cine, vicio, subcultura

la inenarrable aparición del renault highlander

2008-07-03T21:38:00.000+02:00

Esta imagen me provoca serias preguntas, ya que el objetivo del anuncio carece por completo de sentido si no es bajo una serie de conocimientos culturales muy concretos:

No es esto LA PRUEBA irrefutable del inminente advenimiento pajero?
Es realmente el Sr. Lambert, o un impersonator?
En el caso de que sea el auténtico, su sentido del humor es inmenso o es que hay hambre?
Y siguiendo con ese caso, no está un poco demasiado cascado?
No hace un giro un poco raro esa katana?
Qué es lo que tienen que hacer los inmortales cada 100 años?, una revisión por kilometraje?
Está este anuncio diseñado para mí, o para que me escandalice?

En definitiva: quiero ya que se detenga el mundo para bajarme de él?

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La televisión: la última esperanza.

2008-06-29T23:22:00.000+02:00

Publicado en Pastizal #5, Junio 2007

Las series de ficción de los EEUU se están comiendo el mercado. Sobre esto no tengo ninguna duda. El resto de lo que actualmente me ronda por la cabeza son meras teorías y especulaciones que intentaré plasmar con un poco de orden en las letras que siguen.

A pesar de que la producción propia de cada país intenta rebañar un poco de audiencia, resulta difícil enfrentarse con un medio que está alcanzando los niveles de importancia del mítico cine de Hollywood de los años 20, durante la época de los grandes estudios. Y esta comparativa no es nada precipitada, ya que hay muchos puntos de unión entre ambos sistemas de producción. En la actualidad, son grandes cadenas multimedia que quedan representadas en un canal televisivo, pero el sistema de directores en exclusividad, temáticas recurrentes, áreas de influencia y tipo de público objetivo, son puntos claramente en común entre ambos sistemas. Una muestra de ello sería la influencia que han adquirido personajes como Chris Carter (“The X-Files”), Josh Wheddon (“Buffy, The Vampire Slayer”), David Chase (“The Sopranos”), o J.J. Abrams (“Lost”) por encima de los productos que puedan crear, igual que pasó con los grandes directores de las “Majors”.

De hecho, las grandes empresas televisivas actuales son las continuadoras de aquellos estudios, ya sea por compartir las mismas fuentes de capital, o bien por afiliarse a los herederos directos de aquellos estudios. Ejemplos de ello son Time-Warner o Fox.

Este dato es curioso si tenemos en cuenta que, con la aparición de la televisión, se alzaron voces que la culpaban de la futura destrucción de la industria cinematográfica. Al ser gratuita, pensaban que nadie iba a pagar por ir al cine. Hoy en día se ha demostrado que era una suposición falsa, ya que el cine está muriendo por sus propios medios y culpas, pero en todo caso, lo que sí que es evidente es que en la actualidad, es en la televisión donde aparece una calidad “cinematográfica” que se está escapando por momentos de su propietario original.

Y más que calidad (un valor tan subjetivo como la coletilla “de culto”), lo que de verdad rodea a las producciones televisivas es un enorme prestigio, algo de lo que la mayoría de largometrajes hollywoodienses actuales carecen por completo.

También es cierto que esa generalización de los contenidos de los EEUU que apuntaba al principio viene rodada a causa de la masificación. Hay tal cantidad de series, que sólo por la propia inercia, acaban llenando parrillas de programación de cientos de canales de cualquier país. Por eso quiero mantener este texto en los límites de las series de ficción de más éxito internacional de seis de las más importantes cadenas estadounidenses: Fox, Warner, ABC, NBC, CBS, y querría destacar, por último, a HBO como iniciadora de ese cambio progresivo en el concepto de “ficción televisiva”.

A riesgo de generalizar demasiado, intentaré delimitar sus respectivos campos de acción. Pero partiré de la idea de que a pesar de sus rasgos distintivos, todas las cadenas van evolucionando hacia formatos muy similares, y que incluso el sistema de rodaje va evolucionando con las necesidades de las audiencias, más que con los protocolos de las propias cadenas (un caso claro de ello son los capítulos “piloto”, que antes decidían si una serie iba a emitirse o no; y ahora, con la evolución de las tramas hacia historias con continuidad, ha pasado a ser una decisión que se toma tras los 10 o 11 primeros capítulos)

Empezaré por La Fox, cadena de marcada instrumentalización política que busca en sus series la comicidad y el espectáculo; y si bien deja manga bastante ancha a sus creadores, es también famosa por su estricta disciplina y su poca paciencia a la hora de cancelar producciones de éxito que pasan por horas bajas (léase “Futurama” o “Firefly”). Series de la Fox son: “The Simpsons”, “Family Guy”, “House M.D.”, “24”, y “Bones”.

La Warner: está más enfocada al público familiar predominantemente jovem, con series de corte más clásico, aunque el avance de los tiempos le han permitido llegar hasta la fantasía y el humor irreverente, pero siempre moviéndose por los límites de lo políticamente correcto. Series de la Warner son: “7th Heaven”, “Everybody Hates Chris”, “Gilmore Girls”, “Veronica Mars”, “One Tree Hill”, “Smallville” y “Supernatural”.

La ABC, con décadas de éxitos televisivos a sus espaldas, se mantiene básicamente en lo que los yankees denominan soap-opera, (en España “culebrón”), en su mayoría dramas seriados dirigidos a indagar en las relaciones humanas de corte romántico y/o humorístico. Así se puede encontrar “Desperate Housewives”, “Brothers & Sisters”, “Grey's Anatomy” y “Lost”, uno de los mayores éxitos televisivos de todos los tiempos, que sorprende más por lo alejado que está de los conceptos generales de la cadena. Aunque en esta cadena ya es habitual este tipo de cumbres de creatividad, como demuestra que fuera la responsable de “Twin Peaks” de David Lynch.

