puesta en escena más que interesantes. Así, esa imagen del borracho (magistralmente interpretado por José Luís Ozores) surgiendo de debajo de la tierra mientras, al fondo, los últimos camiones militares abandonan la ciudad ya desierta, o ese encadenado del panel de luces de un ascensor con los intermitentes de una automóvil averiado denotan todavía el interés por un uso creativo de las imágenes. Una creatividad que desgraciadamente estaría ausente en el 99% de la filmografía de este director.
Con ello no quiero decir que la película sea una obra maestra, ni mucho menos. De hecho, uno se queda pensando que hubiera sido de este argumento en manos más capacitadas como Fernán-Gómez, Marco Ferreri o el gran Edgard Neville, mayormente porque ellos eran mejor guionistas que Ozores. Y es que el guión adolece de unos diálogos en muchas ocasiones demasiado acartonados, inverosímiles. Los motivos de algunos personajes para permanecer en la ciudad a pesar del desalojo son a veces bastante risibles (la familia que se negaba a abandonar su casita que con tanto esfuerzo les había costado hacerse, el anciano que se queda buscando su gato…), por no hablar de esa moralina religiosa que obliga en un momento determinado a todos a arrodillarse en una iglesia y rezar. Por si el mensaje de la película no quedara claro, Ozores (cuya sutilidad nunca ha sido su fuerte) realza el discurso en boca de algunos de sus protagonistas: “Si todavía queda algo noble en nosotros, esto será un aviso, una llamada a la cordura a tanta experiencia peligrosa…” dice el personaje interpretado por Fernando Rey, sacerdote, para más inri.

Pero estos puntos débiles no deben ensombrecer los aciertos (que los tiene) de esta singular pieza. Los momentos brillantes también se suceden en la película, como el instante en que los personajes, ya reunidos, descubren las habilidades que pueden poner al servicio de una posible solución para salvar sus vidas, o cuando tienen que decidir quiénes de ellos son los más adecuados para montar la única motocicleta con gasolina que queda en la ciudad.

El reparto, por otro lado es más que competente. De todos ellos, como ya he señalado, destaca un impresionante José Luís Ozores (de lejos el talento más grande de esta familia) que sabe dotar a su personaje del suficiente patetismo como para superar unos diálogos mediocres y evitar la mera caricatura. Resulta curioso, sin embargo, ver a su hermano Antonio fracasar en su empeño, dotando a su personaje de un tonillo cómico fuera de lugar en esta obra y que a todas luces nos hace sospechar que no lo hace como contrapunto a toda la tensión de la trama si no porque no tiene más que un registro, a la postre el que le hemos conocido toda la vida.

En definitiva, una obra que por su singularidad dentro de la raquítica filmografía española de los años del tardo-franquismo merece muy mucho su visionado. Producida por la familia Ozores, obtuvo buenas críticas, incluso ganó algunos premios del sindicato, pero hundió a la productora ante el estrepitoso fracaso comercial de la película. Eso sin duda, debió influir en el devenir posterior de la carrera de Mariano. Quince años después rodaría “Los Bingueros”, película que reventó taquillas, convirtiéndose en la más comercial del año. País este de locos, ¿no?

No puede perdérsela: El amante del cine de catástrofes.

Abstenerse: Al que sólo le guste la vena cateta de los Ozores.

¿Quién despacha?

IMDB: Ficha de la película. Cómo verla: De momento sólo vía Emule (Eso sí, el resto de la filmo de Ozores está disponible en DVD). E-link: La Hora Incognita (1963,Mariano Ozores)(Castellano) (Spanish) Dvd-Rip Xvid-Mp3 (By Gcc Centralclasico).avi

LE POMPIER DES FOLIES BERGÈRES (Francia, 1928)

2008-08-31T18:41:00.031+02:00

Director: Anónimo. Síntomas: Un bombero sale de ver una espectáculo en el Folies Bergères de París. Todavía emocionado por lo que acaba de contemplar entra en una taberna y allí comienza a emborracharse. De repente se percata de que todas las mujeres a su alrededor ¡están desnudas!

Diagnóstico: Bueno, pues para acompañar estas últimas noches de sofoco estival, nada mejor que este enigmático cortometraje rodado en las postrimerias del cine mudo en Francia. Enigmático porque se desconoce su procedencia y si hemos podido disfrutarlo ha sido gracias a que la Cinemateca Francesa lo ha podido rescatar del olvido junto a otros cortos similares.