La NBC, si bien se mantiene en unos parámetros realistas y casi costumbristas similares a los de la Warner, ha sabido rodear sus producciones de una fantasía casi anecdótica hasta dejarlas cercanas al realismo mágico más sutil: “Heroes”, “Crossing Jordan”, “Medium” y “My Name Is Earl” son claras muestras de ello.

La CBS parece haberse especializado en los dramas profesionales. Siempre del lado del “bien”, sus series giran en torno a personas con grandes responsabilidades y sobre cómo afecta todo ello a su vida personal. Ejemplos de ello son “Ghost Whisperer”, “CSI: Crime Scene Investigation”, “Close to Home", “NUMB3RS”, "Without a Trace" o “Criminal Minds”. En cambio, los temas arriesgados los ha relegado a su filial Showtime (“Queer as Folk” y “The L Word”, sobre la homosexualidad, “Weeds” sobre el consumo de marihuana, o “Masters of Horror”).

Y por último quería hablar de la HBO, auténtica revolucionaria en cuanto a ficción televisiva debido a que due la primera que pudo liberarse de la tiranía de las audiencias al ser una televisión de pago. Esta libertad le permitió evitar la autocensura y que sus temas derivaran hacia el sexo explícito, el lenguaje de la calle, y hacia un verdadero estudio de los temas adultos. Además, dirigió sus esfuerzos en la creación de hilos conductores sólidos en sus producciones, en detrimento de los capítulos autoconclusivos que solían ser el formato habitual en el resto de cadenas. Por esa capacidad de riesgo, sus series se han convertido en auténticos reflejos de la vida contemporánea. Todo tipo de personajes impensables de ser vistos en otras cadenas pasean a sus anchas por estas series, y no hay tabú que estropee una buena historia.

Los grandes cambios van dejando marca. Los tiempos avanzan, y esta revolución se ha democratizado, pero cualquier osadía en la televisión actual nace con “The Sopranos”, con “Sex and the City” o con “Six Feet Under”.

Otras series de esta cadena que han acabado marcado estilo son “Tales from the Crypt”, “Rome”, “DeadWood” o “Carnivàle”.

Lo bueno, es que de forma general se le reconocen dichos méritos. La televisión como conjunto va perdiendo prestigio conforme se va hundiendo más y más en los contenidos sensacionalistas, pero HBO ha conseguido mantener su imagen lejos de eso, y ha quedado marcada como televisión con clase, para gente inteligente y con estilo.

Pero ese aura de “contenidos de élite”, ha sobrepasado los límites de lo televisivo, y las series de la cadena han llegado a estar mejor consideradas que las propias películas de cine. Y los motivos de esto son sencillos de explicar, ya que la ventaja de una serie bien hecha sobre una película se puede resumir con una simple comparativa entre un cuento y una novela: Al igual que un cuento se debe acortar al máximo para mantenerse dentro de unos límites de extensión, y se debe simplificar para llegar a la esencia de la idea que se quiere plasmar; una novela puede extenderse en narrar detalles y entretenerse en desarrollar las ideas. A su vez una película debe sintetizar, y una serie puede explayarse hasta lo indecible (o hasta que se acabe el dinero).

Esa libertad de extensión permite no sólo explicar bien la historia, sin elipsis ni resúmenes innecesarios, sino mantener interesado a un público fiel que quiere más dosis de esas historias bien trenzadas. Que quiere ver el final de unas tramas que, con más o menos fantasía, son como la vida misma; que al estar tan llenas de detalles, tan completas y reales, son como el mundo que nos rodea.

Y eso es algo que a una película le costará mucho más hacer, por muchas secuelas, precuelas o trilogías que se filmen.

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Ilusiones Cortas XXII: Susana y David (F. Calvelo 2008)

2008-06-24T11:11:00.007+02:00

En diversas ocasiones les he hablado de la obra de F.Calvelo (no creo que haga falta repetir lo mucho me que fascinan Crisálida y Go'el). Por eso no redundaré en la increíble destreza visual del director, ni en su capacidad para aprovechar referentes y amoldarlos a su antojo.

Lo que sí que parecía constreñir su magia, era su atadura al género... un momento, ahora que intento etiquetarlo reconozco que es más complicado de lo que parece... Obviando mezcolanzas, y destellos de genialidad, se podría incluir su obra dentro del fantástico, a pesar de que sus historias se mueven desde el thriller hastra el horror sin que se haga evidente el punto de inflexión.

Y no es que esto fuera un punto negativo de una lista en la que arrollaban de forma indiscutible los pros, más al contrario. Todos sabemos que en los tiempos en los que nos encontramos, si un cortometrajista da el salto al largo es gracias a una larga lista de "éxitos" en el corto de género.

Pero entonces aparece el Calvelo de las chispeantes influencias y se obceca en rodar una "comedia romantica diferente"; y tarda 2 años en dar por terminado una película de 3 minutos, y lo hace tras simplificar su idea inicial al extremo y despojarla de artificios, sólo para convertirla en un gran artificio hecho historia de amor.

Vean, vean...
Les dejo con Susana y David

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stan

2008-06-18T09:11:00.003+02:00

Stan [1946-2008]

Ilusiones Cortas XXI: Blender (o la magia de la animación hecha con software libre)

2008-06-16T07:09:00.006+02:00

Hola Amiguitos,

Todos conocemos la animación hecha por ordenador, utilizando grandes y potentes máquinas, y software carísimo como Maya o 3D Studio Max.

El estudio The Orange Open Movie Project nos brinda dos cortos de animación hecho con software libre, en concreto hechos con el programa Blender.

Blender es un programa 100% open source con versiones para Mac, Pc y Linux completamente gratuíto, y como podréis observar en los siguientes vídeos su potencia es extraodinaria.

El primero es "Elephant's Dream" (Bassam Kurdali, 2006)

[aquí en castellano neutro]

El segundo es "Big Buck Bunny" (Sacha Goedegebure, 2008), el primer corto de animación con licencia Creative Commons digno de estar a la altura de cualquier gran producción.

Para verlos en mejor resolución, podéis visitar :

elephantsdream.org
bigbuckbunny.org

un saludo

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sketches from lost: el final de la cuarta temporada.

2008-06-12T07:25:00.003+02:00

Hoy sin spoilers

Ya tenemos final de temporada de Lost, y ya van cuatro. Se nos han desvelado grandes misterios. Pero también nos han surgido nuevas preguntas.

Me acuerdo cuando ví el final de la primera temporada y me quedé con grandes interrogantes:
- qué es humo negro?
- por qué papá Shepard aparece y desaparece?
- quién son realmente los otros?
- qué coño hace una escotilla en medio de la isla?
- por qué Jack es tan gilipollas?
- por quién se decidirá Kate?
- por qué locke puede andar y parece que tiene una relación especial con la isla?

Y ahora, cuatro años después me hago otro tipo de preguntas:
- qué es humo negro?
- por qué papá Shepard aparece y desaparece?
- quién son realmente los otros?
- qué coño hace una escotilla en medio de la isla?
- por qué Jack es tan gilipollas?
- por quién se decidirá Kate?
- por qué Locke puede andar y parece que tiene una relación especial con la isla?

A saber qué nuevas preguntas me surgirán después de ver la “finale” de la quinta temporada...

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The Cottage y los que traen el infierno.

2008-06-10T22:53:00.000+02:00

Muchas películas han combinado de forma magnífica el horror y el humor. Y es sencillo entender por qué, ya que ambos sentimientos forman parte básica de las pulsiones humanas (se podrían ver como ejemplos del más básico tándem que son Deseo de Vida y Deseo de Muerte). Tan contrapuestos que son antagónicos. Tan antagónicos que acaban tocándose por los extremos: ¿Cuántas veces una película de terror se acaba convirtiendo, por su poca finura, en algo risible, y cuántas veces el miedo es tan extremo que exhalamos una risa como válvula de escape?

Lo cierto es que la mayoría de películas que han explotado esta dicotomía (siempre que se hayan tomado los dos géneros en serio) se han convertido en clásicos por pleno derecho. Braindead es un magnífico ejemplo, pero como cumbre del gore que es, estaría en otra categoría de lo que quiero exponer. Quizá sería más apropiado hablar de Posesión Infernal, donde el gag físico tan típico del cine mudo encajaba espectacularmente bien con el terror más básico y primario.

Muchas veces se ha aprovechado el esquema de esta película (incluso el propio Raimi lo exprimió en diversas ocasiones), y alguna que otra vez se modificó para aportar pequeñas ideas nuevas que daban frescura al producto. En ese sentido, y en otro tipo de mezcla de géneros, la aportación de Abierto hasta el Amanecer fue la completa audacia de mezclar dos temáticas menos relacionadas, a priori, como son la policíaca y el horror vampírico. Pero lo importante es que las mantenía separadas completamente en el metraje, dándose el relevo la una a la otra en un punto de inflexión determinado. De repente, una película se convertía en otra.

Y esto es lo que hace de manera sorprendente The Cottage: A pesar de que la temática sería más parecida a la presentada por Posesión Infernal (grupo de personas en una cabaña en el bosque que se enfrentan al horror), el esquema de la película parece extraído de esas películas bifrontistas en las que, en un momento dado, un argumento deja paso a otro, y los roles que tenían asignados cada uno de los personajes cambia por necesidad ante el cambio de situación.

Arranca esta película al modo Coen. Un grupo de desdichados quieren dejar atrás su mala fortuna gracias a un golpe perfecto, pero no consiguen más que embarrarse más en su estupidez y su mala suerte. Y es en esta película inicial donde se desarrolla ese humor británico al que nos han acostumbrado últimamente con su buen hacer fílmico (sólo hay que tomar como ejemplo Desmembrados, o Hot Fuzz para entender a qué me refiero). Incluso la música, fanfarriera al estilo Elfman nos predispone a tomarnos la historia poco en serio. Así, la espiral de desdichas va en aumento durante la primera hora, y la salida a la situación parece casi imposible. Pero en ese momento, algo en la cinta hace un “click” y empieza una salvaje situación que no palidece delante de los mejores slashers de los últimos años. En tan sólo la media hora restante.

Y ese punto de ruptura no es otro que una escena que no parece pertenecer a ninguna de las dos partes de la película. De echo, parece sacada de cualquier otra producción de terror, y no tiene nada que ver con lo que estaba sucediendo hasta ese momento, ni tiene más valor argumental para el resto del metraje posterior. Simplemente es Doug Bradley, acompañado por un gran perro y un grupo de ancianos, haciendo una advertencia al estilo de los lugareños de las películas de vampiros u hombres lobo de antaño. Tan simple como eso.

Pero es Doug Bradley..., es normal que a partir de ahí se desencadene el infierno, ¿no creen?

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Ilusiones Cortas XX: Edgar Allan Poe - Cap.2

2008-06-07T13:31:00.008+02:00

Y quiero retomar a Poe, con otra de las versiones cortas que consiguieron mostrar algo más que pasión y buenas intenciones. Repito, busquen "The Raven" y a parte de la maravillosa versión larga de Corman (que poco tiene que ver, de todas formas, con el poema original), se encontrarán con centenares de rodajes de aficionados de escaso buen gusto y capacidad.

Pero tuvo que ser el gallego Tinieblas González el que en 1999 consiguiera acertar con una versión tan respetuosa como espectacular. Con ligeras variaciones del poema de Edgar Allan Poe (simples recortes de estrofas, imagino que por simples motivos de ritmo cinematográfico) y preocupándose más por la atmósfera sobrenatural que por la caracterización del autor (les recuerdo que el poema está narrado en primera persona y siempre se había representado al protagonista con las facciones del autor de Boston), González se mantiene con suficiente fortuna en el escueto límite entre lo pirotécnico y lo contenido. Juzguen ustedes lo apropiado de la apuesta. Desde luego es valiente.