No se trata de ninguna película pornográfica de aquellas que nuestros bisabuelos conseguían ver de extraperlo y que, por lo general, no tenían ningún otro valor más allá del antropológico. Nada de eso. Le Pompier Des Folies Bergères es un caso extraño por que está rodado con generosos medios para tratarse de un cortometraje mudo y además muestra algunos apuntes cinematográficos más que interesantes, como el momento en que nuestro protagonista se encuentra bebiendo como un cosaco en la taberna y comienza a ver deformadas las caras de los presentes. Presa de la confusión vuelca sin querer su copa de licor y del charco producido en la mesa comienzan a salir diminutas coristas completamente desnudas que le dedican un numero musical. Delirante.

Pero si hay que destacar algo en especial de este film es la aparición estelar de la gran Josephine Baker (la principal atracción de entonces en el Folies Bergères) en una de sus primeras apariciones cinematográficas . La Baker, por cierto, es la única mujer de la película que no aparece completamente desnuda (cosas del estrellato, claro) y protagoniza una surrealista escena en el metro de París.

Como digo, un film-enigma ya que hoy día los historiadores no se ponen de acuerdo acerca del origen de esta pequeña maravilla aunque lo mas probable es que se tratara de un cortometraje realizado para promocionar la revista del Folies Bergères que llevaba por título "Vents de Folies". Muy divertido y verdaderamente picante cortometraje de apenas 7 minutos de duración que nos da, una vez más, una lección : hoy día sería todo un escándalo que un cortometraje así se estrenara comercialmente. Lo cual demuestra que, contrariamente a lo que piensa la mayoría, somos actualmente mucho más esclavos de lo "políticamente correcto" de lo que eran nuestros antepasados más directos. Que ustedes lo disfruten.

Enlace Emule: Le Pompier Des Folies Bergères (Un Bombero Ardiente 1928) Dvdrip Nd2.avi
Subtítulos: (tampoco es que hagan mucha falta): Le Pompier Des Folies Bergères (Un Bombero Ardiente 1928) Dvdrip Nd2.srt
Por si alguien no puede esperar a verla, aquí os dejo el cortometraje que, como digo, dura apenas 7 minutos:

LE POMPIER DES FOLIES BERGÈRES

EL PLANETA DE LAS MUJERES INVASORAS (México, 1966)

2008-08-13T20:41:00.021+02:00

Director: Alfredo B. Crevenna. Intérpretes: Lorena Velázquez (Adastrea/ Alburnia), Elizabeth Campbell (Martesia), Maura Monti (Elitrea), Guillermo Murray (Daniel Wolf), Adriana Roel (Silvia), Rogelio Guerra (Marcos Godoy), José Ángel Espinosa 'Ferrusquilla' (Rey Taquito), Raúl Ramírez (Tono), Ethel Carrillo (Desinea), Graciela Doring (Mujer secuestrada), Guillermo Álvarez Bianchi (Hombre gordo secuestrado), José Chávez (Beto), Enrique Ramírez (Ramón).

Síntomas: Procedentes de un planeta habitado sólo por mujeres guerreras, aterriza en México una nave espacial con un grupo de sexys alienígenas. Su objetivo: capturar algunos especimenes humanos para hacer pruebas con ellos y hallar la manera de fabricar un filtro para sus sistemas respiratorios, y soportar el aire de la atmósfera terrestre, y así preparar una invasión en toda regla.

Diagnóstico: Aunque el gran público lo desconozca, la cinematografía fantástica mejicana da para mucho. Para bien o para mal. Realizadores incansables de cine "zetoso" (ahí están como ejemplos más populares las sagas de Santos el enmascarado de plata o de Blue Demon) su vasta producción ha dado también auténticas joyas del cine fantástico ("Macario", "Hasta el viento tiene miedo", "Alucarda", etc...) que no tendrían que envidiar al ahora tan de moda cine de terror japonés.
La película que hoy nos ocupa está descaradamente más cercana a esa tradición casposa que a sus grandes obras. De hecho, pocas películas de las que he puesto en mi blog hasta ahora, podrían recibir tan justamente el calificativo de "psicotrónica" como lo tiene esta.
Y es que hay de todo: malos actores, efectos especiales ridículos, un par de pobres decorados y sobre todo un guión que parece escrito por un niño de ocho años, con más agujeros negros que el universo por donde trascurre parte de la acción.
Pero hay algo que, en mi opinón, hace esta cinta irresistiblemente simpática: y es que ella misma, lejos de querer mostrarnos un tono grandilocuente y afectado, no se toma en serio. Muestra sin pudor alguno (es más sin complejo, diría yo) sus pobrísimos recursos, su inocente guión, los cuatro chavos gastados en la broma.