Les dejo con The Raven... Nevermore

Una vez, en una lúgubre medianoche \ mientras meditaba, débil y fatigado \ sobre curiosos y extraños volúmenes \ de ciencias ya olvidadas \ Mientras cabezeaba \ casi dormido \ de repente oí un ruido \ Es algún visitante \ que pide entrada en mi aposento \ Para aquietar los latidos de mi corazón \ seguía repitiendo \ algún visitante tardío \ que suplica le abra \ la puerta de mi aposento \ Oscuridad \ y nada más \ Largo rato permanecí \ con los ojos clavados en la oscuridad \ maravillado \ temeroso \ soñando sueños que ningún mortal \ antes se había atrevido a soñar \ Pero el silencio no se rompió \ ninguna señal recibí de la quietud \ y la única palabra que allí se pronunció \ fue un susurro \ "Leonor" \ "Leonor" \ Y el eco me devolvió la palabra \ con un murmullo \ Simplemente esto \ y nada más.

De nuevo en mi aposento \ con el alma abrasándome por dentro \ pronto oí una llamada \ algo más fuerte que la anterior \ Seguro, seguro que alguién llama a mi celosía \ Es el viento \ y nada más \ Cuando, con gran viveza y gran batir de alas \ irrumpió en mi aposento un majestuoso cuervo \ de los santos días de antaño \ "Aunque tu plumaje sea liso y raso \ no pareces ningún cobarde \ Espectral y viejo pájaro \ que errando llegas desde la Orilla Nocturna \ decidme \ cuál es vuestro señorial nombre \ en las Plutonianas Riberas de la Noche" \ "Nunca Jamás" \ "Mucho me maravilla oir \ cómo tan feo pájaro habla claramente \ aunque escaso significado y oportunidad \ haya en tu respuesta \ pues por fuerza tengo que reconocer \ que ningún ser humano viviente \ fue jamás bendecido con la visión de un pájaro \ sobre la puerta de su aposento \ cuyo nombre fuese Nunca Jamás" \ Nada más dijo después \ ni una de sus plumas agitó \ hasta que yo murmuré más que dije \ "Otros amigos han volado antes \ Por la mañana \ él se alejará de mi \ como se han alejado ya \ mis esperanzas" \ "Nunca Jamás" \ Pero el cuervo siguió haciendo \ que mi semblante sonriera \ y que colocase una silla mullida \ delante del pájaro del busto \ y de la puerta \ Entonces, \ hundiéndome en el terciopelo \ me puse a encadenar fantasía con fantasía \ pensando en lo que aquel siniestro \ pájaro de antaño \ en lo que aquel torvo \ espectral, siniestro pajarraco \ quería decir al graznar \ "Nunca, nunca jamás".

Esta y otras cosas trataba de adivinar \ con mi cabeza cómodamente reclinada \ en el forro de terciopelo del cojín \ que reflejaba la luz de la lámpara \ Pero en cuyo terciopelo violeta \ sobre el que se reflejaba \ la luz de la lámpara \ ella \ nunca más \ se sentará \ Entonces me pareció \ que el aire se hacía más denso \ que agitaba serafines \ cuyas pisadas \ sonaban en el alfombrado suelo \ "¡Miserable! \ Tu Dios te ha permitido \ a traves de estos ángeles te ha dado \ descanso \ y mi descanso y olvido de tus recuerdos \ amada Leonor \ ¡Bebe! \ ¡Bebe de este dulce filtro \ que te hará olvidar \ a tu Leonor perdida!" \ "Nunca Jamás" \ "¡Profeta! \ ¡Cosa maligna! \ ¡Profeta, ya seas pájaro o demonio! \ Tanto si te envia el tentador \ como si la tempestad te ha arrojado \ a esta casa frecuentado por el horror \ ¡Dime! \ ¡Te imploro! \ ¿No hay ...? \ ¿No hay bálsamo en Galaad? \ ¡Dime! \ ¡Te imploro!" \ "Nunca Jamás" \ "¡Profeta! \ ¡Cosa maligna! \ ¡Profeta, ya seas pájaro o demonio! \ Por ese cielo que se cierne sobre nosotros \ por ese Dios que ambos adoramos \ dile a esta alma abrumada de dolor \ si en el lejano Edén \ podrá \ abrazar \ a la santa doncella \ a quien los ángeles llaman \ Leonor \ Abrazar \ a la rara y radiante doncella \ a quien los ángeles llaman \ Leonor" \ Dijo el cuervo: \ "Nunca Jamás" \ Y la luz de la lámpara \ que sobre él cae \ proyecta su sombra sobre el suelo \ Y mi alma \ de la sombra que yace \ y flota sobre el suelo \ no se levantará \ "Nunca Jamás".

[poema original: the raven]

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Rostros que se bifurcan

2008-06-04T09:26:00.004+02:00

Por: Nicolás Román Borré
http://nerb.over-blog.com

Ante la oscuridad de la sala,
el espectador se halla tan indefenso
como en la silla del dentista
____________________Andrés Caicedo

Las primeras imágenes que logramos apreciar de Sabine Bonnaire son difíciles, duras, por no decir, incómodas. Es casi una irritación, o un estado de indefensión, el que sentimos, porque cada vez que nos vemos enfrentados a la anormalidad, dudamos de la conducta que debemos asumir.

¿Cuál es el sentimiento que normalmente aflora: piedad, lástima, acaso compasión, o de pronto una fría racionalidad?... En la sala oscura no hay tiempo para mayores análisis, ya que sobre esa gran pantalla blanca, Sabine está presente. Ella es autista, babea, insulta, golpea y nos cuestiona inconscientemente.

Ella es el objeto de un retrato fílmico realizado por su hermana: Sandrine (1), en el cual la directora se interroga por lo que le aconteció a Sabine al ser internada cinco años en un sanatorio mental. Además, critica la ausencia de lugares apropiados para ese tipo de enfermos.

La escena siguiente es de archivo, un video familiar, donde vemos a las dos hermanas bailar. Una es rubia y la otra morena; la primera es actriz y la otra una enferma; la rubia es famosa y la morena una desconocida. Dos rostros de una belleza gala, pero con senderos diversos.