Ríete tú de Terra Mítica.

Os destripo el argumento que, como digo, no tiene desperdicio. En primer lugar vemos a un par de bellas extraterrestres (advierto que todas ellas están bastante potables) llegar a la Tierra. Su misión es la de secuestrar a varios terrícolas y llevárselos a su planeta. ¿Qué estrategia emplean? ¿Rayos paralizantes? ¿Hipnotismo? Nada de eso. A las chicas no se les ocurre otra que llegar a un parque de atracciones y hacer pasar su platillo volante como atracción de feria para que, cuando los primeros incautos compren su entrada, en realidad lo que estén haciendo sea pagarse su pasaje a Sibila, nombrecito del planeta en cuestión. No me negaréis que la idea es sencillamente genial. ¿Cómo no se les ocurrió a los torpes extraterrestres de "La Guerra de los mundos"?La de parafernalia rayos destructores, etc... que se hubieran ahorrado.
Pero es que el grupo que sube a la atracción no tiene tampoco desperdicio: un boxeador fullero y su novia (estos serán los protas), los gansters que persiguen al boxeador, una familia (compuesta de madre, padre y niño) y un señor gordo que parece el doble de Alfred Hichtcock.
Claro, cuando el platillo despega (en una de las mejores secuencias de la película) de entre las atracciones, todo el mundo se da cuenta de que eso era un OVNI de verdad y que ha abducido a unos pobres desgraciados.
Menos mal que el Dr. Wolf, científico eminente, está preparado para la emergencia. El doctor en cuestión debe tener diseminado por todo el espacio cámaras de video, ya que es capaz de seguir la trayectoria del platillo por toda la galaxia hasta llegar a su destino, que además conoce al dedillo ya que exclama en seguida: “¡Han aterrizado en Sibila, el planeta brillante! Vamos a preparar el cohete”. Sí, es que tiene listo un cohete para este tipo de emergencias: incendios forestales, desastres ecológicos, secuestro de humanos por parte de extraterrestres... Y claro, ¿quien se dirige a un planeta hostil al rescate de esas personas? ¿el ejército? ¿un grupo de asalto especialmente entrenado?
Que va. Se marchan el buen doctor en cuestión ¡y el manager del boxeador! Una especie de "chapulín colorado" o Cantinflas de tercera regional que pone las notas humorísticas al relato. Como habréis observado a estas alturas, la lógica es aplastante.
Pero volvamos al primer grupo que para entonces ya ha llegado a su destino. Este, es un árido planeta donde siempre es de día y cuyas radiaciones solares te pueden dejar ciego en un instante. Pero no hay problema porque las sibilas tienen preparadas unas especie de viseras de plástico que parecen la parte delantera de un casco de motorista cutre y que reparten a los abducidos para protegerles de las letales radiaciones.

Hay que ver, que mal aparcan estas mujeres...

El Planeta está presidido por Adastrea, una pérfida reina, que tiene una hermana gemela buena. Esa será la que les ayudará. Una vez hechas las presentaciones, nos enteramos por fín, de los propósitos de esas bellas (y escasas, todo hay que decirlo) extraterrestres. Secuestrar a unos humanos para extirparles los pulmones y preparar un sistema respiratorio que les permita campar a sus anchas por el planeta Tierra (no se sabé muy bien porqué). Pero descubrirán, después de destripar a un par de los desdichados terrícolas, que los pulmones adultos están muy cascados y que, en realidad, lo que necesitan son pulmones de niños.
Así que planearán una "pre-invasión" para secuestrar a los niños terrestres en plan "flautista de Hamelin" y llevárselos a Sibila.
Bueno, y así podría seguir contando todos los delirios de la película pero es mejor que lo hagáis por vosotros mismos.
Así os encontraréis frase tan antológicas, como la del doctor Wolf: "Estas mujeres no tienen alma", y la réplica del Chapulín, "¡como todas! ¿A poco las mujeres tienen alma?". O veréis como el jefe de los mafiosos se alía con la malvada Reina ofreciéndole ¡su chalé como base de operaciones en La Tierra! ya que está “repleto de comodidades y les será muy útil cuando viajen a La Tierra”. Un jefe de los mafiosos que, por cierto, tiene la especial manía de estár golpeándose la nariz con todas las puertas que se encuentra, a veces incluso en segundo plano, mientras sucede la acción principal. Delirante, jajajaja...

Les enseñaré el único decorado del planeta...

La dirección es discretísima, con una cámara que a veces no sabe donde enfocar ante tanta acción simultánea, optando por hacer un plano general y así que cada uno vea lo que le dé la gana. Los saltos de eje son continuos, lo cual hace que llegues a paerderte en ese palacio compuesto por un único decorado: un pasillo con una puerta a cada lado.
De los efectos especiales ¿para que hablar? Como muestra sólo hay que fijarse en la manera de aterrizar los platillos o el propio cohete del doctor. Lejos de utilizar cualquier atisbo de tren de aterrizaje o chorro propulsor, o yo que sé, estas naves topan con el suelo cual toritos bravos. Especial mención al segundo platillo que llega a la Tierra (el que tiene que llevarse a los niños) que "aparca" (es un decir) entre plantas de jardín que quieren hacernos pasar por un frondoso bosque. ¡Joer, que hacer unos arbolitos en miniatura tampoco cuesta tanto!
Entre los intérpretes destacar, por supuesto, a la bella Lorena Velásquez y sus kilométricas piernas, toda una diva del cine fantástico mexicano, aquí en su doble papel de hermana buena/hermana mala, que claro, para algo en lo que nos hemos gastado el dinero, mejor aprovecharlo el doble.

Tú a Boston y yo a California

Y añadiré poco más de esta "space opera" mexicana que entronca directamente con otras películas del estilo, especialmente "Cat-women of the Moon" también comentada en este blog. Todas ellas aluden a una recurrente fantasía masculina tan antigua como la propia humanidad: una civilización compuesta sólo de mujeres (si están buenorras mejor). Recordemos, por citar sólo un par de ejemplos clásicos: la isla sólo habitada por mujeres de Limnnos que vivieron Jasón y sus Argonautas; o la epopeya de Parsifal en su busca del santo Grial que le dirije al castillo de Klingsor, donde un harén de bellísimas mujeres esperaban a los caballeros para retenerlos eternamente con sus placeres... (imposible no venirme a la cabeza la divertidísma parodia de los Monty Python en "Los caballeros de la Mesa Cuadrada"). El cine está plagado de muchísimos más ejemplos: amazonas, mujeres vikingo, tribus trogloditas, etc...
Esta que hoy nos ocupa debe ser tomada por una de sus más pobres versiones y, a la vez, una de las más divertidas.
No puede perdérsela: El amante de lo "camp".
Abstenerse: El que busque credibilidad en un guión. Aquí no lo encontrará ni debajo de la alfombra.

Dejad que los niños se acerquen a nosotras

IMDB: Ficha de la película

Como verla: Como no sea vía emule, no se me ocurre otra...

E-link: El planeta de las mujeres invasoras.avi

THE CALL OF CTHULHU (USA, 2005)

2008-07-20T12:36:00.037+02:00

Director: Andrew Leman. Intérpretes: Ramón Allen Jr. (Louis), Leslie Baldwin (Greta Johansen), Daryl Ball (Oficiar Cassidy), John Bolen (El oyente), Aidan Branney (Chico del pantano), Sean Branney (Hombre del Pub), Andra Carlson (Enfermera).
Síntomas: El legado de un profesor, fallecido misteriosamente, llevará a su nieto a iniciar una complicada investigación que pondrá al descubierto la terrorífica existencia de una milenaria raza de criaturas que esperan en letargo el día de su advenimiento.