Sabine “la loca” –como le decían en la escuela– era capaz de interpretar a Bach o Schubert, componía música, tejía suéteres, elaboraba muñecas, estudiaba inglés y geografía. Al mismo tiempo, Sandrine “la comédienne” acumulaba roles de importancia mayor en: À nos amours, Sin techo ni ley, Monsieur Hire y La cautiva del desierto.

Años después, las dos caras de la moneda se encuentran de nuevo sobre el material fotosensible. Pero esta vez la morena no es fotogénica, engordó, habla con dificultades, repite las mismas preguntas. Su discapacidad empeora y su poca autonomía desapareció. La rubia, a su vez, con ayuda de dos técnicos de Claude Chabrol, la filma con un rigor impecable; soporta inclusive los golpes de su hermana, la sigue por todas partes, estudia su comportamiento e intenta obtener algunas respuestas.

Los postulados de la realizadora son claros: 1- al morir su hermano mayor, Sabine se sintió desamparada y su dolor fue transformado en violencia. 2- Seguido al cambio de comportamiento, ella debió ser recluida cinco años en una institución mental. 3- Durante ese lustro, los médicos no sabían que tenía. 4- Gracias a los medicamentos, las camisas de fuerza y un intento de suicidio, la enfermedad de Sabine empeoró.

El documental de Sandrine Bonnaire tiene la inteligencia de no acusar a nadie en particular, aunque al mostrarnos el paralelo de aquellas imágenes vivaces de su hermana durante dos décadas, y luego contraponerlas a las actuales, las deducciones a las cuales llegamos son inapelables: el conjunto de elementos que constituía la esencia y personalidad de Sabine fueron aniquilados por la falta de un diagnóstico (2) y de centros adecuados.

Sin embargo, la directora no oculta la complejidad de la situación; ella misma confiesa los intentos fallidos de vida en común de Sabine con los miembros de su familia. Además, en la película están registradas algunas tomas de agresión; por ejemplo, cuando Sabine lesiona a una enfermera con un tenedor. En este sentido, la salida fácil y recurrente no es utilizada: generalmente los responsables son siempre los demás.

La estructura del montaje asume con sobriedad la problemática de los autistas; su ritmo aborda con justeza un tema tan doloroso para Sandrine Bonnaire (como para todos los familiares en igual situación) y su documental fluye contundente desde su interior hasta nuestras almas con una pureza inusual.

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(1) La musa de Maurice Pialat. Igualmente ha interpretado personajes para: Agnès Varda, Claude Chabrol, Régis Wargnier, Patrice Leconte, André Téchiné, Jacques Rivette, Jean-Pierre Améris, etc.

(2) Años después Sabine entró a una casa experimental que cuenta con varios tipos de pacientes. Allí es diagnosticada como Psico-infantil de comportamientos autistas.

Título: Elle s’appelle Sabine
Documental - 85 minutos
Directora: Sandrine Bonnaire
Cannes 2007 – Premio de la critica internacional

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II muestra de cortometrajes fantásticos y experimentales - Marienbad 2008

2008-06-02T08:45:00.002+02:00

Con motivo de la celebración de la II muestra de cortometrajes fantásticos y experimentales Marienbad 2008 el próximo 27 de Junio, la organización abre una convocatoria de aceptación de cortometrajes a participar en la misma. Desde la web oficial (www.marienbad.es) tendrán acceso a las bases del concurso así como a la programación de la muestra, que incluye trabajos de cineastas como Velasco Broca, F. Calvelo, Paco Cavero, Juanjo Iglesias, Daniel Romero o Raúl Garán. La muestra y la entrega del galardón tendrá lugar en el CGAI de A Coruña, el 27 de Junio, a partir de las 20.30.

sketches from lost: Revelaciones

2008-05-30T06:44:00.002+02:00

Al final de la tercera temporada Desmond tuvo dos revelaciones (episodio 3x17 – “Catch-22”):
- Su amada Penny había llegado a la isla para rescatarlo y estaba en apuros.
- Charlie la iba a palmar en cualquier momento

Respecto a la primera revelación, finalmente, resultó que la paracaidista no era Penny sino Naomi, que llevaba una foto de Desmond y Penny.

Respecto a la segunda revelación, Desmond especifica que con la muerte de Charlie se salvaba Claire, ya que la había visto subiendo en un helicóptero con el bebe en brazos (episodio 3x21 – “Greatest Hits”). Por cierto, por si alguien no sabe por qué precisamente era Charlie el que tenia morir, recordaré que para desactivar la estación submarina, hacia falta teclear una clave numérica, que se correspondía con las notas de una canción de los “Beach Boys”… pero esto es otra historia.

Continuemos con la segunda revelación de Desmond: en un flashforward descubrimos que Aaron, un poco crecidito, esta con Kate y la llama mamá (episodio 4x04 “Eggtown”). Por lo que uno se pregunta: ¿Desmond se equivocó "viendo" a Claire salir de la isla en helicoptero?, ¿o es que vió a una mujer llevando en brazos a un bebé, y dio por supuesto que era Claire?

Entonces... La muerte de Charlie no sirve para salvar a Claire... ¿hubiera hecho lo mismo si Desmond le especifica que quien se queda con el niño y lo cría va a ser Kate?

¿Es por eso que ahora Charlie, se le aparece a Hurley? (episodio 4x01 - “The Beginning of the End”), ¿para que regrese a la isla y que Kate devuelva el hijo a Claire?.

¿Qué consecuencias desastrosas tendrá que el niño no sea criado por Claire, como advirtió el vidente Richard Malkin (episodio 1x10 – “Raised by Another”)?

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Ilusiones Cortas XIX: Edgar Allan Poe - Cap.1

2008-05-29T11:53:00.004+02:00

El mundo del cortometraje y la literatura se complementan a la perfección, ya que, por regla general, su finalidad artística alejada de lo comercial permite experimentar sobre obras sin tener que preocuparse a priori por derechos y licencias. Gracias a ciertas organizaciones antipiratería es posible que eso se acabe pronto, pero eso es otro tema...

Por descontado, el relato corto es una de las fuentes preferidas para los cortometrajistas, y pocos escritores de cuentos se han visto rodeados por un prestigio mayor que el gran Edgar Allan Poe. Lo fascinante de sus historias de delirio, muerte y dolor; lo mucho que aún hoy interesa la interpretación gótica de sus relatos, y, como no, la belleza de sus escritos, le hacen ser uno de los preferidos a la hora de recrear mundos en películas cortas.

Empezamos aquí un estudio de varios (todos sería imposible, ya que mientras leen vds. esto, una decena de cortometrajes basados en “Cuentos de lo Grotesco y Arabesco” se estarán rodando por todo el mundo) de los mejores cortometrajes basados en la obra de Poe.

Y quiero empezar con la que probablemente sea una de las que más proliferan, debido a la fuerza de una de las más inmortales y conocidas historias del autor: “El Corazón Delator”.

Grandes productoras, autores amateurs; con grandes actores o con aficionados, en imagen real o en animación… Una búsqueda de “The Tell-Tale Heart” en youtube refleja lo mucho que fascina esa historia de locura, asesinato y remordimientos.

Hay muchas, cierto, pero no demasiadas cuya calidad no desmerezca el producto inicial. Desde la maravillosa versión de la Metro [+ info] dirigida en 1941 por Jules Dassin (primera obra del que sería recordado como el director de Rififi o Topkapi, y que pueden ver aquí), hasta llegar a la osada versión de Raúl García [+ info] con grabaciones de Bela Lugosi como narrador, ha pasado mucho tiempo y muchas visiones.

Pero no es lugar este para recopilarlas, sino más bien para seleccionar las más destacables. Por eso, entre muchas, he escogido la versión animada de Columbia Pictures de 1953 dirigida por Ted Parmelee por varias razones: Por la voz de James Mason, por lo genial de la animación, tan clásica y tan vanguardista como podía serlo, por la violencia, por la fuerza, por ser el primer corto de dibujos calificado “para adultos” en el Reino Unido… Véanlo, y ya me dirán.

The Tale-Tell Heart (Ted Parmelee, 1953)

Y para terminar, y alejándose un poco de la historia original, cosa de agradecer entre tanta repetición temática, nos encontramos con la aportación del ovetense Alfonso S. Suárez, con una obra excelente en su visión clásica, y con la magnífica aportación (una piedra más en la leyenda) de Jacinto Molina, contenido como pocas veces le hemos visto. Verán pues una película que trae reminiscencias de las “Historias para no Dormir” de Ibañez Serrador, e incluso aporta toques paródicos del gran clásico del horror que es “El Exorcista”. Espero que les agrade tanto como a mí.

El Corazón Delator (Alfonso S. Suárez, 2001)

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sketches from lost: sobre el espacio. eggtown y ji yeon.

2008-05-27T11:00:00.003+02:00

eggtown (ep. 4x04) es uno de los capítulos más interesantes de lost.

resulta… ajeno, esa cantidad y tipo de interiores, donde los personajes comparten dramas de culebrón. espacios nuevos que, a juzgar por las respuestas de los personajes, invitan a la relajación del que los habita. el ojo y el cerebro tardan en asimilar secuencias completamente diferentes a las que estamos acostumbrados a ver. más allá de gustos. los personajes parecen perder su carácter defensivo, que sí conserva el espectador.

en estos momentos, lost (y hasta que nos dejamos sumergir), se convierte en una serie nueva en sí misma, hurley y sawyer compartiendo piso, o kate y claire hablando sobre maternidad, serian secuencias habituales dentro de una serie mediocre de tv3, como zoo, pero en lost puede resultar complejo su visionado o sumisión, por todo lo que conlleva para los personajes.

después de ver ji yeon (ep. 4x05) me alegró pensar que tal vez la idea espacial inaugurada en eggtown, no era un caso especial, sino algo a desarrollarse en esta cuarta temporada.

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cinefagia.sms_: a l'interieur + ils

2008-05-23T12:16:00.003+02:00

De: kuroi_yume
A l’interieur: dios, que angustia! Perfecta para pasar el resto del dia con el estomago descompuesto.
A: Hombrelobo Riera
Enviado: 17-May-08 11:02

De: Hombrelobo Riera
Si es lo que dije ya: últimamente estos franchutes estan que se salen. Mon Dieu!
A: kuroi_yume
Enviado: 17-May-08 11:04

De: kuroi_yume
Ils es la version sin moralina estupida de "el rey de la montaña". Sera porque no es española?
A: Hombrelobo Riera
Enviado: 17-May-08 12:50

De: Hombrelobo Riera
Mi comentario era mas superfluo: iba a decir que el culo de la Clementine me tuvo hipnotizado gran parte de la peli. Trés magnifique!
A: kuroi_yume
Enviado: 17-May-08 13:05

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Millennium (1996-1999)

2008-05-20T14:13:00.001+02:00

Los chicos de Elitevisión tienen razón en una cosa: es difícil reseñar una serie de una forma global. Al menos no es demasiado efectivo si intentamos ser respetuosos. Es evidente que de todo se puede extraer una idea general, pero no se le hace justicia exponiendo varios tópicos y valorando un conjunto de guiones a partir de aquellos.

No pretendo hacer lo mismo que en Elitevisión, analizando capítulo a capítulo (que cada uno se dedique a sus cosas), pero me gustaría decir algo de Millennium (1996-1999), y creo que sólo hay una forma de hacerlo. Analizando por separado cada una de sus tres temporadas.