Diagnóstico: Howard Phillips Lovecraft forma junto a Stephen King y Edgar Allan Poe, el trinomio más popular (y por tanto con más adeptos) de la literatura fantástica y de terror. Stephen King cuenta con numerosísimas adaptaciones cinematográficas y autores tan reputados como Kubrick, Brian De Palma, Carpenter o Darabont han llevado algunas de sus novelas a la gran pantalla. Poe por su parte, debe especialmente a Roger Corman sus mejores adaptaciones al cine, todas ellas interpretadas por actores del carisma de Vincent Price, Peter Lorre, Karloff, Ray Milland, etc... Al pobre de H.P. Lovecraft era necesario hacerle justicia (cinematográfica) desde ya. Nacido en Providence (Rhode Island, USA) en 1890, este autor enseguida destacó por la especial atmósfera que supo dar a todas sus narraciones fantásticas y de terror. Precursor del llamado "Terror Cósmico", los relatos de Lovecraft han influido en multitud de autores posteriores (King a la cabeza). ¿Quién no ha oído a estas alturas mencionar lugares como Miskatonic o Arkham, o el famoso libro "Necronomicon"? Pues bien todos ellos no son sino fruto de la mente de este autor. Creador de un universo particular, todos los relatos que encierran el ciclo de Mitos de Cthulhu, tienen la cualidad de materializar nuestros miedos más profundos. "Los mitos de Cthulhu" son una serie de relatos basados en la creencia de que antes de que existiera la vida en la Tierra, nuestro planeta estaba dominado por unas criaturas sumamente poderosas e inmortales, los primigenios o primordiales. Éstos fueron desterrados de la Tierra y confinados a diferentes lugares, desde ciudades sumergidas a regiones del Polo, bosques inexplorados, otros planetas y otras dimensiones. Los primigenios siguen viviendo ocultos, aunque algunos han llegado a comunicarse con humanos. Esto ha dado lugar a las leyendas sobre dioses, demonios, espíritus... que se cuentan. Ahora los fantasmas y duendes que nos asustaban de niños se han transformados en estos dioses primigenios idolatrados por algunos pueblos, que esperan una pequeña puerta por donde colarse en nuestro mundo para establecer el caos y la destrucción. Aterrador.

Como bien digo, hasta la llegada de este mediometraje que ahora nos ocupa, el escritor apenas tenía alguna que otra adaptación digna. Precisamente el gran Roger Corman logró una gran obra en "El Palacio de los Espíritus", mezclando los universos de Poe y Lovecraft, y aunque se acerque al relato "El caso de Charles Dexter Ward", no se la puede considerar una adaptación propiamente dicha. De nuevo Roger Corman intentaría otra aproximación como productor, esta vez de forma más fiel en "Terror en Dunwich" con guión del oscarizado Curtis Hanson, que años después nos maravillaría con su "L.A. Confidencial". De ahí nos tenemos que desplazar a 1993 para encontrar una fiel y digna adaptación de relatos del escritor en "Necronomicon", que muestra tres historias presentadas por el mismísimo Lovecraft. Del resto poco, muy poco que destacar. A veces un mero pretexto argumental servía para vender la película como una adaptación del famoso escritor; en otras ocasiones, los resultados artísticos eran tan paupérrimos que no podían sino sonrojar al aficionado más fiel. Curiosamente, diversos juegos de Pc o de rol han logrado ser más fieles a la obra de Lovecraft y han contribuido más a su popularidad que sus adaptaciones cinematográficas.

Tuvo que ser un grupo de seguidores de la obra del escritor de Providence (la "HP Lovecraft Historical Society", fanáticos además del juego de Rol "Cthulhu Lives"), los que se lanzaron a abordar el proyecto de una adaptación fiel y "definitiva". Tras mucho cabilar, y conscientes de sus limitaciones técnicas y presupuestarias, este grupo llegó a la conclusión de que para traspasar fielmente esa terrorífica atmosfera al celuloide necesitaban respetar no sólo el contenido sino el "continente" de la obra de Lovecraft, es decir, contarla como si se encontraran en 1925, año en que escribió este relato. Por tanto la película, a pesar de ser rodada en 2005, se haría con la técnica de los años 20 y, por supuesto muda y en blanco y negro
Así la más fiel adaptación de un texto de Lovecraft es también un prodigio de ingenio y tesón, rodado en glorioso "Mythoscope", según rezaba el cartel promocional.
Emulando la apariencia y recursos del cine mudo de principios del siglo veinte, el director Andrew Leman consigue evocar el tono del autor tomando como referencia a los maestros del cine expresionista, con Murnau a la cabeza. Mención aparte merecen la brillantísima Banda Sonora, narradora circunstancial de la trama, así como las expresivas actuaciones de todos sus intérpretes. La vieja y deliciosa técnica del "Stop-motion" que popularizó el gran Harrihausen y que ya se usó en films como "El Mundo Perdido" (precisamente de 1925) se emplea aquí para dar vida al primigenio que aparece en la última parte del metraje.
Merece un reconocimiento especial la honestidad que estos seguidores mostraron al construir una obra que dura tan sólo 47 minutos, exactamente el tiempo preciso para narrar el relato sin añadir ni eliminar ningún dato, algo no muy habitual hoy día, acostumbrados como estamos a "estirar" un relato hasta el ridículo con tal de conseguir una duración más estandar y acorde con una comercialización del producto.

La obra está lejos de ser perfecta y la "ilusión" de film de los años 20 no siempre está lograda. Así el empleo, por ejemplo, de numerosos "fundidos" de las imágenes (un proceso muy costoso en los años 20 y que solía sustituirse simplemente por un corte de una escena a otra, salvo casos muy puntuales) delatan la "modernidad" de la obra. La "nitidez" de los movimientos, por otro lado, hacen sospechar que, por alguna razón, no se respetó la tasa de cuadros de la época (que estaba en torno a 15 ó 20 f.p.s), no logrando siempre el efecto antiguo que se buscaba. Estos hechos, sin embargo, no empañan en absoluto una obra que merece conocerse por su condición pelculiar en la reciente historia del cine fantástico moderno. Una experiencia sin duda diferente que hoy os propongo para las cortas noches estivales.
No puede perdérsela: Cualquier seguidor de la obra de H. P. Lovecraft.
Abstenerse: El que no vería una película "antigua" ni a tiros.

Trailer de "The Call of Cthulhu"

IMDB: Ficha de la película
Cómo verla: Puede conseguirse la película a través de su Página Oficial. En ella además se pueden lograr otras maravillas como el ídolo que aparece en el film, certificados de locura, camisetas de la Universidad de Miskatonic, etc... (Para aquellos que me conocen, que sepan que es una buena opción de regalo para mi cumple XD). Como casi siempre, también rula por la mula. E-link: La Llamada De Cthulhu (The Call Of Cthulhu (2005)(V O S Castellano)((C)Zartzako).avi

Descarga directa: La llamada del Cthulhu (cortesía de muxed).

SÜPERMEN DÖNÜYOR (Turquía, 1979)

2008-06-22T20:25:00.027+02:00

Director: Kunt Tulgar. Intérpretes: Tayfun Demir (Süpermen / Tayfun Kent), Güngör Bayrak, Esref Kolçak, Yildirim Gencer, Nejat Özbek, Reha Yurdakul, Seref Pekseker, Turgut Özatay, Kadir Kök.
Síntomas: Tayfun Kent descubre a través de los que creía sus padres, que en realidad es un ser rescatado de una galaxia lejana y que en contacto con la atmósfera terrestre adquiere múltiples superpoderes. Sólo tiene una debilidad y es su alergia a la kryptonita. Por eso una banda de malvados querrá hacerse con el mayor acopio posible de este mineral para así poder controlar al Superhombre.

Diagnóstico: Desde los años 50 y hasta finales de los 80, la filmografía turca se caracterizó por saquear argumentos e ideas de grandes éxitos internacionales (por lo general norteamericanos, claro) adecuándolos al gusto del país y con unos presupuestos paupérrimos. Así, películas como “El Mago de Oz”, “Star Treck”, “El Exorcista”, “El Jovencito Frankenstein”, “Drácula”, Star Wars”, “Conan, el bárbaro” y un largo etc, tienen su versión turca, generalmente todas ellas merecedoras de un rinconcito en este blog.

El Superman turco (la nariz es suya)

En 1978, por su parte, Richard Donner logró sorprender a todos con la versión que todos conocemos del que quizá sea el superhéroe más famoso de todos los tiempos. Los turcos no perdieron tiempo y se dispusieron a hacer su versión ¡subvencionada por el Ministerio de turismo de Turquía! Como curiosidad, decir que la titularon “Süpermen Dönüyor”, que significa en inglés “Superman Returns”, justo como ha sido titulada la última versión del personaje, dirigida por Brian Synger. Pero vamos, ahí acaban las coincidencias.
Generalmente reconocida como la más burda, ridícula y cutre versión que se ha dado del hombre de acero. Yo personalmente creo que se quedan cortos estos apelativos aunque la versión india tiene telita también.
El visionado de Süpermen Dönüyor es el equivalente a una mala ensoñación provocada por unos “Kebabs” en mal estado.
La pobreza de medios se hace evidente en el film desde el primer momento. Así, en un prólogo donde se nos introduce la historia del personaje, vemos el universo con sus planetas y estrellas que no son sino ¡adornos navideños sobre un fondo negro!