En general, esta serie surgida a rebufo de la exitosa Expediente X, se podría marcar como una de las más irregulares argumentalmente de aquellos últimos años de los 90, porque sus historias no parecen centrarse de forma estable en ningún concepto. Parece que sus diferentes guionistas y directores lucharon entre ellos para llevar la temática oscura y opresiva del final del milenio a su propio terreno, y a veces parece claro el contenido sobrenatural, pero a veces lo apartan completamente para centrarse el sencillo género policíaco. Esto no sería ningún problema, si no fuera porque la continuidad entre episodios a veces se pierde, llegando incluso a inconsistencias como que el personaje principal renuncie a su trabajo en alguna ocasión, para verle ejercer de nuevo a la semana siguiente sin más explicaciones.

Pero no quiero que se me malinterprete, Millennium es una serie excelente y a pesar de las divagaciones y dudas, y a pesar de su complejo de “hermana menor lista pero relegada al segundo plano por el niño estrella que era Expediente X”, vence dignamente al resto de competidoras de temática similar (léase Profiler, o El Centinela), series que también aprovechaban el tirón del cambio de milenio, los asesinos en serie, las sectas apocalípticas, y los poderes sobrenaturales). Y lo hace porque su tono maduro y reflexivo se aparta de la espectacularidad televisiva habitual. Siendo en global un acertado análisis de la bondad y la maldad humana. Ni que decir tiene que la mayor culpa de ello la tiene Lance Henrikssen, con un personaje hecho a la medida de su leyenda.

El problema es que sus tres temporadas son prácticamente independientes. Y a pesar de que existe el nexo común de la historia de Frank Black; un exagente del FBI martirizado por el dudoso don de ser capaz de visualizar lo que sienten los asesinos, y los problemas que tiene para compaginar su trabajo de asesor criminalístico con su vida familiar, poco más tiene de continuidad entre los diferentes años en los que se emitió.

En la primera temporada, Frank se muda con su mujer y su hija a una tranquila ciudad, con la esperanza de escapar de la violencia que le rodea. A pesar de ello, empieza a trabajar en El Grupo Millennium, una organización paralela al gobierno que asesora al FBI en los casos que tienen que ver con el aumento de la violencia sectaria con la llegada del cambio de milenio. Arrancando la serie con un marcado carácter policíaco, somos testigos en los últimos capítulos del terrible trabajo de Frank; de cómo el mal existe como ente corpóreo, de cómo esto va afectando a su vida personal, y de cómo El Grupo se revela como una organización que pretende evitar el fin del mundo con el cambio de siglo.

Con la segunda temporada, llega la ruptura de su unidad familiar. Frank se ve acosado por el dolor de la pérdida y por fuerzas sobrenaturales desatadas. Ahora está completamente inmerso en El Grupo, y es testigo de que las profecías apocalípticas se van haciendo realidad. Ángeles y demonios campan a sus anchas entre asesinos en serie y catástrofes naturales. Poco a poco, y con la ayuda de una compañera que aspira a entrar en la organización, va descubriendo que Millennium es mucho más de lo que parece, llegando a convertirse más en una herramienta del fin del mundo que en una vacuna. Enfrentado a dicha organización, a su mujer y al Mal, Frank no pierde su humanidad, aunque sí la cordura después de lo que parece ser el principio del fin.

Pero llega la tercera temporada. Y apenas hay repercusiones del trágico final de la temporada anterior. Es más, hay una pequeña vuelta al principio, ya que el Mal se queda en un discreto segundo plano, y parece que todo lo malvado viene promovido por el propio Grupo Millennium. Frank vuelve al FBI, en un papel similar al de asesor, vuelven los casos policíacos puros, y volvemos a cambiar de compañera para Frank: ahora se convierte en su pupila una novata agente del FBI con unas cualidades sobresalientes. Al igual que pasaba con la primera temporada, la trama principal se desarrolla en los capítulos finales: El Grupo desaparece como personaje, aunque está detrás de todo y se convierte en el tema central. Y es el mal demoníaco, que sobresalía en la segunda temporada, el que parece diluirse entre la trama conspiranoica que inunda los guiones.

Sin mucho esfuerzo, me puedo imaginar lo que pasaba por la cabeza de los directivos de la cadena a través del transcurso de las temporadas, y no me sorprende la decisión que tomaron (y divago sin tener datos de las audiencias medias de la serie):

TEMP 1
Primera mitad de la primera temporada: “el piloto gusta, se le puede sacar jugo. Resaltemos los poderes de Black, pongamos las cosas difíciles a la familia.”

Segunda mitad de la segunda temporada: “que intervenga más ese grupo misterioso… Ah, y más rollo milenario, que no se nota…”

TEMP 2
Primera mitad de la segunda temporada: “ese juego con la familia ya no le interesa a nadie. Pongamos un poco de tensión sexual con una compañera que también tenga poderes.”

Segunda mitad de la segunda temporada: “más terror, más efectos, más cosas chungas, acabemos con la familia que no tira. Los de Millennium, que hayan intervenido en todos los sucesos históricos desde tiempos inmemoriales. Ah!, y más demonios, que hay que levantar esto! Hagamos algo grande… no sé… acabemos con la población mundial...!”

TEMP 3
Primera mitad de la tercera temporada: “Chicos, nos hemos pasado! Haced como que ha sido una epidemia sin importancia. Y Frank…?, pues que regrese al FBI y que se vuelva contra El Grupo. ¿No podría encontrarse con otra chica para que vuelva la tensión sexual?”

Segunda mitad de la tercera: “Chicos, que esto hay que acabarlo. Que salgan los demonios que tengan que salir, pero finiquitad el tema con El Grupo Millennium. Ahora que sean tan malos que no haga falta ni que aparezcan. Y cerrad como podáis, que una cuarta temporada ni de coña...”

La cuestión es que les salió un capítulo final que se nota improvisado, pero que cierra de forma aceptable lo principal (el tema familia y el tema del Grupo Millennium). Estaba proyectada una cuarta temporada, la del propio año 2000, en la que hubiéramos sido testigos de la llegada del Anticristo, pero la cadena canceló la serie sin más miramientos. La cuestión es que, teniendo un creador con el poder que tenía Chris Carter en aquella época, la serie tuvo la oportunidad de cerrar su círculo con cierta dignidad, y se pudo aprovechar (otros han tenido peor suerte) de un capítulo extra dentro de Expediente X (séptima temporada, capítulo 4: “Millennium”) para finiquitar de la mejor manera posible las principales tramas abiertas.