Inmediatamente se nos muestra el apacible hogar de nuestro Clark Kent turco que descubre (revelado por sus padres terrestres) que en realidad es un extraterrestre con poderes. Al darle sus padres un pisapapeles de cristal verde que encontraron junto al niño, este le guiará a una cueva donde lo arrojará (el pisapapeles) para que explote y así aparecer su verdadero padre, Jor-El, que le dará ciertas instrucciones y ese traje tan característico. Estamos lejos del glamour de Hollywood y aquí su padre adoptivo lejos de tener el aspecto de Glenn Ford parece más bien un cabrero Albanés, mientras que Jor-El no sólo no se parece en nada a Marlon Brando, sino que además le faltan varios dientes (probablemente a causa de la explosión de su planeta). En cuanto al traje, decir que aquí parece más que nunca un pijama con los calzoncillos por fuera, cremalleras en las mangas y unos calcetines rojos por botas. En cuanto al actor que encarna a Kent-Superman, bueno, es verdad que se preocupan de encontrar a alguien alto y con ojos azules; pero el chico no está precisamente musculado y da un aspecto de desgarbado cuando lleva el pijama puesto. En cuanto a sus gafas cuando interpreta a Clark Kent, parecen de estas que venden en las tiendas de artículos de broma, pero a la que se le ha quitado la nariz postiza, que para napia la que gasta el propio actor. Ver para creer.

¿Superman o Mortadelo con uno de sus disfraces?

A todo esto he de decir que la película saquea sin miramiento la mítica banda sonora de John Williams, ¡y hasta la de James Bond! Digo saquea porque, evidentemente, no disponían de los derechos de autor de la misma. Es más, dudo que dispusieran del dinero suficiente para pedir una conferencia con USA y pedir los derechos. De todos modos, el hecho de utilizar la música, lejos de dar empaque a la obra todavía la hace más ridícula ante la extrema cutrez de lo que vamos presenciando durante el metraje.
Y llegamos al apartado de los d-efectos especiales. Aquí es donde la pobreza se deja ver en toda su (lamentable) dimensión. Los poderes de Superman son acompañados siempre por un molesto zumbido porque si no es imposible enterarnos de que los está usando. Se añaden nuevos poderes muy útiles como el de escribir a máquina con la mente (no sé como Christopher Reeve pudo pasar sin él) e incluso los turcos se permiten algún gag picante como cuando Kent ve a una compañera de trabajo en la redacción con sus poderes de rayos x en paños menores. ¡Que picaros estos turcos!

Que malandrín, este Superman

En cuanto su poder de volar, aquí es sustituido ¡por el poder de convertirse en un madelman que vuela! Jajajaj... Y es que es tan evidente el muñequito tieso sobre impresionado en un fondo, que mejor hubiera quedado que hubiese ido este Supermen en autobús a todos los sitios. Por su parte, los fondos superpuestos son de pésima calidad y debieron ser cedidos por dicho Ministerio de Turismo puesto que se limitan a tres o cuatro paisajes típicos de Turquía.

Como aspecto positivo mencionar, eso sí, que aquí la Louis Lane es más guapa que la americana (eso no era difícil de conseguir) y que su duración es de apenas una hora y diez minutos, cosa que, para que engañarnos, se agradece mucho.
A estas alturas se me ha olvidado hablar de la trama de la película pero… ¿de verdad hace falta? Además esta es tan tontorrona y confusa que tampoco tiene más importancia.
Hasta hace muy poco era imposible disfrutar (es un decir) de esta película más que en turco a palo seco. Pero gracias a Yulifero existe una versión subtitulada donde se ha permitido el traductor unas licencias jocosas para conseguir un visionado menos traumático.

Momentos estelares del Superman Turco

No puede perdérsela: Quien se quiera echar unas risas con los amigos.
Abstenerse: El resto. Con que vean el video de arriba ya van a tener bastante.
IMDB: Ficha de la ¿película?
Como verla: Exclusivamente vía emule, gracias a una copia en V.O con subtítulos en castellano incrustados.
E-link: Super Zangolotino Anatolio - Vose - Cutrefilms 075.avi