Si ese capítulo extra es necesario es relativo. Lo que desde luego no es, es cómodo para ninguna de las dos audiencias (aunque se presupone que los seguidores de ambas series deberían ser los mismos). Contentar a fans de dos cosas tan distantes es bastante complicado. Para los espectadores de Expediente X, este cuarto capítulo es una extraña pieza de madurez y sosiego tras un principio de temporada rocambolesco (Fox Mulder se ha vuelto loco y ha vuelto, y han descubierto que los humanos provienen de ADN extraterrestre). Es también un capítulo extraño, con un Frank Black desdibujado, al que ya se debería conocer de sobra, pero que si no era así, se presentaba como un adivino chalado. Por lo demás es un excelente capítulo de Zombies. En cambio para los seguidores de Millennium, debería resultar un episodio demasiado superficial. Frank apenas importa, El Grupo aparece tangencialmente, y ese Apocalípsis que está empezando, se convierte en una niñería de resolución demasiado simple. Aunque es, por lo demás, un excelente capítulo de zombies…

Ah!, sí, se me olvidaba: es el primer capítulo en el que Mulder y Scully, sin trucos, se dan un beso de verdad (bueno, aceptamos que es un beso de felicitación de año nuevo, pero por algún sitio se empieza…)

Más que un cierre definitivo, este capítulo no parece más que la última oportunidad de filmar un par de buenas ideas que se quedaron pendientes al faltar una temporada entera, pero desde luego no es el final que se merecía la historia del señor Black. Existe escrita (por fans y para fans) esa última temporada fantasma (parece que con el beneplácito del propio Chris Carter), y pueden echarle un vistazo aquí, pero eso es algo que queda fuera de este análisis, así como las sucesivas "temporadas virtuales"

Así pues, una serie tratada injustamente (por la incoordinación de sus propios creadores), que se convirtió en un pequeño fenómeno, pero que podía haber llegado a ser mucho más importante si se le hubiera aplicado un poco más de cariño.

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Ecos de la Torre Oscura

2008-05-18T11:50:00.003+02:00

Se estremeció pese al calor del atardecer. Resultaba inquietante el modo en que aquellos viejos recuerdos se empeñaban en salir a la superficie en presente. Era como si el pasado no hubiera muerto, como si en algún nivel de la gran torre del tiempo, todo siguiera ocurriendo.
La Historia de Lisey. Sthephen King, 2007

Lo siento mucho, Stephen. Pensé que habías conseguido dejar atrás esa historia que te corroe por dentro y se cuela entre cada una de tus palabras como agua a través de un muro de ladrillo. Pensé que habías conseguido apartarte del camino del haz que te dirige hacia ella. Pero ya ves, es algo a lo que al final te has acostumbrado sin remisión. Estás encadenado a tu torre.

Imagen: Childe Roland to the Dark Tower Came. Thomas Moran, 1859

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sketches from lost: mutable vs. inmutable.

2008-05-16T07:13:00.000+02:00

Todo cambia en lost. Todo es entropía, todo es caos. Lo que parece inmutable, pronto se derrumba en pequeños trocitos de vulnerable inestabilidad.

En el momento en que el grupo (cualquiera de los grupos) está formado, y es estable y fuerte, es cuando más fácil resulta romperlo. En cuanto aparece un líder real, como por ejemplo el Locke del final de la tercera temporada, enseguida todo se le vuelve incierto y se convierte en el más dubitativo de los seguidores en la cuarta. Cuando parece que Ben es el rehén perfecto, todo miedos y dudas (hablo, por supuesto del Ben de la cuarta temporada), enseguida toma el puesto que Locke acaba de dejar escapar (episodio 4x11- "Cabin Fever"). Repito, todo cambia en esa isla..., y fuera de ella.

Pero no sólo los personajes son inconsistentes en esta serie, en el párrafo anterior se demuestra que las afiliaciones, e incluso el carácter son mutables, pero también es fácil descubrir que las cosas inanimadas también cambian: el monstruo de humo parece saber cómo debe presentarse delante de los personajes (en el episodio 3X05 - "The Cost of Living", el hermano de Eko parece salir del humo que acaba por terminar con su vida). También cambia la localización de la cabaña de Jacob (ni Hurley parece poder encontrarla más de dos veces seguidas)... Incluso la propia isla parece poder cambiar de sitio, maldita sea! (se habla de ello en el episodio 4x11- "Cabin Fever")

Pero dentro de todo este caos, sólo dos cosas se nos presentan como inmutables. Pase lo que pase, pase el tiempo que pase, y sea donde sea, Richard Alpert siempre permanece impasible.

Richard Alpert en el nacimiento de John Locke. (ep. 4x11- "Cabin Fever")

El "ayudante" de Ben aparece en multitud de épocas, en en el transcurso de las vidas de varios de los personajes de la serie. Pero siempre igual, siempre con el mismo semblante y con los mismos misteriosos objetivos.

La serie se encargará de darnos las razones de esa extrema longevidad, aunque me temo que las respuestas deben tener que ver con la otra cosa inmutable, que se podía ver en la preview de la cuarta temporada (ese video inédito de la estación Orquidea, que fue presentada en la ComicCon 2007): el conejo nº15

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cinefagia.sms_: Speed Racer

2008-05-13T10:26:00.003+02:00

De: Hombrelobo Riera
No sé si las lágrimas en mis ojos al ver Speed Racer han sido por nostalgia o por saturación de los sentidos, pero ver la Mach 5 en pantalla grande es algo...
A: kuroi_yume
Enviado: 12-May-08 11:51

De: kuroi_yume
No, si al final los Wachowsky van a ser unos visionarios de verdad!
A: Hombrelobo Riera
Enviado: 12-May-08 11:54

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